salam, əziz oxucular– elm və həqiqət axtaranlar!
Yapon rəssamlarının bütöv bir nəsil ustad tərəfindən seçilən unikal üslubu var. Bu gün biz yapon rəssamlığının ən görkəmli nümayəndələri və onların qədim zamanlardan müasir dövrlərə qədər çəkdikləri rəsmlər haqqında danışacağıq.
Yaxşı, Gəlin Doğan Günəş ölkəsinin sənətinə qərq edək.
Sənətin doğulması
Yaponiyada qədim rəssamlıq sənəti ilk növbədə yazının özünəməxsus xüsusiyyətləri ilə bağlıdır və buna görə də xəttatlığın əsasları üzərində qurulmuşdur. İlk nümunələrə qazıntılar zamanı tapılmış tunc zəng qırıqları, qab-qacaq, məişət əşyaları daxildir. Onların bir çoxu təbii boyalarla boyanmışdır və araşdırmalar məhsulların eramızdan əvvəl 300-cü ildən əvvəl hazırlandığını düşünməyə əsas verir.
Yaponiyaya gəlişi ilə incəsənətin inkişafının yeni mərhələsi başladı. Emakimono - xüsusi kağız tumarlar - Buddist panteonunun tanrılarının təsvirləri, Müəllimin və onun davamçılarının həyatından səhnələr ilə bəzədilib.
Rəssamlıqda dini mövzuların üstünlük təşkil etdiyini görmək olar orta əsr Yaponiyası, yəni X əsrdən XV əsrlərə qədər. O dövrün sənətkarlarının adları, təəssüf ki, günümüzə qədər gəlib çatmamışdır.
15-18-ci əsrlər dövründə inkişaf etmiş sənətkarların meydana çıxması ilə xarakterizə olunan yeni bir dövr başlayır. fərdi üslub. Onlar vektor təyin etdilər gələcək inkişaf təsviri incəsənət.
Keçmişin parlaq nümayəndələri
Gərgin Xubun (XV əsrin əvvəlləri)
Görkəmli bir usta olmaq üçün Xiubun Çinin mahnı sənətçilərinin yazı texnikasını və onların əsərlərini öyrəndi. Sonradan o, Yaponiyada rəssamlığın yaradıcılarından biri və sumi-e-nin yaradıcısı oldu.
Sumi-e bir rəng mənasını verən mürəkkəblə çəkməyə əsaslanan sənət üslubudur.
Xubun çox şey etdi yeni stil sənət dərnəklərində kök saldı, başqa istedadlara, o cümlədən gələcəyə sənət öyrətdi məşhur rəssamlar məsələn, Sesshu.
Ən çox məşhur rəsm Syubuna "Bambuk bağında oxumaq" adlanır.
Tense Xubun tərəfindən "Bambuk bağında oxumaq"
Haseqava Tohaku (1539-1610)
O, özünün adını daşıyan məktəbin - Haseqavanın yaradıcısı oldu. Əvvəlcə o, Kano məktəbinin qanunlarına əməl etməyə çalışdı, lakin tədricən onun fərdi "əl yazısı" əsərlərində izlənilməyə başladı. Tohaku Sesshu qrafikası ilə idarə olunurdu.
Əsərlərin əsasını sadə, lakonik, lakin sadə başlıqlarla realist mənzərələr təşkil edirdi:
- "Şamlar";
- "Ağcaqayın";
- "Şam ağacları və çiçəkli bitkilər."
Hasegawa Tohaku tərəfindən "Şamlar"
Qardaşlar Ogata Korin (1658-1716) və Ogata Kenzan (1663-1743)
Qardaşlar 18-ci əsrin əla sənətkarları idilər. Ən böyüyü Oqata Korin özünü tamamilə rəssamlığa həsr etmiş və rimpa janrının əsasını qoymuşdur. O, stereotip obrazlardan qaçıb, impressionist janra üstünlük verirdi.
Oqata Korin ümumiyyətlə təbiəti, xüsusilə də parlaq abstraksiyalar şəklində çiçəkləri rənglədi. Onun fırçaları rəsmlərə aiddir:
- "Qırmızı və ağ gavalı çiçəyi";
- "Matsuşima dalğaları";
- "Xrizantema".
"Matsushimanın dalğaları" Oqata Korin
Kiçik qardaş Oqata Kenzanın çoxlu təxəllüsü var idi. Rəssamlıqla məşğul olsa da, daha çox gözəl keramika ustası kimi məşhur idi.
Ogata Kenzan keramika yaratmaq üçün bir çox texnikanı mənimsəmişdir. O, qeyri-standart yanaşma ilə fərqlənirdi, məsələn, kvadrat şəklində plitələr yaratdı.
Öz rəsm əsəri əzəmətlə seçilmirdi - bu həm də onun özəlliyi idi. O, əşyalarının üzərinə tumar kimi xəttatlıq və ya şeirdən parçalar qoymağı çox sevirdi. Bəzən qardaşları ilə birlikdə işləyirdilər.
Katsushika Hokusai (1760-1849)
O, ukiyo-e üslubunda - bir növ ağac kəsimi, başqa sözlə, oyma rəsm əsəri yaratmışdır. Bütün karyerası ərzində o, 30-a yaxın adı dəyişib. Ən məşhur əsəri “ Böyük dalğa Kanaqavada”, bunun sayəsində vətənindən kənarda məşhurlaşdı.
Hokusai Katsushika tərəfindən "Kanaqavanın Böyük Dalğası"
Xüsusilə 60 yaşından sonra çox çalışmağa başlayan Hokusai gətirdi yaxşı meyvələr. Van Qoq, Monet və Renuar onun yaradıcılığı ilə tanış idilər və bu, müəyyən dərəcədə Avropa ustalarının yaradıcılığına təsir göstərmişdir.
Ando Hiroşige (1791-1858)
biri ən böyük sənətkarlar 19-cu əsr. O, Edoda doğulmuş, yaşamış və işləmiş, Hokusainin işini davam etdirmiş və onun əsərlərindən ilham almışdır. Onun təbiəti təsvir etmə tərzi, demək olar ki, əsərlərin sayı qədər təsir edicidir.
Edo Tokionun keçmiş adıdır.
Onun yaradıcılığı haqqında bir sıra rəsmlərlə təmsil olunan bəzi rəqəmləri təqdim edirik:
- 5,5 min – bütün qravüraların sayı;
- “Edoya 100 baxış;
- "Fujiyə 36 baxış";
- "69 Kisokaydo stansiyası";
- "Tokaydo 53 stansiyası."
Ando Hiroshige tərəfindən rəsm
Maraqlıdır ki, görkəmli Van Qoq öz qravüralarının bir neçə nüsxəsini çəkib.
Müasirlik
Takashi Murakami
Rəssam, heykəltəraş, geyim dizayneri, 20-ci əsrin sonlarında bir ad qazandı. Yaradıcılıqda sadiq qalır moda meylləri klassik elementlərlə, anime və manqa cizgi filmlərindən ilham alır.
