Японская живопись - это абсолютно уникальное направление в мировом искусстве. Оно существует ещё с древних времён, но как традиция не утратило своей популярности и способности удивлять.
Внимательность к традициям
Восток - это не только пейзажи, горы и восходящее солнце. Это ещё и люди, которые создавали его историю. Именно такие люди поддерживают традицию японской живописи на протяжении многих столетий, развивая и приумножая своё искусство. Теми, кто внёс немалый вклад в историю японские художники. Современные именно благодаря им сохранили в себе все каноны традиционной японской живописи.
Манера исполнения картин
В отличие от Европы, японские художники предпочитали писать ближе к графике, чем к живописи. В таких картинах не найти грубых, небрежных мазков маслом, которые так характерны для импрессионистов. В чём же заключается графичность такого искусства, как японская деревья, скалы, животные и птицы - всё в этих картинах нарисовано максимально чётко, твёрдыми и уверенными линиями туши. У всех предметов в композиции обязательно есть контур. Заливка внутри контура обычно выполняется акварелью. Цвет размывается, добавляются другие оттенки, а где-то оставляют цвет бумаги. Декоративность - именно то, что отличает японские картины от искусства всего мира.
Контрасты в живописи
Контраст - ещё один характерный приём, который используют японские художники. Это может быть разница в тоне, цвете или контраст теплых и холодных оттенков.
Художник прибегает к приему тогда, когда хочет выделить какой-то элемент предмета. Это может быть прожилка на растении, отдельный лепесток или ствол дерева на фоне неба. Тогда изображается светлая, освещённая часть предмета и тень под ним (или наоборот).
Переходы и цветовые решения
Рисуя японские картины, часто используют переходы. Они бывают разными: например, от одного цвета к другому. На лепестках водяных лилий, пионов можно заметить переход от светлого оттенка к насыщенному, яркому какого-то цвета.
Также переходы применяют в изображении водной поверхности, неба. Очень красиво выглядит плавный переход от заката к тёмным, сгущающимся сумеркам. В рисовании облаков тоже используют переходы от разных оттенков и рефлексы.
Основные мотивы японской живописи
В искусстве всё взаимосвязано с реальной жизнью, с чувствами и эмоции тех, кто причастен к нему. Как и в литературе, музыке и других проявлениях творчества, в живописи существует несколько вечных тем. Это исторические сюжеты, изображения людей и природы.
Японские пейзажи бывают разнообразными. Часто в картинах встречаются изображения прудов - излюбленного предмета интерьера японцев. Декоративный пруд, несколько водяных лилий и бамбук неподалёку - так выглядит обычная картина 17-18 века.
Животные в японской живописи
Животные - тоже часто повторяющийся элемент азиатской живописи. Традиционно это крадущийся тигр или домашняя кошка. Вообще, азиаты очень любят и поэтому их представители встречаются во всех формах восточного искусства.
Мир фауны - ещё одна тема, которой следует японская живопись. Птицы - журавли, декоративные попугаи, роскошные павлины, ласточки, незаметные воробьи и даже петухи - все они встречаются в рисунках восточных мастеров.
Рыбы — не менее актуальная тема для японских художников. Карпы кои - японский вариант золотой рыбки. Эти существа обитают в Азии во всех прудах даже маленьких парков и садов. Карп кои - своего рода традиция, принадлежащая именно Японии. Эти рыбы символизируют борьбу, решительность, достижение своей цели. Не зря их изображают плывущими по течению, обязательно с декоративными гребнями волн.
Японские картины: изображение людей
Люди в японской живописи - особенная тема. Художники изображали гейш, императоров, воинов и старцев.
Гейши нарисованы в окружении цветов, всегда в сложных одеяниях с множеством складок и элементов.
Мудрецов рисуют сидящими или объясняющими что-то своим ученикам. Образ старого учёного - символ истории, культуры и философии Азии.
Воина изображали грозным, порой устрашающим. Длинные были детально прорисованы и похожи на проволоку.
Обычно все детали доспеха уточнены с помощью туши. Нередко обнажённые воина украшают татуировки с изображением восточного дракона. Это - символ силы и военной мощи Японии.
Правителей изображали для императорских семей. Красивые одеяния, украшения в волосах мужчин - то, чем изобилуют такие произведения искусства.
