¿En qué consiste el disfraz de bailarina? Disfraz de bailarina para niña: descripción, consejos de costura.

MBOU Escuela secundaria nº 26
Ensayo

en la disciplina "Danza Clásica"

"La historia del traje de ballet"

Terminado:

Kuyanichenko Daria

Zaitseva L.A.

Kurgán, 2012

1. Concepto: ballet y vestuario de ballet.
BALLET(Ballet francés, del italiano balletto, del latín tardío ballo - dance), un tipo de arte musical y teatral, cuyo contenido se expresa en imágenes coreográficas. Por regla general, el término sirve para designar un tipo de arte que se desarrolló durante los siglos XVI al XIX. en Europa y Rusia y se extendió por todo el mundo en el siglo XX. Entre otras artes, el ballet pertenece a los espectaculares tipos sintéticos y espacio-temporales de creatividad artística. Incluye teatro, música, coreografía y artes visuales. Pero todos ellos no existen en el ballet por sí solos y no se combinan mecánicamente, sino que están subordinados a la coreografía, que es el centro de su síntesis.

traje de ballet es parte del diseño artístico general. Un traje de ballet no solo debe revelar las características históricas, sociales, nacionales e individuales de un personaje en particular, sino también ser liviano, cómodo para bailar y enfatizar la estructura del cuerpo y la danza. movimientos. La base del traje de ballet es el "uniforme" de danza (leotardo, túnica, leotardo, túnica, tutú), que se diseña visualmente en función de imágenes específicas.

El vestuario de los personajes principales suele ser más individualizado. El cuerpo de ballet suele vestirse igual (aunque los trajes de los grupos a veces difieren), excepto en los casos en que representa una multitud multifacética real (los ejemplos incluyen el primer acto de Don Quijote diseñado por K. Korovin, las danzas folclóricas de Romeo y Julieta diseñada por P. Williams y otros). La unificación de trajes en la danza de masas (por ejemplo, en las danzas de Willis, Cisnes, Nereidas de los ballets clásicos o las amigas de Katerina en "La flor de piedra", los "pensamientos" de Mehmene Baku en "La leyenda del amor", etc.) enfatiza su significado emocional y simbólico y corresponde a la unidad y generalidad de la composición de danza. Al crear trajes para personajes individuales, el artista de ballet logra una unidad de carácter visual y bailabilidad.

La tarea del artista en el ballet es expresar la esencia ideológica de la actuación, crear el entorno y la apariencia de la acción en formas que correspondan a la esencia figurativa de la coreografía. En este caso se logra la integridad artística de la actuación, en la que la solución visual encarna el drama, la música y la coreografía en su unidad.

Traje en ballet, uno de los componentes importantes del diseño de la actuación, que cumple con los requisitos tanto del contenido ideológico y figurativo específico como de los detalles coreográficos. arte. El papel de K. en b. más significativo que en el drama o la ópera, ya que el ballet carece de texto verbal y su lado de entretenimiento lleva una carga mayor. Como en otros tipos de teatro, K. en b. caracteriza a los personajes, revela sus características históricas, sociales, nacionales e individuales. Al mismo tiempo, K. en b. Debe cumplir con los requisitos de bailabilidad, es decir, ser ligero y cómodo para bailar, no ocultar, sino revelar la estructura del cuerpo, no obstaculizar los movimientos, sino ayudarlos y enfatizarlos. Requisitos en sentido figurado-característico. La concreción y la bailabilidad a menudo entran en conflicto entre sí. A la vez excesivo “cotidiano” y esquemático. agotamiento de K. en b. Son extremos que en algunos casos sólo pueden justificarse por el contenido especial y el género de una obra en particular. La habilidad del artista en el ballet radica en superar estas contradicciones y extremos, en lograr una unidad orgánica de imaginería y bailabilidad.
K. en b., al ser la ropa de los personajes, al mismo tiempo hay un elemento de arte holístico. decisión de la actuación, que plantea la tarea de su coordinación colorística con la escenografía, “encajándola” en un solo cuadro pictórico. El traje es el elemento más “móvil” a representar. diseño de ballet. Por lo tanto, puede aportarle dinamismo. Al principio, llénelo con ritmos correspondientes a los ritmos de la música. En este sentido, K. en b. es, por así decirlo, un eslabón de conexión en la síntesis de la imagen. Arte y música en un espectáculo de ballet.
El vestuario de los personajes principales suele ser más individualizado que el del cuerpo de baile. La unificación del vestuario del cuerpo de ballet enfatiza su emotividad, en lugar de representarla. El significado corresponde a la unidad y generalidad de la danza. composiciones. La diferencia de color y, a veces, de forma de los trajes, a menudo revela el contraste de la diferencia. grupos de cuerpo de ballet en danza masiva o en coreografía polifónicamente compleja. composiciones (por ejemplo, en la escena de la procesión en "La leyenda del amor", publicación de Yu. N. Grigorovich, arte de S. B. Virsaladze). En los casos en que el cuerpo de ballet retrata a una multitud multifacética real, su vestuario también puede individualizarse (por ejemplo, la multitud en el primer acto de Don Quijote, diseño de A. A. Gorsky, arte de K. A. Korovin, 1900). Los trajes de los personajes principales suelen ser consistentes en corte y color con los trajes del cuerpo de ballet, y se combinan con ellos según el principio de unidad o contraste, dependiendo del contenido figurativo específico de la danza.
K. en b. históricamente cambió en relación con la evolución de la propia coreografía. arte. En las primeras etapas de su desarrollo, casi no se diferenciaba de la ropa cotidiana de un aristócrata cortesano. ambiente. En las representaciones barrocas, el traje era especialmente exuberante y, a menudo, pesado. Durante el período del clasicismo, apareció una túnica antigua estilizada (chitón) y los trajes folclóricos comenzaron a penetrar en los ballets cómicos. Reformador del teatro de ballet J. J. Nover al final. siglo 18 Hizo grandes cambios en la ropa, haciéndola más ligera, simplificando el calzado y acortando los vestidos de las mujeres. Sin embargo, la reforma radical de K. en Bielorrusia, que condujo a la formación de su moderno. fundamentos, se produjo en el arte del romanticismo ("La Sylphide", 1832, "Giselle" post. F. Taglioni, etc.). En lugar de la falda cotidiana, comenzaron a usar una túnica larga (¡no confundir con la túnica antigua!), que se convirtió en la antecesora del tutú; Los zapatos de tacón fueron reemplazados por zapatillas de ballet especiales, que permitían bailar con zapatillas de punta. El contraste entre lo real y lo fantástico. mundos fue enfatizado por el vestuario. El carácter idealizado generalizado de lo sinfónico. Las composiciones de danza se expresaron en la unidad del vestuario del cuerpo de ballet. En las actuaciones de A. Saint-Leon y M. I. Petipa, el romántico. La túnica se transformó en un tutú, que posteriormente se hizo cada vez más corto.
Contribución significativa al desarrollo de K. en b. contribuido por ruso primeros artistas siglo 20 L. S. Bakst tiene la idea misma de K. en b. Nació en relación con la coreografía. movimiento; en sus bocetos, el vestuario se presenta con los movimientos bruscos, a menudo exagerados, de los bailarines. Los trajes de K. A. Korovin se distinguen por su color. riqueza y unidad pintoresca con el paisaje. El sutil sentido de la época y la individualidad del personaje, característico de A. N. Benois, se reflejó en su vestuario. El vestuario de N.K. Roerich transmite el poder elemental y el exotismo primitivo de sus personajes. Los artistas del "Mundo del Arte" a menudo absolutizaron el colorido significado de K. en b. y lo trató como un punto puramente pintoresco en el cuadro general, a veces ignorando o incluso suprimiendo al bailarín (por ejemplo, B.I. Anisfeld). Pero al mismo tiempo enriquecieron extraordinariamente las artes. expresividad e imaginería de K. en b.
En soviético. Estilo de ballet de trajes creados en la década de 1920. F. F. Fedorovsky y A. Ya. Golovin, estaba en parte cerca de las tradiciones pictóricas del "Mundo del Arte". Al mismo tiempo, los representantes de la danza libre (seguidores de A. Duncan) revivieron la antigua túnica (túnica). En los experimentos de K. Ya. Goleizovsky, los bailarines realizaban sus números con mallas, “leotardos”, que dejaban al descubierto el cuerpo, pero el traje se reducía a un uniforme de ballet. El Drama Ballet Studio de N. S. Gremina cultivó el traje doméstico. Los rasgos del constructivismo se reflejaron en los bocetos de A. A. Exter, en las "Danzas de las máquinas" de N. M. Forreger, en la introducción de uniformes industriales en los ballets sobre la modernidad ("Bolt", diseñado por T. G. Bruni, etc.). En el ballet dramático de los años 30-50. Los artistas se esforzaron por lograr la máxima especificación histórica, social y cotidiana del traje, acercándolo al traje dramático. teatro ("Ilusiones perdidas" de Asafiev, diseño de V.V. Dmitriev, 1936, etc.). La creación de espectáculos escénicos tuvo gran importancia durante estos años. opciones para las personas trajes, debido al uso generalizado de conjuntos folclóricos. bailes, nacional compañías de ballet y escenas populares en espectáculos de ballet ("Llamas de París", 1932, y "Días partidistas" de Asafiev, 1937, diseñado por Dmitriev; "Corazón de las montañas", 1938, y "Laurencia", 1939, diseñado por S. . B. Virsaladze, etc.). En contraste con las tendencias en la vida cotidiana del traje de ballet, característico de este período, desde el final. años 50 Los rasgos de abstracción y esquematismo, monotonía y monotonía comenzaron a aparecer en los ballets de los ballets, especialmente en las producciones de ballets sin trama en los ballets sinfónicos. música.
Destacado maestro K. en b. es S. B. Virsaladze. Sus obras (especialmente en las representaciones de Yu. N. Grigorovich) son característicamente orgánicas. unidad de caracterización figurativa y bailabilidad. El artista nunca agota el traje, no lo convierte en un uniforme puro y en un esquema abstracto. Su traje siempre refleja los rasgos figurativos del héroe y al mismo tiempo está concebido en movimiento, creado en unidad con el concepto y obra del coreógrafo. Virsaladze no viste tanto a los personajes como al baile. Sus trajes se distinguen por un gusto elevado y a menudo refinado. Su corte y color revelan y enfatizan la danza. movimientos. El vestuario en las actuaciones de Virsaladze se presenta en un sistema específico que corresponde a las peculiaridades de la coreografía. Se correlacionan cromáticamente con el paisaje, desarrollando su tema pictórico, completándolos con nuevos trazos coloridos y dinamizándolos de acuerdo con la danza y la música. Las obras de Virsaladze se caracterizan por una especie de "sinfonismo pintoresco", es decir. en la medida creada por el sistema K. en b.
Moderno El teatro de ballet se caracteriza por una variedad de artes. soluciones adecuadas. Él transforma toda la historia. experiencia en el desarrollo de la pintura en pintura, subordinándola a artes especiales. objetivos de una actuación particular.

