Historia de Italia.

Renacimiento.

En los siglos XIV y XV, Italia, a pesar de su fragmentación política, experimentó transformaciones profundas, aunque graduales. La agitación política, la acumulación de riqueza en este centro del comercio mundial y, finalmente, la rica historia de Italia contribuyeron al Renacimiento: el resurgimiento de las tradiciones de las antiguas civilizaciones de Grecia y Roma.

El crecimiento de la prosperidad fue acompañado por la formación de una sociedad urbana, secular y profundamente individualista. Las ciudades, que datan de la época romana y nunca desaparecieron del todo, revivieron gracias a un enorme auge del comercio y la industria. Además, las disputas entre emperadores y papas permitieron a las ciudades, maniobrando entre ambos bandos, liberarse del control externo. En todas partes, con excepción del sur de la península de los Apeninos, las ciudades comenzaron a extender su poder al campo circundante. La nobleza feudal tuvo que abandonar su modo de vida habitual y participar en actividades intelectuales y espirituales en las ciudades.

Políticamente, la anarquía feudal dio paso a un caos total. Con la excepción del Reino de Nápoles situado en el sur, la península de los Apeninos estaba dividida en muchas pequeñas ciudades-estado, casi completamente independientes tanto del emperador como del Papa. Por supuesto, se produjeron diversos tipos de adquisiciones y fusiones, pero muchas ciudades pudieron valerse por sí mismas con éxito y ningún acuerdo o fuerza pudo obligarlas a unirse. Al mismo tiempo, las agudas contradicciones sociales en las propias ciudades y la necesidad de formar un frente único contra enemigos externos contribuyeron a la caída de muchos regímenes republicanos, lo que facilitó a los déspotas tomar el poder. La gente, cansada de la inestabilidad, buscó o aprobó el surgimiento de tiranos que gobernaban con la ayuda de mercenarios (condottieri), pero al mismo tiempo buscaban ganarse el respeto y el apoyo de la gente del pueblo. Durante este período, hubo una expansión significativa de los estados más grandes a expensas de los más pequeños, y en 1494 sólo quedaban cinco estados grandes y aún menos ciudades-estado.

El Ducado de Milán, las Repúblicas Florentina y Venecia, los Estados Pontificios y el Reino de Nápoles fueron las entidades políticas más importantes de la Península de los Apeninos. Milán, bajo el control de la familia Sforza, se convirtió en uno de los estados más ricos y en un centro de artes y educación.

Así como Milán dominaba la llanura de Lombardía y controlaba los pasos alpinos que conducían al norte de Europa, Venecia, construida sobre islas lagunares, dominaba el mar Adriático. Al mantenerse al margen de las complejas vicisitudes de la política italiana, Venecia, gracias a su ubicación geográfica, desempeñó el papel de intermediaria en el comercio entre Europa occidental y oriental. Venecia estaba gobernada por familias adineradas que elegían entre ellas al Dux, el jefe vitalicio de la ciudad, que gobernaba con la ayuda del Senado y el Consejo de los Diez. Según el tratado de 1454 celebrado entre Venecia y Milán, este último reconocía a Venecia como un estado continental en el este de Lombardía y en la costa norte del mar Adriático.

Florencia mantuvo la apariencia de una forma de gobierno republicana, pero los frecuentes golpes de estado, las luchas internas entre partidos y el dominio de una oligarquía formada por un círculo reducido de familias ricas llevaron al reconocimiento por parte de los habitantes de la ciudad en 1434 del poder de la familia Medici. Formalmente se mantuvo la forma republicana de gobierno, pero en realidad Cosme de' Medici y sus sucesores se comportaron como auténticos déspotas. La dinastía floreció bajo Lorenzo el Magnífico (que reinó entre 1469 y 1492), poeta, mecenas de las artes y las ciencias, estadista y diplomático.

Los Estados Pontificios ocuparon gran parte del centro de Italia, incluida la Romaña, y en el este casi llegaron a las fronteras de Venecia. Nominalmente, este territorio estaba gobernado por el Papa, pero en realidad estaba fragmentado en numerosos feudos, donde los gobernantes establecían sus propios órdenes. Muchos papas del Renacimiento eran tan seculares como los soberanos italianos y mantenían cortes lujosas. Los papas Nicolás V (1447-1455), que fundó la Biblioteca del Vaticano, y Pío II (1458-1464) hicieron mucho para revivir la educación en el espíritu de la antigüedad. El Renacimiento floreció durante los reinados de los papas Julio II (1503-1513) y León X (1513-1521). El Reino de Nápoles incluía el territorio de Italia al sur de las fronteras de los Estados Pontificios. Es cierto que hasta 1435 Sicilia era un reino separado, gobernado por la dinastía angevina de Francia hasta la transferencia del poder al rey Alfonso I de la dinastía aragonesa. Bajo el gobierno de Alfonso, Nápoles experimentó un período de crecimiento económico y florecimiento de las artes, aunque el reino difería políticamente de las ciudades-estado del norte de Italia. En 1504 Nápoles fue conquistada por España y durante los dos siglos siguientes perdió gradualmente su independencia.

Durante el Renacimiento, Italia floreció gracias al delicado equilibrio de factores políticos y culturales que entonces existían en Europa y en el mundo en su conjunto. En el siglo XIV - primera mitad del siglo XV. el país quedó fragmentado en muchos estados independientes. Factores dinásticos, institucionales y sociales impidieron que la comunidad cultural italiana se transformara en cualquier forma real de unidad política. Como argumentaron Maquiavelo y otros pensadores italianos de esa época, las raíces de la brillantez y la tragedia del Renacimiento italiano deben buscarse en la paradoja histórica predominante. La caída de los dos sistemas de poder universal de la Edad Media (el Sacro Imperio Romano y el Papado) impulsó repetidamente intentos de unificar Italia.

Durante más de cien años (1305-1414), en este sentido se dirigieron vigorosos esfuerzos procedentes del norte, centro y sur de Italia. Su objetivo era lograr alguna forma de unidad nacional, o al menos poner a muchos estados bajo una autoridad política común. Los más importantes de estos esfuerzos fueron apoyados sucesivamente por Roberto de Nápoles (1308-1343), Cola di Rienzo en Roma (1347-1354), el arzobispo Giovanni Visconti de Milán (1349-1359) y el cardenal romano Egidio Albornoz (1352-1367). ). Los dos últimos intentos serios en el Norte y el Sur, respectivamente, se llevaron a cabo bajo el liderazgo de Gian Galeazzo Visconti de Milán (1385-1402) y el rey napolitano Ladislao (1402-1414). En todos estos casos, coaliciones de otras fuerzas en Italia se reunieron bajo la bandera de "Libertad de Italia" y resistieron con éxito el deseo de imponer un gobierno unificado en el país. Después de la derrota de Gian Galeazzo y Vladislav, siguió una serie de guerras entre los cinco estados italianos más grandes.

A mediados del siglo XV. Italia se enfrentaba a dos nuevos factores desfavorables en la vida internacional. En Occidente, más allá de los Alpes, la prolongada lucha entre las dinastías feudales de Europa, en particular el conflicto anglo-francés, estaba llegando a su fin. Por lo tanto, era de esperar que los grandes estados continentales (Francia, España y Austria) pronto intervinieran en los asuntos italianos. En los flancos orientales (mediterráneo y adriático) de Italia, apareció una amenaza de los otomanos.

Los estadistas con visión de futuro de cada uno de los cinco principales estados italianos pronto se dieron cuenta de que había que poner fin a la prolongada "guerra civil" de Italia. Comenzaron las negociaciones de paz. Por iniciativa de Cosme de' Medici de Florencia y el Papa Nicolás V, el dux de Venecia Francesco Foscari y el duque de Milán Francesco Sforza firmaron la Paz de Lodia en abril de 1454. Nació una federación, a la que se unió el rey napolitano Alfonso de Aragón y, finalmente, estados italianos más pequeños bajo el liderazgo del Papa. La Santa Liga de los Estados Italianos prohibió los conflictos dentro de la península de los Apeninos y creó una nueva estructura para la coexistencia pacífica.

Durante casi cuarenta años, de 1454 a 1494, Italia disfrutó de la paz y del florecimiento de la cultura renacentista, manifestada en el arte, la ciencia y la filosofía. Hasta 1492, Lorenzo de' Medici actuó como árbitro de la política y gobernó Italia sin involucrarla en alianzas con potencias europeas extranjeras. Sin embargo, menos de dos años después de la muerte de Lorenzo, el miedo, la ambición y el egoísmo dieron lugar a una atmósfera de desconfianza mutua entre los gobernantes de los estados italianos.

El rey francés Carlos VIII asumió la misión de librar a Italia de las penurias reales y en parte imaginarias provocadas por las acciones de soberanos egoístas. El líder religioso florentino Savonarola condenó abiertamente estas acciones. En 1494, Carlos VIII invadió Italia y entró en Roma el 22 de febrero de 1495; luego siguieron otras invasiones. En 1527, Roma fue saqueada por las tropas del emperador Carlos V de la dinastía Habsburgo. Según la paz concluida en Cambrai en 1529, los franceses tuvieron que abandonar sus reclamos en Italia, pero luego hicieron nuevos intentos igualmente infructuosos de expulsar a los Habsburgo de Italia. Las guerras italianas terminaron en 1559 con la Paz de Cateau Cambresi, por la que la mayor parte de Italia quedó incluida en el Imperio de los Habsburgo.

Con la victoria de España sobre Francia en la península de los Apeninos, se puso fin a la independencia de los estados italianos, muchos de los cuales siguieron dependiendo de potencias extranjeras durante casi dos siglos. El rápido desarrollo del comercio mediterráneo, que impulsó los logros culturales del Renacimiento en Italia, se ralentizó en el siglo XVI, cuando, tras el descubrimiento de América, las principales rutas comerciales se trasladaron al Atlántico. Génova y Venecia sobrevivieron como repúblicas independientes, pero sus economías también decayeron. El más poderoso de los soberanos italianos resultó ser el Papa, no sólo como jefe secular de los Estados Pontificios, sino también como líder de la Contrarreforma. La reforma de la doctrina católica adoptada en el Concilio de Trento (1545-1563) influyó en la vida política, cultural y religiosa de Italia, y ya bajo el Papa Pablo IV (1555-1559) la Iglesia Católica comenzó a erradicar las herejías. Las actividades de la Inquisición se hicieron más duras. Entre sus víctimas se encontraban el sacerdote dominico librepensador Giordano Bruno, que fue quemado en la hoguera por hereje, y Galileo Galilei, que se vio obligado a abandonar sus innovadoras teorías científicas.

El dominio español en la península de los Apeninos continuó hasta el siglo XVII, aunque fue desafiado repetidamente por Francia, especialmente bajo Luis XIV. Sin embargo, cuando Francia fue derrotada en la Guerra de Sucesión española (1701-1714), mediante la Paz de Utrecht de 1713, los Habsburgo austríacos se convirtieron en la principal fuerza dominante en Italia. El tratado firmado en Aix-la-Chapelle en 1748, que puso fin a la Guerra de Sucesión de Austria, trajo finalmente la paz tan esperada a los estados italianos. Desde entonces, sus fronteras se han mantenido casi sin cambios durante más de 100 años hasta la unificación del país. El acontecimiento más importante fue la concesión de autonomía real a Piamonte y Nápoles (el primero fue gobernado por la dinastía Saboya y el segundo por los Borbones españoles). A mediados del siglo XVIII. Toda Italia estaba experimentando un período de reactivación económica y cultural, y Milán, Florencia y Nápoles se convirtieron en importantes centros de la ilustración europea. Composición de Cesare Beccaria (1738-1794) Crímenes y castigos sentó las bases de la criminología y el derecho penal modernos y pronto fue traducido a muchos idiomas europeos. Este trabajo contribuyó en gran medida a la redacción de un nuevo código de leyes introducido por el duque Leopoldo de Toscana, uno de los gobernantes italianos más progresistas del siglo XVIII. En Nápoles, donde los Borbones gobernantes también eran defensores activos de la reforma, Antonio Genovesi (1712-1769) fue nombrado jefe del primer departamento de economía política de Europa.

Gracias a la participación de tantos italianos en la vida pública de la Ilustración, Italia emergió una vez más como una fuerza líder en la historia europea, mientras aumentaba la necesidad de reformas. El gobierno austriaco llevó a cabo importantes reformas sociales en Lombardía, así como en el Reino de Cerdeña, el Ducado de Toscana y el Sur, pero encontró resistencia local en otras partes de la Península de los Apeninos (especialmente en los Estados Pontificios, los Repúblicas veneciana y genovesa), donde las reformas tuvieron poco éxito.

La Revolución Francesa de 1789 tuvo una influencia decisiva en los estados italianos y su desarrollo. La revolución confirmó la necesidad de una transformación radical de la sociedad, y cuando las tropas francesas dirigidas por Napoleón Bonaparte (1769-1821) invadieron el norte de Italia en 1796, los partidarios de La revolución logró establecer un gobierno republicano bajo la protección del ejército francés. Así, Génova se convirtió en la República de Liguria (junio de 1797), Milán se convirtió en el centro de la República Cisalpina (julio de 1797) y el avance del ejército francés hacia el sur condujo al surgimiento de la República Romana (febrero de 1798). Finalmente, se formó la República Partenopea en Nápoles (enero de 1799).

