19世紀ヨーロッパのアカデミックアート。学術絵画 19 世紀のロシアの学術芸術家

学術絵画には2つの見方があります。専門家の間では今も激しい議論が続いている。ペイントと描画 (グラフィック) の主な違いは、ペイントでは複雑な色が使用されることです。たとえば、リノカットには異なる色の複数の版画を含めることができますが、依然としてグラフィックのままです。モノクロ絵画（グリザイユ）も、本格的な絵画の準備段階ではありますが、学術的な意味での絵画とはみなされません。

実際の絵画には、理想的には本格的な複雑な配色が含まれている必要があります。

絵画クラスのための標準的な教育用静物画

アカデミックな絵画の要件: 色調と色の形のモデリング、カラーバランスの正確な再現、美しい構成(キャンバス上の位置)、色と色調のニュアンスの表示: 反射、ハーフトーン、影、テクスチャ、全体的にしっかりとした調和のとれたガンマ。画像は完全で、統合的で、調和が取れており、設定（静物またはシッター）と一致している必要があります。ロシアの古典絵画派では、自然が表現するものを空想したり超えたりすることは習慣的ではありません。

この論争は、すべての芸術家がグリザイユ画の品質（かつて白黒写真に色を付ける方法と同様）から離れて、印象派が発見した色の遊びと力で画面を満たすことができるわけではないという事実から生じています。彼らの時間。アーティストの中には、生まれながらにこのような才能に恵まれていない人もいます。すべての画家がこの解釈を持っているわけではありませんが、だからといって、彼らがグラフィックアーティストやイラストレーターとして成功することを妨げるものではありません。

ロシアのアカデミック絵画学校の巨匠として認められたヴァレンティン・セロフによる肖像画詳細カテゴリー: 芸術におけるさまざまなスタイルと動きとその特徴公開日 2014 年 6 月 27 日 16:37 閲覧数: 4009

アカデミズム...この言葉だけでも深い敬意を呼び起こし、真剣な会話を連想させます。

そしてこれは真実です。アカデミズムは、テーマの崇高さ、比喩、多様性、そしてある程度は尊大ささえも特徴としています。
これは、17 世紀から 19 世紀にかけてのヨーロッパ絵画の方向性です。古典芸術の外形に従って形成されました。言い換えれば、それは古代古代とルネサンスの芸術形式の再考です。

ポール・ドラローシュ「ピョートル一世の肖像」（1838年）
フランスにおけるアカデミズムの代表者にはジャン・アングル、アレクサンドル・カバネル、ウィリアム・ブーグローなどがおり、ロシアのアカデミズムは19世紀前半に特に顕著であった。彼は聖書の場面、サロンの風景、儀式の肖像画を特徴としていました。ロシアの学者（フョードル・ブルーニ、アレクサンダー・イワノフ、カール・ブリュロフなど）の作品は、高い技術力によって際立っていました。芸術的手法として、放浪者協会のほとんどのメンバーの作品にはアカデミズムが存在します。徐々に、ロシアの学術絵画は、歴史主義（世界を自然史的発展の中で力学的に見る原則）、伝統主義（伝統に表現された実践的な知恵を理性よりも重視する世界観または社会哲学的方向性）および写実主義の特徴を獲得し始めました。。

I.カヴェルズネフ「明るい日曜日」
「アカデミズム」という用語には、より現代的な解釈もあります。これは、体系的な美術教育と、高い技術レベルの作品を作成するための古典的なスキルを備えた芸術家の作品に与えられる名前です。「アカデミズム」という用語は現在、芸術作品のプロットではなく、作曲と演奏技術の特徴を指すことが多くなりました。

N.アノーキン「ピアノの上の花」
現代世界では、学術絵画への関心が著しく高まっています。現代芸術家に関して言えば、アレクサンダー・シーロフ、ニコライ・アノヒン、セルゲイ・スミルノフ、イリヤ・カヴェルズネフ、ニコライ・トレチャコフ、そしてもちろんイリヤ・グラズノフなど、多くのアーティストの作品にはアカデミズムの特徴が見られます。
次に、アカデミズムの代表者について話しましょう。

ポール・ドラローシュ (1797-1856)

フランスの有名な歴史画家。パリで生まれ、芸術に近い人々の間で芸術的な雰囲気の中で発展しました。アーティストとして、彼は最初は風景画で自分自身を示し、その後歴史的なテーマに興味を持つようになりました。その後、彼はロマン派の学長、ウジェーヌ・ドラクロワの新しい考えに加わりました。明晰な頭脳と繊細な美的感覚を備えたドラローシュは、描かれる場面のドラマを決して誇張せず、過剰な効果に夢中になることなく、構図について深く考え、技術的手段を賢明に使用しました。彼の歴史絵画は批評家から満場一致で賞賛され、すぐに版画やリトグラフで出版されて人気を博しました。