Takashi Murakami tərəfindən rəsm
Takashi Murakaminin əsərləri subkultura hesab olunur, lakin eyni zamanda inanılmaz dərəcədə populyardır. Məsələn, 2008-ci ildə onun əsərlərindən biri hərracda 15 milyon dollardan çox qiymətə alınıb. Vaxtında müasir yaradıcı Marc Jacobs və Louis Vuitton moda evləri ilə birlikdə çalışdı.
Sakit Aşima
Əvvəlki rəssamın həmkarı olan o, müasir sürreal rəsmlər yaradır. Onlar şəhərlərin mənzərələrini, meqapolislərin küçələrini və canlıları sanki başqa bir kainatdan - xəyallardan, pis ruhlar, yad qızlar. Rəsmlərin fonunda tez-tez təmiz, bəzən hətta qorxulu təbiəti görə bilərsiniz.
Onun rəsmləri böyük ölçülərə çatır və nadir hallarda kağız media ilə məhdudlaşır. Onlar dəri və plastik materiallara köçürülür.
2006-cı ildə Böyük Britaniyanın paytaxtında keçirilən sərgi çərçivəsində bir qadın gecə-gündüz kəndin və şəhərin təbiətinin gözəlliyini əks etdirən 20-yə yaxın tağlı struktur yaradıb. Onlardan biri metro stansiyasını bəzədib.
Salam Arakava
Gənci sadəcə rəssam adlandırmaq olmaz klassik anlayış sözlər – o, 21-ci əsrin incəsənətində çox məşhur olan instalyasiyalar yaradır. Onun sərgilərinin mövzuları həqiqətən yapondur və dostluq münasibətlərinə, eləcə də bütün komandanın işinə toxunur.
Hey Arakawa tez-tez iştirak edir müxtəlif biennallar məsələn, Venesiyada bir muzeydə sərgilənir müasir incəsənət evdə, layiqincə müxtəlif mükafatlar alır.
İkenağa Yasunari
Müasir rəssam İkenaga Yasunari iki zahirən bir-birinə uyğun gəlməyən şeyi birləşdirə bildi: portret şəklində müasir qızların həyatı və qədim zamanlardan bəri ənənəvi Yapon texnikası. Rəssam öz işində xüsusi fırçalardan, təbii piqmentli boyalardan, mürəkkəbdən, kömürdən istifadə edir. Adi kətan yerinə - kətan parça.
İkenağa Yasunarinin rəsm əsəri
Təsvir edilən dövrün ziddiyyətli oxşar texnikası və görünüş Qəhrəmanlar elə təəssürat yaradır ki, keçmişdən bizə qayıdıblar.
Populyar son vaxtlar onlayn cəmiyyətdə timsahın həyatının mürəkkəbliyi haqqında bir sıra rəsmlər də yapon karikaturaçı rəssamı Keyqo tərəfindən yaradılmışdır.
Nəticə
Beləliklə, Yapon rəssamlığı təxminən eramızdan əvvəl III əsrdə başlamış və o vaxtdan bəri çox dəyişmişdir. İlk təsvirlər keramikaya tətbiq olundu, sonra sənətdə Buddist motivlər üstünlük təşkil etməyə başladı, lakin müəlliflərin adları bu günə qədər qalmadı.
Müasir dövrdə fırça ustaları getdikcə daha çox fərdilik əldə etdilər, yaratdılar müxtəlif istiqamətlər, məktəblər. Bugünkü təsviri sənət bununla məhdudlaşmır ənənəvi rəsm– instalyasiyalardan, karikaturalardan, bədii heykəllərdən, xüsusi strukturlardan istifadə olunur.
Diqqətiniz üçün çox sağ olun, əziz oxucular! Ümid edirik ki, məqaləmizi faydalı hesab etdiniz və sənətin ən parlaq nümayəndələrinin həyat və yaradıcılığı haqqında hekayələr onları daha yaxından tanımağa imkan verdi.
Təbii ki, bir yazıda qədimdən bu günə kimi bütün sənətkarlardan danışmaq çətindir. Buna görə də, bu, Yapon rəssamlığını anlamaq üçün ilk addım olsun.
Və bizə qoşulun - bloqa abunə olun - biz birlikdə Buddizm və Şərq mədəniyyətini öyrənəcəyik!
Yapon rəssamlığını sevirsən? Məşhur yapon rəssamları haqqında nə qədər məlumatınız var? Bu məqalədə əsərlərini ukiyo-e (浮世絵) üslubunda yaradan ən məşhur yapon rəssamlarına nəzər salaq. Bu rəsm üslubu Edo dövründən inkişaf etmişdir. Bu üslubu yazmaq üçün istifadə edilən heroqliflər 浮世絵 sözün əsl mənasında “dəyişən dünyanın şəkilləri (şəkilləri)” mənasını verir, bu rəsm istiqaməti haqqında daha çox oxuya bilərsiniz.
Hishikawa Moronobu(菱川師宣, 1618-1694). Ukiyo-e janrının banisi hesab edilsə də, əslində o, yalnız həyatı qorunub saxlanılan ilk ustaddır. bioqrafik məlumat. Moronobu parçalar boyama və qızıl tikmə ustası ailəsində anadan olmuşdur gümüş saplar Və uzun müddətdir ailə sənəti ilə məşğul idi, ona görə də onun işinin fərqli cəhəti gözəl bədii effekt verən gözəllərin gözəl bəzədilmiş paltarlarıdır.
Edoya köçdükdən sonra o, əvvəlcə təkbaşına rəsm texnikasını öyrəndi, sonra isə rəssam Kambun tərəfindən təhsili davam etdirildi.
Ən çox Moronobunun bizə tarixi və təsvir etdiyi albomları gəlib çatmışdır ədəbi mövzular və kimono naxışlı kitablar. Usta bunaqa janrında da çalışıb və ayrı-ayrı əsərlər arasında gözəl qadınların təsvir olunduğu bir neçəsi günümüzə gəlib çatıb. 
(鳥居清長, 1752-1815). 18-ci əsrin sonlarında tanınan usta Seki (Sekiguchi) Şinsuke (İshibei) Torii Kiyonaga təxəllüsünü daşıyırdı və Torii Kiyomitsu onun ölümündən sonra Toriinin ukiyo-e məktəbini miras almışdır.
Kiyonaga kitab satıcısı Şirakoya İşibeinin ailəsində anadan olub. Yakusha-e ilə başlasa da, bijinqa janrı ona ən böyük şöhrət gətirdi. Bijinqa janrında qravüra üçün mövzular götürülmüşdür gündəlik həyat: gəzintilər, bayram yürüşləri, təbiətə səyahətlər. Rəssamın bir çox əsərləri arasında “Dəbli gözəllərin müsabiqələri əyləncəli məhəllələr", Edonun cənubundakı "əyləncəli məhəllələrdən" biri olan Minamini təsvir edən "Cənub gözəllərinin 12 portreti", "10 növ çayxana". Fərqli xüsusiyyət Usta fon görünüşünü və işıq və məkanı təsvir etmək üçün Qərbdən gələn texnikaların istifadəsini ətraflı öyrənirdi.