(Fuente: Ballet. Enciclopedia, SE, 1981)

Btutú hay dos tipos. "Chopin"

Ambos están cosidos según el patrón más común de "llamaradas solares", es decir, círculo, en el medio hay un agujero. Solo se toma el círculo con un diámetro obviamente mayor y el agujero se hace más grande que la circunferencia de la cintura. Luego, el "anillo" resultante se dobla y se cose al cinturón.

Para un tutú clásico, se necesita tul muy duro, que cuesta una apuesta. Para un tutú de Chopin, se suele utilizar organza, es más suave.
En general, un tutú de ballet clásico (corto) suele necesitar al menos 2,5 metros de material; un tutú de Chopin puede llevar hasta 5-6.

zapatos de punta Son un tipo especial de zapato que se fija al pie con cintas y la puntera se refuerza con un bloque rígido. La palabra zapato de punta proviene del francés "tip".

1. 
   Ballet – principios del siglo XVII.

Los bailes de salón que se celebraban en la corte de los monarcas se convirtieron en espectáculos en los que la danza representaba una figura geométrica clara. Las habilidades de los profesionales del ballet debían garantizar que cada bailarín fuera capaz de realizar piruetas y pasos complejos. Por primera vez, las reglas básicas del ballet fueron claramente definidas por el profesor de la Real Academia de Danza, Pierre Beauchamp. Este coreógrafo destacó los principales movimientos del actor, sin los cuales simplemente no podría imaginar el ballet. Pierre Beauchamp creía que si se cumplen todos los criterios, no sólo se puede alcanzar la perfección en la danza, sino también realizar con maestría su parte de ballet en el escenario. En sus reglas, el coreógrafo de la Real Academia consideró las posiciones de piernas y brazos, que se volvieron claves y en ellas se basa toda la danza. A partir de ese momento, la danza de la corte se convirtió en ballet y comenzó a representarse en los grandes escenarios.

El ballet clásico francés estuvo significativamente influenciado por las habilidades de danza italiana. Lo que para los bailarines franceses era una tradición inquebrantable, cuya ruptura era inaceptable, para los coreógrafos italianos lo principal en la danza era el virtuosismo, que determina la habilidad del bailarín. En los siglos XVII y XVIII, no sólo la danza en sí comenzó a transformarse, sino que también cambiaron los trajes de los actores. Además, si antes sólo los bailarines masculinos brillaban en el escenario, en el Renacimiento y el Romanticismo las mujeres se convirtieron en símbolos del ballet. Sin embargo, a menudo el traje de las mujeres era bastante pesado y no permitía al artista realizar movimientos más complejos, por lo que se creía que los hombres eran bailarines mucho más diestros. Pero los estereotipos establecidos los rompe en una hora la bailarina Marie Camargo. Ella rechaza las faldas largas y acorta las suyas lo máximo posible. Y esto dio libertad de movimiento y contribuyó al virtuosismo de la interpretación. Poco a poco, los coreógrafos mejoran su técnica de danza.

Gran parte de esto fue aportado por el francés Jean Nover, quien criticó a los bailarines de ballet que usaban máscaras y disfraces para expresar el carácter del héroe, mientras que los movimientos corporales correspondían únicamente a ideas clásicas sobre el ballet. Nover defiende que el ballet debe expresar todas las características de un personaje a través de la danza y la música. Sólo el cuerpo, según el coreógrafo, es tan perfecto que todos pueden entender su lenguaje. En este momento, el ballet adquirió el estatus de género de arte dramático y se representó activamente en escenarios de todo el mundo.

1. 
   La apariencia de un tutú de ballet.

El ballet como arte surgió mucho antes de que aparecieran la ropa y los accesorios modernos para el ballet. El primer tutú de ballet, como el que conocemos hoy, apareció como parte del traje general de la bailarina Maria Taglioni durante el espectáculo de La Sílfide de 1839. Como muchas modas de la época, fue creada por el diseñador francés Eugene Lamy.

Cuando se habla de tutú de ballet, es bastante difícil no entrar en la historia.

La historia del traje de ballet es bastante lógica. Cuando los minuetos lentos dominaban el escenario, los trajes eran largos, pesados, bordados con piedras preciosas, con muchas faldas y enaguas. A medida que el baile se volvió más complejo, el traje evolucionó en consecuencia. Al principio, se quitaron los corsés, las faldas se hicieron más cortas y ligeras y los escotes se volvieron más reveladores.

