Декоративно-прикладное искусство и музыка XVIII века. Радищевский музей

Развитию декоративно-прикладного искусства способствовали совершенствование техники ремесленного и мануфактурного производства, зарождение художественной промышленности (изготовление шпалер, художественного стекла, фаянса, гранение камня, производство шелка и сукна), мануфактурное производство модных вещей, предметов роскоши, открытие и разработка месторождений меди, олова, серебра, цветного камня, высококачественных глин.

Значительна роль Академии наук в «процветании вольных художеств и мануфактур», отражающих новые естественнонаучные и технические интересы в декоративно-прикладном искусстве. В первой половине XVIII века появляются новые формы обучения и подготовки мастеров на художественных мануфактурах; возникают цеховые организации ремесленников в России, что не отменяет широкого распространения иностранных мастеров в разных областях декоративно-прикладного искусства.

В декоративно-прикладном искусстве (предметах интерьера, мебели, декора) активно диктует стиль мода. В результате появляются новые типы предметов, обновляются эстетические представления в декоративно-прикладном искусстве. В декоративно-прикладном искусстве середины XVIII века намечается тенденция синтеза искусств, где архитектура, скульптура, живопись, прикладные ремесла оказываются слиты воедино в декоративном ансамбле.

В результате искусство оформления интерьера становится особым видом художественной деятельности в творчестве архитекторов XVIII века. Этот вид художественной деятельности обуславливает появление новых типов помещений (кабинеты, парадные, спальни, гостиные, «картинные залы») и их предметное наполнение (Летний дворец, дворец А.Д.Меншикова, Большой Петергофский дворец, Монплезир).

Все это способствует развитию мебельного дела, появляются новые типы и формы мебели, материалы и способы ее украшения. Здесь очень сильно влияние английской и голландской мебели. Под влиянием Европы в России складывается даже стиль барокко и рококо в мебели.

Мебель классицизма имеет характерные характер и формы. В значительной степени в формах и отделке мебели прослеживаются античные мотивы. В середине XVIII века в разработке новых видов мебели участвуют архитекторы, появляется мебельное искусство в России и авторская мебель (Бренна, Львов, Камерон, Воронихин). Во второй половине XVIII века появляются первые мебельные мастерские (мастерская Г.Гамбса и И.Отта). Для этого периода в мебельном искусстве характерен стиль «жакоб». Ко второй половине XVIII века меняются материалы в мебельном искусстве: здесь появляются красное дерево, золоченое дерево, тополь, карельская береза; все чаще в изготовлении мебели используются ткань и вышивка.

Особое место в декоративно-прикладном искусстве занимают керамика и фаянс. Это происходит вначале ввиду расширения импорта фаянсовых изделий из Англии и Голландии. Однако вскоре появляется первая частная мануфактура А. Гребенщикова в Москве, изготавливающая русский тонкий фаянс. Позднее формируется стиль парадной дворцовой посуды с матовой гравировкой и распространяется мода на хрусталь как предмет интерьера. Это влечет за собою открытие первой частной стекольной и хрустальной фабрики Мальцова в Можайском уезде.

В XVIII веке значительно в связи с ростом популярности декоративно-прикладного искусства, декора помещений, увеличивается потребление стекла, которое идет на создание разнообразных зеркал и осветительных приборов.

Скульптура и живопись второй половины 18 в.

Большую роль в развитии живописи XVIII века сыграло творчество Владимир Лукич Боровиковский. Несмотря на то, что художник официально не числился учеником Академии, он, без сомнения, пользовался советами ее преподавателей и прежде всего Левицкого. Природное дарование и железное упорство молодого художника привели вскоре к тому, что Боровиковский выдвинулся в число первых мастеров конца XVIII века. Он создал серию превосходных портретов своих современников, в том числе Г.Державина, В.Арсеньевой, М.Лопухиной, О.Филипповой и многих других. Постоянный интерес к душевным переживаниям человека, подчеркнутая лиричность и созерцательность, овеянные дымкой сентиментальности, столь характерной для эпохи, свойственны большинству произведений Боровиковского. Художник никогда не шел по пути внешней, поверхностной характеристики образа, постоянно стремясь к передаче тончайших душевных движений портретируемых лиц.

В его творчестве преобладает камерный портрет. Боровиковский стремится к утверждению самоценности и нравственной чистоты человека (портрет «Лизыньки и Дашиньки», портрет Е.Н.Арсеньевой и др.). На рубеже XVIII-XIX веков Боровиковского привлекают сильные, энергичные личности, он акцентирует внимание на гражданственности, благородстве, достоинстве портретируемых. Облик его моделей делается сдержаннее, пейзажный фон сменяется изображением интерьера (портреты А.А.Долгорукова, М.И.Долгорукой и др.).

Боровиковский также является признанным мастером портретной миниатюры. В коллекции Русского музея хранятся работы, принадлежащие его кисти, - портреты А.А.Менеласа, В.В.Капниста, Н.И.Львовой и другие. В качестве основы для своих миниатюр художник часто использовал жесть.

Подлинной своей вершины русская портретная живопись XVIII столетия достигает в творчестве Д.Г.Левицкого . Уже в одном из ранних своих произведений - портрете архитектора А.Кокоринова - Левицкий проявил выдающиеся способности живописца. Высокими художественными достоинствами отличаются портрет великого французского философа-материалиста Д.Дидро, написанный Левицким в Петербурге в 1773 году, и созданная художником серия портретов воспитанниц Смольного института. Искренностью и теплотой отмечены образы этих девушек, мастерски передано своеобразие каждой из них.

Портреты последующих лет - Львовой, отца художника, Бакуниных, Анны Давиа и многие другие шедевры Левицкого - яркое свидетельство его блистательного таланта.

