¿Quién de nosotros no ha admirado las majestuosas y encantadoras vistas de la ciudad, infinitamente diversas, que evocan sentimientos y emociones igualmente diversos? Fabulosas siluetas de antiguas murallas y torres, majestuosas moles de palacios y edificios públicos, atractivos e impresionantes conjuntos de edificios residenciales, poderosos grupos de estructuras industriales y de otro tipo, son el resultado del pensamiento creativo y el trabajo constructivo de generaciones de muchos siglos o el resultado de transformaciones heroicas e ingeniosas.

No es de extrañar que las imágenes de la ciudad inspiraran y sigan inspirando el pensamiento creativo del artista.

Las ciudades de nuestra patria ofrecen una infinita variedad de temas interesantes para los artistas.

Los planes quinquenales de Stalin para una grandiosa construcción socialista están transformando la faz de nuestro país de año en año. (Una tras otra, ante los ojos de todos, están creciendo nuevas ciudades, las antiguas se están reconstruyendo y ampliando, cambiando más allá del reconocimiento su apariencia, que permaneció sin cambios durante décadas. Están surgiendo nuevos gigantes de la industria soviética, se están construyendo estructuras grandiosas: energía hidroeléctrica estaciones, puentes, presas, canales y muchos, muchos otros, de una gran variedad de nombres y finalidades.

Esta construcción, por su apariencia, por su arquitectura, habla de una nueva vida, de nuevos logros del trabajo socialista libre. Inspira y atrae a nuevas hazañas y victorias.

Los temas de nuestro paisaje urbano, industrial y arquitectónico son innumerables y excepcionalmente gratificantes para el artista por su significado emocional y belleza.

Por eso los jóvenes artistas no sólo deben familiarizarse con esta sección del dibujo y la pintura, sino también probar su fuerza en el trabajo creativo sobre sus temas.

La arquitectura ha atraído durante mucho tiempo a los artistas, pintores y artistas gráficos, no solo por el elemento compositivo capital de la imagen, que refleja el escenario real de la acción o el entorno del objeto representado, sino también la belleza de los volúmenes y formas arquitectónicos, perfectamente combinados con la naturaleza. , la figura humana, el movimiento de la multitud, los colores de la decoración y el vestuario. Sin embargo, la representación de la arquitectura durante mucho tiempo fue de naturaleza decorativa y no fue más allá de las convenciones del estilo plano.

Realista, fiel y expresiva en términos de volumen y espacio, la transferencia de formas arquitectónicas más o menos complejas organizadas en conjuntos y grupos sólo fue posible después de que las leyes de la perspectiva fueran exploradas y reveladas en el siglo XV, durante el Renacimiento italiano.

La ciencia de la perspectiva se ha desarrollado cada vez más a lo largo del tiempo y en nuestro tiempo ha alcanzado tal perfección que sus reglas no solo permiten representar objetos extraídos del natural, sino también reproducir la apariencia de los objetos creados por el creativo. imaginación del artista.

Además del conocimiento de las leyes de la perspectiva, para trabajar con éxito el paisaje urbano y los motivos arquitectónicos, el artista debe familiarizarse más con el arte de la arquitectura y las formas arquitectónicas.

Como saben, esta más antigua de las artes, al crear edificios y estructuras, les confiere formas y características externas que permiten adivinar el propósito de las estructuras por su apariencia, determinar la relación de una parte con otra y su conexión mutua y distinguir lo principal de lo secundario.

Al organizar el espacio y procesar volúmenes, planos y detalles de una estructura, el arquitecto se guía por la imagen artística y la idea arquitectónica que crea.

Con una amplia práctica en el dibujo del natural, el ojo inquisitivo del artista aprende gradualmente a comprender las peculiaridades de la construcción y la naturaleza estilística de las formas arquitectónicas, incluso de considerable complejidad. Sin embargo, para una actitud consciente hacia la Naturaleza es necesaria la familiaridad con la historia.

Naturalmente, no se puede realizar con éxito un trabajo de composición independiente sobre temas arquitectónicos complejos sin conocimientos especiales suficientes.

Las reproducciones aquí presentadas de dibujos y pinturas de maestros del paisaje urbano y arquitectónico (pintores y arquitectos) brindan la oportunidad de analizar aspectos del orden compositivo y familiarizarse con las técnicas de ejecución.

Es muchísimo más útil realizar un estudio de este tipo utilizando los originales que representan este tipo de dibujos y pinturas en nuestras galerías de arte y museos.