P.ドラローシュ「ジェーン・グレイの処刑」（1833年）

P.ドラローシュ「ジェーン・グレイの処刑」（1833年）。キャンバスに油彩、246x297 cm。
ポール・ドラローシュによる歴史的な絵画。1834 年にパリのサロンで初めて展示されました。この絵画はほぼ半世紀にわたって失われたと考えられていましたが、1975 年に一般公開されました。
プロット: 1554 年 2 月 12 日、イギリスのメアリーチューダー女王は、タワーに投獄された僭称者、「9 日間の女王」ジェーングレイとその夫ギルフォードダドリーを処刑しました。朝、ギルフォード・ダドリーは公開で斬首され、その後セント・ポール大聖堂の城壁近くの中庭で処刑された。ピーターはジェーン・グレイによって斬首されました。
伝説によると、ジェーンは処刑される前に、その場にいた限られた人々に演説し、残された品物を仲間たちに配ることを許されたという。目隠しをされた彼女は方向を見失い、自力でまな板に行く道を見つけることができませんでした。それ[足場]はどこですか? 仲間は誰もジェーンに近づきませんでしたが、群衆の中からランダムに選ばれた人物が彼女を処刑台に導きました。
この瀕死の弱さの瞬間がドラローシュの絵に捉えられています。しかし、彼は処刑に関するよく知られた歴史的状況から意図的に逸脱し、中庭ではなく塔の暗い地下牢を描いた。ジェーンは白い服を着ていますが、実際にはシンプルな黒い服を着ています。

ポール・ドラローシュ「ヘンリエッタ・ソンタグの肖像」（1831年）、エルミタージュ
ドラローシュは美しい肖像画を描き、教皇グレゴリウス 16 世、ギゾー、ティエール、シャンガルニエ、レムサ、プルタレス、歌手ソンタグなど、同時代の多くの傑出した人々をその筆で不滅の名にとどめました。彼の現代の最も優れた彫刻家は、彼の絵画や肖像画を複製することはお世辞だと考えました。。

アレクサンダー・アンドレーヴィチ・イワノフ (1806-1858)

S.ポストニコフ「A.A.イワノフの肖像」
ロシアの芸術家、聖書や古代神話を題材とした作品の創作者、アカデミズムの代表者、壮大なキャンバス「民衆へのキリストの出現」の著者。
芸術家の家系に生まれる。彼は、芸術家奨励協会の支援を受けて、父親で絵画教授のアンドレイ・イワノビッチ・イワノフの指導の下、帝国芸術アカデミーで学びました。彼はデッサンの成功により2つの銀メダルを受賞し、1824年にはプログラムに従って描いた「プリアモス、アキレスにヘクトルの遺体を求める」という絵で小さな金メダルを、1827年には大きな金メダルを受賞した。聖書の物語を題材とした別の絵画の XIV クラスのアーティストのタイトル。彼はイタリアでスキルを磨きました。
芸術家は、人生で最も重要な作品である「人々の前へのキリストの出現」を描くのに20年を費やしました。

A. イワノフ「人々へのキリストの出現」（1836-1857）

A.イワノフ「人々へのキリストの出現」（1836-1857）。キャンバスに油彩、540x750 cm。国立トレチャコフ美術館。
芸術家はイタリアでその絵に取り組みました。彼女のために、彼は人生の600以上のスケッチを実行しました。有名な芸術愛好家で慈善家のパーヴェル・ミハイロヴィチ・トレチャコフがスケッチを入手した理由は... 絵画自体を購入することは不可能でした。それは芸術アカデミーの注文によって描かれ、いわばすでに芸術アカデミーによって購入されていました。
プロット: マタイによる福音書の第 3 章に基づいています。最初の計画は、最も手前にあり、前世の罪を川の水で洗い流すために預言者洗礼者ヨハネに従ってヨルダン川に来たユダヤ人の群衆を描いています。預言者は、黄ばんだラクダの皮と、粗い布でできた軽いマントを着ています。豊かな長い髪と濃いひげが、彼の青白く薄い顔を縁取り、わずかに落ち込んだ目をしています。高くてきれいな額、しっかりとした知的な外観、勇敢で力強い姿、筋肉質の腕と脚-すべてが、隠者の禁欲的な生活からインスピレーションを得た、彼の並外れた知性と体力を明らかにしています。彼は片手に十字架を持ち、もう片方の手で人々に、岩だらけの道の遠くにすでに現れた孤独なキリストの姿を指さしています。ヨハネは集まった人々に、歩く男が新しい真実、新しい信条をもたらすと説明します。
この作品の中心的なイメージの一つは洗礼者ヨハネです。キリストは依然として、その穏やかで雄大な姿の全体的な輪郭で見る人に知覚されます。キリストの顔は、ある程度の努力をしないと見ることができません。ジョンの姿が絵の前景にあり、支配的です。彼の霊感に満ちた厳格な美しさと英雄的な性格は、隣に立つ女性的で優美な福音記者ヨハネとは対照的であり、真理の伝道者である預言者のイメージを与えています。
ヨハネの周りには、社会的性格が多様で、預言者の言葉に対して異なる反応を示す人々が集まっています。洗礼者ヨハネの後ろには、キリストの使徒、将来の弟子、追随者たちです。黄色のチュニックと赤いマントを着た、若くて赤毛の気まぐれな神学者ヨハネと、オリーブのマントに身を包んだ灰色のひげを生やした最初に呼ばれたアンドリューです。。彼らの隣には、預言者の言うことを信じない「疑う人」がいます。洗礼者ヨハネの前に人々のグループがいます。熱心に彼の言葉に耳を傾ける人もいれば、キリストに目を向ける人もいます。そこには放浪者、虚弱な老人、そしておそらくユダヤ政府の代表者であろうヨハネの言葉に怯える人々がいた。
洗礼者ヨハネの足元には、裕福な老人が毛布の上に地面に座っており、その隣にしゃがんでいる奴隷がいます。黄色くて痩せていて、首にロープを掛けられています。人間の道徳的再生についての芸術家のアイデアは、初めて希望と慰めの言葉を聞いた屈辱的な男性のイメージにあります。
絵の前景の右側では、おそらく裕福な家庭に属している、ほっそりしたハンサムな半裸の若者が、顔の豊かなカールを投げ返し、キリストを見つめています。ハンサムな半裸の若者の隣には、少年とその父親が「震えている」。彼らはちょうど清めを終えて、今興奮してジョンの話を聞いています。彼らの貪欲な注意力は、新しい真実、新しい教えを受け入れる準備ができていることを象徴しています。赤毛の若者と「震える者たち」のグループの後ろには、ヨハネの言葉に敵対する国教の支持者であるユダヤ人の大祭司と律法学者たちが目立ちます。彼らの顔には、不信感と敵意、無関心、横顔に描かれた鼻の太い赤い顔をした老人に対する明確に表現された憎しみなど、さまざまな感情が表れています。さらに群衆の中には、暗赤色のマントを着た悔い改めた罪人、数名の女性、そして秩序維持のために政府から派遣されたローマ兵もいる。岩だらけの海岸平野が周囲に見えます。深みには都市があり、地平線には巨大な青い山々があり、その上には澄んだ青い空があります。

