Desarrollo de las artes decorativas y aplicadas. contribuyó a la mejora de la tecnología de la producción artesanal y manufacturera, al surgimiento de la industria artística (producción de tapices, vidrio artístico, loza, corte de piedra, producción de seda y telas), la fabricación de artículos de moda, artículos de lujo, el descubrimiento y Desarrollo de yacimientos de cobre, estaño, plata, piedras coloreadas, arcillas de alta calidad.
Es significativo el papel de la Academia de Ciencias en la “prosperidad de las artes y manufacturas libres”, que refleja los nuevos intereses técnicos y de las ciencias naturales en las artes decorativas y aplicadas. En la primera mitad del siglo XVIII aparecieron nuevas formas de educación y formación de artesanos en las fábricas artísticas; En Rusia están surgiendo organizaciones gremiales de artesanos, lo que no niega el uso generalizado de artesanos extranjeros en diversos campos de las artes decorativas y aplicadas.
En las artes decorativas y aplicadas (artículos de interior, muebles, decoración), la moda dicta activamente el estilo. Como resultado, aparecen nuevos tipos de objetos y se actualizan las ideas estéticas en las artes decorativas y aplicadas. En las artes decorativas y aplicadas de mediados del siglo XVIII, hubo una tendencia a sintetizar las artes, donde la arquitectura, la escultura, la pintura y las artesanías aplicadas se fusionaban en un conjunto decorativo.
Como resultado, el arte del diseño de interiores se convierte en un tipo especial de actividad artística en la obra de los arquitectos del siglo XVIII. Este tipo de actividad artística determina la aparición de nuevos tipos de locales (oficinas, salones, dormitorios, salas de estar, “salas de cuadros”) y su contenido temático (Palacio de Verano, Palacio A.D. Menshikov, Gran Palacio Peterhof, Monplaisir).
Todo esto contribuye al desarrollo de la fabricación de muebles; aparecen nuevos tipos y formas de muebles, materiales y métodos de decoración. La influencia de los muebles ingleses y holandeses es muy fuerte aquí. Bajo la influencia de Europa, en Rusia se desarrolló incluso el estilo barroco y rococó en los muebles.
Los muebles de clasicismo tienen un carácter y una forma característicos. En gran medida, los motivos antiguos se pueden rastrear en las formas y la decoración de los muebles. A mediados del siglo XVIII, los arquitectos participaron en el desarrollo de nuevos tipos de muebles, aparecieron muebles artísticos y de diseño en Rusia (Brenna, Lvov, Cameron, Voronikhin). En la segunda mitad del siglo XVIII aparecieron los primeros talleres de muebles (el taller de G. Gambs y I. Ott). Este período del arte del mueble se caracteriza por el estilo Jacob. En la segunda mitad del siglo XVIII, los materiales en el arte del mueble cambiaron: aquí aparecieron caoba, madera dorada, álamo y abedul de Carelia; Los tejidos y los bordados se utilizan cada vez más en la fabricación de muebles.
La cerámica y la loza ocupan un lugar especial en las artes decorativas y aplicadas. Esto se produce inicialmente debido a la expansión de las importaciones de loza de Inglaterra y Holanda. Sin embargo, pronto apareció en Moscú la primera fábrica privada de A. Grebenshchikov, que producía loza fina rusa. Posteriormente se formó el estilo de los platos ceremoniales palaciegos con grabado mate y se extendió la moda del cristal como elemento interior. Se trata de la apertura de la primera fábrica privada de vidrio y cristal de Maltsov en el distrito de Mozhaisk.
En el siglo XVIII, debido a la creciente popularidad de las artes decorativas y aplicadas y la decoración de habitaciones, aumentó significativamente el consumo de vidrio, que se utilizaba para crear una variedad de espejos y accesorios de iluminación.
Escultura y pintura de la segunda mitad del siglo XVIII.
Desempeñó un papel importante en el desarrollo de la pintura en el siglo XVIII. creación Vladimir Lukich Borovikovsky. A pesar de que el artista no figuraba oficialmente como estudiante de la Academia, sin duda utilizó los consejos de sus profesores y, sobre todo, de Levitsky. El talento natural y la tenacidad férrea del joven artista pronto llevaron a Borovikovsky a convertirse en uno de los primeros maestros de finales del siglo XVIII. Creó una serie de excelentes retratos de sus contemporáneos, entre ellos G. Derzhavin, V. Arsenyeva, M. Lopukhina, O. Filippova y muchos otros. Un interés constante por las experiencias emocionales de una persona, un lirismo y una contemplación enfatizados, avivados por una neblina de sentimentalismo, tan característico de la época, son característicos de la mayoría de las obras de Borovikovsky. El artista nunca siguió el camino de la caracterización externa y superficial de la imagen, esforzándose constantemente por transmitir los movimientos espirituales más sutiles de los retratados.
En su obra predominan los retratos de cámara. Borovikovsky se esfuerza por afirmar la autoestima y la pureza moral de una persona (retrato de "Lizynka y Dashinka", retrato de E.N. Arsenyeva, etc.). A principios de los siglos XVIII y XIX, Borovikovsky se sintió atraído por personalidades fuertes y enérgicas y se centró en la ciudadanía, la nobleza y la dignidad de los retratados; La apariencia de sus modelos se vuelve más sobria, el fondo del paisaje es reemplazado por imágenes del interior (retratos de A.A. Dolgorukov, M.I. Dolgoruka, etc.).
Borovikovsky es también un reconocido maestro de los retratos en miniatura. La colección del Museo Ruso contiene obras de su pincel: retratos de A.A. Menelas, V.V. Kapnist, N.I. El artista utilizó a menudo el estaño como base para sus miniaturas.
El retrato ruso del siglo XVIII alcanza su verdadera cima en creatividad D.G.Levitsky . Ya en una de sus primeras obras, un retrato del arquitecto A. Kokorinov, Levitsky mostró excelentes habilidades como pintor. El retrato del gran filósofo materialista francés D. Diderot, pintado por Levitsky en San Petersburgo en 1773, y la serie de retratos de alumnas del Instituto Smolny creados por el artista se distinguen por un alto mérito artístico. Las imágenes de estas chicas están marcadas por la sinceridad y la calidez, y la singularidad de cada una de ellas se transmite magistralmente.