Левицкий создал обширную галерею портретов своих современников, запечатлев широко и полно, как никто другой, живые образы людей эпохи. Искусство Левицкого завершает историю развития русской портрет живописи в XVIII веке. Следует, однако, отметить и некоторую исторически обусловленную ограниченность его творчества: как и другие замечательные художники его времени, Левицкий не мог отразить социальные противоречия действительности. Изображенные художником люди в соответствии с господствовавшими эстетическими представлениями всегда несколько позируют, они как бы стараются показать себя зрителю в «наиприятнейшем» свете. Однако в ряде своих работ художник достигает поразительной простоты и жизненности.

Наследие Левицкого огромно и до сих пор вызывает у зрителей чувство непосредственного эстетического наслаждения. Профессиональное совершенство его произведений и их реалистическая направленность ставят художника на одно из самых почетных мест во всей истории русского искусства.

Среди наиболее известных произведений Д.Г.Левицкого следующие: «Портрет Е.А.Воронцовой», «Портрет архитектора А.Ф.Кокоринова», «Портрет Н.А.Львова», «Портрет М.А.Дьяковой», «Портрет Урсулы Мнишек», «Портрет дочери Агаши в русском костюме» и пр.

В области портретной живописи русские художники второй половины XVIII века также сказали свое новое слово. Острота психологической характеристики, которой отмечены многие портреты этого времени, бросается в глаза - кисть лучших русских мастеров все более тяготеет к правдивой передаче образа человека. Знаменательно, что в эту пору создаются уже портреты не одной только знати и «сильных мира сего», но и ряда прогрессивных общественных деятелей. В этих портретах начисто отсутствуют элементы парадности и внешнего лоска; свое внимание художники обращают на передачу внутреннего содержания человека, на раскрытие силы его ума, благородства его помыслов и стремлений.

Развитие русского портрета нашло свое выражение в творчестве Ф.Рокотова.

Фёдор Степанович Рокотов - один из лучших русских портретистов. Получив художественное образование под руководством Л.-Ж. Ле-Лоррена и графа ПьетроРотари, работал в манере этого последнего, но больше него вникал в натуру и был старателен в исполнении. В 1762 г. принят адъюнктом в новоучрежденнуюспб. академию художеств за представленную ей картину «Венера» и за портрет императора Петра III.

Тонкое живописное мастерство отличает портреты этого художника. Интимную одухотворенность образа, в особенности в женских портретах, Рокотов доводит до большой выразительности и силы. Высоко техническое совершенство работ художника - по характеру рисунка и живописному мастерству с ним можно сравнить разве одного Левицкого. Портреты, созданные Рокотовым, отличаются изысканностью рисунка и изяществом колорита.

К наиболее известным работам Рокотова относятся: «Портрет неизвестной в розовом платье», «Портрет А.И.Воронцова», «Портрет Г.Г.Орлова в латах», «Коронационный портрет Екатерины II», «Портрет А.П.Струйской», «Портрет поэта В.И.Майкова», «Портрет Суровцевой» и пр.

Во второй половине XVIII в. в русской живописи начал развиваться бытовой жанр . Однако жанровая живопись рассматривалась руководством Академии художеств и привилегированными слоями общества, как нечто низменное, недостойное кисти художника. Несмотря на это, после крестьянской войны под предводительством Е. Пугачева, как в литературе, театре и музыке, так и в живописи 1770-1780 –х г.г. начал проявляться интерес к крестьянству, его быту, образу жизни. Часто это были сентиментальные изображения идиллических пастухов и пастушек, не имеющих ничего общего с реальной крестьянской жизнью. Однако были и исключения.

Одним из первых в русской живописи крестьянскую тему развивал крепостной князя Г. А. Потемкина Михаил Шибанов . Им были написаны картины «Крестьянский обед», «Празднество свадебного сговора» и др. В картинах Шибанова нет обличения крепостнических порядков, однако в названных полотнах нет и идеализации крестьянской жизни. Художника отличает знание и понимание быта и характера русского крестьянина.

Крестьянская тема нашла отражение в творчестве художника И. М. Танкова (1739 – 1799), автора картины «Праздник в деревне» и И. А. Ерменева (1746 - после 1792), написавшего акварели «Крестьянский обед», «Нищие певцы» и др.). Впервые в истории отечественного искусства художник передал мрачные стороны народной жизни, убожество нищеты.

Во второй половине XVIII в. начинается настоящий расцвет русской скульптуры. Она развивалась медленно, но русская просветительская мысль и русский классицизм явились величайшими стимулами для развития искусства больших гражданственных идей, масштабных проблем, что и обусловило интерес к ваянию в этот период. Шубин, Гордеев, Козловский, Щедрин, Прокофьев, Мартос - каждый сам по себе был ярчайшей индивидуальностью, оставил свой след в искусстве . Но всех их объединяли общие творческие принципы, которые они усвоили еще у профессора Никола Жилле, с 1758 по 1777 г. возглавлявшего в Академии класс скульптуры, общие идеи гражданственности и патриотизма, высокие идеалы античности.

Поиск обобщенно-прекрасного не исключает всей глубины постижения человеческого характера, стремления передать его многогранность. Это стремление ощутимо в монументально-декоративной пластике и станковой скульптуре второй половины века, но особенно - в жанре портрета.

Его наивысшие достижения связаны, прежде всего, с творчеством Федота Ивановича Шубина (1740-1805), земляка Ломоносова, прибывшего в Петербург уже художником, постигшим тонкости костерезного дела. Первое произведение Шубина на родине - бюст А.М. Голицына свидетельствует уже о полной зрелости мастера. Вся многогранность характеристики модели раскрывается при круговом ее осмотре, хотя несомненно есть и главная точка обозрения скульптуры.

