Введение
1. Малые голландцы
Голландская школа живописи
Жанровая живопись
4. Символика. Натюрморт
Рембрандт ван Рейн
Вермеер Делфтский Ян
Заключение
Введение
Цель контрольной работы заключается:
·В развитии творческого потенциала;
·Формированию интереса к искусству;
·Закрепление и пополнение знаний.
В XVII веке зародилось голландское искусство. Это искусство считается самостоятельным и независимым, оно обладает определенными формами и особенностями.
До XVII века Голландия не имела своих значимых художников в искусстве, т.к. входила в государство Фландрии. Однако нескольких художников отмечают в данный период времени. Это художник и гравер Лука Лейденский(1494-1533), живописец Дирк Боутс(1415-1475), художник Скореле (1495-1562).
Постепенно смешивались разные школы и мастера теряли отличительные черты своих школ, а оставшиеся художники Голландии перестают иметь дух национального творчества. Появляется много различных и новых стилей. Художники пытаются писать картины во всех жанрах, ища индивидуальный стиль. Жанровые методы стирались: историчность не так обязательна, как ранее. Создается новый жанр - групповые портеры.
В начале XVII века, когда решалась судьба Голландии - Филипп IIIдоговорился о перемирии между Испанией и Нидерландами. Нужна была революция, политическая или военная ситуация. Борьба за независимость объединила народ. Война укрепила национальный дух. Подписанные договора с Испанией, дали Голландии свободу. Это подтолкнуло к созданию собственного и особенного искусства, выражавшее сущность голландцев.
Особенность голландских художников заключалось в создании реального образа до мельчайших подробностей - проявление чувств и мыслей. Это основа голландской школы. Она становится реалистическим искусством, а к середине XVII века достигает вершин во всех областях.
Для Голландии типично разделение не только на жанры, но и на многочисленные подвиды. Одни мастера пишут сцены из быта бюргеров и офицеров - Питер де Хоох (1495-1562), Герард Терборх (1617-1681), Габриэль Метсю (1629-1667), вторые - из крестьянской жизни - Адриан ван Остаде (1610-1685), третьи - сцены из быта учёных и врачей - Геррит Доу (1613-1675); пейзажисты - Ян Порселлис (1584-1632), Симон де Влигер (1601-1653), изобразители лесных уголков - Мейндерт Хоббема (1638-1609), мастера интерьера - Питер Янсенс (1623-1682). Периодически в художественных школах становится традиционным определённый жанр. Например, гарлемские живописцы натюрморта к так называемым «завтракам» - Питер Клас (1598-1661), Виллем Хеда (1594-1680).
Художники показывают нравы и обычаи, этические и моральные нормы поведения человека. Часто изображают семейные события. Пейзажисты и мастера натюрморта передают свет под открытым небом, в закрытых помещениях мастерски изображают фактуру предметов. Бытовая живопись находится на вершине, благодаря Яну Стену (1626-1679), Герхарду Терборх (1617-1681), Питеру де Хоху (1629-1624).
1. Малые голландцы
Малые голландцы - группа художников XVII века, в которую «объединяются» живописцы пейзажной и бытовой жанровой картины маленького размера (отсюда и название). Такие картины предназначались для скромного интерьера жилых домов. Их приобретали горожане и крестьяне. Для таких картин характерно ощущение уюта на картине, тонкость деталей, близость человека и интерьера.
П. де Хох, Я. ван Гойен (1596-1656), Я. и С. ван Рёйсдал (1628-1682) и (1602 - 1670), Э. де Витте (1617-1692), П. Клас, В. Хеда, В. Калф (1619-1693), Г. Терборх, Г. Метсю, А. ван Остаде, Я. Стен (1626-1679), А. Кёйп (1620-1691) и др. Каждый специализировался, как правило, в одном каком-то жанре. «Малые голландцы» продолжили традиции нидерландских мастеров эпохи Возрождения, утверждавшие, что искусство должно не только приносить удовольствие, но и напоминать о ценностях.
Творчество художников можно разделись на 3 группы:
1630-е гг. - утверждение реализма в национальной живописи (ведущим художественным центром был Харлем, важным фактором являлось влияние Ф. Хальса);
1640-1660-е гг. - расцвет художественной школы (центр искусства перемещается в Амстердам, привлекающий художников из других городов, актуальным становится влияние Рембрандта <#"justify">2. Голландская школа живописи
Три четверти века продолжался подъем искусства на севере Нидерландов, в республике Соединенных провинций, называвшейся Голландией. В 1609 г. эта республика получила статус государства. Здесь сложилось буржуазное государство.
Значительную роль на живопись эпохи возрождения оказал итальянский художник Караваджо (1571-1610). Он писал свои картины очень реалистичными, а предметы и фигуры имели высокую технику светотени.
Художников было много, и жили они в небольших городах: Харлеме, Дельфте, Лейдене. В каждом из этих городов сложилась своя школа с присущей ей жанровой тематикой, но Амстердам играл самую важную роль в развитии голландского искусства.
3. Жанровая живопись
В Голландии вместе с известностью жанра пейзаж, появляются новые: марина - морской пейзаж, городской пейзаж - ведута, изображение животных - анималистическая живопись. Значительное влияние на пейзаж оказывали произведения Питера Брейгеля(1525-1529). Голландцы писали свою, своеобразную красоту природы родного края. В XVII веке голландская школа живописи стала одной из ведущих в Европе. Окружающие объекты людей стали источником вдохновения для художников. В искусстве этого времени завершилось формирование системы жанров, которое началось еще в эпоху Возрождения. В портретах, бытовых картинах, пейзажах и натюрмортах художники передавали свои впечатления от природы и быта. Новое представление стал иметь жанр бытовой живописи - жанровая живопись. Бытовой жанр сложился в двух разновидностях - крестьянский и бюргерский (городской) жанр. В жанровых картинах изображали быт частного человека: пирушки гуляк, хозяйственная деятельность, музицирование. Художники обращали внимание на внешнюю сторону, позы, костюмы. Частью уюта становились предметы: столик красного дерева, шкаф, кресло, обитое кожей, графин темного стекла и бокал, фрукты. Такой жанр отражал поведение и общение людей, принадлежащих к различным сословиям.
Работы Гарарда Доу пользовались тогда большой популярностью. Он пишет скромные сцены из быта мелкой буржуазии. Часто изображает пожилых женщин, сидящих за прялкой или читающих. Явная тенденция Доу - выписывание в своих небольших картинках поверхности предметов - узоры тканей, морщины старческих лиц, чешую рыбы и т. д. (приложение; рис.
Но жанровая живопись потерпела эволюцию. В период становления ее заново, были распространены сюжеты на темы отдыха, развлечений, сцены из жизни офицеров. Такие картины назывались «завтраки», «банкеты», «общества», «концерты». Эта живопись отличалась пестротой цвета и радостными тонами. Оригинальным стал жанр - «завтраков». Это вид натюрморта, в котором через изображение посуды, разнообразных блюд передавался характер их владельцев.
Бытовой жанр - самое отличительное и самобытное явление голландской школы, открывшее для мирового искусства повседневность жизни частного человека.
В жанровой теме искусства писал и Ян Стен. Он с чувством юмора подмечал подробности быта и взаимоотношения людей. В картине «Гуляки» на зрителя весело и лукаво смотрит сам художник, сидящий рядом с женой, уснувшей после веселого застолья. А в картине через мимику и жесты персонажей Ян Стен умело раскрывает сюжет мнимой болезни.
К началу 30-х годов произошло завершение формирования голландской жанровой картины. Делили жанровую живопись по социальному признаку: сюжеты на темы из жизни буржуазии, и сцены из жизни крестьян и городской бедноты.
Одним из известных художников, писавшем в «крестьянском жанре», был Адриан ван Остад. В ранний период творчества, изображение крестьян отличалось комичностью. Так, в картине, освещенные резким светом дерущиеся, кажутся не живыми людьми, а марионетками. Противопоставление холодных и теплых цветов, резкие контрасты света создают на их лицах маски со злобными эмоциям.
Позже, художник пишет картины с более спокойными сюжетами, изображая человека во время привычных занятий, чаще всего в минуты отдыха. Например, интерьерная картина «Деревенские музыканты». Остаде передает сосредоточенность «музыкантов», с едва заметным юмором изображая наблюдающих за ними в окно детей. В «крестьянском жанре» работал и рано умерший брат Адриана - Иcаак ван Остаде. Он изображал жизнь сельской Голландии. В картине «Зимний вид» представлен типичный пейзаж с серым, нависшим над землей небом, замерзшей рекой, на берегу которой, расположена деревня.
В 50-60 годы XVII века тематика жанровых картин сужается, меняется их строй. Они становятся спокойнее, лиричнее, задумчивее. Этот этап представлен творчеством таких художников как: Питер де Хох, Герард Терборх, Габриэль Метсю, Питер Янсенс. Их работы характерны идеализированным образом быта голландской буржуазии. Так, в интерьерной картине «Комната в голландском доме» Питера Янсенса изображена залитая солнечным светом уютная комната с играющими на полу и на стенах солнечными зайчиками. Выбор композиции подчеркивает единство человека и окружающей его среды.
Голландские жанристы пытались отразить в работах внутренний мир человека. В регулярно происходящих ситуациях они смогли показать мир переживаний. Так, Герард Терборх в картине «Бокал лимонада» изобразил едва уловимый язык жестов, прикосновений рук, встреч взглядами раскрывает целую гамму чувств и взаимоотношений персонажей.
Тонкость, правдивость в воссоздании действительности сочетается у голландских мастеров с неприметной и будничной красотой. Эта черта проявилась нагляднее в натюрморте. Голландцы его называли «stilleven». В это понимание мастера видели в неодушевленных предметах скрытую жизнь, связанную с жизнью человека, с его бытом, привычками, вкусами. Голландские живописцы создавали впечатление естественного «беспорядка» в расположении вещей: они показывали разрезанный пирог, очищенный лимон с висящей спиралью кожурой, недопитый бокал вина, горящую свечу, раскрытую книгу - всегда кажется, что кто-то касался этих предметов, только, что пользовался ими, ощущается незримое присутствие человека.
Ведущими мастерами голландского натюрморта первой половины XVII века были Питер Клас1 и Виллем Хед. Любимая тема их натюрмортов - так называемые «завтраки». В «Завтраке с омаром» В. Хеды (приложение; рис. 16) предметы самой различной формы и материала - кофейник, бокал, лимон, серебряная тарелка. Предметы скомпонованы так, чтобы увидеть привлекательность и особенность каждого. Разнообразными приемами Хеда великолепно передает материал и специфику их фактуры; так, блики света по-разному играют на поверхности стекла и металла. Все элементы композиции объединены светом и колоритом. В «Натюрморте со свечой» П. Класса замечательна не только точность воспроизведения материальных качеств предметов - композиция и освещение придают им большую эмоциональную выразительность. Натюрморты Класса и Хеды похожи между собой - это настроение интимности и уюта, спокойствие в жизни бюргерского дома, где есть достаток. Натюрморт можно рассматривать как одну из важных тем голландского искусства - темы жизни частного человека. Свое главное решение она получила в жанровой картине.