Sin embargo, este experimento “republicano” resultó ser de corta duración. En abril de 1799, las tropas francesas en el norte de Italia fueron derrotadas por un ejército austro-ruso unido bajo el mando del general A.V. Suvorov. Cuando los franceses se retiraron, las repúblicas italianas cayeron y quienes apoyaban a los franceses fueron sometidos a brutales represalias. Sin embargo, el golpe de Estado de Napoleón en Francia en 1799 y su impresionante victoria sobre los austriacos en la batalla de Marengo en 1800 crearon las condiciones previas para una ocupación francesa más prolongada y la posterior remodelación del mapa de la península de los Apeninos. Piamonte se transformó en un estado dependiente de Francia en el lugar de la antigua República Cisalpina. Se llamó República Italiana y desde 1804, cuando Napoleón se proclamó emperador y aceptó la corona de Rey de Italia en la Catedral de Milán, pasó a llamarse Reino de Italia. El Reino de Italia incluía Lombardía, Venecia (Napoleón abolió la república que había existido durante muchos siglos) y la mayor parte de Emilia. El general Eugenio Beauharnais (hijo de la emperatriz Josefina) se convirtió en virrey. En 1806 Napoleón invadió Nápoles. El rey y su corte huyeron a Sicilia, donde hasta 1814 permanecieron bajo la protección de la flota británica. Napoleón nombró rey de Nápoles a su hermano José. Sin embargo, en 1808 se trasladó a Madrid y se convirtió en rey de España, y el trono de Nápoles pasó al yerno de Napoleón, Joachim Murat. Los Estados Pontificios permanecieron independientes hasta la disputa de Napoleón con el Papa Pío VII (1800-1823) y la anexión de Roma a Francia en 1809.

Hasta 1814, los estados italianos siguieron siendo parte del imperio de Napoleón. El dominio francés ayudó a los italianos a modernizar su gobierno. Se reorganizaron las autoridades financieras y administrativas y se cambiaron los códigos legales siguiendo el espíritu del código civil francés. Cuando el imperio comenzó a desintegrarse tras la derrota del ejército de Napoleón en la batalla de Leipzig (1813), surgió la oposición en Italia, exigiendo la creación de un gobierno constitucional. Al final del imperio, Joachim Murat en 1814 desde Rimini llamó a los italianos a unirse para crear un estado independiente. Las obras del escritor italiano Ugo Foscolo (1778-1827) también dan testimonio del crecimiento de la autoconciencia nacional. Después de la caída del Imperio napoleónico, el Congreso de Viena (1814-1815), ignorando tales llamamientos, restauró el poder de los antiguos gobernantes de los estados italianos. Esto implicó un retorno a la situación política que existía antes de la Revolución Francesa, aunque con algunos cambios. La República de Venecia no recuperó su forma anterior, y las tierras que alguna vez estuvieron sujetas a Venecia ahora formaban parte del Reino de Lombardía y Venecia, gobernado por un virrey austríaco con base en Milán. Aunque la dominación austriaca y la política conquistadora de Metternich fueron el principal objetivo de los ataques de los nacionalistas italianos, a principios del siglo XIX. Fueron Lombardía y Venecia las que se diferenciaron favorablemente en la naturaleza de su gobierno de otras tierras italianas.

En algunos lugares los antiguos gobernantes recuperaron sus tronos, pero en casi todas partes Austria los respaldó. Los miembros de la familia Habsburgo gobernaron en Toscana y los pequeños ducados de Parma y Módena. El Papa restauró sus posesiones en los Estados Pontificios y nombró emisarios en las ciudades de Bolonia y Ferrara. En el sur, Nápoles y Sicilia se unieron en una monarquía dirigida por los Borbones que regresaron, llamada Reino de las Dos Sicilias. Aparte de Nápoles, sólo Piamonte (Reino de Cerdeña) tenía cierta autonomía real, y las posesiones de la dinastía Saboya se ampliaron gracias a la anexión de la antigua República Genovesa. Sin embargo, los gobernantes piamonteses temían la revolución y consideraban a Austria su principal aliado.

“Renacimiento” – avivamiento, regreso a la vida. A primera vista, ésta es una definición bastante extraña de una era de florecimiento cultural. Sin embargo, esto no es una exageración en absoluto. Cambios tan dramáticos en el arte y el pensamiento de los pueblos europeos tuvieron una razón banal y terrible: la muerte.

Tan sólo tres años a mediados del siglo XIV se convirtieron en un claro divisor entre épocas. Durante este período, la población de la Florencia italiana estaba muriendo rápidamente a causa de la peste. La Peste Negra no distinguió entre rangos y méritos, no quedó una sola persona que no pudiera soportar el peso de la pérdida de sus seres queridos. Los cimientos centenarios se estaban desmoronando, la fe en el futuro desapareció, no quedaba esperanza en Dios... Cuando la pandemia remitió y la pesadilla terminó, los habitantes de la ciudad se dieron cuenta de que ya no sería posible vivir como antes.

El mundo material ha cambiado mucho: incluso los más pobres de los supervivientes tenían propiedades "extra", heredadas a expensas de los propietarios perdidos de las casas, el problema de la vivienda se resolvió por sí solo, la tierra descansada resultó ser sorprendentemente generosa, la El suelo fértil sin mucho esfuerzo dio excelentes cosechas, cuya demanda ahora, sin embargo, era bastante baja. Los gerentes de fábricas y los terratenientes ricos comenzaron a experimentar una escasez de trabajadores, que ahora simplemente escaseaban, y los plebeyos ya no estaban ansiosos por aceptar la primera oferta que se les presentó, teniendo la oportunidad de elegir y negociar condiciones más favorables. Esto dio a muchos florentinos tiempo libre para la reflexión, la comunicación y la creatividad.

Además de la palabra “renasci” (“revivir”), se usaba con la misma frecuencia otra palabra en relación con la época: “reviviscere” (“revivir”). Los habitantes del Renacimiento creían que estaban reviviendo los clásicos y ellos mismos experimentaban una sensación de renacimiento.

En la mente de las personas se produjo una revolución aún mayor, la cosmovisión cambió radicalmente: apareció una mayor independencia de la iglesia, que se mostró impotente ante el desastre, los pensamientos se dirigieron a la existencia material, a conocerse a uno mismo no como creación de Dios, sino como parte de la Madre Naturaleza.

Florencia perdió aproximadamente la mitad de su población. Sin embargo, esto por sí solo no puede explicar el surgimiento del Renacimiento en esta ciudad. Hubo una combinación de razones de diferente importancia, así como un factor de azar. Algunos historiadores atribuyen el florecimiento cultural a la familia Medici, la familia florentina más influyente de esa época, que patrocinaba a los artistas y literalmente "crecía" nuevos genios con sus donaciones monetarias. Es precisamente esta política de los gobernantes de Florencia la que todavía causa controversia entre los expertos: o la ciudad tuvo mucha suerte en la Edad Media de dar a luz a personas talentosas, o condiciones especiales contribuyeron al desarrollo de genios, cuyos talentos era poco probable que alguna vez manifestarse en la sociedad ordinaria.

Literatura

El comienzo del Renacimiento en la literatura italiana es muy fácil de rastrear: los escritores se alejaron de las técnicas tradicionales y comenzaron a escribir en su lengua materna, que, cabe señalar, en aquellos días estaba muy lejos de los cánones literarios. Antes del comienzo de la era, el núcleo de las bibliotecas estaba formado por textos griegos y latinos, así como obras más modernas en francés y provenzal. Durante el Renacimiento, la formación de la lengua literaria italiana se produjo en gran medida a través de traducciones de obras clásicas. Incluso aparecieron obras "combinadas", cuyos autores complementaron los textos antiguos con sus propias reflexiones e imitaciones.

Durante el Renacimiento, la combinación de temas cristianos con fisicalidad dio como resultado imágenes de vírgenes lánguidas. Los ángeles parecían niños juguetones (putti) y antiguos cupidos. La combinación de sublime espiritualidad y sensualidad se expresó en numerosas “Venus”.

La “voz” del Renacimiento temprano en Italia fueron los grandes florentinos Francesco Petrarca y Dante Alighieri. En la Divina Comedia de Dante hay una clara influencia de la cosmovisión medieval y un fuerte motivo cristiano. Pero Petrarca ya representó el movimiento del humanismo renacentista, dirigiéndose en su obra a la antigüedad clásica y la modernidad. Además, Petrarca se convirtió en el padre del soneto italiano, cuya forma y estilo fueron adoptados más tarde por muchos otros poetas, incluido el inglés Shakespeare.

El alumno de Petrarca, Giovanni Boccaccio, escribió el famoso "Decameron", una colección alegórica de cien cuentos, incluidos trágicos, filosóficos y eróticos. Esta obra de Boccaccio, entre otras, se convirtió en una rica fuente de inspiración para muchos escritores ingleses.

Nicolás Maquiavelo fue un filósofo y pensador político. Su aportación a la literatura de aquella época consiste en obras de reflexión ampliamente conocidas en la sociedad occidental. El tratado "El Príncipe" es la obra más discutida del teórico político, que se convirtió en la base de la teoría del "maquiavelismo".

Filosofía

Petrarca, que trabajó en los albores del Renacimiento, también se convirtió en el principal fundador de la doctrina filosófica de esa época: el humanismo. Esta tendencia puso en primer lugar la mente y la voluntad del hombre. La teoría no contradecía los fundamentos del cristianismo, aunque no reconocía el concepto de pecado original, considerando a las personas como seres inicialmente virtuosos.

Sobre todo, el nuevo movimiento resonó con la filosofía antigua, dando lugar a una ola de interés por los textos antiguos. Fue en esta época cuando apareció la moda de buscar manuscritos perdidos. La caza fue patrocinada por habitantes adinerados y cada hallazgo se tradujo inmediatamente a idiomas modernos y se publicó en forma de libro. Este enfoque no sólo llenó las bibliotecas, sino que también aumentó significativamente la disponibilidad de literatura y el tamaño de la población lectora. El nivel general de educación ha aumentado notablemente.

Aunque la filosofía fue de gran importancia durante el Renacimiento, estos años suelen caracterizarse como un período de estancamiento. Los pensadores refutaron la teoría espiritual del cristianismo, pero no tenían una base suficiente para continuar desarrollando la investigación de sus ancestros. Por lo general, el contenido de las obras conservadas de esa época se reduce a la admiración por las teorías y modelos clásicos.

También hay un replanteamiento de la muerte. Ahora la vida no se convierte en una preparación para una existencia "celestial", sino en un camino completo que termina con la muerte del cuerpo. Los filósofos del Renacimiento están tratando de transmitir la idea de que la “vida eterna” se dará a aquellos que puedan dejar una huella detrás de sí, ya sea riquezas incalculables u obras de arte.

El desarrollo del conocimiento durante el Renacimiento influyó en gran medida en la comprensión que la gente tenía del mundo actual. Gracias a Copérnico y los Grandes Descubrimientos Geográficos, las ideas sobre el tamaño de la Tierra y su lugar en el Universo cambiaron. Los trabajos de Paracelso y Vesalio dieron origen a la medicina y la anatomía científicas.

El primer paso de la ciencia del Renacimiento fue el regreso a la teoría clásica de Ptolomeo sobre la estructura del universo. Existe un deseo general de explicar lo desconocido mediante leyes materiales; la mayoría de las teorías se basan en la construcción de secuencias lógicas rígidas.

Por supuesto, el científico más destacado del Renacimiento es Leonardo da Vinci. Es conocido por su destacada investigación en una variedad de disciplinas. Una de las obras más interesantes del genio florentino tiene que ver con la definición de la idealidad del hombre. Leonardo compartía la visión de los humanistas sobre la rectitud del recién nacido, pero la cuestión de cómo preservar todos los rasgos de la virtud y la perfección física seguía siendo un misterio. Y para la refutación definitiva de la divinidad del hombre era necesario encontrar la verdadera fuente de la vida y de la razón. Da Vinci hizo muchos descubrimientos en diversos campos científicos, sus obras siguen siendo objeto de estudio por parte de sus descendientes. Y quién sabe qué legado nos habría dejado si su vida hubiera sido aún más larga.

La ciencia italiana de finales del Renacimiento estuvo representada por Galileo Galilei. El joven científico, nacido en Pisa, no decidió de inmediato la dirección exacta de su trabajo. Ingresó en la facultad de medicina, pero rápidamente se pasó a las matemáticas. Tras obtener un título académico, comenzó a enseñar disciplinas aplicadas (geometría, mecánica, óptica, etc.), inmerso cada vez más en los problemas de la astronomía, la influencia de los planetas y luminarias, y al mismo tiempo interesándose por la astrología. Fue Galileo Galilei quien fue el primero en establecer claramente analogías entre las leyes de la naturaleza y las matemáticas. En su trabajo, a menudo utilizó el método del razonamiento inductivo, utilizando una cadena lógica para construir transiciones de disposiciones particulares a otras más generales. Algunas de las ideas de Galileo resultaron ser bastante erróneas, pero la mayoría de ellas pretendían confirmar su teoría básica sobre el movimiento de la Tierra alrededor del Sol. Los académicos de la época lo refutaron y el brillante toscano fue “asediado” con la ayuda de la poderosa Inquisición. Según la principal versión histórica, el científico abandonó públicamente su teoría hacia el final de su vida.