Шубин работал не только как портретист, но и как декоратор. Он исполнил 58 овальных мраморных исторических портретов для Чесменского дворца (находятся в Оружейной палате), скульптуры для Мраморного дворца и для Петергофа, статую Екатерины II - законодательницы (1789-1790). Несомненно, что Шубин - крупнейшее явление в русской художественной культуре XVIII столетия. Вместе с отечественными мастерами в России работал французский скульптор Этьенн-Морис Фальконе, который в памятнике Петру I на Сенатской площади в Петербурге выразил свое понимание личности Петра, ее исторической роли в судьбах России.

Федор Федорович Щедрин (1751-1825). Он прошел те же этапы обучения в Академии и пенсионерства в Италии и Франции, что и Шубин. Исполненный им в 1776 г. «Марсий» полон бурного движения и трагического мироощущения. Подобно всем скульпторам эпохи классицизма, Щедрин увлечен античными образами («Спящий Эндимион»; «Венера»), проявляя при этом особо поэтическое проникновение в их мир.

В рамках празднования 35-летия во Всероссийском музее декоративно-прикладного и народного искусства открывается обновленная постоянная экспозиция «Декоративно-прикладное искусство России XVIII – первой трети XIX века».

«Петр Великий бросил вызов России, а она ответила ему Пушкиным», - крылатая фраза А. Н. Герцена точнее всего определяет смысл и границы эпохи, которой посвящена экспозиция этих залов. Представленные здесь предметы – живые вехи, обозначившие становление и расцвет отечественной культуры в лоне европейской культурной традиции Нового времени. В них запечатлены перемены жизненного уклада и художественных ориентиров, трансформация старых и появление новых предметных форм, техник и даже видов декоративно-прикладного искусства.

В основу дизайна новой экспозиции заложен принцип демонстрации экспонатов как уникальных художественных объектов, которые объединены в тематические, стилистические и типологические блоки. Такое решение позволяет оценить значение каждого предмета с точки зрения времени, стиля, развития отдельного вида декоративно-прикладного искусства, и акцентирует внимание на его художественной самоценности.

Сценарий осмотра строится исходя из пространственного решения экспозиции, не только содержательно (по типологии, тематике, стилистике и хронологии), но и визуально – от Петровского времени до бидермайера.

Террина (супница) с крышкой 1795 г.

Центральные темы новой экспозиции: «Эпоха перемен: рубеж XVII –XVIII веков», к которой примыкают так называемые «примитивы XVIII века», перелагавшие реалии нового времени в формах традиционного искусства; «Классика русского XVIII века», представляющая эпоху от Петра до Павла в высоких образцах придворного искусства, а также «Русский ампир» и «В комнатах», демонстрирующие две грани русской культуры первой трети XIX века – блестящий имперский стиль и становление культуры частной жизни, соотносимой с феноменом немецкого бидермайера. В тоже время экспозиция позволяет рассмотреть произведения и в привычном ряду – по видам искусства, выделяя мебель, художественный металл, стекло, фарфор, керамику, камнерезное искусство, кость и бисер.

Особого внимания заслуживают такие уникальные церковные предметы, как Крест-мощевик и Панагия, которые датируются XVII веком. Они выполнены в дорогостоящей на тот момент технике – эмаль по скани. В числе наиболее ранних экспонатов – сундуки с металлической оковкой и декоративной отделкой, чернильницы, уральская латунная посуда XVII – начала XVIII века. Ярким образцом парадной представительской металлической посуды для сервировки стола являются латунные кружки завода Демидовых на Урале.

Предметы сервировки стола и подносные вещи выполнялись тогда в разных техниках. Например, два стеклянных, темно-синих кубка с вензелями «EML» и «WGS», производства Императорского стеклянного завода, являются редким примером расписных изделий конца XVIII – начала XIX века. Латинские вензели на кубках принадлежат шведскому посланнику в России в 1793 году Вернеру Готтлобу фон Швениру – «WGS» - и его матери Эббе Марии Лагербринг – «EML». Кубки хранились два с лишним столетия в замке Скархульт, Сконе (Швеция), являясь фамильным достоянием.

В экспозиции можно будет ознакомиться с уникальными образцами русской дворцовой мебели XVIII-XIX веков, среди которых особый интерес представляют шахматный и ломберный столики в технике маркетри. Среди экспонатов мебели, характерной для первой половины XIX века, обращают внимание две редких по качеству горки в стиле «жакоб». Тому же времени принадлежат и два кресла, выполненные по проекту Осипа Ивановича Бове. Интерес представляют и каминные часы «Минин и Пожарский» изготовленные парижским бронзовщиком Пьером-Филиппом Томиром и, воспроизводящие в интерьерном формате, знаменитый памятник Ивана Мартоса, стоящий на Красной площади.

Бове И.О. Кресло Первая четверть XIX в

Особое место в экспозиции занимает шпалера «Спасение рыбаков», которая выполнена во Фландрии в неизвестной мастерской во второй половине XVII – начала XVIII веков. Она поступила в ВМДПНИ в 1999 году с коллекцией Музея народного искусства им. С. Т. Морозова. Сюжет шпалеры заимствован из библии: в центре композиции изображается одно из чудес – «Хождение по водам». Шпалера отреставрирована в несколько этапов – она была частично восстановлена специалистами Музея народного искусства им. С. Т. Морозова, и, уже в 2014 полную реставрацию завершили специалисты-реставраторы Всероссийского музея декоративно-прикладного и народного искусства. Таким образом, шпалера обрела новую жизнь и впервые будет представлена на экспозиции.