イリヤ・セルゲイヴィチ・グラズノフ (1930 年生まれ)

ソビエトとロシアの芸術家、画家、教師。ロシア絵画、彫刻、建築アカデミーの創設者であり学長、I.S.グラズノワ。学者。
レニングラードの歴史家の家庭に生まれる。レニングラード包囲戦を生き延びたが、父、母、祖母、その他の親戚が亡くなった。 12歳のとき、彼は包囲された街から「命の道」に沿ってラドガを通って連れ出された。 1944年に封鎖が解除されると、彼はレニングラードに戻った。彼はレニングラード中等美術学校のI. E. レーピンにちなんで名付けられたLIZhSAで、ソ連の人民芸術家であるB. V. イオガンソン教授の下で学びました。
1957年、グラズノフの作品の最初の展覧会がモスクワの中央芸術家会館で開催され、大成功を収めた。

I. グラズノフ「ニーナ」 (1955)
1978年以来、彼はモスクワ芸術研究所で教鞭を執った。 1981年に彼はモスクワの全連合装飾・応用・民俗芸術博物館を組織し、その館長に就任した。 1987 年以来 - 全ロシア絵画、彫刻、建築アカデミーの学長。
彼の初期の絵画は 1950 年代半ばから 1960 年代初頭のものです。学術的な方法で実行され、心理学と感情によって区別されます。「レニングラードの春」、「エイダ」、「ニーナ」、「最終バス」、「1937」、「二人」、「孤独」、「メトロ」、「ピアニスト」ドラニシニコフ」、「ジョルダーノ・ブルーノ」。
現代都市の生活をテーマにした一連のグラフィック作品「Two」、「Tiff」、「Love」の著者。
絵画「20世紀のミステリー」（1978年）の作者。この映画は、前世紀の最も傑出した出来事や英雄を、思想闘争、戦争、災害とともに紹介します。
ロシア1000年にわたる歴史と文化を描いたキャンバス「永遠のロシア」の著者（1988年）。

I. グラズノフ「永遠のロシア」（1988）

I. グラズノフ「永遠のロシア」(1988) キャンバスに油彩、300x600
ロシアの歴史全体が一枚の絵の中にある。世界の芸術はそのような例を知りません。絵画「永遠のロシア」は、真の偉大さにおけるロシアの歴史の教科書、ロシアの栄光への歌と呼ぶことができます。
グラズノフは、ロシア古代に特化したグラフィック様式の作品、「ロシア」（1956 年）、「クリコヴォ野原」（1980 年）などの作者でした。
F. M. ドストエフスキーの主要な作品の一連の挿絵の著者。
パネル「世界文化と文明へのソビエト連邦人民の貢献」（1980年）の著者、パリのユネスコビル。
ソ連および外国の政治家、著名人、作家、芸術家の一連の肖像画を作成：サルバドール・アジェンデ、インディラ・ガンジー、ウルホ・ケッコネン、フェデリコ・フェリーニ、デビッド・アルファロ・シケイロス、ジーナ・ロロブリジーダ、マリオ・デル・モナコ、ドメニコ・モドゥーニョ、イノケンティ・スモクトゥノフスキー、宇宙飛行士ヴィタリー・セバスチャノフ、レオニード・ブレジネフ、ニコライ・シチェロコフなど。