Kiyonaga ilkin şöhrəti 1770-ci illərdə Koryusai tərəfindən nəşriyyatçı Nishimurai Yohachi üçün başladığı "Moda nümunələri: Bahar yarpaqları kimi yeni modellər" seriyasının 1782-ci ildə bərpası ilə qazandı.
(喜多川歌麿, 1753-1806). Bu barədə görkəmli ustad ukiyo-e əhəmiyyətli dərəcədə Torii Kiyonaga və naşir Tsutaya Juzaburo tərəfindən təsirləndi. Sonuncu ilə uzunmüddətli əməkdaşlıq nəticəsində çoxlu albomlar, illüstrasiyalı kitablar və qravüra silsiləsi nəşr edilmişdir.
Utamaro sadə sənətkarların həyatından mövzular götürməsinə və təbiəti təsvir etməyə çalışmasına baxmayaraq ("Böcəklər Kitabı"), ona Yoshiwara məhəlləsinin geyşasına həsr olunmuş əsərlərin rəssamı kimi şöhrət gəldi ("Yoshiwara Yaşıl Evlər İlliyi" ”).
Utamaro çatdı yüksək səviyyə psixi vəziyyətləri kağız üzərində ifadə etməkdə. Yapon ağac oymalarında ilk dəfə büstü kompozisiyalarından istifadə etməyə başladı.
Təsir edən Utamaro yaradıcılığı idi Fransız impressionistləri və yapon çaplarına Avropanın marağına töhfə verdi.
(葛飾北斎, 1760-1849). Hokusainin əsl adı Tokitarodur. Yəqin ki, dünyada ən çox tanınan ukiyo-e ustası. Karyerası boyu otuzdan çox təxəllüsdən istifadə etmişdir. Tarixçilər onun işini dövrləşdirmək üçün tez-tez təxəllüslərdən istifadə edirlər.
Hokusai əvvəlcə rəssamın niyyəti ilə işini məhdudlaşdıran bir oymaçı kimi işləyirdi. Bu fakt Hokusaiyə çox ağır gəldi və o, özünü müstəqil bir sənətkar kimi axtarmağa başladı.
1778-ci ildə o, yakusha-e çapları üzrə ixtisaslaşmış Katsukawa Shunsho studiyasında şagird oldu. Hokusai həm istedadlı, həm də çox çalışqan tələbə idi, həmişə müəlliminə hörmət edirdi və buna görə də Şunşonun xüsusi lütfündən həzz alırdı. Beləliklə, birinci müstəqil iş Hokusai diptix və triptix şəklində yakuşa-e janrında idi və şagirdin populyarlığı müəllimin populyarlığına bərabər idi. Bu zaman gənc usta istedadını o qədər inkişaf etdirmişdi ki, özünü bir məktəb daxilində sıxışdırdı və müəlliminin ölümündən sonra Hokusai studiyanı tərk edərək başqa məktəblərin istiqamətlərini öyrəndi: Kano, Sotatsu (əks halda Koetsu), Rimpa, Tosa.
Bu dövrdə sənətçi xeyli maddi sıxıntılar yaşayıb. Ancaq eyni zamanda, onun cəmiyyətin tələb etdiyi adi imicdən imtina edən və özünü axtaran bir usta kimi formalaşması baş verir. öz üslubu.
1795-ci ildə “Keka Edo Murasaki” poetik antologiyası üçün illüstrasiyalar gün işığını gördü. Sonra Hokusai dərhal populyarlıq qazanmağa başlayan surimono rəsmlərini çəkdi və bir çox rəssam onları təqlid etməyə başladı.
Bu dövrdən Tokitaro əsərlərinə Hokusai adı ilə imza atmağa başladı, baxmayaraq ki, onun bəzi əsərləri Tatsumasa, Tokitaro, Kako, Sorobek təxəllüsü ilə nəşr olundu.
1800-cü ildə usta özünü Qakejin Hokusai adlandırmağa başladı, bu da "Rəsmkarlığın Dəli Hokusai" mənasını verir.
Məşhur illüstrasiyalar seriyasına “Fuji dağının 36 mənzərəsi” daxildir, bunlardan ən diqqət çəkənləri “Qələbə küləyi”dir. Clear Day" və ya "Qırmızı Fuji" və "The Great Wave of Kanagawa", "100 Views of Mount Fuji", "Ensiklopediya" adlanan "Hokusai's Manga" (北斎漫画) adlı üç albomda işıq üzü görmüşdür. Yapon xalqı" Rəssam yaradıcılığa və fəlsəfəyə dair bütün fikirlərini “Manqa”ya yerləşdirib. “Manqa” bir çox mədəni aspektləri özündə cəmlədiyi üçün Yaponiyanın o dövrdəki həyatını öyrənmək üçün ən mühüm mənbədir. Rəssamın sağlığında cəmi on iki, ölümündən sonra isə daha üç nömrəsi nəşr edilmişdir:
* 1815 - II, III
* 1817 - VI, VII
* 1849 - XIII (rəssamın ölümündən sonra)
Hokusai sənəti belə təsir etdi Avropa istiqamətləri, Art Nouveau və Fransız İmpressionizmi kimi.
(河鍋暁斎, 1831 -1889). Seisei Kyosai, Shuransai, Baiga Dojin təxəllüslərindən istifadə etdi və Kano məktəbində oxudu.
Hokusai-dən fərqli olaraq, Kyosai olduqca cılız idi, bu da onun rəssam Tsuboyama Tozan ilə fikir ayrılığına səbəb oldu. Məktəbdən sonra müstəqil usta oldu, baxmayaraq ki, bəzən daha beş il məktəbə getdi. O zaman o, "dəli rəsmlər" adlanan kyoqanı çəkdi.
Görkəmli oyma əsərləri arasında Kyosainin yüz rəsm əsəri var. Bir illüstrator kimi Kyosai digər rəssamlarla əməkdaşlıq edərək qısa hekayələr və romanlar üçün obrazlar yaradır.
19-cu əsrin sonlarında avropalılar Yaponiyaya tez-tez səfər edirdilər. Rəssam onlardan bəziləri ilə tanış idi və onun bir neçə əsəri hazırda Britaniya Muzeyindədir.
