日本のモノクロ絵画は、東洋美術の独特な現象の一つです。 これには多くの作業と研究が費やされてきましたが、非常にありきたりなものとして認識されることが多く、場合によっては装飾的でさえあります。 そうではありません。この日本人アーティストの精神世界は非常に豊かであり、彼は美的要素よりも精神的な要素を重視しています。 東洋の芸術は、外部と内部、明示的と暗黙的の総合です。
今回はモノクロ絵画の歴史ではなく、その本質に注目してみたいと思います。 これについてお話します。
屏風 『松』 長谷川等伯 1593年
私たちがモノクロ絵画で目にするものは、紙、筆、インクという基本的な三要素とアーティストの相互作用の結果です。 したがって、作品を正しく理解するには、作家自身とその姿勢を理解する必要があります。
『山水図』 雪舟 1398年
紙日本人の主人にとって、それは自分の気まぐれに従う単なる手元の素材ではなく、むしろその逆です。それは「兄弟」であり、したがってそれに対する態度はそれに応じて発展しました。 紙は周囲の自然の一部であり、日本人は常に自然を畏敬の念を持って扱い、征服するのではなく、自然と平和に共存しようと努めてきました。 紙は、一定期間、特定の場所に立っていた過去の木であり、その周囲にある何かを「見て」、それをすべて保存しています。 これが日本のアーティストが素材をどのように認識しているのかです。 多くの場合、作業を開始する前に、マスターは空白の紙を長い間見て（熟考し）、それから初めて絵を描き始めました。 現在でも日本画の技法を実践する現代日本の画家たちは、紙を厳選しています。 彼らは製紙工場から注文を受けてそれを購入します。 各アーティストは一定の厚さ、透湿性、質感を持っています（多くのアーティストは、この紙を他のアーティストに販売しないという工場の所有者との協定を結んでいます）。したがって、それぞれの絵はユニークで生き生きとしたものとして認識されます。
『竹林で読書』徐文、1446年。
この資料の重要性について言えば、清少納言の『枕元の手記』や紫式部の『源氏物語』といった日本文学の有名な記念碑を挙げる価値があります。『手記』と『源氏』の両方にプロットが見られます。廷臣や恋人たちがメッセージを交換するとき。 これらのメッセージが書かれた紙は、適切な季節、色合い、そしてテキストの書き方がその質感に対応していました。
『石山神社の紫式部』巨泉
みがきます- 2 番目のコンポーネントはマスターの手の続きです (これも天然素材です)。 したがって、ブラシもオーダーメイドで作られましたが、ほとんどの場合、アーティスト自身が作成しました。 彼は必要な長さの毛を選択し、ブラシのサイズと最も快適なハンドルを選択しました。 マスターは自分の筆だけを使って絵を描きます。 （個人的な経験から：私は中国の芸術家、蒋実倫氏のマスタークラスを受講していました。聴衆は、マスタークラスに参加していた彼の生徒たちが何ができるかを見せてほしいと求め、彼らはそれぞれマスターの筆を手に取り、こう言いました。ブラシは自分のものではないため、ブラシに慣れておらず、正しい使い方がわからないため、結果は期待どおりではありません）。
葛飾北斎の水墨画「富士」
マスカラ- 3 番目の重要な要素。 マスカラにはさまざまな種類があります。乾燥後に光沢のある効果やマットな効果を与えることができ、シルバーやオークルの色合いと混ぜることもできるため、マスカラの正しい選択も重要です。
山本梅逸、18世紀後半から19世紀。
モノクロ絵画の主な主題は風景です。 なぜ色がないのでしょうか？
屏風「松」 長谷川等伯
第一に、日本人アーティストは物体そのものではなく、その本質において、すべての生き物に共通し、人間と自然の調和につながる特定の要素に興味を持っています。 したがって、イメージは常に私たちの感覚に向けられたヒントであり、視覚に向けられたものではありません。 控えめな表現は対話を刺激し、つながりを生み出します。 線と点は画像において重要であり、芸術的な言語を形成します。 これはマスターの自由ではなく、望んでいた場所に大胆な跡を残しましたが、逆に、別の場所に描かれていませんでした。絵の中のすべてには独自の意味と意味があり、ランダムではありません。
第二に、色は常にある種の感情的な意味合いを持っており、さまざまな状態のさまざまな人々によって異なるように認識されます。したがって、感情的中立性により、見る人は最も適切に対話に入り、認識、熟考、思考の位置を定めることができます。
第三に、これは陰と陽の相互作用であり、紙の触れられていない領域に対するインクの比率の観点からは、どんなモノクロ絵画も調和しています。
なぜ紙面の大部分が未使用なのでしょうか?