I. グラズノフ「作家ヴァレンティン・ラスプーチンの肖像」（1987年）
「ベトナム」「チリ」「ニカラグア」シリーズの著者。
演劇芸術家: ボリショイ劇場でN. リムスキー＝コルサコフのオペラ「キーテジの見えない都市と乙女フェブロニアの物語」、A. ボロディンの「イーゴリ王子」、「女王の女王」の演出デザインを作成。ベルリン・オペラにてP.チャイコフスキー作曲『スペード』、オデッサ・オペラ・ハウスにてバレエ『仮面舞踏会』A.ハチャトゥリアン他
彼はマドリッドのソビエト大使館の内装を手がけました。
大クレムリン宮殿を含むモスクワ・クレムリンの建物の修復と再建に参加。
新しい絵画「Dekulakization」、「寺院からの商人の追放」、「最後の戦士」、油絵の中での生活からの新しい風景画の作者。自由な技法で作られました。アーティストの叙情的な自画像「And Spring Again」。

I. グラズノフ『放蕩息子の帰還』 (1977)

セルゲイ・イワノビッチ・スミルノフ (1954年生まれ)

レニングラード生まれ。彼は、V.I.スリコフにちなんで名付けられたモスクワ国立学術芸術研究所を卒業し、現在この研究所で絵画と構成を教えています。作品の主なテーマは、モスクワの都市風景、20世紀初頭のロシアの休日と日常生活、モスクワ地方とロシア北部の風景です。

S.スミルノフ「睡蓮と鐘」（1986年）。紙、水彩
彼はロシア絵画の古典的方向性の現代代表者を結びつけるロシア世界芸術家協会の会員であり、アカデミズムの伝統を継承し発展させています。

S.スミルノフ「啓示の霜」
現代のアカデミックアーティストは自分自身にどのような課題を課しているのでしょうか？その中の一人、ニコライ・アノキンはこの質問にこう答えました。これこそが美しいものです。深さ、美しさは、外部効果によって必ずしも輝くとは限りませんが、本質的には本当の美学です。私たちは先人たちが持っていた形式の熟達と熟達を発展させ、理解するよう努めています。」

N. アノーヒン「ラキティン家の古い家で」（1998）

XVI-XVII世紀の変わり目のイタリアの絵画。 2 つの主要な芸術運動が現れます。1 つはカラッチ兄弟の作品に関連しており、「ボローニャのアカデミズム」と呼ばれ、もう 1 つは 17 世紀のイタリアの最も偉大な芸術家の 1 人の芸術に関連しています。カラヴァッジョ。

ボローニャのアカデミズム- 16世紀末に生まれた方向性。そして17世紀に引き継がれました。イタリア絵画における重要な位置。その代表者に対する態度は時間の経過とともに変化しました。同時代の人々は学者たちを傑出した大家だとみなしていましたが、1世紀後の19世紀には完全に忘れ去られていました。ルネサンス絵画の弱点を模倣したとして非難された。

「正しい道のアカデミー」は、芸術家のいとこであるロドヴィコ（1555-1619）、アゴスティーノ（1557-1602）、アンニーバレ（1560-1609）のカラッチによって、1585年にボローニャに設立された小さな個人工房の名前でした。したがって、「ボローニャのアカデミズム」という名前が付けられました。彼らは、美を真に理解し、彼らの意見では衰退した絵画芸術を復活させることができる巨匠を教育したいと考えていました。

この観点には重大な根拠がありました。 16世紀後半。 20 年代から 30 年代にイタリア美術界で起こったマニエリスムの理論家は、画家たちに大きな影響を与えました。彼らは、万人に共通する芸術的理想など存在しないと主張した。アーティストは、本質的に自然発生的で予測不可能であり、工芸のルールに制限されない神聖なインスピレーションに基づいて作品を作成します。絵の具は、神が芸術家の魂の中に置いた計画の豊かさと繊細さを伝えることができないため、技術的な実行によって絵画の価値を判断することはできません。スキルを学ぶことはそれほど重要ではないと考えられていました。

アカデミーはこれらの見解に反対した。カラッチ兄弟は、美には永遠の理想があり、それは古代芸術、ルネサンス芸術、そして何よりもラファエロの作品に具体化されていると宣言しました。アカデミーは技術を習得するための継続的な練習を重視しました。カラッチ兄弟によれば、そのレベルは手先の器用さだけでなく教育や知的鋭敏さにも左右されるため、歴史、神話、解剖学といった理論的な授業がプログラムに登場したという。

将来のヨーロッパのすべてのアカデミーの原型となったボローニャ・アカデミーの原則は、兄弟の中で最も才能のあるアンニーバレ・カラッチ（1560-1609）の業績に遡ることができます。カラッチは自然を注意深く研究し、研究しました。彼は、自然は不完全であり、古典的な規範に従って描写に値する主題となるためには、変容し、高貴になる必要があると信じていました。したがって、カラッチのイメージには避けられない抽象性、修辞的な性質があり、真の英雄主義や美しさの代わりに哀愁が漂います。カラッチの芸術は非常にタイムリーであり、公式イデオロギーの精神と一致していることが判明し、急速に認知され普及しました。