Символика. Натюрморт
Все предметы в голландском натюрморте символичны. Сборники, издававшиеся на протяжении XVIII <#"justify">oосыпавшиеся лепестки возле вазы - знаки бренности;
oувядший цветок - намек на исчезновение чувства;
oирисы - знак Богородицы;
oкрасные цветы - символ искупительной жертвы Христа;
oбелая лилия не только прекрасный цветок, но и символ непорочности Девы Марии;
oгвоздика - символ пролитой крови Христа;
oбелый тюльпан - ложная любовь.
oгранат - символ воскресения, символ целомудрия;
oяблоки, персики, апельсины напоминали о грехопадении;
oвино в бокале или кувшине олицетворяло жертвенную кровь Христа;
oоливка - символ мира;
oгнилые фрукты - символ старения;
oколосья пшеницы, плюща - символ возрождения и круговорота жизни.
oстекло - символ хрупкости;
oфарфор - чистота;
oбутылка - символ греха и пьянства;
oразбитая посуда - символ смерти;
oперевернутый или пустой бокал обозначает пустоту;
oнож - символ предательства;
oсеребряные сосуды - олицетворение богатства.
oпесочные часы - напоминание о быстротечности жизни;
oчереп - напоминание о неизбежности смерти;
oколосья пшеницы - символы возрождения и круговорота жизни;
oхлеб - символ тела Господа;
oоружие и доспехи - символ власти и могущества, обозначение того, что нельзя забрать с собой в могилу;
oключи - символизируют власть;
oкурительная трубка - символ быстротечных и неуловимых земных наслаждений;
oкарнавальная маска - является знаком отсутствия человека; безответственного удовольствия;
oзеркала, стеклянные шары - символы тщеславия, знак отражения, ирреальности.
Основы голландского реалистического пейзажа складывались на протяжении вначале XVII века. Художники изображали, полюбившуюся им природу с дюнами и каналами, домиками и селениями. Они старались изобразить национальность пейзажа, атмосферу воздуха и характерность времени года. Мастера все чаще подчиняли все компоненты картины единому тону. Они тонко чувствовали цвета, умело владели передачей переходов из света в тень, из тона в тон.
Крупнейший представитель голландского реалистического пейзажа был Ян ван Гойен (1596-1656). Он работал в Лейдене и Гааге. Художник любил изображать долины и водную гладь рек на небольших по размеру полотнах. Много места Гойен оставлял небу с облаками. Такова картина «Вид реки Вааль у Неймегена», выдержанная в тонкой коричнево-серой гамме красок.
Позднее, характерная сущность пейзажей меняется. Она становится немного шире, более эмоциональной. Специфика остается той же- сдержанной, но тона приобретают глубину.
Все новые черты пейзажного стиля воплотил в своих картинах Якоб ван Рейсдаль (1629-1682). Изображая объемными деревья и кусты, создавалось ощущение, что они выдвигаются на передний план и становятся мощнее. Великолепно владения чувством перспективы, Рейсдаль умело передавал широкие равнины и окрестности Голландии. Выбор тона и освещения навевает сосредоточенность. Рейсдаль любил и руины, как декоративные детали, говорящие о разрушении, бренности земного существования. «Еврейское кладбище», представляет запущенную местность. Рейсдаль не пользовался в свое время успехом. Реализм его картин не соответствовал вкусам общества. Художник, заслуженно пользующийся теперь мировой славой, умер бедняком в богадельне Гарлема.
Портретная живопись. Франс Хальс
Одним из великих голландских художников был Франс Хальс (около 1580-1666). Он родился в XVII веке в Антверпене. Совсем юным художником попал в Харлем, где вырос и сформировался в манере школы Карела Ван Мандера. Харлем гордился своим художником, и приводили к нему в мастерскую именитых гостей - Рубенса и Ван Дейка.
Хальс был почти исключительно портретистом, но его искусство много значило не только для портретной живописи Голландии, но и для формирования других жанров. В творчестве Хальса можно выделить три вида портретных композиций: групповой портрет, заказной индивидуальный портрет и особый тип портретных изображений, близкий по характеру жанровой живописи.
В 1616 году Хальс пишет картину «Банкет офицеров роты стрелкового полка Святого Георгия», в которой полностью порывает с традиционной схемой группового портера. Создавая очень живое произведение, объединяя персонажи в группы и придавая им различные позы, он как бы срастил воедино портрет с жанровой живописью. Произведение имело успех, а художник был завален заказами.
Его персонажи держатся на портрете естественно и свободно, их поза, жесты кажутся неустойчивыми, а на лицах вот-вот должно сменится выражение. Примечательнейшая черта творческой манеры Хальса - это способность передать характер через индивидуальную мимику и жест, словно пойманные на лету - «Веселый собутыльник», «Мулат», «Улыбающийся офицер». Художник любил эмоциональные состояния, полные динамики. Но в этом мгновенном, что запечатлевал Хальс, всегда схвачено самое существенное, сердцевина образа «Цыганка», «Малле Бабе».
Однако в образах Хальса самого конца 30-х и 40-х годов появляются задумчивость и грусть, чуждые его персонажам портрет Виллема Хейтхейсена, а порой проскальзывает легкая ирония в отношении художника к ним. Из искусства Хальса постепенно уходит ликующее приятие жизни и человека.
Настали переломные моменты в живописи Хальса. В портретах Хальса, написанных в 50-е и 60-е годы, углубленное мастерство характеристики сочетается с новым внутренним смыслом. Одно из самых сильных произведений позднего Хальса - мужской портрет из Метрополитен-музея в Нью-Йорке (1650-1652). Композиция портрета - поколенный образ фигуры, ее постановка в чистый фас, взгляд, направленный прямо на зрителя, чувствуется значительность личности. В осанке мужчины читаются холодная властность и высокомерное презрение ко всем. Чувство собственного достоинства соединяется в нем с безмерным честолюбием. В то же время в взгляде неожиданно улавливается оттенок разочарования, словно в этом человеке, таится сожаление о прошлом - о своей молодости и молодости своего поколения, чьи идеалы забыты, а жизненные стимулы угасли.
Портреты Хальса 50-60-х годов многое раскрывают в голландской действительности тех лет. Художник прожил долгую жизнь, и ему довелось стать свидетелем перерождения голландского общества, исчезновения его демократического духа. Не случайно выходит теперь из моды искусство Хальса. Поздние произведения Хальса чутко отражают дух времени, столь чуждый мастеру, но в них слышится и его собственное разочарование в окружающей действительности. В некоторых работах этих лет улавливается отзвук личных чувств старого художника, терявшего прежнюю славу и уже видевшего конец своего жизненного пути.
За два года до смерти, в 1664 году, были написаны Хальсом портреты регентов и регентш (попечителей) харлемского приюта для престарелых.
В «Портрете регентов» всех объединяет чувство разочарования и обреченности. В регентах нет жизненной силы, как на ранних групповых портретах Хальса. Каждый одинок, каждый существует сам по себе. Черные тона с красновато-розовыми пятнами создает трагическую атмосферу.
В ином эмоциональном ключе решен «Портрет регентш». В почти недвижных позах черствых, не знающих сострадания старух чувствуется хозяйская властность и вместе с тем во всех них живет глубокая подавленность, чувство бессилия и отчаяния перед лицом надвигающейся смерти.
До конца дней Хальс сохранил непогрешимость своего мастерства, а искусство восьмидесятилетнего живописца получило проникновенность и силу.
6. Рембрандт ван Рейн
Рембранд (1606-1669) - крупнейший представитель золотого века голландской живописи. Родился в Лейдене в 1606 году. Для получения художественного образования, художник переезжает в Амстердам и поступает в мастерскую Питера Ластмана, а затем возвращается в Лейден, где в 1625 году начинает самостоятельную творческую жизнь. В 1631 г Рембрандт окончательно переезжает в Амстердам, и вся остальная жизнь мастера связана с этим городом.
Творчество Рембрандта, проникнуто к философскому постижению жизни и внутреннего мира человека. Это является вершиной развития голландского искусства XVII века. Художественное наследие Рембрандта отличается многообразием жанров. Он писал портреты, натюрморты, пейзажи, жанровые сцены, картины на исторические, библейские, мифологические темы. Но наибольшей глубины работы художника достигают в последние годы его жизни. Уффици располагает тремя работами великого мастера. Это автопортрет в юности, автопортрет в старости, портрет старика (раввин) Во многих поздних работах художник погружает всю поверхность холста в сумрак, акцентируя внимание зрителя на лице.
Таким изобразил себя Рембрандт в возрасте 23 лет.
Период переезда в Амстердам ознаменовался в творческой биографии Рембрандта созданием множества мужских и женских этюдов
В 1653 году, испытывая материальные трудности, художник передал почти всё своё имущество сыну Титусу, после чего заявил в 1656 г. о банкротстве. После продажи дома и имущества художник переехал на окраину Амстердама, в еврейский квартал, где провёл остаток жизни. Самым близким к нему человеком в те годы, по-видимому, Титус, т.к. его изображения наиболее многочисленны. Смерть Титуса в 1668 году стала для художника одним из последних ударов судьбы; его самого не стало годом позже. «Матфей и ангел» (1661). Возможно, моделью для ангела являлся Титус.
Последние два десятилетия жизни Рембрандта стали вершиной его мастерства как портретиста. Моделями выступают товарищи художника (Николас Брейнинг
7. Вермеер Делфтский Ян
голландский искусство живопись натюрморт
Вермеер Делфтский Ян (1632-1675) - голландский живописец, крупнейший мастер нидерландской жанровой и пейзажной живописи. Работал Вермеер в Делфте. Как художник сложился под влиянием трагически погибшего при взрыве порохового склада Карела Фабрициуса.
Ранние картины Вермеера имеют возвышенность образов (Христос у Марфы и Марии). Сильное влияние на творчество Вермеера оказало творчество мастера жанровой живописи Питера де Хооха. Стиль этого живописца в дальнейшем находит развитие в картинах Вермеера.
Со второй половины 50-х годов Вермеер писал небольшие картины с одной или несколькими фигурам в серебристом свете интерьера дома (Девушка с письмом, Служанка с кувшином молока). В конце 50-х годов Вермеер создал два шедевра пейзажной живописи: проникновенную картину Улочка с сияющими, свежими, чистыми, красками и картину Вид города Делфта. В 60-е годы творчество Вермеера становится более изысканным, а живопись - холодной. (Девушка с жемчужной сережкой).
В конце 60-х годов художник часто изображал богато обставленные комнаты, где дамы и кавалеры музицируют и ведут галантные беседы.
В последние годы жизни Вермеера его финансовое положение сильно ухудшилось. Спрос на картины резко упал, живописец вынужден был брать ссуды, чтобы прокормить одиннадцать детей и других членов семьи. Вероятно, это ускорило приближение смерти. Неизвестно, что произошло - острое заболевание, или депрессия в связи с финансами, но похоронили Вермеера в 1675 году в семейном склепе в Делфте.
