"Periodo azul" en las obras de Pablo Picasso.
viejo guitarrista
Este período fue la etapa inicial en la carrera creativa del artista. Es en las obras de este período donde se hace visible el estilo individual del pintor, aunque fue entonces cuando estuvo más influenciado por otros maestros.
celestina
A principios de 1901, Pablo quedó devastado por la noticia de la muerte de su muy querido amigo, Carlos Casagemas. Esta noticia llevó al artista a un largo período de tristeza y depresión. Después de medio año, finalmente decidió volver a París, donde literalmente todo le recordaba a su amigo íntimo, quien no hace mucho le mostró por primera vez todas las delicias de la capital de Francia. Picasso decidió vivir en la habitación en la que su amigo Carlos se suicidó a causa de un amor no correspondido. También inició una relación con una mujer, a causa de la cual falleció su amigo, y empezó a pasar mucho tiempo con la gente que rodeaba a Carlos. Todo esto lo hizo sentir como si estuviera en el lugar de su amigo, lo que llenó su mente de pensamientos oscuros sobre lo cerca que estamos cada uno de nosotros de la muerte. Todo esto marcó el inicio de ese período tan oscuro de su obra, que luego se llamó azul. El propio Picasso afirmó que se inspiró literalmente en el color azul al darse cuenta de que su amigo ya no estaba allí.
A los pocos meses de llegar a París, el artista inauguró su primera exposición en esta ciudad. Sin embargo, en ese momento aún no había pintado cuadros “azules”, sus obras se parecían más al impresionismo. Picasso intentó añadir volumen a sus pinturas vistiendo objetos con contornos oscuros. Con el tiempo, sus pinturas se volvieron cada vez más monótonas, cada vez más a menudo todas estaban realizadas en tonos azules. El primer cuadro de este período fue “Retrato de Jaime Sabartes”.
Miedo, desesperación, soledad, sufrimiento: estas palabras fueron la descripción ideal de las obras del "período azul". La confirmación de esto se puede encontrar en el autorretrato que Picasso realizó en ese momento. Luego atravesó un período difícil, nadie compraba cuadros, a menudo viajaba entre España y Francia, cada uno de los cuales lo presionaba a su manera. España en ese momento estaba en una situación difícil, la gente mendigaba y migraba constantemente. Quizás todo esto también afectó al artista y en ese momento pintó el cuadro "Un viejo judío con un niño", que representa a pobres hambrientos. En su tierra natal, Picasso pasó mucho tiempo pintando. Muy a menudo pintaba cuadros nuevos encima de los viejos, ya que no tenía dinero para comprar lienzos nuevos, por lo que se perdían muchas posibles obras maestras de la pintura. Pero, por otro lado, se puede considerar que esto es deshacerse de viejos recuerdos de un ser querido.
A principios del siglo XX, Picasso y su amigo C. Casajemas abandonaron España y llegaron a París. Aquí Pablo conoce de cerca las obras de los impresionistas franceses, en particular A. Toulouse-Lautrec y E. Degas, quienes en su época tendrían una importante influencia en el desarrollo del pensamiento creativo del artista.
Lamentablemente, enamorado de una francesa y rechazado por ella, Casajemas se suicidó en febrero de 1901. Las facetas de la vida real y el arte siempre fueron inseparables para Picasso, y este trágico acontecimiento, que conmocionó profundamente al artista, se reflejó en sus obras posteriores.
Desde 1901, las pinturas multicolores han desaparecido de los lienzos de Picasso, dando paso a tonos de una paleta azul verdosa. Comienza un período “azul” en la obra del artista.
La gama profunda, fría y sombría de colores y matices esmeralda, azul, azul y verde transmite perfectamente los temas principales de la obra de Picasso de este período: el sufrimiento humano, la muerte, la vejez, la pobreza y el abatimiento. Las pinturas están llenas de imágenes de ciegos, prostitutas, mendigos y alcohólicos, y están imbuidas de un sentimiento de melancolía y desesperanza. Durante este período, el artista, sin dejar de llevar un estilo de vida bohemio, trabaja creando hasta tres cuadros al día. "La habitación azul" (1901), "El desayuno del ciego" (1903), "Viejo mendigo con un niño" (1903), "Tragedia" (1903), "Dos" (1904) y, por supuesto, la famosa " Absinthe Drinker” (1901): todos estos son ejemplos vívidos de pinturas del período “azul”.