(歌川広重, 1797-1858). O, Ando Hiroşige (安藤広重) təxəllüsü ilə işləyib və təbii motivlərin incə renderləri ilə tanınıb. təbiət hadisələri. O, indi on yaşında Tokiodakı Suntory Muzeyində saxlanılan "Qardakı Fuji dağı" adlı ilk rəsmini çəkdi. İlkin əsərlərin süjetləri əsas götürülürdü real hadisələr küçələrdə baş verir. Onun məşhur silsilələri: “Edoya 100 baxış”, “Fuji dağına 36 baxış”, “53 Tokaydo stansiyası”, “69 Kimokaydo stansiyası”, “100 məlum növlər Edo." Monet və rus rəssamı Bilibin təsirləndi böyük təsirŞərq Sahil Yolu ilə səyahət etdikdən sonra yazılmış "Tokaydo yolunun 53 stansiyası", eləcə də "Edoya 100 baxış". 25 qravüradan ibarət kate-ga janrındakı seriyadan ən məşhuru "Qarla örtülmüş kamelya üzərində sərçələr" vərəqidir.
(歌川国貞, həmçinin Utaqava Toyokuni III (三代歌川豊国) kimi də tanınır). Ən görkəmli ukiyo-e sənətçilərindən biri.
ödənilmişdir xüsusi diqqət kabuki aktyorlarına və teatrın özünə - bu, bütün işlərin təxminən 60% -ni təşkil edir. Bijinqa janrında olan əsərlər və sumo güləşçilərinin portretləri də məlumdur. Məlumdur ki, o, 35-40 min vərəqdən ibarət 20 mindən 25 minə qədər sahə yaratmışdır. O, nadir hallarda mənzərələrə və döyüşçülərə müraciət edirdi. Utaqava Kuniyoşi (歌川 国芳, 1798 - 1861). İpək boyaçısı ailəsində anadan olub. Kuniyoşi, Kuninao rəssam ailəsi ilə yaşayarkən on yaşında rəsm çəkməyi öyrənməyə başladı. Daha sonra Katsukawa Shun'ei ilə təhsilini davam etdirdi və 13 yaşında təhsil almaq üçün Tokuyoni emalatxanasına daxil oldu. İlk illər gənc rəssam işlər yaxşı getmir. Lakin naşir Kagaya Kichibei-dən 108 Suikoden Heroes seriyası üçün beş çap üçün sifariş aldıqdan sonra işlər getməyə başladı. O, serialda qalan personajları yaradır və sonra başqalarına keçir müxtəlif işlər, və on beş ildən sonra o, Utaqava Hiroşige və Utaqava Kunisada ilə bərabər dayanır.
1842-ci ildə şəkillərə qadağa qoyulduqdan sonra teatr səhnələri, aktyorlar, geyşalar və nəzakətlər, Kuniyoshi "pişik" seriyasını yazır, evdar qadınlar və uşaqlar üçün maarifləndirici silsilədən qravüra edir, təsvir edir milli qəhrəmanlar“Ənənələr, əxlaq və ədəb” silsiləsində, 1840-cı illərin sonu – 1850-ci illərin əvvəllərində isə qadağalar yumşaldıldıqdan sonra rəssam kabuki mövzusuna qayıtdı.
(渓斎英泉, 1790-1848). Bijinqa janrındakı əsərləri ilə tanınır. Onun içində ən yaxşı əsərlər ukiyo-e janrının tənəzzülə uğradığı Bunsey dövrünün (1818-1830) sənətkarlıq nümunələri sayılan okubi-e (“böyük başlar”) tipli portretləri ehtiva edir. Rəssam bir çox lirik və erotik surimono, eləcə də tamamlaya bilmədiyi və Xiroşige tərəfindən tamamlanan "Kisokaydo'nun altmış doqquz stansiyası" mənzərə silsiləsi çəkdi.
Bijinqanın təsvirindəki yenilik əvvəllər digər rəssamlarda görülməmiş həssaslıqda idi. Onun əsərlərindən o dövrün dəbini anlaya bilərik. O, həmçinin Qırx Yeddi Roninin tərcümeyi-hallarını nəşr etdi və bir sıra başqa kitablar yazdı, o cümlədən rəssamların tərcümeyi-hallarını ehtiva edən Ukiyo-e Çapların Tarixi (Ukiyo-e ruiko). Və “Adsız Ağsaqqalın Qeydləri”ndə o, özünü azğın sərxoş və 1830-cu illərdə yanan Nedzuda fahişəxananın keçmiş sahibi kimi təsvir edir.
Suzuki Harunobu (鈴木春信, 1724-1770). Sənətçinin əsl adı Hozumi Jirobeidir. O, ukiyo-e polixrom çapın kəşfidir. Kano məktəbində oxuyub və rəssamlıq təhsili alıb. Sonra Şigenaga Nişimura və Torii Kiyomitsunun təsiri altında taxtadan çap etmək onun hobbisinə çevrildi. 18-ci əsrin əvvəllərindən iki və ya üç rəngdə qravürlər hazırlanmışdı və Harunobu üç lövhədən istifadə edərək üç rəngi - sarı, mavi və qırmızını birləşdirərək on rəngdə rəsm çəkməyə başladı.
O, shunga janrında küçə səhnələrini və rəsmləri təsvir etməkdə fərqlənirdi. 1760-cı illərdən isə o, Kabuki aktyorlarını ilk canlandıranlardan biri olub. Əsərləri E. Manet və E. Deqaya təsir etmişdir.
(小原古邨, 1877 - 1945). Əsl adı Matao Oharadır. Rus-Yapon və Çin-Yapon müharibələrindən təsvir olunan səhnələr. Lakin fotoqrafiya ortaya çıxdıqdan sonra onun əsərləri zəif satılmağa başladı və o, Tokioda təsviri incəsənət məktəbində müəllimlik edərək çörək qazanmağa başladı. 1926-cı ildə Ernest Felloza, Yapon incəsənətinin kuratoru Boston Muzeyi, Oharanı rəsmə qayıtmağa razı saldı və rəssam quşları və çiçəkləri təsvir etməyə başladı və əsərləri xaricdə yaxşı satıldı. 
(伊藤若冲, 1716 - 1800). O, bir çox mədəniyyət və mədəniyyət xadimləri ilə dostluqdan ibarət olan ekssentrikliyi və həyat tərzi ilə digər sənətçilər arasında seçilirdi. din xadimləri o zaman. Heyvanları, çiçəkləri, quşları çox ekzotik formada təsvir etmişdir. O, çox məşhur idi və rəsm ekranları və məbəd rəsmləri üçün sifarişlər qəbul edirdi.
(鳥居清信, 1664-1729). Ən əhəmiyyətli nümayəndələrindən biridir erkən dövr ukiyo-e. Müəllimi Hişikava Monorobunun böyük təsirinə baxmayaraq, o, afişa və plakatların təsvirində yakuşa-e janrının banisi oldu və özünəməxsus üslub icad etdi. Aktyorlar cəsarətli qəhrəmanlar kimi xüsusi pozalarda təsvir edilmiş və rənglənmişlər 
nəcib narıncı, və yaramazlar mavi rənglərlə çəkilmişdir. Ehtirasları təsvir etmək üçün rəssam xüsusi bir növ mimizuqaki rəsmini icad etdi - bunlar alternativ nazik və qalın vuruşlarla dolama xətlərdir və əzaların əzələlərinin qrotesk təsviri ilə birləşir.
