Camille Corot es un artista francés cuyos bocetos se valoran casi a la par que las pinturas terminadas. Como muchos otros pintores del siglo XIX, se sentía atraído por los paisajes. En la obra del maestro, este género está representado por lienzos tanto históricos como más líricos, inspirados y alejados de la realidad. El enfoque de Corot hacia la creatividad es repensar las gradaciones de color y prestar mucha atención a la imagen del claroscuro.
Camille Corot tuvo varios profesores: visitó los talleres de Michallon y Bertin. Se cree que su desarrollo como artista estuvo influenciado por Guardi, Lorrain y Canaletto. Pero los viajes del pintor a Italia, Bélgica, Países Bajos, Suiza, Borgoña y otros lugares aparentemente jugaron un papel mucho más importante. Koro no es colorista. Pero cada una de sus obras es rica en una asombrosa gama de valores: matices de tono. El artista encontró decenas de opciones para colores perla, plata y nácar.
Corot no destacó un estado específico de la naturaleza y recurrió a sus diversas manifestaciones: en su obra, el viento, la lluvia, las nubes y los rayos del sol tienen un estado de ánimo especial. El romanticismo en sus lienzos se hizo eco del realismo, que inspiró a los futuros impresionistas. Así, el célebre impresionista hablaba con admiración de sus obras. Pero las obras del propio Corot no pertenecen a este movimiento: la naturaleza en ellas no grita, no se alborota con los colores y no busca conquistar al espectador con fugaces estallidos de emociones, vívidas impresiones y puntos de luz. Está más tranquila, pero viva, y aparece ante el espectador en un estado que dura un determinado período de tiempo.
Camille Corot atesoraba sus recuerdos. Si una vez vio algo hermoso y lo sintió plenamente, entonces estas emociones no se perdieron en el tiempo, sino que se conservaron hasta un momento especial. Cuando llegó, el artista transfirió los sentimientos experimentados al lienzo, infundió y vertió, como manzanas maduras en una rama.
Una de sus obras famosas es “Memoria de Mortefontaine” (1864). Cautiva al espectador, arrastrándolo a un episodio ligero y sereno de la vida de Corot. Los colores del lienzo no solo transmiten el juego de la luz del sol, sino que también capturan la risa de los niños, el tranquilo y alegre chapoteo del agua cerca de la orilla, el susurro de las hojas arrastrado por la brisa.
Entre las pinturas míticas de Corot, cabe destacar la obra "Orfeo guiando a Eurídice desde el reino de los muertos".
Cada árbol, cada resplandor de luz sobre el lienzo respira sinceridad. Parece como si el propio Corot experimentara las emociones de sus personajes. Los tonos verdes añaden vida a la imagen, son misteriosos y cautivadores. Pero también hay tensión, porque la escena captada es el momento en el que se decidió el destino de dos amantes.
Jean Baptiste Camille Corot - famoso artista francés. Conocido como un gran paisajista de la época romántica. Prestó especial atención al valor. Valeur son tonos de color que se logran mediante una determinada técnica y crean el efecto de profundidad y carácter del ambiente luminoso y aireado. Una técnica especial para pintar paisajes, en la que se pone mayor énfasis en los tonos sutiles de la atmósfera y el aire, tuvo una gran influencia en los impresionistas.
Nacido el 17 de julio de 1796 en París. Se sabe que recibió sus primeras lecciones de pintura del artista Michalon y Bertin. Los investigadores del arte de Corot señalan que Jean Baptiste prestó especial atención a la pintura de artistas como Canaletto, Guardi y Lorrain; algunas características de su pintura se notan en la pintura de Camille Corot. Sin embargo, el arte de este artista francés es original y único a su manera. Tenía su propio estilo, que lo hizo verdaderamente famoso durante muchos siglos. Muchas de las pinturas de Corot, tanto paisajes como retratos, transmiten un ambiente otoñal con matices de tristeza y silencio y paz filosóficos.