Los famosos maestros del paisaje arquitectónico fueron los pintores venecianos Antonio Canaletto (1697-1768), Bernardo Belotto (1720-1789), Francesco Guardi (1712-1793), D. Pannini (1695-1768), el arquitecto y grabador veneciano Giovanni Battista. Piranesi (1720-1778), artista francés Hubert Robert (1733-1778).

Son excelentes las obras de los maestros rusos: An. Velsky (1730 1796), F. Alekseev (1755-1824), Sylvester Shchedrin (1791-1830), Galaktionov (1779-1854), M. Vorobyov (1787-1855).

Se pueden encontrar brillantes ejemplos de paisajes arquitectónicos y fantasías y perspectivas arquitectónicas en los dibujos de los arquitectos: M. Kazakov (1738-1813), Giacomo Quarenghi (1744-1817), A. Voronikhin (1760-1813), P. Gonzago (1751 -1831) y etc.

A continuación se incluyen algunas notas prácticas relacionadas con el trabajo desde la vida real, que resulta útil tener en cuenta para los aspirantes a artistas jóvenes que trabajan en un paisaje arquitectónico.

De gran importancia es la elección acertada del punto desde el cual dibujar una vista de la ciudad, un paisaje arquitectónico o un monumento arquitectónico. Esta tarea debe resolverse de la manera más ventajosa tanto en términos de la composición general como en términos de las características más expresivas del tema principal de un determinado dibujo o boceto pictórico. En esta dirección, es necesario desarrollar su talento artístico de todas las formas posibles, estudiando ejemplos clásicos de composición en las bellas artes y las infinitas bellezas de la naturaleza. A veces puede resultar difícil decidir inmediatamente cuáles son los límites más ventajosos de la imagen desde el punto de vista artístico.

La razón de esto puede ser la enorme escala de la vista de la ciudad o del paisaje arquitectónico que se extiende ante nosotros, la multitud de detalles arquitectónicos que atraen igualmente la atención del artista y son igualmente tentadores para él.

Hay que tener en cuenta que es más recomendable que los artistas principiantes se limiten primero a temas más sencillos y menos temáticos, pasando poco a poco a trabajar en temas más complejos.

Al trabajar en paisajes arquitectónicos, el joven artista debe partir de lo principal, de lo principal a lo particular, a lo secundario. El dibujo debe basarse en la correcta construcción en perspectiva de las formas. En primer lugar, el dibujante debe imaginar claramente la posición del horizonte, el punto de fuga, los puntos de desviación de las líneas, etc.

Las construcciones en perspectiva, cuando se basan en la vida real, se pueden reducir a los esquemas y técnicas más simples. Son muy elementales y se refieren sólo a construcciones y formas básicas. Las técnicas y la uniformidad necesarias deben estudiarse cuidadosamente en la naturaleza y dibujarse, guiados por las reglas de la perspectiva, en total coherencia con el esquema básico de la perspectiva.

Un artista de un paisaje arquitectónico debe ser especialmente exigente consigo mismo cuando analiza la estructura de masas, volúmenes y formas arquitectónicas, determina su conexión constructiva mutua, establece relaciones y proporciones y busca la naturaleza del movimiento y ritmo de las masas arquitectónicas y líneas. La semejanza vertical de una imagen tiene una importancia excepcional para los temas arquitectónicos. El ego surge de las condiciones de regularidad armoniosa y plenitud de las formas arquitectónicas.

Los planos de vistas de ciudades y paisajes arquitectónicos que se adentran en las profundidades de la imagen, la espacialidad y la plasticidad del relieve de los exteriores e interiores arquitectónicos, los efectos de luces y sombras, la neblina aérea de las distancias y la transparencia de las sombras sin duda atraerán la atención del joven artista. Debe esforzarse por lograr una interpretación fiel, vivaz y artística de ellos, ya que de ello depende una parte importante del encanto y la persuasión de sus dibujos y bocetos.

PAISAJE ARQUITECTÓNICO: el concepto está tomado de las obras de A.I. Kaplun, quien ve en él una alta expresión de la unidad de la ARQUITECTURA con la naturaleza como el medio artístico más importante de un CONJUNTO arquitectónico (ver Kaplun A.I. “Estilo y Arquitectura>>. - M., 1983).