Los retratos de los años siguientes (Lvova, el padre del artista, los Bakunin, Anna Davia y muchas otras obras maestras de Levitsky) son una clara prueba de su brillante talento.
Levitsky creó una extensa galería de retratos de sus contemporáneos, capturando amplia y completamente, como ningún otro, imágenes vivas de personas de la época. El arte de Levitsky completa la historia del desarrollo del retrato ruso en el siglo XVIII. Sin embargo, cabe señalar que existen algunas limitaciones históricas en su obra: como otros artistas notables de su tiempo, Levitsky no pudo reflejar las contradicciones sociales de la realidad. Las personas representadas por el artista, de acuerdo con las ideas estéticas predominantes, siempre posan un poco, como si intentaran mostrarse al espectador de la manera más "agradable". Sin embargo, en varias de sus obras el artista logra una sencillez y vitalidad asombrosas.
El legado de Levitsky es enorme y todavía evoca un sentimiento de placer estético inmediato en los espectadores. La perfección profesional de sus obras y su orientación realista sitúan al artista en uno de los lugares más honorables de toda la historia del arte ruso.
Entre las obras más famosas de D. G. Levitsky se encuentran las siguientes: "Retrato de E. A. Vorontsova", "Retrato del arquitecto A. F. Kokorinov", "Retrato de N. A. Lvov", "Retrato de M. A. Dyakova", "Retrato de Ursula Mniszech", "Retrato de la hija de Agasha vestida de ruso”, etc.
En el campo del retrato, los artistas rusos de la segunda mitad del siglo XVIII también dijeron su nueva palabra. Llama la atención la nitidez de las características psicológicas que caracterizaron muchos retratos de esta época: el pincel de los mejores maestros rusos gravita cada vez más hacia una imagen veraz de la imagen de una persona. Es significativo que en esta época se crearan retratos no solo de la nobleza y los "poderes de este mundo", sino también de varias figuras públicas progresistas. Estos retratos carecen por completo de elementos de pompa y brillo externo; Los artistas prestan atención a transmitir el contenido interior de una persona, a revelar la fuerza de su mente, la nobleza de sus pensamientos y aspiraciones.
El desarrollo del retrato ruso encontró su expresión en obras de F. Rokotov.
Fiódor Stepánovich Rókotov- uno de los mejores retratistas rusos. Habiendo recibido una educación artística bajo la dirección de L.-J. Le Lorrain y el conde Pietro Rotari trabajaron a la manera de este último, pero profundizaron más que él en la naturaleza y fueron diligentes en la ejecución. En 1762 fue admitido como adjunto a la recién fundada San Petersburgo. Academia de las Artes por el cuadro “Venus” que le regalaron y por el retrato del emperador Pedro III.
Una sutil habilidad pictórica distingue los retratos de este artista. Rokotov aporta gran expresividad y fuerza a la espiritualidad íntima de la imagen, especialmente en los retratos femeninos. La perfección altamente técnica de las obras del artista: en términos de la naturaleza del dibujo y la habilidad pictórica, solo Levitsky puede compararse con él. Los retratos creados por Rokotov se distinguen por la sofisticación del diseño y la elegancia del color.
Las obras más famosas de Rokotov incluyen: "Retrato de una mujer desconocida con un vestido rosa", "Retrato de A.I Vorontsov", "Retrato de G.G Orlov con armadura", "Retrato de coronación de Catalina II", "Retrato de A.P. Struyskaya". , “Retrato del poeta V.I Maykov”, “Retrato de Surovtseva”, etc.
En la segunda mitad del siglo XVIII. comenzó a desarrollarse en la pintura rusa. género cotidiano. Sin embargo, la dirección de la Academia de las Artes y las capas privilegiadas de la sociedad consideraban la pintura de género como algo vil, indigno del pincel del artista. A pesar de esto, después de la guerra campesina bajo el liderazgo de E. Pugachev, tanto en literatura, teatro y música como en pintura de los años 1770-1780. El interés comenzó a aparecer en el campesinado, su forma de vida y su forma de vida. A menudo se trataba de imágenes sentimentales de pastores y pastoras idílicos, que no tenían nada en común con la vida campesina real. Sin embargo, hubo excepciones.
Uno de los primeros en la pintura rusa en desarrollar el tema campesino fue el siervo del príncipe G. A. Potemkin. Mijaíl Shibanov . Pintó los cuadros "Almuerzo campesino", "Celebración del acuerdo de boda", etc. En las pinturas de Shibanov no hay denuncia de la servidumbre, sin embargo, en estas pinturas no hay idealización de la vida campesina. El artista se distingue por su conocimiento y comprensión de la vida y el carácter del campesino ruso.
El tema campesino quedó reflejado en la obra del artista I. M. Tankov (1739 - 1799), autor del cuadro "Vacaciones en el pueblo" y de I. A. Ermenev (1746 - después de 1792), quien pintó las acuarelas "Almuerzo campesino", " Cantantes mendigos” y etc.). Por primera vez en la historia del arte ruso, el artista transmitió los aspectos sombríos de la vida de las personas, la miseria de la pobreza.
En la segunda mitad del siglo XVIII. Comienza el verdadero florecimiento de la escultura rusa. Se desarrolló lentamente, pero el pensamiento educativo ruso y el clasicismo ruso fueron los mayores incentivos para el desarrollo del arte de las grandes ideas cívicas y los problemas a gran escala, que determinaron el interés por la escultura durante este período. Shubin, Gordeev, Kozlovsky, Shchedrin, Prokofiev, Martos - Cada uno fue un individuo brillante por derecho propio y dejó su huella en el arte.. Pero todos estaban unidos por principios creativos comunes, que aprendieron del profesor Nicolas Gillet, que dirigió la clase de escultura en la Academia de 1758 a 1777, ideas generales de ciudadanía y patriotismo y los altos ideales de la antigüedad.
La búsqueda de lo bello en general no excluye la profundidad total de la comprensión del carácter humano, el deseo de transmitir su versatilidad. Este deseo es palpable en la escultura decorativa monumental y en la escultura de caballete de la segunda mitad del siglo, pero especialmente en el género del retrato.
Sus mayores logros están asociados principalmente con la creatividad. Fedot Ivánovich Shubin (1740-1805), compatriota de Lomonosov, que llegó a San Petersburgo ya como un artista que dominaba las complejidades del tallado en hueso. El primer trabajo de Shubin en su tierra natal es un busto de A.M. Golitsyn ya da testimonio de la plena madurez del maestro. Toda la versatilidad de las características del modelo se revela al examinarlo en su entorno, aunque sin duda hay un punto de vista principal para la escultura.