Индивидуальное искусство Вермеера после смерти не было оценено современниками. Интерес к нему возродился лишь в XIX веке, благодаря деятельности художественного критика и историка искусства Этьена Теофиля Торе, который «открыл» Вермеера для широкой публики.
Заключение
Обращение к реальной действительности помогло расширить художественные возможности искусства Голландии, обогащало его жанровую тему. Если до XVII века в европейском изобразительном искусстве большое значение имела библейско-мифологическая тематика, а другие жанры были слабо развиты, то в голландском искусстве соотношение между жанрами резко меняется. Происходит подъём таких жанров как: бытовой жанр, портрет, пейзаж, натюрморт. Сами библейские и мифологические сюжеты в голландском искусстве в значительной мере утрачивают прежние формы воплощения и трактуются теперь как бытовые картины.
При всех достижениях голландское искусство несло в себе и некоторые специфические черты ограниченности - узкий круг сюжетов и мотивов. Другой минус: только некоторые мастера стремились найти в явлениях их глубокую основу.
Но во многих композиционных картинах, портретах образы носят глубочайший характер, а пейзажи показывают истинную и реальную природу. Это стало отличительной особенностью голландского искусства. Таким образом, живописцы сделали большой прорыв в искусстве, овладев трудным и сложным умением писать изображения внутреннего мира человека и переживания.
Контрольная работа дала мне возможность проверить свои творческие способности, пополнить запас теоретических знаний, глубже узнать о голландских художниках и их работах.
Репетиторство
Нужна помощь по изучению какой-либы темы?
Наши специалисты проконсультируют или окажут репетиторские услуги по интересующей вас тематике.
Отправь заявку
с указанием темы прямо сейчас, чтобы узнать о возможности получения консультации.
XVII в. явил миру две художественные школы - голландскую и фламандскую . Обе были наследницами художественных традиций Нидерландов - европейской страны, на территории которой к тому времени образовалась католическая Фландрия, названная так по имени самой значимой провинции (на сегодняшний день это территория Бельгии и Франции). Другие провинции, отстояв свою приверженность идеям реформации, объединились и стали именоваться Голландской республикой или просто Голландией. В XVII веке в Голландии примерно три четверти населения было городским, основным сословием считалось среднее. Реформаторская церковь отказалась от великолепия декора, не было коронованных заказчиков и родовой аристократии, а это значит, что представители буржуазии стали основными потребителями искусства. Пространство, предназначенное для живописи, ограничилось домами бюргеров и общественными зданиями.
Размеры картин, как правило, были не велики (по сравнению с дворцовой живописью или алтарными композициями для церквей), а сюжеты имели камерный характер, изображали сцены частной, повседневной жизни. Главное достижение голландского искусства 17 в. – в станковой живописи. Человек и природа были объектами наблюдения и изображения голландских художников. Трудолюбие, усердие, любовь к порядку и чистоте нашли отражение в картинах, изображающих голландский быт. Именно поэтому голландских мастеров XVII века (за исключением Рембрандта и Халса) назвали «малыми голландцами» (обширного круга голландских живописцев XVII в. возникло в связи с камерным характером их творчества, небольшим размером их картин (пейзаж, интерьер, бытовые сюжеты). Для живописи малых голландцев характерны тонкость письма, выразительность небольших деталей, красота световых и колористических нюансов, общее ощущение уюта, близости и единения персонажей в пейзажной или интерьерной среде. Среди наиболее ярких представителей - Ян Вермер, братья Остаде (Адриан ван О. и Изак ван О.), Герард Терборх, Ян Стен, Габриэль Метсю).
Большинство художников находило темы для своих картин в пределах родной страны, следуя совету Рембрандта: «Учись, прежде всего, следовать богатой природе и отображать, прежде всего, то, что ты найдешь в ней. Небо, земля, море, животные, добрые и злые люди - все служит для нашего упражнения. Равнины, холмы, ручьи и деревья дают достаточно работы художнику. Города, рынки, церкви и тысячи природных богатств взывают к нам и говорят: иди, жаждущий знания, созерцай нас и воспроизводи нас». Продуктивность художников достигала невероятных размеров, как следствие, в среде живописцев возникала конкуренция, которая в свою очередь приводила к специализации мастеров. И, возможно, из-за этого произошла многообразная дифференциация по жанрам. Появились художники, которые работали только в жанре морского пейзажа или жанре городских видов, или изображали интерьеры помещений (комнат, храмов). В истории живописи были примеры натюрмортов и пейзажей, но никогда прежде эти жанры не достигали такой массовости и самодостаточности, как в Голландии XVII века.
Голландцы хотели видеть в картинах весь многообразный мир. Отсюда широкий диапазон живописи этого столетия, «узкая специализация» по отдельным видам тематики: портрет и пейзаж, натюрморт и анималистический жанр. В Голландии не было связей с Италией и классическое искусство не играло такой роли, как во Фландрии. Овладение реалистическими тенденциями, сложение определенного круга тем, разделения жанров как единый процесс находят завершение к 20-м годам 17 в.
Историю голландской живописи 17 в. прекрасно демонстрирует эволюция творчества одного из крупнейших портретистов Голландии Франса Хальса (1580-1666 гг.) Его деятельность почти целиком прошла в Гарлеме. Здесь уже около 1616 года он выдвигается как передовой крупнейший портретист и сохраняет свою роль в этой области до конца жизни. С появлением Хальса строго реалистический и остро индивидуальный голландский портрет достигает зрелости. Все робкое, мелкое, натуралистическое, отличающее его предшественников, оказывается преодоленным.
Начальная фаза искусства Хальса не выяснена. Мы сразу видим мастера решающим труднейшую проблему группового портрета. Он пишет одну за другой картины, изображающие стрелков корпорации св. Адриана и св. Георгия (Гарлем, Музей Франса Хальса), где с неподражаемой легкостью переданы и оживленность многолюдного собрания и яркость типов каждого из присутствующих. Живописное мастерство и композиционная находчивость группировок идут в этих портретах рука об руку с необычайной остротой характеристик. Хальс не психолог: душевная жизнь его моделей обычно проходит для него мимо. Да и пишет он по большей части людей, вся жизнь которых протекает в условиях напряженной, активной деятельности, однако не слишком углубляющихся в вопросы психологического порядка. Зато Хальс, как никто, улавливает облик этих людей, умеет схватить самое мимолетное, но вместе с тем и самое характерное в выражении лица, в позе, в жестикуляции. Жизнерадостный по природе, он стремится запечатлеть каждый образ в миг оживления, радости, и никто с такой тонкостью и разнообразием, как он, не передает смеха. Портрет офицера (1624, Лондон, собрание Уоллес), покачивающийся на стуле «Гейтгейзен» (конец 1630-х гг., Брюссель, картинная галерея), «Цыганка» (конец 1620 гг., Лувр), или так называемая «Гарлемская ведьма», - «Малле Боббе» (Берлин) могут быть названы как характерные примеры его острого и часто задорного искусства. Мужчины, женщины, дети портретируются им с одинаковым ощущением живого образа («Портрет молодого человека с перчаткой », ок. 1650 г., Эрмитаж). Впечатлению живости способствует и сама техника Хальса, необычайно свободная и растущая с годами в своей широте. Декоративная красочность ранних работ впоследствии умеряется, колорит становится серебристым, свобода владения черными и белыми тонами говорит о мастерстве, могущем позволить себе смелейшие живописные дерзания.
В портретах позднего периода (50-60-е г.) исчезает беззаботная удаль, энергия, напор. В эрмитажном мужском портрете при всей импозантности фигуры прослеживается усталость и грусть. Эти черты еще более усилены в блестящем по живописи портрете мужчины в широкополой шляпе (музей в Касселе). Хальс в эти годы перестает быть популярным, потому что никогда не льстит и оказывается чужд переродившимся, утратившим демократический дух вкусам богатых заказчиков. Но именно в поздний период творчества Хальс достигает вершины мастерства и создает наиболее глубокое произведение. В некоторых работах намечаются импрессионистические приемы колористических решений. Хальс пишет бесчисленные индивидуальные портреты до последних лет жизни, но снова возвращается к групповым портретам. Он пишет 2 портрета – регентов и регентш приюта для престарелых, в одном из кт сам нашел приют в конце жизни. П портрете регентов нет духа товарищества прежних композиций, модели разобщены, бессильны, у них мутные взгляды, опустошение написано на их лицах. В сумрачный колорит (черное, серое и белое) особое напряжение вносит розовато-красное пятно на колене одного из регентов. Так на 9 десятке лет больной, одинокий и нищий художник создает свои самые драматичные и самые изысканные по мастерству произведения.
Искусство Хальса имело огромное значение для своего времени, оно оказало воздействие на развитие не только портрета, но и бытового жанра, пейзажа, натюрморта.
Пейзажный жанр Голландии 17 в. особенно интересен. Это не природа вообще, некая общая картина мироздания, а национальный, именно голландский пейзаж, кт мы узнаем в современной Голландии: знаменитые ветряные мельницы, пустынные дюны. Серое небо занимает в композициях большое место. Именно такой изображают Голландию Ян Ван Гойен (1596-1656) и Саломон Ван Рейсдаль (1600-1670).
Рассвет пейзажной живописи в голландской школе относится к сер. 17 в. Крупнейшим мастером реалистического пейзажа был Якоб ван Рейсдал (1628-1682) , художник неистощимой фантазии. Его произведения обычно исполнены глубокого драматизма, будь это лесные чащи («Лесное болото»), ландшафты с водопадами («Водопад») или романтический пейзаж с кладбищем («Еврейское кладбище»). Природа у Рейсдаля предстает в динамике, в вечном обновлении. Даже самые непростые мотивы природы приобретают под кистью художника монументальный характер. Рейсдалю свойственно сочетать тщательную выписанность с большой жизненной целостностью, с синтетичностью образа.
Он родился в Харлеме в 1628 или 1629 году. Самая первая его сохранившаяся работа, датированная 1646 годом, выглядит произведением зрелого мастера, - а ведь ему исполнилось тогда всего лишь 18 лет. С полной уверенностью можно сказать, что в 1648 году Рейсдал стал членом гильдии художников Харлема.
В молодости Рейсдал довольно много путешествовал в поисках натуры - не отъезжая, впрочем, от родного Харлема дальше, чем на сто миль. В середине 1650-х годов художник переехал из Харлема в Амстердам, где и прожил до конца своих дней.
Столичный Амстердам во времена Рейсдала разительно отличался от провинциального Харлема (хотя расстояние между этими городами даже тогда преодолевалось за два часа). Свои картины Рейсдал писал не по частным заказам, а для свободной продажи, Приблизительно в 1670 году он переехал в самый центр города, на площадь Дам, где снял квартиру прямо над лавкой Иеронимуса Свеертса, торговца картинами и книгами.
Мейндерт Хоббема (1638, Амстердам, - 7 декабря 1709) - самый значительный мастер голландского пейзажа после своего наставника, Якоба ван Рeйсдала.