Torii Kiyonobu Torii rəssamlar sülaləsinin banisidir. Onun tələbələri Torii Kiyomasu, Torii Kiyoshige I və Torii Kiyomitsu idi.
Ən çox sevdiyiniz ukiyo-e sənətçisi kimdir?
Yapon dili öz strukturuna görə istənilən Avropa dilindən fərqlənir ki, bu da öyrənmədə müəyyən çətinliklər yarada bilər. Bununla belə, narahat olmayın! Xüsusilə sizin üçün ““ kursu hazırlamısınız, ona indi qeydiyyatdan keçə bilərsiniz!
18-ci əsrdə yaşamış yapon rəssamı Hokusai başgicəlləndirici rəqəm yaradıb sənət əsəri. Hokusai qocalığa qədər çalışdı və həmişə "70 yaşından əvvəl etdiyi hər şeyin dəyərli olmadığını və diqqətə layiq olmadığını" iddia etdi.
Bəlkə də dünyanın ən məşhur yapon rəssamı, gündəlik həyata marağı ilə həmişə müasirlərindən seçilirdi. Hokusay cazibədar geyşaları və qəhrəman samurayları təsvir etmək əvəzinə, hələ Yapon incəsənəti üçün maraq kəsb etməyən fəhlələri, balıqçıları və şəhər janrlı səhnələri çəkirdi. O, kompozisiyaya da avropalı yanaşırdı.
Budur, Hokusainin işini bir az idarə etməyə kömək edəcək əsas şərtlərin qısa siyahısı.
1 Ukiyo-e 1600-cü illərdən 1800-cü illərə qədər Yaponiyada məşhur olan çap və rəsm əsərləridir. Yapon təsviri sənətində Edo dövründən inkişaf etmiş bir cərəyan. Bu termin "dəyişən dünya" mənasını verən "ukyo" sözündəndir. Uikiye, inkişaf edən tacir sinfinin hedonist sevinclərinə işarədir. Bu istiqamətdə Hokusai ən məşhur rəssamdır.
Hokusai həyatı boyu ən azı otuz təxəllüsdən istifadə edib. Təxəllüslərdən istifadənin o dövrün yapon rəssamları arasında adi bir təcrübə olmasına baxmayaraq, o, təxəllüsün sayına görə digər böyük müəllifləri xeyli üstələdi. Hokusainin təxəllüslərindən tez-tez onun işinin mərhələlərini dövriləşdirmək üçün istifadə olunur.
2 Edo dövrü 1603-1868-ci illər arasındakı vaxtdır Yapon tarixi, daha sonra iqtisadi artım və incəsənət və mədəniyyətə yeni maraq qeyd edildi.
3 Şunro Hokusainin ləqəblərindən birincisidir.
4 Shunga hərfi mənada "yazın şəkli" deməkdir və "bahar" seks üçün Yapon jarqonudur. Deməli, bunlar qravüralardır erotik xarakter daşıyır. Onlar ən çox tərəfindən yaradılmışdır hörmətli sənətkarlar, o cümlədən Hokusai.
5 Surimono. Ən son "surimono", bu xüsusi çaplar adlandırıldığı kimi, böyük uğur qazandı. Kütləvi auditoriya üçün nəzərdə tutulmuş ukiyo-e çaplarından fərqli olaraq, surimono nadir hallarda geniş ictimaiyyətə satılırdı.
6 Fuji dağı Yaponiyada ən hündür olan simmetrik dağdır. Bu illər ərzində bir çox rəssam və şairləri, o cümlədən ukiyo-e seriyasını Fuji dağının Otuz Altı Görünüşünü nəşr edən Hokusai'yi ilhamlandırdı. Bu seriyaya Hokusai-nin ən məşhur izləri daxildir.
7 Yaponizm - Hokusainin sonrakı nəsillər üzərində qalıcı təsiri Qərb rəssamları. Yaponizm, ukiyo-e çaplarının canlı rənglərindən, perspektivin olmamasından və kompozisiya eksperimentindən ilhamlanan bir üslubdur.
yapon klassik rəsm uzun və var maraqlı hekayə. Yaponiyanın təsviri sənəti müxtəlif üslub və janrlarda təqdim olunur, hər biri özünəməxsus şəkildə unikaldır. Tunc dotaku zəngləri və saxsı qəlpələri üzərində tapılan qədim boyalı heykəlciklər və həndəsi motivlər eramızın 300-cü illərinə aiddir.
Buddist sənət oriyentasiyası
Yaponiyada incəsənət kifayət qədər inkişaf etmişdir divar rəsm, 6-cı əsrdə Buddist fəlsəfəsi mövzusunda təsvirlər xüsusilə məşhur idi. O dövrdə ölkədə böyük məbədlər tikilirdi və onların divarları hər yerdə Buddist mif və əfsanələrindən səhnələr əsasında çəkilmiş freskalarla bəzədilmişdi. Yaponiyanın Nara şəhəri yaxınlığındakı Horyuji məbədində divar rəsmlərinin qədim nümunələri hələ də qorunub saxlanılır. Horyuji divarlarında Buddanın və digər tanrıların həyatından səhnələr təsvir edilmişdir. Bu divar rəsmlərinin bədii üslubu Çində Sonq sülaləsi dövründə məşhur olan şəkil konsepsiyasına çox yaxındır.
Tan sülaləsinin rəsm üslubu Nara dövrünün ortalarında xüsusi populyarlıq qazandı. Takamatsuzuka məqbərəsində tapılan freskalar bu dövrə aid təxminən eramızın 7-ci əsrinə aiddir. Bədii texnika, Tan sülaləsinin təsiri altında formalaşmış, sonradan kara-e rəngkarlıq janrının əsasını təşkil etmişdir. Bu janr Yamato-e üslubunda ilk əsərlərin meydana çıxmasına qədər populyarlığını qorudu. Ən çox freskalar və mənzərəli şah əsərləri fırçaya aiddir naməlum müəlliflər, bu gün o dövrə aid əsərlərin çoxu Sesoin xəzinəsində saxlanılır.
Tendai kimi yeni Buddist məktəblərinin artan təsiri geniş şəkildə təsir etdi dini oriyentasiya 8-9-cu əsrlərdə Yapon təsviri sənəti. Yapon buddizmində xüsusi tərəqqi müşahidə edən 10-cu əsrdə rayqozu janrı Buddanın Qərb Cənnətinə gəlişini əks etdirən “xoş gəldin rəsmləri” meydana çıxdı. 1053-cü ilə aid olan raigozunun ilk nümunələrini Kyoto prefekturasının Uji şəhərində sağ qalan Bedo-in məbədində görmək olar.