В соответствующих тематических разделах представлены осветительные приборы из стекла и хрусталя, интерьерные изделия из фарфора и бронзы конца XVIII-XIX веков. Каждый экспонат является эталонным образцом того или иного стиля, запечатлевает дух своего времени и представляет возможности художественного и технического мастерства.

Подобное пространственное решение экспозиции позволит музею наиболее эффективно и интересно организовать экскурсии и специальные программы. К наиболее интересным и значимым экспонатам будут представлены расширенные аннотации, а также сопровождение QR-кодами, благодаря которым, посетители смогут получить более подробную информацию. Экспозиция оснащается современной системой светового оборудования. Благодаря высокой интерактивности, новая экспозиция обещает быть более живой и интересной, а так же способствовать творческому диалогу с посетителями, особенно с детской и юношеской аудиторией.

История России конца XVII - первой четверти XVIII века неотделима от имени одного из крупнейших политических деятелей России - Петра I. Значи­тельные новшества вторгаются в это время не только в область культуры и ис­кусства, но и в промышленность - металлургию, кораблестроение и т. д. В начале XVIII века появляются первые механизмы и станки для обработки металла. Многое в этой области сделано русскими механиками Нартовым, Сурниным, Собакиным и др.

Одновременно закладываются основы государственной системы общего и спе­циального образования. В1725 году учреждается Академия наук, при которой открывается отделение художественных ремесел.

А. Нартов. Токарный станок. Петровская эпоха. XVIII в.

В XVIII веке формируются но­вые принципы архитектуры и градо­строительства Этот период отме­чен усилением в формообразовании изделий характерных черт западно­европейского барокко (Голландия, Англия).

В результате начинаний Пет­ра I из дворцового цар­ского и аристократического быта быстро исчезают изделия традицион­но русских форм, еще сохраняясь в жилищах массы сельского и городского населения, а также в церковном обиходе. Именно в первой четверти XVIII ве­ка намечается то существенное раз­личие в стилевом развитии, которое осталось надолго характерным для профессионального творчества и народных художественных промыслов. В по­следних непосредственно и органично разрабатываются вековые традиции рус­ского, украинского, эстонского и т. д. прикладного искусства.

Нормы дворянского быта требуют демонстрации богатства, утонченности и блеска в жизни владетельной особы. Формы старого быта, в том числе петровского (еще деловитого, строгого), к се­редине XVIII века окончательно вытесняются. Господствующие позиции в рус­ском искусстве занимает так называемый стиль рококо, логически завершавший тенденции позднего барокко. Парадные интерьеры этого времени, например не­которые помещения Петергофского и Царскосельского дворцов, почти сплошь декорируются вычурной резьбой.

Общие особенности рокайльной орнаментации (изогнутость линий, обильная и асимметричная компоновка стилизованных или близких к натуре цветов, листьев, раковин, глазков и т. п.) полностью воспроизводятся в русской архи­тектуре и мебели того времени, керамике, одежде, каретах, парадном оружии и т. д. Но развитие русского при­кладного искусства все же пошло по вполне самостоятельному пути. Несмотря на без­условное сходство форм собственных изделий с западноевропейскими нетрудно заметить различия между ними. Так, но сравнению с французскими, изделия русской мебели обладают гораздо более свободными формами и мягче по очертаниям, прорисовке. Мастера еще удерживали навыки народной резьбы, более крупной и обобщенной, чем на Западе. Не менее характерна полихромность русских изделий и сочетание позо­лоты с покраской, редко встречающееся во Франции, а в России принятое по­всеместно.

С 60-х годов XVIII века в русской архитектуре начинается переход к класси­цизму с его лаконичными и строгими формами, обращенными к античности и от­меченными большой сдержанностью и изяществом. Этот же процесс происходит и в прикладном искусстве.

В планировке, оборудовании и деко­ре городских особняков и дворцов (архи­текторы Кокоринов, Баженов, Кваренги, Старов и др.) появляется четкая симмет­ричность, пропорциональная ясность. Стены помещений (между окон или на­против их) скрываются зеркалами и пане­лями из шелкового штофа, декоративных хлопчатобумажных тканей, сукна.

.

Диван - стиль рококо. Россия (фрагмент). Середина XVIII в.

Кресло стиля классицизм. Рос­сия. Вторая половина XVIII в.

Полы набираются из дерева различных пород, а иногда обтягиваются холстом или сукном; потолки рас­писываются (например, техника гризайль, ими­тирующая рельефную лепку). Вместо наборного паркета применяются ело­вые дощатые «под воском» полы. Стены и потолки часто обиваются тканью или выклеиваются обоя­ми. Если в парадных помещениях устраиваются внушительных размеров мраморные камины, то в интимных покоях возводятся более традицион­ные печи на тумбах или ножках, облицованные изразцами. Столь же заметно различие светиль­ников: в залах - это ювелирно выполненные и доро­гостоящие люстры, канделябры, бра, в покоях - значительно более скромные подсвечники и лам­пы. Еще больше контраста в формах парадной и бытовой мебели. Все это говорит не столько о стремлении владельцев дворцов и особняков к экономии, сколько об учете ими предметной среды как важного фактора психологически уместной атмосферы.

Большинство мебельных и ряд других изделий в конце XVIII-первой по­ловине XIX века не были постоянно нужными; при отсутствии необходимости они либо убирались, либо переносились в неактивно используемые части поме­щений. Мебель для сидения обязательно зачехлялась. В этой же связи большое развитие получила трансформируемая мебель с рабочей плоскостью - чайные и карточные столики, складной обеденный стол, стол для рукоделия, система разновысоких, помещающихся друг под другом столов и др. Все это значи­тельно повышало комфортабельность быта, тонкую дифференциацию его функционального обеспечения и разнообразие облика помещений в различных житейских ситуациях. Одновременно особо выделялся ряд бытовых процессов, проходивших в теплое время года вне здания - на террасе и в парке. В ре­зультате получают распространение новые виды изделий - садово-парковая мебель, зонтичные тенты, парковые светильники и др. В XVIII веке при отдельных усадьбах организуются крепостные мастерские, выпускающие довольно крупные партии мебели, фарфора, паласов и других изделий.