En 1904, Picasso se instaló en el Bateau Lavoir, un famoso albergue de Montmartre, donde muchos artistas encontraron refugio. En este momento, conoce a su musa, la modelo Fernanda Olivier, quien se convirtió en la inspiración para muchas de sus famosas obras. Y el conocimiento de los poetas M. Jacob y G. Apollinaire da un nuevo tema, que se plasma en sus pinturas: el circo y la vida de los artistas circenses. Así, poco a poco, nuevos colores comienzan a penetrar en la vida y obra del artista. El período “azul” está siendo reemplazado por el período “rosa” de la búsqueda artística del maestro.
En este momento, el artista recurre a tonos más alegres: rosa, rosa ahumado, rosa dorado, ocre. Los héroes de las pinturas son payasos, acróbatas, gimnastas, arlequines: "El acróbata y el joven arlequín" (1905), "Una familia de acróbatas con un mono" (1905), "El bufón" (1905). El tema de la vida romántica de los artistas viajeros se revela en una de sus pinturas más emblemáticas y reconocibles: “La muchacha en un baile” (1905).
Más tarde, al final del período "rosa", el artista pintó cuadros en el espíritu de la herencia antigua: "La niña con una cabra" (1906), "El niño guiando un caballo" (1906).
Los períodos “azul” y posterior “rosa” de la vida creativa de Pablo Picasso se convirtieron en una expresión de su búsqueda por transmitir el estado de ánimo y su visión del mundo utilizando el color.
El acróbata y el joven arlequín 1905
Los períodos "azul" y "rosa" en la obra del artista español Pablo Picasso son el momento de formación del estilo individual del artista. En esta época se produjo un alejamiento del impresionismo, heredando el estilo de Toulouse-Lautrec, Degas y otros artistas famosos.
Período "azul" (1901-1904)
Auto retrato. 1901
Recibió su nombre por la tonalidad general de las pinturas, ejecutadas en tonos azules, unidas por un estado de ánimo de desesperación y soledad. Algunas de las primeras obras de este período fueron “Autorretrato” (1901) y “Bebedor de absenta” (1901). La mayoría de los héroes de las pinturas de Picasso son representantes de los estratos más bajos de la sociedad, personas desfavorecidas, enfermas o viciosas. Entre las obras “azules” posteriores, cabe destacar las pinturas “Cabeza de mujer” (1902-1903), “El desayuno del ciego” (1903), “Viejo judío con un niño” (1903), “El planchador” ( 1904). Estéticamente, es importante pasar a nuevos métodos de representación, excluir detalles innecesarios de la composición y una serie de otras soluciones que permitan al espectador centrarse en las emociones que evoca la imagen. Al mismo tiempo, estas obras de Picasso no pueden considerarse totalmente originales, porque utilizan parcialmente motivos y técnicas características de la pintura española. La formación de un estado de ánimo tan emocional en las pinturas estuvo muy influenciada por las realidades de la vida. El comienzo del período “azul” está asociado con el suicidio del amigo íntimo del artista, Carlos Casagemas, en 1901. La proximidad de la muerte, la soledad y el regreso forzoso a Barcelona en 1903 por falta de fondos influyeron en el carácter depresivo de las pinturas.
"Girl on a Ball": equilibrio entre la vida y la muerte
Chica en la pelota. 1905
Este cuadro, pintado en 1905, es una obra característica del período de transición. Un momento en el que el dolor, la desesperación y el sufrimiento desaparecen gradualmente en las pinturas del artista, siendo reemplazados por el interés por vivir las alegrías humanas, personificadas por los artistas y artistas de circo. El contenido de esta obra, construida sobre contrastes (movimiento y estática, niña y deportista, ligereza y pesadez, etc.), corresponde plenamente al simbolismo de la transición entre la amargura de la muerte y las alegrías de la vida.