La ciencia del Renacimiento luchó por alcanzar la “modernidad”, que se expresó en gran medida en logros técnicos. La inteligencia comenzó a considerarse propiedad de los ricos. Estaba de moda tener un científico en la corte, y si superaba en conocimientos a sus vecinos, entonces era prestigioso. Los propios comerciantes de ayer no eran reacios a sumergirse en la ciencia, eligiendo a veces áreas tan "espectaculares" como la alquimia, la medicina y la meteorología. La ciencia a menudo se mezclaba libremente con la magia y la superstición.

Durante el Renacimiento se utilizó el signo @. Luego denota una medida de peso (arrub) igual a 12 - 13 kilogramos.

Fue durante el Renacimiento cuando apareció la alquimia, una forma temprana de química que incluía tantos principios sobrenaturales como verdaderamente científicos. La mayoría de los alquimistas estaban obsesionados con la idea de convertir el plomo en oro, y este proceso mítico todavía se identifica con el concepto de alquimia. Mucho antes de la creación del sistema periódico de elementos, los alquimistas propusieron su visión: todas las sustancias, en su opinión, estaban formadas por una mezcla de azufre y mercurio. Todos los experimentos se basaron en esta suposición. Más tarde, a los dos elementos principales se les añadió un tercero: la sal.

Vale la pena señalar los logros geográficos de los siglos XIV-XVII. Esta es la época de los grandes descubrimientos geográficos. Una huella especialmente notable en esta zona la dejaron los portugueses y el famoso florentino Amerigo Vespucci, cuyo nombre quedó inmortalizado en el descubrimiento más importante de esa época: el continente americano.

Pintura, escultura, arquitectura.

Las bellas artes del Renacimiento italiano se difundieron desde Florencia y determinaron en gran medida el alto nivel cultural de la ciudad, que la glorificó durante muchos años. Aquí, como en otros ámbitos, se vuelve a los antiguos principios del arte clásico. Desaparece la pretenciosidad excesiva, las obras se vuelven más “naturales”. Los artistas se desvían de los estrictos cánones de la pintura religiosa y crean las mayores obras maestras iconográficas de una manera nueva, más libre y más realista. Además de un trabajo más profundo que antes con luces y sombras, hay un estudio activo de la anatomía humana.

La armonía, la proporcionalidad y la simetría regresan a la arquitectura. Los edificios góticos que expresan el miedo religioso medieval se están convirtiendo en cosa del pasado, dando paso a arcos, cúpulas y columnas clásicas. Los arquitectos del Renacimiento temprano trabajaron en Florencia, pero en años posteriores fueron invitados activamente a Roma, donde se erigieron muchas estructuras destacadas, que luego se convirtieron en monumentos arquitectónicos. A finales del Renacimiento nació el manierismo, del que Miguel Ángel fue un destacado representante. Una característica distintiva de este estilo es la monumentalidad enfatizada de los elementos individuales, que durante mucho tiempo fue percibida de manera muy negativa por los representantes del arte clásico.

El regreso a la antigüedad se manifestó más claramente en la escultura. Un ejemplo de belleza se convirtió en el desnudo clásico, que nuevamente comenzó a representarse en contrapposto (la posición característica del cuerpo apoyado sobre una pierna, que permite transmitir expresivamente la naturaleza del movimiento). Figuras destacadas de la escultura renacentista fueron Donatello y Miguel Ángel, cuya estatua de David se convirtió en la cúspide del arte renacentista.

Durante el Renacimiento en Italia, las mujeres con pupilas grandes eran consideradas las más bellas. Las mujeres italianas se vertían en los ojos una infusión de belladona, una planta venenosa, que dilataba las pupilas. El nombre "belladona" se traduce del italiano como "mujer hermosa".

El humanismo renacentista influyó en todos los aspectos de la creatividad social. La música del Renacimiento dejó de ser demasiado académica y sufrió una gran influencia de motivos folclóricos. En la práctica de la iglesia, el canto polifónico coral se ha generalizado.

La diversidad de estilos musicales propició la aparición de nuevos instrumentos musicales: violas, laúdes, clavecines. Eran bastante fáciles de usar y podían usarse en empresas o pequeños conciertos. La música eclesiástica, mucho más solemne, requería de un instrumento adecuado, que en aquellos años era el órgano.

El humanismo renacentista sugirió nuevos enfoques para una etapa tan importante del desarrollo de la personalidad como es el aprendizaje. Durante el apogeo del Renacimiento, existía una tendencia a desarrollar cualidades personales desde una edad temprana. La educación en grupo dio paso a la educación individual, cuando el alumno sabía exactamente lo que quería y avanzaba hacia el objetivo previsto, confiando en todo en su maestro.

Los siglos del Renacimiento italiano se convirtieron no solo en una fuente de increíble progreso cultural, sino también en una época de fuertes contradicciones: la filosofía antigua y las conclusiones de los pensadores modernos chocaron, lo que condujo a un cambio fundamental tanto en la vida misma como en su percepción.

Capítulo “Introducción”, sección “Arte de Italia”. Historia general del arte. Volumen III. Arte renacentista. Autor: E.I. Rothenberg; bajo la dirección general de Yu.D. Kolpinsky y E.I. Rotenberg (Moscú, Editorial Estatal "Art", 1962)

Italia hizo una contribución de excepcional importancia a la historia de la cultura artística del Renacimiento. La escala misma del mayor florecimiento que marcó el Renacimiento italiano parece especialmente sorprendente en contraste con las pequeñas dimensiones territoriales de aquellas repúblicas urbanas donde la cultura de esta época nació y experimentó su gran auge. El arte en estos siglos ocupó una posición sin precedentes en la vida pública. La creación artística pareció convertirse en una necesidad insaciable de los pueblos del Renacimiento, una expresión de su energía inagotable. En los centros avanzados de Italia, la pasión por el arte capturó a los estratos más amplios de la sociedad, desde los círculos gobernantes hasta la gente corriente. La construcción de edificios públicos, la instalación de monumentos y la decoración de los principales edificios de la ciudad eran un asunto de importancia nacional y objeto de atención de altos funcionarios. La aparición de destacadas obras de arte se convirtió en un gran acontecimiento social. La admiración universal por los maestros destacados se evidencia en el hecho de que los genios más grandes de la época (Leonardo, Rafael, Miguel Ángel) recibieron de sus contemporáneos el nombre de divino.

En términos de su productividad, el Renacimiento, que duró unos tres siglos en Italia, es bastante comparable a todo el milenio durante el cual se desarrolló el arte de la Edad Media. La escala física de todo lo que fue creado por los maestros del Renacimiento italiano causa asombro: majestuosos edificios municipales y enormes catedrales, magníficos palacios y villas patricias, obras de escultura en todas sus formas, innumerables monumentos de pintura: ciclos de frescos, altares monumentales. composiciones y pinturas de caballete. Dibujo y grabado, miniaturas manuscritas y gráficos impresos de reciente aparición, artes decorativas y aplicadas en todas sus formas: en esencia, no había un solo área de la vida artística que no estuviera experimentando un rápido crecimiento. Pero quizás aún más sorprendente sea el nivel artístico inusualmente alto del arte del Renacimiento italiano, su importancia verdaderamente global como uno de los picos de la cultura humana.

La cultura del Renacimiento no era propiedad exclusiva de Italia: su ámbito de distribución abarcaba muchos de los países de Europa. Al mismo tiempo, en un país u otro, determinadas etapas de la evolución del arte del Renacimiento encontraron su expresión principal. Pero en Italia, una nueva cultura no solo surgió antes que en otros países, sino que el camino mismo de su desarrollo se distinguió por una secuencia excepcional de todas las etapas, desde el Protorrenacimiento hasta finales del Renacimiento, y en cada una de estas etapas el arte italiano. dio altos resultados, superando la mayoría de los casos de logros de las escuelas de arte en otros países (en la historia del arte, por tradición, los nombres italianos de aquellos siglos en los que cae el nacimiento y desarrollo del arte renacentista en Italia (cada uno de los siglos nombrados representa un cierto hito en esta evolución), por lo que el siglo XIII se llama Ducento, el XIV - Trecento, el XV - Quattrocento, el XVI - Cinquecento). Gracias a esto, la cultura artística del Renacimiento alcanzó una plenitud especial de expresión en Italia, apareciendo, por así decirlo, en su forma más integral y clásicamente completa.

La explicación de este hecho está relacionada con las condiciones específicas en las que se produjo el desarrollo histórico de la Italia del Renacimiento. La base social que contribuyó al surgimiento de una nueva cultura se determinó aquí muy temprano. Ya en los siglos XII y XIII, cuando Bizancio y los árabes, como resultado de las Cruzadas, fueron expulsados ​​de las rutas comerciales tradicionales en la región mediterránea, las ciudades del norte de Italia y, sobre todo, Venecia, Pisa y Génova, tomaron en sus manos todos los intermediarios. comercio entre Europa occidental y oriental. Durante estos mismos siglos, la producción artesanal experimentó un auge en centros como Mila, Florencia, Siena y Bolonia. La riqueza acumulada se invirtió a gran escala en la industria, el comercio y la banca. El poder político en las ciudades lo tomó el estamento popolán, es decir, los artesanos y comerciantes unidos en gremios. Apoyándose en su creciente poder económico y político, comenzaron a luchar contra los señores feudales locales, buscando la privación total de sus derechos políticos. El fortalecimiento de las ciudades italianas les permitió repeler con éxito el ataque de otros estados, principalmente de los emperadores alemanes.

En ese momento, las ciudades de otros países europeos también se habían embarcado en el camino de defender sus derechos comunales de los reclamos de los poderosos señores feudales. Sin embargo, las ricas ciudades italianas se diferenciaban en este aspecto de los centros urbanos del otro lado de los Alpes en un rasgo decisivo. En condiciones excepcionalmente favorables de independencia política y libertad de las instituciones feudales, surgieron formas de una nueva forma de vida capitalista en las ciudades de Italia. Las primeras formas de producción capitalista se manifestaron más claramente en la industria textil de las ciudades italianas, principalmente en Florencia, donde ya se utilizaban formas de manufactura dispersa y centralizada, y los llamados gremios superiores, que eran uniones de empresarios, establecieron un sistema. de explotación brutal de los trabajadores asalariados. La prueba de hasta qué punto Italia estaba por delante de otros países en el camino del desarrollo económico y social se puede ver en el hecho de que ya en el siglo XIV. Italia conoció no sólo los movimientos antifeudales de campesinos que se desarrollaron en determinadas regiones del país (por ejemplo, el levantamiento de Fra Dolcino en 1307), o los levantamientos de la plebe urbana (el movimiento liderado por Cola di Rienzi en Roma en 1347- 1354), pero también levantamientos de trabajadores oprimidos contra empresarios en los centros industriales más avanzados (la revuelta de Ciompi en Florencia en 1374). En Italia, antes que en cualquier otro lugar, comenzó la formación de la primera burguesía, esa nueva clase social que representaban los círculos polacos. Es importante subrayar que esta primera burguesía llevaba en sí misma signos de una diferencia fundamental con respecto a los burgueses medievales. La esencia de esta diferencia está asociada principalmente con factores económicos, ya que fue en Italia donde surgieron las primeras formas capitalistas de producción. Pero no menos importante es el hecho de que en los centros avanzados se encontraba la burguesía italiana del siglo XIV. poseía pleno poder político, extendiéndolo a las propiedades territoriales adyacentes a las ciudades. Los burgueses no conocieron un poder tan completo en otros países europeos, cuyos derechos políticos generalmente no iban más allá de los límites de los privilegios municipales. Fue la unidad del poder económico y político lo que dio a la clase popolana de Italia esas características especiales que la distinguían tanto de los burgueses medievales como de la burguesía de la era posrenacentista en los estados absolutistas del siglo XVII.

El colapso del sistema de clases feudal y el surgimiento de nuevas relaciones sociales implicaron cambios fundamentales en la visión del mundo y la cultura. El carácter revolucionario de la revolución social que constituyó la esencia del Renacimiento se manifestó en las repúblicas urbanas avanzadas de Italia con un brillo excepcional.

En términos sociales e ideológicos, el Renacimiento en Italia fue un proceso complejo y contradictorio de destrucción de lo viejo y formación de lo nuevo, cuando los elementos reaccionarios y progresistas se encontraban en un estado de intensa lucha, y las instituciones legales, el orden social, las costumbres. , así como los propios fundamentos ideológicos, aún no han adquirido la inviolabilidad santificada por el tiempo y la autoridad estatal-eclesiástica. Por lo tanto, cualidades de la gente de esa época como la energía personal y la iniciativa, el coraje y la perseverancia en el logro de sus objetivos encontraron un terreno extremadamente favorable en Italia y pudieron revelarse aquí en la mayor medida. No en vano fue en Italia donde el tipo mismo de hombre del Renacimiento se desarrolló en su mayor brillo y plenitud.