Shubin trabajó no solo como retratista, sino también como decorador. Realizó 58 retratos históricos ovalados en mármol para el Palacio Chesme (ubicado en la Cámara de la Armería), esculturas para el Palacio de Mármol y para Peterhof, una estatua de Catalina II, la legisladora (1789-1790). No hay duda de que Shubin es el fenómeno más importante de la cultura artística rusa del siglo XVIII. El escultor francés Etienne-Maurice Falconet trabajó en Rusia junto con maestros nacionales, quienes en el monumento a Pedro I en la Plaza del Senado de San Petersburgo expresaron su comprensión de la personalidad de Pedro y su papel histórico en el destino de Rusia.
Fyodor Fedorovich Shchedrin(1751-1825). Pasó por las mismas etapas de formación en la Academia y retiro en Italia y Francia que Shubin. "Marsias", interpretada por él en 1776, está llena de movimientos violentos y una actitud trágica. Como todos los escultores de la era del clasicismo, Shchedrin está fascinado por las imágenes antiguas (“Endimión durmiente”; “Venus”), que muestran una visión particularmente poética de su mundo.
En el marco de la celebración de su 35º aniversario, el Museo Panruso de Artes Decorativas, Aplicadas y Populares inaugura una exposición permanente actualizada “Arte decorativa y aplicada de Rusia en el siglo XVIII y el primer tercio del siglo XIX”.
"Pedro el Grande desafió a Rusia y ella le respondió con Pushkin": el eslogan de A. N. Herzen define con mayor precisión el significado y los límites de la época a la que está dedicada la exposición de estas salas. Los objetos aquí presentados son hitos vivos que marcaron la formación y el florecimiento de la cultura rusa en el seno de la tradición cultural europea de la Nueva Era. Captan los cambios en la forma de vida y las pautas artísticas, la transformación de lo antiguo y el surgimiento de nuevas formas temáticas, técnicas e incluso tipos de artes decorativas y aplicadas.
El diseño de la nueva exposición se basa en el principio de mostrar las piezas expuestas como objetos artísticos únicos, que se combinan en bloques temáticos, estilísticos y tipológicos. Esta solución permite evaluar el significado de cada objeto desde el punto de vista del tiempo, el estilo, el desarrollo de un tipo particular de arte decorativo y aplicado, y centra la atención en su valor artístico intrínseco.
El escenario de inspección se construye sobre la base de la solución espacial de la exposición, no sólo de manera significativa (en términos de tipología, tema, estilo y cronología), sino también visualmente, desde la época de Pedro el Grande hasta Biedermeier.
Terrina (sopera) con tapa 1795
Los temas centrales de la nueva exposición son: “La era del cambio: el cambio de siglo XVII al XVIII”, que incluye a los llamados “primitivos del siglo XVIII”, que tradujeron las realidades de los tiempos modernos en formas de arte tradicional; “Clásicos del siglo XVIII ruso”, que representan la era de Pedro a Pablo en grandes ejemplos del arte de la corte, así como “Imperio ruso” y “En las habitaciones”, que muestran dos facetas de la cultura rusa del primer tercio del siglo XIX. Siglo: el brillante estilo imperial y la formación de una cultura de la vida privada, correlacionada con el fenómeno del Biedermeier alemán. Al mismo tiempo, la exposición permite ver las obras en la fila habitual: por tipo de arte, destacando muebles, metal artístico, vidrio, porcelana, cerámica, arte tallado en piedra, hueso y cuentas.
Merecen especial atención objetos eclesiásticos únicos como la Cruz Relicario y Panagia, que datan del siglo XVII. Fueron hechos con una técnica que era costosa en ese momento: el esmalte de filigrana. Entre las primeras piezas expuestas se encuentran cofres con marcos de metal y adornos decorativos, tinteros y utensilios de latón de los Urales del siglo XVII y principios del XVIII. Un ejemplo sorprendente de vajilla metálica ceremonial representativa para poner la mesa son las tazas de latón de la planta Demidov en los Urales.
Luego se elaboraron artículos para servir mesa y bandejas utilizando diferentes técnicas. Por ejemplo, dos copas de vidrio azul oscuro con los monogramas “EML” y “WGS”, producidas por la Imperial Glass Factory, son un raro ejemplo de objetos pintados de finales del siglo XVIII y principios del XIX. Los monogramas latinos de las copas pertenecen al enviado sueco a Rusia en 1793, Werner Gottlob von Schwenir - "WGS" - y su madre Ebbe Maria Lagerbring - "EML". Las copas estuvieron guardadas durante más de dos siglos en el Castillo de Skarhult, Skåne (Suecia), siendo un tesoro familiar.
En la exposición se presentarán ejemplos únicos de muebles palaciegos rusos de los siglos XVIII y XIX, entre los que destacan las mesas de ajedrez y de cartas realizadas con la técnica de la marquetería. Entre las exhibiciones de muebles típicos de la primera mitad del siglo XIX, destacan dos armarios de rara calidad en estilo jacobeo. De la misma época también pertenecen dos sillas diseñadas por Osip Ivanovich Bove. También son de interés el reloj de sobremesa “Minin y Pozharsky” del bronceador parisino Pierre-Philippe Thomire y, que reproduce en formato interior, el famoso monumento a Iván Martos que se encuentra en la Plaza Roja.
Arriba I.O. Sillón Primer cuarto del siglo XIX.
Un lugar especial en la exposición lo ocupa el tapiz "El rescate de los pescadores", realizado en Flandes en un taller desconocido en la segunda mitad del siglo XVII y principios del XVIII. Ingresó al VMDPNI en 1999 con la colección del Museo de Arte Popular que lleva su nombre. S. T. Morozova. El tema del tapiz está tomado de la Biblia: en el centro de la composición se representa uno de los milagros: "Caminando sobre las aguas". El enrejado se restauró en varias etapas: parcialmente fue restaurado por especialistas del Museo de Arte Popular. S. T. Morozov, y ya en 2014, los restauradores especializados del Museo Panruso de Artes Decorativas, Aplicadas y Populares completaron una restauración completa. Así, el enrejado ha encontrado una nueva vida y se presentará por primera vez en la exposición.