Пейзажи
Традиционный японский пейзаж - горы. Азиатские живописцы преуспели в изображении разнообразных ландшафтов: одну и ту же вершину они могут изобразить в разных цветах, с разной атмосферой. Единственное, что остаётся неизменным - обязательное присутствие цветов. Обычно вместе с горами художник изображает какое-то растение на переднем плане и детально его прорисовывает. Красиво смотрятся гор и цветущей сакуры. А если рисуют опадающие лепестки - картина вызывает восхищение грустной красотой. Контраст в атмосфере картины - ещё одно замечательное качество японской культуры.
Иероглифы
Часто композицию картины в японской живописи совмещают с письменами. Иероглифы располагают так, чтобы смотрелось красиво композиционно. Обычно их рисуют слева или справа картины. Иероглифы могут обозначать то, что изображено на картине, её название или имя художника.
Япония - одна из самых богатых историей и культурой держав. Во всём мире принято считать японцев педантичными людьми, которые находят эстетику абсолютно во всех проявлениях жизни. Поэтому японские картины всегда очень гармоничны по цвету и тону: если и есть вкрапления какого-то яркого цвета - то только в смысловых центрах. На примере картин азиатских художников можно изучать теорию цвета, правильную передачу формы с помощью графики, композицию. Техника исполнения японских картин настолько высока, что может служить примером по работе с акварелью и выполнению «отмывки» графических работ.
Искусство и дизайн
2702
01.02.18 09:02
Сегодняшняя художественная сцена Японии очень разнообразна и провокационна: рассматривая работы мастеров из Страны Восходящего солнца, вы решите, что попали на другую планету! Тут живут новаторы, которые изменили «ландшафт» отрасли в глобальном масштабе. Представляем вам список 10 современных японских художников и их творения – от невероятных существ Такаси Мураками (который сегодня празднует день рождения) до пестрой вселенной Кусамы.
От футуристических миров до точечных созвездий: современные японские художники
Такаси Мураками: приверженец традиций и классик
Начнем с виновника торжества! Такаси Мураками – один из самых знаковых современных японских художников, работающий над картинами, крупномасштабными скульптурами и модной одеждой. На стиль Мураками влияют манга и аниме. Он основатель движения Superflat, поддерживающего японские художественные традиции и послевоенную культуру страны. Мураками продвигал многих своих коллег-современников, с некоторыми из них мы сегодня тоже познакомимся. «Субкультурные» произведения Такаси Мураками представлены на арт-рынках моды и искусства. Его провокационный My Lonesome Cowboy (1998-й год) был продан в Нью-Йорке на аукционе Sotheby’s в 2008-м за рекордные 15,2 миллиона долларов. Мураками сотрудничал со всемирно известными брендами Marc Jacobs, Louis Vuitton и Issey Miyake.
Тихо Асима и ее сюрреалистическая вселенная
Член художественной производственной компании Kaikai Kiki и движения Superflat (и та, и другое основаны Такаси Мураками) Тихо Асима известна своими фантастическими городскими пейзажами и странными поп-существами. Художница создает сюрреалистические мечты, населенные демонами, призраками, молодыми красавицами, изображаемыми на фоне диковинной природы. Ее произведения обычно крупномасштабны и печатаются на бумаге, коже, пластике. В 2006-м году эта современная японская художница участвовала в Art on the Underground в Лондоне. Она создала 17 последовательных арок для платформы – волшебный пейзаж постепенно превращался из дневного в ночной, из городского – в сельский. Это чудо расцвело на станции метро Gloucester Road.
Тихару Сима и бесконечные нити
Другая художница – Тихару Сиота – работает над широкомасштабными визуальными установками для конкретных достопримечательностей. Она родилась в Осаке, но сейчас живет в Германии – в Берлине. Центральные темы ее творчества – забвение и память, мечты и реальность, прошлое и настоящее, а еще – конфронтация тревоги. Самые знаменитые работы Тихару Сиоты – непроницаемые сети черной нити, охватывающие множество бытовых и личных предметов – таких как старые стулья, свадебное платье, сожженное фортепиано. Летом 2014-го года Сиота соединила пожертвованные ей туфли и ботинки (которых было более 300) нитками красной пряжи и подвесила их на крючки. Первая выставка Тихару в столице Германии прошла во время Берлинской художественной недели в 2016-м году и вызвала сенсацию.