El paisajista Jean Baptiste Camille Corot viajó a menudo por todo el mundo, donde se inspiró y encontró hermosas vistas para sus obras. Visitó muy a menudo Italia y Suiza, viajó mucho por Francia y también viajó a países como Bélgica, Inglaterra y los Países Bajos. La mayoría de las pinturas de Corot son paisajes. Además de los paisajes, también se hizo famoso por sus retratos. Los retratos más famosos de este autor son "Mujer con falda rosa", "Lectura interrumpida", "Gitana con mandolina", "Dama de azul" y otros.
Durante su vida, Jean Baptiste Camille Corot pintó más de 3.000 cuadros y varias decenas de grabados. El gran artista murió el 22 de febrero de 1875 en Francia. Actualmente, sus obras se conservan en museos tan importantes como: el Louvre de París, el Instituto de Arte de Chicago, el Museo de Arte de Sao Paulo, el Museo de Arte de St. Louis, el Museo de Bellas Artes de Boston, el Museo Metropolitano. de Arte, la Galería Nacional de Arte de Washington, Museo Pushkin im. A. Pushkin en Moscú, etc.
¿Quieres conseguir un trabajo en tu especialidad? En el sitio web de la escuela de inglés New Way puedes familiarizarte con
Nacido en París el 17 de julio de 1796, Corot era hijo de un comerciante de ropa muy rico. Tras estudiar en el Colegio de Rouen, a la edad de 26 años, obtuvo libertad económica para dedicarse a la pintura.
Primero estudió con el paisajista Achille Etna Mihallon y, tras su muerte, con Jean-Victor Bertin (1767-1842), ambos alumnos de Pierre-Henri de Valenciennes. De 1825 a 1828, Korot realizó un viaje a Italia, que se considera muy significativo para su formación como paisajista. Camille vivió en Roma y Campania antes de ir a Nápoles. En 1827 envió sus primeros cuadros al Salón de París: "Vista de Narni" (ahora en Ottawa, en la Galería Nacional de Canadá) y "Campaña romana" (ahora en Zurich, Museo Kunsthaus).
Posteriormente, Corot regresó a Italia en 1834 y 1843. También viajó mucho por Francia, visitando Normandía, Provenza y la región de Morvan en Borgoña, a la que regresó más tarde. En 1854 viajó por Holanda y Bélgica, visitó regularmente Suiza y en 1862 vivió algún tiempo en Londres.
Durante estos viajes, Corot trabajó mucho al aire libre y llenó numerosos cuadernos con bocetos y dibujos. Sus primeros bocetos, por ejemplo, escritos en Italia, eran muy expresivos y frescos, llenos de colores vivos en sus pinceladas. Durante los meses de invierno trabajó en el estudio en ambiciosos paisajes mitológicos y religiosos destinados al salón. Agar en el desierto (ahora en Nueva York, en el Museo Metropolitano de Arte), expuesta en el salón de 1835, es característica de su estilo temprano y, al igual que sus estudios al aire libre, tiene las formas y colores claros de la pintura académica.
Su reputación se desarrolló en la década de 1850, cuando su estilo se volvió más suave y sus colores más apagados. En sus últimos paisajes de estudio, que a menudo estaban poblados por bañistas, bacantes y figuras alegóricas, utilizó una pequeña gama de colores, a menudo usando grises suaves y verdes azulados con toques ocasionales de color para resaltar la ropa de las figuras.
Se suprimieron los detalles topográficos en favor del estado de ánimo y la atmósfera, sobre todo en sus "souvenirs", que se basaban en recuerdos de paisajes reales. Eran populares y Corot favorecía a los artistas jóvenes que copiaban sus pinturas, ya sea usándolas como material didáctico o como copias de pinturas para vender. Esto dio lugar posteriormente a numerosas falsificaciones e imitaciones, así como a dificultades de atribución.
En la Exposición Universal de 1855, Corot expuso seis pinturas y ganó una medalla de oro. Su influencia en la pintura de paisajes del siglo XIX, incluidos los impresionistas, fue significativa. Sus numerosos seguidores quedaron especialmente influenciados por su técnica de representar la luz en el paisaje. Sin embargo, durante mucho tiempo, especialmente entre los coleccionistas, la popularidad de sus obras posteriores eclipsó a las anteriores.