Las secciones temáticas correspondientes presentan luminarias de vidrio y cristal, elementos interiores de porcelana y bronce de finales del siglo XVIII y XIX. Cada exposición es un ejemplo de referencia de un estilo particular, que captura el espíritu de su época y representa las posibilidades de la habilidad artística y técnica.
Esta solución espacial para la exposición permitirá al museo organizar excursiones y programas especiales de la forma más eficaz e interesante. Las exposiciones más interesantes y significativas se presentarán con anotaciones ampliadas, así como soporte con códigos QR, gracias a los cuales los visitantes podrán obtener información más detallada. La exposición está equipada con un moderno sistema de iluminación. Gracias a su alta interactividad, la nueva exposición promete ser más animada e interesante, además de promover el diálogo creativo con los visitantes, especialmente con los niños y jóvenes.
La historia de Rusia a finales del siglo XVII y primer cuarto del XVIII es inseparable del nombre de una de las figuras políticas más importantes de Rusia: Pedro I. En esta época, importantes innovaciones invadieron no solo el campo de la cultura y el arte, pero también la industria: metalurgia, construcción naval, etc. A principios del siglo XVIII aparecieron los primeros mecanismos y máquinas para procesar metales. Los mecánicos rusos Nartov, Surnin, Sobakin y otros han hecho mucho en este ámbito.
Al mismo tiempo, se sientan las bases del sistema estatal de educación general y especial. En 1725 se fundó la Academia de Ciencias y se abrió un departamento de oficios artísticos.
A.Nártov. Torno. La época de Pedro. Siglo XVIII
En el siglo XVIII se formaron nuevos principios de arquitectura y planificación urbana. Este período estuvo marcado por el fortalecimiento de los rasgos característicos del barroco de Europa occidental (Holanda, Inglaterra) en la formación de productos.
Como resultado de las iniciativas de Pedro I, los productos de las formas tradicionales rusas desaparecen rápidamente de la vida real y aristocrática del palacio, aunque permanecen en los hogares de las masas de la población rural y urbana, así como en el uso de la iglesia. Fue en el primer cuarto del siglo XVIII cuando surgió una diferencia significativa en el desarrollo estilístico, que durante mucho tiempo siguió siendo característica de la creatividad profesional y la artesanía artística popular. En este último se desarrollan directa y orgánicamente las tradiciones centenarias del arte aplicado ruso, ucraniano, estonio, etc.
Las normas de la vida noble requieren una demostración de riqueza, sofisticación y esplendor en la vida de una persona soberana. Las formas de vida antiguas, incluida la de Pedro el Grande (todavía estricta y profesional), finalmente fueron suplantadas a mediados del siglo XVIII. La posición dominante en el arte ruso la ocupa el llamado estilo rococó, que lógicamente completó las tendencias del barroco tardío. Los interiores ceremoniales de esta época, por ejemplo, algunas salas de los palacios Peterhof y Tsarskoye Selo, están decorados casi en su totalidad con elaboradas tallas.
Las características generales de la ornamentación rocaille (curvatura de líneas, disposición abundante y asimétrica de flores, hojas, conchas, ojos, etc., estilizadas o cercanas a la naturaleza, etc.) se reproducen íntegramente en la arquitectura y el mobiliario rusos de la época, cerámica, ropa, carruajes, armas ceremoniales, etc. d. Pero el desarrollo del arte aplicado ruso siguió un camino completamente independiente. A pesar de la incondicional similitud de las formas de nuestros propios productos con los de Europa occidental, no es difícil notar las diferencias entre ellos. Entonces, en comparación con los franceses, los muebles rusos tienen formas mucho más libres y tienen contornos y dibujos más suaves. Los maestros aún conservaban las habilidades del tallado popular, más grandes y más generalizadas que en Occidente. No menos característico es el carácter policromado de los productos rusos y la combinación de dorado y pintura, que rara vez se encuentra en Francia, pero que se acepta en todas partes de Rusia.
A partir de los años 60 del siglo XVIII se inició en la arquitectura rusa una transición al clasicismo con sus formas lacónicas y estrictas, dirigidas hacia la antigüedad y marcadas por una gran moderación y gracia. El mismo proceso ocurre en el arte aplicado.
En el diseño, equipamiento y decoración de las mansiones y palacios de la ciudad (arquitectos Kokorinov, Bazhenov, Quarenghi, Starov, etc.) aparece una clara simetría y claridad proporcional. Las paredes de las habitaciones (entre las ventanas o frente a ellas) se ocultan con espejos y paneles de damasco de seda, telas decorativas de algodón y trapos.
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Sofá - Estilo rococó. Rusia (fragmento). Mediados del siglo XVIII
Silla de estilo clásico. Rusia. Segunda mitad del siglo XVIII.
Los pisos son de madera de diversas especies, y en ocasiones cubiertos con lona o tela; los techos están pintados (por ejemplo, mediante la técnica de la grisalla, imitando el modelado en relieve). En lugar de parquet apilado se utilizan tablones de abeto “bajo cera”. Las paredes y los techos suelen estar cubiertos con tela o con papel tapiz. Si en las habitaciones principales se instalan chimeneas de mármol de impresionantes dimensiones, en las habitaciones íntimas se construyen estufas más tradicionales sobre mesas o patas revestidas con azulejos. La diferencia en las lámparas es igualmente notable: en los pasillos hay candelabros, candelabros y apliques costosos y hechos con joyas, en las cámaras hay candelabros y lámparas mucho más modestos. Hay aún más contraste en las formas de los muebles formales y domésticos. Todo esto habla no tanto del deseo de los propietarios de palacios y mansiones de ahorrar dinero, sino de su consideración del entorno en cuestión como un factor importante en una atmósfera psicológicamente adecuada.