「風景」徐文、15世紀半ば。
まず、何もない空間が見る人を画像の中に没入させます。 第二に、イメージが一瞬浮かび上がり、消え去ろうとしているかのように作成されます。これは世界観と世界観に接続されています。 第三に、インクのない領域では、紙の質感と色合いが前面に出ます（これは複製では常に見えるわけではありませんが、実際には常に 2 つの素材、紙とインクの相互作用です）。
雪舟、1446年
なぜ風景なのか？
「滝の観想」ガヤミ、1478
日本の世界観によれば、自然は人間よりも完璧であるため、自然から学び、あらゆる方法で自然を保護し、破壊したり征服したりしてはなりません。 したがって、多くの風景で小さな人々の画像を見ることができますが、それらは常に取るに足らないものであり、風景自体と比較して小さいもの、または周囲の空間に収まり、常に目立つものではない小屋の画像など、これらはすべて象徴です。世界観。
「四季・秋・冬」雪舟。 『山水図』 雪舟 1481年
結論として、私が言いたいのは、モノクロの日本画は無秩序に飛び散った墨ではなく、芸術家の内なるエゴの気まぐれではなく、イメージとシンボルのシステム全体であり、哲学的思考の宝庫であり、そして最も重要なことですが、自分自身と周囲の世界のコミュニケーションと調和の方法。
ここに、モノクロの日本画を見たときに鑑賞者に生じる主な疑問に対する答えがあると思います。 あなたがそれを最も正しく理解し、会うときにそれを認識するのに役立つことを願っています。
日本画は好きですか？ 日本の有名なアーティストについてどれくらい知っていますか? この記事では、浮世絵スタイルで作品を制作した最も有名な日本の芸術家を見てみましょう。 江戸時代から発展した画風。 このスタイルの浮世絵を書くために使用される象形文字は、文字通り「変化する世界の絵 (イメージ)」を意味します。この絵画の方向性について詳しくは、こちらをお読みください。
菱川師宣（菱川師宣、1618-1694）。 彼は浮世絵というジャンルの創始者と考えられていますが、実際には、その生涯に関する伝記情報が保存されている最初の巨匠にすぎません。 師宣は、金銀糸を用いた染色や刺繍の名手の家に生まれ、古くから家業に携わってきたため、美しい装飾が施された美人の衣装が特徴で、素晴らしい衣装を与えています。芸術的な効果。
江戸に出て、まず独学で画法を学び、その後、絵師・寛文に師事した。
私たちは主に師宣の歴史や文学を描いたアルバムや、着物の柄の見本を載せた本からたどり着きました。 巨匠は春画のジャンルにも取り組み、個別の作品としては美しい女性を描いた作品がいくつか残されています。 
（鳥居清長、1752-1815）。 18世紀末に認められた巨匠・関（関口）信介（石兵衛）は、鳥居清光の死後、鳥居清光の浮世絵流を受け継ぎ、鳥居清長というペンネームを名乗った。
清長は本屋の白子屋石兵衛の家に生まれました。 彼は役者絵から始めましたが、美人画というジャンルが彼に最大の名声をもたらしました。 美人画というジャンルの版画の主題は、散歩、お祭りの行列、自然への旅行など、日常生活から取り上げられました。 数多くの作品の中から、江戸南部の「歓楽街」の一つであるミナミを描いた「陽街のおしゃれ美人競演」シリーズや「南国美人十二人の肖像」、「十種の茶店」などを展示。外。 巨匠の特徴は、背景の緻密な精緻さと、西洋から伝わった光と空間の描写技法の使用でした。
清永は、1770年代に湖龍斎が出版社西村井与八のために始めたシリーズ「ファッションサンプル：春の葉のように新しいモデル」の1782年の再開で最初の名声を博しました。
(喜多川歌麿、1753-1806)。 この傑出した浮世絵の巨匠は、鳥居清長と版元蔦屋重三郎に多大な影響を与えました。 後者との長期にわたる協力の結果、多くのアルバム、イラスト入りの本、一連の版画が出版されました。
歌麿は素朴な職人の生活を主題にし、自然を描こうとしたにもかかわらず（『昆虫図鑑』）、吉原廓の芸妓に捧げられた作品の画家として名声を得ました（『吉原緑地年鑑』） ”）。
歌麿は精神状態を紙に表現するという点で高いレベルに達しました。 日本の木版画で初めて胸像の構図を使い始めた。
歌麿の作品はフランスの印象派に影響を与え、日本の版画に対するヨーロッパの関心に貢献しました。
（葛北飾斎、1760-1849）。 北斎の本名は時太郎。 おそらく世界中で最も広く知られている浮世絵の巨匠でしょう。 彼はキャリアを通じて 30 を超えるペンネームを使用しました。 歴史家は彼の研究を時代区分するためにしばしば仮名を使用します。
当初、北斎は彫刻家として働いていましたが、その仕事は芸術家の意図によって制限されていました。 この事実が北斎に重くのしかかり、彼は独立した芸術家としての自分を模索し始めました。
1778年、役者絵専門の勝川春章工房に入門。 北斎は才能に優れ、非常に勤勉な生徒であり、常に師に敬意を示していたため、春章から特別な好意を寄せられました。 このように、北斎の最初の独立した作品は二連作や三連作の形で役者絵のジャンルにあり、生徒の人気は教師の人気と同じでした。 この時点で、若旦那はすでにその才能を開花させ、一流では窮屈に感じていました。師の死後、北斎は工房を離れ、狩野、宗達（光悦）、宗達など他の流派の方向性を学びました。琳派、土佐。
この期間中、アーティストは重大な経済的困難を経験しました。 しかし同時に、社会が求めるありきたりなイメージを拒否し、独自のスタイルを模索する巨匠としての形成も行われる。
寛政7年（1795年）、歌集『蹴花江戸紫』の挿絵が日の目を見る。 その後、北斎が摺物絵を描き、たちまち人気を博し、多くの絵師が模倣するようになりました。
この時期から、時太郎は自分の作品に北斎という名前で署名するようになりましたが、一部の作品は辰政、時太郎、加古、ソロベクというペンネームで出版されました。
1800年、巨匠は自らを「画人北斎」と名乗り始めました。これは「絵の狂った北斎」を意味します。
有名なイラストシリーズに「富嶽三十六景」があり、その中でも代表的なのが「勝利の風」である。 「晴天」「赤富士」「神奈川沖浪裏」「富嶽百景」の3枚のアルバムをリリース、「日本人の百科事典」と称される「北斎漫画」 。 アーティストは創造性と哲学についてのすべての見解を「マンガ」に注ぎました。 「漫画」は多くの文化的側面を含んでおり、当時の日本の生活を学ぶための最も重要な資料です。 アーティストの存命中に合計 12 号が発行され、彼の死後さらに 3 号が発行されました。