Jean Baptiste Camille Corot (1796-1875) - Artista francés, colorista muy sutil. Sus pinturas románticas utilizan matices de tono dentro de un mismo color. Esto le permitió lograr sutiles transiciones de color, mostrando la riqueza del color.
"Retrato de una mujer con una perla" (1868-1870), Louvre
Se trata de una obra de cámara para la que Camille Corot tomó como modelo el “Retrato de la Mona Lisa” y las obras de Jan Vermeer. Su modelo Bertha Goldschmidt lleva una de las prendas que Corot trajo de sus viajes. No atrae ni el brillo de los colores ni el lujo de la ropa misma. Nada distrae la vista de su rostro. De esta forma, el artista intenta establecer contacto con el espectador. El velo más claro cubre la frente de una joven que mira seriamente desde el retrato. Sus hermosos labios ni siquiera sonríen, tan inmersa está en la contemplación de quien se detiene frente al cuadro. Este es el truco de Leonardo. Pero el gran italiano calculó su "Mona Lisa" según todas las leyes de las matemáticas.
Camille Corot no logró, o quizás no lo intentó, repetir círculos varias veces, como en el retrato de Leonardo. Aquí sólo hay dos círculos: la cabeza de una mujer joven y sus manos juntas. En conjunto, esto marca un cierto ritmo. Al igual que Leonardo, la modelo tiene un peinado sencillo: el cabello le cae suelto sobre los hombros, de ahí el velo y la ausencia casi total de joyas. No hay paisaje. La joven aparece como un rayo de luz sobre un fondo indefinido y brumoso, sobre el cual (volviendo a la obra de Leonardo) las sombras se espesan en la parte inferior del cuadro. El propio traje y la gama de colores nos remiten a Rafael, y las perlas utilizadas nos recuerdan a Vermeer. Y, sin embargo, el retrato es poético, aunque no independiente.
"Recuerdos de Mortfontaine"
Esta es una obra maestra que Camille Corot pintó al óleo sobre lienzo en 1864. Una joven con niños disfruta de la tranquilidad del lago. Esta es la obra más poética de un maestro experimentado. Su imagen lleva la huella de un mundo idealizado y al mismo tiempo no se aleja de la realidad. Las inclinaciones realistas del joven Corot se combinaron con elementos románticos y construyeron un puente entre el realismo y el movimiento impresionista en desarrollo. Lo que atrae a la gente en este paisaje con un lago no son los detalles, sino el juego de luces y una paleta apagada, mucho menos brillante que la de los impresionistas. Los detalles borrosos y borrosos recuerdan a fotografías antiguas que el artista coleccionó.
Mortfontaine es un pequeño pueblo del departamento de Oise, en el norte de Francia. Anteriormente, en los años 50, Camille Corot visitó estos lugares para estudiar los reflejos de la luz en el agua. Y en “Memorias” no reproduce detalladamente el paisaje, sino que recuerda esa atmósfera llena de poesía y serenidad, generalizando sus impresiones. Como dijo el propio artista, “La belleza en el arte está bañada por la verdad que recibo de la naturaleza. Siempre me esfuerzo por representar un lugar determinado sin perder la frescura original del sentimiento que se apoderó de mí”. El aura de calma, la atmósfera nebulosa que impregna todo el lienzo sugiere que es temprano en la mañana. La tonalidad verdosa-marrón del paisaje complementa los colores del cielo y el agua, dándole al paisaje un cierto misterio y un silencio especial en el que se escucha cada crujido y que se puede escuchar con fascinación. A la izquierda, una niña con dos hijos, cuyas figuras destacan especialmente sobre el fondo de un árbol seco, del que casi no quedan ramas vivas. En este punto de la imagen se utilizó la técnica característica de Corot: apareció un punto brillante.
"Puente de Monte" (1868-1870)
Jean Baptiste Camille Corot viaja a sus lugares natales y traslada muchos de ellos al lienzo. Durante su vida, el artista escribió unas tres mil obras.