El hecho de que Italia haya proporcionado un ejemplo único de evolución a largo plazo e inusualmente fructífera del arte renacentista en todas sus etapas se debe principalmente al hecho de que la influencia real de los círculos sociales progresistas en la esfera económica y política permaneció aquí hasta las primeras décadas. del siglo XVI. Esta influencia también fue efectiva durante el período en que en muchos centros del país se inició la transición del sistema comunal a las llamadas tiranías (a partir del siglo XIV). El fortalecimiento del poder centralizado al transferirlo a manos de un gobernante (que provenía de familias feudales o de comerciantes más ricas) fue una consecuencia de la intensificación de la lucha de clases entre los círculos burgueses gobernantes y la masa de las clases bajas urbanas. Pero la propia estructura económica y social de las ciudades italianas todavía se basaba en gran medida en conquistas anteriores, y no en vano el abuso de poder por parte de aquellos gobernantes que intentaron establecer un régimen de dictadura personal abierta fue seguido por protestas activas. por amplios sectores de la población urbana, lo que a menudo condujo a la expulsión de tiranos. Unos u otros cambios en las formas de poder político que se produjeron durante el período que nos ocupa no pudieron destruir el espíritu mismo de las ciudades libres, que en los centros avanzados de Italia se conservó hasta el trágico final del Renacimiento.

Esta situación distinguió a la Italia del Renacimiento de otros países europeos, donde nuevas fuerzas sociales reemplazaron más tarde al antiguo orden legal y, por lo tanto, la duración cronológica del Renacimiento fue correspondientemente más corta. Y dado que la nueva clase social no pudo tomar posiciones tan fuertes en estos países como en Italia, la revolución del Renacimiento se expresó en ellos en formas menos decisivas y los cambios en la cultura artística en sí mismos no tuvieron un carácter revolucionario tan pronunciado.

Sin embargo, adelantándose a otros países en el camino del progreso social y cultural, Italia se quedó atrás en otra cuestión histórica importante: la unidad política del país, su transformación en un Estado fuerte y centralizado le era imposible. Aquí están las raíces de la tragedia histórica de Italia. Desde que las grandes monarquías vecinas, y sobre todo Francia, así como el Sacro Imperio Romano Germánico, que incluía a los estados alemanes y España, se convirtieron en potencias poderosas, Italia, dividida en muchas regiones en guerra, se encontró indefensa contra el ataque de ejércitos extranjeros. La campaña a Italia emprendida por los franceses en 1494 marcó el comienzo de un período de guerras de conquista que terminó a mediados del siglo XVI. la toma de casi todo el territorio del país por parte de los españoles y la pérdida de su independencia durante varios siglos. Los llamamientos a la unificación de Italia por parte de las mejores mentes del país y los intentos prácticos individuales en esta dirección no pudieron superar el separatismo tradicional de los estados italianos.

Las raíces de este separatismo deben buscarse no sólo en las políticas egoístas de los gobernantes individuales, especialmente los papas, los peores enemigos de la unidad de Italia, sino sobre todo en las bases mismas del sistema económico y social establecido durante el Renacimiento en el siglo XIX. regiones y centros avanzados del país. La difusión de una nueva estructura económica y social en el marco de un estado único totalmente italiano resultó impracticable en ese momento, no solo porque las formas del sistema comunal de las repúblicas urbanas no podían transferirse a la gestión de todo el país, sino también por factores económicos: la creación de un sistema económico unificado a gran escala, algo que en aquel momento era imposible para Italia al nivel de las fuerzas productivas. El desarrollo generalizado de la primera burguesía, que tenía plenos derechos políticos, característicos de Italia, sólo pudo ocurrir dentro de los límites de las pequeñas repúblicas urbanas. En otras palabras, la fragmentación del país fue uno de los requisitos previos inevitables para el florecimiento de una cultura renacentista tan poderosa como la cultura de Italia, ya que tal florecimiento sólo era posible en las condiciones de ciudades-estado independientes y separadas. Como ha demostrado el curso de los acontecimientos históricos, en las monarquías centralizadas el arte renacentista no adquirió un carácter revolucionario tan pronunciado como en Italia. Esta conclusión se ve confirmada por el hecho de que si políticamente Italia con el tiempo se volvió dependiente de potencias absolutistas tan fuertes como Francia y España, entonces en términos culturales y artísticos, incluso durante el período en que Italia perdió su independencia, la dependencia fue la contraria. .

Así, en las mismas condiciones previas del mayor auge de la cultura del Renacimiento italiano, se encontraban las razones del colapso que le esperaba. Esto, por supuesto, no significa en absoluto que los llamamientos a la unificación del país, que se intensificaron especialmente durante el período de grave crisis política en Italia en las primeras décadas del siglo XVI, no fueran de carácter progresista. Estos llamamientos no sólo correspondían a las aspiraciones de amplios sectores de la población, cuyos logros sociales e independencia estaban amenazados, sino que también eran un reflejo del proceso real de creciente consolidación cultural de varias regiones de Italia. Desunidas en los albores del Renacimiento debido a la desigualdad de su desarrollo cultural, muchas regiones del país en el siglo XVI ya estaban conectadas por una profunda unidad espiritual. Lo que seguía siendo imposible en la esfera política estatal se logró en la esfera ideológica y artística. La Florencia republicana y la Roma papal eran estados en guerra, pero los más grandes maestros florentinos trabajaron tanto en Florencia como en Roma, y ​​el contenido artístico de sus obras romanas estaba al nivel de los ideales más progresistas de la República Florentina, amante de la libertad.

El desarrollo excepcionalmente fructífero del arte renacentista en Italia se vio facilitado no solo por factores sociales, sino también históricos y artísticos. El arte del Renacimiento italiano debe su origen no a ninguna, sino a varias fuentes. En el período anterior al Renacimiento, Italia fue un punto de encuentro de varias culturas medievales. A diferencia de otros países, las dos líneas principales del arte medieval en Europa, el bizantino y el gótico romano, complicado en determinadas zonas de Italia por la influencia del arte de Oriente, encontraron aquí una expresión igualmente significativa. Ambas líneas contribuyeron con su parte al desarrollo del arte renacentista. De la pintura bizantina, el protorrenacimiento italiano adoptó una estructura idealmente bella de imágenes y formas de ciclos de pintura monumentales; El sistema figurativo gótico contribuyó a la penetración de la excitación emocional y una percepción más específica de la realidad en el arte del siglo XIV. Pero aún más importante fue el hecho de que Italia fuera la guardiana del patrimonio artístico del mundo antiguo. De una forma u otra, la tradición antigua encontró su refracción ya en el arte medieval italiano, por ejemplo, en la escultura de la era Hohenstaufen, pero solo en el Renacimiento, a partir del siglo XV, el arte antiguo se abrió a los ojos de los artistas. en su verdadera luz como expresión estéticamente perfecta de las leyes de la realidad misma. La combinación de estos factores creó en Italia el terreno más favorable para el surgimiento y ascenso del arte renacentista.

Uno de los indicadores del más alto nivel de desarrollo del arte del Renacimiento italiano fue su característico amplio desarrollo del pensamiento científico y teórico. La aparición temprana de obras teóricas en Italia fue en sí misma una prueba del hecho importante de que los representantes del arte italiano avanzado comprendieron la esencia de la revolución que había tenido lugar en la cultura. Esta conciencia de la actividad creativa estimuló enormemente el progreso artístico, ya que permitió a los maestros italianos avanzar no a tientas, sino planteando y resolviendo determinados problemas con determinación.

El interés de los artistas por los problemas científicos de aquella época era tanto más natural cuanto que en su conocimiento objetivo del mundo se basaban no sólo en su percepción emocional, sino también en una comprensión racional de las leyes subyacentes. La fusión de conocimientos científicos y artísticos característica del Renacimiento fue la razón por la que muchos de los artistas eran al mismo tiempo científicos destacados. Este rasgo se expresa de forma más vívida en la personalidad de Leonardo da Vinci, pero en un grado u otro fue característico de muchas figuras de la cultura artística italiana.

El pensamiento teórico en la Italia del Renacimiento se desarrolló en dos direcciones principales. Por un lado, este es el problema del ideal estético, para cuya solución los artistas se basaron en las ideas de los humanistas italianos sobre el alto propósito del hombre, sobre las normas éticas, sobre el lugar que ocupa en la naturaleza y la sociedad. Por otro lado, se trata de cuestiones prácticas de realización de este ideal artístico a través del nuevo arte renacentista. El conocimiento de los maestros del Renacimiento en el campo de la anatomía, la teoría de la perspectiva y la doctrina de las proporciones, que fue el resultado de la comprensión científica del mundo, contribuyó al desarrollo de aquellos medios del lenguaje visual con la ayuda de los cuales estos maestros Pudieron reflejar objetivamente la realidad en el arte. Los trabajos teóricos dedicados a diversos tipos de arte examinaron una amplia variedad de cuestiones de la práctica artística. Baste citar como ejemplos el desarrollo de las cuestiones de la perspectiva matemática y su aplicación en la pintura, llevado a cabo por Brunelleschi, Alberti y Piero della Francesca, un conjunto completo de conocimientos artísticos y conclusiones teóricas, que consta de innumerables notas de Leonardo da Vinci, escritos y declaraciones sobre escultura de Ghiberti, Miguel Ángel y Cellini, tratados de arquitectura de Alberti, Averlino, Francesco di Giorgio Martini, Palladio, Vignola. Finalmente, la cultura del Renacimiento italiano presentó en la persona de Giorgio Vasari al primer historiador del arte que, en sus biografías de artistas italianos, intentó comprender el arte de su época en términos históricos. El contenido y la amplitud de la cobertura de estos trabajos se ven confirmados por el hecho de que las ideas y conclusiones de los teóricos italianos conservaron su significado práctico durante muchos siglos después de su aparición.

Esto se aplica en mayor medida a los logros creativos de los maestros del Renacimiento italiano, que hicieron una contribución importante a todo tipo de artes plásticas, predeterminando a menudo los caminos de su desarrollo en épocas posteriores.

En la arquitectura de la Italia del Renacimiento se crearon los principales tipos de edificios públicos y residenciales utilizados desde entonces en la arquitectura europea y se desarrollaron aquellos medios de lenguaje arquitectónico que se convirtieron en la base del pensamiento arquitectónico durante un largo período histórico. El predominio del principio secular en la arquitectura italiana se expresó no solo en el predominio de los edificios públicos y privados con fines seculares, sino también en el hecho de que en el contenido mismo figurativo de los edificios religiosos se eliminaron los elementos espiritistas: dieron paso a nuevos , ideales humanistas. En la arquitectura secular, el lugar principal lo ocupó el tipo de casa-palacio residencial de la ciudad (palazzo), inicialmente la casa de representantes de familias ricas de comerciantes o empresarios, y en el siglo XVI. - residencia de un noble o gobernante del estado. Adquiriendo con el tiempo las características de un edificio no sólo privado sino también público, el palacio renacentista también sirvió como prototipo para los edificios públicos de los siglos posteriores. En la arquitectura de las iglesias italianas se prestó especial atención a la imagen de una estructura abovedada céntrica. Esta imagen correspondía a la idea predominante durante el Renacimiento de una forma arquitectónica perfecta, que expresaba la idea de una personalidad renacentista en equilibrio armonioso con el mundo circundante. Las soluciones más maduras a este problema las dieron Bramante y Miguel Ángel en sus proyectos para la Catedral de San Pedro. Pedro en Roma.

En cuanto al lenguaje de la arquitectura en sí, el factor decisivo fue el renacimiento y el desarrollo sobre una nueva base del antiguo sistema de orden. Para los arquitectos de la Italia del Renacimiento, el orden era un sistema arquitectónico diseñado para expresar visualmente la estructura tectónica del edificio. La proporcionalidad inherente al orden del hombre fue considerada como uno de los fundamentos del contenido ideológico humanista de la imagen arquitectónica. Los arquitectos italianos ampliaron las capacidades compositivas de la orden en comparación con los maestros antiguos, logrando encontrar una combinación orgánica con pared, arco y bóveda. Imaginan todo el volumen del edificio como impregnado de una estructura ordenada, que logra una profunda unidad figurativa de la estructura con el entorno natural que la rodea, ya que los propios órdenes clásicos reflejan ciertos patrones naturales.

En la planificación urbana, los arquitectos de la Italia del Renacimiento enfrentaron grandes dificultades, especialmente en el período temprano, ya que la mayoría de las ciudades ya contaban con densos edificios capitales en la Edad Media. Sin embargo, los teóricos y practicantes avanzados de la arquitectura del Renacimiento temprano se plantearon importantes problemas de planificación urbana, considerándolos tareas urgentes del mañana. Si sus audaces planes urbanísticos no eran plenamente viables en aquel momento y, por tanto, seguían siendo propiedad de los tratados de arquitectura, entonces ciertas tareas importantes, en particular el problema de la creación de un centro de la ciudad -desarrollar principios para el desarrollo de la plaza principal de la ciudad- fueron encontrado en el siglo XVI. su brillante solución, por ejemplo, en la Piazza San Marco de Venecia y en la Plaza Capitolina de Roma.