Por primera vez, con lo que ahora se llama un “tutú”, subió al escenario la bailarina María Taglioni, la primera Sílfide y progenitora del “ballet romántico” (*Taglioni también es conocida por ser la primera bailarina en el mundo usar zapatillas de punta, pero hablaremos de eso a continuación).

Una falda de gasa nunca antes vista, tejida aparentemente de la nada, legitimaba el traje de ballet. Al principio, los bailarines (especialmente aquellos con feas piernas torcidas) incluso protestaron violentamente contra las innovaciones, pero luego se calmaron: esta nube aireada se veía muy hermosa.

En general, como comprenderás, cuanto más técnico se volvía el baile, el traje se hacía más sencillo y corto. Los tutús que ahora conocemos surgieron a mediados del siglo XX.

Ahora veamos los nombres. Los tutús son diferentes y cambian de apariencia según el ballet.

tutú- una divertida palabra francesa que se traduce precisamente como paquete. Esta es la palabra que se usa en inglés para referirse a una falda de ballet.

tutú clásico– falda redonda tipo panqueque. En estos bailan bailarinas, como habrás adivinado, en los ballets más clásicos: El lago de los cisnes, Paquita, Corsair, Actos 2 y 3 de La Bayadère, El Cascanueces, etc.

El radio estándar de un tutú es de 48 cm, pero la mayoría de las veces el tamaño del círculo varía dependiendo de la altura de la bailarina, la fiesta y el estilo general de la actuación. Los solistas, en función de sus características físicas, pueden elegir de forma independiente la forma del tutú que adorna sus piernas: pueden ser lisos, paralelos al suelo, ligeramente rebajados, con el fondo esponjoso o, por el contrario, completamente planos.

Pero aquí está la cuestión: un tutú clásico es una auténtica cama de Procusto. Muestra los más mínimos defectos en la figura, rodillas débiles y falta de ensayos.

Incluso existe algo como " bailarina sin tutú" Por lo general, se trata de una bailarina con extremidades no muy largas, piernas de forma irregular o una forma que va más allá de lo permitido: en una palabra, con curvas. Una "bailarina sin tutú" también puede denominarse bailarina cuyo papel es un semi-personaje bravura o, por el contrario, papeles románticos. Es decir, Kitri, Giselle, La Sylphide, pero no Odette-Odile o Nikia. Los ejemplos más llamativos de "bailarinas sin tutú" son Natalya Osipova y Diana Vishneva.

Diana Vishneva

Natalia Osipova

Consiguieron ir más allá del papel que se les había asignado e incluso con tutús que no las adornaban muy bien lucen geniales: ¡eso es lo que el carisma les hace a los artistas! Por cierto, la controvertida Osipova, la mejor Kitri del mundo, apareció recientemente en "El lago de los cisnes"; el papel de Odette-Odile, al parecer, está contraindicado para ella. Y nada, muchos lloraron)

Tutú romántico o “chopinka”- falda larga de tul. Es ella quien es responsable de la creación de imágenes fantásticas "de otro mundo": el fantasma de la fallecida Giselle, el hermoso espíritu de Sylphide. Y la apoteosis del ballet romántico "Chopiniana" es completamente imposible de imaginar sin estas maravillosas faldas aireadas: crean la ilusión de vuelo, aire, libertad y la absoluta irrealidad de lo que está sucediendo.

La falda larga y esponjosa, por supuesto, oculta las piernas de la bailarina. Por un lado, esto distrae la atención de posibles deficiencias y, por otro lado, atrae toda la atención hacia los pies. Pero los ballets románticos están llenos de técnica fina y los pies feos, que no funcionan y sin un empeine alto, de alguna manera alteran el ambiente romántico.

También existe un concepto como túnica o túnica- Este es el mismo tutú, falda de ballet.

Chitona- Esta es una falda de una sola capa, generalmente hecha de gasa. Por ejemplo, el papel de Julieta se realiza con un quitón.

Tutús, chopinki, túnicas, etc. hay tanto en el escenario como en el ensayo.

Si el traje, por ejemplo, de Odette, con el que la bailarina sube al escenario, es un todo único, es decir, la parte superior (corpiño) y la parte inferior (en realidad, el tutú) están cosidas juntas, entonces el traje de ensayo es simplemente una falda con “bragas”, que se pone sobre un leotardo de ensayo (chopinka, sin bragas, solo una falda con canesú).

Los tutús de ensayo constan de menos capas.

Te preguntarás, ¿por qué usar un tutú en el ensayo? Después de todo, es muy posible arreglárselas con el estándar. ropa de ensayo- maillot y bañador. Pero definitivamente necesitas ensayar lo que la bailarina usará más adelante en el escenario; de esta manera puedes asegurarte de que la falda no se suba, de que la pareja no la agarre, para poder controlar el patrón general del baile.

1. 
   Maria Taglioni: su contribución a la historia del traje de ballet.

Antes de las puntas, se bailaba con zapatos de tacón al estilo de la época de Luis XVI o con sandalias griegas. Luchando por la ligereza, las bailarinas se pusieron de puntillas (de ahí el término sur les pointes, bailar de puntillas): para ello, se pusieron trozos de corcho en los zapatos. Este truco, junto con los largos que ayudaban a “volar” sobre el escenario, fue utilizado en 1796 por el francés Charles Didelot. A él, junto con el italiano Carlo Blasis, quien describió esta técnica de danza en el libro "La danza de Terpsícore", se le atribuye la invención de las zapatillas de punta. Se considera que la primera bailarina que bailó el ballet “Zephyr and Flora” solo con zapatillas de punta en 1830 fue la italiana Maria Taglioni. Después de la gira en San Petersburgo, los fans le compraron zapatos y... se los comieron con salsa. “¿No es de aquí de donde viene la expresión ‘lenguado de ternera’ que tanto escuchamos en los restaurantes?” - pensó el historiador del ballet Alexander Pleshcheev.

Hay una leyenda: cuando María Taglioni cruzó la frontera rusa, en la aduana le preguntaron: “Señora, ¿dónde están sus joyas?” Taglioni se levantó la falda y, señalándose las piernas, respondió: “Aquí están”. Sí, sus piernas realmente eran diamantes y su baile literalmente hizo llorar de felicidad al público. Taglioni apareció por primera vez ante el público de San Petersburgo en 1837. No fue un éxito, sino un triunfo. Su nombre ganó tanta popularidad que aparecieron el caramelo “Taglioni”, el vals “El regreso de María Taglioni” e incluso los sombreros “Taglioni”. Pero además de las zapatillas de punta, María Taglioni presentó al arte y al público otra novedad, también Presentado por primera vez en el ballet "La Sylphide", un tutú blanco como la nieve, que pronto se convirtió en un símbolo del ballet romántico. Esta “nube de gas” fue inventada por el artista y diseñador de moda Eugene Lamy. La túnica ligera e ingrávida, con forma de flor a medio abrir, no sólo ayudaba a la bailarina a realizar saltos ingrávidos pero técnicamente difíciles, sino que parecía emitir una luz especial, sobrenatural, tan necesaria para el ballet romántico. Es cierto que la imagen que Taglioni encarnó en el escenario fue ofrecida a las mujeres parisinas por todas las revistas de moda mucho antes del estreno. Hombros abiertos, hilos fluidos de tela ligera, cierto desapego.

Pero las fashionistas parisinas, a su vez, tomaron prestado su ligero chal de la heroína del ballet: echado sobre los hombros y cayendo sobre los brazos, daba a la silueta de la dama un aspecto melancólico, como el de una sílfide detenida en su vuelo. Pero, por supuesto, lo principal Lo más destacado del arte de Taglioni, que nació el 23 de abril de 1804 en Estocolmo, fue su danza. Comenzó a dominar los conceptos básicos de la danza a la edad de ocho años y su debut tuvo lugar el 1 de junio de 1822 en el Teatro de Viena como ninfa en el ballet “La recepción de la joven ninfa en la corte de Terpsícore”, representada por ella. padre. Los contemporáneos de Taglioni cuentan que después de la lección diaria que le daba su padre, muchas veces caía inconsciente al suelo. Con tan sangriento trabajo consiguió la celebración vespertina de media hora.

