Paul Cezanne nació el 19 de enero de 1839 en Aix-en-Provence, una pequeña ciudad del sur de Francia, a 24 kilómetros al norte de Marsella. El padre del futuro artista, Louis-Auguste Cezanne, se dedicaba a la producción y venta de sombreros de fieltro y en 1848 se convirtió en copropietario del único banco de la ciudad. Se casó con la madre de Paul, Elisabeth Ober, recién en 1844, cuando el pequeño Paul tenía cinco años. Paul tenía dos hermanas: Marie (nacida en 1841) y Rose (nacida en 1854).
Paul creció como un niño muy educado y estudió bien. Uno de sus amigos más cercanos de la escuela se llamaba Emile Zola y se convertiría en un escritor famoso. En 1858, Cézanne comenzó a asistir a una escuela de dibujo local. Sin embargo, Louis-Auguste, que no quería que su hijo se convirtiera en artista, insistió en que Paul estudiara derecho.
Al ver con qué renuencia obedecía su voluntad, su padre lo dejó ir a París a estudiar pintura e incluso le asignó un modesto salario. Esto sucedió en 1861. En París, Cézanne comenzó a estudiar en la Académie Suisse (llamada así por el apellido del fundador), donde cualquiera podía inscribirse pagando una pequeña tarifa por amabilidad y gastos generales. En aquella época, los dibujos de Cézanne eran tan enérgicos como torpes: se convirtió en objeto de burla de otros artistas emergentes.
Paul se comportó con mucha timidez y no conoció a nadie. Afortunadamente, Camille Pissarro, uno de los “padres” del impresionismo, supo reconocer su talento. Otra persona que apoyó al joven en París fue su amigo Emile Zola, que se mudó allí allá por 1858. Y, sin embargo, unos meses más tarde, Cézanne, atormentado por miedos y dudas, abandonó París y regresó a su Aix natal para incorporarse al banco de su padre.
Languideciendo en el servicio bancario, nuestro héroe pronto volvió a su sueño de convertirse en artista. En noviembre de 1862 se encontraba de nuevo en París. Para apaciguar a su padre, Paul intentó ingresar en la prestigiosa Ecole des Beaux-Arts, pero, al fracasar, regresó a la Académie Suisse. Un año más tarde, ofreció varias de sus pinturas para la exposición oficial en el Salón, pero todas fueron rechazadas. Esta situación se repitió con triste coherencia hasta 1882, cuando uno de los cuadros de Cézanne “irrumpió” en el Salón.
En 1869, Cézanne conoció a Marie-Hortens Fiquet. Pronto los jóvenes empezaron a vivir juntos. La niña ganaba dinero posando, motivo de nuestro conocimiento. Hortense apenas tenía 19 años y era bonita. Cézanne ocultó su relación con ella a su pragmático padre. Sabiendo muy bien que esta novela no le agradará. En 1872, Hortense dio a luz al hijo de Cézanne, también llamado Paai.
Pronto el artista decidió abandonar París. Siguió el consejo de Pissarro y se mudó con su familia a Pontoise, un pintoresco pueblo a 24 kilómetros al noroeste de la capital. Poco antes, el propio Pissarro se instaló en Pontoise. Al año siguiente, la familia Cézanne se trasladó a Auvers y un año después regresó a París. Este breve período de deambular se asocia con el momento de autodeterminación de Cézanne como artista. Él (no sin la influencia de Pissarro) comenzó a escribir de manera impresionista. Cézanne participó en la primera (1874) y tercera (1877) exposiciones de los impresionistas. El artista tiene primeros fans, y entre ellos se encuentra el apasionado coleccionista Victor Choquet, quien a lo largo del tiempo acumuló 32 cuadros del artista en su colección.
Cézanne, que visitaba con frecuencia a sus padres en Aix, continuó ocultando a su padre la verdad sobre Hortense y Pablo el Joven. La madre lo supo todo desde el principio y acudió en secreto a su adorado nieto más de una vez. Todo quedó revelado en 1878, cuando Louis-Auguste abrió una carta de su esposa dirigida a su hijo. Al principio, exigió que Paul dejara a su familia, pero él se negó categóricamente a hacerlo, incluso bajo la amenaza de perder su apoyo financiero. La pobreza ha llegado. Durante este momento difícil, Cézanne contó con el apoyo del hombro amigo de Zola, que ya se había convertido en un famoso novelista.
En 1886, esta amistad terminó en una abrupta ruptura. Zola publicó la novela "Creación", cuyo personaje principal, un artista fracasado, fue copiado de Cézanne. A partir de entonces, Cézanne y Zola nunca volvieron a hablarse ni a verse. Ese mismo año, Cézanne formalizó su matrimonio con Hortense. La ceremonia nupcial tuvo lugar en Aix y estuvo presente el padre del artista, lo que significó su reconciliación. Y en otoño, Louis-Auguste murió, dejando a su hijo una gran herencia. Cézanne, de 47 años, finalmente tuvo la oportunidad, sin preocuparse por el pan de cada día, dedicarte por completo a la pintura.
Durante los últimos 20 años de su vida, Cézanne fue principalmente un artista. Nada más lo distrajo del arte. Incluso familia. El matrimonio con Hortense pronto se volvió nominal; en su mayor parte, la pareja ahora vivía separada: Paul en la gran propiedad de su padre, Jas de Bouffan (que significa "refugio de los vientos") en las afueras occidentales de Aix, y Hortense. y su hijo en París. Sin embargo, Cezanne siempre fue un padre cariñoso y gentil. A menudo “pasaba” por París, pero nunca viajó más allá de las fronteras de Francia, excepto en un breve viaje a Suiza en 1890.
De sus viejos amigos, Cézanne mantuvo fuertes vínculos con Claude Monet. En el otoño de 1894 visitó a Monet en su casa de Giverny, donde conoció, en particular, al escultor Auguste Rodin y a la artista estadounidense Mary Cassatt. En una de sus cartas, llamó al artista “un oso con un corazón tierno”. Cassatt escribió que al principio tenía miedo de Cézanne, pero pronto se dio cuenta de que “su apariencia es engañosa y no es tan feroz como parece a primera vista... De hecho”, seguimos citando a Cassatt, “él es el hombre más noble, algo que no es frecuente encontrar en nuestro tiempo... Da el ejemplo de cómo tratar a los demás y él mismo trata con respeto incluso a la idiota criada local..."
Las obras de Cezanne se expusieron periódicamente en París y otras ciudades, pero el verdadero reconocimiento que merecía no comenzó hasta 1895, cuando el coleccionista Ambroise Vollard organizó una gran exposición individual de Cezanne (unas 150 obras) en su galería de París. Esta exposición no impresionó mucho al público en general, pero lo que vieron sorprendió a varios artistas jóvenes. Entre ellos, Cézanne se convirtió inmediatamente en una figura de culto. Su vida bastante apartada hizo que esta imagen fuera aún más misteriosa, casi legendaria. Los jóvenes llamaban entre ellos los viajes a Cezanne "peregrinaciones a Aix"; hay que decir que el propio Cezanne trataba a sus nuevos fans mucho más cálidamente que a la mayoría de los artistas de su generación.
En 1897, la madre de Cézanne murió y en 1899 se vio obligado a vender Zsa de Bouffant para saldar las deudas que ella había dejado. Después alquiló un apartamento en la rue Bulgon de Aix. En 1901, el artista compró un terreno en la periferia norte de Aix y instaló allí un estudio. Ahora es un museo, que, sin embargo, no contiene ni un solo cuadro de Cézanne. Después de 60 años de ello las enfermedades comenzaron a acechar, y rara vez salía de Aix.
En 1906, Cézanne escribió al famoso pintor Emile Bernard: “Soy viejo, estoy enfermo y he jurado morir en el trabajo”. Todo sucedió tal como está escrito. El 15 de octubre del mismo año, mientras trabajaba al aire libre en las cercanías de Aix, quedó atrapado bajo una fuerte lluvia. Regresar con equipo pesado a través de un terreno montañoso, e incluso en medio de una tormenta, resultó estar más allá de sus fuerzas: el viejo maestro se cayó en el camino y fue llevado a casa inconsciente. Una semana después, el 22 de octubre de 1906, Cézanne murió de neumonía. En ese momento, su escala como artista era completamente clara para sus contemporáneos, y la exposición parisina de 1907 dedicada a la memoria de Cézanne no hizo más que confirmarlo.