* 1815年 - II、III
* 1817 - VI、VII
* 1849 - XIII (芸術家の死後)
北斎の芸術は、アールヌーボーやフランス印象派などのヨーロッパの運動に影響を与えました。
（河鍋暁斎、1831年 -1889年）。 静清暁斎（せいせいきょうさい）、秋蘭斎（しゅらんさい）、梅花同人（ばいかどうじん）と号し、狩野派に学ぶ。
北斎とは異なり、暁斎は非常に生意気な性格であったため、画家の壷山陶山との間に亀裂が生じました。 放課後、彼は独立したマスターになりましたが、さらに5年間学校に通うこともありました。 当時彼は狂画、いわゆる「狂画」を描いていました。
彫刻作品としては暁斎百図が代表的である。 イラストレーターとして暁斎は、他のアーティストと共同で短編小説や小説のイメージを制作しています。
19世紀末、ヨーロッパ人が頻繁に日本を訪れました。 芸術家はそれらのいくつかに精通していて、彼の作品のいくつかは現在大英博物館にあります。
（歌川広重、1797-1858）。 彼は安藤広重というペンネームで活動し、自然のモチーフや自然現象を繊細に描写することで知られています。 彼は10歳の時に最初の絵「雪の中の富士山」を描き、現在は東京のサントリー美術館に所蔵されている。 初期の作品のプロットは、路上で起こった実際の出来事に基づいていました。 代表作に「江戸百景」「富嶽三十六景」「東海道五十三次」「鬼街道六十九次」「名所江戸百景」など。 モネとロシアの画家ビリビンは、東海岸街道を旅して描いた「東海道五十三次」や「江戸百景」に大きな影響を受けました。 25点の版画からなるkate-gaジャンルのシリーズのうち、最も有名なのは「雪に覆われた椿の上の雀」です。
（歌川国貞、別名三代歌川豊国）。 最も著名な浮世絵師の一人。
彼は、歌舞伎俳優と劇場自体に特別な注意を払いました。これは全作品の約60％です。 美人画や力士の肖像画なども知られる。 彼が2万から2万5千のプロットを作成し、それには3万5千から4万枚のシートが含まれていたことが知られています。 彼が風景や戦士に目を向けることはめったにありませんでした。 歌川国芳（歌川国芳、1798年 - 1861年）。 絹の染物屋の家に生まれる。 国吉は10歳の頃、画家の国直の家族と暮らしながら絵を学び始めました。 その後も勝川春英に師事し、13歳で徳世尼工房に入門。 最初の数年間は、この若いアーティストにとって物事はうまくいきません。 しかし、版元の加賀屋吉兵衛から『水滸伝英雄108人』シリーズの5冊の注文を受けてから、事態は軌道に乗り始めた。 シリーズの残りのキャラクターを作成し、その後さまざまな作品に進み、15 年後には歌川広重や歌川国貞と肩を並べるまでになりました。
1842年に演劇の場面、俳優、芸者、遊女の画像が禁止された後、国吉は「猫」シリーズを執筆し、主婦や子供向けの教育シリーズから版画を制作し、「伝統、道徳、礼儀」シリーズで国民的英雄を描き、 1840年末～1850年代初頭までに、禁酒法が緩和された後、芸術家は歌舞伎のテーマに戻りました。
（渓斎英泉、1790-1848）。 美人画のジャンルの作品で知られる。 彼の代表作には、浮世絵というジャンルが衰退していた文政時代（1818～1830年）の芸術性の例とされる大首絵（「大きな頭」）タイプの肖像画が含まれる。 抒情的で官能的な摺物を数多く描き、完成できずに広重が完成させた一連の風景画「木曽街道六十九次」も描いています。
美人画の描写の斬新さは、これまで他の画家には見られなかった官能性にありました。 彼の作品からは当時の流行が分かります。 彼はまた、「四十七人の浪人」の伝記を出版し、芸術家の伝記を含む「浮世絵版画の歴史」（浮世絵類子）など、他の数冊の本を執筆しました。 そして、「名もなき長老のメモ」の中で、彼は自分自身を堕落した大酒飲みで、1830年代に全焼したネズの売春宿の元オーナーであると述べた。
鈴木春信（すずきはるのぶ、1724-1770）。 作者の本名は穂積次郎兵衛。 浮世絵多色刷りの発見者。 狩野派に通い、絵を学んだ。 その後、西村重長や鳥居清光の影響を受けて木版画が趣味となる。 18世紀初頭から2色または3色の版画が制作されていましたが、晴信は3枚の板を使い、黄、青、赤の3色を組み合わせた10色で絵を描き始めました。
彼は街路の風景や春画のジャンルの絵画を描くことに優れていました。 そして 1760 年代から、彼は歌舞伎俳優を描いた最初の一人となりました。 彼の作品はE. マネやE. ドガに影響を与えました。
（小原古邨、1877年 - 1945年）。 本名は大原 又男。 日露戦争、日清戦争の様子が描かれています。 しかし、写真が登場してからは作品が売れなくなり、東京の美術学校で教えて生計を立てるようになった。 1926年、ボストン美術館の日本美術学芸員アーネスト・フェローザが大原に絵画の世界に戻るよう説得し、大原は鳥や花を描き始め、彼の作品は海外でもよく売れた。 
（伊藤若冲、1716年 - 1800年）。 彼は、その奇抜さと当時の多くの文化的、宗教的人物との友情からなるライフスタイルで、他の芸術家の中でも際立っていました。 彼は動物、花、鳥を非常にエキゾチックな形で描きました。 彼は非常に有名で、屏風絵や寺院の絵の注文を受けていました。
（鳥居清信、1664-1729）。 浮世絵初期の最も重要な代表者の一人。 師である菱川物郎部の多大な影響を受けながらも、ポスターやポスターの描写における役者絵ジャンルの創始者となり、独自のスタイルを発明しました。 俳優たちは勇敢な英雄として特別なポーズで描かれ、 
高貴なオレンジ色であり、悪役は青色で描かれていました。 情熱を描くために、芸術家は特殊なタイプの耳水書きを発明しました。これらは細いストロークと太いストロークが交互に繰り返される曲がりくねった線であり、手足の筋肉のグロテスクなイメージと組み合わせられています。
鳥居清信は鳥居家芸術家の創始者です。 門下生は鳥居清益、初代鳥居清重、鳥居清光。
あなたの好きな浮世絵師は誰ですか?