PAISAJE ARQUITECTÓNICO: una variedad de género de paisaje, representación en pintura y gráficos de arquitectura real o imaginaria en un entorno natural. En el paisaje arquitectónico, la perspectiva lineal y aérea juega un papel importante, permitiéndonos conectar naturaleza y arquitectura. Es posible distinguir en el paisaje arquitectónico perspectivas urbanas, del siglo XVIII. llamado vedata (Antonio Canaletto, Francesco Guardini, F.Ya. Alekseev), vistas de villas, fincas, conjuntos de parques con edificios, paisajes con ruinas antiguas o medievales (Hubert Robert, S.F. Shchedrin, F.M. Matveev), paisajes fantásticos con estructuras imaginativas y ruinas (Giovanni Battista). El paisaje arquitectónico es a menudo un tipo de pintura en perspectiva.

Publicaciones en la sección de Arquitectura

Arquitectura en pinturas de artistas rusos.

Panoramas de las calles de la capital, monumentos arquitectónicos, edificios que ya no existen, barcos de madera que corren por el Neva y el río Moscú: todo esto se puede ver en las pinturas de los maestros del paisaje urbano de finales del siglo XVIII y la primera mitad del siglo XX. Alrededor de 10 artistas de este género, en el material del portal "Culture.RF".

Fyodor Alekseev. Vista de la Resurrección y las puertas Nikolsky y el puente Neglinny desde la calle Tverskaya en Moscú (fragmento). 1811. Galería Estatal Tretyakov, Moscú

Fyodor Alekseev. Plaza Roja de Moscú (fragmento). 1801. Galería Estatal Tretyakov, Moscú

Fyodor Alekseev. Vista del asador de la isla Vasilyevsky desde la Fortaleza de Pedro y Pablo (fragmento). 1810. Museo Estatal Ruso, San Petersburgo

Fyodor Alekseev comenzó su viaje creativo con los paisajes urbanos de Venecia, donde vivía como jubilado de la Academia de las Artes. Al regresar a Rusia, pintó vistas de Crimea, Poltava y Orel, pero se hizo famoso por sus pinturas que representan a Moscú y San Petersburgo. Las pinturas más famosas de su ciclo de Moscú, "La Plaza Roja de Moscú" y "Vista de la Resurrección y las puertas Nikolsky y el puente Neglinny desde la calle Tverskaya de Moscú", se conservan hoy en la Galería Tretyakov. Las principales pinturas del artista en San Petersburgo: "Vista del asador de la isla Vasilievsky desde la fortaleza de Pedro y Pablo" y "Vista del terraplén inglés" se pueden ver en la colección del Museo Ruso.

Las pinturas de Alekseev son interesantes no solo desde un punto de vista artístico, sino también histórico: por ejemplo, la pintura del siglo XIX "Vista de la Iglesia de San Nicolás la Gran Cruz en Ilyinka" representa un templo barroco de finales del siglo XVII. siglo, que fue demolido en 1933. Y gracias al cuadro “Vista de la Catedral de Kazán” puedes descubrir que inicialmente había un obelisco de madera frente a este templo de San Petersburgo. Con el tiempo cayó en mal estado y fue retirado de la plaza en la década de 1820.

Maxim Vorobiev. Vista del Kremlin de Moscú (desde el puente Ustinsky) (fragmento). 1818. Galería Estatal Tretyakov, Moscú

Maxim Vorobiev. Vista de la Catedral de Kazán desde el lado occidental (fragmento). Primera mitad de la década de 1810. Museo Estatal Ruso, San Petersburgo

Maxim Vorobiev. Fortaleza de Pedro y Pablo (fragmento). Finales de la década de 1820. Museo Estatal Ruso, San Petersburgo

También representó otros suburbios de San Petersburgo: Peterhof, Pavlovsk, Gatchina y, de hecho, el propio San Petersburgo. Entre las obras del artista se encuentran "La cascada de Apolo y el palacio", "Vista del palacio Kamennoostrovsky", "Vista de la isla del gran estanque en los jardines de Tsarskoe Selo", "Patio rural en Tsarskoe Selo". Y aunque Semyon Shchedrin era un maestro del paisaje urbano, pintaba objetos arquitectónicos de forma bastante convencional. La principal atención del artista se centró en la naturaleza: los historiadores del arte lo consideran un presagio del paisaje lírico ruso.