Эй Аракава: везде, ни нигде
Эй Аракава вдохновлен состояниями перемен, периодами нестабильности, элементами риска, а его инсталляции нередко символизируют темы дружбы и коллективного труда. Кредо современного японского художника определяется перформативным неопределенным «везде, но нигде». Его творения всплывают в неожиданных местах. В 2013-м году работы Аракавы выставлялись на Венецианском биеннале и в экспозиции японского современного искусства в Музее искусств Мори (Токио). Инсталляция Hawaiian Presence (2014) была совместным проектом с нью-йоркской художницей Кариссой Родригес и участвовала в биеннале Whitney. В том же 2014-м году Аракава и его брат Тому, выступающие дуэтом под названием «United Brothers», предлагали посетителям Frieze London свое «произведение» «The This Soup Taste Ambivalent» с «радиоактивными» корнеплодами дайкона Фукусимы.
Коки Танака: взаимосвязь и повторения
В 2015-м Коки Танака был признан «Художником года». Танака исследует общий опыт творчества и воображения, поощряет обмен между участниками проектов и выступает за новые правила сотрудничества. Его установка в японском павильоне на Венецианском биеннале 2013-го года состояла из видео с объектами, превращающими помещение в платформу для художественного обмена. Инсталляции Коки Танака (не путайте с его полным тезкой-актером) иллюстрируют взаимосвязь между объектами и действиями, например, на видео присутствует запись простых жестов, выполняемых с обычными предметами (нож, нарезающий овощи, пиво, наливаемое в стакан, открытие зонта). Ничего существенного не происходит, но навязчивое повторение и внимание к мельчайшим деталям заставляют зрителя ценить мирское.
Марико Мори и обтекаемые формы
Еще одна современная японская художница, Марико Мори, «колдует» над мультимедийными объектами, сочетая видео, фотографии, предметы. Ей свойственны минималистское футуристическое видение и гладкие сюрреалистические формы. Повторяющейся темой творчества Мори является сопоставление западной легенды с западной культурой. В 2010-м году Марико основала Фонд Фау, образовательную культурную некоммерческую организацию, для которой она изготовила серию своих художественных инсталляций в честь шести обитаемых континентов. Совсем недавно постоянная установка Фонда «Кольцо: одна с природой» была водружена над живописным водопадом в Ресенде недалеко от Рио-де-Жанейро.
Риоджи Икеда: синтез звуков и видео
Риоджи Икеда – новый медиахудожник и композитор, чья работа, в основном, связана со звуком в разных «сырых» состояниях, от синусоидальных звуков до шумов с использованием частот на грани человеческого слуха. Его захватывающие инсталляции включают звуки, созданные компьютером, которые визуально преобразуются в видеопроекции или цифровые шаблоны. Аудиовизуальные арт-объекты Икеды используют масштаб, свет, тень, объем, электронные звуки и ритм. Известный тестовый объект художника состоит из пяти проекторов, которые освещают площадь 28 метров в длину и 8 метров в ширину. Установка преобразует данные (текст, звуки, фотографии и фильмы) в штрих-код и двоичные паттерны нулей и единиц.
Тацуо Миядзима и светодиодные счетчики
Современный японский скульптор и художник-монтажник Тацуо Миядзима использует в своем искусстве электрические схемы, видео, компьютеры и другие гаджеты. Основные концепции Миядзимы вдохновлены гуманистическими идеями и буддистскими учениями. Светодиодные счетчики в его установках непрерывно мигают в повторении от 1 до 9, символизируя путешествие от жизни к смерти, но избегая окончательности, которая представлена 0 (ноль никогда не появляется в работах Тацуо). Вездесущие цифры в сетках, башнях, схемах выражают интерес Миядзимы к идеям непрерывности, вечности, связи и потока времени и пространства. Не так давно объект Миядзимы «Стрела времени» был продемонстрирован на инаугурационной выставке «Незавершенные мысли, видимые в Нью-Йорке».