En las bellas artes, la Italia del Renacimiento proporcionó el ejemplo más sorprendente de la autodeterminación de los distintos tipos de arte, que anteriormente, a lo largo de la Edad Media, dependían subordinadamente de la arquitectura, pero que ahora han adquirido una completa independencia figurativa. En términos ideológicos, este proceso significó la liberación de la escultura y la pintura de los dogmas religioso-espiritualistas de la Edad Media que las encadenaban y un giro hacia imágenes saturadas de nuevo contenido humanista. Paralelamente, se produjo el surgimiento y formación de nuevos tipos y géneros de bellas artes, en los que se expresaron nuevos contenidos ideológicos. La escultura, por ejemplo, después de una pausa de miles de años, finalmente recuperó la base de su expresividad figurativa, recurriendo a la estatua y al grupo independientes. También se ha ampliado el alcance de la cobertura figurativa de la escultura. Junto con las imágenes tradicionales asociadas con el culto cristiano y la mitología antigua, que reflejaban ideas generales sobre el hombre, su objeto también resultó ser la individualidad humana específica, que se manifestó en la creación de monumentos monumentales a gobernantes y condottieros, así como en la Amplia difusión de retratos escultóricos en las formas retrato busto. También está experimentando una transformación radical un tipo de escultura, como el relieve, tan desarrollado en la Edad Media, cuyas posibilidades figurativas, gracias al uso de técnicas de representación pictórica-perspectiva del espacio, se amplían gracias a una visualización más completa y completa del entorno de vida que rodea a una persona.

En cuanto a la pintura, aquí, junto con el florecimiento sin precedentes de la composición monumental al fresco, es necesario destacar especialmente el hecho de la aparición de la pintura de caballete, que marcó el comienzo de una nueva etapa en la evolución de las bellas artes. Entre los géneros pictóricos, junto con las composiciones sobre temas bíblicos y mitológicos, que ocuparon una posición dominante en la pintura renacentista en Italia, cabe destacar el retrato, que experimentó su primer florecimiento en esta época. También se dieron los primeros pasos importantes en géneros tan nuevos como la pintura histórica en el sentido propio de la palabra y el paisaje.

Habiendo desempeñado un papel decisivo en el proceso de emancipación de ciertos tipos de bellas artes, el Renacimiento italiano al mismo tiempo conservó y desarrolló una de las cualidades más valiosas de la cultura artística medieval: el principio de síntesis de varios tipos de arte, su unificación. en un conjunto figurativo común. Esto fue facilitado por el mayor sentido de organización artística inherente a los maestros italianos, que se manifiesta en ellos tanto en el diseño general de cualquier complejo arquitectónico y artístico complejo, como en cada detalle de una obra individual incluida en este complejo. Al mismo tiempo, a diferencia de la comprensión medieval de la síntesis, donde la escultura y la pintura están subordinadas a la arquitectura, los principios de la síntesis renacentista se basan en una especie de igualdad de cada tipo de arte, por lo que las cualidades específicas de la escultura y la pintura en el marco del conjunto artístico general adquieren una mayor eficiencia de impacto estético. Aquí es importante enfatizar que los signos de participación en un gran sistema figurativo los llevan no solo las obras que se incluyen directamente en cualquier complejo artístico para el propósito previsto, sino también los monumentos individuales independientes de escultura y pintura. Ya sea el colosal David de Miguel Ángel o la miniatura Madonna Connestabile de Rafael, cada una de estas obras contiene potencialmente cualidades que permiten considerarla como una posible parte de algún conjunto artístico general.

Este almacén monumental-sintético específicamente italiano del arte renacentista fue facilitado por la naturaleza misma de las imágenes artísticas de la escultura y la pintura. En Italia, a diferencia de otros países europeos, el ideal estético del hombre del Renacimiento se desarrolló muy temprano, remontándose a las enseñanzas humanistas sobre el uomo universale, sobre el hombre perfecto, en quien la belleza física y la fuerza del espíritu se combinan armoniosamente. La característica principal de esta imagen es el concepto de virtu (valor), que tiene un significado muy amplio y expresa el principio activo de una persona, la determinación de su voluntad, la capacidad de implementar sus elevados planes a pesar de todos los obstáculos. Esta cualidad específica del ideal figurativo del Renacimiento no la expresan todos los artistas italianos de una forma tan abierta, como, por ejemplo, Masaccio, Andrea del Castagno, Mantegna y Miguel Ángel, maestros en cuya obra predominan imágenes de carácter heroico. Pero siempre está presente en imágenes de naturaleza armoniosa, por ejemplo en Rafael y Giorgione, porque la armonía de las imágenes del Renacimiento está lejos de ser una paz relajada: detrás de ella siempre se puede sentir la actividad interna del héroe y su conciencia de su fuerza moral. .

A lo largo de los siglos XV y XVI, este ideal estético no permaneció inmutable: según las distintas etapas de la evolución del arte renacentista, se perfilaron sus distintos aspectos. En las imágenes del Renacimiento temprano, por ejemplo, los rasgos de una integridad interna inquebrantable se expresan más claramente. El mundo espiritual de los héroes del Alto Renacimiento es más complejo y rico, proporcionando el ejemplo más sorprendente de la cosmovisión armoniosa característica del arte de este período. En las décadas siguientes, con el crecimiento de contradicciones sociales insolubles, la tensión interna se intensificó en las imágenes de los maestros italianos y apareció un sentimiento de disonancia y conflicto trágico. Pero a lo largo del Renacimiento, los escultores y pintores italianos siguieron comprometidos con una imagen colectiva, con un lenguaje artístico generalizado. Precisamente gracias al deseo de una expresión más general de los ideales artísticos, los maestros italianos pudieron, en mayor medida que los maestros de otros países, crear imágenes de un sonido tan amplio. Ésta es la raíz de la peculiar universalidad de su lenguaje figurativo, que resultó ser una especie de norma y ejemplo del arte renacentista en general.

El enorme papel de las ideas humanistas profundamente desarrolladas para el arte italiano ya se manifestaba en la posición incondicionalmente dominante que ocupaba en él la imagen humana; uno de los indicadores de esto era la típica admiración italiana por el hermoso cuerpo humano, que era considerado por los humanistas y artistas como receptáculo de un alma bella. El entorno cotidiano y natural que rodea al hombre en la mayoría de los casos no se convirtió en objeto de la misma atención para los maestros italianos. Este pronunciado antropocentrismo, la capacidad de revelar las propias ideas sobre el mundo principalmente a través de la imagen de una persona, da a los héroes de los maestros del Renacimiento italiano una profundidad de contenido tan completa. El camino de lo general a lo individual, del todo a lo particular, es característico de los italianos no sólo en las imágenes monumentales, donde sus cualidades ideales son una forma necesaria de generalización artística, sino también en un género como el retrato. Y en sus retratos, el pintor italiano parte de un cierto tipo de personalidad humana, en relación con el cual percibe cada modelo específico. De acuerdo con esto, en el retrato del Renacimiento italiano, a diferencia de los retratos en el arte de otros países, el principio tipificador prevalece sobre las tendencias individualizadoras.

Pero el predominio de un determinado ideal en el arte italiano no significó en absoluto una nivelación y una uniformidad excesiva de las soluciones artísticas. La unidad de premisas ideológicas y figurativas no sólo no excluyó la diversidad de talentos creativos de cada uno de la gran cantidad de maestros que trabajaron en esta época, sino que, por el contrario, destacó aún más claramente sus características individuales. Incluso dentro de una de las fases, y además la más corta, del arte del Renacimiento: esas tres décadas en las que cae el Alto Renacimiento, podemos discernir fácilmente diferencias en la percepción de la imagen humana entre los más grandes maestros de este período. Así, los personajes de Leonardo destacan por su profunda espiritualidad y riqueza intelectual; El arte de Rafael está dominado por una sensación de claridad armónica; Las imágenes titánicas de Miguel Ángel proporcionan la expresión más vívida de la eficacia heroica del hombre de esta época. Si recurrimos a los pintores venecianos, las imágenes de Giorgione atraen por su sutil lirismo, mientras que la plenitud sensual de Tiziano y la variedad de movimientos emocionales son más pronunciadas. Lo mismo se aplica al lenguaje visual de los pintores italianos: si entre los maestros florentinos-romanos dominan los medios de expresión plástico-lineal, entre los venecianos el principio colorista tiene una importancia decisiva.

Ciertos aspectos de la percepción figurativa del Renacimiento recibieron diferentes refracciones en el arte del Renacimiento italiano, dependiendo de las distintas etapas de su evolución y de las tradiciones que se desarrollaron en las distintas escuelas de arte territoriales. Dado que el desarrollo económico y cultural de los estados italianos no fue uniforme, su contribución al arte del Renacimiento fue correspondientemente diferente en cada período. De los numerosos centros artísticos del país, cabe destacar tres: Florencia, Roma y Venecia, cuyo arte, en una secuencia histórica determinada, representó la línea principal del Renacimiento italiano durante tres siglos.

El papel histórico de Florencia en la configuración de la cultura del Renacimiento es especialmente significativo. Florencia estuvo a la vanguardia del arte nuevo desde la época del Protorrenacimiento hasta el Alto Renacimiento. La capital de Toscana resultó ser el centro de la vida económica, política y cultural de Italia desde el siglo XIII hasta principios del XVI, y los acontecimientos de su historia, habiendo perdido su carácter puramente local, adquirieron un significado panitaliano. . Lo mismo se aplica enteramente al arte florentino de estos siglos. Florencia fue la cuna o el lugar de actividad creativa de muchos de los más grandes maestros, desde Giotto hasta Miguel Ángel.

Desde finales del siglo XV - principios del XVI. Roma, junto con Florencia, se perfila como el principal centro de la vida artística del país. Aprovechando su posición especial como capital del mundo católico, Roma se convierte en uno de los estados más fuertes de Italia, reclamando un papel de liderazgo entre ellos. En consecuencia, se desarrolla la política artística de los papas romanos, quienes, para fortalecer la autoridad del pontificado romano, atraen a su corte a los arquitectos, escultores y pintores más importantes. El ascenso de Roma como principal centro artístico del país coincidió con el inicio del Alto Renacimiento; Roma mantuvo su posición de liderazgo durante las tres primeras décadas del siglo XVI. Las mejores obras creadas durante estos años por Bramante, Rafael, Miguel Ángel y muchos otros maestros que trabajaron en Roma marcaron el cenit del Renacimiento. Pero con la pérdida de independencia política de los estados italianos, durante la crisis de la cultura renacentista, la Roma papal se convirtió en un bastión de la reacción ideológica, que tomó la forma de contrarreforma. Desde los años 40, cuando la Contrarreforma abrió un amplio ataque a los logros de la cultura renacentista, el tercer centro artístico más grande, Venecia, ha sido el guardián y continuador de los ideales progresistas del Renacimiento.

Venecia fue la última de las repúblicas italianas fuertes en defender su independencia y retener una parte considerable de su enorme riqueza. Permaneciendo hasta finales del siglo XVI. Un importante centro de la cultura renacentista, se convirtió en un bastión de las esperanzas de la Italia esclavizada. Fue Venecia la que estaba destinada a proporcionar la revelación más fructífera de las cualidades figurativas del Renacimiento tardío italiano. La obra de Tiziano en el último período de su actividad, así como los mayores representantes de la segunda generación de pintores venecianos del siglo XVI. - Veronés y Tintoretto no sólo fueron una expresión de los principios realistas del arte renacentista en una nueva etapa histórica: allanaron el camino para aquellos elementos históricamente más prometedores del realismo renacentista, que continuaron y se desarrollaron en una nueva gran era artística: en el pintura del siglo XVII.

Ya para su época, el arte del Renacimiento italiano tuvo una importancia paneuropea excepcionalmente amplia. Por delante del resto de Europa en el camino de la evolución del arte renacentista en términos cronológicos. Italia también se adelantó a ellos en la solución de muchos de los problemas artísticos más importantes planteados por la época. Por lo tanto, para todas las demás culturas nacionales del Renacimiento, recurrir al trabajo de maestros italianos significó un gran salto en la formación de un arte nuevo y realista. Ya en el siglo XVI era imposible alcanzar un cierto nivel de madurez artística en los países europeos sin un profundo dominio creativo de los logros del arte italiano. Grandes pintores como Durero y Holbein en Alemania, El Greco en España, arquitectos tan importantes como el holandés Cornelis Floris, el español Juan de Herrera o el inglés Pnigo Jones, deben mucho al estudio del arte de la Italia del Renacimiento. El ámbito de actividad de los propios arquitectos y pintores italianos fue excepcional por su inmensidad y se extendió por toda Europa, desde España hasta la antigua Rusia. Pero quizás aún más significativo sea el papel del Renacimiento italiano como fundamento de la cultura de los tiempos modernos, como una de las más altas encarnaciones del arte realista y la mayor escuela de excelencia artística.