В конце XVIII века в оборудовании крупных дворцов уже ощутимо сказы­вается отделение собственно проектирования изделий (мебели, светильников, часов, шпалер и др. утвари и предметов убранства) как особой области твор­ческой деятельности от их ремесленного изготовления. В роли проектировщиков выступают в основном архитекторы и профессиональные художники. В производстве изделий на массовый рынок используются машины и механические способы обработки материалов, превра­щая инженера в ведущую фигуру производства. Это ведет к искажению и потере исконно присущих изделиям народного потребления высоких эстети­ческих качеств, к отрыву промышленности от искусства. Эта тенденция явилась закономерной в условиях капиталистического разви­тия общества и одной из главных для всего XIX века.

В ходе интенсивного развития капиталистических отношений в России XIX века увеличиваются мощности промышленного производства. К середине XIX века уже остро ощущается необходимость в художественно профессиональных кад­рах разработчиков изделий и мастеров. Для их подготовки открываются спе­циализированные учебные заведения в Москве (графа Строганова) и Петер­бурге (барона Штиглица). Само их наименование - «училища технического рисования» - говорит о появлении художника нового типа. С 1860 года полу­чает развитие специальное ремесленное образование мастеров-исполнителей. Выпускается много книг по вопросам технологии обработки различных материалов: древесины, бронзы, железа, золота и др. Выходят торговые каталоги, заменившие ранее издававшийся журнал «Эконо­мический магазин». С середины XIX века формируются науки, связанные с во­просами гигиены труда и пользования предметами быта. Однако на протяжении всего XIX столетия вся массовая фабричная про­дукция в художественном отношении остается полностью подчиненной безраз­дельно господствующему представлению о красоте как декоративно-орнамен­тальной оформленности изделий. Следствием этого было привнесение в форму большей части изделий стилевых элементов классицизма: сложных профильных завершений, каннелированных колонок, розеток, гирлянд, орнаментики по ан­тичным мотивам и др. В ряде случаев эти элементы вводились в формы даже промышленного оборудования - станков.

В стилевом развитии прикладного искусства и бытовых изделий в XIX веке хронологически условно выделяются три основных периода: продолжения тен­денций классицизма в русле так называемого ампира (первая четверть века); поздний классицизм (примерно 1830-1860 годы) и эклектизм (после 1860-х годов).

Первая четверть XIX века ознаменовалась общим подъемом идейности и строительного размаха в русской архитектуре, что вызвало значительное оживление и в прикладном искусстве.

Кресло стиля ампир. Первая четверть Х1Х века.

Победа в войне 1812 года в определенной мере ускоряет и завершает процесс формирования русской на­циональной культуры, приобретающей обще­европейское значение. Деятельность наиболее известных зодчих - Воронихина, Кваренги, Казакова, тесно связанная с классицизмом предшествующей поры, приходится только на первое десятилетие века. На смену им выдви­гается плеяда таких замечательных мастеров, как Росси, Стасов, Григорьев, Бове, принес­ших в русское искусство новые идеи, иной стилевой дух.

Строгость и монументальность являются характерными особенностями архитектуры и форм различных предметов быта стиля ам­пир. В последних заметно изменяются декора­тивные мотивы, точнее, расширяется их типо­логия за счет использования декоративной сим­волики Древнего Египта и Рима - грифонов, сфинксов, фасций, военных атрибутов («тро­феев»), перевитых гирляндой венков, и др. По сравнению с образчиками раннего класси­цизма вообще возрастает количество декора, его «зрительный вес» в композиционном реше­нии изделий. Монументализация, порой, как бы огрубление форм, происходит из-за большей обобщенности и геометризованности классических орнаментальных мотивов - оканта, венков, лиры, доспехов и др., которые все более удаляются от своих реальных прообразов. Почти полностью исчезает живописная (сценки, пейза­жи, букеты) роспись предметов. Орнамент стремится к пятну, контурности, аппликативности. Изделия в своем большинстве, особенно мебель, становятся крупными, массивными, но разнообразными по общей конфигурации, силуэту. Тяжеловесность ампира в предметах мебели почти пропадает уже в 1830-х годах.

С середины XIX начинаются новые искания в области архитектуры, прикладного и промышленного творчества.

Зарождается общеевропейское художественное направление, получившее название «бидермейер», по имени буржуа одного из персонажей немецкого писателя Л. Эйхродта (произведение вышло в 1870-х годах) с его идеалом уюта, интима.

Утюг фабричного производства. Россия. Вторая половина X1X в.

Во второй половине XIX века происходит дальнейшее вытеснение ручного труда из производства ути­литарно-бытовых изделий. Веками складывавшиеся способы и приемы их художественного решения, прин­ципы формообразования вступают в противоречие с новыми экономи­ческими тенденциями массовости и рентабельности производства ве­щей на рынок. Реакция на изменяю­щуюся ситуацию двойственна. Одни мастера - их большинство, идут на компромиссы. Считая неруши­мым традиционный взгляд на все бытовые вещи как предмет декора­тивно-прикладного искусства, они начинают приноравливать орнамен­тальные мотивы классицизма к воз­можностям машины и серийных тех­нологий. Появляются «эффектив­ные» виды декора и отделки изделий. Еще в 1830-х годах в Англии Генри Куль выдвигает внешне реформаторский лозунг украшать фабричные изделия элементами «из мира форм изящных искусств». Многие промышленники охотно подхватывают лозунг, стремясь максимально использовать в своих интересах привязанность потребительской массы к внешне украшенным, орнаментально обогащенным формам предметов домашней обстановки.