Известно, что Хоббема и Рёйсдал вместе путешествовали и делали зарисовки с натуры. В ноябре 1668 г. Хоббема женился на поварихе амстердамского бургомистра и через неё получил пост проверяющего качество импортируемых вин. Долгое время считалось, что на этом его занятия живописью прекратились.
Возможно, ему и пришлось уделять живописи меньше времени, чем прежде, но его лучшее произведение, «Аллея в Мидделхарнисе», датировано 1689 годом, а другая лондонская картина, «Развалины замка Бредероде», - 1671 годом. Эти поздние вещи принадлежат к самым удачным свершениям голландской пейзажной живописи и, в сущности, подводят черту в её развитии.
Художник умер в нищете, но уже в XVIII веке ему много подражали, а его произведения стали предметом соперничества коллекционеров. В отличие от Рейсдала, который предпочитал запечатлять дикую природу, Хоббему привлекали тихие сельские сцены с видами залитых солнечным светом деревень, которым придают разнообразие возвышающиеся там и здесь группы деревьев. В этих сельских идиллиях всё выписано с большой тщательностью, и особенно листва.
В тесной связи с голландским пейзажем находится анималистический жанр
. Многих представителей пейзажной живописи наблюдается интерес к передаче животных. Последние очень часто оказываются равнозначащими с чисто пейзажными элементами, а иногда пейзаж служит для них не более как фоном. Умение выявить породу животного, его строение, масть, характерные движения составляет одно из ярких свойств голландцев. Сочетающаяся с этим умением тонкость передачи атмосферы и света достигает у некоторых анималистов исключительного совершенства. Об этом свидетельствуют многочисленные работы Паулуса Поттера
(1625-1654) и Альберта Кейпа
(1620-1691). И тот и другой наряду с картинами, изображающими животных, пасущихся или отдыхающих под открытым небом («Ферма» Поттера, Эрмитаж, 1649), писали также отдельные их экземпляры крупным планом. Поттер помимо общих планов любит изображать одно или несколько животных крупным планом на фоне пейзажа («Собака на цепи»). Излюбленный мотив Кейпа – коровы на водопое («Закат на реке», «Коровы на берегу ручья»). Картина “Пейзаж со стадом, всадником и крестьянами”.
Мирная сельская сцена купается в золотом зареве заката. Теплый свет пронизывает каждую деталь композиции, создавая эффект свечения. Это разительно отличает колорит Кейпа от холодных голубых и зеленых тонов его современников, таких как Мейндерт Хоббема
. Кажущаяся случайность расположения животных в действительности внимательно обдумана с тем, чтобы показать игру света и тени.
Кейпу принадлежит, кроме того, одно из первых мест среди представителей чистого пейзажа. Его картины отличаются исключительным мастерством передачи золотистого, солнечного света, крайне разнообразны в мотивах и включают немало марин (морские виды).
Только морским пейзажем (марина) занимался Ян Порселлис (1584-1632 гг.). Марина играла в искусстве Голландии 17 века очень крупную роль и выдвинула ряд первоклассных специалистов. Общий ход развития марины представляется равным тому, что вообще наблюдается в истории голландского пейзажа. На раннем этапе композиции отличаются простотой. Художник видит свою цель достигнутой, если передаст ширь моря, качающиеся на нем суда и самую воду с наибольшим правдоподобием. Так пишет, Ян Порселлис. В последующем поколении характер передачи морских видов меняется в сторону большей динамичности. По-прежнему, правда, создаются картины, изображающие спокойствие водной стихии, но этого теперь недостаточно; бури начинают бросать корабли на скалы, гигантские волны грозят им гибелью и гонят мореходов укрыться в гавани. И в том и в другом случае для Бакгейзена (1631-1709) нет трудностей. Его кисть с одинаковой виртуозностью передает безоблачность небес, циклоны, брызги, скалы и следы крушений.
Блестящего развития достигает натюрморт. Голландский натюрморт – это в отличие от фламандского скромные по размерам и мотивам картины интимного характера. Питер Класс (1597-1661), Виллем Хеда (1594-1680) чаще всего изображали т.н. завтраки: блюда с окороком или пирогом на относительно скромно сервированном столе. В умело компоновке предметы показаны так, что ощущается как бы внутренняя жизнь вещей (недаром голландцы называли натюрморт «still leven» – «тихая жизнь», а не «nature morte» – «мертвая природа»). Колорит сдержан и изыскан (Хеда «Завтрак с омаром», 1658; Класс «Натюрморт со свечей», 1627)
Виллем Хеда работал в Харлеме, испытал влияние Питера Класа. Скромным натюрмортам - ”завтракам” Хеда, изображавшим, как правило, небольшой набор предметов домашней утвари и трапезы, присущи тонкое мастерство в передаче фактуры вещей, сдержанный серебристо-зеленый или серебристо-коричневый колорит (“Завтрак с ежевичным пирогом”, 1631, Картинная галерея, Дрезден; “Ветчина и серебряная посуда”, 1649, Государственный музей изобразительных искусств, Москва).
С изменением жизни голландского общ-ва во 2 пол. 17 в., с постепенным нарастанием стремления буржуазии к аристократизации и потерю ею былого демократизма изменяется и характер натюрмортов. «Завтраки» Хеды сменяются роскошными «десертами» Виллема Кальфа (1619-1693). На смену простой утвари приходят мраморные столы, ковровые скатерти, серебряные кубки, сосуды из перламутровых раковин, хрустальные бокалы. Кальф достигает поразительной виртуозности в передаче фактуры персиков, винограда, хрустальных поверхностей. Единый тон натюрмортов прежнего периода сменяется богатой градацией самых изысканных красочных оттенков.
Голландский живописец. В 1640-1645 годах работал во Франции, с 1653 - в Амстердаме. В дальнейшем Виллем Кальф жил и работал главным образом в Амстердаме. Глубокими, насыщенными цветами своих картин этот живописец натюрмортов мог быть обязан влиянию творчества его современника Яна Вермеера. Один из крупнейших мастеров нидерландской школы натюрморта, Калф писал как скромные по мотивам картины с изображением бедных кухонь и задворок (“Двор крестьянского дома”, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург), так и эффектные композиции с драгоценной утварью и экзотическими южными фруктами (“Завтрак”, Государственный музей, Амстердам; “Натюрморт”, Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург). Виртуозность Калфа-натюрмортиста проявилась в классической отточенности пространственных построений, тонком ощущении своеобразия и самоценности каждой вещи, изысканности и богатстве светотеневых и красочных отношений, эффектности контрастного сопоставления различных фактур и материалов.
“Натюрморт с омаром, рогом для вина и бокалами”. Собрание экзотических и роскошных предметов, разложенных на столе, написано с блестящим мастерством и глубоким чувством цвета. Омар, рог для вина со сверкающей оправой из серебра филигранной работы, прозрачные бокалы, лимон и турецкий ковер переданы с такой изумительной тщательностью, что возникает иллюзия, будто они настоящие и их можно коснуться рукой. Место для размещения каждого предмета выбрано с таким тщанием, что группа в целом образует гармонию цвета, формы и фактуры. Теплый свет, обволакивающий предметы, придает им достоинство драгоценных ювелирных изделий, и их редкостность, великолепие и причудливость отражают утонченные вкусы голландских коллекционеров 17 века - того времени, когда натюрморты были необычайно популярны.
Голландский натюрморт – одно из художественных претворений самой важной темы голландского искусства – темы частной жизни обыкновенного чел-ка. Эта тема в полной мере получила свое воплощение в жанровой картине. В 20-30-х гг. 17 в. голландцы создали особый тип небольшой мелокофигурной картины. 40-60-е гг. – расцвет живописи, прославляющей спокойный бюргерский быт Голландии, размеренное повседневное существование. Еще в кругу Хальса, где сложился и Адриан Браувер, фламандский живописец, сформировался отчетливый интерес к темам из крестьянского быта. Адриан ван Остаде (1610-1685) – явился наиболее крупным по своим живописным достоинствам в изображении крестьянского быта. Он изображает обычно теневые его стороны («Драка») Как и другие ее представители, он обычно подходит к своим темам всецело в духе идеологии господствующего класса и либо идеализирует действительность, либо видит в крестьянах лишь забавные существа, нравы которых дают повод для смеха и шуток. («В деревенском кабачке» 1660).
Его искусство приобретает в более поздний период черты лиризма, и прежние сюжеты сменяются изображениями мирного отдыха на пороге хижины или во дворике деревенского трактира, а также интерьерами со сценами тихого семейного уюта («Деревенский концерт», 1655, Эрмитаж). Кроме подобных мелкофигурных картин Остаде часто писал в более крупном плане строго реалистические полуфигуры представителей различных ремесел. По праву шедевром живописи Остаде считается его «Живописец в мастерской» (1663), в кт художник прославляет человеческий труд, не прибегая ни к декларации, ни к патетике.
Но главной темой «малых голландцев» явл-ся все-таки не крестьянский, а бюргерский быт. Обычно это изображения без какой-либо увлекательной фабулы. В картинах этого жанра будто ничего не происходит. Женщина читает письмо, кавалер и дама музицируют. Или же они только что познакомились и м/у ними рождается первое чувство, но это лишь намечено, зрителю предоставлено право самому строить догадки. Самым занимательным рассказчиком в картинах такого рода был Ян Стэн (1626-1679). Для Стена, в отличие от большинства его современников, сюжетная сторона небезразлична. Он отводит в своих картинах повествовательному началу значительную роль и любит изображать те или иные занимательные сцены из повседневной жизни мелкой буржуазии. В них мастер обнаруживает острую наблюдательность, метко характеризует типы и рассказывает выбранные им эпизоды с тонким жизнерадостным юмором. Показательна для него картина «Больная и врач» (ок. 1660 г., Эрмитаж). В позднем периоде деятельности Стена указанные черты утрачивают свою остроту, и, следуя общему течению, он вступает на путь искусства, более нарядного и посвященного проблемам чисто зрительного восприятия реального мира.
Большого мастерства достиг Герард Терборх (1617-1681). Он начал с самых демократических сюжетов («Точильщики»). Отличался предельным мастерством в изображении шелков и атласов, прозрачности стеклянных бокалов, поверхности любой вещи. Фигуры очень часто характеризуются у Терборха известным аристократизмом облика, что объясняется выбором им моделей из среды дворянства. Утонченность искусства Терборха во многом обусловлена и его колоритом, в котором преобладают изысканные серебристые тона. В числе лучших картин художника можно привести «Бокал лимонада» (Эрмитаж) и «Концерт» (Берлин, Далем).
Особую поэтичность у малых голландцев приобретает интерьер. Жизнь голландцев протекала в основном именно в доме. Настоящим певцом этой темы стал Питер де Хох (1629-1689). Иллюзорность передачи вещей отступает у этого мастера на второй план, и интерес сосредоточивается на разработке пространственных отношений, в частности на изображении интерьеров, а также двориков и открывающихся за ними улиц («Хозяйка со служанкой», Эрмитаж, ок. 1660 г.). его комнаты с полуоткрытым окном с брошенным ненароком туфлями или оставленной метлой, как правило, изображены без человеческой фигуры, но чел-к здесь незримо присутствует, м/у интерьером и людьми всегда есть связь. Когда же он изображает людей, то намеренно подчеркивает застывший ритм, изображает жизнь как бы замершую, столь же неподвижную, как и сами вещи («Дворик»).