"Puente de Monte" es uno de sus paisajes más famosos. Para pintar este paisaje, Corot se detuvo en una isla desde la que se veían claramente las estrictas líneas geométricas del puente, que contrastaban con los troncos torcidos de los árboles del primer plano.
"Retrato de una dama vestida de azul" (1874)
Esta última obra de Corot se exhibe en el Louvre. Sobre el lienzo, de pie, de espaldas y medio vuelta hacia el espectador, en postura relajada hay una modelo con los brazos desnudos.
Como un jacinto azul, destaca sobre el fondo amarillento. Nada distrae de ella la atención del espectador. Degas valoraba más los retratos de Corot que los paisajes. Van Gogh, Cézanne, Gauguin y más tarde Picasso también fueron influenciados por sus retratos.
Jean Baptiste Camille Corot: obras
Este artista apareció en un momento en el que el academicismo clásico ya estaba desapareciendo y aún no se había formado una nueva dirección en el arte. Por tanto, sus obras aparecen en la historia de la pintura, lo que en ningún caso desmerece la obra de este pintor. Él mismo está buscando nuevos caminos. Esto es especialmente notable porque trabaja principalmente al aire libre y construye una combinación de colores dentro del mismo color, lo cual era evidente en las reproducciones presentadas anteriormente. Sus sutiles medios tonos (valores) conectan todo el espacio circundante. Sobre ellos se construye la unidad del mundo y del hombre. Las descripciones de las pinturas de Camille Corot se encuentran en la prueba del artículo.
Se exponen las obras de Jean Baptiste Camille Corot. Su obra combina rasgos clásicos, románticos y realistas.
Murió en 1875 y vivió una vida larga y fructífera. Corot estaba familiarizado con los barbizonianos, pero no compartía sus puntos de vista. En muchos sentidos, Camille Corot anticipó el impresionismo, sin dejar de ser una artista clásica. Y aunque los propios impresionistas llamaron a Corot su precursor y maestro, él mismo no entendió ni aceptó su pintura.
La obra de Corot se produjo en una época en la que los barbizonianos ya empezaban a gustar al público. A menudo sucede que al principio la gente no acepta cosas nuevas. Luego, al cabo de un tiempo, aparece algo más y lo que no te gustaba hace unos años ya te parece atractivo, porque ha aparecido una tendencia aún más nueva y fea, como suele decirse de algo inusual. Cuando aparecieron los impresionistas, cuya “creatividad” no encajaba en ninguna puerta, se acostumbraron a los Barbizon y empezaron a gustarles.
Camille Corot. “Retrato de Mariette Gambe (Los sueños de Mariette)”
En nuestra exposición hay un retrato de la hermana del artista Camille Corot, pintado por él. Esta pintura se llama "Retrato de Mariette Gambe (Los sueños de Mariette)", la obra se parece poco a un retrato, es más una pintura de género, una imagen no de la niña misma, sino de su ensoñación y reflexión.
Camille Corot. “Mañana en Venecia”
Corot recibió una educación artística absolutamente tradicional y se graduó en la Academia con una medalla de oro. Y como incentivo, lo envían a Italia durante tres años para mejorar a costa del público. De allí trajo un pequeño cuadro, “Mañana en Venecia”.
Después de estos tres años, de regreso a su tierra natal, Corot se propone explorar a pie toda Francia y descubrir la naturaleza temblorosa de su naturaleza natal. Y de cada caminata traía nuevos cuadros. una de sus obras“Un carro de heno (un carro que cruza un vado cerca de un árbol grande)”.
Camille Corot. Paisajes
Jugando con luces y sombras, Corot pinta un cierto estado de transición de la naturaleza. Es obvio que llovió hace poco o que todavía está lloviendo. El carro cruza un gran charco. Estaba lloviendo, pero ya había pasado. Detrás del árbol, el sol ya ilumina el césped y atraviesa las nubes.
El estado transitorio de la naturaleza se muestra con gran habilidad.