Arte renacentista italiano

El apogeo del Renacimiento comienza en Italia. Por tanto, no es de extrañar que fuera en Italia donde el arte del Renacimiento alcanzara su punto más alto. Fue aquí donde escribieron, esculpieron y crearon decenas de grandes genios y poderosos talentos.

El comienzo del Renacimiento fue el Protorrenacimiento, una especie de preparación para una nueva cosmovisión y una preparación para su reflejo en el arte. El Protorrenacimiento todavía está estrechamente relacionado con la Edad Media, con las tradiciones románica y gótica, así como con las bizantinas. E incluso en el trabajo de artistas innovadores no es fácil trazar una línea clara que separe lo viejo de lo nuevo. El comienzo del Protorrenacimiento en el arte italiano está asociado con el nombre. Giotto di Bondone (1266-1337). Giotto, de hecho, trazó el camino por el cual se desarrolló la pintura: predeterminó el crecimiento de los aspectos realistas, el llenado de las formas religiosas con contenido secular, la transición gradual de imágenes planas a tridimensionales y en relieve. Giotto es el fundador de la pintura europea moderna. Rompiendo con los cánones medievales, introdujo un elemento terrenal en las escenas religiosas, representando leyendas evangélicas. Una de las imágenes más conmovedoras creadas por Giotto se considera, con razón, la imagen de Cristo en la escena "El beso de Judas" (pinturas de la Capilla de la Arena en Padua).

Los mayores maestros del Renacimiento temprano son Brunelleschi (1377-1446),Donatello (1386-1466),Verrocchio (1436- 1488),masaccio (1401-1428),Mantegna (1431-1506),Botticelli (1444-1510), etc. En sus obras se implementan ampliamente los principios del Renacimiento, asociados, en primer lugar, a la idea de la ilimitación del desarrollo de las capacidades humanas. Esto fue facilitado por las nuevas técnicas artísticas utilizadas por los maestros: la conquista del espacio tridimensional mediante la pintura, la creación de una especie de estatua redonda independiente no asociada a la arquitectura, el movimiento hacia proporciones simples, armoniosas y elegantes, cuando la sensación de pesadez de la piedra y la resistencia del material desaparecieron por completo.

Florencia se convirtió en la cuna del Renacimiento temprano, y se considera que los "padres" del Renacimiento temprano pintor Masaccio, el escultor Donatello y el archi-arquitecto Brunelleschi. La principal creación de Masaccio son los frescos de la Capilla Brancacci de la Iglesia de Santa María en Florencia, pero de todo el ciclo merece especial atención el fresco "Expulsión del paraíso", donde por primera vez en la pintura renacentista se representan figuras desnudas. Sus movimientos y expresiones faciales expresan confusión, vergüenza y remordimiento. La gran autenticidad y persuasión de las imágenes de Masaccio dan una fuerza especial a la idea humanista de la dignidad y el significado de la personalidad humana.

El arquitecto Filippo Brunelleschi (1377-1446) contribuyó enormemente al desarrollo de la arquitectura. Sentó las bases de la arquitectura renacentista. Una de sus creaciones más famosas es la Capilla Pazzi en la Iglesia de Santa Croce.

El escultor florentino Donatello (1386-1466) revive el retrato escultórico y la imagen del cuerpo desnudo, realiza el primer monumento de bronce de David. Las imágenes que creó son la encarnación del ideal humanista de una personalidad desarrollada armoniosamente.

Durante el Alto Renacimiento, el geometrismo inherente al Primer Renacimiento no desaparece, sino que incluso se profundiza. Pero se le suma algo nuevo: espiritualidad, psicologismo, el deseo de transmitir el mundo interior de una persona, sus sentimientos, estados de ánimo, estados, carácter, temperamento. Se está desarrollando una perspectiva aérea, la materialidad de las formas se logra no solo por el volumen y la plasticidad, sino también por el claroscuro. El arte del Alto Renacimiento lo expresan más plenamente tres artistas: Leonardo da Vinci, Rafael y Miguel Ángel. Personifican los principales valores del Renacimiento italiano: Inteligencia, Armonía y Poder.

leonardo da vinci (1452-1519) - pintor, escultor, arquitecto, escritor, músico, teórico del arte, ingeniero militar, inventor, matemático, anatomista, botánico. Cuando comenzaron a desmontar sus manuscritos e innumerables dibujos, se descubrieron los descubrimientos de la mecánica del siglo XIX. en ellos. Vasari escribió con admiración sobre Leonardo da Vinci: “... había tanto talento en él y este talento era tal que sin importar las dificultades a las que se dirigiera su espíritu, las resolvía con facilidad... Sus pensamientos y aspiraciones siempre fueron regias. y magnánimo, y la gloria de su nombre creció tanto que fue apreciado no sólo en su época, sino también después de su muerte. ».

Leonardo trabajó en diferentes tipos y géneros de arte, pero la pintura le dio la mayor fama. Uno de los picos de la creatividad es el fresco "La Última Cena" en el refectorio del monasterio de Santa Maria della Grazie. Leonardo no solo transmite el estado psicológico de los apóstoles y de Cristo representado en el fresco, sino que lo hace en el momento en que llega a un punto crítico, se convierte en una explosión psicológica y un conflicto. Esta explosión es provocada por las palabras de Cristo: “Uno de vosotros me traicionará”. En esta obra, el artista aprovechó al máximo la técnica de comparación específica de figuras, gracias a la cual cada personaje se representa como una individualidad y personalidad única. Todo el mundo conoce otra obra famosa de Leonardo: el retrato "Mona Lisa" o "La Giaconda". Al crearlo, el maestro utilizó brillantemente todo el arsenal de expresión artística: contrastes nítidos y medios tonos suaves, quietud congelada de la pose y sutiles matices y transiciones psicológicas. El genio de Leonardo se expresó en la mirada sorprendentemente vivaz de Mona Lisa, su misteriosa y enigmática media sonrisa, la bruma mística que cubría el paisaje. Esta obra marcó el comienzo del género del retrato psicológico en el arte europeo y es también una de las obras maestras más raras del arte. 

Leonardo también desarrolló muchos problemas teóricos del arte, como la teoría de la perspectiva aérea, cuestiones de luz y color pictórico, proporciones, manifestación de emociones en la pintura y la construcción de la anatomía científica de animales y personas. Examinó los problemas estéticos del arte en su obra "El libro de la pintura".

Miguel Ángel Buonarotti (1475-1564), gran maestro del Renacimiento, persona polifacética y universal: escultor, arquitecto, artista, poeta. Siente profundamente el espíritu de su época, comprende sutilmente el estado de la cultura, creando un estilo artístico y un espíritu de sus obras únicos y, por tanto, inimitables. Sus obras resuelven eternos problemas ontológicos, son filosóficas y en forma figurativa dan solución a los problemas más acuciantes de su tiempo. Las obras de Miguel Ángel están llenas de un profundo simbolismo y representan un sorprendente entrelazamiento de lo bello, lo trágico y lo sublime.

Entre las obras más famosas de Miguel Ángel se encuentra la estatua de "David" (la altura de la escultura es de 5,5 metros). Esta estatua está llena de vida interior, energía y fuerza. Es un himno a la masculinidad humana, la belleza, la gracia y la elegancia. Entre los mayores logros de Miguel Ángel se encuentran también las obras creadas para la tumba del Papa Julio II. El escultor trabajó en esta tumba con pausas durante unos 40 años, pero nunca la completó. Además de las esculturas, Miguel Ángel creó hermosas obras de pintura. Las más significativas son las pinturas de la Capilla Sixtina del Vaticano.

rafael santi (1483-1520) no sólo es un artista talentoso, sino también versátil: arquitecto y monumentalista, maestro del retrato y maestro de la decoración. Sus admiradores lo llamaron "divino". Rafael tuvo un enorme éxito, gran fama, riqueza y honor, pero en la flor de su vida y creatividad murió inesperadamente. A diferencia de Leonardo, cuyas obras son misteriosas, enigmáticas, en las obras de Rafael todo es claro, transparente, bello y perfecto. Entre las obras destacadas de Rafael se encuentran las pinturas de las cámaras papales personales en el Vaticano, dedicadas a temas bíblicos, así como al arte y la filosofía. Sin embargo, el tema principal de su obra fue el tema de Madonna. El pináculo fue la "Madonna Sixtina", un verdadero himno a la perfección física y espiritual del hombre.

El término Renacimiento tardío se suele aplicar al Renacimiento veneciano. Sólo Venecia durante este período (segunda mitad del siglo XVI) permaneció independiente; el resto de los principados italianos perdieron su independencia política. El Renacimiento en Venecia tuvo sus propias características. Los maestros venecianos tenían poco interés en la investigación científica y las excavaciones de antigüedades antiguas; Se sintieron más bien atraídos por la cultura bizantina y el arte del Oriente árabe. (Venecia ha mantenido durante mucho tiempo estrechos vínculos comerciales con Bizancio, el Oriente árabe y ha comerciado con la India). Habiendo reelaborado las tradiciones góticas y orientales, Venecia desarrolló su propio estilo especial, que se caracteriza por el colorido, el pintoresquismo romántico, la pompa y la decoración. Para los venecianos, los problemas del color pasan a primer plano; la materialidad de la imagen se logra mediante gradaciones de color. Los mayores maestros venecianos del Alto y Tardío Renacimiento. giorgione (1477-1510), Tiziano (1477-1576), veronés (1528-1588),Tintoretto (1518-1594).

El fundador de la escuela veneciana es Giorgione, en cuyas obras finalmente gana el principio secular. En lugar de temas bíblicos, el artista prefiere pintar sobre temas mitológicos y literarios. Giorgione también abrió una nueva era en la pintura al comenzar a pintar del natural. Su obra más famosa fue "Venus durmiente", que glorifica la belleza y el encanto del cuerpo femenino desnudo.

El director de la escuela veneciana es Tiziano (1489-1576), en cuya obra el arte del Renacimiento alcanza su mayor auge y florecimiento. Glorifica la alegría despreocupada de la vida, el disfrute de los bienes terrenales ("Niño con perros"), y también glorifica el principio sensual de la carne humana, rebosante de salud, la belleza eterna del cuerpo, la perfección física del hombre ("Amor terrenal y celestial”, “Fiesta de Venus”). En obras posteriores se conserva el principio sensual, pero se complementa con el creciente psicologismo y dramatismo del cuadro (“El luto de Cristo”, “San Sebastián”).

Renacimiento en Europa.

Periodización y rasgos característicos del Renacimiento.

El Renacimiento (Renacimiento) es una era en la historia de la cultura europea de los siglos XIII-XVI, que marcó el advenimiento de la Nueva Era.

Como era en la historia europea, estuvo marcada por muchos hitos importantes, incluido el fortalecimiento de las libertades económicas y sociales de las ciudades, el fermento espiritual, que finalmente condujo a la Reforma y la Contrarreforma, la Guerra Campesina en Alemania, la formación de una monarquía absolutista (la más grande de Francia), el comienzo de la era de los descubrimientos de las Grandes Geografías, la invención de la imprenta europea, el descubrimiento del sistema heliocéntrico en cosmología, etc. Sin embargo, su primer signo, como les pareció a sus contemporáneos , fue el “florecimiento de las artes” después de largos siglos de “decadencia” medieval, un florecimiento que “revivió” la antigua sabiduría artística, precisamente en este sentido por primera vez en el siglo XVI. La palabra rinascita (de donde proviene el Renacimiento francés y todos sus análogos europeos) es utilizada por el artista y crítico de arte italiano Giorgio Vasari.

La periodización del Renacimiento está determinada por el papel supremo del arte en su cultura.

Las etapas de la historia del arte en Italia, cuna del Renacimiento, han servido durante mucho tiempo como principal punto de referencia. Especialmente distinguidos:

1. Protorrenacimiento, (“la era de Dante y Giotto”, ca. 1260-1320) - (desde proto... y Renacimiento), un período en la historia del arte italiano (siglos XIII - principios del XIV), marcado por el crecimiento del arte secular. Tendencias realistas, una apelación a la antigua tradición. La etapa más temprana en el desarrollo del arte renacentista. El arte del Protorrenacimiento se manifestó primero en la escultura y luego en la pintura. Tiene un elemento secular particularmente notable, atención a temas históricos, retratos, vida cotidiana y géneros paisajísticos. Las obras del poeta Dante, el arquitecto Arnolfo di Cambio, el escultor Niccolò Pisano, los pintores Pietro Cavallini y especialmente Giotto allanaron en gran medida el camino al arte del Renacimiento. En el marco del protorrenacimiento se encuentran:

ducento(Ducento italiano, lit. - doscientos, - nombre italiano del siglo XIII) caracterizado por el crecimiento de corrientes realistas dentro del arte medieval, el despertar del interés por el mundo real y el patrimonio antiguo.

trecento(Trecento italiano, literalmente - trescientos - nombre italiano del siglo XIV): un período de desarrollo intensivo del humanismo en la cultura italiana; El arte del Trecento, junto con el crecimiento de los rasgos góticos, está marcado por el desarrollo de búsquedas realistas.