Замедленный ритм жизни, выверенность распорядка дня, некоторое однообразие существования прекрасно передает Габриэль Метсю (1629-1667; «Завтрак»). Общим характером своих жанровых изображений он близок к Терборху, но более ярок по краскам.
Новый этап жанровой живописи начинается в 50-е годы и связан с т.н. дельфтской школой , с именем таких художников как Карель Фабрициус, Эммануэль де Витте и Ян Вермер (1632-1675), известный в истории искусства как Вермер Дельфтский (прозванный по месту его деятельности). Искусство Вермера Дельфтского принадлежит поздней поре развития Голландии. Поколение героических, но грубоватых борцов за независимость и трезвых дельцов - организаторов капиталистического хозяйства - принадлежало уже прошлому. На историческую арену выступили их внуки, которые могли спокойно пользоваться приобретенными благами. В этих условиях складывается живое, радостное искусство последнего этапа расцвета голландской республики.
К этому именно периоду относится зрелое, проникновенное и вместе с тем ясное и простое, несмотря на всю изощренность техники, искусство Вермера Дельфтского. Подлинных произведений Вермера мало, только немногие музеи обладают небольшими и всегда драгоценными картинами Дельфтского мастера. Тематика Вермеера более или менее традиционна; молодые женщины за чтением письма, вышиванием, в обществе кавалера, живописец перед мольбертом, просто мечтающая у окна девушка («Девушка с письмом», Дрезден; «Кавалер и дама у спинет» и т.д.) - словом, все то, что уже не раз изображалось голландскими живописцами. В отношении тематики, в узком смысле слова, у Вермеера нет ничего оригинального. Лишь в редких случаях он обращается к занимательным сюжетам и вносит в композицию элемент действия («У сводни», 1656, Дрезден). Тем не менее, все его образы имеют вполне индивидуальный характер. Какая-то легкая и светлая поэтичность есть во всех изображаемых им персонажах, и наряду с этой поэтичностью и мягкостью особое чувство суровой простоты, что-то подлинно классическое лежит печатью на всех его произведениях.
Вермер, несомненно, один из крупнейших колористов в истории западноевропейского искусства. Не только его тонкий вкус в выборе цветов, но и умение находить их отношения друг к другу делают Вермера одним из самых изысканных мастеров цвета. С предельным чувством меры и такта соединяет он лимонно-желтые, голубые, фиолетовые самых разнообразных оттенков, алые и бледно-зеленые краски в одну звучную тональную гамму. Именно в творчестве Вермера Дельфтского традиционная для голландского искусства проблема света получила свое наиболее совершенное решение. Переливающийся перламутровый свет является одной из характернейших особенностей картин дельфтского мастера. Несомненно, также, что Вермер Дельфтский был одним из наиболее совершенных техников своего времени. Его немногочисленные картины написаны в богатой и разнообразной фактуре. Его способ наложения краски, предопределив позднейшую технику импрессионистов, дал возможность самому Вермеру изображать окутывающий предметы свет во всей его живописной конкретности. Свет в картинах Вермера не просто прозрачная среда, а воздух, богатый тончайшими переходами серебристых тонов.
Вермер делал то, чего никто не делал в 17 в.: он писал пейзажи с натуры («Улочка», «Вид Дельфта»). Их можно назвать первыми образцами пленэрной живописи. Зрелое, классическое в своей простоте искусство Вермера имело огромное значение для будущих эпох.
Вершиной голландского реализма, итогом живописных достижений голландской культуры 17 в. явл-ся творчество Рембрандта. Но значение Р., как всякого гениального художника, выходит за пределы только голландского искусства и голландской школы. Занимая в голландской школе эпохи ее высшего расцвета центральное место, Рембрандт стоит все же особняком среди многочисленных художников своей родины. Им остались чужды и широта диапазона художественных интересов Рембрандта и глубокий психологизм его творчества.
Харменс ван Рейн Рембрандт родился в 1606 году в Лейдене и был сыном зажиточного владельца мукомольной мельницы. Он рано обнаружил влечение к живописи и после недолгого пребывания в Лейденском университете всецело отдался искусству. По окончании обычного трехгодичного срока обучения у малозначительного местного художника Якова Сванненбурха Рембрандт отправился для усовершенствования в Амстердам, где стал учеником Ластмана. Ластман, искусный мастер, обучавшийся в Италии, познакомил Рембрандта с эффектом светотени, применяющейся для передачи объемности и раскрытия драматизма действия. Этот прием станет главным в творчестве художника. Последующие годы Рембрандт работает в Лейдене, снискав репутацию мастера библейских и мифологических сцен. Поэтому 1625-1632 годы обычно наз. лейденским периодом его творчества.
В 1632 году он переезжает в Амстердам, где сразу приобретает известность, написав «Урок анатомии доктора Тульпа». 30-е годы – время наивысшей славы, путь к кт открыла для живописца эта картина, кт считается групповым портретом и носит еще одно название «Урок анатомии». На этом полотне люди объединены м/у собой действием, все представлены в естественных позах, их внимание обращено на главное действующее лицо – доктора Тульпа, демонстрирующего у трупа строение мышц. Он живет у торговца картинами Хендрика ван Эйленборха, который покровительствует ему, устраивает заказы на портреты, что создает молодому художнику репутацию модного преуспевающего мастера. В 1634 году Рембрандт удачно женился на племяннице Хендрика Саскии, а к 1639 году вместе с женой приобрел в столице великолепный дом. До начала 1640-х гг. он пользуется большим успехом у заказчиков, это время его личного благополучия. В знаменитом шедевре этого периода - «Автопортрете с Саскией на коленях» (около 1635, Картинная галерея, Дрезден) Рембрандт изобразил себя с молодой женой за праздничным столом. Нежные переливы золотистых тонов, потоки света, пронизывающие картину, передают радостное настроение молодого и преуспевающего художника и его жены, полных надежд и мечтаний.
Весь этот период овеян романтикой. Живописец как бы специально стремится в своем творчестве уйти от тусклой бюргерской повседневности. Он пишет себя и Саскию в роскошных нарядах, в фантастических нарядах и головных уборах, создавая эффектные композиции, во всем, в позах, в движениях превалирует общее – радость бытия. (Саския в образе Флоры). Язык барокко наиболее близок выражению этого приподнятого настроения. Рембрандт в этот период во многом находится под влиянием итальянского барокко.
В сложных ракурсах предстают перед нами персонажи картины «Жертвоприношение Авраама» (1635). В картине прослеживается душевное состояние Авраама, не успевшего при внезапном появлении ангела почувствовать ни радости избавления от страшной жертвы, ни благодарности, а испытывающий пока лишь усталость и недоумение.
Рембрандт всегда уделял большое внимание офорту (гравюра) и рисунку, и вскоре стал крупнейшим мастером графической техники в Европе. Исполненные им в технике офорта портреты и пейзажи, бытовые и религиозные сцены отличались новизной художественных приемов, глубоким психологизмом образов, богатством светотени, выразительностью и лаконизмом линий. До нас дошло около двух тысяч рисунков Рембрандта. Среди них подготовительные наброски, эскизные рисунки к живописным произведениям, зарисовки сцен повседневной жизни и рождающихся в его воображении замыслов.
На рубеже раннего периода творчества предстает одно из самых знаменитых его картин «Ночной дозор» - групповой портрет стрелковой гильдии. Но групповой портер – это формальное название произведения, вытекающее из желания заказчиков. В "Ночном дозоре" Рембрандт по-новому решает традиционный для голландского искусства жанр группового портрета. Картина (1642, Рейкс Мюзеум, Амстердам) представляет собой групповой портрет членов стрелковой гильдии капитана Баннинга Кока и решена художником как реальная сцена на улице. Рембрандт отказался от принятого в то время статичного расположения всех участников, создав сцену, полную движения. Контрасты света и тени, эмоциональность живописи передают взволнованность события. Картина приобретает исторический характер, повествуя о мужественных людях, готовых с оружием в руках отстоять свободу и национальную независимость своей родины. Заказчики не поняли замысла художника, и, начиная с этой картины конфликт с господствующей средой будет усиливаться, но он не уменьшит энергии мастера, и Рембрандт по-прежнему будет создавать реалистические полотна, замечательные по силе эмоционального воздействия. Эффектная, несомненно, несколько театральная, свободная композиция, как уже говорилось, не ставила своей целью представить каждого из заказчиков. Многие лица просто плохо «прочитываются» в резкой светотени, в контрастах густых теней и яркого солнечного света, на кт выходит отряд (в 19 в. картина так потемнела, что ее считали изображением ночной сцены, отсюда и неправильное название. Тень, ложащаяся от фигуры капитана на светлую одежду лейтенанта, доказывает, что это не ночь, а день). Непонятным и нелепым казалось зрителю появление в этой сцене посторонних, особенно маленькой девочки в золотисто-желтом платье. Все здесь вызывало недоумение и раздражение публики и можно сказать, что с этой картиной начинается конфликт художника и общества. Со смертью Саскии в этом же году происходит естественный разрыв Рембрандта с чуждыми ему бюргерскими кругами.
С годами углубляется реалистическое мастерство Рембрандта. Он отказывается от лишних подробностей и декоративных эффектов в пользу большей глубине и эмоциональной напряженности художественного образа. Очень большое место в творчестве художника начинает занимать камерный портрет. Рембрандт раскрывает духовную жизнь человека, словно длящуюся во времени и прстранстве. Это своего рода портреты-биографии. Таковы, например, «Портрет старушки», «Хендрикье у окна», «Читающий Титус», портреты друзей художника Н.Брейнинга, Я.Сикса, многочисленные автопортреты (более сотни маслом и углем).
40-50-е гг. – это пора творческой зрелости. Это время сложения его творческой системы, из кт многое уйдет в прошлое и кт будут обретены новые, неоценимые качества. Он часто в этот период обращается к прежним произведениям, чтобы их переделать по-новому. Так было с «Данаей», кт он написал еще в 1636 г. Обращаясь к картине в 40-е г., художник усилил эмоциональное состояние. Он переписал заново центральную часть с героиней и служанкой. Придав Данае новый жест поднятой руки, он сообщил ей большую взволнованность, выражение радости, надежды, призыва. Огромную роль играет свет: световой поток как бы окутывает фигуру Данаи, она вся светится любовью и счастьем, этот свет воспринимается как выражение человеческого чувства.
В начале 50-х годов художник создает один шедевр за другим. Он уже вышел из моды, но богатые заказчики не переводились.
В эти годы он выбирает для трактовки наиболее лирические, поэтичные стороны человеческого бытия, то человеческое, кт извечно и всечеловечно: материнскую любовь, сострадание. Наибольший материал ему дает Священное писание, а из него – сцены жизни святого семейства. Религиозная по характеру тематики, но чисто жанровая по трактовке сюжета, эрмитажная картина «Святое семейство» (1645) чрезвычайно характерна для этого времени.