Cualquier paisaje de Camille Corot es un paisaje de humor. Transmite inquietud, movilidad y vibración no sólo a través de estructuras compositivas, sino también a través de la impresionante pintura de Valerie.
Cualquier cuadro de Corot confirma que no fue el colorista más destacado. Creía que el color en la pintura no es lo más importante. Primero debes dibujar todo y luego mostrar todos los objetos en movimiento. El movimiento del maestro se manifiesta al nivel del movimiento de las hojas, del viento, del susurro de la hierba. Y este movimiento lo dio no sólo con un golpe vibrante. Corot NO explicó los detalles como Guerin.
Corot argumentó que cada color tiene al menos 20 gradaciones. Pero la tarea del artista no es sólo reconocer estos detalles, sino también aplicarlos para que todos los tonos, desde el más oscuro al más claro, no se repitan más de una vez en la imagen.
Corot juega con cualquier cuadro de tal manera que descompone el color en todos los tonos y coloca cada uno de ellos en el cuadro. Primero descompone, por ejemplo, el color verde. Luego hace lo mismo con el gris. Y luego toma un color contrastante y lo aplica en puntos en la imagen para realzar aún más esta inquietud. A este color lo llamó salsa o condimento.
Camille Corot. "Racha"
Por ejemplo, la “salsa” de Corot en el cuadro “Gust of Wind” es el color de un pañuelo de mujer, que juega con los reflejos en el cielo. La combinación de colores de la imagen es casi monocromática y esta bufanda es la única mancha amarillenta.
El DIBUJO siempre se nota en las obras de Corot. Preste atención a su estilo de escritura llamado "esponjoso". Las figuras del cuadro son necesarias para crear profundidad, la tercera dimensión. Lo importante es que Corot consigue por primera vez transmitir a través de la pintura cierta “emoción de la atmósfera”. En este lienzo se puede sentir físicamente el viento, el movimiento de la atmósfera y cómo la campesina lucha por afrontar sus ráfagas. El movimiento en la imagen, como la emoción en la naturaleza, no está claro, no está completamente expresado por el artista: es solo un ligero temblor, pero no una tormenta, no el drama de los elementos que se llevan.
Camille Corot. “El baño de Diana”
“El baño de Diana” es una de las últimas (casi la última) obra de Corot.
Algunos expertos sostienen que es lo último. En ese momento, a Corot se le negó la participación en exposiciones, declarando que había llegado el momento de los autores jóvenes y que todos ya estaban cansados de su estilo de escritura. Y luego, un día, le aconsejaron que refrescara un poco el tema, que pintara una especie de Venus en un paisaje. Corot, de 75 años, se inspiró, sacó un gran lienzo, invitó a Emma, la hija de Charles Francois Daubigny, y la representó en el contexto de la naturaleza, como Diana.
¿Pero cómo escribe su Diana? Recordando las tradiciones del clasicismo en el arte, corrige su figura convirtiéndola en una hermosa estatua antigua. Corot estaba lejos de las tradiciones del impresionismo. Su paisaje está pintado con un modo de iluminación y el de Emma con otro; ella está iluminada por una luz de una fuente completamente diferente. Su figura no está totalmente conectada con el fondo; es como si estuviera “insertada” en el paisaje. Más tarde, los impresionistas notarían que un tema pictórico no puede existir de forma aislada; todos los objetos deben estar unidos por la luz. Pero Koro no vivirá para ver esto.
Sinceramente, lo siento por la chica de este cuadro. Está parada en un charco y tengo muchas ganas de cubrirla con una manta, envolverla para que no se congele. ¡La imagen se distingue por un DIBUJO muy claro y correcto! Koro siempre hacía esto.
En cuanto a la trama, se trata de una ilustración de un episodio famoso de un mito. Diana entró al lago a nadar y de repente vio el reflejo del cazador Acteón en el agua. Ella se horrorizó cuando él la vio desnuda, lo convirtió en un ciervo y los perros instantáneamente destrozaron al desafortunado. Es decir, Corot sigue sus pasos: inserta una trama mitológica en el paisaje.