日本語はヨーロッパの言語とは構造が異なるため、学習に特定の困難を引き起こす可能性があります。 ただし、心配しないでください。 特にあなたのために、今すぐサインアップできるコース「」を開発しました。
草間彌生は、芸術家としての彼女のキャリアの基礎となったものを答えることができそうにありません。 彼女は87歳で、彼女の芸術は世界中で認められています。 まもなく米国と日本で彼女の作品の大規模な展示会が開催されますが、彼女はまだすべてを世界に伝えていません。 「まだ途中です。 将来的にはこれを作成するつもりです」と草間氏は言います。 彼女は日本で最も成功したアーティストと言われています。 さらに、彼女は存命中のアーティストの中で最も高価なアーティストであり、2014 年には彼女の絵画「White No. 28」が 710 万ドルで落札されました。
草間さんは東京に住んでおり、約40年間自主的に精神病院に入院している。 彼女は一日に一度、絵を描くために壁を離れます。 彼女は朝の 3 時に起きますが、眠れず、仕事で生産的に時間を過ごしたいと考えています。 「私はもう年をとりましたが、これからもより多くの作品、より良い作品を生み出すつもりです。 私が過去にやったこと以上のものです。 私の心は写真でいっぱいです」と彼女は言います。
(全17枚)
1985年、ロンドンでの作品展に出席した草間彌生。 写真: ニルス・ヨルゲンセン/REX/Shutterstock
草間さんは9時から6時まで、3階建てのスタジオで車椅子に乗りながら仕事をしている。 彼女は歩くことはできますが、体力が弱すぎます。 女性はテーブルの上に広げられたキャンバス、または床に固定されたキャンバスに取り組んでいます。 スタジオには新しい絵、小さな斑点が散りばめられた明るい作品がたくさんあります。 アーティストはこれを「自己沈黙」と呼んでいます。頭の中のノイズをかき消す無限の繰り返しです。
2006年に東京で開催されたプレミアム・インペリアーレ芸術賞の前。 写真: サットン・ヒバート/REX/シャッターストック
新しいギャラリーがもうすぐ通りの向かいにオープンし、彼女の美術館が東京の北にもう一つ建設される予定です。 さらに、彼女の作品に関する 2 つの大きな展覧会が開催されます。 彼女の65年のキャリアを回顧する「草間彌生：無限の鏡」が2月23日にワシントンのハーシュホーン美術館で開幕し、5月14日まで会期され、その後シアトル、ロサンゼルス、トロント、クリーブランドを巡回する。 展覧会には草間の絵画60点が展示されています。
彼女の水玉模様は、ルイ・ヴィトンのドレスから故郷のバスに至るまで、あらゆるものを覆っています。 草間の作品は定期的に数百万ドルで販売されており、ニューヨークからアムステルダムまで世界中で見つけることができます。 日本人アーティストの作品の展示は非常に人気があるため、混雑や暴動を防ぐための措置が必要です。 たとえば、ハーシュホルンでは、来場者の流れを何とか調整するために、展示会のチケットを一定期間販売します。
2012年にニューヨークでルイ・ヴィトンと草間彌生の共同デザインを発表。 写真：ビリー・ファレル・エージェンシー/REX/Shutterstock
しかし、草間氏は依然として外部からの承認を必要としている。 インタビューで、何十年も前に裕福で有名になるという目標を達成できたかどうか尋ねられたとき、彼女は驚いてこう語った。 私が金持ちで有名だというのは本当ですか?
草間さんは、1929年に日本の中部の山間部にある松本で、苗木を販売する裕福で保守的な家庭に生まれました。 しかし、それは幸せな家庭ではありませんでした。 彼女の母親は浮気した夫を軽蔑し、小さな草間さんを送り込んで夫を監視させた。 少女は父親が他の女性と付き合っているのを見て、それが彼女に生涯にわたるセックスへの嫌悪感を与えた。
2012年に草間氏がデザインしたルイ・ヴィトンのブティックのウィンドウ。 写真：ジョー・シルドホーン/BFA/REX/Shutterstock
子供の頃、彼女は幻視と幻聴を経験し始めました。 初めてカボチャを見たとき、彼女はカボチャが自分に話しかけているのではないかと想像しました。 未来の芸術家は、頭の中の考えをかき消すために繰り返しのパターンを作成することで、そのビジョンに対処しました。 幼い頃から、彼女にとってアートは一種のセラピーとなり、後に彼女はそれを「芸術医学」と呼ぶようになりました。
2012年にホイットニー現代美術館で展示された草間彌生の作品。 写真：ビリー・ファレル・エージェンシー/REX/Shutterstock
草間の母親は娘が芸術家になりたいという願望に強く反対し、伝統的な道を歩むよう主張した。 「彼女は私に絵を描かせてくれませんでした。 彼女は私に結婚してほしかったのです」とアーティストはインタビューで語った。 - 彼女は私の仕事を捨てました。 電車の下に身を投げたかった。 毎日母親と喧嘩して、心が傷ついてしまいました。」
終戦後の 1948 年、草間さんは厳格な規則のもとで日本の伝統的な日本画を学ぶために京都へ行きました。 彼女はこの種の芸術が嫌いでした。
2012年にホイットニー美術館で開催された草間彌生展の展示品のひとつ。 写真：ビリー・ファレル・エージェンシー/REX/Shutterstock
草間さんは松本に住んでいた頃、ジョージア・オキーフの本を見つけ、その絵に衝撃を受けました。 少女は東京のアメリカ大使館に行き、そこの名簿からオキーフに関する記事を見つけ、住所を調べた。 草間さんは彼女に手紙を書き、何枚かの絵を送ったところ、驚いたことにアメリカ人アーティストから返事が来たのです。
「自分の幸運が信じられませんでした！ 彼女はとても親切で、人生で会ったことも聞いたこともなかった控えめな日本人女性の突然の感情の爆発に応えてくれた」とアーティストは自伝「Infinity Net」で書いている。
2012年、ニューヨークのルイ・ヴィトンブティックのウィンドウディスプレイに登場した草間彌生。 写真：ニルス・ヨルゲンセン/REX/Shutterstock
日本の若い独身女性は言うに及ばず、米国の若い芸術家にとっても生活は非常に困難であるというオキーフの警告にもかかわらず、草間さんの活動は止められなかった。 1957年に彼女はなんとかパスポートとビザを取得した。 彼女は戦後の厳しい通貨規制を回避するためにドレスにドルを縫い込んだ。