Нара Ёсимото и злые дети
Нара Ёсимото создает картины, скульптуры и рисунки, изображающие детей и собак – субъектов, в которых отражены ребячье чувство скуки и разочарования и яростная независимость, естественная для малышей. Эстетика работ Ёсимото напоминает традиционные книжные иллюстрации, это смесь беспокойной напряженности и любви художника к панк-року. В 2011-м году в Музее общества Азии в Нью-Йорке состоялась первая персональная выставка Ёсимото под названием «Yoshitomo Nara: Nobody"s Fool», охватывающая 20-летнюю карьеру современного японского художника. Экспонаты были тесно связаны с мировыми молодежными субкультурами, их отчужденностью и протестом.
Яёй Кусама и пространство, разрастающееся диковинными формами
Поразительная творческая биография Яёй Кусамы длится семь десятилетий. За это время удивительная японка успела изучить сферы живописи, графики, коллажа, скульптуры, кино, гравюры, экологического искусства, инсталляции, а также литературы, моды и дизайна одежды. Кусама разработала весьма своеобразный стиль точечного искусства, которых стал ее торговой маркой. Иллюзорные видения, представленные в работах 88-летней Кусамы (когда мир кажется покрытым разрастающимися диковинными формами), – это результат галлюцинаций, которые она испытывала с детства. Комнаты с красочными точками и «бесконечными» зеркалами, отражающими их скопления, узнаваемы, их не перепутаешь ни с чем иным.
В каждой стране есть свои герои актуального искусства, чьи имена на слуху, чьи выставки собирают толпы поклонников и любопытствующих, а работы – расходятся по частным коллекциям.
В этой статье мы познакомим вас с самыми популярными современными художниками Японии.
Кейко Танабе (Keiko Tanabe)
Родившаяся в Киото Кейко, будучи ребенком, побеждала во множестве художественных конкурсов, но высшее образование получила вовсе не в сфере искусства. Работала в отделе международных отношений в японской торговой организации самоуправления в Токио, в крупной юридической фирме в Сан-Франциско и в частной консалтинговой фирме в Сан-Диего, много путешествовала. Начиная с 2003 года оставила работу и, изучив основы рисования акварелью в Сан-Диего, посвятила себя исключительно искусству.
Икенага Ясунари (Ikenaga Yasunari)
Японский художник Икенага Ясунари пишет портреты современных женщин в древней японской традиции живописи, используя кисть Menso, минеральные пигменты, сажу, чернила и льняную ткань, в качестве основы. Его персонажи – женщины нашего времени, но, благодаря стилю Nihonga, возникает ощущение, что они пришли к нам из глубины веков.
Абэ Тошиюки (Abe Toshiyuki)
Абэ Тошиюки – художник-реалист, в совершенстве овладевший акварельной техникой. Абэ можно назвать художником-философом: он принципиально не рисует всем известных достопримечательностей, предпочитая субъективные композиции, отражающие внутренние состояния человека, который за ними наблюдает.
Хироко Сакаи (Hiroko Sakai)
Карьера художницы Хироко Сакаи началась в начале 90-х в городе Фукуока. По окончанию университета Сейнан Гакуин и французской школы дизайна интерьера Нихон в области дизайна и визуализации, она основала «Atelier Yume-Tsumugi Ltd.» и успешно управляла этой студией в течение 5 лет. Многие ее работы украшают вестибюли больниц, офисы крупных корпораций и некоторые муниципальные здания Японии. Переехав в США, Хироко стала рисовать маслом.
Риусуки Фукахори (Riusuke Fukahori)
Трехмерные работы Риусуки Фукахори похожи на голограммы. Они выполнены акриловой краской, наложенной в несколько слоев, и прозрачной жидкостью из смолы – все это, не исключая традиционных методов вроде прорисовки теней, смягчения краев, контроля прозрачности, позволяет Риусуки создавать скульптурную живопись и придает работам глубину и реализм.
Нацуки Отани (Natsuki Otani)
Нацуки Отани – талантливый японский иллюстратор, живущий и работающий в Англии.
Макото Мураматсу (Makoto Muramatsu)
Макото Мураматсу основой для своего творчества избрал беспроигрышную тему – он рисует котиков. Его картинки популярны во всем мире, особенно, в виде паззлов.
Тетцуя Мишима (Tetsuya Mishima)
Большая часть картин современной японской художницы Мишима выполнена маслом. Она профессионально занимается живописью с 90-х, на ее счету несколько персональных выставок и большое количество выставок коллективных, как японских, так и зарубежных.