La historia de la Sílfide, el espíritu del aire, misteriosa y hermosa, que con su amor por un joven terrenal destruye tanto a ella como a él, resultó ser el punto de aplicación de todas las fuerzas creativas tanto del padre como de la hija. ¡Traje! Fue en La Sylphide donde se perfeccionó y se mantiene sin cambios hasta el día de hoy. En su creación participó el famoso artista y diseñador de moda E. Lamy, quien utilizó tela ligera de varias capas para crear una túnica esponjosa y al mismo tiempo ingrávida, o tutú, como se la llamaba en Rusia.

Además de la falda aireada en forma de campana, Taglioni tenía unas alas transparentes y ligeras unidas a los tirantes del corpiño detrás de los hombros. Este detalle teatral ahora parece una adición completamente natural a la figura de la Sílfide, que es igualmente capaz de elevarse en el aire y caer al suelo a su antojo. La cabeza de María estaba peinada suavemente y decorada con una elegante corona blanca.

Por primera vez en La Sylphide, Taglioni no bailó sobre los dedos de los pies, sino sobre zapatillas de punta, lo que creó la ilusión de un toque ligero, casi accidental, en la superficie del escenario. Este era un nuevo medio de expresión: el público vio a Sílfide y sus amigos literalmente flotando sobre el suelo.

Taglioni parecía tejido a la luz de la luna, iluminando misteriosamente el escenario. El público se apretó involuntariamente en sus sillas, abrumado por un sentimiento alarmante de admiración por la irrealidad de lo que estaba sucediendo: la bailarina había perdido su caparazón humano: flotaba en el aire. Esto era contradictorio.

En definitiva, La La Sylphide con Taglioni fue un acontecimiento con una resonancia que sólo las tormentas sociales y las grandes batallas pueden tener. La gente experimentó un verdadero shock y vio de primera mano lo que es el talento. Pero el papel de Sylphide era ajeno a cualquier efecto técnico. Pero esta fue precisamente la revolución silenciosa de Taglioni: un cambio de pautas, preferencias, el triunfo del romanticismo como una nueva era en la coreografía. ¡Cuántos años han pasado desde entonces, cuántas ovaciones vio el escenario, cuando parecía que de un ligero salto la Sílfide se dejaría llevar para siempre!

En 1832, María se casó con el conde de Voisin, pero siguió usando su apellido de soltera y no abandonó los escenarios. Dejó el teatro en 1847 y vivió principalmente en Italia, en sus propias villas. María dio a luz a dos hijos en los dos primeros años de matrimonio: un hijo y una hija. Dio lecciones de ballet. Una vez más apareció en París, pero sólo para animar a su alumna Emma Levy, una estrella en ascenso que había revivido las tradiciones del ballet clásico, olvidadas durante algún tiempo con la partida de Taglioni. Para la misma debutante escribió el ballet "Mariposa".

Maria Taglioni murió en 1884 en Marsella y está enterrada en el cementerio de Père Lachaise. En la lápida se encuentra el siguiente epitafio: “Ô terre ne pèse pas trop sur elle, elle a si peu pesé sur toi” (Tierra, no la presiones demasiado, porque te pisa con mucha facilidad).

1. 
   zapatos de punta

En Dios confiamos. Todos los demás deberán traer datos.

Batalla por el cuerpo o traje de ballet masculino: de camisola y pantalón al desnudo total

Hoy parece que el cuerpo en la danza siempre ha estado abierto al espectador: cuanto menos se use, mejor. De hecho, el ballet nació envuelto en pañales de pies a cabeza. Todo estaba escondido y escondido, pero el baile no pudo aceptar tal injusticia. Y comenzó la gran batalla por un cuerpo libre de ataduras disfrazadas.

Para los hombres vestidos con trajes de ballet, todo comenzó con tal giro que hoy en día es imposible siquiera imaginar cómo con esos trajes uno no solo podría bailar, sino simplemente moverse por el escenario. Pero los bailarines demostraron ser verdaderos luchadores por la liberación completa del cuerpo de los grilletes. Es cierto que el camino que tuvieron que recorrer para presentarse ante el público casi desnudos, cubriendo sólo su “vergüenza” con una hoja de parra llamada venda, o incluso desnudos, resultó largo, espinoso y escandaloso.

Falda en un marco

¿Cómo era un bailarín en los inicios del ballet? El rostro del artista estaba oculto por una máscara, su cabeza estaba adornada con una peluca alta con pelo esponjoso, cuyas puntas caían sobre su espalda. Encima de la peluca se puso otro tocado increíble. Las telas de los trajes eran pesadas, densas y generosamente mullidas. La bailarina apareció en el escenario con una falda de corte que llegaba casi hasta la rodilla y zapatos de tacón alto. En la vestimenta masculina también se utilizaban túnicas hechas de brocado de oro y plata, que iban desde la espalda hasta los talones. Bueno, solo un árbol de Navidad, pero no brillando con bombillas multicolores.

A finales del siglo XVIII, el traje de ballet comenzó a cambiar gradualmente, volviéndose más ligero y elegante. La razón es la técnica de danza cada vez más compleja, que requiere la liberación del cuerpo masculino de los atuendos pesados. Las innovaciones en el vestuario, como siempre, las dicta quien marca tendencias: París. El artista principal ahora viste un quitón griego y sandalias, cuyas correas se envuelven alrededor del tobillo y la base de la pantorrilla de sus piernas desnudas. La bailarina del género semi-personaje actúa con una camisola corta, pantalones y medias largas, la bailarina de un papel característico viste una camisa teatral con cuello abierto, una chaqueta y pantalones. En la segunda mitad del siglo XVIII apareció un atributo tan importante de la vestimenta masculina, que por cierto ha sobrevivido hasta nuestros días, como las medias de color carne. Este asombroso invento se atribuye al diseñador de vestuario de la Ópera de París, Maglio. Pero es poco probable que este talentoso señor imaginara que su producto de punto apretado en el siglo XX se convertiría en algo elástico, que cubriría seductoramente no solo las piernas, sino también los bultos entre ellas. ¿Por qué la dignidad de un hombre, si es, por supuesto, dignidad, bien cubierta con una tela translúcida, comienza a parecer extremadamente erótica, atrayendo la atención codiciosa de algunos espectadores que aman especialmente el ballet? Pero eso todavía estaba muy lejos.

Alberto sin pantalones

Todo transcurrió dentro del marco de las tradiciones y la decencia, hasta que el gran reformador del teatro de ballet y apasionado admirador del atractivo cuerpo masculino Sergei Diaghilev mostró al mundo su empresa: Las estaciones rusas de Diaghilev. Aquí empezó todo: escándalos, ruido, histeria y todo tipo de historias relacionadas tanto con el propio Diaghilev como con sus amantes. Después de todo, si antes reinaba una bailarina en el escenario y el bailarín desempeñaba el papel de un caballero obediente con ella: la ayudaba mientras giraba para no caer, la levantaba más alto para mostrarle a los balletomanes lo que había debajo de sus faldas, entonces Diaghilev convierte al bailarín en el protagonista principal de sus actuaciones. Y, por regla general, una bailarina con la que vive una vida sexual activa.

Diaghilev atrajo a destacados artistas contemporáneos para trabajar en sus ballets. Algunos de ellos también tienen debilidad por el cuerpo masculino.