カラッチ兄弟は記念碑絵画と装飾絵画の巨匠です。ボローニャの学者の最初の作品の 1 つであり、最も有名な作品は、1597 年から 1604 年にかけてアンニーバレとアゴスティーノカラッチ、および数人の学生によって行われました。 - ローマのファルネーゼ宮殿のギャラリーにある、ローマのファルネーゼ宮殿にあるオウィディウスの「変身」の場面を描いた絵画。彼らのデザインは、ミケランジェロの記念碑的な絵画からの強い影響を示しています。しかし、彼とは異なり、カラッチ兄弟は絵画の抽象的な美しさ、つまりデッサンの正確さ、色の斑点のバランス、明確な構成を第一に考えました。彼らは内容よりも形式の完璧さに重点を置きました。アンニーバレ・カラッチは、いわゆる英雄的な風景、つまり理想化された架空の風景の創造者でもありました。なぜなら、自然も人間と同じように（ボローニャ人によれば）不完全で荒々しく、芸術で表現するには洗練が必要だからです。これは、奥行きのあるシーンの助けを借りて展開される風景であり、バランスの取れた木の塊とほぼ必須の遺跡があり、小さな人物は自然の偉大さを強調するためのスタッフとしてのみ機能します。ボロネーゼのカラーリングも同様に伝統的です。暗い影、局所的にはっきりと配置された色、ボリュームの中を滑る光です。

16 世紀から 17 世紀の変わり目に、ボローニャの画家 アンニーバレ・カラッチ (1560 - 1609)、カラヴァッジョと同様、彼はイタリア絵画の改革者となった。反逆者のロンバルディア人とは異なり、彼は古代とルネサンスの古い文化的伝統の熱心な守護者であり、オドアルド・ファルネーゼ枢機卿の宮廷芸術家であり、イーゼル作品とともにフレスコ画を制作した優秀な装飾家でもありました。二人はそれぞれ異なる道を歩み、イタリアのみならず、17世紀に台頭してきた他の美術学校の絵画に大きな影響を与えました。

アンニーバレ・カラッチの作品は、ルネッサンス様式の終わりに自然と歴史に対する異なる感覚が生まれたときに、芸術家にとって必要となった国家の伝統に対する新しい態度を伝えています。現実を新たに具現化するという課題は、カラッチにとってもカラヴァッジョにとっても緊急の課題であった。しかし、ロンバルディア人のような自由で精神的に抑制されない彼の崇高な、過去や伝統に対する態度は、芸術家が模倣しようと努めている理想の性格を帯びています。アンニバレの芸術では、自然と理想化、現実と神話が絡み合っています。そして、自然と実像の理想的で知的な調整を相関させるこの原則は、アンニーバレ・カラッチの芸術を起源とする古典主義スタイルの巨匠たちの作品の基礎を形成することになります。

アンニーバレはカラッチ三兄弟の中で最も才能のある画家でした。彼はいとこのロドヴィコ（1555 - 1619）から絵画を学び、弟のアゴスティーノ（1557 - 1602）から彫刻を学びました。彼はイタリアの都市を旅し、ヴェネツィア、パルマ、おそらくフィレンツェを訪れ、1582年からボローニャで働きました。同年、カラッチ兄弟は、16 世紀末からイタリアに存在した絵画アカデミーの 1 つである「真の道に入った者のアカデミー」をここに設立しました。その壁からは、グエルチーノ、ドメニキーノ、G. レーニ、G. ランフランコなどのボローニャ派の有名な巨匠が輩出しました。すべてのアカデミーと同様に、トレーニングの原則は、古いイタリアのマスターをコピーし、自然を研究し、選択の最新のアイデア、つまり、イタリアのマスターの最高の成果を具体化した特定の理想的なモデルとの相関関係に従属することに基づいていました。 16世紀。しかし、自然を具体化するこの方法は、さまざまな芸術家から借用した個々の要素の折衷的な組み合わせを意味するものではなく、兄弟それぞれ、特にアンニバレの絵画の詩的利点を損なうものではありませんでした。その後のカラッチ兄弟の活動の評価における悲劇的な役割は、カラッチ兄弟の伝記作家マルヴァジアの捏造によって演じられた。マルヴァジアは、彼自身が作曲したソネットをアゴスティーノのものとし、アンニーバレへの手紙を帰したものであり、その中で兄弟の手法は折衷的で、基本的なものとして紹介されていた。選択理論について。そのため、アンニバレの理想と現実の融合の真の価値を明確にすることが長らく困難でした。