Período "rosa" (1904 - 1906)
Una transición gradual al período "rosa" en su obra comenzó en 1904, cuando comenzaron a ocurrir cambios positivos en la vida del artista: mudarse al vibrante centro de la vida de vanguardia, al albergue de artistas en Montmartre, enamorarse de Fernande Olivier, conoció a muchas personas interesantes, entre las que se encontraban Matisse y Gertrude Stein. El tema principal de las obras de este período, ejecutadas en tonos rosas, rojos y nacarados, son los cómicos del circo Medrano. Las pinturas se distinguen por una variedad de temas, dinámicas y movimientos. Al mismo tiempo, el artista continúa desarrollando su estilo individual, formado en el período "azul". De esta época se remontan las obras "El acróbata y el joven arlequín" (1905), "Una familia de comediantes" (1905), "El bufón" (1905) y otras. Al final del período "rosa", las imágenes Inspirándose en mitos antiguos, aparecen en las pinturas de Picasso: "La muchacha con una cabra" (1906), "El niño guiando un caballo" (1906), y mostró interés en representar desnudos "Peinando" (1906), Niño desnudo (1906).
“Me sumergí en el azul cuando me di cuenta de que Casagemas estaba muerto”, admitió más tarde Picasso. "El período comprendido entre 1901 y 1904 en la obra de Picasso suele denominarse período "azul", ya que la mayoría de las pinturas de esta época estaban pintadas en una paleta fría de color azul verdoso, exacerbando el estado de ánimo de fatiga y pobreza trágica". Lo que luego se llamó el período “azul” se multiplicó por imágenes de escenas tristes, pinturas llenas de profunda melancolía. A primera vista, todo esto resulta incompatible con la enorme vitalidad del propio artista. Pero al recordar los autorretratos de un joven de enormes ojos tristes, entendemos que los lienzos del período "azul" transmiten las emociones que poseía el artista en ese momento. La tragedia personal agudizó su percepción de la vida y el dolor de las personas que sufren y desfavorecidas.
Es paradójico, pero cierto: la injusticia de la estructura de la vida la sienten agudamente no sólo aquellos que, desde la infancia, han experimentado la opresión de las dificultades de la vida o, peor aún, el disgusto de sus seres queridos, sino también las personas bastante prósperas. Picasso es un excelente ejemplo de esto. Su madre adoraba a Pablo, y este amor se convirtió para él en una armadura impenetrable hasta su muerte. El padre, que atravesaba constantemente dificultades económicas, supo hacer todo lo posible para ayudar a su hijo, aunque en ocasiones avanzaba completamente en la dirección equivocada que le indicaba don José. El querido y próspero joven no se volvió egocéntrico, aunque a ello parece haber contribuido el ambiente de la cultura decadente en la que se formó en Barcelona. Por el contrario, sintió con gran fuerza el desorden social, la enorme brecha entre pobres y ricos, la injusticia de la estructura de la sociedad, su inhumanidad; en una palabra, todo lo que condujo a las revoluciones y guerras del siglo XX. .
“Pasemos a una de las obras centrales de Picasso de esa época: el cuadro “Viejo mendigo con un niño”, terminado en 1903 y ahora ubicado en el Museo Estatal de Bellas Artes. A. S. Pushkin. Sobre un fondo plano y neutro, se representan dos figuras sentadas: un anciano ciego decrépito y un niño pequeño. Las imágenes se presentan aquí en una oposición marcadamente contrastante: el rostro de un anciano, surcado de arrugas, como esculpido por un poderoso juego de claroscuro, con profundas cuencas de ojos ciegos, su figura huesuda, anormalmente angulosa, las líneas quebradas de sus piernas y brazos y, en contraste con él, los ojos bien abiertos sobre un rostro gentil, el rostro suavemente modelado del niño, las líneas suaves y fluidas de su ropa. Un niño que se encuentra en el umbral de la vida y un anciano decrépito en quien la muerte ya ha dejado su huella: estos extremos están unidos en la imagen por una especie de trágico punto en común. Los ojos del niño están muy abiertos, pero parecen tan ciegos como los terribles huecos de las cuencas del anciano: está inmerso en el mismo pensamiento triste. El color azul apagado realza aún más el estado de ánimo de tristeza y desesperanza que se expresa en los rostros tristemente concentrados de las personas. El color aquí no es el color de los objetos reales, ni es el color de la luz real que llena el espacio de la imagen. Picasso transmite los rostros de las personas, sus ropas y el fondo en el que se representan en tonos de azul igualmente apagados y mortalmente fríos”.