Наряду с библейски-жанровыми композициями этот период изобилует новым для Рембрандта видом изображения действительности - пейзажами. Отдавая в отдельных случаях дань своим романтическим влечениям, он создает наряду с этим захватывающие строгим реализмом подхода картины неприкрашенной голландской деревни. Маленький «Зимний вид» (1646, Кассель), изображающий в свете ясного морозного дня крестьянский двор и несколько фигур на глади замерзшего канала, по тонкости чувства и правдивости зрительного восприятия служит одним из совершеннейших образцов реалистического пейзажа голландцев.
Несмотря на обширность и художественную ценность созданного за этот период, финансовое положение Рембрандта к середине 1650-х годов оказалось чрезвычайно трудным. Из-за падения числа заказов, трудного сбыта картин и в особенности небрежности мастера в ведении своих дел Рембрандт испытывал большие материальные затруднения. Долг, связанный с приобретением еще при жизни Саскии дорого стоившего дома, грозил полным разорением. Попытки выпутаться из задолженности могли только отстрочить катастрофу, но она все же разразилась. Летом 1656 года Рембрандт был объявлен несостоятельным и все его имущество было продано с аукциона. Лишенный привычного крова, он вынужден был перебраться с семьей в бедный еврейский квартал торговой столицы, и здесь в остро ощущаемом недостатке протекали его последние дни.
Эти невзгоды, как и постигшие Рембрандта затем несчастия - смерть Гендрике, смерть единственного сына Титуса, - были бессильны остановить дальнейший рост его гения.
Конец 1650-х и 1660-е годы - наиболее трагичные годы жизни Р., но они полны грандиозной по силе творческой активности Рембрандта. Она представляет как бы синтез всех его предшествующих психологических и живописных исканий. В этих картинах все очищено от преходящего, случайного. Детали сведены к минимуму, тщательно продуманы и осмыслены жесты, позы, наклон головы. Фигуры укрупнены, приближены к передней плоскости холста. Даже небольшие по размеру произведения этих лет создают впечатление необыкновенного величия и истинной монументальности. Главными выразительными средствами явл-ся свет и линии. Было бы вернее сказать про позднего Р., что его цвет «светозарен», потому что в его полотнах свет и цвет едины, его краски как будто излучают свет. Это сложное взаимодействие цвета и света не самоцель, им создается определенная эмоциональная среда и психологическая характеристика образа.
В портретах Рембрандт оказывается теперь свободнее при выборе моделей и пишет по преимуществу лица с ярко выраженной индивидуальностью. Это главным образом пожилые женщины и старики-евреи. Но с той же остротой он оказывается в состоянии передавать очарование молодого женского лица или обаяние юношеского облика. Все мелочное уступает в этих портретах обобщенной, но вместе с тем необычайно острой подаче образа. Этому в значительной мере способствует возрастающая широта манеры технического выполнения.
Завершающим в истории группового портрета было изображение Рембрандтом старейшины суконного цеха – т.н. «Синдики» (1662, Амстердам). заслуженно считается одной из вершин творчества Рембрандта). Острая психологическая характеристика, простота построения, скрадывающая непогрешимость ритма линий и масс, равно как и скупой по количеству цветов, но интенсивный колорит суммируют в себе весь предшествующий путь Рембрандта-портретиста.
В годы зрелости (50-е г.) Рембрандт создал свои лучшие офорты. Отличающие Рембрандта глубина психологического анализа, выразительный реализм образов и совершенство владения художественной техникой сказались в длинном ряде замечательных листов, тематически еще более разнообразных, чем живопись мастера. К числу особенно знаменитых принадлежат «Христос, исцеляющий больных» (так называемый «Лист в сто флоринов», ок. 1649 г.), «Три креста» (1653), портреты Лутмы (1656), Харинга (1655), Сикса (1647), а также пейзажи, известные под названием «Три дерева (1643) и «Поместье весовщика золота» (1651).
Не менее значительное место в графическом наследии Рембрандта занимают рисунки. Острота и своеобразие рембрандтовского восприятия окружающего мира сказались в этих многочисленных и разнообразных листах с особой силой. Манера рисовать, как и живописная манера Рембрандта, заметно эволюционирует на всем протяжении творческого развития мастера. Если ранние рисунки Рембрандта проработаны в деталях и довольно сложны по композиции, то в более зрелый период он выполнял их широкой живописной манерой, необычайно лаконично и просто. Рембрандт обычно рисовал гусиным или тростниковым пером и умел достигать при помощи самых простых приемов исключительной силы выразительности. Р. оставил после себя 2000 рисунков. Его рисунки, даже тогда, когда они являются минутными зарисовками какого-нибудь обыденного мотива, представляют собой законченное целое, вполне передающее все многообразие натуры.
Эпилогом творчества Р. можно считать его грандиозное полотно «Возвращение блудного сына» (около 1668-1669, Эрмитаж), в кт с наибольшей полнотой проявилась эстетическая высота и живописное мастерство художника. Евангельскую притчу о юноше, который ушел из дома, растратил состояние и жалким, оборванным, униженным вернулся к отцу, художник наполняет глубоко человеческим содержанием. Благородная идея любви к страдающему человеку раскрыта здесь в поразительных по жизненной убедительности образах. Лицо старого полуслепого отца и жест его рук выражают бесконечную доброту, а фигура сына в грязном рубище, прильнувшая к отцу, - искреннее и глубокое раскаяние. Пожалуй, ни одно другое полотно Рембрандта не вызывает столько глубоких и сострадательных чувств. Рембрандт учил своих зрителей любви и прощению. В дальнейшем, в последние годы и месяцы, жизнь Рембрандта протекает внешне спокойно. Пережив Хендрикье и Титуса он умер 4 октября 1669 года.
Р. имел огромное влияние на искусство. Не было в Голландии его поры живописца, кт бы не испытал на себе воздействие великого художника, из которых наибольшую известность приобрели Фердинанд Боль (1616-1680), Гербранд ван ден Экгоут (1621-1674) и Арт де Гельдер (1645-1727). Усвоив тематику, композиционные приемы и типы учителя, они не пошли все же в своей фигурной живописи дальше внешнего подражания рембрандтовским приемам. Живое влияние мастера, напротив того, определенно сказалось у многочисленных примыкающих к нему пейзажистов - Филипса Конинка (1619-1688), Доомера (1622-1700) и других. Но большинство изменило ему, перейдя на позиции академизма и подражания модным тогда фламандцам, а затем, французам.
Как это часто бывает в истории искусства, не смотря на свой гениальный талант, Рембрандт умер в бедности и одиночестве, забытым, никому не нужным мастером. Но чем дальше бежит время, тем ценнее в глазах человечества наследие художника. Можно без преувеличения сказать, что Рембрандт - один из самых величайших художников в истории мирового искусства. Многие назвали бы его непревзойденным. Могила Рембрандта затерялась, но работы его будут жить в веках.
В последней четверти 17 в. начинается упадок голландской живописи, потеря ее национальной самобытности, а с нач. 18 в. наступает конец великой эпохи голландского реализма.
Голландская живопись до конца XVI века нераздельно связана с фламандской и имеет общее название «нидерландской школы». Обе они, являясь ответвлением немецкой живописи считают своими родоначальниками братьев ван-Эйков и долго идут по одному направлению, развивают одну и ту же технику, так что художники Голландии ничем не отличаются от своих фландрских и брабантских собратий.
Когда голландский народ избавился от угнетения Испании, голландская живопись приобретает национальный характер. Голландских художников отличает воспроизведение природы с особой любовью во всей ее простоте и правде и тонкое чувство колорита.
Голландцы первые постигли, что даже в неодушевленной природе все дышит жизнью, все привлекательно, все способно вызывать мысль и возбуждать движение сердца.
Среди пейзажистов, истолковывающих свою отечественную природу, особенно уважаются Ян ван Гойен (1595-1656), который, вместе с Эзаиасом ван де Вельде (ок. 1590-1630) и Питером Молейном Старшим (1595-1661), считается основателем голландского ландшафта.
Но художников Голландии нельзя распределить на школы. Выражение «голландская школа живописи» весьма условно. В Голландии имели место организованные общества художников, представлявшие собой свободные корпорации, защищавшие права их членов и не влиявшие на творческую деятельность.
Особенно ярко сияет в истории имя Рембрандта (1606-1669), в личности которого сосредоточились все лучшие качества голландской живописи и его влияние отразилось во всех ее родах - в портрете, исторических картинах, бытовых сценах и пейзаже.
В XVII веке успешно развивалась бытовая живопись, первые опыты которой отмечаются еще в старой нидерландской школе. В этом жанре наиболее известны стали имена Корнелиса Бега (1620-64), Рихарта Бракенбюрга (1650-1702), Корнелиса Дюзарта (1660-1704) Генрика Рокеса, прозванного Зоргом (1621-82),
К разряду жанристов можно причислить художников, писавших сцены военного быта. Главный представитель этой отрасли живописи - знаменитый и необычайно плодовитый Филипс Воуверман (1619-68)
В особый разряд можно выделить мастеров, которые в своих картинах соединяли пейзаж с изображением животных, Знаменитейший в ряду таких живописцев сельской идиллии - Паулюс Поттер (1625-54); Альберт Кейп (1620-91).
С величайшим вниманием художники Голландии относились к морю.
В творчестве Виллема ван де Вельде Старшего (1611 или 1612-93), его знаменитого сына Виллема ван де Вельде Младшего (1633-1707), Людольфа Бакгейзена (1631-1708), живопись морских видов составила их специальность.
В области натюрморта приобрели наибольшую известность Ян-Давидс де Гэм (1606-83), его сын Корнелис (1631-95), Абрагам Миньон (1640-79), Мельхиор де Гондекутер (1636-95), Мария Остервейк (1630-93).
Блестящий период голландской живописи тянулся недолго - лишь одно столетие.
С началом XVIII в. наступает ее упадок, причиной тому вкусы и воззрения напыщенной эпохи Людовика XIV. Вместо прямого отношения к природе, любви к отечественному и искренности водворяется господство предвзятых теорий, условность, подражание корифеям французской школы. Главным распространителем этого прискорбного направления был поселившийся в Амстердаме фламандец Герард де Лересс (1641-1711),
Упадку школы способствовал также знаменитый Адриан ван де Верфф (1659-1722), тусклый колорит картин которого казался некогда верхом совершенства.
Чужеземное влияние тяготело над голландскою живописью до двадцатых годов XIX века.
Впоследствии голландские художники обратились к своей старине - к строгому наблюдению природы.
Особенно богата новейшая голландская живопись пейзажистами. К их числу принадлежат Андреас Схелфхаут (1787-1870), Барент Куккук (1803-62), Антон Мауве (1838-88), Якоб Марис (р. 1837), Иоганнес Вейссенбрух (1822-1880) и др.
Между новейшими маринистами Голландии пальма первенства принадлежит Иоханнесу Схотелю (1787-1838).