ボローニャ時代 (1582 年から 1594 年) には、祭壇画、神話の内容を描いた絵画、風景、肖像画、現実の場面を描いたいくつかの画像が作成されました。穏やかな光と空気の霞に包まれた環境に神話の登場人物が登場する牧歌的な世界の美しさは、1590 年代の絵画「アドニスがヴィーナスを見つける」（1595 年、ウィーン、美術史美術館）や「キューピッドと 2 人のサテュロスのバッチェ」に伝えられています。』（フィレンツェ、ウフィツィ美術館）。過去の文化的伝統として古代彫刻やルネサンス絵画と関連付けられた神々のイメージは、生命の要素的で官能的な充実感を体現しています。これは、キャンバスの色のエネルギー、アンニーバレのボローニャパレットの明るくクールで明るい色によっても促進されます。

アンニバレは、高貴で享楽的ではない、別の荒々しい現実の世界を、絵画「肉屋」（1580 年代初頭、オックスフォード、クライストチャーチ）で描いています。しかし、肉屋で働く一般の人々は、真っ赤に塗られた肉の死骸から、恐ろしい残忍な自然主義の感情を呼び起こしません。このような「市場の風景」を描くことは、北イタリアの芸術家の間で一般的でした。

アンニーバレの才能のグロテスクな側面は、彼の肖像画タイプの「豆を食べる人」（1580 年代初頭、ローマ、コロンナ美術館）、「猿を持つ若者」（1580 年代後半、フィレンツェ、ウフィツィ美術館）で明らかになりました。アンニバレは、理想に一致しないすべてのものを指摘し、粗さ、欠陥、特徴的な性質を強調し、芸術的理想と相関関係を持たずにそれを真実に伝えます。アンニーバレの自画像には、特定の生活状況との予期せぬつながりが数多く見られました。「甥のアントニオとの自画像」（ミラノ、ブレラ美術館）、「パレット上の自画像」（1590 年代、サンクトペテルブルク、エルミタージュ国立美術館） ; 繰り返し - 1595?、フィレンツェ、ウフィツィ美術館）、自然に対する彼の強い関心を明らかにしています。

「エジプトへの飛行のある風景」（1603 年頃、ローマ、ドリアパンフィーリギャラリー）や「エジプトへの飛行中の聖家族の休息」（1600 年頃、サンクトペテルブルク、サンクトペテルブルク）の作品には、理想と自然が調和した高度な調和で現れています。サンクトペテルブルク、エルミタージュ国立美術館）。丘、渓谷、城、川や海沿いの遠くに見えるものなど、理想的な自然を備えた世界の巨大な普遍的な絵を再現したパノラマには、聖人、羊飼い、船頭、動物の群れなど、室内に響くような個々の人物が含まれています。。この理想的な宇宙世界と具体的な世界が造形的かつ感情的に一体化し、静かで牧歌的な生命の流れを感じさせます。アンニーバレ・カラッチは、古典的な、いわゆる英雄的な自然のイメージの創造者となりました。

そして同時に、古典的遺産の認識におけるアカデミックな冷たさの感覚は、キャンバス（「誰が来るの？」、1600年頃、ロンドン、ナショナル・ギャラリー）や「十字路のヘラクレス」（ナポリ）で明白である。、カポディモンテギャラリー）、聖書や神話の登場人物の大きな彫刻のような人物が展示されています。

ファルネーゼ枢機卿のギャラリーの絵画は、ローマ時代 (1595 ～ 1609 年) の最も重要な作品でした。ボックスヴォールト、端壁、ルネットの塗装プログラムはアグッキ枢機卿によって編纂され、オウィディウスの『変身物語』にインスピレーションを受けて作成された。観客には、幻想と現実の境界が移動する空間が提示されます。額装された絵画から壁の幻想的な建築装飾への移行は継続的に起こり、「現実」と「幻想」の比率が変化し、現実と装飾の役割が変わります。ダイナミックな動きが絵画の装飾的なリズムに浸透しています。そして、アンニバレによって一貫して実行されたこの運動の、あたかも制御されていない流れのような自然発生的な原理は、記念碑的なバロック絵画の原理を先取りしています。アーティストの想像力によって再現された美と愛の世界は、享楽的な官能性で息づいています。ホールの隅に描かれた大空への突破口からは、空気によって煽られ、太陽に照らされ、明るいマットを与えているように見えます。明るく飽和した色に。「理想」と「現実」の分かちがたい統合が、この絵の中で再びインスピレーションを獲得します。

キリストの埋葬と追悼、洪水、聖人の処刑という悲劇的なテーマは、後期の作品で芸術家を興奮させました。『ファルネーゼのピエタ』（1599～1600年、ナポリ、カポディモンテ美術館）は枢機卿の家族のために書かれた。伝統的な図像のスキームに目を向けても、アンニバレはシーンを深く真実の感情で満たすことを妨げませんでした。場面に哀愁を与え、キリストの体を支えるマリアの悲しみを真摯に伝えます。

アカデミー卒業生の第一世代では、グイド・レーニ（1575～1642）、ドメニキーノ（本名ドメニコ・ザンピエリ、1581～1641）、グエルチーノ（本名フランチェスコ・バルビエリ、1591～1666）が特に人気があった。これらの画家の作品は、高度な技術を特徴としていますが、同時に感情的な冷たさと主題の表面的な読み取りを特徴としています。それでも、それぞれに興味深い特徴があります。