Stepán Galaktionov. Vista del Neva desde la Fortaleza de Pedro y Pablo (fragmento). 1821. Museo de toda Rusia A.S. Pushkin, San Petersburgo

Stepán Galaktionov. Fuente en el parque. (fragmento). 1820. Museo de Arte de Sebastopol que lleva el nombre de P.M. Kroshitsky, Sebastopol

Stepán Galaktionov. Cabaña en el parque (fragmento). 1852. Museo de Bellas Artes de Tiumén, Tiumén

Stepan Galaktionov no sólo fue pintor y acuarelista, sino también un brillante grabador: fue uno de los primeros en Rusia en dominar la técnica de la litografía: el grabado sobre piedra. La principal fuente de inspiración de Galaktionov fueron los monumentos arquitectónicos de San Petersburgo. Participó en la creación del álbum de litografías "Vistas de los suburbios y alrededores de San Petersburgo", que fue curado por el artista Semyon Shchedrin en 1805. Esta colección incluye sus obras: "Vista del Palacio de la Isla Kamenny desde la dacha del Conde Stroganov" y "Vista del Palacio Monplaisir" en Peterhof, "Vista del Templo de Apolo con la Cascada en el jardín del Palacio Pavlovsky" y “Vista de parte del palacio desde el lado del gran lago en la ciudad de Gatchina”. Posteriormente, participó en el trabajo de la colección "Vistas de San Petersburgo y sus alrededores", publicada en 1825 por la Sociedad para el Fomento de los Artistas.

Vasili Sadóvnikov. Vista del terraplén y del Palacio de Mármol (fragmento). 1847. Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo

Vasili Sadóvnikov. Vista del Neva y la Fortaleza de Pedro y Pablo. 1847. Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo

Vasili Sadóvnikov. Vista del Neva y la Fortaleza de Pedro y Pablo (fragmento). 1847. Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo

El artista autodidacta Vasily Sadovnikov pintó la arquitectura de San Petersburgo cuando aún era siervo de la princesa Natalya Golitsyna. Habiendo recibido su libertad, ingresó en la Academia de las Artes, donde Maxim Vorobyov se convirtió en su maestro.

Se conocen numerosas vistas del Palacio de Invierno, pintadas por Sadovnikov en nombre de los emperadores Nicolás I y Alejandro II. Pero la obra más famosa del artista es la acuarela de 16 metros "Panorama de Nevsky Prospekt", en la que trabajó durante 5 años, desde 1830. En él, la calle principal de San Petersburgo se dibuja en ambas direcciones, desde la plaza Admiralteyskaya hasta el puente Anichkov. El artista representó en detalle cada casa de Nevsky Prospekt. Posteriormente, el editor Andrei Prevost publicó partes individuales de este panorama en forma de litografías; la serie constaba de 30 hojas.

Entre otras pinturas capitales del artista se encuentran “Vista del terraplén y el Palacio de Mármol”, “Salida de la corte desde la entrada principal del Gran Palacio en Peterhof”, “Salón del Mariscal de Campo”. En la obra “La salida de una diligencia desde la plaza de San Isaac” se representa la catedral en construcción.

Además de San Petersburgo, Sadovnikov pintó paisajes urbanos de Moscú, Vilna y Helsinki. Una de las últimas obras del artista fue un panorama de San Petersburgo desde los Altos de Pulkovo.

Andréi Martínov. Vista del Palacio de Pedro I en el Jardín de Verano (fragmento). 1809-1810. Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo

Andréi Martínov. Vista del Golfo de Finlandia desde el balcón del Palacio de Oranienbaum (fragmento). 1821-1822. Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo

Andréi Martínov. Vista de Nevsky Prospekt desde Fontanka hasta el Almirantazgo (fragmento). 1809-1810. Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo

Entre las primeras obras independientes del maestro de la pintura de paisajes Andrei Martynov se encuentran las vistas italianas. Después de graduarse de la Academia de las Artes, el artista vivió como jubilado en Roma. Al regresar de Italia a su tierra natal, Martynov pintó vistas de San Petersburgo utilizando diversas técnicas, incluidas la acuarela y el grabado. Martynov incluso abrió su propio taller litográfico para imprimir grabados.

Entre las obras famosas del artista se encuentran "La orilla del terraplén de Bolshaya en San Petersburgo desde Liteinaya hasta el Jardín de Verano", "A lo largo del Jardín de Verano hasta los edificios del Palacio de Mármol", "Desde Moshkov Lane a lo largo de los edificios del Palacio de Invierno".