Другие теоретики и практики прикладного искусства (Д. Рескин, У. Мор­рис), напротив, предлагают организовать бойкот промышленности. Их кредо - чистота традиций средневекового ремесла.

В странах Западной Европы и в России впервые привлекают к себе вни­мание теоретиков и профессиональных художников кустарные артели и мастера, в творчестве которых еще сохранялись глубокие народные традиции. В России нижегородские ярмарки 1870-1890-х годов демонстрируют жизнеспособность этих традиций в новых условиях. Многие профессиональные художники - В. Васнецов, М. Врубель, Е. Поленова, К. Коровин, Н. Рерих и др. - с энту­зиазмом обращаются к народным истокам декоративного искусства. В различ­ных областях и губерниях России, в таких городах, как Псков, Воронеж, Тамбов, Москва, Каменец-Подольск и др., возникают ремесленные предприятия, в основу деятельности которых положен ручной труд. Особенно большое зна­чение для возрождения творческих угасавших промыслов имела работа ма­стерских в Абрамцове под Москвой, в Талашкине под Смоленском, предприятие П. Ваулина под Петербургом, керамическая артель «Мурава» в Москве.

Самовар. XIX в.

Россия. Вторая половина

Промышленный насос. XIX в.

Однако изделия всех этих мастерских составляли столь незначительную часть в общем по­треблении, что не могли сколь-либо за­метно влиять на массовую продукцию, хотя и доказали правомерность сущест­вования наряду с массовым машинным производством вещей декоративного твор­чества, хранящего народные традиции. В дальнейшем это подтвердилось при вторжении машинной техники в такие области декоративно-прикладного ис­кусства, как ювелирное дело (бижуте­рия), ковроткачество, пошив одежды, что и привело к резкому падению их художе­ственного качества.

В формах основной массы выпускае­мых изделий второй половины XIX века ничто новое практически еще не получает развития. Однако новизна самой общей ситуации уже в это время способствует сложению внутренних предпосылок для новаторских исканий-осознанию сти­левых поисков как важной творческой потребности, как проявления художест­венной индивидуальности мастера. Если до сих пор стилевые направления (готи­ки, эпохи Ренессанса, барокко, класси­цизма и др.) рождались и получали рас­пространение, как правило, в результате общих, почти «глобальных», стихийно кристаллизовавшихся тенденций эстети­ческого освоения мира, то с середины XIX века стилевая оригинальность рас­ценивается как прямое творческое достижение отдельного художника, архитекто­ра. В связи с этим резко активизируется интерес к наследию искусства всех вре­мен и народов. Это богатейшее наследие становится источником подражаний, пря­мых заимствований или подвергается причудливой творческой переработке.

Стол с креслом стиля модерн. Конец XIX в.

В результате основная масса изделий являет собой необычайно пеструю карти­ну, в которой мелькают то явственные, то едва уловимые реминисценции антич­ности, романской эпохи, готики, итальян­ского или французского Возрождения, искусства Византии и Древней Руси, ба­рокко и т. д., зачастую эклектически смешиваясь в оформлении одного изделия, интерьера, здания. Поэтому данный пе­риод в истории архитектуры и прикладного искусства получил наименование эк­лектического. В народный быт все же начинают вне­дряться изделия (лампы, металлические ведра, коры­та, посуда, табуреты и др.) сравнительно дешевые, но выполненные без какой-либо художественной цели, часто в уродливых формах и пло­хого качества.

Поиски нового стиля ве­дутся с учетом реальной не­обходимости в условиях машинного производства, принципиально нового под­хода к формообразованию изделий, с одной стороны, и сохранения декоративистских традиций прошлого - с другой. Буржуазия, занявшая к концу XIX века прочные позиции в экономике России, стремилась к собственной ху­дожественной идеологии в архитектуре и дизайне - культу рационального, от­носительной свободе от архаизмов дворянской культуры, поощряя в искусстве все то, что могло поспорить со стилями прошлого. Таким в конце XIX века явился стиль модерн - «новое искусство» в Бельгии, Великобритании и США, «югендстиль» в Германии, «стиль Сецессионс» в Австрии, «свободный стиль» в Италии. Название его - «модерн» (от фр. moderne) означало «новый, совре­менный»- от лат. modo - «только что, недавно». В своем чистом виде, угасая и смешиваясь с другими стилевыми течениями, он продержался сравнительно недолго, примерно до 1920 года, т. е. около 20-25 лет, как почти все стилевые направления XVII-XX веков.

Модерн разнообразен в разных странах и в творчестве отдельных мастеров, что осложняет понимание решавшихся им задач. Однако характерным стало практически полное искоренение всех ранее при­менявшихся декоративно-орнаментальных мотивов и приемов, коренное их обновление. Традиционные карнизы, розетки, капители, каннелюры, пояски «набегающей волны» и т. д. заменяются стилизованными растениями местного произрастания (лилии, ирис, гвоздика и т. п.), женскими головками с длин­ными вьющимися волосами и др. Часто декорировка вообще отсутствует, а ху­дожественный эффект достигается за счет выразительности силуэта, членений формы, линий, как правило тонко прорисованных, как бы свободно текущих, пульсирующих. В формах изделий модерна почти всегда ощутима некоторая причудливая воля художника, напряжение туго натянутой струны, утрированность пропорций. В крайних проявлениях все это резко обострено, возведено в принцип. Порой проступает пренебрежение конструктивной логикой формы, почти бутафорское увлечение зрелищной стороной задачи, особенно в решении интерьеров, зачастую эффектно театрализуемых.