2. Renacimiento temprano o quattrocento(Cuatrocento italiano, iluminado. - cuatrocientos - nombre italiano del siglo XV). Se convirtió en una época de búsquedas experimentales, cuando las nuevas tendencias interactuaron activamente con el gótico, superándolo y transformándolo creativamente. Si en el Protorrenacimiento el artista trabajaba basándose en la intuición, el primer Renacimiento puso en primer plano el conocimiento científico preciso. El arte comenzó a desempeñar el papel de conocimiento universal del mundo circundante. En el siglo XV Aparecieron varios tratados científicos sobre arte. El primer teórico en el campo de la pintura y la arquitectura fue León Battista Alberti. Desarrolló la teoría de la perspectiva lineal, una representación veraz de la profundidad del espacio en una imagen. En el uso práctico de la perspectiva lineal, resulta de gran interés la obra del artista Paolo Uccello.

3. Cinquecento(Cinquecento italiano, literalmente - quinientos - nombre italiano del siglo XVI): el apogeo de la cultura del Renacimiento alto y tardío y la difusión del manierismo.

Renacimiento alto (medio)- período de la historia del arte italiano (finales del siglo XV - primer cuarto del siglo XVI) - la fase clásica de la cultura artística del Renacimiento. En la arquitectura, pintura y escultura del Alto Renacimiento (Bramante, Leonardo da Vinci, Rafael, Miguel Ángel, Giorgione, Tiziano), el realismo y el humanismo renacentistas, los ideales heroicos recibieron una expresión generalizada llena de poder titánico; El arte del Alto Renacimiento se caracteriza por la grandeza monumental, una combinación de idealidad sublime, armonía con la profundidad y el brillo vital de las imágenes.

Renacimiento tardío(hasta finales del siglo XVI), continuación de las tradiciones del Alto Renacimiento, cuya fase especial fue el manierismo.

Las principales características de la cultura renacentista:

El antropocentrismo es la visión según la cual el hombre es el centro del Universo y el objetivo final de todo el universo, es decir. el mundo existente fue creado para el hombre.

El humanismo es el reconocimiento del valor del hombre como individuo.

Reforma de la tradición cristiana medieval.

Renacimiento de antiguos monumentos de arte y filosofía antigua.

Formación de una nueva actitud hacia el mundo.

La tarea de educar a un “hombre nuevo” se reconoce como la principal tarea de la época. La palabra griega (“educación”) es el análogo más claro de la palabra latina humanitas (de donde proviene “humanismo”).

Humanitas en el concepto del Renacimiento implica no sólo el dominio de la sabiduría antigua, a la que se concedía gran importancia, sino también el autoconocimiento y la superación personal. Humanitario-científico y humano, el aprendizaje y la experiencia cotidiana deben unirse en un estado de virtu ideal (en italiano, tanto “virtud” como “valor”, gracias a lo cual la palabra tiene una connotación caballeresca medieval). Reflejando estos ideales de forma natural, el arte del Renacimiento da a las aspiraciones educativas de la época una claridad convincente y sensual. La Antigüedad (es decir, la herencia antigua), la Edad Media (con su religiosidad, así como su código de honor secular) y los tiempos modernos (que colocaron la mente humana y su energía creativa en el centro de sus intereses) están aquí en un estado de diálogo sensible y continuo.

Es natural que la época, que concedía una importancia central a la creatividad humana "divina", surgiera en el arte personalidades que, con toda la abundancia de talentos de esa época, se convirtieron en la personificación de épocas enteras de la cultura nacional ("titanes" personales). como los llamaron románticamente más tarde). Giotto se convirtió en la personificación del Protorrenacimiento; los aspectos opuestos del Quattrocento (severidad constructiva y lirismo conmovedor) fueron expresados ​​respectivamente por Masaccio, Angelico y Botticelli. Los "Titanes" del Renacimiento Medio (o "Alto") Leonardo da Vinci, Rafael y Miguel Ángel son artistas, símbolos del gran giro de la Nueva Era como tal. Las etapas más importantes de la arquitectura del Renacimiento italiano (temprano, medio y tardío) están plasmadas monumentalmente en las obras de F. Brunelleschi, D. Bramante y A. Palladio.

Renacimiento italiano

Renacimiento temprano en Italia.

Siglo 14-15 Para Italia es una época de rápido desarrollo económico. Las ciudades italianas tenían una industria bastante desarrollada en forma de fábricas y eran grandes centros comerciales que conectaban Italia con los países de Europa y el Este. En las ciudades existían bancos que realizaban operaciones de importancia internacional. Con la llegada de una nueva actitud hacia el comercio y el surgimiento de casas bancarias, las ciudades revivieron y florecieron: Pisa, Milán, Génova, Venecia, Nápoles, Florencia.

La burguesía industrial, comercial y usurera de las ciudades italianas necesitaba el desarrollo de las ciencias exactas, las ciencias naturales y las matemáticas para sus actividades económicas. Al mismo tiempo, amasando enormes fortunas, buscó crear condiciones de vida cómodas y decorar sus palacios con obras de arte. La burguesía y los gobernantes (reyes, papas, señores republicanos) necesitaban funcionarios, notarios, médicos, maestros educados y, en general, personas con un trabajo mental que pudieran realizar asuntos comerciales y crediticios dentro y fuera del país.

Así, junto con la burguesía emergente, apareció en las ciudades italianas una intelectualidad: escritores, filósofos, historiadores, poetas, músicos, arquitectos, artistas, ingenieros, médicos, etc., que tuvieron una influencia decisiva en la formación de la nueva ideología.

Una de las características más importantes de la nueva ideología fue el individualismo. La burguesía emergente, fuerte y rica, argumentaba ahora que no era la nobleza ni el nacimiento, sino las cualidades personales de un Hombre individual: su inteligencia, destreza, coraje, iniciativa y energía las que aseguraban el éxito en la vida. La cosmovisión de los personajes de la nueva cultura, expresada en sus puntos de vista filosóficos, políticos, científicos y literarios, suele denominarse con el término "humanismo". Porque ahora se consideraba al hombre como el herrero de su propia felicidad, el creador de todos los valores, que avanzaba desafiando el destino y alcanzaba el éxito gracias al poder de su mente, su fortaleza, su actividad y su optimismo. Una persona debe disfrutar de la naturaleza, el amor, el arte, la ciencia. Los representantes de la nueva ideología eran ajenos a la idea de la pecaminosidad del hombre, en particular de su cuerpo; por el contrario, se reconoce la armonía del alma y el cuerpo humanos.

La sociedad italiana despertó un profundo interés por la civilización y la cultura antiguas, donde incluso los dioses estaban dotados de apariencia y carácter humanos. De ahí el intento de resucitar una cultura pasada y colocarla en un pedestal.

Las figuras culturales intentaron en sus obras imitar el estilo de los escritores latinos de la “edad de oro” de la literatura romana, especialmente Cicerón. Había interés por la literatura griega y la lengua griega. Florencia y Venecia se convirtieron en los centros espirituales del Renacimiento italiano.

El Renacimiento temprano está indisolublemente ligado a los nombres de Francesco Petrarca y Giovanni Boccaccio.

El fundador del humanismo en Italia es considerado Francesco Petrarca(1304-1374). Fue coleccionista de manuscritos y monumentos antiguos, historiador y promotor de la cultura romana antigua (trató de escribir la historia de Roma en biografías (“Sobre hombres famosos” contiene 21 biografías de grandes romanos, desde Rómulo hasta César)). Todas las obras de Petrarca se pueden dividir en dos partes desiguales: poesía italiana (“Canzoniere”) y varias obras escritas en latín. “Canzoniere” (“Libro de las Canciones”) incluye sonetos, canzones, baladas, madrigales dedicados al amor de Petrarca por Laura durante su vida y después de su muerte; varios poemas de contenido político y religioso; y la imagen alegórica del amor del poeta: Triunfos, que representa la victoria del amor sobre el hombre, la castidad sobre el amor, la muerte sobre la castidad, la gloria sobre la muerte, el tiempo sobre la gloria y la eternidad sobre el tiempo. "Canzoniere", que sobrevivió hasta principios del siglo XVII. DE ACUERDO. 200 ediciones y comentadas por toda una masa de científicos y poetas determinan la importancia de Petrarca en la historia de la literatura italiana y mundial. Creó una forma verdaderamente artística para la poesía lírica italiana: por primera vez la poesía es para él la historia interna del sentimiento individual. Este interés por la vida interior del hombre recorre como un hilo rojo las obras latinas de Petrarca, que determinan su importancia como humanista.

El contemporáneo de Petrarca, Giavanni Boccaccio (1313-1375), se hizo famoso gracias al Decamerón escrito en italiano, una colección de cuentos sobre temas de la vida urbana florentina, que enfatiza el derecho humano a la felicidad, a las alegrías sensuales y al amor que no conoce barreras sociales. . La colección contiene humor popular y librepensamiento, críticas a la ignorancia y la hipocresía del clero católico. El "Decameron" de Boccaccio se convirtió para los autores italianos en un modelo de perfección de lenguaje y estilo, un clásico de la literatura mundial. El Decamerón presenta cien historias contadas en nombre de damas y jóvenes nobles florentinos; La narración se desarrolla en el contexto de una epidemia de peste (“Peste Negra”), de la que la sociedad noble se esconde en una finca de campo, y está llena de sutiles psicologismos y colisiones inesperadas.

Junto con Dante, Petrarca y Boccaccio son los creadores de la lengua literaria italiana. Sus obras en el siglo XV. Fueron traducidos a muchos idiomas europeos y ocuparon un lugar destacado en la literatura mundial.

El arte del Renacimiento temprano estuvo representado por la nueva pintura, escultura y arquitectura.

Un maestro destacado del Renacimiento temprano, que continuó la tradición realista de Giotto, fue el artista florentino. masaccio(nombre real Tommaso di Giovanni di Simone Cassai) (1401-1428). Pintó sobre temas eclesiásticos y religiosos (principalmente pinturas murales dentro de las iglesias), pero les dio características realistas con la ayuda del claroscuro, la fisicalidad plástica, la tridimensionalidad, la vinculación compositiva con el paisaje y transfirió la acción de los temas religiosos a las calles de Florencia. Por primera vez en la pintura mural (el fresco "Trinidad" en la Iglesia de Santa María Novella en Florencia) crea una estructura de perspectiva central, dando a la composición majestuosidad y al mismo tiempo proporcionalidad a la escala humana. Su obra se convirtió en un modelo para el trabajo de las generaciones posteriores de artistas.

Artista Sandro Botticelli Estaba cerca de la corte de los Medici y de los círculos humanistas de Florencia. Escribió obras sobre temas religiosos y mitológicos (“Primavera”, “El nacimiento de Venus”, hacia 1483-1484), aunque sus imágenes son planas, están marcadas por la poesía espiritual, el juego de ritmos lineales, el color sutil y un estado de ánimo. de la tristeza. Pero la tristeza de Venus y la sonrisa condescendiente de la primavera están dirigidas al público, a su mundo, y no a la transparencia celestial como en los iconos.

El escultor más grande del Renacimiento temprano: florentino. Donatello- reflexionando sobre la experiencia del arte antiguo, creó por primera vez formas y tipos clásicos de escultura renacentista: un nuevo tipo de estatua redonda y grupo escultórico (“San Jorge”, “David”, “Judit y Holofernes”), un monumento ecuestre monumental (la estatua del condotiero Gattamelata en Padua, el primer monumento ecuestre del Renacimiento), un relieve pintoresco (el altar de la iglesia de San Antonio en Padua), un retrato escultórico, una lápida majestuosa (la tumba de Antipapa Juan XXIII en el Baptisterio florentino (un ejemplo clásico de todas las tumbas del Renacimiento posterior). Su escultura "David" es la primera figura completamente desnuda creada durante el Renacimiento. Las formas de las esculturas de Donatello adquieren claridad plástica, los volúmenes se vuelven sólidos, la expresión típica de los rostros es reemplazada por retratos, los pliegues de la ropa envuelven naturalmente el cuerpo y reflejan sus curvas y movimientos. Intentó dar a sus esculturas rasgos de personas reales: Cristo parece un campesino y los ciudadanos florentinos son representados como evangelistas y profetas. Al crear esculturas, Donatello pretende reproducir el nuevo ideal de la época: la personalidad heroica individual.

La arquitectura alcanzó un gran éxito a principios del Renacimiento. Si el comienzo del Renacimiento estuvo marcado por la construcción del símbolo de la comunidad de la ciudad: la catedral, a finales del siglo XV. El palacio del gobernante se convierte en el centro de la ciudad. La plaza pasó de ser un lugar de reunión pública a convertirse en un patio delantero.