Un gran escándalo, no relacionado con la orientación sexual particular de Diaghilev, sino simplemente con su traje de escenario, estalló en 1911 en la obra "Giselle", en la que Vaslav Nijinsky, el amante oficial de Diaghilev, bailaba el Conde Alberto. La bailarina vestía todo lo necesario para el papel: medias, una camisa, una chaqueta corta, pero no llevaba bragas, que eran obligatorias para una bailarina en ese momento. Y por lo tanto, las expresivas caderas de Nijinsky aparecieron ante el público en su franco apetito, lo que indignó a la emperatriz María Fedorovna, que estuvo presente en la actuación.

La escandalosa historia terminó con el despido de Nijinsky “por desobediencia y falta de respeto” al escenario imperial. Pero las búsquedas dancísticas del artista no cesaron; continuó su lucha por la libertad corporal en la danza. Ese mismo año, Nijinsky aparece en el ballet “El espectro de la rosa” con un traje diseñado por Lev Bakst, que se ajusta a su figura como un guante. Un poco más tarde, en “La tarde de un fauno”, la bailarina Nijinsky aparece en el escenario con un leotardo tan atrevido que todavía hoy luce moderno y sexy. Es cierto que todas estas revelaciones ya están ocurriendo fuera de las fronteras de nuestra Rusia natal, pero obstinada.

Esta dulce palabra es vendaje.

En los años cincuenta, Maurice Béjart, un mago de la danza que idolatraba el cuerpo, especialmente el cuerpo masculino, ideó un atuendo universal para un bailarín y un bailarín: una chica con medias negras, un joven con medias y el torso desnudo. Luego se mejora el atuendo del joven y el joven permanece con un solo vendaje.

¿Qué es un vendaje? ¡Esto es tan picante! Algo así como un bañador, pero las nalgas están completamente abiertas, y entre ellas hay una fina cinta, que no es visible en absoluto, ya que se hunde entre las nalgas, revelando al público todo su seductor encanto.

Nalgas elásticas como dos melones.

Pero en la Unión Soviética, como saben, no existía el sexo. Tampoco estuvo en el escenario del ballet. Sí, por supuesto, existía el amor, pero amor puro: "La fuente de Bakhchisarai", "Romeo y Julieta", pero no franqueza. Esto también se aplica a los trajes de hombre. La bailarina llevaba pantalones cortos ajustados, encima unas medias y encima de las medias también unos pantalones de algodón. Incluso si miras a través del telescopio más potente, no podrás ver ninguna belleza. Todo esto desfiguraba la figura, era contrario a la estética de la danza, pero correspondía a las leyes del país del socialismo victorioso, donde no hay sexo ni desnudez.

La frase de la ministra de Cultura, Ekaterina Furtseva, dirigida a Maya Plisetskaya, que bailaba en la “Suite Carmen” con las piernas muy abiertas, suena hoy a broma: “¡Maya, tápate los muslos, este es el Teatro Bolshoi!” Pero esto era los años 70. ¿Y no es una broma que en la revista "Ballet Soviético" el editor en jefe mirara personalmente las fotografías de los bailarines? Porque la foto podría mostrar los bultos que se encuentran en la ingle de los hombres. Pero el Comité Central no aprobó tal franqueza. Por eso el editor jefe estaba preocupado. Y si en una fotografía criminal se encontraba claramente expresada la dignidad masculina, entonces dicha dignidad era necesariamente retocada.

Sin embargo, en la patria soviética había temerarios descarados que no querían soportar semejante uniforme. Dicen que en una de las actuaciones en el Teatro Kirov (Mariinsky) en 1957, el destacado bailarín Vakhtang Chabukiani apareció en el escenario de una forma muy reveladora: con medias blancas, puestas directamente sobre su cuerpo desnudo. El éxito ha superado todos los límites imaginables. La destacada profesora de ballet Agrippina Vaganova, de lengua afilada, al ver a la bailarina, se volvió hacia los que estaban sentados en el palco y bromeó: "¡Incluso sin oculares veo un ramo así!"

Otro bailarín de Kirovsky siguió los pasos de Chabukiani, en ese momento aún no era un disidente del ballet y un gay de fama mundial, sino simplemente un solista de teatro: Rudolf Nureyev. Bailó los dos primeros actos de Don Quijote con un traje tradicional permitido por las autoridades soviéticas: mallas, encima de las cuales se usaban pantalones cortos con volantes. Antes del tercer acto, se desató un verdadero escándalo entre bastidores: el artista quería ponerse sólo un leotardo blanco ajustado sobre una venda especial de ballet y sin pantalones: "No necesito estas pantallas de lámpara", dijo. La dirección del teatro prolongó el intermedio una hora, intentando persuadir a Nureyev. Cuando finalmente se abrió el telón, el público quedó estupefacto: todos pensaron que se había olvidado de ponerse los pantalones.

Rudolph generalmente se esforzaba por lograr la máxima desnudez. En "El Corsario" aparecía con el torso desnudo, y en "Don Quijote" un leotardo increíblemente fino creaba la ilusión de piel desnuda. Pero el artista alcanzó su máximo potencial fuera de la patria soviética. Así, en La Bella Durmiente, que representó para el Ballet Nacional de Canadá, Nureyev aparece envuelto en una capa que llega hasta el suelo. Luego le da la espalda al público y lentamente, lentamente, baja la capa hasta que se congela justo debajo de sus nalgas.

Para el ballet "Lucifer", el diseñador Halston diseñó para Rudolph una venda dorada con piedras preciosas, que decidió coser directamente sobre el bailarín. ¡Sólo podemos imaginar qué sentimientos abrumaron al diseñador, que enterró su nariz en la entrepierna de Nureyev y sintió las partes más dulces de su cuerpo! Pero Nureyev no tenía tiempo para sentimientos: hace unos días se torció el tobillo y, por eso, le gritó con irritación a Holston: "¡Toma mi vendaje y haz lo que quieras con él, pero déjame descansar al menos una hora!". Halston se sintió muy ofendido y prometió no volver a trabajar nunca más con Nureyev.

Nureyev fue un pionero de la desnudez en Leningrado y Maris Liepa compitió con él en Moscú. Al igual que Nureyev, adoraba su cuerpo y lo exponía con la misma decisión. Liepa fue la primera en la capital en subir al escenario con una venda debajo de unas medias. Su hijo, Andris Liepa, en los años en que ya no existían tabúes en cuanto al vestuario, aparecía con el torso desnudo y unas mallas que parecían estallar por el sobreesfuerzo en los lugares más seductores.

Entre las piernas hay un hombro de abrigo.

La artista teatral Alla Kozhenkova dice:

Hicimos una actuación de ballet. Mientras se prueba un traje, el cantante principal me dice que no le gusta el traje. No puedo entender qué pasa: todo le queda bien, le queda genial con este traje... Y de repente me doy cuenta: no le gusta la bragueta, parece que es demasiado pequeña. Al día siguiente le digo a la modista: “Por favor, toma el hombro del abrigo e introdúcelo en la venda”. Ella me dijo: "¿Por qué? ¿Por qué?" Le dije: “Escucha, sé lo que digo, le gustará”. En la siguiente prueba, la bailarina se pone el mismo disfraz y me dice alegremente: “Verás, ha mejorado mucho”. Y al cabo de un segundo añade: “Pero me parece que metiste el hombro de una mujer, pero es pequeño... necesitas insertar el de un hombre”. Apenas pude contener la risa, pero hice lo que me pidió. La modista cosió un hombro de una manga raglán de un abrigo de hombre para convertirlo en una venda. El artista estaba en el séptimo cielo.

Érase una vez una pata de liebre, pero ahora ya no está de moda: no es el formato adecuado, pero lo que necesitas es un abrigo con hombros.

todo esta filmado

De hecho, hoy no sorprenderás a los espectadores con nada: ni un hombre con tutú, ni el leotardo más ajustado, ni siquiera una venda. Aunque solo sea con el cuerpo desnudo... Hoy en día, cada vez con más frecuencia aparece un cuerpo desnudo en grupos que profesan la danza moderna. Esta es una especie de cebo y juguete seductor. El cuerpo desnudo puede resultar triste, patético o juguetón.