Японская классическая живопись имеет долгую и интересную историю. Изобразительное искусство Японии представлено в разных стилях и жанрах, каждый из которых по-своему уникален. Древние расписные фигурки и геометрические мотивы, обнаруженные на бронзовых колоколах дотаку и осколках гончарных изделий, датируются 300 г. н.э.
Буддийская направленность искусства
В Японии было достаточно хорошо развито искусство настенной живописи, в 6 веке особенно популярны были изображения на тему философии буддизма. В то время в стране строились крупные храмы, и их стены повсеместно украшали фрески, написанные по сюжетам буддистских мифов и легенд. До сих пор сохранились древние образцы настенной живописи в храме Хорюдзи неподалеку от японского города Нара. На фресках Хорюдзи изображены сцены из жизни Будды и других богов. Художественный стиль этих фресок весьма близок к изобразительной концепции, популярной в Китае времен династии Сун.
Живописный стиль династии Тан приобрел особую популярность в середине периода Нара. К этому периоду относятся фрески, обнаруженные в гробнице Такамацузука, возраст которых относят примерно к 7 веку н.э. Художественная техника, сформировавшаяся под влиянием династии Тан, впоследствии легла в основу живописного жанра кара-э. Этот жанр сохранял свою популярность вплоть до появления первых работ в стиле ямато-э. Большинство фресок и живописных шедевров принадлежат кисти неизвестных авторов, сегодня многие из работ того периода хранятся в сокровищнице Сесоин.
Растущее влияние новых буддистских школ таких, например, как Тендай, повлияло на широкую религиозную направленность изобразительного искусства Японии в 8 и 9 веках. В 10 веке, на который пришелся особый прогресс японского буддизма, появился жанр райгодзу, «привественных картин», на которых изображался приход Будды в Западный Рай. Ранние примеры райгодзу, датируемые 1053 годом можно увидеть в храме Бедо-ин, который сохранился в городе Удзи, префектура Киото.
Смена стилей
В середине периода Хейан на смену китайскому стилю кара-э приходит жанр ямато-э, который надолго становится одним из самых популярных и востребованных жанров японской живописи. Новый живописный стиль в основном применялся в росписи раскладных ширм и скользящих дверей. Со временем ямато-э перебрался и на горизонтальные свитки эмакимоно. Художники, работавшие в жанре эмаки старались передать в своих работах всю эмоциональность выбранного сюжета. Свиток Гендзи-моногатари состоял из нескольких эпизодов, соединенных вместе, художники того времени использовали быстрые мазки и яркие, выразительные цвета.
Э-маки – один из древнейших и наиболее выдающихся примеров отоко-э, жанра изображения мужских портретов. Женские портреты выделены в отдельный жанр онна-э. Между этими жанрами, собственно так же, как и между мужчинами и женщинами, просматриваются довольно существенные различия. Стиль онна-э красочно представлен в оформлении Повести о Гендзи, где основными темам рисунков вступают романтические сюжеты, сцены из придворной жизни. Мужской стиль отоко-э – это преимущественно художественное изображение исторических сражений и других важных событий в жизни империи.
Классическая японская художественная школа стала плодородной почвой для развития и продвижения идей современного искусства Японии, в котором достаточно четко прослеживается влияние поп-культуры и аниме. Одним из самых известных японских художников современности можно назвать Такаши Мураками, чье творчество посвящено изображению сцен из японской жизни послевоенного периода и концепции максимального слияния изящного искусства и мэйнстрима.
Из известных японских художников классической школы можно назвать следующих.
Тенсе Сюбун
Сюбун творил в начале 15 столетия, посвятив немало времени изучению работ китайских мастеров эпохи династии Сун, этот человек стоял у истоков японского изобразительного жанра. Сюбун считается основателем стиля суми-э, монохромной живописи тушью. Он приложил немало усилий для популяризации нового жанра, превратив его в одно из ведущих направлений японской живописи. Учениками Сюбуна были многие ставшие впоследствии известными художники, в том числе Сэссю и основатель известной художественной школы Кано Масанобу. Авторству Сюбуна приписывались многие пейзажи, однако наиболее известной его работой традиционно считается «Читая в бамбуковой роще».