Martynov viajó mucho; visitó Beijing con el embajador ruso. Posteriormente, el artista lanzó el álbum litográfico “Viaje pintoresco desde Moscú hasta la frontera china”. Durante sus viajes, Martynov extrajo ideas para sus pinturas y también capturó vistas de Crimea y el Cáucaso. Las obras del artista se pueden ver en las colecciones de la Galería Estatal Tretiakov, el Museo Estatal Ruso y el Museo de Bellas Artes A.S. Pushkin.

Karl Beggrov. En el Jardín de Verano (fragmento). Década de 1820. Museo Estatal Ruso, San Petersburgo

Karl Beggrov. Arco del edificio del Estado Mayor (fragmento). 1822. Museo de toda Rusia A.S. Pushkin, San Petersburgo

Karl Beggrov. Puerta triunfal (fragmento). Década de 1820. Museo Estatal Ruso, San Petersburgo

Karl Beggrov pintó paisajes, aunque, a diferencia del hijo del pintor marino Alexander Beggrov, no pintó vistas del mar, sino de la ciudad. Alumno de Maxim Vorobyov, pintó un gran número de acuarelas y litografías con paisajes de San Petersburgo.

En 1821-1826, Karl Beggrov creó una serie de litografías que se incluyeron en la colección "Vistas de San Petersburgo y sus alrededores". Entre ellos, por ejemplo, se encuentra la “Vista del Arco del Estado Mayor”. Después de la publicación de este álbum, Beggrov trabajó más en acuarelas, pero todavía pintó principalmente San Petersburgo, por ejemplo, "In the Summer Garden" y "Triumphal Gates". Hoy en día, las obras de Karl Beggrov se conservan en la Galería Estatal Tretyakov, el Museo Estatal Ruso, el Hermitage Estatal y museos de otras ciudades.

Alejandro Benois. Invernadero (fragmento). 1906. Galería Estatal Tretyakov, Moscú

Alejandro Benois. Frontispicio de “El jinete de bronce” de Alexander Pushkin (fragmento). 1905. Museo Estatal de Bellas Artes que lleva el nombre de A.S. Pushkin, Moscú

Alejandro Benois. Oranienbaum (fragmento). 1901. Museo Estatal Ruso, San Petersburgo

En 1902 en la revista “World of Art”

Mstislav Dobuzhinsky. Petersburgo (fragmento). 1914. Galería Estatal Tretyakov, Moscú

Mstislav Dobuzhinsky. Casita en San Petersburgo (fragmento). 1905. Galería Estatal Tretyakov, Moscú

Mstislav Dobuzhinsky. Esquina de San Petersburgo (fragmento). 1904. Galería Estatal Tretyakov, Moscú

Mstislav Dobuzhinsky fue un artista versátil: diseñó producciones teatrales, ilustró libros y revistas. Pero el lugar central en su obra lo ocupaba el paisaje de la ciudad; al artista le encantaba especialmente representar San Petersburgo: Dobuzhinsky pasó su infancia allí.

Entre sus obras se encuentran “Rincón de San Petersburgo”, “Petersburgo”. Los paisajes de San Petersburgo también se pueden ver en el libro "Petersburgo en 1921", en las ilustraciones de "Las noches blancas de Dostoievski" y "El Petersburgo de Dostoievski" de Nikolai Antsiferov. En 1943, Dobuzhinsky creó un ciclo de paisajes imaginarios de la Leningrado sitiada.

Como escribió el crítico de arte Erich Hollerbach: “A diferencia de Ostroumova-Lebedeva, que capturó principalmente la belleza arquitectónica de San Petersburgo en sus grabados y litografías, la artista también miró las tierras bajas de la vida urbana, abrazó con su amor no solo el esplendor monumental de la arquitectura de San Petersburgo, sino también la lamentable miseria de las sucias afueras”. Tras abandonar el país, Dobuzhinsky continuó pintando paisajes, pero esta vez de Lituania y Estados Unidos.

Anna Ostroumova-Lebedeva. Petersburgo, Moika (fragmento). 1912. Colección privada

Anna Ostroumova-Lebedeva. Pavlovsk (fragmento). 1953. Colección particular

Anna Ostroumova-Lebedeva. Petrogrado. Columnas rojas (fragmento). 1922. Museo Estatal Ruso, San Petersburgo

Uno de los principales artistas gráficos y grabadores de la primera mitad del siglo XX. En xilografías (xilografías, litografías y acuarelas) representó principalmente vistas de San Petersburgo. Entre sus obras se encuentran ilustraciones para los libros de Vladimir Kurbatov "Petersburgo" y Nikolai Antsiferov "El alma de Petersburgo", acuarela "Campo de Marte", "Otoño en Petrogrado", grabados "Petersburgo". Jardín de verano en invierno”, “Petersburgo. Las columnas rostrales y la bolsa de valores" y otros.