Hace varios años, la compañía estadounidense Ted Shawn's Dancing Men hizo una broma así en Moscú. Los jóvenes aparecieron en el escenario, modestamente vestidos con vestidos cortos de mujer que parecían combinaciones. Tan pronto como comenzó el baile, el público entró en éxtasis. El caso es que los hombres no llevaban nada debajo de la falda. El público, en un loco deseo de ver mejor la casa de hombres ricos que de repente se abrió ante ellos, casi salió volando de sus asientos. Las cabezas de los entusiastas espectadores se giraban tras las piruetas del baile, y sus ojos parecían estar a punto de salirse de los oculares de los binoculares, que en un instante quedaron enterrados en la escena donde los bailarines retozaban alegremente en su traviesa danza. Fue a la vez divertido y emocionante, más fuerte que cualquiera de los mejores stripteases.

A finales del siglo XX, el cuerpo derrotó al traje en la lucha por su libertad. Y esto es natural. Después de todo, ¿qué es una representación de ballet? Es una danza de cuerpos que despierta los cuerpos de los espectadores. Y es mejor observar esa actuación con el cuerpo, no con los ojos. Es para este despertar corporal del público que el cuerpo que baila necesita total libertad. Así que ¡viva la libertad!

Baranova Anastasia, alumna de 5º grado "B"

Historia de la creación y características del traje de ballet ruso.

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¿Qué es el ballet?

ballet ( fr. ballet, de italiano globo - baile) - tipo de escenarioarte; una actuación cuyo contenido se materializa en imágenes musicales y coreográficas. La base de una representación de ballet clásico es una trama determinada,dramático plan, libreto, V. Siglo XXApareció un ballet sin trama, cuya dramaturgia se basó en el desarrollo inherente a la música. Los principales tipos de danza en el ballet son.danza clasica Y baile de personajes. Juega un papel importantepantomima, con la ayuda de los cuales los actores transmiten los sentimientos de los personajes, su “conversación” entre ellos, la esencia de lo que está sucediendo. En el ballet moderno se utilizan mucho otras técnicas de danza, así como elementos de gimnasia, acrobacia, artes marciales, etc.

El nacimiento del ballet.

Clase de baileEdgar Degas,

Al principio, como una escena de danza unida por una sola acción o estado de ánimo, un episodio de una actuación musical u ópera. Tomado deItalia, en Franciaflorece como un magnífico espectáculo solemne.ballet de la corte. El 15 de octubre debe considerarse el comienzo de la era del ballet en Francia y en todo el mundo.1581, cuando en la corte francesa tuvo lugar una representación que se considera el primer ballet: "El ballet de comedia de la reina" (o "Cerce"), interpretado por un violinista italiano, "el intendente principal de la música".Baltazarini de Belgioso. La base musical de los primeros ballets fueron los bailes de la corte que formaban parte de la antigua suite. En la segunda mitadsiglo 17Aparecen nuevos géneros teatrales, comocomedia-ballet, ópera-ballet, en el que se concede un lugar importante a la música de ballet y se intentadramatizar. Pero el ballet se convierte en una forma independiente de arte escénico sólo en la segunda mitad.siglo 18gracias a las reformas llevadas a cabo por el coreógrafo francésJean Georges Noverre.

ballet ruso.

En Rusia, la primera representación de ballet tuvo lugar el 8 de febrero de 1673 en la corte del zar Alexei Mikhailovich en el pueblo de Preobrazhenskoye, cerca de Moscú. La identidad nacional del ballet ruso comenzó a gestarse a principios del siglo XIX gracias al trabajo del coreógrafo francés Charles-Louis Didelot. Pyotr Ilyich Tchaikovsky hizo una verdadera revolución en la música de ballet, quien introdujo en ella un desarrollo sinfónico continuo, un contenido figurativo profundo y una expresividad dramática. La música de sus ballets "El lago de los cisnes", "La bella durmiente", "El cascanueces" adquirió, junto con la música sinfónica, la capacidad de revelar el flujo interno de la acción, de encarnar los personajes de los personajes en su interacción, desarrollo. y lucha. El comienzo del siglo XX estuvo marcado por búsquedas innovadoras, el deseo de superar estereotipos y convenciones del ballet académico del siglo XIX...

Traje de ballet: ¿con qué bailan las bailarinas?

La historia del traje de ballet es bastante lógica. Cuando los minuetos lentos dominaban el escenario, los trajes eran largos, pesados, bordados con piedras preciosas, con muchas faldas y enaguas. A medida que el baile se volvió más complejo, el traje evolucionó en consecuencia. Al principio, se quitaron los corsés, las faldas se hicieron más cortas y ligeras y los escotes se volvieron más reveladores.

Embalar.

Por primera vez, con lo que ahora se llama un “tutú”, la bailarina Maria Taglioni, la primera Sílfide y antepasada, subió al escenario.“ballet romántico” (Taglioni también es conocida por ser la primera bailarina del mundo en usar zapatillas de punta, pero hablaremos de eso más adelante).

Una falda de gasa nunca antes vista, tejida aparentemente de la nada, legitimaba el traje de ballet. Al principio, los bailarines (especialmente aquellos con feas piernas torcidas) incluso protestaron violentamente contra las innovaciones, pero luego se calmaron: esta nube aireada se veía muy hermosa.

En general, como comprenderás, cuanto más técnico se volvía el baile, el traje se hacía más sencillo y corto. Los tutús que ahora conocemos surgieron a mediados del siglo XX.

Ahora veamos los nombres. Los tutús son diferentes y cambian de apariencia según el ballet.

Tutu es una palabra francesa divertida que se traduce literalmente como tutú. Esta es la palabra que se usa en inglés para referirse a una falda de ballet.

El tutú clásico es una falda redonda en forma de panqueque. En estos bailan bailarinas, como habrás adivinado, en los ballets más clásicos: El lago de los cisnes, Paquita, Corsair, Actos 2 y 3 de La Bayadère, El Cascanueces, etc.

El radio estándar de un tutú es de 48 cm, pero la mayoría de las veces el tamaño del círculo varía dependiendo de la altura de la bailarina, la fiesta y el estilo general de la actuación. Los solistas, en función de sus características físicas, pueden elegir de forma independiente la forma del tutú que adorna sus piernas: pueden ser lisos, paralelos al suelo, ligeramente rebajados, con el fondo esponjoso o, por el contrario, completamente planos.

Tutú romántico o “chopinka”- falda larga de tul. Es ella quien es responsable de la creación de imágenes fantásticas "de otro mundo": el fantasma de la fallecida Giselle, el hermoso espíritu de Sylphide. Y la apoteosis del ballet romántico "Chopiniana" es completamente imposible de imaginar sin estas maravillosas faldas aireadas: crean la ilusión de vuelo, aire, libertad y la absoluta irrealidad de lo que está sucediendo.

La falda larga y esponjosa, por supuesto, oculta las piernas de la bailarina. Por un lado, esto distrae de posibles deficiencias y, por otro, atraeToda la atención a los pies. Pero los ballets románticos están llenos de técnica fina y los pies feos, que no funcionan y sin un empeine alto, de alguna manera alteran el ambiente romántico.

También existe un concepto comotúnica o túnica- Este es el mismo tutú, falda de ballet.

Chitona - Esta es una falda de una sola capa, generalmente hecha de gasa. Por ejemplo, el papel de Julieta se realiza con un quitón.

Tutús, chopinki, túnicas, etc. hay como escenario y ensayo.