La imagen es realista, pero contiene muchas convenciones. Las proporciones del cuerpo del anciano son exageradas, la postura incómoda enfatiza su quebrantamiento. La delgadez no es natural. Los rasgos faciales del niño se transmiten con demasiada sencillez. “El artista no nos dice nada sobre quiénes son estas personas, a qué país o época pertenecen y por qué están sentados acurrucados en esta tierra azul. Y, sin embargo, la imagen lo dice todo: en el contraste entre el anciano y el niño, vemos el pasado triste y sin alegría de uno, el futuro desesperado e inevitablemente sombrío del otro y el presente trágico de ambos. El rostro muy triste de la pobreza y la soledad nos mira con sus ojos tristes desde el cuadro. En sus obras creadas durante este período, Picasso evita la fragmentación y los detalles y se esfuerza en todos los sentidos por enfatizar la idea principal de lo representado. Esta idea sigue siendo común a la gran mayoría de sus primeras obras; Al igual que en “El viejo mendigo con el niño”, consiste en revelar el desorden, la triste soledad de las personas en el trágico mundo de la pobreza”.
Durante la época “azul”, además de los cuadros ya citados (“Viejo mendigo con niño”, “Jarra de cerveza (Retrato de Sabartes)” y “Vida”), “Autorretrato”, “Cita (Dos hermanas) )”, “Cabeza de Mujer”, “Tragedia”, etc.
Difícilmente hay una persona en el planeta que no esté familiarizada con el nombre de Pablo Picasso. El fundador del cubismo y artista de muchos estilos influyó en las bellas artes no sólo de Europa, sino de todo el mundo en el siglo XX.
Artista Pablo Picasso: infancia y años de estudio
Uno de los más brillantes nació en Málaga, en una casa de la plaza de la Merced, en 1881, el 25 de octubre. Actualmente existe un museo y fundación que lleva el nombre de P. Picasso. Siguiendo la tradición española en el bautismo, los padres le dieron al niño un nombre bastante largo, que es una alternancia de los nombres de los santos y de los parientes más cercanos y venerados de la familia. Al final, es conocido por el primero y el último. Pablo decidió tomar el apellido de su madre por considerar demasiado simple el de su padre. El talento y la pasión del niño por el dibujo se manifestaron desde la primera infancia. Las primeras y muy valiosas lecciones se las enseñó su padre, que también era artista. Su nombre era José Ruiz. Pintó su primer cuadro serio a la edad de ocho años: “Picador”. Podemos decir con seguridad que fue con ella que comenzó la obra de Pablo Picasso. El padre del futuro artista recibió una oferta para trabajar como profesor en La Coruña en 1891 y pronto la familia se trasladó al norte de España. Allí, Pablo estudió durante un año en una escuela de arte local. Luego la familia se mudó a una de las ciudades más bellas: Barcelona. El joven Picasso tenía entonces 14 años y era demasiado joven para estudiar en La Lonja (la escuela de bellas artes). Sin embargo, su padre consiguió que le permitieran presentarse a los exámenes de acceso de forma competitiva, lo que hizo de forma brillante. Después de otros cuatro años, sus padres decidieron inscribirlo en la mejor escuela de arte avanzado de ese momento: "San Fernando" en Madrid. Estudiar en la academia aburría rápidamente al joven talento; en sus cánones y reglas clásicas se sentía apretado e incluso aburrido. Por ello, dedicó más tiempo al Museo del Prado y al estudio de sus colecciones, y un año después regresó a Barcelona. El primer período de su obra incluye pinturas pintadas en 1986: "Autorretrato" de Picasso, "Primera comunión" (representa a la hermana del artista, Lola), "Retrato de una madre" (en la foto de abajo).