La artista no abandonó su Leningrado natal ni siquiera durante el asedio: “A menudo escribía en el baño. Pondré una mesa de dibujo en el lavabo y le pondré un tintero. En el estante de enfrente hay un ahumadero. Aquí los golpes suenan amortiguados, el silbido de los proyectiles voladores es menos audible, es más fácil recoger los pensamientos dispersos y dirigirlos por el camino correcto”. Las obras de este período (“Jardín de verano”, “Columna rostral” y otras) también se publicaron en forma de postales.

Otra clase magistral

Por materiales blandos nos referiremos aquí a lápices 3B y más blandos, carbón prensado, sanguina, salsa, sepia, tiza, pastel. Cuanto más suave sea el material, más suave debe ser el tacto del papel. Es mejor borrar los lugares defectuosos al principio con una servilleta o un palito y luego con una goma de borrar. Algunos de estos materiales se pueden utilizar cuando se trabaja sobre papel húmedo: salsa, sanguina, sepia. También se pueden frotar hasta convertirlos en polvo, diluir con agua en cualquier proporción y trabajar con un cepillo. A continuación se darán ejemplos de métodos de trabajo específicos.
Los principiantes a menudo tienen una actitud poco reflexiva hacia los materiales, por ejemplo, con un tiempo limitado, en una hoja de papel grande, el dibujo se realiza con un lápiz duro. En ausencia de experiencia, el proceso de trabajo se vuelve difícil y un resultado completo resulta inalcanzable. Los bocetos de gran tamaño tienen un efecto positivo en el desarrollo del sentido de integridad y, naturalmente, están realizados con materiales flexibles y móviles como la sanguina, el carboncillo, el sepia, etc. Estos bocetos de gran tamaño se realizan con el brazo extendido.

Dibujo de interiores.

La representación de interiores tomados de la naturaleza tiene sus propias características. En primer lugar, el interior incluye planos espaciales. El dibujante debe encontrar un punto tal que la arquitectura en el dibujo sea legible y con las proporciones correctas de lo general y los detalles. Al mismo tiempo, para espacios muy grandes es necesario “corregir” la perspectiva aparente para que se produzca menos distorsión. Para hacer esto, es posible construir una perspectiva de gran angular "a ojo" con tres o más puntos de fuga en el horizonte, y las verticales se dibujan estrictamente paralelas. Los interiores de las cámaras están representados en una perspectiva normal. La ubicación de la línea del horizonte es muy importante: al nivel de los ojos de una persona de pie o sentada. En casos raros, se traza una línea de horizonte cerca del suelo para darle una monumentalidad especial al objeto. En segundo lugar, en el interior hay varias fuentes de iluminación y, en ocasiones, varios puntos de luz “funcionan”. En cualquier caso, hay que prestar atención a la perspectiva aérea, que complementa la lineal. El primer plano se vuelve el más contrastante; a medida que se aleja, la luz parece más oscura, las sombras parecen más claras y todas las demás relaciones tonales se vuelven más estrechas. En tercer lugar, los objetos del interior varían en color (de blanco a negro) y textura (madera, mármol, metal).
Para bocetos rápidos, utilice una línea. Pero la línea, como tal, sólo define condicionalmente los límites del objeto, sin dar una idea de su color y cualidades de textura. Por lo tanto, basándose en el primer boceto lineal, puede diseñar inmediatamente un tono claro con una licuadora o gamuza, habiéndolo probado primero en la paleta. Las capacidades de la línea para transmitir volumen real también son limitadas. Conocemos los brillantes dibujos lineales de interiores de arquitectos como Voronikhin, Thomas de Thomon, Cameron, Zholtovsky, Noakovsky.
El patrón de corte expresa no sólo el carácter convencional de la iluminación, sino también mucho más. Antes de realizar un dibujo de este tipo, debe pensar en cómo utilizar de manera más efectiva la iluminación en el interior, cómo revelar los planos de iluminación de la manera más expresiva. Ya sea que la luz pase a través de las ventanas, que sea luz difusa o que provenga de lámparas de araña, en cada caso se necesitará una solución de diseño cualitativamente nueva. Para dibujos de interiores, es bueno utilizar papel tintado, con la expectativa de realizar trazos en los puntos de luz en la última etapa del trabajo con tiza.
Un brillante ejemplo de dibujos de interiores en claroscuro son los dibujos de Gonzago, Premazzi y Piranesi.