Cézanne dejó más de 800 lienzos, unas 350 acuarelas y otros tantos dibujos. En el catálogo de obras de Cézanne elaborado por Lionel Venturi, el autor atribuye 130 pinturas al inicio de la carrera del artista (desde 1871), 160 al llamado período impresionista (1872-1877), 260 al llamado período constructivo. (1878-1887). gg.), 260 - al período denominado sintético (1888-1906).
El contenido del artículo.
Cézanne, Pablo(Cézanne, Paul) (1839-1906) - Pintor francés del período postimpresionista. La mayor parte de la vida de Cézanne, que nació y murió en Aix-en-Provence, transcurrió en el siglo XIX, pero su obra pasó prácticamente desapercibida hasta los años 90, cuando empezaron a interesarse por él jóvenes artistas, entonces los coleccionistas más competentes. y amantes del arte.
Después de 1900, rápidamente adquirió fama mundial; se convierte en el artista más influyente de la historia del arte y dio, según un crítico de arte francés, “la dirección de toda la pintura de la primera mitad del siglo XX”.
“Su obra”, señala M. K. Jalard, “no está asociada con ninguno de los movimientos del siglo XIX. Su verdadero lugar está en la historia del arte del siglo XX”.
Cézanne fracasó en sus intentos de ingresar en la Escuela de Bellas Artes de París (1861 y 1862), pero la pintura se convirtió en la principal obra de su vida. Las primeras obras están asociadas con la pasión por Caravaggio, El Greco, Delacroix (1860-1872); Durante los siguientes siete años, Cezanne colabora activamente con artistas impresionistas: Monet, Renoir. Participa en la Primera Exposición de Impresionistas, se niega a participar en la Segunda (1876) y regala diecisiete cuadros para exponer en la Tercera (1877). A partir de 1879 se alejó del impresionismo. En los años siguientes, sus cuadros fueron sistemáticamente rechazados por el foro artístico más representativo de París: el Salón de Otoño.
Su don especial se manifiesta en el momento en que, al no encontrar satisfacción en el impresionismo, encuentra su propio método. La formación tiene lugar en los años 80, cuando Cezanne finalmente supera el período más fructífero para su maduración creativa: el período de transición.
En este momento, su atención fue atraída por aquellos a quienes se puede llamar realistas: Poussin, Daumier, Courbet. Al mismo tiempo, fue decisiva para su desarrollo la poderosa influencia de Pizarro, de cuyo talento docente dijo uno de sus alumnos: “Era el tipo de maestro que podía enseñar incluso a una piedra a dibujar con precisión”.
Después de Pontoise, donde Cézanne trabajó en 1872-1873 junto con Pizarro, su pintura se transformó. En el cuadro 1873. Casa del Ahorcado Los objetos iluminados por los rayos oblicuos del sol parecen estar envueltos en una ligera neblina. Aquí todavía no hay trazos alargados característicos de Cézanne, pero ya aparecen verticales, marcadas por manchas de color, que construyen perspectiva y crean profundidad en la imagen. Los temas alegóricos y literarios de la primera época están desapareciendo. Un estudio cuidadoso de la técnica de Pizarro, su manera especial de aplicar la pintura en pequeños planos, da a Cézanne el impulso para descubrir su propia manera de modelar la forma con el color.
A finales de 1873, Cézanne se instaló cerca de Pontoise, en Auvers, en la casa del doctor Gachet, grabador, amigo de Pizarro y de otros artistas, en particular de Van Gogh, que le hizo el retrato. Gachet se convierte en uno de los primeros compradores de obras de Cézanne.
Tomando las lecciones del impresionismo, Cézanne sigue siendo él mismo. “Monet es sólo un ojo”, dice y añade: “¡Pero qué ojo!” Al construir la composición del paisaje que tiene ante sí, reconstruye la realidad: deforma los objetos, realza el tono, logrando peso, volumen, profundidad y armonía del conjunto. No le avergüenzan las desproporciones y asimetrías que exige la estructura general de la composición; Las partes plásticas de la figura u objeto representado siempre están esculpidas con precisión. Dice: "Hay que ir en la dirección de los clásicos, pero a través de la naturaleza, es decir, a través de la sensación". Este “pero” es un homenaje al impresionismo y al mismo tiempo al orden de la naturaleza, que buscó penetrar y que nunca reemplaza con una semejanza externa.
Escenario álamos, pintado alrededor de 1879-1882 en Provenza, permite ver a Cézanne desarrollar su propio estilo de escritura. En lugar de una mancha que delinea suavemente el volumen y organiza la composición, aquí aparecen trazos verticales, oblicuos y horizontales claros, casi en relieve, que modelan el espacio de la imagen y la forma de los objetos. La esencia del nuevo método es representar la riqueza plástica de la naturaleza a través de su riqueza colorística, que no sólo debe ser vista, sino también comprendida. “No hay pintura ni clara ni oscura, sino sólo tal o cual combinación de tonos. Cuanto más diverso y rico es, más fuertes, más precisas y más agradables a la vista son las sensaciones transmitidas... Los contrastes y las conexiones entre ellos son todo el secreto del dibujo y del modelo”, dice.
Alejándose del impresionismo, que hace que el mundo sea efímero, disolviendo objetos en la atmósfera, en el cambiante juego de luces y sombras, Cezanne considera necesario volver a los fundamentos clásicos de la pintura, pide crear “arte sustancial, como el vemos en los museos”.
Propone utilizar lo logrado sin destruir el sistema pictórico clásico; habla de la necesidad de conciliar lo fugaz y lo permanente, los caprichos del claroscuro y la estructura de los objetos, el espacio y el volumen con la riqueza del esquema cromático. La atención a la estructura, al modelado volumétrico "escultórico" de los objetos (montañas y rocas, casas y troncos de árboles) será llevada a su conclusión lógica por el cubismo con su principio de modelado ya ni siquiera escultórico, sino "arquitectónico".
Su estancia en el sur, a donde regresó en 1878 y donde permaneció hasta el final de su vida, jugó un cierto papel en la formación de una nueva manera: el propio estilo Cézanne. El aire seco y transparente, los límites nítidos de luces y sombras revelan aquí la plasticidad de los objetos y aclaran sus contornos. El sol brillante perfila claramente la forma, resalta lo esencial, destruyendo todo lo efímero e inestable.
Trabaja en las cercanías de Aix, en Gardennes-Estaque. En su deseo de monumentalidad y estabilidad, da una forma estable y pesada incluso a cosas tan cambiantes como el mar, la hierba y las copas de los árboles. El mismo deseo se manifiesta en relación con el color. La coloración de los objetos en sus pinturas siempre está subordinada a una cierta coloración general y al mismo tiempo precisa a su manera, que proviene del conocimiento de las cosas, ya sea un rostro humano, frutas, flores o elementos del paisaje. Dice que para pintar un paisaje se necesita conocimiento de su geología. La peculiaridad de su método es que a pesar de toda la escrupulosa elaboración del color, la composición y el diseño, algo queda en la imagen. broma inconcluso. Esta aparente incompletitud revela la profundidad del método que descubrió, que según él se encuentra sólo en su etapa inicial. La posibilidad de desarrollar y mejorar este método de la manera que encontró para superar la contradicción entre el deseo de autoexpresión y la lealtad a la naturaleza, entre la armonía ideal del arte y la realidad con su propio orden. La derivada de estas relaciones es deformación específica naturaleza - y existe lo que comúnmente se llama estilo. Cézanne es único en este sentido. Hasta sus últimos días continuó su búsqueda y, aun reconociendo su propio descubrimiento, diciendo que había encontrado un nuevo camino en la pintura, repitió: “Soy un salvaje primitivo en relación al método que he encontrado”, “Soy un Sólo hay un hito en este camino; vendrán otros”.
Sigue siendo ante todo un artista para artistas porque, a pesar de todo el esplendor de su pintura, el objetivo que se propuso quedó más allá de lo logrado. Su descubrimiento es visto como un método universal, como una propiedad común, y su pintura parece una invitación a continuar lo que empezó. A principios del siglo XX, antes que otros, fue reconocido por los artistas jóvenes, para quienes el problema de sintetizar el estado subjetivo interno y el mundo externo (la realidad objetiva) está siempre vivo y relevante. Durante el período de formación de un artista, se siente especialmente el conflicto entre una percepción fresca y directa del mundo y el deseo de estructurarlo y ordenarlo, basándose en premisas teóricas. A veces parece que en los últimos años de Cézanne la teoría prima sobre la visión directa de la naturaleza.
Naturalmente, es precisamente este sesgo hacia el diseño abstracto: la geometrización de la forma, la construcción de la composición, la transformación del color de una imagen en un valor independiente - en primer lugar, se convierte en el tema de atención de artistas de diferentes direcciones - desde nabis y fauves hasta impresionistas y cubistas.
Y, sin embargo, parece injusto, esencialmente incorrecto, suponer que Cézanne, en su pasión por los problemas del color y el volumen, se adentra en la pura creatividad formal, que distingue en los objetos representados “sólo la riqueza de los tonos, la pureza de las formas y su integridad, transformando objetos de naturaleza muerta en símbolos plásticos fascinantemente convincentes " Llamando la atención sobre el hecho de que la naturaleza muerta, que ocupa un lugar importante en la obra de Cézanne, es, en principio, el objeto más conveniente para los experimentos formales, el autor del artículo sobre Cézanne, J.E. Müller, se pregunta si es posible decir que Cézanne interpreta todos sus temas excepto el paisaje, en el espíritu de la naturaleza muerta. Quizás las características del retratado no eran el objetivo del artista, pero la pintura de Cézanne, que no descuida ni un solo detalle, transforma la naturaleza en una imagen artística en el proceso de estudiarla escrupulosamente, la naturaleza. El resultado de esta instalación es la penetración en la esencia profunda del objeto representado. Al comparar un retrato con una naturaleza muerta, lo único cierto es que en ambos casos el resultado se logra mediante el mismo método de “lectura” e interpretación del modelo, a través de la penetración en las más complejas relaciones de tonos y combinaciones de colores, no copiado mecánicamente, pero tampoco reemplazando el orden de la realidad por orden artificial. (Esas “sustituciones”, incluidas características psicológicas inventadas, son típicas de la pintura naturalista moderna).
Sus retratos están, por así decirlo, libres de lo insignificante, lo cambiante, esas características superficiales y molestas que los retratistas de salón suelen imponernos.
Esta tendencia a penetrar en los fundamentos estructurales de lo representado y el desprecio por lo cambiante, por espectacular que sea, se intensifica en los últimos años de su vida. Su famosa serie de pinturas y bocetos. Monte Santa Victoria- se trata de un estudio artístico de un tema elegido - casi una anatomía de la armonía natural: una combinación de masas y planos, espacio y luz - exclusivamente a través de la pintura.
Tras la muerte de su padre, banquero local (1886), el artista vivió en Aix-en-Provence, dedicándose por completo a la pintura, viajando sólo brevemente a Suiza (1841), Giverny (1894), donde permaneció algún tiempo. con Monet. Entre 1882 y 1895, Cézanne pintó varios retratos: Señora Cézanne, Gustave Geffroy, Hombre joven etc. 1892 resultó especialmente fructífero para él, cuando cinco versiones del famoso jugadores de cartas, numerosas opciones Monte Santa Victoria y una serie de pinturas sobre el tema Bañistas.
La fama rápidamente creciente de Cézanne comenzó después de su primera exposición individual, organizada en 1895 por Ambroise Vollard. Desde entonces, difícilmente se puede sobreestimar su autoridad entre los artistas. En 1900, Maurice Denis creó un gran cuadro en honor a Cézanne, que representa a un grupo de famosos artistas franceses. En el centro de la imagen, que se llama Elogios a Cézanne, sobre el caballete hay una naturaleza muerta de Cézanne; A su alrededor, además del propio Denis y su esposa, estaban O. Redon, E. Vuillard, P. Sérusier, así como Vollard y otros. Ese mismo año, en el Exposición del siglo En un lugar de honor se colocan tres cuadros de Cézanne. En 1904, en la exposición del Salón de Otoño, ya se le asignó una sala separada. En este momento, la prensa parisina escribe: “Cézanne, humillado y despreciado durante toda su vida, apedreado por los chicos de la calle en su ciudad natal, cosecha tardíos laureles en la Exposición del Salón de Otoño... Todos los jóvenes pintores, encabezados por Picasso , acuden en masa al Grand Palais... Además, a veces, el viejo maestro de Aix no favorece a los aficionados que acuden a su taller. Soportó el ridículo durante mucho tiempo y ahora cree que fueron enviados por malvados para reírse de él”.
"Quizás llegué demasiado pronto", dijo a sus jóvenes admiradores. “Soy un artista más de tu generación que de la mía”.
En septiembre de 1906, Cézanne escribe a su amigo E. Bernard: “Soy viejo, estoy enfermo y he decidido morir en mi caballete”. Su deseo se hizo realidad un mes después, el 22 de octubre. Su último boceto - Jardinero escrito con tanta frescura y energía como el resto de sus obras de su etapa madura.
Tras la muerte de Cézanne, su influencia en el arte mundial alcanza proporciones incomparables. Se convierte en una especie de estándar absoluto de pintura con el que se comparan movimientos artísticos tan diversos como el neoclasicismo y el abstraccionismo. Su pintura inspira los estudios fauvistas de Braque y, bajo su influencia, pasa al cubismo. En su apartamento de París, Braque conservó la naturaleza muerta de Cézanne como santuario hasta el final de su vida. “Manet”, explicó, “es una flor y una raíz. En las pinturas de Cézanne, desde la raíz hasta la flor, toda la vida está aquí”.
Fechas de la vida y creatividad.
1839, 6 de enero – Nace en Aix-en-Provence.
1855 – Estudia en el Colegio de Aix. Amigos de Zola.
1858–1860 – Estudia en la escuela municipal de arte de Aix.
1861–1862 – Intentos de ingresar en la Escuela de Bellas Artes de París.
1864 - Las obras de Cézanne son rechazadas por el Salón.
1865 – Estudios en la Academia Suiza de París.
1886-1889 y años siguientes: el Salón rechaza periódicamente las obras de Cézanne.
1872 – Trabaja en Pontoise con Pizarro.
1873 – Trabaja en Auvers.
1874 – Participa en la Primera Exposición Impresionista.
1876 – Se niega a participar en la Segunda Exposición Impresionista.
1877 – Trabaja con Pizarro en Pontoise, así como en Auvers e Issy-les-Moulineaux.
1878 – Trabaja en Aix. Rechazado por Salón.
1879 – Obras en Estac.
1881 – Trabaja con Pizarro y Gauguin en Pontoise.
1882 – Trabaja con Renoir en Estac.
1883 – Conoce a Monticelli, Monet y Renoir.
1884 – Obras en las proximidades de Aix. Signac compra un paisaje de Cézanne.
1885 – Obras en Estac y Aix.
1886: muere el padre de Cézanne. Ruptura con Zola tras la publicación de la novela Creación, en el que Cézanne se reconoce en un artista fracasado.
1888: primer artículo de Huysmans sobre Cézanne en La Cravache.
1889–1890 – Expone su trabajo en Bruselas con el G20.
1891: Bernard y Anquetin admiran la obra de Cézanne en una entrevista publicada en un semanario parisino.
1892 – Crea una serie de pinturas: jugadores de cartas, Bañistas, Monte Santa Victoria.
1895 – Primera exposición personal en la galería Ambroise Vollard.
1900 – Las pinturas de Cézanne se presentan en la Exposición Universal de París. El comienzo de su amplia fama. M. Denis pinta un cuadro Elogios a Cézanne.
1901 – Construye un gran taller en Aix.
1904 – Variantes Monte Santa Victoria. La prensa parisina escribe sobre la creciente fama de Cézanne.
1906, 22 de octubre - Muere en Aix-en-Provence.
Vil Mirimanov
Paul Cezanne fue un famoso impresionista. Su obra "La casa del ahorcado" tiene un solo objetivo: causar una cierta impresión en el espectador. Según el título de la obra, queda claro que la imagen debería ser repulsiva. A nadie le gusta [...]
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El famoso pintor francés Paul Cezanne fue un pionero del postimpresionismo. Habiendo vivido y trabajado con los maestros más famosos del impresionismo, influenciado por ellos al comienzo de su carrera, Cezanne, en busca de su propio estilo, fue más lejos que sus colegas. Habiendo aprendido el arte de transmitir los maravillosos estados de la naturaleza, el artista se adentró en la búsqueda de los fundamentos formativos de todo lo que le rodea y trató de comprender la lógica interna de las cosas. El enfoque innovador del pintor no le permitió obtener el éxito y la fama que merecía durante su vida. Sólo el tiempo puso todo en su lugar.
Lanzamiento de juventud
El futuro artista nació el 19 de enero de 1839 en un pequeño pueblo del sur de Francia: Aix. Paul fue el primogénito de la familia del banquero Louis, Auguste Cezanne. El padre, que comenzó con la producción y venta de sombreros y luego abrió su propio banco, era un hombre muy poderoso, toda la familia obedecía estrictamente su voluntad. La madre del artista, Anna Elizaveta, dio a luz a dos hijas más, María y Rosa, pero adoraba a su primogénito, Paul, y siempre trató de apoyarlo. El propio pintor idolatraba y temía a su padre toda su vida.
Desde pequeño, apasionado por el dibujo, Paul Cézanne, desde los cinco años, pintaba las paredes de su casa con carboncillo, creando ya entonces imágenes muy creíbles. Pero sólo su madre estaba orgullosa de su éxito; su padre soñaba con ver en su hijo a su sucesor. Por voluntad de su padre, en 1849 Paul ingresó en una de las mejores escuelas de la ciudad: la Escuela Saint-Joseph, desde donde, en 1852, ingresó al sexto grado del prestigioso Bourbon College.
En la universidad, el futuro artista famoso Paul Cezanne conoce al futuro escritor famoso: Emile Zola. Su amistad, al final, jugó un papel importante en el destino del pintor. Y luego, en su juventud, fue Zola quien le abrió a Paul el mundo mágico de los libros y la poesía. Los amigos caminaban a menudo, yendo lejos de Aix, llenos de sueños de un futuro maravilloso y de amor puro.
En 1855, Paul, de dieciséis años, se graduó de la universidad, habiéndose distinguido por escribir poesía en francés y latín, y sin darse cuenta de sí mismo como artista. Después de graduarse de la universidad, Cezanne ingresó a la facultad de derecho, en lo que su padre insistió categóricamente. Al mismo tiempo, por las tardes, Paul comienza a estudiar en la escuela de pintura de Joseph Gibert. Para alegría del joven, el padre no vio nada reprensible en este deseo de su hijo.
El recién inaugurado museo de la ciudad, donde se exhibían pinturas, se convirtió en el lugar favorito del aspirante a artista. Aquí, y en las clases de la escuela de Giber, Paul se sentía realmente feliz, tenía el sueño de convertirse en artista. Pero su padre no quería oír hablar de tal giro en el destino de su único hijo; seguía insistiendo en que los jóvenes estudiaran derecho, lo que no le interesaba en absoluto. El alma del joven Cezanne soñaba con París, donde lo invitó activamente su amigo de la universidad, Emile Zola, que en ese momento se había mudado a la capital francesa y había probado suerte en la creatividad literaria. Al final, Paul Cezanne abandonó sus estudios de derecho y obtuvo el permiso de su padre para ir a París, donde Zola lo convenció para que comenzara a estudiar seriamente pintura.
En 1861, el joven pintor se trasladó a la capital de Francia y se preparó para ingresar en la Academia de las Artes. Cezanne comienza a asistir a clases en el estudio de Lewis, donde conoce a los futuros impresionistas Camille Pissarro y Claude Monet, quienes estudiaron dibujo, pero ya tenían su propia visión del desarrollo de la pintura.
Pissarro creyó inmediatamente en Cézanne y le predijo éxitos en el futuro. Pero el joven artista de provincias se sentía como un extraño en el ambiente del taller capitalino. El único amigo que hizo allí fue su compatriota, el enano Aquiles Amperera, que más tarde pintó con entusiasmo mujeres desnudas. Paul Cezanne estaba muy inseguro de sus capacidades y de su talento. A veces le parecía que todas sus actividades eran inútiles y necesitaba regresar a Aix para convertirse en el sucesor de su padre. Probablemente, el artista estaba atormentado por el remordimiento y el sentimiento de culpa hacia sus padres, cuyas esperanzas no cumplió. Estas angustias mentales y dudas llevaron finalmente al artista a abandonar su cuadro favorito y regresar a su ciudad natal en el mismo año de 1861.
En Aix, Paul empezó a trabajar en el banco de Cézanne, el mayor, que estaba increíblemente feliz por el “regreso del hijo pródigo”. Pero la alegría de ambos duró poco. Paul no pudo vivir mucho tiempo sin pintar y pronto, por melancolía, comenzó nuevamente a asistir a la escuela de Giber. Después de pasar un año en casa y de interminables conversaciones con su padre, el joven regresa a París, esta vez decidido a ir a toda costa a la Academia de las Artes.
Es cierto que mientras se preparaba para los exámenes, Cezanne descubrió de repente que el arte que pretendía estudiar le era completamente ajeno. La pintura de salón le parecía innecesaria y vacía. Además, Paul volvió a empezar a dudar de su propio talento. Trabajó duro, pero su insatisfacción consigo mismo no hizo más que aumentar. El resultado fue otro fracaso: el artista nunca pudo inscribirse en la escuela de pintura.
En 1863 visitó el Salón, donde vio la escandalosa obra de Edouard Manet, “El almuerzo sobre la hierba”, rechazada por el público. Esta obra que hizo época, gracias a la cual se produjo una verdadera revolución en el arte de la época, también cambió la visión del mundo de Cézanne. Fue esto lo que introdujo al joven artista, como a muchos de sus compañeros, a una nueva comprensión del arte.
Fatídico para Cézanne fue su relación con Frédéric Bazille, que ocurrió ese mismo año. Basil lo llevó al estudio de Gleyre, de donde procedían Claude Monet, Alfred Sisley y Auguste Renoir. La timidez natural, unida a un carácter pendenciero, no permitió a Cézanne unirse al círculo de futuros impresionistas. Como resultado, el artista siempre se mantuvo reservado, trató de no entablar discusiones y conversaciones y no participó en sus reuniones.
En 1864, tras recibir la negativa del Salón a aceptar sus nuevas obras, Cézanne volvió a dejar la pintura y regresó a Aix. Es cierto que incluso allí sigue escribiendo, incapaz de abandonar el arte. Como resultado, seis meses después, Cézanne vuelve a París para ofrecer sus obras para participar en el Salón, y nuevamente recibe una negativa. El artista, trastornado y casi perdiendo la fe en sí mismo, vuelve a casa sin nada.
En Aix, Paul se dedica al retrato. Trabaja duro, pero al año siguiente las obras del artista no fueron aceptadas en el Salón. Cézanne estaba completamente desesperado. Decidió que su obra nunca sería comprendida, pero no quería escribir de otra manera. Al llegar nuevamente al Salón y exponer sus obras, recibe una ovación burlona, el público se ríe abiertamente del pintor.
Pero en el Salón también sucede algo bueno: alguien le presenta al artista a Edouard Manet, quien habla calurosamente de la búsqueda creativa del joven talento. Finalmente, habiendo recibido críticas positivas, e incluso de su ídolo, Cézanne gana confianza en la elección correcta de su camino creativo. Al regresar a Aix, el pintor se convierte en una especie de celebridad. La gente empieza a reconocerlo en la calle, los artistas locales incluso intentan copiar sus obras, pero la curiosidad del público sigue siendo bastante hostil.
Tentación de San Antonio
La obra “La Tentación de San Antonio” (1867-1869, Fundación E. Bührle, Zurich) pertenece a las primeras obras de Cézanne. Utilizando un tema religioso clásico, el artista representa cuerpos femeninos desnudos en el contexto de la naturaleza. En realidad, la trama era sólo un pretexto para pintar abiertamente desnudos. El propio San Antonio, que en teoría debía ser el personaje central del cuadro, ocupa un lugar modesto en el borde izquierdo del lienzo, e incluso allí su figura prácticamente se funde con el fondo.
Ni en el rostro ni en la pose de San Antonio se lee la lucha interna de la carne y el espíritu humanos. Si el objetivo del artista era representar a un santo cristiano luchando contra una obsesión pecaminosa, entonces se podría decir que la obra de Cézanne fue un fracaso. Pero el pintor no buscaba esto en absoluto; sólo le interesaban los cuerpos de las mujeres.
Los marcados contrastes de claroscuro esculpen el volumen utilizando poderosas formas monumentales. La clásica composición piramidal de la parte central de la obra en sí parece no tener nada que ver con la trama: las niñas, formando un círculo cerrado con sus figuras, no se dirigen en absoluto a San Antonio. Existen independientemente de él. Y solo el grupo figurativo hábilmente dispuesto, ubicado en el borde mismo del lienzo: San Antonio y la tentadora, que apareció ante él en una pose exageradamente franca, corresponde al título de la obra. Este par está construido según el principio clásico de simetría. La pose abierta de la mujer mostrando su cuerpo contrasta con la pose cerrada de Anthony, envolviéndolo apresuradamente con su ropa áspera.
Es de destacar que Cézanne no representó bellezas, sino que pintó con sinceridad cuerpos femeninos imperfectos. Por cierto, sería exagerado llamarlas bellezas: Cézanne está lejos de idealizar imágenes; simplemente pinta mujeres. La influencia de los impresionistas se siente en las sombras de colores contrastantes y en los reflejos del verde circundante en los cuerpos de las mujeres. Sin embargo, Cézanne utiliza excesivamente el descubrimiento del impresionismo, llevándolo casi al absurdo, lo que acerca su obra a las obras de los fauvistas, que aún no han entrado en el panorama artístico mundial.
Vida personal
Un año después, en 1870, el artista conoció a Hortensia Fike, quien se convirtió en su modelo constante. Cézanne, junto con Fiquet, esperó en Estac (provincia de Provenza) a que terminara la guerra con Prusia que comenzó ese mismo año. El pintor ocultó cuidadosamente a su familia su relación con la modelo, de lo contrario su enojado padre podría haberlo dejado sin el apoyo que ya apenas le alcanzaba para vivir. Sólo gracias a la escasa ayuda de su padre, el artista, que no fue comprendido ni aceptado por el público, logró sobrevivir, por eso, incluso cuando en 1872 nació Paul, el hijo de Grotensia, este evento tan importante permaneció en secreto para todos aquellos. cerca de Cézanne.
Pronto el artista se mudó a Pontoise, donde vivía Camille Pissarro, una de las pocas que creía en el potencial de Cezanne. El apoyo de un amigo resultó ser de gran ayuda. El impresionista Pissarro enseñó que hay que renunciar al ego y pintar lo que ves, trasladando al lienzo el estado real de la naturaleza y sin interpretar el mundo que te rodea.
Aquí Cézanne conoce al Dr. Ferdinand Gachet, a quien le gustaba la pintura y apreciaba el “nuevo” arte. Gachet declaró inmediatamente que consideraba a Cézanne un gran artista y lo convenció de que se mudara a su casa de Auvers. La percepción entusiasta que Gachet tenía de la obra de Cézanne infundió esperanza en el pintor. Nunca antes nadie se había interesado por su trabajo ni se lo había tomado en serio. Aquí el artista sintió el interés genuino de toda la familia Gachet por su obra y comenzó a pintar numerosos paisajes, quedando fascinado por el método impresionista de pintura.
Personalidad brillante
El cuadro “La casa del ahorcado” (1873, Museo de Orsay, París), a pesar de su título lúgubre, es un paisaje soleado. La magistral e inusual construcción compositiva del lienzo se asemeja a un collage y se basa en la combinación de diferentes planos.
El primer plano introduce al espectador en el espacio de la imagen. Aquí vemos una pendiente arenosa sin complicaciones, con tocones de árboles en la esquina inferior izquierda, colocados aquí como un "punto de partida" para avanzar gradualmente hacia la profundidad. El segundo plano está ocupado por un edificio con un techo oscuro y una colina cubierta de hierba, detrás de la cual se abre una antiestética “casa del ahorcado”, como si sobresaliera de la colina y representara el tercer plano del cuadro. Detrás se puede ver el techo de la casa ubicada justo debajo: el cuarto plano, detrás del cual se representan edificios con paredes de ladrillo rojo brillante.
Siguiendo al artista, la mirada del espectador desde la esquina inferior izquierda del lienzo desciende a lo largo de la ladera, serpenteando entre las paredes de los edificios y el terreno irregular, revelando así toda la profundidad del espacio. Y cuanto más miras este espacio, más complejo parece. Cezanne transmitió el paisaje exactamente como lo vio en la realidad, sin reconstruirlo usando la perspectiva, por lo que las casas naranjas parecen estar justo en el techo del edificio más cercano, y los árboles extendidos en la esquina superior izquierda de la composición están absurdamente amontonados. justo encima de la “casa del ahorcado”.
Fueron precisamente estos absurdos compositivos, impensables para el arte clásico, los que permitieron al artista representar fielmente el mundo tal como él lo veía. La pintura "Casa y árbol" (1873-1874, colección privada) en su estructura compositiva se asemeja a un fragmento de la obra anterior: el mismo primer plano vacío, un edificio de piedra blanca todavía crece directamente desde la colina, sobre el cual hace alarde de un árbol ramificado. . cuyo tronco sinuoso parece cruzar el plano de la pared, “extendiéndose” a lo largo de ella como una grieta gigante. Este motivo aporta acordes dramáticos extrañamente emocionantes a toda la obra, creando la impresión del secreto que guarda la casa, como si estuviera escondido detrás del tronco y las ramas de un árbol.
El lienzo "La casa del doctor Gachet en Auvers" (1873, Museo de Orsay, París) se distingue por la alternancia del primer plano, vacío, y el segundo, demasiado lleno. Así crea Cezanne una composición armoniosa. Las casas representadas, que el artista esculpe unas con otras, parecen apretujadas en esta calle provincial. Cuando miras de cerca las líneas de sus paredes, resulta obvio que están lejos de ser uniformes. Cezanne no busca la claridad de las líneas; al contrario, las distorsiona deliberadamente, como la luz del sol, que ilumina las superficies de manera desigual, dependiendo de su textura y proximidad a otros objetos.
Paul Cezanne pinta sólo lo que ve, sin ennoblecer su entorno, como debe hacer un artista “correcto”. Ya aquí se hace evidente la atracción del artista por las formas monumentales simples, que se convertirán en un rasgo distintivo del estilo individual del maestro. Bajo el mecenazgo de Camille Pissarro, Cézanne, en 1874, participó en la primera exposición de los impresionistas. Una vez más sus obras son ridiculizadas, sin embargo, su obra “La casa del ahorcado” es comprada por un gran coleccionista, lo que da esperanza al artista, atormentado por los malentendidos.
La difícil vida de Cézanne queda claramente ilustrada en su “Autorretrato” escrito en 1875 (Museo de Orsay, París). En él vemos a un artista notablemente calvo y con una mirada curiosa e incrédula. Paul Cezanne buscó intuitivamente su propio camino en el arte, que recorrió solo, sin encontrar aprobación ni fama. Las obras del maestro siguieron siendo incomprendidas y él mismo sufrió la falta de demanda. Sólo la terquedad y la obstinación naturales ayudaron al artista a seguir adelante, pero el constante ridículo y la soledad a veces le hacían dudar de su propia visión del arte. Esto es lo que provoca la desconfianza en uno mismo y en los demás que se evidencia en la mirada del pintor.
En la obra “Love Struggle” (“Bacchanalia”, 1875, Colección de A. Harriman, Nueva York), el artista aborda un tema mitológico, que permite una representación libre de la disposición en el espacio de cuerpos desnudos entrelazados. El expresivo lienzo da la impresión de un boceto debido a la acentuada falta de elaboración de las propias figuras.
Una serie de técnicas de composición agravan la impresión ligeramente opresiva de la lucha frenética de amantes ferozmente apasionados: los árboles cuelgan amenazadoramente, el horizonte bajo enfatiza el enorme cielo, como si presionara a los héroes, incluso las nubes arremolinadas con contornos inusualmente definidos parecen agresivas. La imagen está construida según el principio de un decorado teatral: los acantilados de las orillas con árboles que crecen en ellos sirven como telón de fondo. La falta de profundidad del lienzo sólo acentúa este efecto.
Un encuentro importante para Cézanne tuvo lugar en 1875, cuando Auguste Renoir le presentó al ávido coleccionista Victor Choquet, quien compró uno de los cuadros del artista. A partir de ese momento comenzó su larga amistad. En 1877, el pintor creó “Retrato de Victor Choquet sentado” (Galería de Bellas Artes, Columbus), en el que vemos al amigo del artista sentado en una magnífica silla de la época Luis XVI en un ambiente hogareño relajado.
En las paredes se ven obras de arte que forman parte de la colección Choquet. Es cierto que no están incluidos en el "marco" por completo, sino que se dan en fragmentos o solo están indicados por marcos dorados. El artista no se esfuerza por reproducir cuidadosamente el mobiliario de la habitación ni por transmitir fotográficamente con precisión los rasgos del héroe. Crea una imagen generalizada del coleccionista como una persona atenta y reflexiva, capaz de valorar intuitivamente el valor artístico de una obra. La alta figura de Victor Choquet parece algo cómica sobre una antigua silla baja, el borde superior del lienzo corta sus cabellos grises y las piernas del modelo y las patas de la silla están pintadas casi cerca del borde inferior del lienzo. Esto crea la impresión de que el coleccionista está apretado dentro del marco asignado al cuadro.
Uno de los muchos retratos de Hortense, "Madame Cezanne en la silla roja" (1877, Museo de Bellas Artes de Boston), que, por cierto, aún no se había convertido en la esposa oficial del artista, tiene una combinación de colores inusualmente espectacular. La tapicería roja de la silla contrasta con los colores verde oliva y azul de la ropa de Hortense y la pared detrás de ella, y también resalta perfectamente la figura de la heroína. La obra produce una impresión monumental gracias a la máxima proximidad de la joven al espectador. El borde superior del lienzo corta parte de su cabello y el borde inferior corta el dobladillo de su falda. La compañera de vida de Cezanne mira hacia otro lado y sus manos con los dedos cruzados construyen una barrera psicológica entre la modelo y el espectador.
Una representación muy generalizada de las características del terreno la vemos en el paisaje “Montañas en la Provenza francesa” (1878, Museo Nacional de Gales, Cardiff). Cézanne desmonta mentalmente los objetos en sus formas constituyentes individuales y luego construye su propia realidad a partir de ellos. Esta técnica será más tarde un rasgo característico de los constructivistas.
Aún más “constructivas” son las obras “Casas en Provenza cerca de Estac” (1879, Galería Nacional, Washington), “Monte Santa Victoria” (1886, Galería Nacional, Washington) y “Casa en Provenza” (1885, Museo de Arte Herron, Indianápolis). Piedras, colinas, muros de viviendas aparecen ante nosotros en forma de formas generalizadas, pasando por el prisma de la visión analítica de Cezanne, que les corta todo lo innecesario, dejando solo la esencia misma. Todos los contornos de montañas y campos en el lienzo "Montañas en Provenza" (1886-1890, Tate Gallery, Londres) son enfáticamente correctos y geométricos.
El artista trabaja activamente, pero el Salón sigue rechazando sus obras. Cézanne vuelve a ser ridiculizado en la tercera exposición impresionista. Es cierto que hay un conocedor del arte del artista que compra regularmente sus obras: un joven funcionario de la bolsa llamado Paul Gauguin.
Habiendo recorrido un importante camino creativo, Paul Cezanne nunca se convirtió en un impresionista. Su fascinación por la representación impresionista de la imagen de la naturaleza y el entorno luminoso fue reemplazada por la conciencia de la necesidad de un ordenamiento especulativo de la realidad circundante. Al artista no le bastaba con ver y reproducir; necesitaba ver y transmitir la estructura oculta del mundo.
Los giros y vueltas de la vida
En 1886 ocurrieron una serie de acontecimientos en la vida personal del pintor. En primer lugar, Cezanne, casi en contra de su voluntad (ya que estaba muy enamorado de una joven sirvienta de la casa de su padre), se casa con Hortense, quien, ante la insistencia de sus familiares, se traslada a la finca de Cezanne en Provenza. En ese momento, el hijo del artista, Paul, ya tenía catorce años. En segundo lugar, el amigo de juventud de Cezanne, el ya famoso escritor Emile Zola, publica la novela "Creatividad", en la que el artista actúa como prototipo del personaje principal. La novela demostró perfectamente la actitud de Zola hacia el propio Cézanne y su arte, poniendo fin a la vida del héroe con suicidio. El pintor percibió este gesto como un fuerte anuncio de que su viejo amigo no creía ni en el artista ni en su arte. Así terminó la amistad entre dos genios de la época: un gran escritor y un gran artista. En tercer lugar, el despótico padre del pintor murió, dejándole una herencia sustancial.
Dos años más tarde, Cézanne realiza un notable retrato doble de su hijo Paul, vestido de Arlequín, y de su amigo, vestido de Pierrot. El cuadro “Pierrot y Arlequín” (1888, Museo Estatal de Bellas Artes que lleva el nombre de A. S. Pushkin, Moscú) representa una escena del festival de carnaval de Maslenitsa que tuvo lugar justo antes de la Cuaresma (por lo que el segundo nombre del cuadro es “Mardigra” , es decir, "Maslenitsa"). En el lienzo, el padre admira abiertamente a su hijo. Vemos al majestuoso y arrogante apuesto Paul emergiendo de detrás de escena, mirando al espectador. En este contexto, el distante Pierrot, encorvado en una posición bastante absurda, parece una página útil.
A petición de Hortense, en 1888 los Cézanne se trasladaron a París. Un año después, se presentó en la Exposición Universal el cuadro del artista “La casa del ahorcado”, gracias a la proyección del coleccionista Victor Choquet. Pero la obra pasó desapercibida para el público porque estaba colocada demasiado alta.
Una vez más, las obras de Cézanne no fueron vistas ni quisieron ser vistas, y su talento volvió a quedar sin reconocimiento. El pintor ya tenía más de sesenta años, los problemas de salud lo obligaron a cambiar constantemente de lugar de residencia, pero continuó pintando e incluso cumplió su sueño de juventud: creó su propia obra en el espíritu de la obra "Los jugadores de cartas" de Louis Le. Nain, que le causó una gran impresión incluso en su juventud.
El cuadro "Jugadores de cartas" (1892, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York) es una obra de género que representa a tres jóvenes practicando su pasatiempo favorito. La figura del observador en el fondo está cortada a la altura de los hombros por el borde superior del cuadro, gracias a ella, en términos compositivos el lienzo parece inacabado. Buscando una expresión clara y precisa de la idea, Cézanne escribió varias versiones de esta obra. La versión final del cuadro del mismo nombre, creado aproximadamente al mismo tiempo, sorprende por su plenitud, concisión y simetría, para superar cuya influencia excesiva, Cézanne corta la espalda del jugador derecho.
Los centros compositivos y semánticos de la imagen coinciden: son las manos de dos hombres sentados, que parecen enmarcar con orgullo una botella de vino. La obra carece del género estricto inherente a la versión anterior. Aquí no hay nada superfluo, todo es muy estricto y sumamente expresivo. Los jugadores están completamente absortos en su ocupación, el tiempo parece haberse detenido para ellos, el mundo entero está concentrado en dos figuras inclinadas una hacia la otra. Aquí y ahora, la disposición de las cartas contiene el significado más importante; el juego para ellos se convierte en una especie de rito sagrado, gracias al cual la imagen misma adquiere un cierto significado sagrado. Quizás la botella de vino sobre el mantel rojo tenga el significado simbólico tradicional de sangre y expiación.
El retrato “El tipo del chaleco rojo” (1888-1890, Museo de Arte Moderno, Nueva York) es particularmente expresivo gracias a su magistral uso del color. La solemne combinación de colores rojo y blanco se ve reforzada por la abundancia de negro, lo que hace que el perfil del héroe del lienzo sea extremadamente claro y contrastante. Cezanne no evita el negro, como muchos impresionistas, sino que, al contrario, lo introduce en el cuadro como elemento formativo. El cabello del joven se funde con el fondo negro de las cortinas; con esta técnica, el maestro parece "infundir" el modelo en el espacio del lienzo, dándole al mismo tiempo un cierto sonido trágico. La imagen de la persona retratada es completa y completa, aunque en la imagen no hay datos específicos: ni indicación de tiempo o lugar, ni indicios del tipo de actividad del joven del chaleco rojo.
Composiciones de objetos y paisajes.
Todas las naturalezas muertas de Paul Cézanne son reconocibles: con el conjunto mínimo de objetos más simple (algunas frutas, jarrones de porcelana, platos y tazas), cortinas deliberadamente descuidadas con torceduras y numerosos pliegues arrojados sobre la mesa dan a la composición una expresividad decorativa y única.
El cuadro “Naturaleza muerta con azucarero” (hacia 1888-1890, Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo) es una de las obras más famosas de Cézanne. Aquí el pintor abandona la perspectiva lineal, no vemos un punto de fuga común de los planos en el lienzo.
Vemos una mesa rectangular con un drapeado blanco cubierto casualmente, cargada de platos de porcelana y frutas, desde dos puntos de vista a la vez: desde arriba y desde frente, lo que es imposible para el arte tradicional, que, desde el Renacimiento, ha trabajó para transmitir correctamente un lienzo tridimensional en un plano bidimensional.
Paul Cezanne construye su naturaleza muerta en contra de la principal ley de la pintura: la perspectiva. Debido a la incorrecta construcción del espacio y a la distorsión de la perspectiva, resulta imposible determinar la distancia desde la pared a la mesa, o a las patas de madera tallada visibles al fondo, aparentemente una jardinera. También queda implícita la relación entre los planos paralelos y perpendiculares de las paredes, mesa, suelo y cajones. Un espacio desprovisto de profundidad y perspectiva, construido con relativo respeto por la geometría, hace que la naturaleza muerta se parezca a la pintura religiosa, cuyo estilo fue creado y aprobado antes que la perspectiva, y a menudo la ignoraba.
Cezanne crea su propio sistema de coordenadas, en el que cada objeto se vuelve autosuficiente y puede ser en sí mismo un “modelo” para el artista. La sección "extra" de las patas de la jardinera, a primera vista, no se introdujo por una razón: es este detalle, en primer lugar, el que "sostiene" toda la composición en la esquina superior derecha del lienzo y, en segundo lugar, sirve como un poderoso acento colorista en el fondo de color frío general de la parte superior de la imagen, sus tonos marrones hacen eco armoniosamente del tablero marrón de la mesa y los tonos cálidos de la fruta madura. No es casualidad que el artista coloque libremente los objetos en el plano de la mesa, sin combinarlos en grupos; si eliminamos mentalmente alguno de ellos, la integridad de la composición no se verá comprometida.
Los mismos rasgos son característicos de "Naturaleza muerta con manzanas y naranjas" (1895, Museo de Orsay, París), "Naturaleza muerta con cortinas" (1899, Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo) y "Naturaleza muerta con berenjenas". (1893-1894, Museo Metropolitano de Arte, Nueva York). En la primera obra es especialmente evidente el papel de las telas, formando el espacio con sus pintorescos pliegues. Son las lujosas telas las que llenan toda la superficie del lienzo. Hacen innecesaria la perspectiva; en ausencia de un sistema de coordenadas familiar, el espacio pierde su tridimensionalidad. Un montón de pliegues caótico, a primera vista, esconde muebles y locales. No está del todo claro dónde se encuentran los objetos. Gracias a este efecto se crea la impresión de un carácter decorativo acentuado, e incluso de teatralidad, que se ve aún más realzada por la interpretación plana del espacio.
En esta naturaleza muerta, el maestro trabaja con el color de forma muy expresiva. Telas orientales brillantes, que recuerdan a las exóticas cortinas de las pinturas del gran pintor romántico Eugène Delacroix, que fue un ídolo de Cézanne, crean el telón de fondo para un mantel blanco como la nieve doblado descuidadamente y un jarrón de porcelana. La atención del espectador se dirige primero a este lugar deslumbrante y de compleja construcción, para disfrutar de la interpretación magistral de la tela, y luego se concentra en la fruta brillante, como si brillara sobre un fondo blanco. Es el color blanco el que organiza hábilmente toda la composición. Evita que la vista se pierda en los colores festivos y deambule por el lienzo, aportando rigor a la combinación de colores y “recogiendo” la composición hacia el centro.
Con la ayuda del color se consigue la unidad de la composición en “Naturaleza muerta con berenjenas”. Gracias a los fríos tonos azul-lila, el lienzo parece sorprendentemente sólido, al tiempo que tiene un contraste brillante en forma de manzanas de color rojo anaranjado. La tonalidad general de la obra se suaviza, como una disposición aleatoria de objetos en una naturaleza muerta. Si no fuera por el color, los jarrones de cerámica, el plato y la botella, colocados demasiado cerca uno del otro, parecerían un montón absurdo de cosas al azar.
Una de las pruebas de la depresión interior de los artistas es la “Naturaleza muerta con calaveras” (1898-1900, colección privada). Obras similares aparecieron en el arte mundial entre los holandeses y pertenecían a las obras de "vanitas" ("vanidad de vanidades"), que simboliza la fragilidad de todas las cosas terrenales. Los restos mortales apilados unos encima de otros se muestran en primer plano y ocupan la mayor parte de la superficie del lienzo. La ausencia de otros objetos en la imagen y las cuencas de los ojos vacías, que atraen la mirada del espectador, dan lugar a asociaciones blasfemas con un retrato y no con una naturaleza muerta.
Aunque Cézanne era el principal heredero de su padre, su familia vendió su amada propiedad en Aix sin su conocimiento. También fueron destruidos los efectos personales de Cézanne el mayor e incluso los muebles que el artista recordaba de la infancia.
Molesto por la pérdida de su casa, el pintor decide comprarse una finca, con el lúgubre nombre de Castillo Negro. A pesar de que esta intención nunca se cumplió, Cezanne dedicó a este lugar varios de sus paisajes: "El bosque cerca de las cuevas rocosas sobre el Castillo Negro" (1900-1904, National Gallery, Londres), así como "Mill on the River". ”(1900-1906, Marlborough Art Gallery, Londres). En ellos, el artista, como antes, descompone todas las formas en sus componentes, pero va más allá: en general, el estilo de las obras no se acerca más al postimpresionismo, sino a la abstracción.
El monte Santa Victoria se convirtió en el lugar favorito de Paul Cézanne para crear sus paisajes. Admiraba su majestuosa belleza incluso en su juventud. En el último período de su creatividad, el maestro pintó repetidamente vistas de esta montaña, transmitiendo su belleza en diferentes condiciones atmosféricas y bajo diferente iluminación.
Hacia el final de su vida, Cézanne concibió una composición de gran formato y de múltiples figuras de bañistas desnudos en el regazo de la naturaleza. El artista sueña desde hace mucho tiempo con pintar este lienzo y existen varias versiones del mismo, creadas en diferentes épocas. Debido a su timidez natural y falta de fondos, Cezanne nunca utilizó los servicios de modelos. Por eso, para crear su composición a partir de varios cuerpos femeninos desnudos, incluso pidió a uno de sus amigos que le consiguiera fotografías de desnudos femeninos. Quizás esto explique una cierta angulosidad de todas las figuras creadas por el artista sin depender de la naturaleza.
En el lienzo "Grandes bañistas" (hacia 1906, Museo de Arte, Filadelfia), el pintor trabajó mucho y duro, pensando cuidadosamente en la disposición de figuras desnudas en el espacio, controlando meticulosamente el ritmo de las líneas del cuerpo y los brazos extendidos, que, juntos con troncos de árboles doblados, forman un semicírculo armonioso. Se suponía que la obra se convertiría en una obra maestra, una especie de apogeo de la obra de Cézanne. El artista esperaba encontrarse a sí mismo a través de la armonía entre “la redondez del pecho de una mujer y los hombros de las colinas”. Desafortunadamente, nunca sabremos qué le gustaría ver finalmente al artista en su obra, ya que la muerte interrumpió su trabajo.
Fama mundial que llegó demasiado tarde
Paul Cézanne era un solitario, siguió su propio camino invicto, comprendido por casi nadie y ridiculizado por muchos. El artista no quería una simple reproducción de la naturaleza, buscaba comprender su esencia interior y transmitir esta estructura fundamental en el plano del lienzo. La creatividad del maestro anticipó el arte del cubismo y la abstracción, representando la realidad refractada por la conciencia de una persona en particular. Cézanne reveló al mundo un “arte nuevo”, completamente construido en su mente y, por tanto, profundamente original e individual.