Durante su estancia en Madrid realizó su primer viaje donde estudió todos los museos y la pintura de los grandes maestros. Posteriormente, acudiría varias veces a este centro del arte mundial, y en 1904 se trasladaría definitivamente.
"Periodo azul
Este período de tiempo puede verse como precisamente en este momento, su individualidad, aún sujeta a influencias externas, comienza a manifestarse en la obra de Picasso. Es un hecho bien conocido: el talento de las personas creativas se manifiesta más claramente en situaciones difíciles de la vida. Esto es exactamente lo que pasó con Pablo Picasso, cuyas obras ahora son conocidas en todo el mundo. El despegue fue provocado y se produjo después de una larga depresión provocada por la muerte de un amigo cercano, Carlos Casagemas. En 1901, en una exposición organizada por Vollard, se presentaron 64 obras del artista, pero en ese momento todavía estaban llenas de sensualidad y brillo, se sentía claramente la influencia de los impresionistas. El período "azul" de su obra fue adquiriendo poco a poco los derechos que le correspondían, manifestándose con contornos rígidos de las figuras y una pérdida de la tridimensionalidad de la imagen, un alejamiento de las leyes clásicas de la perspectiva artística. La paleta de colores de sus lienzos se vuelve cada vez más monótona, con énfasis en el azul. El inicio de la época puede considerarse el “Retrato de Jaime Sabartes” y el autorretrato de Picasso, pintado en 1901.
Pinturas del período "azul".
Las palabras clave para el maestro durante este período fueron soledad, miedo, culpa, dolor. En 1902 regresó nuevamente a Barcelona, pero no pudo quedarse allí. La tensa situación en la capital de Cataluña, la pobreza por todas partes y la injusticia social provocan un malestar popular que poco a poco se ha apoderado no sólo de toda España, sino también de Europa. Probablemente, esta situación también influyó en el artista, que este año trabaja de forma fructífera y muy intensa. En casa se crearon obras maestras del período "azul": "Dos hermanas (cita)", "Viejo judío con un niño", "Tragedia" (foto del lienzo de arriba), "Vida", donde se representa la imagen de El fallecido Casagemas vuelve a aparecer. En 1901 también se pintó el cuadro “El bebedor de absenta”. Se rastrea la influencia de la entonces popular fascinación por los personajes “viciosos”, característica del arte francés. El tema del ajenjo aparece en muchos cuadros. La obra de Picasso, entre otras cosas, está llena de dramatismo. Llama especialmente la atención la mano hipertrofiada de la mujer, con la que parece intentar defenderse. Actualmente, en el Hermitage se conserva "El amante del ajenjo", procedente de una impresionante colección privada de obras de Picasso (51 obras) de S. I. Shchukin después de la revolución.
En cuanto se le presenta la oportunidad de volver a España, decide aprovecharla y abandona España en la primavera de 1904. Fue allí donde encontraría nuevos intereses, sensaciones e impresiones, que darían lugar a una nueva etapa en su creatividad.
Período "rosa"
En la obra de Picasso, esta etapa duró relativamente largo -desde 1904 (otoño) hasta finales de 1906- y no fue del todo homogénea. La mayoría de las pinturas de la época están marcadas por una gama cromática clara, la aparición de tonos ocres, gris perla y rojo rosado. Es característico el surgimiento y posterior predominio de nuevos temas en la obra del artista: actores, artistas de circo, acróbatas y atletas. Por supuesto, la inmensa mayoría del material se lo proporcionó el Circo Medrano, que en aquellos años estaba situado a los pies de Montmartre. El brillante escenario teatral, el vestuario, el comportamiento y la variedad de tipos parecieron devolver a P. Picasso al mundo del espacio natural, aunque transformado, pero con formas y volúmenes reales. Las imágenes de sus pinturas volvieron a volverse sensuales y llenas de vida y brillo, a diferencia de los personajes de la etapa "azul" de la creatividad.