La mayoría de los muebles y otros productos de finales del siglo XVIII y primera mitad del XIX no eran necesarios constantemente; si no era necesario, se retiraban o se trasladaban a partes del local que no se utilizaban de forma activa. Los muebles para sentarse deben estar cubiertos. En el mismo sentido, se han desarrollado mucho los muebles transformables con superficie de trabajo: mesas para té y naipes, una mesa de comedor plegable, una mesa para costura, un sistema de mesas de altura desigual que caben unas debajo de otras, etc. Todo esto ha aumentado significativamente la comodidad de la vida, la sutil diferenciación de su soporte funcional y la variedad de apariencia de los locales en diferentes situaciones cotidianas. Al mismo tiempo, se destacaron especialmente una serie de procesos cotidianos que tuvieron lugar fuera del edificio durante la estación cálida, en la terraza y en el parque. Como resultado, se generalizaron nuevos tipos de productos: muebles de jardín, toldos, lámparas de parque, etc. En el siglo XVIII, se organizaron talleres de siervos en fincas individuales, que producían lotes bastante grandes de muebles, porcelana, alfombras y otros productos.
A finales del siglo XVIII, en el equipamiento de los grandes palacios, se observó la separación del diseño propiamente dicho de los productos (muebles, lámparas, relojes, tapices y otros utensilios y mobiliario) como área especial de actividad creativa de su producción artesanal. ya estaba afectando notablemente. El papel de los diseñadores lo desempeñan principalmente arquitectos y artistas profesionales. En la producción de productos para el mercado masivo se utilizan máquinas y métodos mecánicos de procesamiento de materiales, lo que convierte al ingeniero en una figura destacada de la producción. Esto conduce a la distorsión y pérdida de las altas cualidades estéticas inherentes a los productos de consumo, a la separación de la industria del arte. Esta tendencia fue natural en las condiciones del desarrollo capitalista de la sociedad y una de las principales de todo el siglo XIX.
Durante el intenso desarrollo de las relaciones capitalistas en Rusia en el siglo XIX, la capacidad de producción industrial aumentó. A mediados del siglo XIX ya existía una necesidad urgente de personal artístico profesional de desarrolladores de productos y artesanos. Para su formación, se abrieron instituciones educativas especializadas en Moscú (el Conde Stroganov) y San Petersburgo (el Barón Stieglitz). Su mismo nombre, “escuelas de dibujo técnico”, habla del surgimiento de un nuevo tipo de artista. Desde 1860 se ha desarrollado una educación artesanal especial para maestros intérpretes. Se publican muchos libros sobre la tecnología de procesamiento de diversos materiales: madera, bronce, hierro, oro, etc. Se publican catálogos comerciales que reemplazan la revista Economic Store publicada anteriormente. Desde mediados del siglo XIX se han formado ciencias relacionadas con la higiene laboral y el uso de artículos del hogar. Sin embargo, a lo largo de todo el siglo XIX, todos los productos de las fábricas en masa permanecieron artísticamente completamente subordinados a la idea indivisiblemente dominante de la belleza como diseño decorativo y ornamental de los productos. La consecuencia de esto fue la introducción de elementos estilísticos del clasicismo en la forma de la mayoría de los productos: acabados de perfiles complejos, columnas estriadas, rosetones, guirnaldas, adornos basados en motivos antiguos, etc. En varios casos, estos elementos se introdujeron incluso en forma de equipos industriales: máquinas herramienta.
En el desarrollo estilístico de las artes aplicadas y los productos para el hogar en el siglo XIX, se distinguen cronológicamente tres períodos principales: la continuación de las tendencias del clasicismo en la línea del llamado estilo Imperio (el primer cuarto del siglo); clasicismo tardío (hacia 1830-1860) y eclecticismo (después de la década de 1860).
El primer cuarto del siglo XIX estuvo marcado por un aumento general del espíritu ideológico y del alcance constructivo en la arquitectura rusa, lo que provocó un importante resurgimiento de las artes aplicadas.
Sillón estilo imperio. Primer cuarto del siglo XIX.
La victoria en la guerra de 1812 acelera y completa en cierta medida el proceso de formación de la cultura nacional rusa, que adquiere importancia paneuropea. Las actividades de los arquitectos más famosos: Voronikhin, Quarenghi, Kazakov, estrechamente relacionadas con el clasicismo de la época anterior, ocurrieron solo en la primera década del siglo. Están siendo reemplazados por una galaxia de maestros tan maravillosos como Rossi, Stasov, Grigoriev, Bove, que aportaron nuevas ideas y un espíritu estilístico diferente al arte ruso.
La severidad y la monumentalidad son rasgos característicos de la arquitectura y las formas de diversos artículos del hogar en estilo Imperio. En este último, los motivos decorativos cambian notablemente, o mejor dicho, su tipología se expande mediante el uso de símbolos decorativos del Antiguo Egipto y Roma: grifos, esfinges, fasces, atributos militares ("trofeos"), coronas entrelazadas con una guirnalda, etc. con ejemplos del clasicismo temprano en general aumenta la cantidad de decoración, su “peso visual” en el diseño compositivo de los productos. La monumentalización, a veces como un engrosamiento de las formas, se produce debido a una mayor generalización y geometrización de los motivos ornamentales clásicos: ribetes, coronas, liras, armaduras, etc., que se alejan cada vez más de sus prototipos reales. La pintura de objetos (escenas, paisajes, ramos) desaparece casi por completo. El adorno tiende a ser irregular, contorneado y aplicativo. La mayoría de los productos, especialmente los muebles, se vuelven grandes, macizos, pero variados en configuración y silueta generales. La pesadez del estilo Imperio en los muebles casi desapareció ya en la década de 1830.
A partir de mediados del siglo XIX se iniciaron nuevas búsquedas en el campo de la arquitectura, la creatividad aplicada e industrial.
Nació un movimiento artístico paneuropeo, llamado “Biedermeier”, que lleva el nombre de la burguesía de uno de los personajes del escritor alemán L. Eichrodt (la obra se publicó en la década de 1870) con su ideal de comodidad e intimidad.
Hierro fabricado en fábrica. Rusia. Segunda mitad del siglo XI.
En la segunda mitad del siglo XIX, el trabajo manual fue desplazado aún más de la producción de productos domésticos utilitarios. A lo largo de los siglos, los métodos y técnicas de su solución artística, los principios de construcción de formas que se han desarrollado a lo largo de los siglos, entran en conflicto con las nuevas tendencias económicas en la producción en masa y la rentabilidad de producir cosas para el mercado. La respuesta a la situación cambiante es doble. Algunos maestros, la mayoría de ellos, hacen concesiones. Considerando inviolable la visión tradicional de todas las cosas cotidianas como objetos de arte decorativo y aplicado, comienzan a adaptar los motivos ornamentales del clasicismo a las capacidades de la máquina y las tecnologías en serie. Aparecen tipos “eficaces” de decoración y acabado de productos. Allá por la década de 1830 en Inglaterra, Henry Kuhl propuso un eslogan aparentemente reformista para decorar los productos de las fábricas con elementos “del mundo de las bellas artes”. Muchos industriales retoman voluntariamente el eslogan, tratando de aprovechar al máximo el apego de las masas de consumidores a las formas de mobiliario para el hogar decoradas externamente y enriquecidas ornamentalmente.