При всех слабых сторонах - вычурности, порой крикливости форм, возник новый подход к ре­шению здания, интерьера, обстановки с логичностью функцио­нального, конструктивного и технологического решения.

Подсвечник стиля модерн. Начало ХХ в.

Набор посуды. Конец Х1Х в.

Туалетный стол периода модерна. Начало XX в.

Модерн в подавляющей части своих образчиков не отказался от декорирования изделий, а только заменил старые декоративные моти­вы и приемы новыми. Уже в нача­ле XX века, в пору триумфов нового стиля, снова, сначала робко, затем широко возвращается мода на ста­рые стили, что имело известную связь с начавшейся подготовкой к празднованию столетнего юбилея Отечественной войны 1812 года. Вы­ставка «Современное искусство», устроенная в Петербурге в 1903 го­ду, ясно показала рождение «классицизирующего модерна».

Итоги модерна сложны. Это очищение прикладного искусства и от эклектики, и от «антимашинизма» поборников ручных ремесел, и от неудавшихся попыток реставра­ции стилей прошлого. Это и первые симптомы выхода архитектуры и прикладного искусства на путь функционализма и конструктивизма, на путь современного дизайна. Вместе с тем, скоро обнаружив тенденцию национали­зации стиля, модерн вызвал новую волну чисто декоративистских исканий. К прикладному искусству и оформлению интерьеров обращаются многие жи­вописцы (С. Малютин, В. Васнецов, А. Бенуа, С. Головин и др.), тяготея к красочности русской сказки, к «пряничности» и т. п. В перспективе после­дующего исторического процесса, решения актуальных проблем массового ин­дустриального производства подобные опыты не могли иметь серьезного идей­но-художественного значения, хотя и давали толчок развитию другой ветви прикладного искусства - художественным промыслам и в особенности театраль­но-декорационному искусству.

Модерн как бы расчистил и подготовил путь для утверждения в искусстве создания бытовых вещей новых эстетических и творческих принципов, ускорил появление новой художнической профессии - художественного проектирования (дизайна).

Оформление функционализма и конструктивизма в особые направления в ар­хитектуре и художественном проектировании западных стран произошло в конце 1910-х годов в связи со стабилизацией жизни и успехами экономики после пер­вой мировой войны. Но принципиальные основы новой современной архитектуры определялись в предвоенный период в творчестве таких архитекторов, как Т. Гарнье и О. Перре (Франция), X. Берлага (Голландия), А. Лоос (Австрия), П. Беренс (Германия), Ф. Райт (США), И. Шехтель, И. Рерберг (Россия) и др. Каждый из них по-своему преодолевал воздействие модерна и боролся.

В 1918 г. при отделе ИЗО Наркомпроса образуются спецотделы по вопросам архитектуры и художественной промышленности. Серьезное внимание уделяется вопросам подготовки специалистов. В 1920 г. В.И.Ленин подписал декрет о создании Высших государственных художественно-технических мастерских (ВХУТЕМАС). Выпускниками создавались новые образцы тканей, мебели, посуды и др.

Обучение в мастерских (в 1927 году преобразованы во ВХУТЕИН Все­союзный художественно-технический институт), велось по факультетам: архитектурному, керамическому, текстильному и др. На фа­культете обработки дерева и металла под руководством А. Родченко, Д. Лисицкого, В. Татлина и других мастеров шли поиски новых форм и конструк­ций разнообразных предметов. Вся деятельность ВХУТЕМАСа была нацелена на формирование у учащихся навыков комплексного подхода к проектированию предметной среды быта и производства.

В 1920-е годы сложилось течение «производственного искусства», разви­вавшее принципы функционализма и конструктивизма, стремившееся утвердить в сознании художников эстетический идеал рационально организованного материального производства. Любые прежние формы искусства объявлялись «производственниками» буржуазными, неприемлемыми для пролетариата. Отсюда отрицание ими не только «практически бесполезного» изобразительного ис­кусства, но и всего чисто декоративного творчества, например ювелирного.В 20-е годы в нашей стране еще не созрели и технико-экономические условия для реализации их идей.

ВХУТЕМАС и «производственники» 1920-х годов идейно-эстетически были тесно связаны с «Баухаузом» и в ряде важных моментов представляли с ним, по существу, единое течение в художественном проектировании того времени. В рамках этого нового движения формировалась эстетика современного дизай­на, преодолевавшая противоречия в прикладном искусстве предшествующего периода. Практическая художественная деятельность основоположников дизай­на была развитием также арсенала художественно-выразительных средств ис­кусства создания вещей. В их произведениях (мебели, светильниках, посуде, тканях и т. д.) самое пристальное внимание обращалось на такие свойства материалов и формы, как фактура, цвет, пластическая выразительность, ритми­ческий строй, силуэт и др., которые приобрели решающее значение в компо­зиции изделий, не входя в противоречие с требованиями конструктивной логики и технологичности формы. Другое направление, успешно развивавшееся в нашей стране в 20-е годы, инженерное проектирование. В 1925 году в Москве по проекту выдающегося инженера В. Шухова воз­водится знаменитая радиобашня, ажурный силуэт которой надолго стал симво­лом советского радио. Годом раньше Я. Гаккель создает на основе последних достижений техники первый советский тепловоз, форма которого даже сегодня выглядит достаточно современ­ной. В 20-е годы осознается потребность в научных иссле­дованиях закономерностей дея­тельности человека в искусст­венно создаваемом им самим предметном окружении. Орга­низуется Центральный инсти­тут труда, в его стенах ведутся исследования по вопросам на­учной организации труда, куль­туры производства. Внимание ученых и конструкторов при­влекают вопросы биомеханики, органолептики и др. Среди при­мечательных работ тех лет - проект рабочего места води­теля трамвая (Н.Бернштейн).