Dibujo de un paisaje con arquitectura.

Es necesario pintar al aire libre en diferentes climas y en diferentes momentos; entonces veremos la misma arquitectura con diferente iluminación y será más fácil captar lo principal. Aquí también es necesario construir una imagen en perspectiva, que determine la relación de los planos espaciales con el horizonte y el punto de fuga y la posición de todos los objetos en el espacio. Primero, intente delinear la forma misma de los edificios, que no dependa de la iluminación. A medida que el sol se mueve, cambiará todo el tiempo y debes recordar y fijar rápidamente la posición más ventajosa en la sábana, o desde el principio asumirás una iluminación difusa del cielo nublado. Trabaje primero en planos grandes, subordinándolos y relacionándolos con formas y detalles más pequeños. Es recomendable dibujar en diferentes formatos de papel para que la arquitectura parezca estar en otra escala. Es más fácil empezar con paisajes urbanos en un día no soleado, cuando la iluminación es más estable y la relación entre luces y sombras cambia poco. Ejemplos de tales obras son los dibujos de M. Vorobyov, F. Alekseev, I. Charlemagne y otros.

Dibujo de arquitectura en un paisaje (desde mi experiencia).


Elijo un formato de papel e inmediatamente bosquejo la composición en una hoja de papel en sepia (sin lápiz): ​​cuánta tierra, cuánta arquitectura y cuánto cielo. Por lo general, el área de cielo en la hoja es mayor que el área de tierra (es malo cuando resulta igual). En la primera etapa, se “tienen en cuenta” los problemas de iluminación y relaciones tonales: se esboza la forma misma de la tierra y la arquitectura, a través de formas simplificadas y sin detalles: plano, prisma, cilindro, etc. Para mayor claridad de composición, el primer boceto debe ser brillante pero “ligero”.
Luego comienza la elaboración de los detalles principales y la explicación de la forma general en tono. Puedes aplicar sepia frotado con brocha o gamuza y fácilmente, sin frotarlo sobre el papel, aplicarlo en los lugares necesarios para la composición. En la iluminación difusa se trata, ante todo, de aberturas; en la iluminación soleada, también son los límites generales de las propias sombras. El tono medio del suelo suele ser más oscuro que el tono medio de la arquitectura. Se realizan más detalles y desarrollo del tono de acuerdo con la perspectiva lineal y aérea. Al mismo tiempo, preferiblemente de una sola vez, se crea el cielo: el estado de las nubes en perspectiva e iluminación, y se completa la arquitectura sobre el fondo del cielo. A lo largo de la obra, la arquitectura sigue siendo el elemento principal de la composición. Siempre es recomendable en la etapa final hacer uno o dos de los lugares más claros y uno o dos de los más oscuros, potenciando los contrastes en primer plano. Más cerca de los bordes de la hoja, los contrastes se debilitan. El entorno (naturaleza, personas) en tales dibujos tiene un tono medio y más o menos convencional, es decir, "juega" con la arquitectura. El escenario lineal y los detalles se realizan únicamente con un palo sepia muy afilado. Para casi todos los temas, se puede utilizar papel con textura rugosa. Luego, los planos lejanos se sombrean y el primer plano, con tiza, para transmitir texturas rugosas (corteza de árbol, paredes de cantos rodados, tierra, etc.). Si toma papel teñido: amarillento, grisáceo, pardusco, etc. – luego en la última etapa se colocan varios acentos con tiza o blanco líquido con un pincel. La cal se utiliza de dos maneras: como resaltado o como plano de luz. El resplandor es pequeño en área, pero brillante en intensidad. Los aviones luminosos son menos brillantes, pero de mayor superficie. En ambos casos, estos puntos de luz tienen diferente intensidad y uno de ellos se convierte en el más brillante. El tono general del cielo suele ser más claro que todo lo demás.

Dibujo de un paisaje con elementos arquitectónicos.