Otros teóricos y practicantes de las artes aplicadas (D. Ruskin, W. Morris), por el contrario, proponen organizar un boicot a la industria. Su credo es la pureza de las tradiciones de la artesanía medieval.
En los países de Europa occidental y Rusia, por primera vez, los artesanos y maestros, en cuyo trabajo aún se conservan profundas tradiciones populares, atrajeron la atención de teóricos y artistas profesionales. En Rusia, las ferias de Nizhny Novgorod de los años 1870-1890 demuestran la viabilidad de estas tradiciones en nuevas condiciones. Muchos artistas profesionales (V. Vasnetsov, M. Vrubel, E. Polenova, K. Korovin, N. Roerich y otros) recurren con entusiasmo a los orígenes populares del arte decorativo. En varias regiones y provincias de Rusia, en ciudades como Pskov, Voronezh, Tambov, Moscú, Kamenets-Podolsk, etc., están surgiendo empresas artesanales cuya base es el trabajo manual. Para el resurgimiento de la artesanía creativa y moribunda fueron especialmente importantes el trabajo de los talleres de Abramtsovo cerca de Moscú, de Talashkino cerca de Smolensk, de la empresa de P. Vaulin cerca de San Petersburgo y del artel cerámico Murava en Moscú.
Samovar. siglo XIX
Rusia. Segunda mitad
Bomba industrial. siglo XIX
Sin embargo, los productos de todos estos talleres constituían una parte tan insignificante del consumo total que no pudieron tener una influencia apreciable en la producción en masa, aunque demostraron la legitimidad de la existencia, junto con la producción mecánica en masa, de objetos de arte decorativo que conservan tradiciones populares. Esto se vio confirmado más tarde por la invasión de la tecnología mecánica en áreas de las artes decorativas y aplicadas como la joyería, el tejido de alfombras y la sastrería, lo que provocó una fuerte caída en su calidad artística.
En la forma de la mayor parte de los productos manufacturados en la segunda mitad del siglo XIX, todavía no se ha desarrollado prácticamente nada nuevo. Sin embargo, la novedad de la situación general ya en este momento contribuye a la formación de requisitos previos internos para las búsquedas innovadoras: la conciencia de las búsquedas estilísticas como una necesidad creativa importante, como una manifestación de la individualidad artística del maestro. Si hasta ahora las tendencias estilísticas (gótico, renacentista, barroco, clasicismo, etc.) nacieron y se difundieron, por regla general, como resultado de tendencias generales, casi "globales", cristalizadas espontáneamente en el desarrollo estético del mundo, entonces a partir de A mediados del siglo XIX, la originalidad estilística se consideraba un logro creativo directo de un artista o arquitecto individual. En este sentido, se intensifica considerablemente el interés por el patrimonio del arte de todos los tiempos y pueblos. Este rico patrimonio se convierte en fuente de imitaciones, préstamos directos o está sujeto a extraños procesos creativos.
Mesa de estilo Art Nouveau con silla. Finales del siglo XIX
Como resultado, la mayor parte de los productos presenta una imagen inusualmente abigarrada, en la que parpadean reminiscencias obvias o sutiles de la antigüedad, la época románica, el Renacimiento gótico, italiano o francés, el arte de Bizancio y la antigua Rusia, el Barroco, etc. a menudo se mezclan eclécticamente en el diseño de un producto, interior o edificio. Por eso, este período de la historia de la arquitectura y las artes aplicadas se denominó ecléctico. Todavía están empezando a introducirse en la vida cotidiana de la gente productos (lámparas, cubos de metal, bebederos, platos, taburetes, etc.) que son relativamente baratos, pero fabricados sin ningún propósito artístico, a menudo en formas feas y de mala calidad.
La búsqueda de un nuevo estilo se lleva a cabo teniendo en cuenta la necesidad real en las condiciones de producción mecánica, de un enfoque fundamentalmente nuevo en la configuración de los productos, por un lado, y la preservación de las tradiciones decorativas del pasado, por el otro. otro. La burguesía, que a finales del siglo XIX había ocupado una posición fuerte en la economía rusa, luchó por su propia ideología artística en la arquitectura y el diseño: el culto a lo racional, la relativa libertad de los arcaísmos de la cultura noble, fomentando en el arte. todo lo que pudiera competir con los estilos del pasado. Así apareció el estilo Art Nouveau a finales del siglo XIX: “arte nuevo” en Bélgica, Gran Bretaña y Estados Unidos, “Jugendstil” en Alemania, “estilo Secesión” en Austria, “estilo libre” en Italia. Su nombre - "moderno" (del francés moderne) significa "nuevo, moderno" - del lat. modo - "justo ahora, recientemente". En su forma pura, desapareciendo y mezclándose con otros movimientos estilísticos, duró relativamente poco, aproximadamente hasta 1920, es decir, entre 20 y 25 años, como casi todos los movimientos estilísticos de los siglos XVII y XX.
El Art Nouveau es diverso en diferentes países y en el trabajo de maestros individuales, lo que complica la comprensión de los problemas que resolvieron. Sin embargo, se caracterizó por la erradicación casi completa de todos los motivos y técnicas decorativas y ornamentales utilizadas anteriormente y su renovación radical. Las tradicionales cornisas, rosetones, capiteles, flautas, cinturones de “ondas onduladas”, etc., son reemplazados por estilizadas plantas locales (lirios, lirios, claveles, etc.), cabezas femeninas con cabello largo y rizado, etc. A menudo no hay decoración alguna. , y el efecto artístico se logra debido a la expresividad de la silueta, divisiones de forma, líneas, generalmente finamente dibujadas, como si fluyeran libremente, palpitaran. En las formas de los productos Art Nouveau casi siempre se puede sentir alguna voluntad caprichosa del artista, la tensión de una cuerda tensa y proporciones exageradas. En manifestaciones extremas, todo esto se agrava marcadamente y se eleva a la categoría de principio. A veces hay un desprecio por la lógica constructiva de la forma, un casi falso entusiasmo por el lado espectacular de la tarea, especialmente en el diseño de interiores, que a menudo están espectacularmente teatralizados.