Si el traje, por ejemplo, de Odette, con el que la bailarina sube al escenario, es un todo único, es decir, la parte superior (corpiño) y la parte inferior (en realidad, el tutú) están cosidas juntas, entonces el traje de ensayo es simplemente una falda con “bragas”, que se pone sobre un leotardo de ensayo (chopinka, sin bragas, solo una falda con canesú).

Los tutús de ensayo constan de menos capas.

Te preguntarás, ¿por qué usar un tutú en el ensayo? Al fin y al cabo, es muy posible arreglárselas con la ropa de ensayo habitual: mallas y bañador. Pero definitivamente necesitas ensayar lo que la bailarina usará más adelante en el escenario; de esta manera puedes asegurarte de que la falda no se suba, de que la pareja no la agarre, para poder controlar el patrón general del baile.

zapatos de punta

Zapatillas de punta (de fr. punta - consejo; a veces clavijas o cascos) -zapatos, que existe desde hace siglos y poco a poco se convierte en un elemento indispensable del ballet clásico. El baile de punta es exclusivamente para mujeres.

Esta palabra tiene dos significados cercanos entre sí.

1. Las zapatillas de punta son las puntas de los dedos de los pies. Bailar sobre zapatillas de punta significa bailar sin apoyarse enteramente en todo el pie, sino sólo sobre las zapatillas de punta. Este sistema de danza del ballet comenzó a utilizarse a principios del siglo XIX.

2. Las zapatillas de punta son zapatillas de ballet especiales en las que la bailarina baila apoyándose en las puntas de los dedos de los pies (en las zapatillas de punta). Se utiliza al interpretar música clásica femenina.bailar.

Apareció por primera vez en el escenario con zapatillas de punta con acolchado de corcho duro el 3 de julio de 1830.María Taglionicomo Flora en el ballet "Céfiro y Flora" V. Jardín de Covent , Londres. Fue la primera en bailar con zapatillas de punta, en 1832 en París.Gran Ópera en el ballet " sílfide"escenificado F. Taglioni . Y la primera bailarina rusa, una artista con zapatillas de punta, se llamaAvdotia Istomin.

Traje de ballet para hombre.

La historia del traje de ballet masculino comenzó con trajes de un diseño tan complejo que ahora es muy difícil imaginar cómo uno podría simplemente caminar con esos trajes, y mucho menos realizar varios trucos complejos mientras se baila. Pero con el tiempo, los bailarines de ballet ganaron la difícil lucha por liberarse no sólo de trajes complejos e incómodos, sino también de una gran cantidad de ropa en general.

Sin embargo, para ello tuvieron que recorrer un camino largo y difícil. Los primeros bailarines de ballet actuaban con máscaras y pelucas altas con el pelo esponjoso, sobre las que llevaban un tocado. La ropa que vestían era faldas enmarcadas hasta las rodillas, túnicas largas, etc. Los hombres bailaban con zapatos de tacón alto. A finales del siglo XVIII, las técnicas de danza se volvieron más complejas y los trajes se volvieron más ligeros y elegantes. Y a lo largo de los siglos siguientes, los trajes se volvieron más ligeros y reveladores, llegando a extremos como vendajes e incluso desnudez total. Hoy en día, los bailarines de ballet clásico suelen actuar con leotardos ajustados y cuellos de tortuga o con el torso abierto, sorprendiendo al espectador con la gracia de sus movimientos y la perfección de un cuerpo entrenado.

Los trajes de los “príncipes” en diversas representaciones pueden considerarse una verdadera obra de arte. Dado que la decoración utiliza una gran cantidad de brocados, terciopelo, cordones y trenzas de oro y plata, diversas joyas y piedras. Trajes de ballet de los cortesanos (colets ocamisolas), también están ricamente decoradas con diversas decoraciones. Los trajes de los personajes secundarios, aunque no tienen un acabado brillante, también parecen interesantes, por ejemplo, las armaduras de los caballeros o la guardia del sultán.

Cuando durante una actuación se fusionan música, danza, luz, escenografía y vestuario, se experimenta una auténtica sensación de deleite. Especialmente si miras producciones clásicas: "El Cascanueces", "La Bella Durmiente", "Karsary", "El Lago de los Cisnes" y otras, impresionantes actuaciones realizadas por verdaderos maestros del ballet.

El 12 de marzo de 1839 apareció el tutú de ballet. Con este traje apareció en el escenario parisino Maria Taglioni, que interpretó el papel de La Sílfide en la producción del mismo nombre. El tutú, que es una falda mullida de varias capas, causó verdadera sensación. Con el tiempo, este traje se volvió tradicional para las bailarinas.

Cómo vestían las bailarinas antes de la aparición del tutú.

Una bailarina en la mente de cualquier persona ciertamente está representada en un tutú. Este traje escénico se ha convertido en una parte integral del ballet clásico. Sin embargo, esto no siempre fue así. La imagen moderna de una bailarina, antes de formarse definitivamente, ha sufrido muchos cambios y ha recorrido un largo camino.

Muchos pueden sorprenderse, pero hasta la segunda mitad del siglo XIX, las bailarinas actuaban en el escenario simplemente con vestidos elegantes, que se diferenciaban poco de aquellos con los que acudían los espectadores. Era un vestido con corsé, un poco más corto de lo habitual, bastante voluminoso. Las bailarinas siempre actuaban con tacones. La participación de las bailarinas se hizo un poco más fácil con la nueva moda de la antigüedad. Por cierto, en el ballet comenzaron a utilizarse temas mitológicos, por ejemplo, "Cupido y Psique". Las damas comenzaron a usar vestidos aireados, translúcidos y de cintura alta. Incluso se humedecieron ligeramente para que la tela se ajustara mejor al cuerpo. Llevaban medias debajo del vestido y sandalias en los pies. Pero con el tiempo, la técnica de las bailarinas se volvió más complicada y se requirió ropa más ligera para el escenario. Al principio, las primas abandonaron los corsés, luego se acortaron las faldas y el vestido empezó a quedarles como una segunda piel.

¿Quién inventó la manada?

María Taglione apareció por primera vez ante el público con un tutú de ballet el 12 de marzo de 1839. Ese día tuvo lugar el estreno de La Sílfide, en la que la bailarina interpretó el papel principal de un hada. Para desempeñar ese papel se necesitaba un traje adecuado. Fue inventado para su hija por Filippo Taglioni. Según una versión, el impulso para la creación de lo que más tarde se convirtió en ropa de ballet clásico fue la figura torpe de María. Para ocultar los defectos, Taglioni ideó un vestido que le dio a toda la apariencia de la heroína ligereza y gracia. El vestido fue creado según los bocetos de Eugene Lamy. Luego la falda se hizo de tul. Es cierto que en aquellos días el tutú de ballet no era tan corto como lo es ahora. La siguiente “transformación” de la manada ocurrió un poco más tarde. Pero incluso un atuendo tan modesto fue recibido inicialmente con hostilidad por parte del mundo del ballet. El tutú no era especialmente del agrado de las bailarinas con piernas no muy bonitas. Pero el deleite de los espectadores y críticos de arte, que admiraban la ligereza de los bailarines, no tuvo límites. La manada jugó un papel importante en esto. Entonces este disfraz se hizo popular y luego se convirtió en un clásico.

Por cierto, existe una leyenda sobre Maria Taglioni. Cuando cruzó la frontera con Rusia, los agentes de aduanas le preguntaron si llevaba joyas. Luego la bailarina se levantó la falda y mostró las piernas. María fue la primera en usar zapatillas de punta.

Maria Tiglioni en el ballet "Céfiro y Flora". Así era el primer paquete, ahora se llama “chopinka”

Cómo se arraigó la manada en Rusia.