最初の目的地はシアトルで、小さなギャラリーで展覧会が開催されました。 それから草間さんはニューヨークに行きましたが、そこで激しく失望しました。 「戦後の松本とは異なり、ニューヨークはあらゆる意味で邪悪で暴力的な場所でした。 それは私にとってストレスが大きすぎることが分かり、すぐにノイローゼに陥ってしまいました。」 さらに悪いことに、草間さんは自分が極度の貧困に陥っていることに気づきました。 古いドアがベッドとして使われ、ゴミ箱から魚の頭や腐った野菜を拾ってスープを作りました。
インスタレーション Infinity Mirror Room - Love Forever (「無限の鏡のある部屋 - 永遠の愛」)。 写真: Tony Kyriacou/REX/Shutterstock
この困難な状況により、草間はさらに自分の仕事に没頭するようになりました。 彼女は、Infinity Net シリーズで最初の絵画の制作を開始し、巨大なキャンバス (そのうちの 1 つは高さ 10 メートル) を、終わりのない小さなループの魅惑的な波で覆いました。 アーティスト自身はそれらを次のように説明しました：「虚無の絶望的な暗闇を背景に、静かな死の黒い点を包み込む白いネットワーク。」
2015年、モスクワのゴーリキー中央文化公園にあるガレージ現代美術館の新館開館記念で行われた草間彌生のインスタレーション。 写真: David X Prutting/BFA.com/REX/Shutterstock
この強迫性の繰り返しは神経症を追い払うのに役立ちましたが、必ずしも救われるわけではありませんでした。 草間さんは常に精神病の発作に悩まされ、最終的にはニューヨークの病院に入院した。 野心的で決意が強く、着物を着たエキゾチックなアジア人女性の役を喜んで引き受けた彼女は、芸術界の影響力のある人々の輪に加わり、マーク・ロスコやアンディ・ウォーホルなどの著名なアーティストと交流しました。 草間さんは後に、ウォーホルが彼女の作品を真似したと語った。
草間彌生はすぐにある程度の名声を獲得し、混雑したギャラリーで展示されるようになりました。 さらに、アーティストの名声はスキャンダラスになりました。
草間彌生が水玉模様に夢中になっていた1960年代、セントラルパークやブルックリンブリッジなどの場所で人々に裸になり、体に水玉模様を描くことを奨励し、ニューヨーク市でイベントを演出し始めた。
2013年に香港のアートバーゼルで先行展示。 写真：ビリー・ファレル/BFA/REX/シャッターストック
ウォール街占拠運動の数十年前、草間さんはニューヨークの金融街でハプニングを演出し、「ウォール街の男たちを水玉模様で破壊したい」と宣言した。 この頃、彼女は椅子、ボート、ベビーカーなどのさまざまな物体を男根のように見える突起で覆い始めました。 「私はセックスに対する嫌悪感を治すためにペニスを作り始めました」とアーティストは書き、この創造的なプロセスがどのように恐ろしいものを徐々に身近なものに変えていったかを説明しました。
ロンドンのテート・ギャラリーでインスタレーション「Passing Winter」を開催。 写真: James Gourley/REX/Shutterstock
草間さんは結婚しなかったが、ニューヨーク在住の10年間、芸術家のジョセフ・コーネルと結婚のような関係を築いた。 「私はセックスが好きではなかったし、彼はインポテンツだったので、私たちはとてもよく似合いました」と彼女はアート・マガジンのインタビューで語った。
草間さんは、ベトナム戦争を終わらせてくれるならリチャード・ニクソン米大統領と寝たいと申し出たという、彼女のふざけた行動でますます有名になった。 「お互いを水玉模様で飾りましょう」と彼女は彼に手紙を書いた。 彼女の芸術自体への興味は薄れ、自分が支持されなくなったことに気づき、お金の問題が再び始まりました。
2012年にニューヨークのホイットニー近代美術館で回顧展に出席した草間彌生。 写真: Steve Eichner/Penske Media/REX/Shutterstock
草間の逃亡のニュースは日本に届いた。 彼らは彼女を「国難」と呼び始め、母親は娘が幼い頃にこの病気で死んだ方がマシだと言いました。 1970年代初頭、貧乏で失敗した草間さんは日本に帰国した。 彼女は精神病院に登録し、今もそこで暮らしているが、芸術界の闇に沈んでいった。
1989年、ニューヨークの現代美術センターは彼女の作品の回顧展を開催した。 これは、ゆっくりではありますが、草間の芸術への関心が復活する始まりでした。 彼女は鏡張りの部屋をカボチャで埋め尽くしたインスタレーションを制作し、1993 年にヴェネツィア ビエンナーレで展示され、1998 年にはニューヨークの MoMa で大規模な展示が行われました。 ここはかつて彼女がハプニングを起こした場所です。
2017年2月、国立新美術館で開催された展覧会「My Eternal Soul」にて。 写真：岡内正敏/REX/Shutterstock
ここ数年、草間彌生は国際的な現象になっています。 ロンドンのテート モダン ギャラリーとニューヨークのホイットニー美術館では大規模な回顧展が開催され、大勢の来場者が集まり、その象徴的な水玉模様は非常に認知されるようになりました。
2017年2月、国立新美術館で開催された展覧会「My Eternal Soul」にて。 写真：岡内正敏/REX/Shutterstock
アーティストは仕事をやめるつもりはないが、自分の死について考え始めている。 「死んでもどれだけ生きられるか分かりません。 私の足跡を継ぐ未来の世代がいます。 人々が私の作品を見て楽しんでくれたり、私の芸術に感動してくれたら、私にとってとても光栄です。」
2017年2月、国立新美術館で開催された展覧会「My Eternal Soul」にて。 写真：岡内正敏/REX/Shutterstock
自身の芸術が商品化されたにもかかわらず、草間さんは松本にあるお墓について、実家の納骨堂ではなく、いずれにせよ両親から受け継いだものであること、そしてそれを神社にしない方法について考えている。 「でも、私はまだ死にません。 あと20年は生きられると思う」と彼女は言う。
2017年2月、国立新美術館で開催された展覧会「My Eternal Soul」にて。 写真：岡内正敏/REX/Shutterstock