Я. Гаккель. Тепловоз. Начало 1930-х гг

Обновленная экспозиция

«Декоративно-прикладное искусство России XVIII - первой трети XIX века»

В рамках празднования 35-летия во Всероссийском музее декоративно-прикладного и народного искусства открылась обновленная постоянная экспозиция «Декоративно-прикладное искусство России XVIII - первой трети XIX века».

«Петр Великий бросил вызов России, а она ответила ему Пушкиным», - крылатая фраза А.Н. Герцена точнее всего определяет смысл и границы эпохи, которой посвящена экспозиция этих залов. Представленные здесь предметы - живые вехи, обозначившие становление и расцвет отечественной культуры в лоне европейской культурной традиции Нового времени. В них запечатлены перемены жизненного уклада и художественных ориентиров, трансформация старых и появление новых предметных форм, техник и даже видов декоративно-прикладного искусства.

В основу дизайна новой экспозиции заложен принцип демонстрации экспонатов как уникальных художественных объектов, которые объединены в тематические, стилистические и типологические блоки. Такое решение позволяет оценить значение каждого предмета с точки зрения времени, стиля, развития отдельного вида декоративно-прикладного искусства, и акцентирует внимание на его художественной самоценности.

Сценарий осмотра строится исходя из пространственного решения экспозиции, не только содержательно (по типологии, тематике, стилистике и хронологии), но и визуально - от Петровского времени до бидермайера.

Центральные темы новой экспозиции: «Эпоха перемен: рубеж XVII -XVIII веков», к которой примыкают так называемые «примитивы XVIII века», перелагавшие реалии нового времени в формах традиционного искусства; «Классика русского XVIII века», представляющая эпоху от Петра до Павла в высоких образцах придворного искусства, а также «Русский ампир» и «В комнатах», демонстрирующие две грани русской культуры первой трети XIX века - блестящий имперский стиль и становление культуры частной жизни, соотносимой с феноменом немецкого бидермайера. В тоже время экспозиция позволяет рассмотреть произведения и в привычном ряду - по видам искусства, выделяя мебель, художественный металл, стекло, фарфор, керамику, камнерезное искусство, кость и бисер.

Особого внимания заслуживают такие уникальные церковные предметы, как Крест-мощевик и Панагия, которые датируются XVII веком. Они выполнены в дорогостоящей на тот момент технике - эмаль по скани. В числе наиболее ранних экспонатов - сундуки с металлической оковкой и декоративной отделкой, чернильницы, уральская латунная посуда XVII - начала XVIII века. Ярким образцом парадной представительской металлической посуды для сервировки стола являются латунные кружки завода Демидовых на Урале.

Предметы сервировки стола и подносные вещи выполнялись тогда в разных техниках. Например, два стеклянных, темно-синих кубка с вензелями «EML» и «WGS», производства Императорского стеклянного завода, являются редким примером расписных изделий конца XVIII - начала XIX века. Латинские вензели на кубках принадлежат шведскому посланнику в России в 1793 году Вернеру Готтлобу фон Швениру - «WGS» - и его матери Эббе Марии Лагербринг - «EML». Кубки хранились два с лишним столетия в замке Скархульт, Сконе (Швеция), являясь фамильным достоянием.

В экспозиции можно ознакомиться с уникальными образцами русской дворцовой мебели XVIII-XIX веков, среди которых особый интерес представляют шахматный и ломберный столики в технике маркетри. Среди экспонатов мебели, характерной для первой половины XIX века, обращают внимание две редких по качеству горки в стиле «жакоб». Тому же времени принадлежат и два кресла, выполненные по проекту Осипа Ивановича Бове. Интерес представляют и каминные часы «Минин и Пожарский» изготовленные парижским бронзовщиком Пьером-Филиппом Томиром и, воспроизводящие в интерьерном формате, знаменитый памятник Ивана Мартоса, стоящий на Красной площади.

Особое место в экспозиции занимает шпалера «Спасение рыбаков», которая выполнена во Фландрии в неизвестной мастерской во второй половине XVII - начала XVIII веков. Она поступила в ВМДПНИ в 1999 году с коллекцией Музея народного искусства им. С.Т. Морозова. Сюжет шпалеры заимствован из библии: в центре композиции изображается одно из чудес - «Хождение по водам». Шпалера отреставрирована в несколько этапов - она была частично восстановлена специалистами Музея народного искусства им. С.Т. Морозова, и, уже в 2014 полную реставрацию завершили специалисты-реставраторы Всероссийского музея декоративно-прикладного и народного искусства. Таким образом, шпалера обрела новую жизнь и впервые будет представлена на экспозиции.

В соответствующих тематических разделах представлены осветительные приборы из стекла и хрусталя, интерьерные изделия из фарфора и бронзы конца XVIII-XIX веков. Каждый экспонат является эталонным образцом того или иного стиля, запечатлевает дух своего времени и представляет возможности художественного и технического мастерства.

Подобное пространственное решение экспозиции позволяет музею наиболее эффективно и интересно организовать экскурсии и специальные программы. К наиболее интересным и значимым экспонатам будут представлены расширенные аннотации, а также сопровождение QR-кодами, благодаря которым, посетители смогут получить более подробную информацию. Экспозиция оснащается современной системой светового оборудования. Благодаря высокой интерактивности, новая экспозиция обещает быть более живой и интересной, а так же способствовать творческому диалогу с посетителями, особенно с детской и юношеской аудиторией.