Üslubların dəyişdirilməsi
Heian dövrünün ortalarında dəyişdirildi Çin üslubu Kara-e, uzun müddət Yapon rəssamlığının ən populyar və axtarılan janrlarından birinə çevrilən Yamato-e janrına gəlir. Yeni mənzərəli üslubəsasən qatlanan ekranların və sürüşmə qapıların rənglənməsində istifadə olunur. Zaman keçdikcə yamato-e də üfüqi ekimono rulonlarına keçdi. Emaki janrında çalışmış rəssamlar öz əsərlərində seçilmiş süjetin bütün emosionallığını çatdırmağa çalışırdılar. Genji Monogatari Scroll o dövrün rəssamlarının sürətli fırça vuruşlarından və parlaq, ifadəli rənglərdən istifadə etdiyi bir neçə epizoddan ibarət idi.
E-maki ən qədim və ən çox biridir görkəmli nümunələr Otoko-e, kişi portretlərini təsvir edən bir janr. Qadın portretləri ayrıca janr kimi təsnif edilir, onna-e. Bu janrlar arasında, əslində, kişilər və qadınlar arasında olduğu kimi, olduqca əhəmiyyətli fərqlər görünür. Onna-e üslubu “Gənci nağılı”nın dizaynında rəngarəng şəkildə təmsil olunur, burada rəsmlərin əsas mövzuları romantik mövzular və məhkəmə həyatından səhnələrdir. Kişi stili otoko-e üstünlük təşkil edir bədii obraz tarixi döyüşlər və başqaları mühüm hadisələr imperiyanın həyatında.
Klassik Yapon incəsənət məktəbi pop mədəniyyətinin və animenin təsirinin aydın şəkildə göründüyü Yaponiyada müasir incəsənət ideyalarının inkişafı və təbliği üçün münbit zəmin olmuşdur. Dövrümüzün ən məşhur yapon rəssamlarından birini əsəri yapon həyatından səhnələrin təsvirinə həsr olunmuş Takashi Murakami adlandırmaq olar. müharibədən sonrakı dövr və təsviri sənətin və əsas axının maksimum birləşməsi konsepsiyası.
Məşhur yapon rəssamlarından klassik məktəb aşağıdakıları adlandıra bilərik.
Gərgin Xubun
Syubun 15-ci əsrin əvvəllərində işləmiş, Çinli Sonq sülaləsinin ustalarının əsərlərini öyrənməyə çox vaxt sərf etmişdi. Şubun sumi-e üslubunun, monoxrom mürəkkəblə rəsmin banisi hesab olunur. Yapon rəssamlığının aparıcı sahələrindən birinə çevirərək, yeni janrı populyarlaşdırmaq üçün çox səy göstərdi. Syubun tələbələri çox idi ki, sonradan onlar oldu məşhur rəssamlar Sesshu və məşhur sənət məktəbinin banisi Kano Masanobu da daxil olmaqla. Bir çox mənzərə Xubuna aid edilirdi, lakin onun ən məşhur əsəri ənənəvi olaraq “Bambuk bağında oxumaq” sayılır.
Ogata Korin (1658-1716)
Ogata Korin onlardan biridir böyük sənətkarlar yapon rəssamlığı tarixində yaradıcısı və ən parlaq nümayəndələrindən biridir bədii üslub rimpa. Korine əsərlərində cəsarətlə ənənəvi stereotiplərdən uzaqlaşaraq öz üslubunu formalaşdırdı, onun əsas xüsusiyyətləri kiçik formalar və süjetin parlaq impressionizmi idi. Korin təbiəti təsvir etməkdə və abstrakt rəng kompozisiyaları ilə işləməkdə xüsusi məharəti ilə tanınır. "Qırmızı və ağ gavalı çiçəyi" Oqata Korinin ən məşhur əsərlərindən biridir, onun "Xrizantema", "Matsushimanın dalğaları" və bir sıra başqaları da məlumdur.
Haseqava Tohaku (1539-1610)
Tohaku Yapon Haseqava incəsənət məktəbinin banisidir. Tohaku yaradıcılığının erkən dövrü məşhur Yapon rəssamlıq məktəbinin təsiri ilə xarakterizə olunur 
Kano, lakin zaman keçdikcə sənətçi özünəməxsus üslubunu formalaşdırdı. Tohakunun işinə əsərlər böyük təsir göstərmişdir tanınmış ustadı Sesshu, Hoseqava hətta özünü bu böyük ustadın beşinci davamçısı hesab edirdi. Haseqava Tohakunun "Şamlar" tablosu alınıb dünya şöhrəti, “Ağcaqayın”, “Şamlar və çiçəkli bitkilər” və başqa əsərləri də məlumdur.
Kano Eitoku (1543-1590)
Kano məktəbi üslubu təxminən dörd əsr ərzində Yaponiyanın təsviri sənətində üstünlük təşkil etmişdir və Kano Eitoku bəlkə də ən məşhur və ən məşhurlardan biridir. görkəmli nümayəndələr bu sənət məktəbi. Eitoku hakimiyyət tərəfindən bəyənildi, aristokratların və varlı himayədarların himayəsi onun məktəbinin güclənməsinə və bu, şübhəsiz ki, çox istedadlı sənətkarın əsərlərinin populyarlaşmasına kömək edə bilməzdi. Eitoku Kano tərəfindən çəkilmiş səkkiz panelli Cypress sürüşmə ekranı əsl şah əsərdir və Monoyama üslubunun əhatə dairəsi və gücünün parlaq nümunəsidir. Ustadın "Dörd fəslin quşları və ağacları" kimi digər əsərləri də az maraqlı görünmür. Çin şirləri", "Zahidlər və Pəri" və bir çox başqaları.
Katsushika Hokusai (1760-1849)
Hokusai ukiyo-e (Yapon taxtası) janrının ən böyük ustasıdır. Hokusai yaradıcılığını aldı qlobal tanınma, onun digər ölkələrdəki şöhrəti əksər Asiya rəssamlarınınki ilə müqayisə oluna bilməz, onun "Kanaqavadakı Böyük Dalğa" əsəri bir şeyə çevrildi. vizit kartı Yapon təsviri sənəti dünya incəsənət səhnəsində. Yaradıcılıq yolunda Hökusai otuzdan çox təxəllüsdən istifadə etdi, altmışdan sonra rəssam özünü bütünlüklə sənətə həsr etdi və ən çox bu dəfə hesab olunurdu məhsuldar dövr onun yaradıcılığı. Hokusainin əsərləri Qərb impressionizm ustalarının yaradıcılığına və post-impressionizm dövrünə, o cümlədən Renoir, Monet və van Qoqun yaradıcılığına təsir göstərmişdir.
