Publicaciones en la sección Museos

Madres en cuadros de artistas rusos.

Una joven campesina residente en la soleada Italia, trabajadora de una fábrica de Petrogrado y esposa de un partisano. Recordemos cómo los artistas nacionales representaban a las madres en sus lienzos.

Alexéi Venetsiánov. Henificación. 1820. Galería Estatal Tretyakov

Karl Bryullov. Mujer italiana esperando un hijo. 1830. Museo Estatal Ruso

Karl Bryullov. