Ana Karénina. Lev Tolstoi
La historia de amor más grande de todos los tiempos. Una historia que no ha abandonado el escenario, ha sido filmada innumerables veces y aún no ha perdido el encanto ilimitado de la pasión, destructiva, destructiva, ciega, pero aún más fascinante por su grandeza.
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Maestro y Margarita. Miguel Bulgákov
Esta es la novela más misteriosa de toda la historia de la literatura rusa del siglo XX. Esta es una novela que casi oficialmente se llama "El evangelio de Satanás". Este es “El Maestro y Margarita”. Un libro que se puede leer y releer decenas, cientos de veces, pero lo más importante es que sigue siendo imposible de entender. Entonces, ¿qué páginas de “El Maestro y Margarita” fueron dictadas por las Fuerzas de la Luz?
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Cumbres borrascosas. Emily Brontë
¡Una novela de misterio incluida entre las diez mejores novelas de todos los tiempos! La historia de una pasión tormentosa y verdaderamente demoníaca que ha excitado la imaginación de los lectores durante más de cien años y medio. Katie le entregó su corazón a su prima, pero la ambición y la sed de riqueza la empujan a los brazos de un hombre rico. La atracción prohibida se convierte en una maldición para los amantes secretos, y un día.
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Eugenio Oneguin. Alejandro Pushkin
“¿Has leído "Onegin"? ¿Qué puedes decir sobre "Onegin"? Estas son las preguntas que se repiten constantemente entre los escritores y lectores rusos”, señaló el escritor, editor emprendedor y, por cierto, héroe de los epigramas de Pushkin, Tadeo Bulgarin, después de la publicación del segundo capítulo de la novela. Desde hace mucho tiempo no es costumbre evaluar ONEGIN. En palabras del mismo Bulgarin, está “escrito en los poemas de Pushkin. Eso es suficiente."
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Catedral de Notre Dame. Victor Hugo
Una historia que ha sobrevivido a siglos, se ha convertido en canon y ha dado a sus héroes la gloria de nombres conocidos. Una historia de amor y tragedia. El amor de aquellos a quienes el amor no fue dado ni permitido: por dignidad religiosa, debilidad física o por la mala voluntad de otra persona. La gitana Esmeralda y el campanero sordo y jorobado Quasimodo, el sacerdote Frollo y la capitana de los fusileros reales Phoebe de Chateaupert, la bella Fleur-de-Lys y el poeta Gringoire.
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Lo que el viento se llevó. Margarita Mitchell
La gran saga de la Guerra Civil estadounidense y el destino de la testaruda Scarlett O'Hara se publicó por primera vez hace más de 70 años y sigue vigente hasta el día de hoy. Esta es la única novela de Margaret Mitchell por la que recibió un premio Pulitzer. Una historia sobre una mujer que ni una feminista incondicional ni una acérrima defensora de la construcción de viviendas se avergüenzan de emular.
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Romeo y Julieta. William Shakespeare
Ésta es la mayor tragedia sobre el amor que el genio humano puede crear. Una tragedia que se ha filmado y se está filmando. Una tragedia que hasta el día de hoy no abandona los escenarios del teatro y que todavía suena como si hubiera sido escrita ayer. Pasan los años y los siglos. Pero una cosa permanece y permanecerá inalterada para siempre: “No hay historia más triste en el mundo que la historia de Romeo y Julieta…”
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El gran Gatsby. Francisco Fitzgerald
"El gran Gatsby" es el pináculo no sólo de la obra de Fitzgerald, sino también uno de los mayores logros de la prosa mundial del siglo XX. Aunque la novela se desarrolla en los “felices” años veinte del siglo pasado, cuando las fortunas se hacían literalmente de la nada y los criminales de ayer se convertían en millonarios de la noche a la mañana, este libro vive fuera del tiempo porque, al contar la historia de los destinos rotos de la generación de la “era del jazz”.
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Tres mosqueteros. Alejandro Duma
La novela histórica y de aventuras más famosa de Alexandre Dumas cuenta las aventuras del gascón d'Artagnan y sus amigos mosqueteros en la corte del rey Luis XIII.
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Conde de Montecristo. Alejandro Duma
El libro presenta una de las novelas de aventuras más apasionantes del clásico de la literatura francesa del siglo XIX, Alexandre Dumas.
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Arco triunfal. Erich Observatorio
Una de las novelas de amor más bellas y trágicas de la historia de la literatura europea. La historia del Dr. Ravic, un refugiado de la Alemania nazi, y la bella Joan Madu, que se ve enredada en la “insoportable levedad del ser”, se desarrolla en el París de antes de la guerra. Y el alarmante momento en el que estos dos se conocieron y se enamoraron se convierte en uno de los personajes principales del Arco de Triunfo.
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El hombre que ríe. Victor Hugo
Gwynplaine, señor de nacimiento, fue vendido cuando era niño a bandidos comprachicos, quienes hicieron del niño un hermoso bufón, tallando en su rostro una máscara de “risa eterna” (en las cortes de la nobleza europea de esa época había una moda para lisiados y fenómenos que divertía a los dueños). A pesar de todas las pruebas, Gwynplaine conservó las mejores cualidades humanas y su amor.
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Martín Edén. Jack London
Un simple marinero, en quien es fácil reconocer al propio autor, recorre un camino largo y lleno de dificultades hacia la inmortalidad literaria... Por casualidad, al encontrarse en una sociedad secular, Martin Eden está doblemente feliz y sorprendido... por el don creativo que despertó en él, y por la imagen divina de la joven Ruth Morse, tan distinta a todas las personas que conoció antes... A partir de ahora, dos objetivos se le plantean implacablemente.
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Hermana Kerry. Theodore Dreiser
La publicación de la primera novela de Theodore Dreiser estuvo plagada de dificultades que llevaron a su creador a una grave depresión. Pero el futuro de la novela "La hermana Carrie" resultó feliz: fue traducida a muchos idiomas extranjeros y reeditada en millones de copias. Cada vez más generaciones de lectores disfrutan sumergiéndose en las vicisitudes del destino de Caroline Mieber.
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Tragedia americana. Theodore Dreiser
La novela "Una tragedia americana" es el pináculo de la obra del destacado escritor estadounidense Theodore Dreiser. Dijo: “Nadie crea tragedias: la vida las crea. Los escritores sólo los retratan”. Dreiser logró retratar la tragedia de Clive Griffiths con tanto talento que su historia no deja indiferente al lector moderno.
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Los Miserables. Victor Hugo
Jean Valjean, Cosette, Gavroche: los nombres de los héroes de la novela se han convertido desde hace mucho tiempo en nombres familiares, el número de sus lectores en el siglo y medio desde la publicación del libro no ha disminuido, la novela no ha perdido popularidad. Un caleidoscopio de rostros de todos los estratos de la sociedad francesa de la primera mitad del siglo XIX, personajes brillantes y memorables, sentimentalismo y realismo, una trama tensa y apasionante.
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Las aventuras del buen soldado Schweik. Jaroslav Hasek
Una novela genial, original y escandalosa. Un libro que puede percibirse tanto como un "cuento de soldado" como una obra clásica directamente relacionada con las tradiciones del Renacimiento. Este es un texto chispeante que te hace reír hasta llorar, y un poderoso llamado a “dejar las armas”, y una de las evidencias históricas más objetivas de la literatura satírica..
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Ilíada. Homero
El atractivo de los poemas de Homero no es sólo que su autor nos introduce en un mundo separado de la modernidad por decenas de siglos y, sin embargo, inusualmente real gracias al genio del poeta, que conservó en sus poemas el ritmo de la vida contemporánea. La inmortalidad de Homero radica en el hecho de que sus brillantes creaciones contienen reservas inagotables de valores humanos universales: razón, bondad y belleza.
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Hierba de San Juan. James Cooper
Cooper logró encontrar y describir en sus libros la originalidad y el brillo inesperado del continente recién descubierto, que logró cautivar a toda la Europa moderna. Cada nueva novela del escritor era esperada con impaciencia. Las emocionantes aventuras del valiente y noble cazador y rastreador Natty Bumppo cautivaron a lectores jóvenes y adultos..
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Doctor Zhivago. Borís Pasternak
La novela "Doctor Zhivago" es una de las obras más destacadas de la literatura rusa, que durante muchos años permaneció cerrada a una amplia gama de lectores en nuestro país, que sólo la conocían a través de críticas partidistas escandalosas y sin escrúpulos.
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Don Quixote. Miguel Cervantes
¿Qué nos dicen hoy los nombres de Amadís de Galia, Palmero de Inglaterra, Don Belianis de Grecia, Tirante el Blanco? Pero fue precisamente como una parodia de las novelas sobre estos caballeros que se creó “El astuto hidalgo Don Quijote de la Mancha” de Miguel de Cervantes Saavedra. Y esta parodia ha sobrevivido al género parodiado durante siglos. "Don Quijote" fue reconocida como la mejor novela de toda la historia de la literatura mundial.
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Ivanhoe. Walter Scott
“Ivanhoe” es una obra clave de la serie de novelas de W. Scott, que nos trasladan a la Inglaterra medieval. El joven caballero Ivanhoe, que regresó en secreto de la Cruzada a su tierra natal y fue privado de su herencia por voluntad de su padre, tendrá que defender su honor y el amor de la bella dama Rowena... El rey Ricardo Corazón de León y el El legendario ladrón Robin Hood acudirá en su ayuda.
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Jinete sin cabeza. caña principal
La trama de la novela está construida con tanta habilidad que te mantiene en vilo hasta la última página. No es casualidad que la emocionante historia del noble mustanger Maurice Gerald y su amante, la bella Louise Poindexter, investigando el siniestro misterio del jinete sin cabeza, cuya figura aterroriza a los habitantes de la sabana con su aparición, fuera extremadamente amada por los lectores de Europa y Rusia.
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Estimado amigo. Guy de Maupassant
La novela "Querido amigo" se convirtió en uno de los símbolos de la época. Esta es la novela más poderosa de Maupassant. A través de la historia de Georges Duroy, que se abre camino hacia la cima, se revela la verdadera moral de la alta sociedad francesa; el espíritu de corrupción que reina en todos sus ámbitos contribuye a que una persona corriente e inmoral, como Maupassant héroe, logra fácilmente el éxito y la riqueza.
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Almas muertas. Nikolai Gógol
La publicación del primer volumen de "Dead Souls" de N. Gogol en 1842 provocó una acalorada controversia entre los contemporáneos, dividiendo a la sociedad entre fanáticos y oponentes del poema. “...Hablando de “Dead Souls”, se puede hablar mucho de Rusia...” - esta opinión de P. Vyazemsky explica el motivo principal de la controversia. La pregunta del autor sigue siendo relevante: "Rus, ¿adónde vas, dame la respuesta?"
Escuche algo de los clásicos: ¿qué podría ser mejor? Especialmente los fines de semana, cuando quieres relajarte, olvidarte de las preocupaciones del día, de las preocupaciones de la semana laboral, soñar con cosas bonitas y simplemente levantar el ánimo. Piénselo, las obras clásicas fueron creadas por autores brillantes hace tanto tiempo que es difícil creer que algo pueda sobrevivir tantos años. Y estas obras todavía son amadas y escuchadas, se crean arreglos e interpretaciones modernas. Incluso en las adaptaciones modernas, las obras de compositores brillantes siguen siendo música clásica. Como él mismo admite, las obras clásicas son ingeniosas y todo lo ingenioso no puede ser aburrido.
Probablemente todos los grandes compositores tienen un oído especial, una sensibilidad especial al tono y la melodía, lo que les permitió crear música que disfrutan decenas de generaciones no sólo de sus compatriotas, sino también de aficionados a la música clásica de todo el mundo. Si todavía tienes dudas sobre si te encanta la música clásica, entonces debes reunirte con ella y verás que, de hecho, ya eres un fanático de la música hermosa desde hace mucho tiempo.
Y hoy hablaremos de los 10 compositores más famosos del mundo.
Johann Sebastian Bach
El primer lugar le pertenece merecidamente. Un genio nació en Alemania. El compositor más talentoso escribió música para clavecín y órgano. El compositor no creó un nuevo estilo musical. Pero supo crear la perfección en todos los estilos de su época. Es autor de más de 1000 ensayos. en sus obras Llevar una vida de soltero combinó diferentes estilos musicales que conoció a lo largo de su vida. A menudo el romanticismo musical se combinaba con el estilo barroco. En la vida Juan Bach Como compositor no recibió el reconocimiento que merecía, el interés por su música surgió casi 100 años después de su muerte. Hoy se le considera uno de los más grandes compositores que jamás hayan existido en la tierra. Su singularidad como persona, profesor y músico se reflejó en su música. Llevar una vida de soltero sentó las bases de la música de los tiempos Nuevos y Contemporáneos, dividiendo la historia de la música en pre-Bach y post-Bach. Existe la opinión de que la música. Llevar una vida de soltero sombrío y lúgubre. Su música es bastante fundamental y minuciosa, sobria y centrada. Como los reflejos de una persona madura y mundana. Creación Llevar una vida de soltero influyó en muchos compositores. Algunos de ellos se inspiraron en sus obras o utilizaron temas de ellas. Y músicos de todo el mundo tocan música. Llevar una vida de soltero, admirando su belleza y perfección. Una de las obras más sensacionales. "Conciertos de Brandeburgo"- excelente prueba de que la música Llevar una vida de soltero No se puede considerar demasiado sombrío:
Wolfgang Amadeus Mozart
Se le considera, con razón, un genio. A los 4 años ya dominaba el violín y el clavicémbalo, a los 6 años comenzó a componer música y a los 7 ya improvisaba hábilmente con el clavicémbalo, el violín y el órgano, compitiendo con músicos famosos. Ya a los 14 años mozart- un compositor reconocido y, a la edad de 15 años, miembro de las academias de música de Bolonia y Verona. Por naturaleza, tenía un oído fenomenal para la música, memoria y capacidad de improvisación. Creó una asombrosa cantidad de obras: 23 óperas, 18 sonatas, 23 conciertos para piano, 41 sinfonías y mucho más. El compositor no quiso imitar, intentó crear un nuevo modelo que reflejara la nueva individualidad de la música. No es casualidad que en Alemania la música mozart Llamada “música del alma”, en sus obras el compositor mostró rasgos de su naturaleza sincera y amorosa. El mayor melodista concedía especial importancia a la ópera. óperas mozart- una era en el desarrollo de este tipo de arte musical. mozart ampliamente reconocido como uno de los más grandes compositores: su singularidad radica en el hecho de que trabajó en todas las formas musicales de su tiempo y logró el mayor éxito en todas ellas. Una de las obras más reconocibles. "Marcha turca":
Ludwig van Beethoven
Otro gran alemán fue una figura importante del período romántico-clásico. Incluso aquellos que no saben nada de música clásica lo saben. beethoven es uno de los compositores más interpretados y respetados del mundo. El gran compositor fue testigo de los tremendos trastornos que se produjeron en Europa y volvió a trazar su mapa. Estos grandes levantamientos, revoluciones y enfrentamientos militares se reflejan en la obra del compositor, especialmente en las obras sinfónicas. Encarnó imágenes de lucha heroica en la música. En obras inmortales beethoven Escucharás la lucha por la libertad y la hermandad de las personas, la fe inquebrantable en la victoria de la luz sobre la oscuridad, así como los sueños de libertad y felicidad para la humanidad. Uno de los hechos más famosos y sorprendentes de su vida es que su enfermedad del oído se convirtió en una sordera total, pero a pesar de ello, el compositor continuó escribiendo música. También fue considerado uno de los mejores pianistas. Música beethoven Sorprendentemente simple y comprensible para los círculos más amplios de oyentes. Las generaciones e incluso las épocas cambian, y la música beethoven todavía emociona y deleita los corazones de la gente. Una de sus mejores obras - "Sonata de luz de Luna":
Richard Wagner
Con el nombre del gran Richard Wagner más frecuentemente asociado con sus obras maestras "Coro de bodas" o "Cabalgata de las valquirias". Pero no sólo es conocido como compositor, sino también como filósofo. wagner consideraba sus obras musicales como una forma de expresar un determinado concepto filosófico. CON wagner Comenzó una nueva era musical de óperas. El compositor intentó acercar la ópera a la vida; la música para él es sólo un medio. Richard Wagner- creador del drama musical, reformador de las óperas y del arte de dirigir, innovador del lenguaje armónico y melódico de la música, creador de nuevas formas de expresividad musical. wagner- autor del aria solista más larga del mundo (14 minutos 46 segundos) y de la ópera clásica más larga del mundo (5 horas y 15 minutos). En la vida Richard Wagner Se le consideraba una persona controvertida, adorada u odiada. Y muchas veces ambos juntos. El simbolismo místico y el antisemitismo lo convirtieron en el compositor favorito de Hitler, pero cerraron el camino a su música en Israel. Sin embargo, ni los partidarios ni los opositores del compositor niegan su grandeza como compositor. Maravillosa música desde las primeras notas. Richard Wagner Te absorbe por completo, sin dejar lugar a disputas y desacuerdos:
Francisco Schubert
El compositor austriaco es un genio musical, uno de los mejores compositores de canciones. Tenía sólo 17 años cuando escribió su primera canción. En un día podía escribir 8 canciones. Durante su vida creativa, creó más de 600 composiciones basadas en poemas de más de 100 grandes poetas, entre ellos Goethe, Schiller y Shakespeare. Es por eso Francisco Schubert en el top 10. Aunque la creatividad Schubert muy diverso en el uso de géneros, ideas y reencarnaciones, lo predominante y definitorio en su música es la voz y las letras de las canciones. Antes Schubert la canción era considerada un género insignificante y fue él quien la elevó al nivel de perfección artística. Además, combinó la canción aparentemente incompatible y la música sinfónica de cámara, lo que dio lugar a una nueva dirección de la sinfonía lírico-romántica. Las letras vocales y de canciones son un mundo de experiencias humanas simples y profundas, sutiles e incluso íntimas, expresadas no en palabras, sino en sonido. Francisco Schubert Vivió una vida muy corta, sólo 31 años. El destino de las obras del compositor no es menos trágico que su vida. Después de la muerte Schubert Quedaron muchos manuscritos inéditos, almacenados en estanterías y cajones de familiares y amigos. Incluso los más cercanos a él no sabían todo lo que escribía, y durante muchos años fue reconocido principalmente sólo como el rey de la canción. Algunas de las obras del compositor se publicaron sólo medio siglo después de su muerte. Una de las obras más queridas y famosas. Francisco Schubert – "Serenata vespertina":
Roberto Schumann
Con un destino igualmente trágico, el compositor alemán es uno de los mejores compositores de la época romántica. Creó música de una belleza asombrosa. Para hacerse una idea del romanticismo alemán del siglo XIX, basta con escuchar "Carnaval" Roberto Schumann. Pudo liberarse de las tradiciones musicales de la época clásica, creando su propia interpretación del estilo romántico. Roberto Schumann Estaba dotado de muchos talentos, e incluso durante mucho tiempo no supo decidirse entre música, poesía, periodismo y filología (era políglota y traducía con fluidez del inglés, francés e italiano). También fue un pianista increíble. Y, sin embargo, la principal vocación y pasión. Schumann había música. Su música poética y profundamente psicológica refleja en gran medida la dualidad de la naturaleza del compositor, una oleada de pasión y evasión al mundo de los sueños, la conciencia de la realidad vulgar y el deseo de lo ideal. Una de las obras maestras Roberto Schumann, que todo el mundo debería oír:
Federico Chopin
Quizás el polaco más famoso del mundo de la música. Ni antes ni después del compositor nació en Polonia un genio musical de este nivel. Los polacos están increíblemente orgullosos de su gran compatriota, y en su obra el compositor glorifica más de una vez su tierra natal, admira la belleza de los paisajes, lamenta el trágico pasado y sueña con un gran futuro. Federico Chopin- uno de los pocos compositores que escribió música exclusivamente para piano. Su herencia creativa no incluye óperas ni sinfonías, pero presenta piezas para piano en toda su diversidad. Sus obras forman la base del repertorio de muchos pianistas famosos. Federico Chopin es un compositor polaco que también es conocido como un pianista talentoso. Vivió sólo 39 años, pero logró crear muchas obras maestras: baladas, preludios, valses, mazurcas, nocturnos, polonesas, estudios, sonatas y mucho, mucho más. Uno de ellos - "Balada nº 1, sol menor".
Franz Liszt
Es uno de los más grandes compositores del mundo. Vivió una vida relativamente larga y sorprendentemente rica, experimentó la pobreza y la riqueza, conoció el amor y enfrentó el desprecio. Además de su talento natural, tenía una fantástica capacidad de trabajo. Franz Liszt Se ganó no sólo la admiración de los conocedores y fanáticos de la música. Tanto como compositor como pianista recibió elogios universales de la crítica europea en el siglo XIX. Creó más de 1300 obras y similares. Federico Chopin dio preferencia a las obras para piano. brillante pianista Franz Liszt sabía reproducir el sonido de toda una orquesta en el piano, improvisaba con maestría, tenía una memoria fantástica para las composiciones musicales y no tenía igual en la lectura de notas a simple vista. Tenía un estilo de interpretación patético, que también se reflejaba en su música, que era emocionalmente apasionada y heroicamente alegre, creaba imágenes musicales coloridas y dejaba una impresión imborrable en los oyentes. La tarjeta de presentación del compositor son sus conciertos para piano. Una de estas obras. Y una de las obras más famosas. Liszt – "Sueños de amor":
Juan Brahms
Una figura significativa del período romántico en la música es Juan Brahms. Escuchar y amar la música. Brahms considerado de buen gusto y un signo característico de carácter romántico. Brahms No escribió una sola ópera, pero creó obras de todos los demás géneros. gloria especial Brahms trajo sus sinfonías. Ya en las primeras obras se evidencia la originalidad del compositor, que con el tiempo se transformó en su propio estilo. Si consideramos todas las obras Brahms, no se puede decir que el compositor estuviera muy influenciado por la obra de sus predecesores o contemporáneos. Y en términos de la escala de la creatividad. Brahms a menudo comparado con Llevar una vida de soltero Y beethoven. Quizás esta comparación esté justificada en el sentido de que la obra de los tres grandes alemanes representa la culminación de toda una era en la historia de la música. A diferencia de Franz Liszt vida Juan Brahms estuvo libre de acontecimientos turbulentos. Prefería la creatividad tranquila, durante su vida obtuvo el reconocimiento de su talento y el respeto universal, y también recibió importantes honores. La música más destacada en la que la fuerza creativa Brahms tuvo un efecto particularmente brillante y original, es su "Réquiem alemán", obra que el autor creó durante 10 años y dedicó a su madre. en tu musica Brahms glorifica los valores eternos de la vida humana, que residen en la belleza de la naturaleza, el arte de los grandes talentos del pasado y la cultura de su tierra natal.
Giuseppe Verdi
¡¿Sin qué se quedan los diez mejores compositores?! El compositor italiano es mejor conocido por sus óperas. Se convirtió en la gloria nacional de Italia, su obra es la culminación del desarrollo de la ópera italiana. No se pueden sobrestimar sus logros y méritos como compositor. Sus obras aún, un siglo después de la muerte del autor, siguen siendo las más populares, interpretadas y conocidas tanto por los conocedores como por los amantes de la música clásica.
Para Verdi Lo más importante en la ópera era el drama. Las imágenes musicales creadas por el compositor de Rigoletto, Aida, Violetta y Desdémona combinan orgánicamente el brillante melodismo y la profundidad de los personajes, la democracia y la sofisticación de las características musicales, las pasiones violentas y los sueños brillantes. Verdi Fue un verdadero psicólogo en la comprensión de las pasiones humanas. Su música es nobleza y poder, asombrosa belleza y armonía, melodías inexpresablemente hermosas, maravillosas arias y dúos. Las pasiones se disparan, la comedia y la tragedia se entrelazan y fusionan. Las tramas de las óperas, según él mismo admite. Verdi, debe ser “original, interesante y... apasionante, con la pasión por encima de todo”. Y la mayoría de sus obras son serias y trágicas, mostrando situaciones dramáticas emocionales y la música de los grandes. Verdi Da expresividad a lo que está sucediendo y enfatiza los acentos de la situación. Habiendo absorbido todo lo mejor que logró la escuela de ópera italiana, no negó las tradiciones operísticas, sino que reformó la ópera italiana, la llenó de realismo y le dio la unidad del todo. Al mismo tiempo, no anunció su reforma, no escribió artículos al respecto, sino que simplemente escribió óperas de una manera nueva. Procesión triunfal de una de las obras maestras Verdi- óperas - arrasaron los escenarios italianos y continuaron en Europa, así como en Rusia y América, obligando incluso a los escépticos a reconocer el talento del gran compositor.
10 compositores más famosos del mundo. actualizado: 13 de abril de 2019 por: elena
¿Cómo sería nuestra vida sin música? Durante muchos años la gente se ha hecho esta pregunta y ha llegado a la conclusión de que sin los bellos sonidos de la música el mundo sería un lugar muy diferente. La música nos ayuda a sentir más alegría, a encontrar nuestro yo interior y a afrontar las dificultades. Los compositores, al trabajar en sus obras, se inspiraron en una variedad de cosas: el amor, la naturaleza, la guerra, la felicidad, la tristeza y mucho más. Algunas de las composiciones musicales que crearon permanecerán para siempre en los corazones y recuerdos de las personas. Aquí hay una lista de diez de los compositores más grandes y talentosos de todos los tiempos. Debajo de cada compositor encontrarás un enlace a una de sus obras más famosas.
10 FOTO (VÍDEO)
Franz Peter Schubert fue un compositor austriaco que vivió sólo 32 años, pero su música perdurará por mucho tiempo. Schubert escribió nueve sinfonías, unas 600 composiciones vocales y una gran cantidad de música de cámara y de piano solo.
"Serenata vespertina"
Compositor y pianista alemán, autor de dos serenatas, cuatro sinfonías, así como conciertos para violín, piano y violonchelo. Actuó en conciertos desde los diez años y dio su primer concierto en solitario a los 14. Durante su vida, ganó popularidad principalmente gracias a los valses y danzas húngaras que escribió.
"Danza húngara nº 5".
George Frideric Handel fue un compositor alemán e inglés de la época barroca; escribió alrededor de 40 óperas, muchos conciertos de órgano y música de cámara. La música de Handel se toca en las coronaciones de los reyes ingleses desde el año 973, también se escucha en las ceremonias de bodas reales e incluso se utiliza como himno de la Liga de Campeones de la UEFA (con un pequeño arreglo).
"Música en el agua"
Joseph Haydn es un famoso y prolífico compositor austriaco de la época clásica, se le considera el padre de la sinfonía, ya que hizo importantes contribuciones al desarrollo de este género musical. Joseph Haydn es autor de 104 sinfonías, 50 sonatas para piano, 24 óperas y 36 conciertos.
"Sinfonía nº 45".
Pyotr Ilyich Tchaikovsky es el compositor ruso más famoso, autor de más de 80 obras, entre ellas 10 óperas, 3 ballets y 7 sinfonías. Fue muy popular y conocido como compositor durante su vida, y actuó como director en Rusia y en el extranjero.
"Vals de las Flores" del ballet "El Cascanueces".
Frédéric François Chopin es un compositor polaco considerado también uno de los mejores pianistas de todos los tiempos. Escribió muchas piezas musicales para piano, incluidas 3 sonatas y 17 valses.
"Vals de la lluvia".
El compositor y virtuoso violinista veneciano Antonio Lucio Vivaldi es autor de más de 500 conciertos y 90 óperas. Tuvo una gran influencia en el desarrollo del arte del violín italiano y mundial.
"Canción de los elfos"
Wolfgang Amadeus Mozart es un compositor austriaco que asombró al mundo con su talento desde la primera infancia. Ya a la edad de cinco años, Mozart componía obras breves. En total, escribió 626 obras, incluidas 50 sinfonías y 55 conciertos. 9.Beethoven 10.Bach
Johann Sebastian Bach fue un compositor y organista alemán de la época barroca, conocido como un maestro de la polifonía. Es autor de más de 1000 obras, que incluyen casi todos los géneros importantes de la época.
"Broma musical"
Conciertos para solistas y orquesta
Cada parte de esta lista va acompañada de una lista de reproducción con todas las obras mencionadas en ella.
Johann Sebastian Bach
Conciertos en Brandeburgo
Un ciclo a la vez amplio y compacto de seis capítulos de entre diez y veinte minutos de duración. Seis conciertos completamente diferentes, unidos por la pura alegría de vivir de Bach, cada uno de los cuales se convirtió en el primero de su tipo: por ejemplo, el Quinto Brandeburgo, el primer concierto para clave y orquesta.
Alba Berg
"En memoria de un ángel"
Si la ópera Wozzeck es uno de los mayores logros de la nueva escuela vienesa en el campo del teatro musical, el Concierto para violín es una obra maestra de expresión lírica. No te dejará indiferente, aunque no hay melodías memorables; pero el final del concierto se basa en una cita de Bach, entretejida orgánicamente en la estructura de la obra.
Ludwig van Beethoven
Concierto para violín y orquesta
Olvídese de todo lo que ha oído sobre la pesadez de las sinfonías de Beethoven: este concierto parece hablarle personalmente y no contiene ni un centavo. Si te aburres en el medio, serás recompensado en el final: te dará una melodía tan hermosa y triste que difícilmente podrás contener las lágrimas de agradecimiento. Uno de los mejores conciertos para violín del mundo.
Juan Brahms
Concierto para violín, violonchelo y orquesta.
Si no se crean tantos conciertos para violonchelo y orquesta como para violín o piano, entonces hay aún menos conciertos para violín y violonchelo, y más valioso es cada uno de ellos. El más brillante de ellos es el Doble Concierto de Brahms, que incorpora lo mejor de sus obras sinfónicas y de cámara. Lleno de las más bellas melodías y, a pesar de toda la moderación exterior, inusualmente emotivo.
Antonio Vivaldi
"Estaciones"
Una de las obras más populares de la música clásica, un éxito absoluto, conocida por todos. Cuatro estaciones: cuatro conciertos para violín, cada uno mejor que el otro.
George Gershwin
Rapsodia en blues
El primer intento exitoso de cruzar la música clásica y el jazz, que dio origen a más de una nueva dirección y, sin embargo, siguió siendo único.
Antonin Dvořák
Concierto para violonchelo y orquesta
Una de las primeras obras de gran formato con el violonchelo como protagonista, donde la armonía y sofisticación de la composición se combinan con la increíble accesibilidad de melodías que llegan al oído sin ningún esfuerzo.
Félix Mendelssohn
Concierto para violín y orquesta en mi menor
Todo el mundo conoce la marcha nupcial de El sueño de una noche de verano, aunque no es en absoluto la composición principal de Mendelssohn. Posee excelentes sinfonías italianas y escocesas, hermosos tríos, cuartetos y oratorios, así como el Concierto para violín: no menos importante que el de Beethoven, pero mucho más inteligible.
Serguéi Rajmáninov
Concierto para piano y orquesta n.° 3
La música de Rajmáninov y Mahler no tiene mucho en común, pero fue Mahler quien dirigió una de las primeras interpretaciones del concierto. Aunque el Tercer Concierto inicialmente permaneció a la sombra del famoso Segundo, también se encuentra entre los logros más altos del género y es una de las pruebas más serias para los participantes en los concursos de piano. Y su tema principal es una de las mejores melodías de toda la literatura musical.
Juan Sibelius
Concierto para violín y orquesta
A finales del siglo XIX, la primacía de la tradición austro-alemana en la música estaba en duda: una tras otra, se declararon nuevas escuelas nacionales: húngara, checa y polaca. El fundador de otro, el finlandés, uno de los más avanzados del mundo actual, fue Sibelius, cuyo concierto no se parece a ningún otro y, sin embargo, llega al corazón.
Ópera: de Monteverdi a Bizet y obras maestras del siglo XX
Georges Bizet
"carmen"
Cuesta creer que el estreno de Carmen no haya sido un éxito: los éxitos aquí se suceden con una densidad de la que ninguna otra gran ópera puede presumir. Obertura, habanera, coplas de Toreador, seguidilla, "Danza gitana", solo por nombrar algunos. Sólo se puede envidiar a quienes aún no los han escuchado.
Richard Wagner
"Tannhauser"
Probablemente cuando era niño te estremecías con los sonidos de “La cabalgata de las valquirias” y escuchabas muchas cosas desagradables sobre Wagner. Intenta formarte tu propia opinión sobre su música; Si las óperas de Wagner le resultan demasiado largas, los fragmentos orquestales le bastarán como punto de partida. La increíblemente hermosa obertura de la ópera "Tannhäuser" es una obra maestra valiosa en sí misma, que seguramente disfrutará, independientemente de su simpatía por las opiniones sociopolíticas del autor.
Giuseppe Verdi
"La Traviata"
“Don Giovanni”, “Carmen” y “La Traviata” son una de las tres mejores óperas del mundo. Es imposible resistirse al encanto de La Traviata, incluso si eres indiferente a la ópera italiana: la música es tan deliciosa, brillante y al mismo tiempo impregnada de un presentimiento de desastre. Una famosa historia de amor que nace y muere ante nuestros ojos.
Claudio Monteverdi
"Orfeo"
No tiene sentido colocar ninguna de las tres óperas de Monteverdi en ninguna lista de las mejores óperas: este genio italiano, que de hecho fundó la ópera como género, es muy original. Comience con “Orfeo”, sobre todo porque la toccata que la abre suena por todas partes y probablemente le resulte familiar: no podrá separarse.
Wolfgang Amadeus Mozart
"Don Juan"
Ópera de óperas, la principal de todos los tiempos y pueblos. Ninguna otra gran ópera ha mantenido tal equilibrio entre lo trágico y lo cómico, lo alto y lo bajo, la voluntad de vivir y la inevitabilidad de la muerte. Como dijo Svyatoslav Richter, "Così fan tutte" es un misticismo mayor que "Don Juan". Allá es culpa de la estatua que haya cobrado vida... Pero aquí es culpa de la mujer que haya nacido en primer lugar”.
Wolfgang Amadeus Mozart
“Esto es lo que hacen todas las mujeres” (“Così fan tutte”)
El cínico de mediana edad Don Alfonso se propone demostrar a dos jóvenes que la fidelidad de sus novias es un concepto relativo. Los chicos supuestamente van a la guerra, regresan disfrazados de extranjeros enamorados y cada uno corteja a la novia del otro. Las chicas, no sin placer, se someten a su nuevo destino y se casan, pero luego regresan los verdaderos pretendientes. Dos bodas deciden seguir adelante, aunque ninguna parece feliz. La ópera trata sobre el hecho de que las mujeres son más misteriosas e impredecibles que los hombres.
Leos Janáček
"Las aventuras de un zorro tramposo"
Según el escritor Milan Kundera, Janáček logró una hazaña al abrir el mundo de la prosa a la ópera. De hecho, las melodías de Janáček se basan en el habla humana en toda su plenitud de matices psicológicos. “Las aventuras del zorro embaucador” es la ópera más lírica del compositor checo, que habla de la coexistencia de dos mundos, el mundo humano y el mundo animal, y pide su acercamiento.
Alba Berg
"Wozzeck"
Música diferente a todo lo que hayas escuchado antes. En el segundo o tercer intento descubrirás que el lenguaje de esta ópera sobre un soldado loco no es tan extraño: el compositor simplemente no compone melodías, sino que basa la música en las entonaciones naturales del habla humana. La diferencia con Janacek, según Kundera, es obvia: “El expresionismo alemán se distingue por su actitud preferencial hacia los estados mentales excesivos, el delirio, la locura. El expresionismo de Janáček es un rico abanico de emociones, una estrecha oposición entre ternura y grosería, rabia y calma”.
Kurt Weil
"La ópera de tres centavos"
La composición, que formalmente pertenece a los clásicos del siglo XX, se agotó en éxitos y se interpretó decenas de veces, empezando por la brillante "Macky Knife", uno de los símbolos melódicos del siglo. Aunque Weill es un gran innovador en el campo de la música académica, ningún compositor de su generación ha recibido tanta atención por parte de los intérpretes de pop y rock.
Ígor Stravinski
"Edipo Rey"
Las diferentes "Petrushka" y "La consagración de la primavera" todavía no parecen ser obras de dos autores diferentes, mientras que en la ópera-oratorio "Edipo Rey" seguramente no reconocerás al creador de "Petrushka". No es casualidad que a Stravinsky lo llamaran camaleón y hombre de 1001 estilos. En "Edipo" cantan en latín y la música, quizás la más bella de Stravinsky, se remonta al Barroco tardío: ni arcaísmo ruso, ni panqueques.
Dmitri Shostakóvich
"Lady Macbeth de Mtsensk"
Los temas principales de una de las óperas clave del siglo XX fueron el sexo y la violencia; por eso, poco después de su triunfal estreno en 1934, fue oficialmente prohibido por el propio Stalin en 1936. Presta especial atención al baile de los invitados en el tercer acto y al canto de los presos en el cuarto; una vez que lo escuchas, ya no es posible olvidarlo.
Richard Strauss
"Electra"
La ópera está basada en la historia de la muerte del rey Agamenón, asesinado por su esposa y su amante. La hija del rey odia a su madre y vive con la esperanza de recibir represalias. Impulsada por motivos nobles, la heroína se siente como un instrumento en manos de Dios, y esta obsesión la convierte en un monstruo. En el primer momento de una historia tan sombría, la orquesta desata una música tan desesperada sobre los oyentes que se les ponen los pelos de punta. La ópera, que dura casi dos horas sin intermedio, es como una grandiosa sinfonía de la que no puedes separarte.
Solo. Piano y violín
Carlos Ives
"Sonata "Concordia"
Más que una sonata, todo un estudio sobre el tema: ¿puede la música expresar algo más allá de lo que suena? Una de las obras para piano más importantes del siglo XX quedó inacabada sólo porque el propio autor así lo decidió: “La Sonata me parece inacabada cada vez que la toco. Quizás no me niegue el placer de no terminarlo en absoluto”. La sonata está imbuida del “tema del destino” de Beethoven, ya sea restaurando el orden en medio del caos o girando la narrativa 180 grados.
Johann Sebastian Bach
“El clave bien temperado” (HTK)
Probablemente la obra más perfecta de la historia de la música: dos ciclos de 24 preludios y fugas en todos los tonos existentes son como dos colosales catedrales góticas, cada una más bella que la otra. El primer Preludio en do mayor puede ser tocado por casi cualquier persona al piano; sin embargo, el ciclo gradualmente se vuelve más complejo. Y todo se vuelve más interesante.
Johann Sebastian Bach
Sonatas y partitas para violín solo
¿No es aburrido escuchar un violín solitario durante mucho tiempo? En absoluto: puede hacer mucho más de lo que imaginamos. Como mínimo, Bach se esfuerza por aprovechar plenamente sus posibilidades. La perla del ciclo es la famosa chacona, más penetrante que ninguna música en el mundo.
Ludwig van Beethoven
Sonata para piano n.° 14
Entre las 32 sonatas para piano de Beethoven, "Moonlight" puede que no sea la mejor, pero sin duda es la más famosa; Fue citado por muchos, desde Shostakovich hasta The Beatles. Pocas obras en el mundo han traspasado tanto sus límites, convirtiéndose en un símbolo del amor no correspondido.
Claude Debussy
Preludios
Una enciclopedia condensada de la obra del gran compositor, una extraña combinación de romanticismo e impresionismo, largas tradiciones de música para piano y paradojas del siglo XX. Los títulos de cada preludio no se colocan al principio, sino al final de las notas, como si preguntaran acertijos al oyente, comprobando si captó correctamente el tono de la pieza, ya sea "Velas", "Pasos en la nieve". , “Mists” o “Fuegos artificiales”.
Olivier Messiaen
"Veinte vistas del Niño Jesús"
Una de las principales obras de Messiaen, incluso en el año de su centenario, se interpretó más a menudo en fragmentos que en su totalidad: este ciclo requiere demasiada dedicación. La obra para piano más grande de la época, con la que sólo se pueden comparar los 24 preludios y fugas de Shostakovich, es una creación atípica de mediados del siglo XX: ¿dónde está la ironía y la reflexión, dónde está el rigor y el cálculo? Esta es una oración grandiosa, dos horas y cuarto de música principalmente importante con numerosas repeticiones.
Wolfgang Amadeus Mozart
Sonata para piano n.º 11
El conocido rondó turco no es en realidad una pieza independiente, sino el final de una sonata de Mozart, cuyas otras partes no son menos deliciosas. Como, de hecho, otras sonatas para piano de Mozart, por no hablar de sus “Fantasías”.
Modesto Músorgski
"Cuadros de una exposición"
Este ciclo es mejor conocido por su orquestación de Maurice Ravel, que hoy se percibe como un éxito brillante pero muy pop. Escuche la versión original de "Pictures", escrita originalmente para piano: se sorprenderá de lo inusual y nada exitosa que es esta música.
Niccolò Paganini
24 caprichos para violín solo
Una nueva palabra para descubrir las posibilidades del violín y los violinistas, que sigue siendo una prueba de virtuosismo durante el siglo III. El último capricho, vigésimo cuarto, es más conocido que otros: un tema breve pero brillante, cuyas variaciones escribieron muchos grandes compositores.
Erik Satie
Gimnopedias y otras obras para piano
Aunque Satie es un compositor del siglo XX, muchas de sus obras aparecieron en el siglo anterior: en 1888 se escribieron gimnopedias que anticiparon el género de escucha fácil. Satie también tuvo la idea de la música como un fondo discreto: hoy no hay ningún lugar al que escapar, pero hace cien años era nuevo.
Federico Chopin
24 preludios para piano
Una enciclopedia del romanticismo musical y al mismo tiempo un abigarrado caleidoscopio de géneros: elegía, mazurca, marcha, canción sin letra y mucho más. El principal medio de expresividad que atrae la atención del oyente es el contraste de mayor y menor en cada par de preludios adyacentes.
Roberto Schumann
"Kreysleriana"
Un ciclo de obras de fantasía, cuyo nombre viene dado por la imagen de Johannes Kreisler, un loco director de orquesta inventado por Hoffmann, que asusta a quienes lo rodean con su devoción por la música. Una de las mejores obras de Schumann, el compositor más romántico que jamás haya existido.
Obras maestras de la música vocal.
Johann Sebastian Bach
cantatas
Además de la magnífica “Pasión” y la Misa en si menor, Bach escribió más de doscientas cantatas. Incluso más que toda esta lista, merecen las palabras “la mejor música del mundo”. Completarás una lista de reproducción durante los próximos meses si decides escucharlos todos uno por uno. Como es imposible distinguir lo mejor de lo mejor, destacaremos tres: “El cielo se regocija, la tierra se regocija” (BWV 31) con un magnífico solo de trompeta al final, “Quien creerá y será bautizado” (BWV 37). con la maravillosa aria “La fe nos da alas para el alma” y la más famosa es probablemente “Ya tuve suficiente” (BWV 82).
Luciano Berio
Canciones folk
Una composición verdaderamente universal; Berio, el artista de vanguardia más destacado de la segunda mitad del siglo XX, procesó varias canciones originales de Europa y Asia, a las que añadió un par de suyas. Un oyente alejado de las vanguardias se alegrará de que los artistas de vanguardia también tengan obras que parezcan sencillas y comprensibles.
Benjamín Britten
Réquiem de guerra
Composición inusual: dos orquestas con dos directores, dos coros, tres solistas y un órgano. Un tenor, un barítono y una orquesta de cámara son responsables de la parte “militar” del réquiem, que se basa en los poemas de un poeta que murió en la Primera Guerra Mundial. Una orquesta sinfónica, un coro y una soprano interpretan las partes tradicionales del réquiem, desde "Requiem æternam" y "Dies irae" hasta "Agnus Dei" y "Libera me". Un resultado sorprendente, a diferencia tanto de las misas fúnebres de épocas anteriores como de los réquiems poco convencionales del siglo XX.
Antonio Vivaldi
Arias de óperas
Deberías escuchar al menos para saber: “Las estaciones” no es la única y, quizás, ni siquiera la mejor obra de Vivaldi. Como mínimo, una colección de sus arias interpretadas por Magdalena Kozena te hará olvidarte del éxito imperecedero por un tiempo.
Valery Gavrilin
“Cuaderno ruso. Cuadernos alemanes"
El "Cuaderno ruso" refleja la experiencia del folclorista Gavrilin, y esta obra profundamente nacional es análoga a los grandes ciclos de Schubert y Schumann. Pero, ¿con qué podemos comparar los “Cuadernos alemanes”, escritos sobre los poemas de Heine, el material más schumanniano? ¿Cómo explicar la aparición de un ciclo tan maravilloso como “El primer cuaderno alemán” por parte de un estudiante de segundo año a quien el profesor, bajo amenaza de una mala nota, exige “algo vocal”? Probablemente sólo por milagro.
Georg Friedrich Händel
"Mesías"
En vísperas de las fiestas religiosas, el “Mesías” se representa en todo el mundo; Esto está relacionado con una historia real sobre un miembro de la orquesta. A la pregunta "¿Qué te pasó?" él respondió: “¡Tuve una pesadilla! ¡Soñé que estaba jugando “Mesías” otra vez! Además, cuando desperté, ¡resultó que era verdad! Las mejores interpretaciones de “Mesías” no tienen nada que ver con esta realidad, es música verdaderamente divina. Habiendo completado Mesías en tres semanas, Handel dijo: "Pensé que el cielo se había abierto y vi al Creador".
Gustav Mahler
Canciones sobre niños muertos.
Una de las composiciones más terribles de la historia de la música: creamos o no en el destino, sin embargo, poco después de la creación de este ciclo vocal, Mahler perdió a su amada hija. Cinco canciones increíblemente hermosas e inexpresablemente tristes.
Gustav Mahler
"Canción de la Tierra"
La primera sinfonía, donde cantan de principio a fin y la gran orquesta suena como de cámara, de modo que se pueden escuchar todos los instrumentos. El autor consideró la última parte, "Adiós", suicida, pero quiero volver a ella una y otra vez.
Olivier Messiaen
Tres Pequeñas Liturgias de la Divina Presencia
El catolicismo, el estudio del lenguaje de los pájaros y la atención a las culturas no europeas: estas son las características que componen la obra de Messiaen, una dirección separada en la música del siglo XX. Aunque el lenguaje de Messiaen no se parece al de ningún otro, su música es inusualmente contagiosa: escuche las liturgias al menos una vez y se encontrará tarareándolas.
Alfred Schnittke
"La historia del doctor Johann Fausto"
La cantata de Schnittke no tiene nada en común con el “Fausto” de Goethe: está basada en el “Libro popular de Fausto” del siglo XVI. Un hallazgo brillante: Mefistófeles, que aparece en dos formas: el diablo seductor (contralto), el diablo burlón y castigador (contralto). Aunque la participación prevista de Alla Pugacheva en el estreno en Moscú fue cancelada, fuera de la sala había policía montada. La humillación del héroe alcanza su punto máximo en un alegre tango con saxofones, invadiendo inesperadamente la dura música.
Dmitri Shostakóvich
Sinfonía nº 14
Aunque la penúltima sinfonía de Shostakovich está dedicada a Britten, está más estrechamente asociada con Mahler. Esencialmente una continuación de su Canción de la Tierra, una cantata sinfónica con dos cantantes está enteramente dedicada a la muerte. Incluso entre las sombrías sinfonías de Shostakovich, ésta en particular está llena de depresión y una sensación de soledad. Las dos voces se unen sólo para cantar en el final: “La muerte es soberana. Ella está en guardia y en una hora feliz”.
Francisco Schubert
"Retiro de invierno"
El pináculo de la música vocal mundial: 24 canciones unidas por un estado de ánimo amargo común e imágenes sombrías de la naturaleza. La última, “El organillero”, es una de las canciones más desesperadas de Schubert (¡y tiene alrededor de 600!): una melodía melancólica suena en el contexto de los sonidos aburridos y monótonos de un organillero.
Grandes sinfonías
Héctor Berlioz
Fantástica sinfonía
Uno de los primeros ejemplos, quizás el más llamativo, de música de programa: es decir, música precedida por un escenario concreto. La historia del amor no correspondido de Berlioz por la actriz irlandesa Harriet Smithson formó la base de una obra maestra, que incluye "Reverie", "Ball", "Scene in the Fields", "Procession to Execution" e incluso "Dream on la noche del sábado".
Ludwig van Beethoven
Sinfonía nº 7
De las tres sinfonías más famosas de Beethoven, es mejor empezar ni con la Quinta con su "tema del destino" ni con la Novena con su final "Abrazo, millones". En el Séptimo hay mucho menos patetismo y más humor, y la brillante segunda parte resulta familiar incluso para los oyentes que están lejos de los clásicos del arreglo del grupo Deep Purple.
Juan Brahms
Sinfonía nº 3
La primera sinfonía de Brahms se llamó Décima Sinfonía de Beethoven, en referencia a la continuidad de la tradición. Pero si las nueve sinfonías de Beethoven son desiguales, entonces cada una de las cuatro sinfonías de Brahms es una obra maestra. El pomposo comienzo de la Tercera es sólo una brillante portada de una declaración profundamente lírica, que alcanza su clímax en un inolvidable allegretto.
Antón Bruckner
Sinfonía nº 7
Mahler es considerado el sucesor de Bruckner; En comparación con sus lienzos que parecen montañas rusas, las sinfonías de Bruckner pueden parecer un poco aburridas, especialmente sus interminables adagios. Sin embargo, a cada adagio le sigue un emocionante scherzo, y la Séptima Sinfonía no dejará que te aburras desde el primer movimiento, reflexivo y prolongado. No menos buenos son el final, el scherzo y el adagio dedicado a la memoria de Wagner.
Jose Haydn
Sinfonía nº 45 “Adiós”
Parece imposible escribir más sencillo que Haydn, pero en esta engañosa sencillez reside el principal secreto de su maestría. De sus ciento cuatro sinfonías, sólo once fueron escritas en tono menor, y la mejor de ellas es “Adiós”, al final de la cual los músicos abandonan el escenario uno por uno. De Haydn el grupo Nautilus Pompilius tomó prestada esta técnica para interpretar la canción "Adiós, América".
Jose Haydn
Sinfonía nº 90
En comparación con la impetuosa Adiós, las últimas sinfonías de Haydn son mucho más equilibradas y positivas. Están llenos de calidez especial, belleza sencilla y armonía. Y, por supuesto, humor: la última parte de la sinfonía se corona con un final “falso”, que incluso el público sofisticado toma por real y comienza a aplaudir mientras la orquesta sigue tocando.
Antonin Dvořák
Sinfonía No. 9 “Del Nuevo Mundo”
Mientras recopilaba material para la sinfonía, Dvorak estudió la música nacional de Estados Unidos, pero prescindió de las citas, intentando principalmente encarnar su espíritu. La sinfonía se remonta en muchos aspectos tanto a Brahms como a Beethoven, pero carece de la pomposidad inherente a sus obras.
Gustav Mahler
Sinfonía nº 5
Las dos mejores sinfonías de Mahler sólo parecen similares al principio. La confusión de los primeros movimientos de la Quinta da lugar a un adagietto de libro de texto, lleno de languidez, utilizado repetidamente en cine y teatro. Y la siniestra fanfarria de la introducción se encuentra con un final optimista completamente tradicional.
Gustav Mahler
Sinfonía nº 6
¡Quién hubiera pensado que la próxima sinfonía de Mahler representaría la música más oscura y desesperada del mundo! El compositor parece estar de luto por toda la humanidad: ese estado de ánimo se instala desde las primeras notas y sólo empeora hacia el final, que no contiene un rayo de esperanza. No para los débiles de corazón.
Gustav Mahler
Sinfonía nº 7
La trilogía termina con una sinfonía misteriosa. Generalmente se considera incómodo de interpretar y percibir, aunque se trata de una auténtica celebración de la música: si en el resto de sinfonías de Mahler todavía se busca conflicto, quiera o no, aquí es casi imposible encontrarlo. Uno sólo puede adivinar por qué entre los movimientos externos del Séptimo hay, por así decirlo, otra sinfonía interna de dos octurnes y un scherzo central.
Wolfgang Amadeus Mozart
Sinfonía nº 25
Entre las cuarenta y tantos sinfonías de Mozart, sólo dos fueron escritas en tono menor, y en el mismo tono: sol menor reúne varias de sus obras clave. El Veinticinco y el Cuarenta están separados por quince años, en el caso de Mozart, casi la mitad de su vida. Ambos son igualmente tristes, pero mientras el cuadragésimo se desarrolla reflexivo y pausadamente, el vigésimo quinto llega con toda la velocidad de la era Sturm und Drang.
Wolfgang Amadeus Mozart
Sinfonía nº 40
Otro súper golpe, cuyo comienzo provoca una irritación involuntaria. Intenta afinar tus oídos como si estuvieras escuchando la cuadragésima por primera vez (mejor aún si lo haces): esto te ayudará a experimentar la brillante, aunque completamente trillada, primera parte y saber que va seguida de una segunda no menos maravillosa. tercero y cuarto.
Serguéi Prokófiev
sinfonía clásica
Prokofiev explicó el nombre de la sinfonía de esta manera: "Por travesura, para molestar a los gansos, y con la secreta esperanza de que... la superaré si con el tiempo la sinfonía resulta ser un clásico". Después de una serie de atrevidas composiciones que entusiasmaron al público, Prokofiev compuso una sinfonía en el espíritu de Haydn; se convirtió en un clásico casi de inmediato, aunque sus otras sinfonías no tienen nada en común con ella.
Piotr Chaikovski
Sinfonía nº 5
La Quinta Sinfonía de Tchaikovsky no es tan popular como sus ballets, aunque su potencial melódico no es menor; Dos o tres minutos cualquiera podrían convertirse en un éxito, por ejemplo, de Paul McCartney. Si quieres entender qué es una sinfonía, escucha la Quinta de Tchaikovsky, uno de los mejores y más completos ejemplos del género.
Dmitri Shostakóvich
Sinfonía nº 5
En 1936, Shostakovich fue difamado a nivel estatal. En respuesta, pidiendo ayuda a las sombras de Bach, Beethoven, Mahler y Mussorgsky, el compositor creó una obra que se convirtió en un clásico en el momento de su estreno. Según la leyenda, Boris Pasternak dijo sobre la sinfonía y su autor: "Dijo todo lo que quería, pero no tenía nada para ello".
Dmitri Shostakóvich
Sinfonía nº 7
Uno de los símbolos musicales del siglo XX y sin duda el principal símbolo musical de la Segunda Guerra Mundial. Un sutil redoble de tambores inicia el famoso “tema de la invasión”, que ilustra no sólo el fascismo o el estalinismo, sino cualquier época histórica basada en la violencia.
Franz Schubert.** Sinfonía inacabada
La Octava Sinfonía se llama Sinfonía Inacabada: en lugar de cuatro movimientos, sólo hay dos; sin embargo, son tan ricos y fuertes que se perciben como un todo completo. Habiendo dejado de trabajar en la obra, el compositor no volvió a tocarla.
Bela Bartók.
Concierto para orquesta
Bartok es conocido principalmente como autor de innumerables obras de teatro para escuelas de música. El hecho de que esto no es todo Bartok se evidencia en su concierto, donde la parodia va acompañada de severidad y la técnica sofisticada va acompañada de alegres melodías populares. De hecho, es la sinfonía de despedida de Bartók, al igual que las “Danzas sinfónicas” de Rachmaninoff.
Serguéi Rajmáninov
"Danzas Sinfónicas"
La última obra de Rachmaninov es una obra maestra de un poder sin precedentes. El comienzo parece advertir sobre un terremoto: es a la vez un presagio de los horrores de la guerra y una conciencia del fin de la era romántica en la música. Rachmaninov llamó "Danzas" su mejor y favorita composición.
Tesoros de la música de cámara
Juan Brahms
Sonata para violín y piano n.º 3
Un conjunto de cámara es uno de los tipos más sutiles de creación musical: una sonata para violín, un trío con piano o un cuarteto de cuerdas a menudo pueden expresar mucho más que un ballet o una sinfonía. Un sinónimo de música de cámara es el nombre de Brahms, cuyas composiciones de cámara son una obra maestra. Incluida esta sonata, cuyo inolvidable comienzo nace de una frase, como interrumpida a mitad de frase.
Ludwig van Beethoven
Cuarteto de Cuerda N°11 “Serioso”
Los últimos cuartetos de Beethoven son uno de los pináculos de la música de cámara. Antes de esto, el compositor no los había escrito durante casi quince años, haciendo una pausa después del brillante cuarteto en fa menor con el subtítulo “Serioso” - “Serious”. A pesar de su brevedad, es increíblemente rico en ideas y cambios de humor, especialmente la parte rápida, cuya entonación oscila constantemente entre interrogativa y afirmativa.
Juan Brahms.
Cuarteto para piano, violín, viola y violonchelo nº1
Otra joya, donde cada uno de los capítulos está lleno de sorpresas, especialmente los dos últimos: ¿no sorprende esa marcha jubilosa en mitad de la parte lírica? ¿No deja muy atrás el "Rondo al estilo húngaro" final alguna de las "Danzas húngaras"? El cuarteto fue creado por Brahms mucho antes de su Primera Sinfonía, pero a los cuatro instrumentos se les dio tal riqueza de melodías y armonías que sería suficiente para una orquesta entera.
Antonin Dvořák
Quinteto para piano, dos violines, viola y violonchelo n.º 2
El segundo quinteto de Dvorak se creó en 1887, un cuarto de siglo después del cuarteto de Brahms. Otra composición del romanticismo tardío, aún más contrastante y aún más rica en motivos de Europa del Este: hay un lugar tanto para la duma ucraniana como para las danzas bohemias. Aquí hay tres personajes principales: el violonchelo y la viola, cuyos solos abren el primer y segundo movimiento, así como el piano, que conecta el tejido del quinteto con hilos invisibles.
Wolfgang Amadeus Mozart
Sonata para violín y piano n.° 21
La música más triste del mundo.
César Frank
Sonata para violín y piano
Una de las mejores sonatas para violín jamás escritas es una composición completamente romántica que se esfuerza con todas sus fuerzas por ir más allá de los límites del romanticismo. Sin duda recordarás la primera frase increíblemente hermosa la primera vez, y no solo eso.
Piotr Chaikovski
"En memoria del gran artista"
Para muchos, Tchaikovsky es “El Cascanueces”, “La Bella Durmiente”, el Primer Concierto para piano. El trío "En memoria del gran artista" no tiene nada en común con estas obras: una declaración trágica, profundamente íntima, desprovista de pesadez o pompa. Nunca antes habías oído a Tchaikovsky así.
Dmitri Shostakóvich
Cuarteto de cuerda n.º 8
El título “En memoria de las víctimas del fascismo y de la guerra” es sólo una tapadera del título real que Shostakovich tenía en mente: “En memoria del autor de este cuarteto”. Lejos de ser la última obra del compositor, se convirtió en un monumento a sí mismo: un epitafio lúgubre, repleto de citas de las mejores obras de Shostakovich.
Francisco Schubert
Trío de piano nº 2
Las obras de cámara de Schubert no son menos expresivas y conmovedoras que sus voces. Un ejemplo de ello es el trío para piano, violín y violonchelo: el tema principal de su segundo movimiento se recuerda la primera vez y para el resto de la vida, compruébalo.
Clásicos del siglo XX.
Carlos Ives
"La pregunta sin respuesta"
Una pequeña obra maestra es la clave de toda la música del siglo XX: las cuerdas tocan una cosa, las flautas otra, la trompeta otra. No hay una melodía memorable, pero suena hermosa y fascinante.
Arnold Schönberg
Serenata
Otro ejemplo, junto con “Wozzeck”, de “dodecafonía con rostro humano”. Aunque casi nadie podrá cantar algunos compases de la serenata, está llena de empuje y humor: entre los instrumentos hay una guitarra y una mandolina, lo que le da al sonido frío del conjunto cierta informalidad e incluso nacionalidad.
Arnold Schönberg
"Pierrot lunar"
Si la serenata es un ejemplo de un estilo estricto y establecido, entonces Pierrot Lunaire es sólo su búsqueda: Schoenberg aún no había descubierto la dodecafonía, pero ya había abandonado la tonalidad, mayor y menor. Con el acompañamiento de un pequeño conjunto, una parte vocal suena a la manera del canto hablado, a medio camino entre el canto y el habla humana excitada. Una de las obras más revolucionarias del siglo XX.
Pierre Boulez
"Un martillo sin maestro"
El músico que creó las grabaciones maestras de las obras de Schoenberg respondió a su muerte con un artículo con el provocativo título "Schoenberg ha muerto". Y tres años después apareció para voz y conjunto “El martillo sin maestro”, una especie de “Pierrot Lunaire” de la segunda mitad del siglo XX. Stravinsky, que definió "Pierrot Lunaire" como el plexo solar de la nueva música, más tarde, sin dudarlo, llamaría "El martillo sin maestro" la mejor composición moderna, sonando "como si los cubitos de hielo tintinearan al chocar en un vaso".
Claude Debussy
"Tarde de un fauno"
El día del estreno de la composición, el 22 de diciembre de 1894, se convirtió en el cumpleaños del impresionismo musical. “Faun” comienza con un inolvidable solo de flauta que abrió nuevos horizontes en la música mundial.
Zoltan Kodaly
"Danzas de Galanta"
Una pieza espectacular basada en auténticas melodías folk, donde los tempos lentos son sustituidos por otros tan rápidos que te quitan el aliento. Este cambio de ritmo es un rasgo característico de los Verbunkos, una danza húngara que se realiza en los puntos de reclutamiento y en la despedida del ejército. Quince minutos de pura alegría.
Darío Milhaud
"Creación del mundo"
Los compositores franceses de los Seis ofrecieron una versión europea de lo que Gershwin había logrado: combinar la tradición clásica con el jazz y los sonidos de la gran ciudad, recurriendo a formas simples y melodías pegadizas. Milhaud tuvo especial éxito con sus ballets El toro sobre el tejado y La creación del mundo. “¿¡Qué, esto también es un clásico!?” - usted pregunta. Absolutamente sí.
Arthur Honegger
"Pacífico 231"
Otro símbolo musical del siglo XX en general y del progreso tecnológico en particular. Una vez terminada la enérgica pieza orquestal, el autor, en broma, le puso el nombre de la locomotora de vapor más potente del mundo. El público se tomó en serio la broma y escuchó en Pacifica un retrato sonoro de una locomotora de vapor acelerando, zumbando y luego frenando; Excelente música que da mucho margen a la imaginación.
Krzysztof Penderecki
"Lloro por las víctimas de Hiroshima"
La obra, como Pacific 231, se hizo famosa principalmente por su título. Escrita en el lenguaje más avanzado de mediados del siglo XX, la partitura no tuvo éxito con su nombre original “8.37”, pero con el nuevo nombre se hizo muy popular, aunque no se cambió ni una sola nota. Por muy positivo que sea “Pacific”, “Llorar” es igual de depresivo, aunque definitivamente deberías conocerlo.
Serguéi Prokófiev
"Romeo y Julieta"
La mejor de las encarnaciones musicales de la tragedia de Shakespeare, que cuenta con varios éxitos: en primer lugar, el conocido tema "La Danza de los Caballeros" (popular con el nombre de "Montacos y Capuletos"). Es sorprendente que el Teatro Bolshoi, que encargó el ballet, lo rechazara inicialmente, considerando que la música era poco escénica e impensable para el teatro.
Mauricio Ravel
"Bolero"
El redoble de tambores y la flauta interpretan un tema aparentemente sencillo, que poco a poco va siendo adoptado por otros instrumentos de la orquesta. Parece un esquema sencillo, pero el oyente igual se quedará con la boca abierta, aunque se sepa “Bolero” de memoria.
Mauricio Ravel
Vals
Del vago murmullo emerge poco a poco un típico vals vienés. Los bailarines giran cada vez más rápido y finalmente estalla el resorte de esta enfurecida caja de música. Una descripción inquietante y perfecta del final de una hermosa era, que fue reemplazada por un siglo de guerras mundiales.
Arvo Parte
"Frates"
Pärt es el compositor contemporáneo más interpretado y sus obras se escuchan cientos de veces al año en todo el mundo. A mediados de la década de 1970, Pärt pasó de la vanguardia a la música tranquila y lenta, que resultó tener una demanda increíble: muchos amantes de Pärt están lejos de los clásicos y perciben sus obras como una especie de sedante musical. La composición de referencia es “Fratres”, que suena diferente en cada una de las numerosas ediciones, pero que no pierde la entonación de un triste signo de interrogación.
Steve Reich
"Diferentes trenes"
Otro clásico vivo, alguna vez considerado un artista de vanguardia. “Otros trenes” es un monumento a las víctimas del Holocausto: Reich contrasta los trenes de su infancia, en los que cruzó América más de una vez, con otros que enviaron a sus pares europeos a campos de concentración. La obra fue escrita para un cuarteto de cuerda y una banda sonora que incluye el sonido de ruedas, silbatos de locomotoras e historias de sobrevivientes del Holocausto. Fragmentos del habla humana, registrados en notas, se convirtieron en la base de las partes instrumentales. Ideal para su primer encuentro con Reich.
Ígor Stravinski
"Perejil"
Una de las expresiones más perfectas del espíritu ruso en la música: Maslenitsa, organillo, acordeón, gitanos, oso amaestrado, "A lo largo de la calle Piterskaya", "Oh, mi dosel, dosel", carnaval, diversión, panqueques.
Ígor Stravinski
"Primavera sagrada"
Todo lo contrario de "Petrushka": paganismo, miedo a la muerte, danzas lentas y oscuras, sacrificios con la esperanza de apaciguar a los elementos, armonías completamente alucinantes: una de las partituras más revolucionarias y escandalosas de la historia de la música.
Alfred Schnittke
Concierto bruto №1
La tarjeta de presentación del principal compositor soviético después de Shostakovich: aquí se fusionan elementos de estilos mutuamente excluyentes en un todo único. “Dentro del Concierto grosso, introduje un animado coral infantil, una serenata nostálgica-atonal, un trío que garantiza ser un auténtico Corelli (hecho en la URSS) y el tango favorito de mi abuela, interpretado por su bisabuela en el clavicémbalo”.
Alfred Schnittke
"El cuento de la revisión"
Una introducción ideal a la música de Schnittke para aquellos a quienes les resulta demasiado difícil. La combinación del clavecín con instrumentos pop crea un espacio multifacético donde hay un lugar para el “tema del destino” de Beethoven, y una parodia de Haydn, cuyas entonaciones llegan a la dulzura, y las sombras de Mozart y Tchaikovsky bailando tango. y cancán.
Simplemente obras maestras
Johann Sebastian Bach
Suites para orquesta nº 2 y 3
En comparación con HTC, las dos suites suenan como música ligera, sobre todo porque cada una contiene al menos un súper éxito: “Joke” y “Aria”, respectivamente, que se distribuyen desde hace tiempo como tonos de llamada y salvapantallas de radio y televisión. Sin embargo, esto también podría ocurrir con otros fragmentos de estas suites, repletas de brillantes melodías.
Juan Brahms
"Danzas húngaras"
Si una orquesta sinfónica toca un bis, en un caso entre tres el director elegirá la Primera “Danza Húngara”; como último recurso, el quinto. Se crearon dos docenas de miniaturas para dos pianos, posteriormente arregladas para orquesta, basadas en auténticas melodías húngaras; resultado: 21 bises ejemplares.
Edvard Grieg
"Peer Gynt"
El drama de Ibsen "Peer Gynt" es mundialmente famoso, y la música de Grieg, escrita para su estreno, es aún más popular: "La canción de Solveig" y "En la cueva del rey de la montaña", sin duda conoces. No te niegues el placer de escuchar “Peer Gynt” completo.
Alejandro Scriabin
"Prometeo"
En su última y quizás más significativa obra sinfónica, Scriabin buscó expresar la idea del triunfo del espíritu, para lograr el máximo resplandor. Por lo tanto, "Prometeo" (también conocido como "Poema de fuego") fue escrito no solo para orquesta, piano, órgano y coro, sino también para un teclado ligero, sumergiendo la sala de conciertos en el resplandor de un color u otro. Sin embargo, la propia música de “Prometheus” está literalmente rebosante de luz solar.
Bedřich Smetana
"Mi patria"
El ciclo de poemas sinfónicos es un retrato musical de la República Checa, su historia, naturaleza y leyendas. Especialmente popular es "Vltava", donde se puede escuchar el fluir del río, la caza en el bosque en sus orillas y los bailes nocturnos de las sirenas. El tema principal proviene de la canción italiana del siglo XVII "La Mantovana". Más tarde, la misma melodía formó la base del himno israelí.
Nikolái Rimski-Kórsakov
"Scheherazade"
En primer lugar, el autor dio nombres a las partes de la suite: "El mar y el barco de Simbad", "La fantástica historia del príncipe Kalender", "El príncipe y la princesa", "Las vacaciones en Bagdad". Mar. El barco choca contra una roca con un jinete de bronce. Conclusión”, pero luego decidió eliminarlos. Sin embargo, son bien conocidos y, al escuchar música, asociamos involuntariamente el violín con la voz de Scheherazade, las exclamaciones de los vientos con una tormenta en el mar, el solo de flauta con el barco de Simbad el Marino. Uno de los mejores ejemplos de música programática.
Richard Strauss
"Don Quixote"
La más famosa de las obras de Strauss es el poema “Así habló Zaratustra”, cuya introducción sirve de introducción al programa “¿Qué? ¿Dónde? ¿Cuando?". Sin embargo, “Don Quijote”, donde el violonchelo canta en nombre del famoso caballero, es mucho más rica en giros inesperados y, como pocas otras músicas en el mundo, se parece a una película emocionante.
Serenata: una canción sobre el amor sobre el que el tiempo no tiene poder
¿Cómo derretir el corazón de una belleza inaccesible? Dale una serenata con amor y romance. Actualmente, pocas personas están dispuestas a atreverse a realizar tal acto. Los tiempos y la moral no son los mismos. Pero las escenas de películas en las que un hombre encantador interpreta una lánguida canción al son de una guitarra para su amada no dejan indiferente a la gente guapa. La serenata es el estandarte de la declaración de amor.
Historia serenatas y muchos datos interesantes leídos en nuestra página.
¿Qué es una serenata?
Hay una palabra en italiano llamada serenata, que se traduce como “claro, abierto”. Se cree que de ahí surgió el nombre del género. En la serenata también se escuchan ecos de la lengua latina: la palabra sera o “tarde” enfatiza una vez más el carácter nocturno de las canciones. Resulta que por la noche se canta literalmente una serenata al aire libre.
¿Qué hace que la serenata sea tan especial?
En primer lugar, se trata de la privacidad de la situación en la que se realiza. Toda la acción se parece a una representación teatral cuando un joven recoge guitarra y canta para su mujer. Serenata es la historia de dos personas, contada en el lenguaje de la música.
La melodía está llena de sentimientos. Tristeza, tristeza, ternura, ardor, calidez: las emociones se escuchan en cada nota.
El motivo musical es flexible. Capta la introducción, el cambio de entonación y el clímax.
Todo esto te hace escuchar serenatas.
Serenatas populares
- "Serenata vespertina" Francisco Schubert. En alemán suena como Standchen. La canción fue incluida en la colección "Swan Song", que se publicó en 1828. Esta obra fue publicada tras la muerte del brillante compositor. La letra de la canción fue escrita por Ludwig Relshtab y la traducción al ruso fue realizada por el poeta N.P. Ogarev. “Mi canción vuela con la oración...” - con estas palabras comienza esta serenata.
“Serenata vespertina” (escuchar)
"Pequeña serenata nocturna" Wolfgang Amadeus Mozart. Este es un clásico creado en 1787 y un verdadero ejemplo de una verdadera serenata de una época pasada.
“Pequeña Serenata Nocturna” (escuchar)
Serenata para orquesta de cuerdas fue escrito Piotr Ilich Tchaikovsky. El compositor se inspiró en la obra de Mozart. La obra se representó por primera vez en San Petersburgo en 1881.
“Serenata para orquesta de cuerdas” (escuchar)
"Serenata española", creado por Isaac Albéniz. Este compositor español no se privó del placer de escribir música de espíritu folk. Gracias a ello, en su serenata se siente el ambiente de España, cuando era costumbre confesar el amor a través del canto.
"Serenata del trovador" interpretado por el musulmán Magomayev. La mayoría de la gente conoce esta canción como "El rayo del sol dorado", sin la cual es difícil imaginar la caricatura soviética "Los músicos de la ciudad de Bremen". Y aunque M. Magomayev sólo cantó el papel del personaje principal, la serenata se convirtió en un verdadero éxito. La noche, la luna, la guitarra y la melodía tranquila recrean por completo los detalles de una verdadera canción de amor. Pero lo más importante es la personalidad del trovador. Fueron ellos quienes deambularon por Europa componiendo serenatas líricas sobre bellas damas.
“Serenata Trovador” (escuchar)
Historia de la serenata
Los orígenes de este género se remontan a la Edad Media y están invariablemente asociados a los caballeros. El valiente guerrero, arrodillado, le confiesa a la dama sus sentimientos en su corazón; literalmente, estas son las imágenes que dibuja la imaginación al escuchar la palabra "serenata". De hecho, las primeras serenatas fueron interpretadas por trovadores o poetas-músicos que comenzaron a aparecer en Europa en los siglos XII-XIII.
El culto a la “bella dama” era central en el trabajo de los trovadores. Al mismo tiempo, no se pudo evitar el tema del amor cortés, que se entiende como una actitud galante hacia el sexo justo. Y esto, a su vez, introdujo en la letra una gran cantidad de tramas amorosas y caballerescas.
¿Dónde buscar los orígenes de la serenata? En Italia y España. Fue aquí, bajo los cálidos rayos del sol, donde se interpretaron las primeras canciones que alababan la belleza femenina. Al principio, la gente común y corriente disfrutaba de las canciones de los trovadores. A finales de la Edad Media, las serenatas pasaron a ser propiedad de una sociedad de élite: comenzaron a escucharse en las casas de personas eminentes. Uno de los placeres de la ciudad era el “cortejo musical” al son de tambores, violines y guitarras, cuando hermosas melodías llenaban las calles y conmovían los corazones de todos los enamorados.
A partir del siglo XVII comienza una nueva ronda en el desarrollo del género. Literalmente penetró en todos los niveles de la sociedad: desde los pequeños artesanos hasta la corte real. Pero los principales cambios están asociados con el florecimiento del teatro. Resultó que la serenata, con su teatralidad, estaba lacónicamente entrelazada con las dramáticas escenas de la ópera. Las canciones de poetas y músicos se convierten en la base de muchas arias.
Al mismo tiempo, se produce el desarrollo del arte orquestal. Aparecen conjuntos de serenata. En aquellos siglos se componían principalmente de instrumentos de viento. Un poco más tarde le añadieron el sonido de las cuerdas. Al mismo tiempo, se realizaban serenatas al aire libre por la noche, cuando el espacio circundante se llenaba con la luz de las estrellas y el susurro de vestidos esponjosos.
L. Boccherini, I. Haydn y Y. Toeshi, VIRGINIA. mozart, F. Schubert son compositores cuyos nombres se asocian invariablemente con el género de la serenata. Gracias a ellos, la canción lírica siguió viviendo en los corazones de los europeos.
En el siglo XIX, el interés por las serenatas orquestales comenzó a desvanecerse. El género vuelve a modificarse para adaptarse a los intereses del público. Así aparece una serenata vocal que recuerda a un romance. Comienza a penetrar en musicales, películas y obras de teatro.
Incluso a los expertos les resulta difícil decir cómo se desarrollará esta dirección. Algunos ven que se desvanece, otros ven que se fusiona con otros géneros. Los musicólogos coinciden en una cosa: mientras haya lugar para el amor en el corazón de las personas, la serenata no desaparecerá.
¿Cómo surgió la serenata en Rusia?
San Petersburgo, principios del siglo XVIII. En ese momento, el Imperio ruso estaba en manos de Pedro I, quien no era indiferente a la cultura europea. Es a él a quien le debemos la aparición de la serenata. Mientras Europa experimentaba un rápido florecimiento de este género, Rusia apenas se estaba uniendo a las tradiciones occidentales y adoptando experiencias "extravagantes".
En la época petrina, la serenata era un entretenimiento para personas de alto rango. Las canciones románticas eran un pasatiempo típico de la corte. Las melodías agradables y ligeras interpretadas por la orquesta acompañaron a la familia imperial durante las vacaciones al aire libre, y los eventos sociales no estaban completos sin ellas.
¿Qué pasa con el amor y la expresión de sentimientos? En este sentido, nada ha cambiado ni siquiera en suelo ruso. Un ejemplo es la historia del Conde P.A. Zubov y la gran duquesa Isabel Alekseevna. Según testigos presenciales, el conde intentó llamar la atención sobre su persona con la ayuda de serenatas, lo que avergonzó y preocupó a la princesa.
Rusia también tiene su propio género de serenata: la música en el agua. La gente noble no dejaba de escuchar melodías refinadas incluso durante los paseos por el río. En aquella época, los barcos podían albergar a un gran número de músicos, lo que permitía introducir un toque de pompa y lujo en el tiempo libre habitual.
A finales del siglo XVIII, las serenatas penetraron en los salones de música de San Petersburgo, donde se respiraba una atmósfera teatral y lúdica. Al mismo tiempo, se desarrolla la poesía amorosa, creada literalmente para este género de canciones. Todas las condiciones favorecen el desarrollo de una serenata vocal. Pero los poetas rusos no tenían prisa por cambiar la trama típica europea a la rusa. Por eso, en las canciones todavía había un balcón y estrellas, rosas y guitarra, y, por supuesto, una bella joven española/italiana.
Datos interesantes
En la Edad Media, cuando surgió el género, pocas personas llamaban serenatas a las canciones bajo el balcón. Por lo general, en esta dirección se ocultaba un canson, una balada, etc.
Cada año se celebra el Festival de la Serenata en Teoro, en el sur de Italia. Su esencia se reduce a lo siguiente. Cinco chicas en los balcones escuchan canciones interpretadas por sus amantes. Pero cantar una serenata no basta. Después de la representación teatral, los jóvenes suben a los balcones y regalan rosas rojas a sus damas. La acción final es un beso.
¿Serenata o serenata? Los expertos diferencian estos conceptos. Así, una serenata significa una canción lírica y una serenata significa una composición dramática.
En el sur de Italia se pueden ver a menudo escenas de propuestas de matrimonio siguiendo la mejor tradición de una serenata. Todo comienza la noche anterior a la boda. El novio se acerca al balcón de su amada, rodeado de músicos, y comienza a interpretarle canciones románticas. Él espera hasta que se encienden las luces en las ventanas de su habitación y ella misma sale al balcón. Con estas acciones, la novia da su consentimiento oficial al matrimonio. Ahora puedes comenzar las festividades nupciales y disfrutar de platos italianos, que los padres de la niña ya se han encargado.
En la isla de Formosa en el Océano Pacífico también existe la tradición de proponer matrimonio con la ayuda de una especie de serenata. ¿Por qué peculiar? Porque aquí la guitarra es reemplazada por un arpa casera hecha de una rama de bambú y un cordel, y el balcón es una ventana normal de una choza. Y el formosano se parece poco a un hombre galante: sus ropas lo revelan como un representante de la tribu local. Pero la esencia de la costumbre sigue siendo la misma. Si una niña sale de la cabaña y toma al novio potencial por el dobladillo de su ropa, los jóvenes comienzan a vivir juntos. Si se refugia más en la cabaña, el formosano se queda solo.
Los mexicanos tenemos una pasión especial por las serenatas. Sombreros de ala ancha, boleros bordados y una guitarra son atributos constantes de los músicos locales, a quienes llaman mariachis. Dan una serenata... por la mañana. Así desea un enamorado los buenos días a su novia. Escuchar música a las 5 de la mañana es bastante normal para los mexicanos. Las canciones continúan hasta que la niña aparece por la ventana o sale al balcón. Por cierto, a una serenata en México se le llama mañanita.
"La chica de la guitarra", "Come Tomorrow", "Dog in the Manger", "Sun Valley Serenade", "Madly in Love" son una pequeña parte de las películas donde los héroes interpretan una serenata.
La serenata siempre se asociará con el amor y el romance. Y esto no es de extrañar, porque el género fue creado para confesar sentimientos a aquel que podía hacer que el corazón latiera más rápido.
Vídeo: escuchar serenata