A pesar de todas las debilidades (pretenciosidad, a veces volumen de las formas), surgió un nuevo enfoque para resolver el edificio, el interior y el mobiliario con la lógica de una solución funcional, constructiva y tecnológica.
Candelabro de estilo Art Nouveau. Principios del siglo XX
Conjunto de platos. Finales del siglo XIX
Tocador de la época Art Nouveau. Principios del siglo XX
El Art Nouveau, en la gran mayoría de sus ejemplos, no abandonó la decoración de productos, sino que solo reemplazó antiguos motivos y técnicas decorativas por otros nuevos. Ya a principios del siglo XX, en el momento de los triunfos del nuevo estilo, la moda de los viejos estilos volvió nuevamente, tímidamente al principio, luego ampliamente, lo que tenía una conocida conexión con el inicio de los preparativos para la celebración. del centenario de la Guerra Patria de 1812. La exposición “Arte Moderno”, organizada en San Petersburgo en 1903, mostró claramente el nacimiento de la “modernidad clasicista”.
Los resultados de la modernidad son complejos. Se trata de la purificación del arte aplicado del eclecticismo, del “antimaquinismo” de los defensores de la artesanía y de los intentos fallidos de restaurar los estilos del pasado. Estos son los primeros síntomas de que la arquitectura y las artes aplicadas entran en el camino del funcionalismo y el constructivismo, el camino del diseño moderno. Al mismo tiempo, el Art Nouveau, que pronto reveló una tendencia a nacionalizar el estilo, provocó una nueva ola de búsquedas puramente decorativas. Muchos pintores recurren a las artes aplicadas y al diseño de interiores (S. Malyutin, V. Vasnetsov, A. Benois, S. Golovin, etc.), gravitando hacia el colorido de los cuentos de hadas rusos, "pan de jengibre", etc. proceso histórico posterior , soluciones a problemas urgentes de la producción industrial en masa, tales experimentos no pudieron tener un significado ideológico y artístico serio, aunque impulsaron el desarrollo de otra rama del arte aplicado: la artesanía artística y especialmente el arte teatral y decorativo.
La modernidad, por así decirlo, despejó y preparó el camino para el establecimiento de nuevos principios estéticos y creativos en el arte de crear cosas cotidianas y aceleró el surgimiento de una nueva profesión artística: el diseño artístico.
La formación del funcionalismo y el constructivismo en direcciones especiales en la arquitectura y el diseño artístico de los países occidentales se produjo a finales de la década de 1910 en relación con la estabilización de la vida y el éxito económico después de la Primera Guerra Mundial. Pero los fundamentos fundamentales de la nueva arquitectura moderna quedaron determinados en el período anterior a la guerra en el trabajo de arquitectos como T. Garnier y O. Perret (Francia), H. Berlaga (Holanda), A. Loos (Austria), P. Behrens (Alemania), F. Wright (Estados Unidos), I. Shekhtel, I. Rerberg (Rusia), etc. Cada uno de ellos superó la influencia de la modernidad y luchó a su manera.
En 1918, se formaron departamentos especiales de arquitectura e industria artística dependientes del Departamento de Bellas Artes del Comisariado del Pueblo para la Educación. Se presta mucha atención a la cuestión de la formación de especialistas. En 1920, V.I. Lenin firmó un decreto sobre la creación de los Talleres Técnicos y Artísticos del Estado Superior (VKHUTEMAS). Los graduados crearon nuevas muestras de telas, muebles, vajillas, etc.
La formación en talleres (que en 1927 se transformó en el Instituto Técnico y de Arte de toda la Unión VKHUTEIN) se llevó a cabo en las facultades: arquitectura, cerámica, textiles, etc. En la facultad de procesamiento de madera y metales bajo la dirección de A. Rodchenko, D. . Lisitsky, V. Tatlin y otros maestros buscaron nuevas formas y diseños para diversos objetos. Todas las actividades de VKHUTEMAS tenían como objetivo desarrollar en los estudiantes las habilidades de un enfoque integrado para diseñar el entorno temático de la vida cotidiana y la producción.
En la década de 1920 surgió un movimiento de “arte industrial”, que desarrolló los principios del funcionalismo y el constructivismo, que buscaba establecer en la mente de los artistas el ideal estético de la producción material organizada racionalmente. Cualquier forma de arte anterior fue declarada "produccionista" burguesa e inaceptable para el proletariado. De ahí su rechazo no sólo de las bellas artes "prácticamente inútiles", sino también de toda creatividad puramente decorativa, por ejemplo la joyería. En los años 20, las condiciones técnicas y económicas en nuestro país aún no estaban maduras para la implementación de sus ideas.
VKHUTEMAS y los “trabajadores de producción” de los años 1920 estaban estrechamente relacionados ideológica y estéticamente con la Bauhaus y en varios momentos importantes representaron con ella esencialmente un movimiento único en el diseño artístico de esa época. En el marco de este nuevo movimiento, se formó la estética del diseño moderno, superando las contradicciones en el arte aplicado del período anterior. La actividad artística práctica de los fundadores del diseño fue también el desarrollo de un arsenal de medios artísticos y expresivos del arte de crear cosas. En sus obras (muebles, lámparas, vajilla, tejidos, etc.) se prestó la mayor atención a propiedades de los materiales y la forma como la textura, el color, la expresividad plástica, la estructura rítmica, la silueta, etc., que adquirieron una importancia decisiva en la productos de composición, sin entrar en conflicto con las exigencias de lógica constructiva y fabricabilidad de la forma. Otra dirección que se desarrolló con éxito en nuestro país en los años 20 fue el diseño de ingeniería. En 1925, en Moscú, según el diseño del destacado ingeniero V. Shukhov, se erigió la famosa torre de radio, cuya silueta calada se convirtió durante mucho tiempo en un símbolo de la radio soviética. Un año antes, J. Gakkel creó, basándose en los últimos avances tecnológicos, la primera locomotora diésel soviética, cuya forma aún hoy parece bastante moderna. En la década de 1920, se comprendió la necesidad de realizar investigaciones científicas sobre los patrones de actividad humana en un entorno creado artificialmente. Se está organizando el Instituto Central del Trabajo, dentro de sus muros se realizan investigaciones sobre cuestiones de organización científica del trabajo y cultura productiva. La atención de científicos y diseñadores se centra en cuestiones de biomecánica, organoléptica, etc. Entre los trabajos destacados de aquellos años se encuentra el diseño del puesto de trabajo de un conductor de tranvía (N. Bernstein).