La Rusia zarista se distinguió por su conservadurismo y no aceptó de inmediato el nuevo producto. Esto ocurrió sólo medio siglo después. Pero fue en nuestro país donde la manada volvió a cambiar. El innovador fue el Teatro Bolshoi prima Adeline Giuri a principios del siglo XX. A la caprichosa no le gustó la falda larga con la que tuvo que posar para los fotógrafos. La bailarina simplemente tomó las tijeras y cortó un trozo decente del dobladillo. Desde entonces, se ha puesto de moda las mochilas cortas.

¿En qué más ha cambiado el paquete?

Aunque desde principios del siglo XX el tutú de ballet adquirió la forma y apariencia que conocemos hasta el día de hoy, siempre hemos experimentado con él. En las producciones de, por ejemplo, Marius Petipa, la bailarina podía vestirse con trajes de diferentes estilos. En algunas escenas apareció con un vestido “civil” común y corriente, y en los papeles en solitario se puso un tutú para demostrar todas sus habilidades y talento. Anna Pavlova actuó con una falda larga y ancha. En los años 30 y 40, el tutú de ballet del siglo XIX volvió a los escenarios. Sólo que ahora se llamaba de otra manera: "shopenka". Y todo porque así vistió Mikhail Fokine a los bailarines con su Chopiniana. Otros directores utilizaron al mismo tiempo un tutú corto y esponjoso. Y desde los años 60 simplemente se ha convertido en un círculo plano. El paquete está decorado con todo lo que pueden: pedrería, cuentas de vidrio, plumas, piedras preciosas.

¿De qué están hechos los paquetes?

Los tutús de ballet están cosidos de una tela ligera y translúcida: el tul. Primero, los diseñadores crean un boceto. Por supuesto, se tienen en cuenta las características de la figura de cada bailarina, por lo que cada bailarina tiene su propio boceto de vestido. El ancho del tutú depende de la altura de la bailarina. Su radio medio es de 48 cm, a continuación las costureras se ponen manos a la obra. Este es un trabajo minucioso, porque las artesanas necesitan colocar los pliegues de la tela de cierta manera. Un paquete ocupa más de 11 metros de tul. Se necesitan aproximadamente dos semanas para producir un paquete. Con toda la variedad de modelos, existen estrictas reglas de costura. Por ejemplo, los tutús nunca se cosen con cremalleras o botones, que podrían desprenderse durante una actuación. Como sujetadores solo se utilizan ganchos, pero en una secuencia estricta, o más bien, en un patrón de tablero de ajedrez. Y en ocasiones, si la producción es especialmente compleja, los tutús se cosen a mano a la bailarina antes de subir al escenario.

¿Qué tipo de paquetes hay?

La manada tiene muchos nombres. Entonces, si escuchas las palabras “túnica” o “tutú” en alguna parte, debes saber: significan el mismo paquete. Averigüemos ahora qué tipos de paquetes existen.

El tutú clásico es una falda con forma de panqueque. Por cierto, los solistas participan directamente en la creación de su disfraz. Pueden elegir la forma de un tutú, que puede ser paralelo al suelo o con una falda ligeramente más baja.

También coso una “chopinka”, una falda larga, de tul. Esta forma de falda es muy buena para crear personajes míticos o criaturas inanimadas. La ventaja de este conjunto es que oculta las rodillas insuficientemente tonificadas y otras imperfecciones, pero llama la atención sobre los pies.

Otro tipo de vestido que no pasa de moda en el ballet es la túnica. Su falda es de una sola capa y a menudo está cosida de gasa. Con este vestido se desempeña el papel de Julieta.

Ensayo general del ballet "Onegin" de John Cranko

¿Por qué se necesitan tutús durante los ensayos?

Para los ensayos de representaciones de ballet, los tutús se cosen por separado. Son más fáciles de poner y quitar que los que llevan las bailarinas en el escenario. Por lo tanto, todas las partes de un traje de escenario se pueden coser juntas, mientras que para los ensayos no se necesita un corpiño, sino que solo se usa una falda con bragas. Además, los tutús de ensayo no tienen tantas capas. Un tutú es absolutamente necesario para el ensayo. Al fin y al cabo, las bailarinas deben ver inmediatamente dónde se interpone el tutú, dónde puede subir o ser tocado por un compañero. Y el director podrá dar forma al patrón de baile.

¿Dónde se utiliza un tutú de ballet?

El tutú se ha afianzado tanto que no sólo se utiliza en el escenario del ballet. Es cierto que fuera de él, el tutú se utiliza para representaciones cómicas de artistas pop e incluso en el circo.

Gracia que cautiva la vista, magnífica pantomima, música que conmueve hasta lo más profundo: estas son las palabras con las que describo mis sentimientos después de visitar el ballet. Las bailarinas revolotean como mariposas, apenas tocando el escenario. Cada movimiento parece ligero y aireado, y puedes No apartes la vista de los elegantes trajes de los bailarines.

La historia del ballet comenzó alrededor del año 1400. La patria de esta danza es Italia, pero muchos asocian el ballet con Francia.

Esto se debe a que fue en Francia donde cobró fuerza y ​​popularidad, gracias al coreógrafo Jean Georges Nover. El traje de ballet de aquella época estaba formado por muchas capas y tejidos pesados, que no permitían a los bailarines realizar las poses más elegantes y movimientos Las bailarinas experimentaron mayor incomodidad debido a las faldas largas, mullidas y pesadas.

La bailarina italiana Maria Taglioni revolucionó el mundo de la moda del ballet en el siglo XIX. Ya de niña, Taglioni participó en varias producciones, pero cada una de sus apariciones se distinguió por el hecho de que abandonó los zapatos de tacón que entonces estaban de moda. , vestidos mullidos, maquillaje y pelucas, apareció en el escenario con un vestido sencillo. Fue ella la primera en realizar el baile con medias de punta y una falda tutú, que fue hecha especialmente para ella en 1839 según un boceto de artista y diseñador Eugene Lamy Una túnica ligera que flotaba en el aire, que recuerda la forma de una flor, ayudó a la bailarina a realizar una técnica de movimiento difícil y emitir una luz fabulosa y sobrenatural.

En Francia, existe incluso la costumbre entre los jóvenes de dejar sus primeras zapatillas de punta en la tumba de su predecesor, pero este espectáculo no es muy impresionante...

zapatos de punta
Las primeras zapatillas de ballet aparecieron en el siglo XIX, antes se colocaban tapones especiales en los zapatos de las bailarinas, de aproximadamente dos dedos de espesor, por lo que los zapatos se desgastaban rápidamente y quedaban inutilizables.
Las zapatillas de ballet modernas se fabrican individualmente para cada bailarina y no según las tallas estándar habituales. Las medidas se toman de los pies de las bailarinas y se procesa un bloque de madera que sigue el contorno del pie. Al bloque se le clava una suela de cuero duradera. , que es mucho más pequeño que el tamaño del pie y está forrado con un material, generalmente tejido satinado. Las zapatillas de punta deben tener la misma forma que la horma, por lo que se martillan hasta obtener la forma perfecta. Las plantillas de las zapatillas de punta suelen estar hechas de cartón y cuero, que da flexibilidad a los movimientos del pie.Para que la horma quede dura, después de confeccionar los zapatos se deben secar durante 24 horas en un horno especial.Después del secado, el bloque se vuelve tan duro que Incluso se puede utilizar para clavar clavos.

tutú de ballet
Como escribí anteriormente, por primera vez se creó un tutú de ballet para la romántica y frágil Taglioni. Hay dos tipos de faldas de tutú de ballet: clásico y chopinka (túnica).
El tutú clásico tiene varias capas, para su fabricación se utilizan de 10 a 15 capas de material y un aro duro. Para fabricar un tutú de este tipo se necesitan unos tres días de trabajo minucioso y constante. Y después de la producción también se requiere un cuidado cuidadoso para que el La falda se hincha en diferentes direcciones y conserva su magnífica vista, se almacena en estado suspendido.