Pablo Picasso: obras del período “rosa”
Las pinturas que marcaron el comienzo de un nuevo período se exhibieron por primera vez a finales del invierno de 1905 en la Galería Serurrier: "Desnudo sentado" y "Actor". Una de las obras maestras reconocidas del período "rosa" es "Una familia de comediantes" (en la foto de arriba). El lienzo tiene unas dimensiones impresionantes: más de dos metros de alto y ancho. Las figuras de artistas de circo están representadas sobre el fondo de un cielo azul, generalmente se acepta que el arlequín del lado derecho es el propio Picasso. Todos los personajes son estáticos y no hay cercanía interna entre ellos, cada uno está encadenado por la soledad interna, el tema de todo el período "rosa". Además, cabe destacar las siguientes obras de Pablo Picasso: “Mujer con camisa”, “Inodoro”, “Niño guiando un caballo”, “Acróbatas. Madre e hijo", "Niña con una cabra". Todos ellos demuestran al espectador una belleza y serenidad, algo poco común en las pinturas del artista. Un nuevo impulso a la creatividad se produjo a finales de 1906, cuando Picasso viajó por España y acabó en un pequeño pueblo de los Pirineos.
periodo creativo africano
P. Picasso conoció por primera vez el arte africano arcaico en una exposición temática en el Museo del Trocadero. Le impresionaban los ídolos paganos de forma primitiva, las máscaras exóticas y las figurillas que encarnaban el gran poder de la naturaleza y estaban alejadas de los detalles más pequeños. La ideología del artista coincidió con este poderoso mensaje y, como resultado, comenzó a simplificar a sus héroes, haciéndolos como ídolos de piedra, monumentales y afilados. Sin embargo, la primera obra en este estilo apareció en 1906: se trata de un retrato del escritor de Pablo Picasso. Reescribió el cuadro 80 veces y ya había perdido por completo la fe en la posibilidad de encarnar su imagen en el estilo clásico. . Este momento puede ser llamado con razón el de transición del seguimiento de la naturaleza a la deformación de la forma. Basta con mirar pinturas como "Mujer desnuda", "Danza con velos", "Dríada", "Amistad", "Busto de marinero", "Autorretrato".
Pero quizás el ejemplo más sorprendente de la etapa africana de la obra de Picasso sea el cuadro "Las señoritas de Aviñón" (en la foto de arriba), en el que el maestro trabajó durante aproximadamente un año. Coronó esta etapa de la trayectoria creativa del artista y determinó en gran medida el destino del arte en su conjunto. El cuadro se publicó por primera vez sólo treinta años después de haber sido pintado y se convirtió en una puerta abierta al mundo de la vanguardia. El círculo bohemio de París se dividió literalmente en dos bandos: “a favor” y “en contra”. La pintura se conserva actualmente en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York.
Cubismo en las obras de Picasso
El problema de la unicidad y precisión de la imagen permaneció en primer lugar en las bellas artes europeas hasta el momento en que irrumpió el cubismo. Muchos consideran que el impulso a su desarrollo fue la pregunta que surgió entre los artistas: "¿Por qué dibujar?" A principios del siglo XX, casi cualquier persona podía enseñar una imagen fiable de lo que veía, y la fotografía, literalmente, le pisaba los talones, amenazando con desplazar por completo todo lo demás. Las imágenes visuales no sólo se vuelven creíbles, sino también accesibles y fácilmente replicables. El cubismo de Pablo Picasso en este caso refleja la individualidad del creador, abandonando una imagen plausible del mundo exterior y abriendo posibilidades y límites de percepción completamente nuevos.
Las primeras obras incluyen: "Olla, vaso y libro", "Bañarse", "Ramo de flores en una jarra gris", "Pan y frutero en la mesa", etc. Los lienzos muestran claramente cómo cambia el estilo del artista y adquiere rasgos cada vez más abstractos hacia el final del período (1918-1919). Por ejemplo, "Arlequín", "Tres músicos", "Naturaleza muerta con guitarra" (en la foto de arriba). La asociación que el público hacía de la obra del maestro con el abstraccionismo no le convenía en absoluto a Picasso; el mensaje muy emocional de las pinturas, su significado oculto, era importante para él. Al final, el estilo de cubismo que él mismo creó poco a poco dejó de inspirar e interesar al artista, abriendo el camino a nuevas tendencias en la creatividad.