したがって、ドメニキーノの絵画「聖ヒエロニムスの最後の聖体拝領」（1614 年）では、尊大で細部が詰め込まれた主要なアクションよりも、非常に表情豊かな風景が見る者を魅了します。

ローマのヴィッラ・ルドヴィージにあるグエルチーノの天井ランプ「オーロラ」（1621 - 1623）は、戦車に乗った夜明けの女神や他の登場人物が動く息をのむようなエネルギーで見る者を驚かせます。グエルチーノの絵は興味深いもので、通常はペンで軽くブラシをかけて描かれています。これらの作品では、テクニックの妙技はもはや工芸ではなく、高度な芸術になりました。

サルヴァトール・ローザ (1615-1673) は学者の間で特別な地位を占めています。彼の風景は、美しい古代と何の共通点もありません。通常、これらは深い森の茂み、孤独な岩、放棄された遺跡のある砂漠の平原の画像です。ここには確かに人々がいます。兵士、浮浪者、そして特に多くの場合は強盗です（17世紀のイタリアでは、強盗団が都市や地方全体を恐怖に陥れることがありました）。ローザの作品に登場する強盗は、自然界の陰鬱な元素の力の存在を象徴しています。学術的伝統の影響は、自然を「高貴に」し「正す」という願望の中で、明確で整然とした構成に反映されています。

あらゆる矛盾にもかかわらず、ボローニャの学者たちは絵画の発展において非常に重要な役割を果たしました。カラッチ兄弟によって開発された芸術家養成の原則は、今日でも存在する学術教育システムの基礎を形成しました。

何世紀にもわたって、人は自分の周りの世界の完璧さと調和を賞賛してきました。人生のあらゆる瞬間の美しさとユニークさをキャンバス上に捉えて捉えようとしました。多くの芸術家は、目に見える世界の調和のとれた色の組み合わせをキャンバス上に表現しようとして、キャンバスの平面上にカラーで描写する際の特定の絵画原理と法則の存在についての結論に達しました。自然。

過去と現在の偉大な巨匠の絵画体験を探求しながら、ロシアの芸術家であり教師でもあるニコライ・ペトロヴィチ・クリモフは、その理論の中で写実的な絵画の基本法則と原則を最もシンプルかつわかりやすく概説しました。例: 「灰色の日の草は、晴れた日の日陰の草と同じくらい緑色です。晴れた日に煙突から屋根に映る影は、曇りの日と同じで、太陽に照らされていないだけです。そしてもちろん、このこの法則はすべての偉大な巨匠たちに知られていました。」

クリュモフは写実絵画を「現実の生活をキャンバス上に伝える」芸術と呼んでいます。絵画における芸術言語の独創性について、クリモフは次のように述べています。「真の独創性は、真実を伝えたいという誠実な願望の結果です。」

「絵画芸術では、光と色の真実の関係において、自然または自然の表現力を伝える必要があります。これを行うには、自然を研究し、私たちを取り巻くすべてのものの表現力を注意深く観察する必要があります。 ..ヴルーベルは現実主義者です。彼は自然を忠実に観察し、人生の素晴らしいシーンのすべての色とトーンを取り入れました。しかし、彼は無生物（切り株、石）から生物オブジェクト（デーモン、パン）にトーンを移しました。絵を描く技術を十分に習得した場合にのみ、このような作業を行うことができます。」

写実的な芸術における主な絵画原則は、色とトーンの法則です。クリモフは、彼の絵画理論全体を、それらの切っても切れない相互作用に基づいて構築しています。「写実的な絵画には、色とトーンという 2 つの主要な概念があります。混同しないでください。色の概念には、暖かさと寒さの概念が含まれています。音色の概念は明暗の概念です。 ... 空間素材のイーゼル絵画において、色とトーンは切り離すことができません。孤立した色はありません。階調を間違えた色はもはや色ではなく、単なる絵の具であり、空間に物質の量感を伝えることはできません。色は組み合わせや絵の関係で現れます。色は絵画の魂であり、その美しさと表現力です...ボリュームと空間はトーンによって伝えられます。絵画においても、音楽においても、優れたオーケストラのように、すべてが一貫性と調和を保っていなければなりません。

絵画における支配的かつ基本的な法則はトーンの理論です。クリモフは、現実を写実的に描写する最高の巨匠たちの何世紀にもわたる経験を研究し、次のように結論付けています。過去の偉大な現実主義者は皆、同じ調子で書いていました。ロシアの最高のアーティストの中には、レーピン、レヴィタン、セロフ、ヴルーベリ、コロヴィン、アルヒポフの名前を挙げます。」ここには、ルネッサンスの巨匠、ルーベンス、レンブラント、ベラスケス、バルビゾン家、そして印象派運動の代表者モネ、ドガ、シスレー、ルノワールなど、非常に多くの名前をリストすることができます。

「適切なトーンはアーティストを細部の作業から解放し、絵に深みを与え、空間にオブジェクトを配置します。全体的なトーンと、個々のオブジェクトと絵の各部分のトーン間の正しい関係が捉えられ、見出されるような作品だけが、絵のように美しいと呼ばれることができます。