Sólo hacia el final de su vida el reconocimiento comenzó a llegar gradualmente al artista. A finales de la década de 1880, el marchante de arte parisino Ambroise Vollard se interesó por la obra de Cézanne. Primero estudió las obras del maestro, las miró atentamente y se interesó por las opiniones de otros artistas. Después de muchas deliberaciones, Vollard decide localizar a Cézanne para organizar su primera exposición individual.
Inaugurada en 1895, la exposición cubrió todos los períodos de la obra del pintor, mostrando la evolución de su visión creativa y revelando al desconocido Cézanne a todos. Quienes acudieron a apoyar al artista, Claude Monet, Edgar Degas, Pierre Auguste Renoir y Camille Pissarro, quedaron asombrados. Monet y Degas compraron inmediatamente varias obras de un viejo amigo y el público parisino ya estaba dispuesto a aceptar el arte de Cézanne.
Después de la primera exposición vino la segunda. Vollar, aunque a bajo precio, compraba constantemente las obras del artista. Dos de sus cuadros fueron adquiridos por la Galería Nacional de Berlín. Pero no fue hasta 1900 que el pintor finalmente obtuvo reconocimiento en su tierra natal, en Aix, poniendo fin al acoso y al ridículo.
Poco a poco, gracias a la participación en la Exposición Internacional de París y otros eventos dedicados al arte, Cezanne se hizo famoso en todo el mundo y el nombre del artista se convirtió en una leyenda. Sin embargo, lamentablemente, este merecido reconocimiento llegó al pintor muy tarde. El 22 de octubre de 1906 murió Paul Cézanne. Sólo después de la muerte del artista sus pinturas encontraron realmente un público.
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Infancia y juventud
Paul Cézanne nació en Aix-en-Provence, Francia, en la familia de un sombrerero y prestamista, que trataba a todos los que lo rodeaban con frialdad y arrogancia. El niño no tenía amigos debido a que su padre tenía mala reputación como persona. Aunque el negocio iba bien y la familia tenía suficiente dinero, Paul creció privado de amor y cuidados. A menudo tenía que quedarse solo en la finca y estudiar ciencias o diversas artes. El niño recibió una buena educación, que abarcó la mayoría de las materias populares en ese momento, pero aun así fue enviado a la escuela de San José. En la escuela se convirtió en un marginado, nadie quería ser su amigo ni jugar con él, por lo que el niño trató de ser el mejor en todo para poder completar sus estudios lo más rápido posible. Después de completar su educación escolar, el joven ingresó en el Bourbon College.
Elegir un camino de vida
Considerando que Paul se dedicó por completo a sus estudios, recibió numerosos premios por sus buenos logros. La elección de su dirección fue típica de aquellos tiempos, la presencia obligatoria de sujetos religiosos no molestó al joven, pero tampoco despertó mucho interés. Logró memorizar textos complejos en diferentes idiomas en poco tiempo, que utilizó más de una vez en el futuro como su carta de triunfo. El mundo de la pintura atrajo a Paul desde muy joven, pero no tuvo acceso al proceso mismo de creación de pinturas. Sólo después de graduarse de la universidad pudo probar suerte con la pintura. El padre del joven vio que el alma de su hijo se sentía atraída por el mundo del arte y, contrariamente a sus deseos, le permitió ir a París.
El comienzo de un viaje creativo.
En París, el joven estudió las obras de artistas contemporáneos y grandes maestros del pasado, pero no intentó ingresar a la Academia de las Artes. En las primeras obras de Paul como artista se puede notar tristeza y moderación. Trabajó de manera inepta y se notaba demasiado la falta de conocimientos básicos necesarios para trabajar sobre lienzo. Pero esto no detuvo a Cézanne y decidió desarrollar su estilo a través de numerosos ensayos sobre diversos temas. Paul mostró abiertamente su carácter y sus emociones en cada cuadro. La paleta de colores no estaba predeterminada, cada vez los colores cambiaban dependiendo del estado de ánimo del artista. El verdadero avance se produjo después de que Paul conoció a Pizarro. Descubrió muchas técnicas diferentes para el joven artista y le ayudó a reconstruir su técnica en una pincelada más separada. Tras cambiar de círculo social y familiarizarse con el mundo de los artistas, Cézanne empezó a predominar en colores y temas más alegres y soleados.
Talento no apreciado
Sin embargo, a pesar de los cambios, la sociedad todavía no aceptaba al joven artista. Sus pinturas carecían de una composición planificada y siempre se fusionaban en una mancha continua de color. A pesar del fuerte apoyo de otros postimpresionistas que tuvieron más éxito entre el público, el artista permaneció en la sombra. A pesar de la forma inusual de ejecución, que se parecía vagamente al realismo, Cézanne fue un feroz oponente de la representación decorativa de objetos de la vida real. Rechazó por completo a Van Gogh y Gauguin como artistas, considerando que sus obras eran infantiles. La forma de Cézanne de presentar el paisaje era única en su género; se podían distinguir los primeros brotes del cubismo. En el futuro, en las obras de los artistas que trabajaban en el cubismo, aunque había una similitud con su estilo de ejecución, no había esa transferencia brillante y pintorescamente clásica de formas y sentimientos.
Reconocimiento del talento por parte de los seguidores
En 1895, después de una gran exposición organizada exclusivamente para las obras de Cézanne, llamó la atención de varios jóvenes dibujantes que querían ser sus alumnos. Este evento puede considerarse el primer gran avance en el reconocimiento del artista por parte de la sociedad. El público aún no percibía su pintura como un producto de la más alta calidad, que de alguna manera merece admiración. En 1897, el artista perdió a su madre, aunque no eran muy cercanos, la lloró y durante algún tiempo no tomó un pincel. Tras el estilo de vida fácil y despreocupado que llevó, la siguió una larga estela de diversas deudas. Para saldar todas sus deudas, el artista tuvo que vender uno de los cuadros más populares de la época, “Zsa de Bouffant”.
Últimos años de creatividad y muerte.
En un intento por poner orden en su vida, el artista compró una pequeña casa en Aix, que utilizó como estudio y escuela en la que enseñaba a sus alumnos. Aunque muchos al principio lo consideraron maleducado y antipático, al conocerlo mejor se enamoraron de su amabilidad. Muchos de sus alumnos hablaron de él como un mentor paciente y atento. El dibujo se convirtió en todo para Paul. Desde muy joven hasta muy viejo, lo dio todo para demostrarse a sí mismo y al mundo que tenía talento. Fue la pintura, que tanto amaba, la que lo arruinó; después de quedar atrapado en una tormenta durante un plein air, cayó enfermo. El cuerpo anciano no pudo hacer frente a la enfermedad y el artista murió en 1906.
- Los jugadores de cartas, durante una exposición en París en 1961, fue robada directamente del museo junto con algunas otras pinturas. Los detalles sobre su devolución no están claros: algunas fuentes dicen que las pinturas fueron devueltas varios meses después después de que se pagó un rescate, mientras que otras afirman que todas las pinturas fueron encontradas un año después en Marsella en un coche abandonado.
- En la historia del arte, fue la fecundidad de los intentos de Cezanne de crear un nuevo gran estilo, y no el estilo de Cezanne en sí como canon artístico, lo que constituyó su fama. Esto es tanto más cierto cuanto que de las obras de Cézanne se pueden extraer diversas conclusiones artísticas. Son multidimensionales, lo que en sí mismo es característico de muchas obras destacadas de diferentes épocas, pero la multidimensionalidad en la era de las búsquedas artísticas libres adquiere un significado especial.
- Cézanne empezó a limitarse a tres colores: verde, azul y ocre, mezclados, naturalmente, con el color blanco del propio lienzo. Cézanne necesitaba este enfoque en la elección de colores para lograr el resultado artístico más significativo con un mínimo de medios. Durante este período, la escultura de formas sobre lienzo, así como su generalización, se volvió más lacónica.
- En su obra, el artista intentó, a costa de esfuerzos titánicos, reconciliar los clásicos y la modernidad, Poussin y la naturaleza, las leyes del gran estilo y el derecho a la elección individual.