В живописи животных выказал большое искусство Воутерс Версхур (1812-74).
Купить репродукции картин голландских художников вы можете в нашем интернет-магазине.
Завоевав победу в борьбе с Испанией за свою независимость, буржуазная Голландия стала самым экономически развитым государством в Западной Европе. Главный голландский город Амстердам определился как один одним из крупнейших торговых центров Европы.
Вместе с экономикой развивается и голландская живопись. В отличие от других западноевропейских стран в Голландии не пользовались популярностью барочные росписи дворцов и замков - слабость дворянства служила препятствием к развитию декоративного искусства. Кальвинистская церковь Голландии также не стремилась украсить свои храмы произведениями живописи.
Тем не менее, живопись в Голландии процветала: художники получали многочисленные заказы от частных лиц. Повесить в своем жилище небольшую картину могли даже голландские крестьяне - настолько дешево стоили эти творения художников.
В XVII в. в маленькой Голландии работало свыше двух тысяч художников. Они поставили производство картин на поток, производили полотна целыми партиями и сдавали их продавцам. Почти каждый мастер за неделю исполнял от двух до пяти композиций.
Нередко производство картин опережало спрос, поэтому, чтобы прокормиться, художникам приходилось одновременно заниматься другой работой. Такие знаменитые мастера, как Я. Стен, М. Гоббема, Я. ван Гойен и многие другие, одновременно были служащими, садоводами, содержателями трактиров.
Обычно живописцы специализировались на одной определенной теме. Например, Х. Аверкамп писал зимние виды, Э. ван дер Пул изображал ночные пожары, Г. Терборх и Г. Метсю - бытовые сцены, П. Клас и В. К. Хеда - натюрморты-завтраки.
Очень часто художники коллективно работали над одной картиной: один рисовал небо, другой - траву и деревья, третий - человеческие фигуры. Самые удачные работы, имевшие успех у публики, копировались и служили образцом для создания бесчисленных вариантов.
Хотя искусство талантливых живописцев и было подчинено коммерческим целям, мастерам обычно удавалось избежать фальши. Большинство этих полотен отличаются реалистичностью, цельностью и ясностью композиции, свежестью колорита и прекрасной техникой исполнения.
Широкое распространение в голландской живописи получил портретный жанр. Большую роль в жизни страны играли различные организации (стрелковое общество, группы представителей корпорации медиков и торговых цехов), способствовавшие появлению группового общественного портрета.
Многолетняя борьба с испанскими колонизаторами обострила чувство национального самосознания, поэтому в живописи, помимо реализма, особенно приветствовалось изображение характерных национальных черт. Художники писали море и корабли, скот, цветы. Кроме портрета, развивались такие жанры, как пейзаж, натюрморт. Существовала и религиозная живопись, но в ней отсутствовал элемент мистицизма; библейские сюжеты представлялись
художником скорее как бытовые сцены.
Франс Халс
Франс Халс родился около 1581 г. в Антверпене в семье ткача. В юношеском возрасте он приехал в Харлем, где и жил почти безвыездно до самой смерти (в 1616 г. он посетил Антверпен, а в середине 1630-х гг. - Амстердам). О жизни Халса известно немногое. В 1610 г. он вошел в гильдию Св. Луки, а в 1616 г. - в камеру риторов (актеров-любителей).
Очень быстро Халс стал одним из самых известных портретистов Харлема. В XV-XVI вв. в живописи Нидерландов существовала традиция писать портреты лишь представителей правящих кругов, известных людей и художников. Искусство Халса глубоко демократично: на его портретах мы можем увидеть аристократа, зажиточного горожанина, ремесленника и даже человека из самых низов. Художник не пытается идеализировать изображаемых, главное для него - их естественность и неповторимость. Его вельможи держат себя так же раскованно, как и представители низших слоев общества, которые на картинах Халса изображены жизнерадостными людьми, не лишенными чувства собственного достоинства.
Большое место в творчестве живописца занимает групповой портрет. Лучшими работами этого жанра стали портреты офицеров стрелковой роты Св. Георгия (1627) и стрелковой роты Св. Адриана (1633). Каждый персонаж на картинах имеет свою яркую индивидуальность, и в то же время эти произведения отличаются целостностью.
Халс писал также заказные портреты, на которых в непринужденных позах размещены состоятельные бюргеры и их семьи («Портрет Исаака Массы», 1626; «Портрет Хетхейсена», 1637). Образы Халса живые и динамичные, кажется, что люди на портретах разговаривают с невидимым собеседником или же обращаются к зрителю.
Яркой выразительностью и непосредственностью отличаются представители народной среды на портретах Халса. В изображениях уличных мальчишек, рыбаков, музыкантов, посетителей кабаков чувствуется симпатия и уважение автора. Замечательна его «Цыганка». Удивительно живой кажется улыбающаяся молодая женщина, лукавый взгляд которой направлен на невидимого зрителям собеседника. Халс не идеализирует свою модель, но образ веселой, растрепанной цыганки восхищает своим задорным очарованием.
Очень часто портреты Халса включают элементы жанровой сцены. Таковы изображения детей, поющих или играющих на музыкальных инструментах («Поющие мальчики», 1624-1625). В таком же духе исполнена знаменитая «Малле Баббе» (начало 1630-х), представившая известную в Харлеме содержательницу харчевни, которую посетители за глаза называли харлемской ведьмой. Художник почти гротескно изобразил женщину с огромной пивной кружкой и совой на плече.
В 1640-х гг. в стране намечаются признаки перелома. Прошло всего несколько десятилетий после победы революции, а буржуазия уже перестала быть прогрессивным классом, опирающимся на демократические традиции. Правдивость живописи Халса больше не привлекает богатых заказчиков, которые хотят видеть себя на портретах лучше, чем они есть на самом деле. Но Халс не отказался от реализма, и его популярность резко упала. В живописи этого периода появляются ноты печали и разочарования («Портрет мужчины в широкополой шляпе»). Строже и спокойнее становится его палитра.
В возрасте 84 лет Халс создает два своих шедевра: групповые портреты регентов (попечителей) и регентш приюта для престарелых (1664). Эти последние работы голландского мастера отличаются эмоциональностью и яркой индивидуальностью образов. От изображений регентов - стариков и старух - веет печалью и смертью. Это ощущение подчеркивает и колорит, выдержанный в черных, серых и белых тонах.
Умер Халс в 1666 г. в глубокой бедности. Его правдивое, жизнеутверждающее искусство оказало большое влияние на многих голландских художников.
Рембрандт
В 1640-1660-е гг. живопись Голландии переживала расцвет. Самым значительным художником этого времени был Рембрандт.
Рембрандт Харменс ван Рейн родился в 1606 г. в Лейдене. Его отцом был зажиточный мельник. Родители мечтали о хорошем образовании для сына и определили его в латинскую школу, после окончания которой Рембрандт поступил в лейденский университет. Но юношу привлекало искусство. Он оставил университет и начал учиться у живописца Якова Сванненбурха. Через три года молодой художник отправился в Амстердам, где стал брать уроки у Питера Ластмана.
В 1624 г. Рембрандт вернулся в Лейден. Здесь он вместе с живописцем Яном Ливенсом снял мастерскую. Художник много работает с натуры, пишет не только в мастерской, но и на улице и на городском базаре.
В конце 1620-х гг. Рембрандт завоевал популярность у жителей Лейдена. У него появилось множество заказов и первый ученик - Герард Доу, позднее ставший довольно известным живописцем.
Ранние картины Рембрандта характеризуются тщательностью композиции, добросовестностью исполнения. В то же время им свойственна некоторая скованность («Мучение св. Себастьяна», 1625).
В 1631 г. Рембрандт поселился в Амстердаме. Слава о нем очень быстро разнеслась по городу, и на живописца посыпались заказы. Удачно складывалась и личная жизнь Рембрандта: в 1634 г. он женился на Саскии ван Эйленбург, девушке из известной буржуазной семьи. Брак принес художнику значительное состояние, которое обеспечило ему творческую независимость и позволило заняться коллекционированием произведений искусства и антиквариата.
Рембрандт наслаждался счастьем в обществе любимой жены, которую он много раз изображал на портретах. Нередко Саския служила моделью и для картин с самой разнообразной тематикой («Флора», 1634; «Автопортрет с Саскией на коленях», ок. 1639).
Творчество Рембрандта в этот период отличается многообразием, он пишет исторические, мифологические и религиозные композиции, портреты, бытовые сцены, пейзажи, натюрморты, картины с изображениями животных. Но главный объект его внимания - человек. Не только в портретах, но и в других своих работах художник стремится передать характер и внутренний мир своих героев.
Замечательный мастер портретного жанра, только в 1630-е гг. Рембрандт исполнил более шестидесяти заказных портретов. Главное для живописца - не внешнее сходство с моделью, а глубина внутреннего мира, сила душевных движений и переживаний. С восторгом был встречен современниками групповой портрет «Анатомия доктора Тульпа» (1632). Художник внес в традиционную композицию классического группового портрета изменения, расположив фигуры не в ряд, как это было принято, а свободно. Такое построение придало изображению живость и естественность.
В конце 1630-х гг. Рембрандт стал самым известным мастером в Голландии. К этому периоду относится его шедевр - знаменитая «Даная» (1636), мастерство исполнения которой превосходит все, что было создано современниками
художника. Поражает совершенство ее композиции и богатство цветовой гаммы, выдержанной в золотистых оттенках. Кажется, что в этом произведении нет ничего лишнего, каждая его деталь тщательно продумана автором. С помощью свободного и живого мазка мастер передает легкость покрывала, складки тяжелых занавесей и драпировок. Поражает гибкая пластика молодой женщины, лежащей на кровати, нежно-золотистые оттенки тела, озаренного мягким светом. Хотя Даная не блещет идеальной красотой, ее образ восхищает зрителя живым очарованием и свежестью.
В 1630-х гг. художник много работает и в офорте. Его привлекают бытовые мотивы («Продавец крысиного яда», 1632). Элементы жанровости присущи и работам с библейской тематикой («Возвращение блудного сына», 1636). Один из лучших офортов этого периода - «Смерть Марии» (1639), эмоциональный и проникнутый чувством глубокой скорби. Сложностью композиции и монументальным величием образов отличается и замечательное произведение «Христос, исцеляющий больных» (т. н. «Лист в сто гульденов» - это название говорит о стоимости произведения).
В 1640-е гг. Рембрандт становится самым знаменитым и наиболее высокооплачиваемым живописцем Амстердама. Ему заказывают портреты, композиции для дворца голландского штатгальтера в Гааге. Множество начинающих художников стремятся учиться в его мастерской. Слава об искусстве Рембрандта выходит за пределы Голландии. Несколько картин знаменитого мастера хранится во дворце английского короля Карла I.
Талант Рембрандта проявился в его реалистичных и выразительных натюрмортах («Туша быка») и пейзажах («Пейзаж с мельницей», ок. 1650). Тонкий лиризм присущ непритязательным голландским ландшафтам, поражающим зрителя своей почти осязаемой реальностью.