非常に豊かな歴史を持っています。 その伝統は広大であり、世界における日本の独自の地位は、日本の芸術家の支配的なスタイルや技術に大きな影響を与えています。 日本が何世紀にもわたって完全に孤立してきたことは周知の事実です。これは地理的な理由だけでなく、この国の歴史を特徴付ける孤立への日本文化の支配的な傾向も原因です。 私たちが「日本文明」と呼ぶものの何世紀にもわたって、文化や芸術は世界の他の文明とは別に発展しました。 そしてこれは日本画の実践においても顕著です。 例えば、日本画は日本画の実践の主要な作品の一つです。 千年以上の伝統に基づいており、絵は通常、ヴァシ（和紙）またはエギナ（絹）に筆を使って描かれます。
しかし、日本の芸術と絵画は外国の芸術実践の影響を受けてきました。 第一に、それは 16 世紀の中国美術、中国絵画、そしていくつかの面で特に影響を与えた中国美術の伝統でした。 17世紀の時点では、日本画も西洋の伝統の影響を受けていました。 特に、1868 年から 1945 年まで続いた戦前には、日本絵画は印象派やヨーロッパのロマン主義の影響を受けました。 同時に、ヨーロッパの新しい芸術運動も日本の芸術技法に大きな影響を受けました。 美術史では、この影響は「ジャパニズム」と呼ばれ、印象派、キュビスト、モダニズムに関連する芸術家にとって特に重要です。
日本画の長い歴史は、認識された日本の美学の一部を形成するいくつかの伝統の総合として見ることができます。 まず第一に、仏教美術とその絵画方法、そして宗教画は日本絵画の美学に重要な痕跡を残しました。 中国の文人画の伝統における水墨風景画は、多くの有名な日本画で認められているもう一つの重要な要素です。 動物や植物、特に鳥や花の絵は、風景や日常生活の風景と同様に、日本の構図と一般的に関連付けられています。 最後に、古代日本の哲学と文化からの美に関する古代の考え方は、日本画に大きな影響を与えました。 儚くて無骨な美しさを意味する「わび」、さび（自然の緑青と経年変化の美しさ）、そして幽玄（深い優雅さと繊細さ）は、日本画の実践における理想に影響を与え続けています。
最後に、最も有名な日本の傑作 10 点を選択することに集中する場合、版画に属しているにもかかわらず、日本で最も人気のある芸術ジャンルの 1 つである浮世絵について言及する必要があります。 17 世紀から 19 世紀にかけて日本美術を席巻し、このジャンルに属する芸術家は、美少女、歌舞伎役者、力士、歴史や民話、旅の風景、風景などを題材とした木版画や絵画を制作しました。そして動物、そしてエロティカさえも。
芸術の伝統から最高の絵画のリストを作成することは常に困難です。 多くの素晴らしい作品は除外されます。 ただし、このリストには世界で最も有名な日本絵画 10 点が含まれています。 この記事では、19世紀から現代までに描かれた絵画のみを紹介します。
日本画には非常に豊かな歴史があります。 何世紀にもわたって、日本の芸術家は、芸術の世界に対する日本の最も貴重な貢献である多くの独自の技術とスタイルを開発してきました。 その技法の一つが墨絵です。 墨絵は文字通り「水墨画」を意味し、書道と水墨画を組み合わせて、筆で描かれた構図の珍しい美しさを生み出します。 この美しさは逆説的であり、古代でありながら現代的、シンプルでありながら複雑、大胆でありながら落ち着いたものであり、間違いなく禅仏教における芸術の精神的基盤を反映しています。 6 世紀に仏教の僧侶が固形の墨と竹筆を中国から日本に伝え、過去 14 世紀にわたって日本は水墨画の豊かな遺産を発展させてきました。
下にスクロールして、日本画の傑作 10 点をご覧ください
1. 葛飾北斎「漁師の妻の夢」
最も有名な日本画の一つは「漁師の妻の夢」です。 1814年に有名な画家北斎によって描かれました。 厳密な定義では、北斎のこの素晴らしい作品は絵画とはみなされません。3 巻からなる春画本である『若い松 (甲の小松)』からの浮世絵ジャンルの木版画であるからです。 この作品は、若い海女がタコと性的に絡み合っている様子を描いています。 このイメージは 19 世紀から 20 世紀に大きな影響を与えました。 この作品は、フェリシアン・ロップス、オーギュスト・ロダン、ルイ・オーコック、フェルナン・クノップフ、パブロ・ピカソなどの後の芸術家に影響を与えました。
2. 富岡鉄斎「阿倍仲麻呂、月を見ながら懐かしの歌を詠む」
富岡鉄斎は、有名な日本の芸術家および書家のペンネームです。 彼は文京の伝統における最後の主要な芸術家であり、日本画スタイルの最初の主要な芸術家の一人であると考えられています。 文人画は、江戸時代後期に文人または知識人を自認する芸術家の間で隆盛した日本画の流派です。 テッサヤを含むこれらの芸術家はそれぞれ独自のスタイルと技術を開発しましたが、全員が中国の芸術と文化の偉大な崇拝者でした。
3. 藤島武二「東の海の日の出」
藤島武二は、19 世紀後半から 20 世紀初頭のヨガ (西洋スタイル) 芸術運動におけるロマン主義と印象派の発展に貢献したことで知られる日本の芸術家です。 1905 年にフランスに旅行し、1932 年に描いた絵画「東方の日の出」に見られるように、当時のフランスの運動、特に印象派の影響を受けました。
4.喜多川歌麿「十種の女性の顔、支配的な美人画集」
喜多川歌麿は、1753 年に生まれ、1806 年に亡くなった著名な日本の芸術家です。 彼は確かに「10種類の女性の顔」と呼ばれるシリーズで最もよく知られています。 支配的な美しさ、古典詩の偉大な愛のテーマのコレクション」（「恋する女性たち」とも呼ばれ、「裸の愛」と「思慮深い愛」という別々の彫刻が含まれています）。 彼は浮世絵木版画のジャンルに属する最も重要な画家の一人です。
5. 川鍋暁斎「虎」
河鍋暁斎は、江戸時代の最も有名な日本画家の一人でした。 彼の芸術は、16 世紀の狩野派の画家、等伯の作品の影響を受けています。等伯は、金粉の繊細な背景に完全に墨で画面を描いた当時唯一の芸術家でした。 暁斎は漫画家として知られていますが、19 世紀の日本美術史で最も有名な絵画のいくつかを描きました。 「虎」は暁斎が水彩と墨を用いて描いた絵画のひとつです。
6. 吉田博「河口湖からの富士」
吉田博は、新版画の主要人物の一人として知られています（新版画は、20世紀初頭の大正から昭和にかけての日本の芸術運動であり、伝統的な芸術である浮世絵を復活させたものです）。そのルーツは江戸時代と明治時代 (17 世紀から 19 世紀) にあります。 彼は明治時代に日本から取り入れられた西洋油絵の伝統を学びました。
7. 村上隆「727」