Se pueden considerar especialmente los dibujos de paisajes, donde la arquitectura en la composición desempeña solo el papel de un acento que enfatiza la belleza del paisaje. En tales dibujos, la coescala del elemento arquitectónico y el paisaje es especialmente importante. La tarea aquí es mostrar cuán bellamente la arquitectura encaja en la naturaleza y al mismo tiempo se diferencia de ella. La textura de la naturaleza es infinitamente variada: cielo, follaje, árboles, tierra, piedras, etc. en contraste con más o menos la misma textura en la arquitectura. Los detalles arquitectónicos juegan aquí un papel especial. Dichos dibujos se hacen, por regla general, en un tono profundo, desde el blanco hasta el más oscuro, pero es aconsejable no alcanzar tal grado de oscuridad que el material ya no "funcione".

paisaje urbano

tipos de paisajes

Dependiendo de la naturaleza del motivo del paisaje, se pueden distinguir paisajes rurales, urbanos (incluidos los arquitectónicos urbanos y veduta) e industriales. Un área especial es la imagen del elemento marino: el puerto deportivo.

Paisaje rural también conocido como “pueblo”

Esta dirección del género paisajístico ha sido popular en todo momento, independientemente de la moda. La relación entre la naturaleza y los resultados de la actividad consciente de la humanidad siempre ha sido bastante compleja, incluso conflictiva; en las artes visuales esto es especialmente evidente. Los bocetos de paisajes con arquitectura, una cerca o la chimenea de una fábrica humeante no crean un ambiente de paz: en ese contexto, toda la belleza de la naturaleza se pierde y desaparece.

Sin embargo, hay un entorno donde la actividad humana y la naturaleza están en armonía o, por el contrario, la naturaleza juega un papel dominante: este es el campo, donde las estructuras arquitectónicas parecen complementar los motivos rurales.

Los artistas de los paisajes rurales se sienten atraídos por la tranquilidad, la poesía única de la vida rural y la armonía con la naturaleza. Una casa junto al río, rocas, prados verdes, un camino rural dieron impulso a la inspiración de artistas de todos los tiempos y países.

Este tipo de paisaje fue el resultado de varios siglos de desarrollo de la pintura de paisaje. En el siglo XV se generalizaron los paisajes arquitectónicos que representaban vistas de la ciudad a vista de pájaro. Estos interesantes lienzos a menudo fusionaban antigüedad y modernidad e incluían elementos de fantasía.

Un tipo de paisaje, un tipo de pintura en perspectiva, una representación de arquitectura real o imaginaria en un entorno natural. La perspectiva lineal y aérea juega un papel importante en el paisaje arquitectónico, conectando naturaleza y arquitectura.

En el paisaje arquitectónico se distinguen las perspectivas urbanas, que fueron llamadas en el siglo XVIII. vedutami (A. Canaletto, B. Bellotto, F. Guardi en Venecia), vistas de fincas, conjuntos de parques con edificios, paisajes con ruinas antiguas o medievales (Y. Robert; K. D. Friedrich Abadía en un robledal, 1809–1810, Berlín , Museo Estatal; S.F. Shchedrin), paisajes con edificios y ruinas imaginarios (D.B. Piranesi, D. Pannini).

veduta(Veduta italiana, lit. - visto): un paisaje que documenta con precisión la apariencia de una zona, una ciudad, una de las fuentes del arte panorámico. Paisaje veneciano tardío, estrechamente asociado a los nombres de Carpaccio y Bellini, quienes lograron encontrar un equilibrio entre la precisión documental de la representación de la realidad urbana y su interpretación romántica. El término apareció en el siglo XVIII, cuando se utilizaba una cámara oscura para reproducir vistas. El artista líder que trabajó en este género fue A. Canaletto: Piazza San Marco (1727-1728, Washington, National Gallery).

Puerto pequeño (Marina italiana, del latín marinus - mar): uno de los tipos de paisaje cuyo objeto es el mar.

La marina se convirtió en un género independiente en Holanda a principios del siglo XVII: J. Porcellis, S. de Vlieger, W. van de Velle, J. Vernet, W. Turner “Funeral at Sea” (1842, Londres, Tate Gallery ), K. Monet “Impresión, amanecer” (1873, París, Museo Marmottan), S.F. Shchedrin “Pequeño puerto en Sorrento” (1826, Moscú, Galería Tretyakov).

Aivazovsky, como nadie, pudo mostrar el elemento agua vivo, impregnado de luz y en constante movimiento. Al deshacerse de los contrastes demasiado marcados de la composición clasicista, Aivazovsky finalmente logra una genuina libertad pictórica. La bravura-catastrófica "La novena ola" (1850, Museo Ruso, San Petersburgo) es una de las pinturas más reconocibles de este género.