Огата Корин (1658-1716)
Огата Корин является одним из крупнейших художников в истории японской живописи, основателем и одним из ярчайших представителей художественного стиля римпа. Корин в своих работах смело уходил от традиционных стереотипов, сформировав свой собственный стиль, основными характеристиками которого стали небольшие формы и яркий импрессионизм сюжета. Корин известен своим особым мастерством в изображении природы и работе с абстрактными цветными композициями. «Цветение сливы красным и белым» - одна из самых известных работ Огата Корина, также известны его картины «Хризантемы», «Волны Мацусимы» и ряд других.
Хасэгава Тохаку (1539-1610)
Тохаку является основателем японской художественной школы Хасэгава. Для раннего периода творчества Тохаку характерно влияние известной школы японской живописи 
Кано, но со временем художник сформировал свой собственный уникальный стиль. Во многом на творчество Тохаку повлияли работы признанного мастера Сэссю, Хосэгава даже считал себя пятым приемником этого великого мастера. Картина Хасэгавы Тохаку «Сосны» получила мировую известность, также известны его работы «Клен», «Сосны и цветущие растения» и другие.
Кано Эйтоку (1543-1590)
Стиль школы Кано доминировал в изобразительном искусстве Японии около четырех столетий, и Кано Эйтоку, пожалуй, один из самых известных и ярких представителей этой художественной школы. Эйтоку был обласкан властью, покровительство аристократов и состоятельных патронов не могло не поспособствовать укреплению его школы и популярности работ этого, без сомнения, очень талантливого художника. Раздвижная восьмипанельная ширма «Кипарис», расписанная Эйтоку Кано, - это настоящий шедевр и яркий пример размаха и мощи стиля Монояма. Не менее интересно выглядят и другие работы мастера, такие как «Птицы и деревья четырех времен года», «Китайские львы», «Отшельники и фея» и многие другие.
Кацусика Хокусаи (1760-1849)
Хокусаи – величайший мастер жанра укие-э (японской ксилографии). Творчество Хокусаи получило мировое признание, его известность в других странах не сравнима с популярностью большинства азиатских художников, его работа «Большая волна в Канагаве» стала чем-то вроде визитной карточки японского изобразительного искусства на мировой художественной арене. На своем творческом пути Хокусаи использовал более тридцати псевдонимов, после шестидесяти художник полностью посвятил себя искусству и именно это время считается наиболее плодотворным периодом его творчества. Работы Хокусаи повлияли на творчество западных мастеров импрессионизма и постимпрессионистского периода, в том числе и на творчество Ренуара, Моне и ван Гога.
Если вы думаете, что все великие художники остались в прошлом, то вы даже не представляете, насколько сильно ошибаетесь. В этой статье вы узнаете о самых известных и талантливых художниках современности. И, поверьте, их работы засядут в вашей памяти не менее глубоко, чем работы маэстро из прошлых эпох.
Wojciech Babski
Войцех Бабски – современный польский художник. Закончил учебу в Силезском политехническом институте, но связал себя с . В последнее время рисует, в основном, женщин. Фокусируется на проявлении эмоций, стремится к получению как можно большего эффекта простыми средствами.
Любит цвет, но часто использует оттенки черного и серого, для достижения наилучшего впечатления. Не боится экспериментировать с разными новыми техниками. В последнее время набирает всё большую популярность за рубежом, в основном, в Великобритании, где с успехом продает свои работы, которые уже можно найти во многих частных коллекциях. Кроме искусства интересуется космологией и философией. Слушает джаз. В настоящее время живет и работает в городе Катовице.
Warren Chang
Уоррен Чанг – современный американский художник. Родился в 1957 году и вырос в Монтерее, штат Калифорния, с отличием окончил колледж дизайна Арт-центр в Пасадене в 1981 году, где получил степень бакалавра изобразительных искусств в области . В течение следующих двух десятилетий он работал в качестве иллюстратора для различных компаний в Калифорнии и Нью-Йорке, прежде чем в 2009 году начать карьеру профессионального художника.
Его реалистичные картины можно разделить на две основные категории: биографические интерьерные картины и картины, изображающие работающих людей. Его интерес к подобной манере живописи уходит своими корнями к творчеству художника 16-го века Яна Вермеера, и распространяется на предметы, автопортреты, портреты членов семьи, друзей, учеников, интерьеры студии, класса и дома. Его цель заключается в том, чтобы в своих реалистичных картинах создать настроение и эмоции с помощью манипуляции светом и использовании приглушенных цветов.