Período clásico
La segunda década del siglo XX fue bastante difícil para Picasso. Así, 1911 estuvo marcado por la historia de las estatuillas robadas del Louvre, que no mostraban al artista de la mejor manera. En 1914, quedó claro que, incluso después de vivir tantos años en el país, Picasso no estaba preparado para luchar por Francia en la Primera Guerra Mundial, lo que lo separó de muchos de sus amigos. Y al año siguiente murió su amada Marcelle Humbert.
El regreso de un Pablo Picasso más realista a su obra, cuyas obras volvieron a estar llenas de legibilidad, figuratividad y lógica artística, también estuvo influenciado por muchos factores externos. Incluyendo un viaje a Roma, donde se impregnó del arte antiguo, así como la comunicación con el grupo de ballet de Diaghilev y el encuentro con la bailarina Olga Khokhlova, quien pronto se convirtió en la segunda esposa del artista. Su retrato de 1917, de cierto modo experimental, puede considerarse el comienzo de una nueva época. El ballet ruso Pablo Picasso no solo inspiró la creación de nuevas obras maestras, sino que también le dio a su amado y tan esperado hijo. Las obras más famosas de la época: "Olga Khokhlova" (en la foto de arriba), "Pierrot", "Naturaleza muerta con jarra y manzanas", "Campesinos durmientes", "Madre e hijo", "Mujeres corriendo en la playa". “Las Tres Gracias”.
Surrealismo
La división de la creatividad no es más que el deseo de ordenarla en estantes y apretarla en un marco determinado (estilístico, temporal). Sin embargo, este acercamiento a la obra de Pablo Picasso, que adorna los mejores museos y galerías del mundo, puede considerarse muy condicional. Si seguimos la cronología, entonces el período en el que el artista estuvo cerca del surrealismo cae en los años 1925-1932. No es de extrañar que en cada etapa de la obra del maestro una musa visitara al maestro del pincel, y cuando O. Khokhlova quiso reconocerse en sus lienzos, recurrió al neoclasicismo. Sin embargo, las personas creativas son volubles, y pronto la joven y muy hermosa María Teresa Walter, que solo tenía 17 años cuando la conocieron, entró en la vida de Picasso. Estaba destinada al papel de amante y en 1930 el artista compró un castillo en Normandía, que se convirtió en hogar para ella y taller para él. María Teresa fue una fiel compañera, soportó con firmeza los vaivenes creativos y amorosos del creador, manteniendo correspondencia amistosa hasta la muerte de Pablo Picasso. Obras de la época del surrealismo: “Danza”, “Mujer en una silla” (en la foto de abajo), “Bañista”, “Desnudo en la playa”, “Sueño”, etc.
Período de la Segunda Guerra Mundial
Las simpatías de Picasso durante la guerra de España en 1937 pertenecían a los republicanos. Cuando ese mismo año los aviones italianos y alemanes destruyeron Guernica, el centro político y cultural de los vascos, Pablo Picasso representó la ciudad en ruinas en un enorme lienzo del mismo nombre en sólo dos meses. Literalmente se sintió presa del horror ante la amenaza que se cernía sobre toda Europa, que no podía dejar de afectar su creatividad. Las emociones no se expresaron directamente, sino que se plasmaron en el tono, su tristeza, amargura y sarcasmo.
Después de que las guerras cesaron y el mundo alcanzó un relativo equilibrio, restaurando todo lo que había sido destruido, la obra de Picasso también adquirió colores más felices y brillantes. Sus lienzos, pintados en 1945-1955, tienen un sabor mediterráneo, son muy atmosféricos y en parte idealistas. Al mismo tiempo, comenzó a trabajar con cerámica, creando muchas jarras, platos, platos y figuritas decorativas (foto de arriba). Las obras que fueron creadas en los últimos 15 años de su vida son muy desiguales en estilo y calidad.
Uno de los más grandes artistas del siglo XX, Pablo Picasso, murió a los 91 años en su villa de Francia. Fue enterrado cerca del castillo de Vovenart que le pertenecía.