Смерть любимой жены в 1642 г. отдалила Рембрандта от ее знатной родни. Художник перестал общаться и со своими знакомыми из аристократического общества. Перемены в жизни мастера отразились и на его живописи, которая становится более глубокой и сосредоточенной. Если ранние работы Рембрандта отличаются спокойным и ровным настроем, то теперь в его картинах начинают звучать ноты тревоги и сомнения. Изменяется и палитра, в которой доминируют красные и золотистые оттенки.
Яркой выразительностью отличается полотно «Давид и Ионафан» (1642, Эрмитаж, Санкт-Петербург), исполненное в золотисто-розовых и золотисто-голубых тонах.
Все эти новые черты в живописи Рембрандта не встретили понимания у современников. Недовольство вызвала большая монументальная композиция «Ночной дозор» (1642). Это название картина получила в XIX в. На самом деле действие происходит не ночью, а днем, при солнечном освещении, что подтверждает характер теней.
Со временем краски потемнели, и лишь реставрация, проведенная в 1946-1947 гг., показала, что цветовая гамма этого произведения была когда-то гораздо светлее.
На картине изображены стрелки роты капитана Баннинга Кока. Заказчик ожидал увидеть традиционный парадный портрет (сцену пирушки или представления зрителю командиром своих подчиненных). Рембрандт же создал ге-
роико-историческое полотно, изображающее выступление стрелков по приказу капитана. Персонажи взволнованны и динамичны; командир отдает распоряжения, знаменосец поднимает вверх знамя, барабанщик бьет в барабан, стрелки заряжают оружие. Здесь же крутится непонятно откуда взявшаяся маленькая девочка с петухом у пояса.
В эти годы в жизни Рембрандта появляется Хендрикье Стоффельс, сначала служанка, а затем и жена, ставшая его верной подругой и помощницей. Художник по-прежнему много работает. Он создает свое известное «Святое семейство» (1645), в котором религиозная тема трактуется как жанровая. Наряду с библейскими композициями, живописец исполняет реалистичные пейзажи с изображениями деревни («Зимний вид», 1646). Его портреты этого периода отличаются стремлением показать индивидуальные черты моделей.
В 1650-е гг. число заказов значительно уменьшается. Рембрандт испытывает большие материальные трудности. Ему грозит полное разорение, ведь до сих пор не выплачен долг, связанный с покупкой дома еще при жизни первой жены Саскии. В 1656 г. художник был объявлен несостоятельным, а его коллекция произведений искусства и все имущество были распроданы с аукциона. Семье Рембрандта пришлось переехать в бедный еврейский квартал Амстердама.
Несмотря на все невзгоды, талант великого живописца не иссякает. Но теперь критерий его мастерства совершенно иной. В поздних работах Рембрандта красочные мазки резко проступают на поверхности холста. Теперь цвета в его картинах служат не только для передачи внешнего облика героев и изображения интерьера - именно колорит берет на себя смысловую нагрузку произведения. Так, ощущение напряженного драматизма в картине «Ассур, Аман и Эсфирь» (1660) создается посредством сложной тональной гаммы и особых световых эффектов.
Лишенный заказов, живущий в глубокой бедности, Рембрандт не перестает писать. Он создает выразительные и одухотворенные портреты, моделями для которых служат родственники и друзья («Портрет жены брата художника», 1654; «Портрет старика в красном», 1652-1654; «Портрет сына Титуса за чтением», 1657; «Портрет Хендрикье Стоффельс у окна», ок. 1659).
Сын Титус, получивший наконец состояние своей умершей матери, пытается оградить отца от материальных лишений и создать ему условия для спокойной работы. Но несчастья продолжают преследовать художника: в 1663 г. умирает Хендрикье, а через несколько лет за ней последовал Титус.
Именно в это трагическое время старый одинокий художник создает свои шедевры, отличающиеся монументальным величием и одухотворенностью («Давид и Урия», 1665-1666; «Возвращение блудного сына», ок. 1668-1669).
Умер Рембрандт в 1669 г., всеми забытый. Лишь в XVIII в. его искусство наконец-то было понято и оценено по достоинству.
В 1640-1660-х гг. ведущим в голландской живописи был бытовой жанр. Картины, изображающие самые обычные моменты действительности, удивительно поэтичны и лиричны. Главный объект внимания живописцев - человек и окружающий его мир. Большинство жанровых композиций отличается спокойной повествовательностью и отсутствием драматизма. Они рассказывают о домашних заботах хозяйки дома (покупка провизии, забота о детях, занятия рукоделием), о развлечениях голландского бюргера (игра в карты, прием гостей, концерты). Художники изображают все то, что происходит в доме зажиточного горожанина, обходя вниманием общественную сторону жизни человека.
Большой популярностью пользовались жанристы: Г. Доу, чьи картины продавались по очень высокой цене, А. ван Остаде, писавший сцены крестьянского быта («Сельский концерт»), Я. Стен, излюбленными темами которого были сцены веселья и праздников («Веселое общество»), Г. Терборх, чья изящная живопись представляла жизнь богатой бюргерской семьи («Бокал лимонада»), Г. Метсю с его бесхитростной повествовательностью («Больной ребенок»), П. де Хоох, создававший созерцательно-лиричные полотна («Хозяйка и служанка»).
Расширить рамки бытового жанра стремился К. Фабрициус, проживший недолгую жизнь (погиб в Делфте при взрыве порохового склада). Одна из лучших его работ - «Воскрешение Лазаря» (ок. 1643), отличающаяся драматизмом и почти монументальным размахом. Замечательны и его портреты и автопортреты, ставящие художника в один ряд с Ф. Халсом и Рембрандтом.
Трагична судьба Э. де Фабрициуса, талантливого мастера бытовой сцены и произведений с изображением церковных интерьеров («Рынок в порту», «Интерьер с женщиной у клавесина»). Художник не стремился потворствовать вкусам буржуазной публики, поэтому его произведения, не имевшие успеха у современников, продавались за гроши. Нередко Фабрициус был вынужден отдавать их за долги домовладельцам. Зимней ночью 1692 г. семидесятипятилетний художник, выброшенный хозяином из дома, повесился на перилах моста. Подобная судьба была характерна для многих голландских живописцев, не желающих отказываться от реалистических традиций в угоду публике.
Ян Вермер Делфтский
Ярким представителем жанровой голландской живописи является Ян Вермер, прозванный по месту рождения и деятельности Делфтским. Родился живописец в 1623 г. в семье торговца картинами и шелком. О жизни Вермера известно немного. Возможно, его учителем был К. Фабрициус. В 1653 г. художник стал членом гильдии Св. Луки и женился на дочери богатого горожанина Катерине Больнес. В Делфте он пользовался уважением и славой, проживал в большом доме, расположенном на рыночной площади.
Вермер работал над своими картинами очень медленно и обстоятельно, тщательно выписывая каждую деталь. Живопись не могла обеспечить семье художника безбедное существование, хотя его полотна и пользовались большим успехом. Вероятно, поэтому Вермер и начал торговать картинами, продолжив дело своего отца.
Уже в первых работах Вермера появляется характерное для его творчества соединение реалистичности и некоторой доли идеализации образов («Диана с нимфами», «Христос у Марфы и Марии» - обе до 1656). Следующее произведение - крупнофигурное полотно «У сводни» (1656) , написанное на сюжет, используемый многими живописцами, - отличается оригинальностью исполнения. Обычная бытовая сцена у художника приобретает почти монументальную значимость. Картина выделяется среди других произведений с подобной тематикой своим смелым колоритом, выдержанным в чистых желтых, красных, черных и белых цветах, и яркой выразительностью образов.
В дальнейшем Вермер обратился к традиционным для голландской живописи камерным композициям. Как и другие голландские мастера, он изображает события, происходящие в богатых бюргерских домах. Излюбленный образ художника - девушка за чтением письма или примеркой ожерелья. Его полотна представляют бесхитростные бытовые сцены: служанка подает своей хозяйке письмо, кавалер подносит даме бокал вина. Но эти картины, простые по композиции, поражают цельностью, гармоничностью и лиризмом, их образы привлекают естественностью и спокойной поэтичностью.
Во второй половине 1650-х гг. художник создал самые замечательные свои произведения. Теплым чувством отмечены глубоко лиричные «Спящая девушка», «Бокал вина», «Девушка с письмом». Многие голландские живописцы этого времени в своих картинах изображали занятых работой служанок, но только у Вермера образ женщины из народа имеет черты подлинной красоты и величия («Служанка с кувшином молока»).
Вермер - настоящий виртуоз в передаче сущности мира вещей с помощью изобразительных средств. С большим мастерством исполнены натюрморты в его картинах. Удивительно красиво и естественно выглядит блюдо с яблоками и сливами, стоящее на покрытом узорной скатертью столе в полотне «Девушка с письмом».
В картине «Служанка с кувшином молока» восхищает своей свежестью хлеб и молоко, густой струей льющееся из кувшина.
Большую роль в произведениях Вермера играет свет. Он заполняет пространство полотен, создавая впечатление необыкновенной воздушности; моделирует формы и проникает в краски, заставляя их светиться изнутри. Именно благодаря такому количеству света и воздуха создается особая эмоциональная приподнятость большинства работ Вермера.
Замечательное мастерство живописца проявилось и в пейзажной живописи. Маленький уголок города, окутанного влажной атмосферой пасмурного дня, воспроизводит ясная и простая по композиции «Уличка» (ок. 1658). Чистым и свежим предстает омытый дождем город в картине «Вид Делфта» (между 1658 и 1660). Сквозь нежно-серебристые облака пробиваются солнечные лучи, создавая на поверхности воды множество ярких бликов. Звучный колорит с его тонкими цветовыми переходами придает картине выразительность и гармоничность.
В 1660-х гг. живопись Вермера становится более изысканной и нарядной. Меняется и палитра, в которой теперь доминируют холодные красочные оттенки («Девушка с жемчужиной»). Главными героями полотен становятся окруженные роскошными предметами богатые дамы и кавалеры («Любовное письмо», ок. 1670).
Ян Вермер Делфтский. Служанка с кувшином молока. Между 1657 и 1660 гг.
Ян Вермер Делфтский. Мастерская живописца. Ок. 1665 г.
В последний период жизни Вермера произведения его становятся поверхностными и несколько надуманными («Аллегория веры»), а палитра теряет насыщенность и звучность. Но и в эти годы отдельные произведения художника поражают прежней выразительной силой. Такова его «Мастерская живописца» (1665), в которой Вермер изобразил себя за работой, и картины «Астроном» и «Географ», запечатлевшие ученых.
Судьба Вермера, как и многих других голландских мастеров, трагична. В конце жизни больной художник, потерявший большинство прежних заказчиков, вынужден был перевезти свою большую семью из прежнего дома в более дешевое жилище. За последние пять лет он не написал ни одной картины. Умер живописец в 1675 г. Его искусство было надолго забыто, и только в середине XIX в. Вермер был оценен по достоинству и поставлен в один ряд с такими голландскими мастерами, как Рембрандт и Ф. Халс.