Es interesante que Corot escribiera esta obra al mismo tiempo que Renoir escribía su “Desnudo”. Pero Renoir será calumniado y Corot será colocado en un pedestal, si no en el cielo.
Camille Corot en el Museo Pushkin
Nuestra colección contiene 14 obras de Corot. Dos de ellos son cuestionables. Y si no hablamos de estos dos, pues los otros 12 son de altísima calidad. (Podríamos seguir y seguir sobre las muchas falsificaciones de Corot.
A finales del siglo XIX y principios del XX, los vendedores ambulantes estadounidenses se apresuraban a viajar a Europa para comprar cuadros y otras antigüedades. El Nuevo Mundo no creó su propio arte, estaba ocupado ganando dinero, el arte se compraba en Europa, no se reparaba en gastos. Y si hay demanda, inmediatamente hay oferta... de cuadros falsos. Corot cae dentro de esta exigencia; a los estadounidenses les gustan mucho sus pinturas. Bueno, se creó una cantidad increíble de falsificaciones de “Coro”. Hay un chiste artístico y anticuario que dice que de 2.000.000 de sus pinturas, 4.000 se conservan en colecciones privadas. ¡Pero en nuestro museo, las obras de Corot son GENUINAS!)
Otro maestro que no perteneció a los Barbizon, pero que estuvo asociado a su escuela, es Jean Francois Millet (1814-1875). Se convirtió en uno de los más grandes maestros de mediados del siglo XIX. Recibió su primer reconocimiento gracias a retratos y pequeñas pinturas sobre temas bíblicos. Pero el motivo principal de sus obras fue el trabajo campesino.
Nacido en Normandía en un ambiente campesino, el artista no se centró en el género del paisaje, sino en la representación del trabajo campesino, en su opinión el principal objetivo del hombre en la tierra. Millet mostró el trabajo rural como el estado natural del hombre, como la única forma posible de su existencia.
El artista era amigo de Théodore Rousseau; a diferencia de los barbizonianos, él mismo no vino a Barbizon, sino que vivió allí de forma permanente. Como él mismo era campesino, veía la naturaleza como la esfera del trabajo campesino y consideraba que su tarea era transmitir la conexión del campesino con la naturaleza. Sus paisajes están cubiertos de la presencia del hombre, llenos de ecos de sus pensamientos y sueños. En los temas paisajísticos de Millet aparece el tema del trabajo en la comprensión bíblica: el trabajo, como la humildad campesina, para conseguir el pan con el sudor de la frente. Este tema sería posteriormente apreciado y tomado prestado por Vincent Van Gogh.
Jean Francois Millet. “Recolectores de maleza”
“Recolectando maleza” (década de 1850) es un tema típico del difícil trabajo campesino del artista. No hay cielo en la imagen. el punto de vista se da desde arriba y esto evoca una sensación de pesadez opresiva, de intenso esfuerzo concentrado en las figuras humanas. Parece que este espacio se está cayendo, aplastando a los héroes contra el suelo.
Otro tema, además de la conexión entre la naturaleza y el hombre, el trabajo campesino, es el tema del trabajo que desfigura a la persona. Escribe a sus heroínas desde un punto de vista tal que nunca las miraremos, sus rostros no son visibles. Pero las piernas torcidas de los recolectores de leña riman con las ramas retorcidas. Ésta es su estrecha conexión con este mundo. Son tan poco atractivos y tan simples como este mundo.
En toda la imagen predominan los tonos marrón tierra, que se utilizan para describir la ropa de las campesinas. Las sombras se espesan bajo los árboles, aplastando un montón de maleza en primer plano. Millet era un mal colorista. Pero tiene trazos que dinamizan el espacio de este cuadro. Van Gogh utiliza este estilo de Millet y lo lleva al límite, al extremo.
Jean Francois Millet. “Pajares”
Otro cuadro de Millet en la colección del Museo Estatal de Bellas Artes de Pushkin se llama "Pajares".
Los rasgos del realismo democrático, movimiento líder en el arte francés de mediados del siglo XIX, se manifestaron claramente en la obra de Jean François Millet. El jefe del realismo democrático fue