Bütün böyük sənətkarların keçmişdə olduğunu düşünürsənsə, nə qədər yanıldığını bilmirsən. Bu yazıda ən məşhur və haqqında məlumat əldə edəcəksiniz istedadlı rəssamlar müasirlik. Və inanın ki, onların əsərləri yaddaşınızda keçmiş dövrlərin maestrolarının əsərlərindən heç də az dərinlikdə qalmayacaq.
Wojciech Babski
Wojciech Babski - müasir Polşa rəssamı. O, Silesian Politexnik İnstitutunda təhsilini başa vurdu, lakin özünü onunla əlaqələndirdi. Son vaxtlar o, əsasən qadınları çəkir. Duyğuların ifadəsinə diqqət yetirir, mümkün qədər çox almağa çalışır daha böyük təsir sadə vasitələrlə.
Rəngi sevir, lakin nail olmaq üçün tez-tez qara və boz çalarlarından istifadə edir ən yaxşı təcrübə. Fərqli yeni texnikaları sınaqdan keçirməkdən qorxmayın. Son zamanlar o, xaricdə, əsasən Böyük Britaniyada getdikcə populyarlıq qazanır, burada artıq bir çox şəxsi kolleksiyalarda tapıla bilən əsərlərini uğurla satır. İncəsənətlə yanaşı, kosmologiya və fəlsəfə ilə də maraqlanır. Caz dinləyir. Hal-hazırda Katowice şəhərində yaşayır və işləyir.
Warren Chang
Warren Chang - müasir Amerikalı rəssam. 1957-ci ildə anadan olub, Kaliforniyanın Monterey şəhərində böyüyüb, 1981-ci ildə Pasadenadakı İncəsənət Mərkəzi Dizayn Kollecini fərqlənmə diplomu ilə bitirib və burada BFA alıb. Sonrakı iki onillikdə o, 2009-cu ildə peşəkar rəssam kimi karyerasına başlamazdan əvvəl Kaliforniya və Nyu Yorkda müxtəlif şirkətlərdə illüstrator kimi çalışıb.
Onun realist rəsmlərini iki əsas kateqoriyaya bölmək olar: bioqrafik interyer rəsmləri və iş yerində insanları təsvir edən rəsmlər. Onun bu rəngkarlıq üslubuna marağı 16-cı əsr rəssamı Yohannes Vermeerin yaradıcılığından başlayır və mövzulara, avtoportretlərə, ailə üzvlərinin, dostların, tələbələrin portretlərinə, studiya interyerlərinə, sinif otaqlarına və evlərə aiddir. Onun məqsədi işığın manipulyasiyası və səssiz rənglərdən istifadə etməklə realist rəsmlərində əhval-ruhiyyə və emosiya yaratmaqdır.
Çanq ənənəvi təsviri sənətə keçdikdən sonra məşhurlaşıb. Son 12 il ərzində o, çoxsaylı mükafatlar və fəxri fərmanlar qazanıb, bunlardan ən prestijlisi ABŞ-ın ən böyük yağlı boya birliyi olan Amerika Neft Rəssamlarının Master İmzasıdır. 50 nəfərdən yalnız bir nəfərə bu mükafatı almaq imkanı verilir. Warren hazırda Montereydə yaşayır və öz studiyasında işləyir və o, həmçinin San Fransisko İncəsənət Akademiyasında dərs deyir (istedadlı müəllim kimi tanınır).
Aurelio Bruni
Aurelio Bruni italyan rəssamıdır. 15 oktyabr 1955-ci ildə Blairdə anadan olub. Spoletodakı İncəsənət İnstitutunun ssenari üzrə diplomunu almışdır. O, məktəbdə qoyulmuş bünövrə üzərində müstəqil şəkildə “bilik evi tikdiyi” üçün rəssam kimi özünü öyrədir. O, 19 yaşında yağlı boyalarla rəsm çəkməyə başlayıb. Hal-hazırda Umbria şəhərində yaşayır və işləyir.
Bruninin ilk rəsmlərinin kökü sürrealizmdədir, lakin zaman keçdikcə o, lirik romantizm və simvolizmin yaxınlığına diqqət yetirməyə başlayır, bu birləşməni personajlarının incə incəliyi və saflığı ilə gücləndirir. Canlı və cansız obyektlər bərabər ləyaqət qazanır və demək olar ki, hiper-realist görünür, lakin eyni zamanda onlar pərdə arxasında gizlənmir, ancaq ruhunuzun mahiyyətini görməyə imkan verir. Çox yönlülük və incəlik, həssaslıq və tənhalıq, düşüncəlilik və məhsuldarlıq sənətin əzəmətindən və musiqinin harmoniyasından qidalanan Aurelio Bruni ruhudur.
Aleksander Balos
Alkasander Balos yağlı boya ilə rəssamlıq üzrə ixtisaslaşmış müasir polşalı rəssamdır. 1970-ci ildə Polşanın Qlivitse şəhərində anadan olub, lakin 1989-cu ildən ABŞ-da, Kaliforniyanın Şasta şəhərində yaşayıb işləyir.
O, uşaq ikən rəssam və heykəltəraş olan atası Canın rəhbərliyi altında rəssamlıq təhsili almışdır. erkən yaş, bədii fəaliyyət hər iki valideyndən tam dəstək aldı. 1989-cu ildə, on səkkiz yaşında Balos Polşadan ABŞ-a getdi və burada məktəb müəllimi və part-time rəssam Katie Gaggliardi Alkasander-i qeydiyyatdan keçməyə təşviq etdi sənət məktəbi. Balos daha sonra Viskonsin ştatının Milwaukee Universitetində tam təqaüd aldı və burada fəlsəfə professoru Harry Rosin ilə rəssamlıq təhsili aldı.
1995-ci ildə bakalavr dərəcəsi ilə bitirdikdən sonra Balos metodları yaradıcılığa əsaslanan Gözəl Sənətlər Məktəbində iştirak etmək üçün Çikaqoya köçdü. Jak-Luis David. Obrazlı realizm və portret idi çoxu Balosun 90-cı və 2000-ci illərin əvvəllərindəki əsərləri. Bu gün Balos xüsusiyyətləri vurğulamaq və qüsurları göstərmək üçün insan fiqurundan istifadə edir. insan varlığı heç bir həll yolu təklif etmədən.
Onun rəsmlərinin mövzu kompozisiyaları tamaşaçı tərəfindən müstəqil şəkildə şərh edilmək üçün nəzərdə tutulmuşdur, yalnız bundan sonra rəsmlər öz həqiqi temporal və subyektiv mənasını qazanacaqdır. 2005-ci ildə rəssam Şimali Kaliforniyaya köçdü, o vaxtdan bəri onun işinin mövzusu əhəmiyyətli dərəcədə genişləndi və indi daha sərbəst rəsm üsulları, o cümlədən abstraksiya və rəngkarlıq vasitəsilə mövcudluq ideyalarını və ideallarını ifadə etməyə kömək edən müxtəlif multimedia üslublarını əhatə edir.