Чанг стал известен после перехода к традиционному изобразительному искусству. За последние 12 лет он заработал множество наград и почетных званий, самая престижная из них – Master Signature от ассоциации художников маслом Америки, крупнейшего сообщества художников маслом в Соединенных Штатах. Лишь один человек из 50, удостаивается возможности получить эту награду. В настоящее время Уоррен живёт в Монтерее и работает в своей студии, также он преподаёт (известен как талантливый педагог) в Академии искусств Сан-Франциско.
Aurelio Bruni
Аурелио Бруни – итальянский художник. Родился в городе Блера, 15 октября 1955 года. Получил диплом по специальности сценография в институте искусства в Сполето. Как художник он самоучка, так как самостоятельно “возводил дом знаний” на фундаменте, заложенном ещё в школе. Рисовать маслом начал в возрасте 19 лет. В настоящее время живёт и работает в Умбрии.
Ранняя живопись Бруни уходит своими корнями в сюрреализм, но со временем он начинает ориентироваться на близость лирического романтизма и символизма, усиливая это сочетание изысканной утонченностью и чистотой своих персонажей. Одушевленные и неодушевленные объекты приобретают равное достоинство и выглядят, почти, гиперреалистично, но, при этом, не скрываются за занавесом, а позволяют увидеть суть своей души. Многогранность и изысканность, чувственность и одиночество, задумчивость и плодотворность являются духом Аурелио Бруни, питаемым великолепием искусства и гармонией музыки.
Alekasander Balos
Алкасандр Балос – современный польский художник, специализирующийся в области масляной . Родился 1970 года в Гливице, Польша, но с 1989 года живёт и работает в США, в городе Шаста, штат Калифорния.
В детстве он изучал искусство под руководством своего отца Яна, художника-самоучки и скульптора, поэтому уже с раннего возраста, художественная деятельность получила полную поддержку со стороны обоих родителей. В 1989 году, в возрасте восемнадцати лет, Балос уехал из Польши в США, где его школьный учитель и по совместительству художник Кэти Гагглиарди побудила Алкасандра поступить в художественную школу. Затем Балос получил полную стипендию университета в Милуоки Висконсин, где он учился живописи у профессора философии Гарри Розина.
После завершения учёбы в 1995 году и получения степени бакалавра Балос переехал в Чикаго, чтобы поступить на учёбу в школе изобразительного искусства, чьи методы основываются на творчестве Жака-Луи Давида. Фигуративный реализм и портретная живопись составляли большую часть работ Балоса в 90-х и начале 2000-х годов. Сегодня Балос использует человеческую фигуру для того, чтобы подчеркнуть особенности и показать недостатки человеческого бытия, не предлагая, при этом, никаких решений.
Сюжетные композиции его картин предназначены для того, чтобы быть самостоятельно интерпретированными зрителем, только тогда полотна приобретут свой истинный временной и субъективный смысл. В 2005 году художник переехал в Северную Калифорнию, с тех пор тематика его работ значительно расширилась и теперь включает в себя более свободные методы живописи, включая абстракцию и различные мультимедийные стили, помогающие выражать идеи и идеалы бытия через живопись.
Alyssa Monks
Алисса Монкс – современная американская художница. Родилась в 1977 году, в Риджвуде, Нью-Джерси. Начала интересоваться живописью, когда была ещё ребенком. Училась в Новой Школе в Нью-Йорке и Государственном университете Монклер, а окончив в 1999 году Бостонский колледж, получила степень бакалавра. Одновременно она изучила живопись в академии Лоренцо Медичи во Флоренции.
Затем продолжила учёбу по программе на степень магистра в нью-йоркской Академии Искусства, на кафедре Фигуративного Искусства, окончила его в 2001 году. В 2006 году она закончила колледж Фуллертона. Некоторое время читала лекции в университетах и образовательных учреждениях по всей стране, преподавала живопись в нью-йоркской Академии Искусства, а также Государственном университете Монклер и Колледже Академии Искусств Лайма.
“Используя фильтры, такие как стекло, винил, вода и пар, я искажаю человеческое тело. Эти фильтры позволяют создавать большие площади абстрактного дизайна, с проглядывающими сквозь них островами цвета – частями человеческого тела.