同じ絵の具の色合いの強度や開口率が異なる場合、色調の違いについて話しています。絵具が異なっていても開口率が同じであれば、色調は同じです。絵が違う色で描かれている場合、

ただし、ある開口率の場合です。そうすれば、絵はワントーンで描かれていると言えます... トーンの誤差は間違った色を与えます。適切なトーンがなければ、自然、空間、物質の一般的な状態を真実に伝えることは不可能です。一部の色の変更は、写実的な絵画のこれら 3 つの基本要素に影響を与えることができません...色が見やすくなります。絵の才能のある人の目だけがトーンの違いを微妙に見ることができます。つまり、そのような人は芸術家になる可能性が高いことを意味します。したがって、鋭い耳を持つ音楽家は半音未満の違いを聞き分けることができます。

絵画における色の独自性と色の調和の法則は、絵画の一般的な色調に基づいています。「音楽と同じように、絵画にも常に特定の調性が存在します。これが法律だ。」「ある芸術家は見たものすべてを青く描き、別の芸術家は赤く描き、3番目の芸術家は灰色に描きます。しかし、全体的なトーンが真実であれば、彼らは全員画家です。」

「全体的なトーンとは、全体としての絵全体が従属する暗さの度合い、色の光の強さのことです。灰色の日の全体的なトーンは 1 つですが、晴れた日の全体的なトーンは異なります。部屋の中では、全体のトーンがまた異なり、外の照明によっても変化します。ここで、偉大な芸術家の絵画のさまざまな色調、さまざまな色域が得られます。レーピンの絵画「行列」を見てみましょう。それはなんと太陽の光を持っていることか、どれほど強くて朗々としていることか。「宣伝者の逮捕」という小さな絵を見てみましょう。彼女はなんて暗いんだろう。破れた紙があります。床で白くなってしまうものは、白ではなく「墨」と書いてありますが、白くなってしまいます。

絵のように美しいものになるように絵を描くにはどうすればよいですか？私たちは、ある主題と別の主題との関係を考慮して書かなければなりません。

かつて彼らは私に修復するためにオランダ人を与えました。空は青かった。かつては、ラファエロは明るい特別な色で描いた、一般にイタリア人は今ではやっていないような素晴らしい青い色で青い空を描いたと言うのが通例でした。そして今、その穴を青いペンキで埋めようとしましたが、まったく同じではなく、うまくいきません。とても明るくて青い色になります。それから暗くし始めて、緑色の絵の具を混ぜたアンバーまで進みました。オランダ人に関する他のものはすべて赤みがかっていて、雲も赤みがかっていて、その背景では琥珀色の空がひどく青く見えました。ですから、昔の巨匠たちは特別な絵の具を持っていませんでした。」

目に見える世界の物質性を伝える際、写実的な絵画は再び色調の関係に基づいています。自然主義的な絵画とは異なります。

「絵画とは、目に見える物質をトーン（プラスカラー）で表現することです。

本物の画家は絵に鉄を入れようとはしませんが、色調の調和と共通の色調の発見のおかげで、各色調がその位置に正確に収まるという事実のおかげで、結果として正しい画像が得られます。材料。

アーティストはトーンを取得し、顔とドレスを汚しますが、ドレスはシルクで、顔は肌色であることがわかります。なぜなら、彼は全体的なトーン、色、そして色の全体的な調和を正しく理解していたからです。そして、ドラクロワの言葉が出てきます。「土をください。そうすれば太陽を描きます」

「自然主義者は色調を認識せず、色調の問題を扱いません。自然主義の理想は、静物画を切り取り、額に入れて絵画のように飾ることです。」

「すべてのアーティストは、オブジェクトの色合いを自然に近づければ近づけるほど、そのオブジェクトの素材がよりよく伝わることに気づいています。逆も同様で、これらの色合いが観察されない場合、透過されたオブジェクトの素材は消えてしまいます。冬と書くと、石灰で、絹で羊毛で、体はゴムで、ブーツは鉄で、雪を作ります。

細部の仕上げではなく、適切な色合いがオブジェクトの素材を決定します。

全体的なトーンの忠実さと、絵の中の個々のオブジェクト間の関係の忠実さにより、芸術家は過度の詳細を排除することなく自然の一般的な状態を正確に伝え、空間内にオブジェクトを正しく配置し、その素材、つまり本当の人生を説得力を持って伝えることができますキャンバスの上で。」

文学：

ニコライ・ペトロヴィッチ・クリモフは芸術家であり教師です。記事、思い出。 M：イメージです。アート、1989

本

後期アカデミズムとサロン (ギフト版)、エレナ・ネステロヴァ、この本は 19 世紀後半から 20 世紀初頭の国内の後期アカデミックおよびサロン芸術に捧げられています。最近まで、この芸術は反社会的であるとして厳しく批判されていました。カテゴリー: 絵画、グラフィック、彫刻シリーズ: ロシア絵画コレクション出版社:

19世紀ヨーロッパのアカデミックアート。 学術絵画 19 世紀のロシアの学術芸術家