Alyssa Monks
Alyssa Monks müasir Amerika rəssamıdır. 1977-ci ildə Nyu Cersi ştatının Ridgewood şəhərində anadan olub. Hələ uşaq ikən rəsm çəkməyə maraq göstərməyə başladım. Nyu Yorkdakı New School-da oxuyub və Dövlət Universiteti Montclair və 1999-cu ildə Boston Kollecini B.A. Eyni zamanda akademiyada rəssamlıq təhsili alıb Lorenzo Medici Florensiyada.
Sonra Nyu-York İncəsənət Akademiyasının Fiqurativ İncəsənət şöbəsində magistratura pilləsində təhsilini davam etdirərək 2001-ci ildə oranı bitirib. 2006-cı ildə Fullerton Kollecini bitirib. Bir müddət universitetlərdə mühazirə oxudu və təhsil müəssisələri bütün ölkədə o, Nyu-York İncəsənət Akademiyasında, eləcə də Montclair Dövlət Universitetində və Lyme Rəssamlıq Akademiyasında rəssamlıqdan dərs dedi.
“Şüşə, vinil, su və buxar kimi filtrlərdən istifadə edərək təhrif edirəm insan bədəni. Bu filtrlər mücərrəd dizaynın geniş sahələrini yaratmağa imkan verir, rəng adaları insan bədəninin hissələrinə baxır.
Mənim rəsmlərim çimən qadınların artıq formalaşmış, ənənəvi poza və jestlərinin müasir görünüşünü dəyişdirir. Onlar diqqətli tamaşaçıya üzgüçülüyün, rəqsin və s. Mənim personajlarım duş pəncərəsinin şüşəsinə sıxılır, təhrif olunur öz bədəni, bununla da bədnam kişi baxışlarına təsir etdiyini başa düşərək çılpaq qadın. Uzaqdan şüşə, buxar, su və əti təqlid etmək üçün qalın boya qatları qarışdırılır. Ancaq yaxından yağlı boyanın heyrətamiz fiziki xüsusiyyətləri aydın görünür. Boya və rəng qatları ilə təcrübə edərək, mən mücərrəd fırça vuruşlarının başqa bir şeyə çevrildiyi bir nöqtə tapıram.
İnsan bədənini ilk dəfə çəkməyə başlayanda dərhal heyran oldum və hətta ona aludə oldum və rəsmlərimi mümkün olduğu qədər realist etməli olduğuma inandım. Mən realizm özlüyündə ziddiyyətləri açmağa və üzə çıxarmağa başlayana qədər “etiraf etdim”. İndi mən təsviri rəsm və abstraksiyanın qovuşduğu bir rəsm üslubunun imkanlarını və potensialını araşdırıram - əgər hər iki üslub eyni anda bir yerdə mövcud ola bilsə, mən bunu edəcəm.
Antonio Finelli
İtalyan rəssam - " Zaman müşahidəçisi” – Antonio Finelli 23 fevral 1985-ci ildə anadan olub. Hal-hazırda Roma və Campobasso arasında İtaliyada yaşayır və işləyir. Onun əsərləri İtaliyada və xaricdə bir neçə qalereyada nümayiş etdirilib: Roma, Florensiya, Novara, Genuya, Palermo, İstanbul, Ankara, Nyu-York, həmçinin şəxsi və ictimai kolleksiyalarda tapıla bilər.
Qələm rəsmləri " Zaman müşahidəçisi“Antonio Finelli bizi əbədi səyahətə aparır daxili dünyaəsas elementi zamanın keçməsi və onun dəridə qoyduğu izlər olan bu dünyanın insan müvəqqətiliyi və bununla bağlı ciddi təhlili.
Finelli üz ifadələri zamanın keçidini göstərən istənilən yaşda, cinsdən və millətdən olan insanların portretlərini çəkir və rəssam həm də öz personajlarının bədənlərində zamanın amansızlığına dair sübutlar tapmağa ümid edir. Antonio əsərlərini bir şeylə müəyyənləşdirir, ümumi ad: "Avtoportret", çünki karandaşla çəkdiyi rəsmlərdə təkcə bir insanı təsvir etmir, həm də tamaşaçıya düşünməyə imkan verir. real nəticələr insanın daxilində zamanın keçməsi.
Flaminia Carloni
Flaminia Carloni 37 yaşlı italyan rəssam, diplomat qızıdır. Onun üç övladı var. On iki il Romada, üç il İngiltərə və Fransada yaşadı. BD İncəsənət Məktəbində sənət tarixi üzrə dərəcə almışdır. Sonra bədii bərpaçı diplomu aldı. Onu axtarıb tapmadan və özünü tamamilə rəssamlığa həsr etməzdən əvvəl jurnalist, rəngkar, dizayner və aktrisa kimi çalışıb.
Flaminianın rəssamlığa olan həvəsi uşaqlıqda yaranıb. Onun əsas mühiti yağdır, çünki o, “coiffer la pate” etməyi və həmçinin materialla oynamağı sevir. O, oxşar texnikanı rəssam Paskal Toruanın əsərlərində tanıyıb. Flaminia Baltus, Hopper və Fransua Leqran kimi böyük rəssamlıq ustalarından, eləcə də müxtəlif bədii cərəyanlardan ilham alır: küçə sənəti, Çin realizmi, sürrealizm və Renessans realizmi. Onun sevimlisi rəssam Caravaggio. Onun arzusu incəsənətin müalicəvi gücünü kəşf etməkdir.
Denis Çernov
Denis Chernov - istedadlı ukraynalı rəssam, 1978-ci ildə Ukraynanın Lvov vilayətinin Sambir şəhərində anadan olub. Xarkovu bitirdikdən sonra sənət məktəbi 1998-ci ildə o, hazırda yaşadığı və işlədiyi Xarkovda qalıb. O, həmçinin Xarkov Dövlət Dizayn və İncəsənət Akademiyasının Qrafika sənəti fakültəsində təhsil alıb, 2004-cü ildə oranı bitirib.
O, müntəzəm olaraq iştirak edir sənət sərgiləri, açıq hal-hazırda onların altmışdan çoxu həm Ukraynada, həm də xaricdə baş verib. Denis Çernovun əsərlərinin əksəriyyəti Ukrayna, Rusiya, İtaliya, İngiltərə, İspaniya, Yunanıstan, Fransa, ABŞ, Kanada və Yaponiyada şəxsi kolleksiyalarda saxlanılır. Əsərlərin bəziləri Christie's-də satılıb.
Denis qrafika və rəsm texnikasının geniş spektrində işləyir. Qələmlə çəkdiyi rəsmlər onun ən sevimli rəsm üsullarından biridir, mövzularının siyahısıdır qələm rəsmləri həm də çox müxtəlifdir, o, mənzərə, portret, çılpaq, janr kompozisiyaları, kitab illüstrasiyaları, ədəbi və tarixi rekonstruksiyalar və fantaziyalar.