Мои картины меняют современный взгляд на уже сложившиеся, традиционные позы и жесты купающихся женщин. Они могли бы многое рассказать внимательному зрителю о таких, казалось бы, самих собой разумеющихся вещах, как польза плаванья, танцев и так далее. Мои персонажи прижимаются к стеклу окна душевой кабины, искажая собственное тело, осознавая, что тем самым влияют на пресловутый мужской взгляд на обнажённую женщину. Толстые слои краски смешаны так, чтобы издалека подражать стеклу, пару, воде и плоти. Однако вблизи становятся очевидны восхитительные физические свойства масляной краски. Экспериментируя со слоями краски и цветом, я нахожу момент, когда абстрактные мазки становятся чем-то еще.
Когда я только начала рисовать человеческое тело, я сразу была очарована и даже стала одержима им и считала, что должна была делать свои картины как можно более реалистичными. Я “исповедовала” реализм, пока он не начал распутывать и вскрывать противоречия в самом себе. Сейчас я исследую возможности и потенциал манеры письма, где встречаются представительская живопись и абстракция – если оба стиля могут сосуществовать в один и тот же момент времени, я это сделаю”.
Antonio Finelli
Итальянский художник – “Наблюдатель времени ” – Антонио Финелли родился 23 февраля 1985 года. В настоящее время живет и работает в Италии между Римом и Кампобассо. Его работы были выставлены в нескольких галереях в Италии и за рубежом: Риме, Флоренции, Новара, Генуя, Палермо, Стамбуле, Анкаре, Нью-Йорке, также их можно найти в частных и государственных коллекциях.
Рисунки карандашом “Наблюдателя времени ” Антонио Финелли отправляют нас в вечное путешествие по внутреннему миру человеческой временности и связанному с ним скрупулезным анализом этого мира, главным элементом которого является прохождение сквозь время и наносимые им на кожу следы.
Финелли пишет портреты людей любого возраста, пола и национальности, выражения лиц которых свидетельствуют о прохождении сквозь время, также художник надеется отыскать свидетельства беспощадности времени на телах своих персонажей. Антонио определяет свои произведения одним, общим названием: “Автопортрет”, потому что на своих карандашных рисунках он не просто изображает личность, но позволяет зрителю созерцать реальные результаты прохождения времени внутри человека.
Flaminia Carloni
Фламиния Карлони – итальянская художница 37-ми лет, дочь дипломата. У нее трое детей. Двенадцать лет жила в Риме, три года в Англии и Франции. Получила диплом в области истории искусства в школе искусств BD. Затем получила диплом по специальности реставратор произведений искусства. Прежде чем найти свое призвание и полностью посвятить себя живописи, она работала как журналист, колорист, дизайнер, актриса.
Страсть к живописи у Фламинии возникла ещё в детстве. Её основная среда – масло, потому что она любит “coiffer la pate” и также играть с материалом. Подобную технику она узнала в работах художника Паскаля Торюа. Фламиния вдохновлена великими мастерами живописи, такими как Бальтюса, Хоппер, и Франсуа Легран, а так же и различными художественными движениями: стрит-арт, китайский реализм, сюрреализм и реализм эпохи Возрождения. Её любимый художник Караваджо. Её мечта открыть терапевтическую силу искусства.
Denis Chernov
Денис Чернов – талантливый украинский художник, родился в 1978 году в Самборе, Львовская область, Украина. После окончания Харьковского художественного училища в 1998 году остался в Харькове, где в настоящее время живет и работает. Также он учился в Харьковской государственной академии дизайна и искусств, кафедра график, окончил её в 2004 году.
Он регулярно участвует в художественных выставках, на данный момент их состоялось более шестидесяти, как в Украине, так и за рубежом. Большинство работ Дениса Чернова хранятся в частных коллекциях в Украине, России, Италии, Англии, Испании, Греции, Франции, США, Канаде и Японии. Некоторые работы были проданы на “Кристис”.
Денис работает в широком диапазоне графических и живописных техник. Рисунки карандашом – один из самых любимых им методов живописи, список тем его карандашных рисунков также весьма разнообразен, он пишет пейзажи, портреты, ню, жанровые композиции, книжные иллюстрации, литературные и исторические реконструкции и фантазии.