村上隆はおそらく現代で最も人気のある日本人アーティストです。 彼の作品は大手オークションで天文学的な価格で取引されており、彼の作品はすでに日本だけでなく海外でも新世代のアーティストにインスピレーションを与えています。 村上の芸術にはさまざまな媒体が含まれており、通常はスーパーフラットとして表現されます。 彼の作品は、日本の伝統文化や大衆文化のモチーフを取り入れた色使いで知られています。 彼の絵の内容は、「かわいい」「サイケデリック」「風刺的」などとよく言われます。
8.草間彌生「パンプキン」
草間彌生も最も有名な日本のアーティストの一人です。 彼女は絵画、コラージュ、スキャット彫刻、パフォーマンス、環境アート、インスタレーションなど、さまざまなメディアで作品を制作しており、そのほとんどがサイケデリックな色、反復、パターンに対するテーマへの関心を示しています。 この偉大な芸術家の最も有名なシリーズの 1 つは「パンプキン」シリーズです。 水玉模様で覆われた、明るい黄色の普通のカボチャがネットの背景に描かれています。 このようなすべての要素が集合して、アーティストのスタイルに間違いなく忠実な視覚言語を形成し、数十年にわたる骨の折れる制作と複製を通じて開発、洗練されてきました。
9. 天明屋久「ジャパニーズ・スピリット No.14」
天明屋尚は、新日本画で知られる現代日本のアーティストです。 彼は、近代日本画とは対極にある古い伝統の日本画の復興に参加しました。 2000 年には、権威ある芸術システムに対する強い姿勢を絵画を通じて示す新しい舞踏派のスタイルも作成しました。 「Japanese Spirit No.14」は「BASARA」芸術計画の一部として作成され、日本文化では戦国時代の下級貴族の反逆的な行動として解釈され、権力者が理想的なライフスタイルを実現する能力を否定するものでした。豪華で豪華な服を着て、社会階級に対応しない自由な行動をとりました。
10. 葛飾北斎「神奈川沖浪裏」
最後に、『神奈川沖浪裏』はおそらくこれまでに描かれた中で最も有名な日本画でしょう。 実は日本で作られた最も有名な芸術作品なのです。 神奈川県沖で船を脅かす巨大な波を描いている。 津波と間違われることもあるが、この絵のタイトルが示すように、波は単に異常に高いだけである可能性が高い。 絵は浮世絵の伝統に従って作られています。
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偉大なアーティストはみんな過去にいると思っているなら、それがどれほど間違っているかわかりません。 この記事では、現代の最も有名で才能のあるアーティストについて学びます。 そして、信じてください、彼らの作品は、過去の時代の巨匠の作品と同じくらい深くあなたの記憶に残るでしょう。
ヴォイチェフ・バブスキー
ヴォイチェフ・バブスキーはポーランドの現代アーティストです。 彼はシレジア工科大学で学業を終えましたが、自分自身はシレジア工科大学に所属していました。 最近は主に女性を描いている。 感情の表現に重点を置き、シンプルな手段で最大限の効果を得ようと努めます。
色が大好きですが、最高の印象を与えるために黒やグレーの色合いをよく使います。 さまざまな新しいテクニックを試すことを恐れません。 近年ではイギリスを中心に海外での人気も高まっており、作品の販売も成功しており、すでに多くの個人コレクションに収蔵されている。 芸術に加えて、彼は宇宙論や哲学にも興味を持っています。 ジャズを聴きます。 現在はカトヴィツェに住んで働いています。
ウォーレン・チャン
ウォーレン・チャンはアメリカの現代アーティストです。 1957 年に生まれ、カリフォルニア州モントレーで育ち、1981 年にパサデナのアート センター カレッジ オブ デザインを優秀な成績で卒業し、学士号を取得しました。 その後 20 年間、カリフォルニアとニューヨークのさまざまな企業でイラストレーターとして働き、2009 年にプロのアーティストとしてのキャリアを開始しました。
彼の写実的な絵画は、伝記的な室内絵画と職場の人々を描いた絵画の 2 つの主なカテゴリに分類できます。 このスタイルの絵画に対する彼の興味は 16 世紀の芸術家ヨハネス フェルメールの作品にまで遡り、主題、自画像、家族、友人、学生の肖像画、スタジオのインテリア、教室、家庭にまで及びます。 彼の目標は、光の操作と落ち着いた色の使用を通じて、写実的な絵画に雰囲気と感情を作り出すことです。
チャンは伝統美術に転向してから有名になりました。 過去 12 年間にわたり、彼は数多くの賞や栄誉を獲得してきましたが、その中で最も名誉ある賞は、米国最大の油絵コミュニティであるオイルペインターズ オブ アメリカからのマスター シグネチャーです。 この賞を受賞できるのは50人中1人だけです。 ウォーレンは現在モントレーに住んでスタジオで働いており、サンフランシスコ芸術アカデミーでも教鞭をとっています（有能な教師として知られています）。
アウレリオ・ブルーニ
アウレリオ・ブルーニはイタリアのアーティストです。 1955年10月15日ブレア生まれ。 彼はスポレト美術館で舞台美術の学位を取得しました。 アーティストとしての彼は、学校で築いた基礎の上に独学で「知識の家を建てた」ので、独学です。 19歳から油絵を描き始める。 現在はウンブリア州に住んで働いています。
ブルーニの初期の絵画はシュルレアリスムに根ざしていますが、時間が経つにつれて、叙情的なロマン主義と象徴主義の近接性に焦点を当て始め、この組み合わせを彼の登場人物の絶妙な洗練さと純粋さで強化します。 アニメーションと無生物は同等の威厳を獲得し、ほとんど超現実的に見えますが、同時にカーテンの後ろに隠れるのではなく、魂の本質を見ることができます。 多才さと洗練さ、官能性と孤独、思慮深さと実り豊かさがアウレリオ ブルーニの精神であり、芸術の素晴らしさと音楽のハーモニーによって養われています。
アレクサンダー・バロス
アルカサンダー・バロスは、油絵を専門とするポーランドの現代アーティストです。 1970年にポーランドのグリヴィツェで生まれましたが、1989年からは米国のカリフォルニア州シャスタに住んで働いています。
幼い頃から独学で芸術家であり彫刻家でもあった父ヤンの指導のもとで美術を学び、幼い頃から芸術活動は両親の全面的な支援を受けていた。 1989年、18歳のとき、バロスはポーランドを離れて米国へ向かい、そこで学校の教師でパートタイムアーティストのキャシー・ガグリアルディがアルカサンダーに美術学校への入学を勧めた。 その後、バロスは全額奨学金を受けてウィスコンシン州ミルウォーキー大学に入学し、哲学教授ハリー・ロジンのもとで絵画を学びました。