Se forma una especie de palacio secular (palazzo): de planta cuadrangular, cerrado alrededor de un patio, que luego se abre por un lado o está separado únicamente por un pórtico. La memoria de la arquitectura medieval de las fortalezas se conservó en el uso de mampostería hecha de bloques de piedra en bruto, que más tarde se convirtió en un elemento decorativo común ("óxido"), principalmente en la colocación de los pisos inferiores.

El desarrollo libre está siendo sustituido por el desarrollo planificado. La nueva arquitectura del Renacimiento: enormes edificios, altas cúpulas, grandiosas columnatas, requería estrictos cálculos matemáticos. Gracias a la mejora de la tecnología de la construcción, la construcción de grandes edificios, catedrales y palacios comenzó a realizarse en un período más corto que en la Edad Media, a veces en varios años.

Los principales arquitectos que crearon el estilo arquitectónico renacentista fueron Fillippo Brunulleschi y Leon Battista Alberti.

Tres ciudades se convirtieron en los principales centros de arte nuevo en el norte de Italia: Padua, Ferrara y Venecia.

Padua era una de las ciudades universitarias más antiguas de Europa. La Universidad de Padua, fundada en 1222, atrajo a muchos estudiantes de diferentes países. Aquí se estudió intensamente el patrimonio de la antigüedad. En la universidad se creó un círculo de humanistas, expertos y amantes de la antigüedad. Aquí recogieron manuscritos de autores antiguos y coleccionaron obras de arte. Dante y Petrarca visitaron Padua. Giotto y Donatello vinieron aquí a trabajar y tuvieron una fuerte influencia en los artistas locales.

En Ferrara, el centro de la cultura humanística fue la corte de los gobernantes locales: los duques de Este.

Venecia es una república de comerciantes que comercian con todo el mundo y concentran en sus manos la mayor parte del comercio entre Oriente y Occidente. Los venecianos toman prestado todo lo bello del Oriente musulmán, de la decrépita Bizancio y de la Alemania "bárbara", y tratan de convertir su ciudad en la más brillante y magnífica del mundo. Y el bienestar financiero les permite no escatimar en la implementación de sus planes.

Alto Renacimiento.

A finales de los siglos XV y XVI. El Renacimiento italiano entró en una nueva fase de desarrollo. A finales del siglo XV - primera década del siglo XVI. Marca el mayor ascenso del arte. Esta etapa se denominó Alto Renacimiento.

En la primera década del siglo XVI. El centro de la vida artística italiana se traslada a Roma. A finales del siglo XV. Los Estados Pontificios comenzaron a desempeñar un papel importante entre los estados italianos más grandes. Menos desarrollada económicamente que Florencia o Venecia, tenía una gran importancia internacional (como centro del catolicismo). Soñando con unir a toda Italia bajo el gobierno de Roma, los papas intentaron convertirla en un importante centro político y cultural. Esto fue facilitado por la política de mecenazgo de los papas, que atrajo a los mejores artistas a Roma. Y el pasado histórico de la “ciudad eterna” se adaptaba perfectamente a su nuevo papel. El recuerdo de la grandeza del Imperio Romano, que no murió durante toda la Edad Media, adquirió ahora un significado especial. En este sentido, a principios del siglo XVI. Se revivió el interés por la historia y la cultura antiguas. Fue en Roma, con sus numerosos monumentos que siempre atrajeron a los artistas, donde la herencia clásica se percibió plena y profundamente.

El arte del Alto Renacimiento absorbió las ideas del humanismo; estaba imbuido de la fe en los poderes creativos del hombre, en las posibilidades ilimitadas de sus capacidades, en la estructura racional del mundo. Al mismo tiempo, la narrativa ingenua y el cotidiano común en el arte del Quattrocento están siendo reemplazados por el problema del deber cívico y el acto heroico. El leitmotiv de la cultura se convierte en la imagen de una persona hermosa, armoniosamente desarrollada, fuerte en cuerpo y espíritu, que se eleva por encima del nivel de la rutina cotidiana.

A principios del siglo XVI. Una unidad armoniosa alcanza un nuevo tipo de síntesis de artes que, a diferencia de la medieval (cuando todos los tipos de arte están subordinados a la arquitectura), asume la igualdad de la pintura y la escultura en relación con la arquitectura. La liberación de la pintura y la escultura de la estricta subordinación a la arquitectura conduce al aislamiento y desarrollo de nuevos géneros artísticos: el retrato, el paisaje y la pintura histórica.

La formación del arte del Alto Renacimiento se inició a finales del siglo XV. – su cuna fue Florencia, de donde vinieron grandes maestros como Leonardo da Vinci y Miguel Ángel. Las tradiciones de la escuela florentina y de principios del Quattrocento fueron la base del arte del siglo XVI.

A principios del siglo XVI, Roma ocupó una posición de liderazgo en el desarrollo de la arquitectura, la pintura y la escultura. Se está desarrollando la arquitectura de jardines, parques y residencias de campo de la nobleza. Están surgiendo proyectos de ciudades utópicas. Las cualidades distintivas de la arquitectura del Alto Renacimiento son: monumentalidad, impresionante grandeza inspirada en la antigua Roma y grandeza de los planos. Esto se manifestó más claramente en la reconstrucción del Vaticano y la construcción de la Catedral de San Pedro, cuyo arquitecto fue Donato D'Angelo Bramante(1444-1514), quien con su creatividad determinó el desarrollo de la arquitectura en el siglo XVI. La pequeña capilla de Temppietto, construida por Bramante, es una de las mejores obras de arquitectura del Renacimiento maduro; se distingue por la integridad de su composición, la sofisticación de sus proporciones y la representación de los detalles. Bramante planeó hacer la catedral principal de Roma (la Catedral de San Pedro) también según un plan céntrico, y no se guió por consideraciones prácticas (comodidad durante el culto), sino por el concepto de composición céntrica, favorito durante este período, esforzándose para el equilibrio, la estabilidad y la integridad. Pero la construcción de la catedral comenzó en 1506, por lo que Bramante no tuvo tiempo de completar la catedral y en la construcción participaron sucesivamente: Rafael, Peruzzi, Antonio da Sangalo el Joven, Miguel Ángel.

Muchas figuras culturales fueron la encarnación del "homo universale", una persona universal, dotada en todas las esferas de la actividad creativa y científica, que creó obras maestras de pintura, escultura, arquitectura y escribió tratados sobre diversos temas científicos.

leonardo da vinci(1452-1519) - el más grande pintor, escultor, arquitecto, científico e ingeniero. Leonardo dejó pocas pinturas, ya que los intereses científicos consumían mucho tiempo y energía.

Ya en sus primeras pinturas están presentes las principales características del arte de Leonardo: interés por las soluciones psicológicas, laconismo, énfasis en la disposición espacial y la tridimensionalidad de las formas.

Combinando el desarrollo de nuevos medios de lenguaje artístico con comunicaciones teóricas, Leonardo creó una imagen armoniosa de una persona que cumple con los ideales humanistas; Así resumió la experiencia del Quattrocento y sentó las bases del arte del Alto Renacimiento.

Al servicio del gobernante de Milán, Lodovico Moro, Leonardo da Vinci actúa como ingeniero militar, ingeniero hidráulico y organizador de espectáculos cortesanos. El florecimiento creativo del pintor Leonardo también se produjo durante este mismo período. En "La Virgen de las Rocas", el sutil claroscuro ("sfumato") favorito del maestro aparece como un nuevo halo que reemplaza los halos medievales: se trata de un misterio tanto divino-humano como natural, donde la gruta rocosa, que refleja las observaciones geológicas de Leonardo, juega un papel menos dramático que las figuras de los santos en primer plano. Además, Leonardo introduce un nuevo motivo en la pintura italiana: la imagen de la Virgen María con los niños en un paisaje.

En el refectorio del monasterio de Santa Maria delle Grazie, Leonardo pinta el cuadro “La Última Cena”. En “La Última Cena”, el conflicto psicológico y el cálculo matemático se introducen en el arte en la construcción de la composición. El alto contenido religioso y ético de la imagen, que representa la reacción tormentosa y contradictoria de los discípulos de Cristo ante sus palabras sobre la inminente traición, se expresa en claras leyes matemáticas de la composición, que subyugan poderosamente no solo lo pintado, sino también lo arquitectónico real. espacio. La clara lógica escénica de las expresiones faciales y los gestos, la combinación de estricta racionalidad con un misterio inexplicable hicieron de "La Última Cena" una de las obras más importantes de la historia del arte mundial. También involucrado en la arquitectura, Leonardo desarrolla varias versiones de la “ciudad ideal” y del templo con cúpula central.

En el retrato de Mona Lisa (“La Gioconda”), la imagen de una rica habitante de la ciudad aparece como la encarnación de un ideal sublime de feminidad, sin perder su íntimo encanto humano; Un elemento importante de la composición es el paisaje cósmicamente vasto, que se funde en una neblina fría. “La Gioconda” constituye la base de todos los retratos italianos posteriores.

Entre las últimas obras de Leonardo da Vinci se encuentra “Santa Ana con María y el Niño Cristo”, que completa la búsqueda del maestro en el campo de la perspectiva luminosa y la composición piramidal armoniosa. El último cuadro de Leonardo, “San Juan Bautista”, está lleno de ambigüedad erótica: el joven Precursor aquí no parece un santo asceta, sino un tentador lleno de encanto sensual.

La fuente más importante para estudiar las opiniones de Leonardo da Vinci son sus cuadernos y manuscritos (alrededor de 7 mil hojas). Estas notas fueron sistematizadas tras la muerte del artista por su alumno F. Melzi en su “Tratado sobre pintura”. Este trabajo tuvo un gran impacto en la práctica artística y el pensamiento teórico europeo.

Leonardo da Vinci, científico experimental incansable y artista brillante, se mantuvo en la tradición como símbolo de personalidad de la época.

rafael santi(1483-1520) - artista de síntesis y armonía. Su arte se distingue por las características del equilibrio de mente y sentimientos, realidad e ideales, impecable claridad de composición y formas; es la encarnación clásica del Alto Renacimiento. Ya en sus primeras pinturas (“Madonna Conestabile”, “El sueño de un caballero”, “Las tres gracias”, “Los esponsales de María”), el talento armonioso inherente a Rafael era evidente, su capacidad para encontrar una armonía impecable de formas, ritmos, colores, movimientos, gestos.

Glorificó la existencia terrena del hombre, la armonía de las fuerzas espirituales y físicas en las pinturas de estrofas (cámaras ceremoniales) del Vaticano, logrando un impecable sentido de proporción, ritmo, proporciones, eufonía de color, unidad de figuras y majestuosos fondos arquitectónicos. . En las majestuosas composiciones de múltiples figuras en las paredes (que reúnen de 40 a 60 personajes) “Disputa” (“Disputa sobre la Comunión”), “Escuela de Atenas”, “Parnaso”, sin repetir una sola figura o pose, ni una sola movimiento, Rafael los entrelaza con un ritmo flexible, libre y natural, que fluye de figura en figura, de un grupo a otro. En "La milagrosa fuga del apóstol Pedro de la prisión", Rafael, con una sutileza pictórica inusual para un artista del centro de Italia, transmite los complejos efectos de la iluminación nocturna: el resplandor deslumbrante que rodea al ángel, la luz fría de la luna, el Llama rojiza de las antorchas y sus reflejos en las armaduras de los guardias.

Entre las mejores obras del monumentalista Rafael se encuentran también las pinturas de las bóvedas de la Capilla Chigi en Roma y el fresco “El triunfo de Galatea” (Villa Farnesina, Roma) lleno de alegría pagana.

Uno de los temas principales de la pintura de Rafael fue la Virgen y el Niño. En sus obras "Madonna con el jilguero", "Madonna en los verdes", "El hermoso jardinero", utiliza el mismo motivo: representa a una madre joven y niños pequeños jugando a sus pies - Cristo y Juan Bautista - contra el Como telón de fondo de un paisaje idílico, une figuras con un ritmo estable y armoniosamente equilibrado de la pirámide compositiva, amada por los maestros del Renacimiento. Una interpretación nueva y polifónicamente compleja de la imagen de la Virgen encontró su expresión más completa en una de las creaciones más perfectas de Rafael: el retablo de la Virgen Sixtina.

Rafael dejó una huella notable en la arquitectura italiana. Participó en la construcción de la Catedral de St. Pedro en Roma. Entre sus edificios se encuentra la pequeña iglesia de San Eligio degli Orefici con su austero interior, la Capilla Chigi en la iglesia de Santa Maria del Popolo, cuyo interior es un ejemplo de unidad de diseño arquitectónico y decoración desarrollado por Rafael, raro incluso para el Renacimiento: pinturas, mosaicos, esculturas.

Miguel Ángel Buonarotti(1475-1564) - escultor, pintor, arquitecto, poeta. Miguel Ángel sobrevivió con creces a sus ilustres contemporáneos (Leonardo da Vinci y Rafael) y fue testigo de la humillación de Italia y el colapso de todos los ideales y esperanzas. Por lo tanto, con la mayor fuerza expresó los ideales profundamente humanos del Alto Renacimiento, llenos de patetismo heroico, así como el sentimiento trágico de la crisis de la cosmovisión humanista durante el Renacimiento tardío.