Ya. Locomotora. Principios de la década de 1930
Exposición actualizada
“Arte decorativo y aplicado de Rusia en los siglos XVIII y primer tercio del XIX”
En el marco de la celebración de su 35º aniversario, el Museo Panruso de Artes Decorativas, Aplicadas y Populares inauguró una exposición permanente actualizada “Arte decorativa y aplicada de Rusia en el siglo XVIII y el primer tercio del siglo XIX”.
"Pedro el Grande desafió a Rusia y ella le respondió con Pushkin", es el eslogan de A.N. Herzen define con mayor precisión el significado y los límites de la época a la que está dedicada la exposición de estas salas. Los objetos aquí presentados son hitos vivos que marcaron la formación y el florecimiento de la cultura rusa en el seno de la tradición cultural europea de la Nueva Era. Captan los cambios en la forma de vida y las pautas artísticas, la transformación de lo antiguo y el surgimiento de nuevas formas temáticas, técnicas e incluso tipos de artes decorativas y aplicadas.
El diseño de la nueva exposición se basa en el principio de mostrar las piezas expuestas como objetos artísticos únicos, que se combinan en bloques temáticos, estilísticos y tipológicos. Esta solución permite evaluar el significado de cada objeto desde el punto de vista del tiempo, el estilo, el desarrollo de un tipo particular de arte decorativo y aplicado, y centra la atención en su valor artístico intrínseco.
El escenario de inspección se construye sobre la base de la solución espacial de la exposición, no sólo de manera significativa (en términos de tipología, tema, estilo y cronología), sino también visualmente, desde la época de Pedro el Grande hasta Biedermeier.
Los temas centrales de la nueva exposición son: “La era del cambio: el cambio de siglo XVII-XVIII”, que incluye a los llamados “primitivos del siglo XVIII”, que tradujeron las realidades de los tiempos modernos en formas de arte tradicional; "Clásicos del siglo XVIII ruso", que representan la era de Pedro a Pablo en grandes ejemplos del arte de la corte, así como "Imperio ruso" y "En las habitaciones", que muestran dos facetas de la cultura rusa del primer tercio del siglo XIX. Siglo: el brillante estilo imperial y la formación de una cultura de la vida privada, correlacionada con el fenómeno del Biedermeier alemán. Al mismo tiempo, la exposición permite ver las obras en la fila habitual: por tipo de arte, destacando muebles, metal artístico, vidrio, porcelana, cerámica, arte tallado en piedra, hueso y cuentas.
Merecen especial atención objetos eclesiásticos únicos como la Cruz Relicario y Panagia, que datan del siglo XVII. Fueron hechos utilizando una técnica que era costosa en ese momento: el esmalte de filigrana. Entre las primeras exhibiciones se encuentran cofres con marcos de metal y adornos decorativos, tinteros y utensilios de latón de los Urales del siglo XVII y principios del XVIII. Un ejemplo sorprendente de vajilla metálica ceremonial representativa para poner la mesa son las tazas de latón de la planta Demidov en los Urales.
Luego se elaboraron artículos para servir mesa y bandejas utilizando diferentes técnicas. Por ejemplo, dos copas de vidrio de color azul oscuro con los monogramas “EML” y “WGS”, producidas por la Imperial Glass Factory, son un raro ejemplo de productos pintados de finales del siglo XVIII y principios del XIX. Los monogramas latinos de las copas pertenecen al enviado sueco a Rusia en 1793, Werner Gottlob von Schwenir - "WGS" - y su madre Ebbe Maria Lagerbring - "EML". Las copas estuvieron guardadas durante más de dos siglos en el Castillo de Skarhult, Skåne (Suecia), siendo un tesoro familiar.
En la exposición se pueden ver ejemplos únicos de muebles palaciegos rusos de los siglos XVIII y XIX, entre los que destacan las mesas de ajedrez y naipes realizadas con la técnica de la marquetería. Entre las exhibiciones de muebles típicos de la primera mitad del siglo XIX, destacan dos armarios de rara calidad en estilo jacobeo. De la misma época también pertenecen dos sillas diseñadas por Osip Ivanovich Bove. También son de interés el reloj de sobremesa “Minin y Pozharsky” del bronceador parisino Pierre-Philippe Thomire y, que reproduce en formato interior, el famoso monumento a Iván Martos que se encuentra en la Plaza Roja.
Un lugar especial en la exposición lo ocupa el tapiz "El rescate de los pescadores", realizado en Flandes en un taller desconocido en la segunda mitad del siglo XVII y principios del XVIII. Ingresó al VMDPNI en 1999 con la colección del Museo de Arte Popular que lleva su nombre. CALLE. Morózova. El tema del tapiz está tomado de la Biblia: en el centro de la composición se representa uno de los milagros: "Caminando sobre las aguas". El enrejado se restauró en varias etapas: parcialmente fue restaurado por especialistas del Museo de Arte Popular. CALLE. Morozov, y ya en 2014, los restauradores especializados del Museo Panruso de Artes Decorativas, Aplicadas y Populares completaron una restauración completa. Así, el enrejado ha encontrado una nueva vida y se presentará por primera vez en la exposición.
Las secciones temáticas correspondientes presentan luminarias de vidrio y cristal, elementos interiores de porcelana y bronce de finales del siglo XVIII y XIX. Cada exposición es un ejemplo de referencia de un estilo particular, que captura el espíritu de su época y representa las posibilidades de la habilidad artística y técnica.
Esta solución espacial para la exposición permite al museo organizar excursiones y programas especiales de la forma más eficaz e interesante. Las exposiciones más interesantes y significativas se presentarán con anotaciones ampliadas, así como soporte con códigos QR, gracias a los cuales los visitantes podrán obtener información más detallada. La exposición está equipada con un moderno sistema de iluminación. Gracias a su alta interactividad, la nueva exposición promete ser más animada e interesante, además de promover el diálogo creativo con los visitantes, especialmente con los niños y jóvenes.