1995 年に学士号を取得して卒業した後、バロスはシカゴに移り、美術学校で学びました。その手法はジャック＝ルイ・ダヴィッドの作品に基づいています。 90 年代から 2000 年代初頭にかけて、比喩的な写実主義と肖像画がバロスの作品の大部分を形成しました。 現在、バロスは人間の姿を利用して、人間存在の特徴や欠点を強調していますが、解決策は何も提示していません。
彼の絵画の主題の構成は、鑑賞者によって独立して解釈されることを意図しており、それによって初めて絵画は真の時間的かつ主観的な意味を獲得します。 2005 年にアーティストは北カリフォルニアに移り、それ以来彼の作品の主題は大幅に拡大し、現在では絵画を通じて存在のアイデアや理想を表現するのに役立つ抽象化やさまざまなマルチメディア スタイルなど、より自由な絵画手法が取り入れられています。
アリッサ・モンクス
アリッサ・モンクスはアメリカの現代アーティストです。 1977年、ニュージャージー州リッジウッド生まれ。 私はまだ子供の頃から絵を描くことに興味を持ち始めました。 彼女はニューヨークのニュースクールとモントクレア州立大学で学び、1999 年にボストン大学を卒業して学士号を取得しました。 同時に、彼女はフィレンツェのロレンツォ・デ・メディチアカデミーで絵画を学びました。
その後、ニューヨーク芸術アカデミーの具象美術科の修士課程で勉強を続け、2001 年に卒業しました。 彼女は 2006 年にフラートン大学を卒業しました。 しばらくの間、彼女は全米の大学や教育機関で講義をし、ニューヨーク芸術アカデミーのほか、モントクレア州立大学やライム芸術アカデミーでも絵画を教えました。
「ガラス、ビニール、水、蒸気などのフィルターを使って人体を歪めます。 これらのフィルターを使用すると、人体の一部である色の島が透けて見える、抽象的なデザインの広い領域を作成できます。
私の絵画は、入浴する女性のすでに確立された伝統的なポーズやジェスチャーに対する現代的な見方を変えます。 彼らは、水泳やダンスなどの利点など、一見自明のことについて、注意深い視聴者に多くのことを伝えることができました。 私の登場人物たちはシャワー窓のガラスに体を押しつけ、自分の体を歪め、それによって裸の女性に対する悪名高い男性の視線に影響を与えていることに気づきます。 絵の具の厚い層を混ぜ合わせて、遠くからガラス、蒸気、水、肉を模倣します。 しかし、間近で見ると、油絵具の驚くべき物性が明らかになります。 ペイントと色のレイヤーを試してみることで、抽象的なブラシストロークが別のものになるポイントを見つけます。
初めて人体を描き始めたとき、私はすぐに人体に魅了され、取り憑かれさえし、自分の絵をできるだけリアルに描かなければならないと信じていました。 私はリアリズムが解明され、それ自体の矛盾が明らかになり始めるまで、リアリズムを「公言」しました。 私は現在、具象絵画と抽象絵画が交わる絵画スタイルの可能性と可能性を模索しています。両方のスタイルが同時に共存できるのであれば、そうするつもりです。」
アントニオ・フィネリ
イタリアのアーティスト「 タイムオブザーバー」 – アントニオ・フィネッリは1985年2月23日に生まれました。 現在はイタリアのローマとカンポバッソの間に在住し、活動しています。 彼の作品は、ローマ、フィレンツェ、ノヴァーラ、ジェノバ、パレルモ、イスタンブール、アンカラ、ニューヨークなど、イタリア国内外のいくつかのギャラリーで展示されており、個人および公共のコレクションでも見ることができます。
鉛筆画」 タイムオブザーバー「アントニオ フィネッリは、人間の時間性の内なる世界と、それに関連するこの世界の綿密な分析を巡る永遠の旅に私たちを連れて行きます。その主な要素は時間の経過とそれが皮膚に残す痕跡です。
フィネリは、年齢、性別、国籍を問わず、その表情が時間の経過を示す肖像画を描いていますが、画家はまた、登場人物の身体に時間の無慈悲さの証拠を見つけたいと考えています。 アントニオは、自分の作品を「自画像」という一般的なタイトルで定義しています。これは、鉛筆画で人物を描くだけでなく、鑑賞者が人の内部の時間の経過の実際の結果を熟考できるようにするためです。
フラミニア・カルローニ
フラミニア・カルローニは37歳のイタリア人アーティストで、外交官の娘です。 彼女には 3 人の子供がいます。 彼女はローマに 12 年間、イギリスとフランスに 3 年間住んでいました。 彼女は BD School of Art で美術史の学位を取得しました。 その後、美術修復家としての資格を取得しました。 天職を見つけて絵を描くことに専念する前は、彼女はジャーナリスト、カラリスト、デザイナー、女優として働いていました。
フラミニアの絵画への情熱は幼少期に芽生えました。 彼女は「コワファー・ラ・パテ」をするのが大好きで、素材を使って遊ぶのが大好きなので、主な媒体はオイルです。 彼女は、アーティストのパスカル トルアの作品にも同様のテクニックがあることに気づきました。 フラミニアは、バルテュス、ホッパー、フランソワ ルグランなどの絵画の巨匠や、ストリート アート、中国リアリズム、シュルレアリスム、ルネッサンス リアリズムなどのさまざまな芸術運動からインスピレーションを受けています。 彼女の好きなアーティストはカラヴァッジョです。 彼女の夢は、芸術の癒しの力を発見することです。
デニス・チェルノフ
デニス・チェルノフは、1978 年にウクライナのリヴィウ地方サンビールで生まれた才能あるウクライナ人アーティストです。 1998 年にハリコフ美術学校を卒業した後、ハリコフに留まり、現在もそこで暮らしています。 彼はハリコフ国立デザイン芸術アカデミーのグラフィックアート学科でも学び、2004 年に卒業しました。
彼は定期的に美術展に参加しており、現時点ではウクライナ国内外で 60 以上の展覧会が開かれています。 デニス・チェルノフの作品のほとんどは、ウクライナ、ロシア、イタリア、イギリス、スペイン、ギリシャ、フランス、アメリカ、カナダ、日本の個人コレクションに保管されています。 一部の作品はクリスティーズで販売されました。
デニスは、幅広いグラフィックや絵画のテクニックを使って仕事をしています。 鉛筆画は彼の最もお気に入りの絵画手法の 1 つであり、彼の鉛筆画のテーマのリストも非常に多様で、風景、肖像画、ヌード、ジャンルの構成、本の挿絵、文学的および歴史的な再構築、ファンタジーなどを描いています。
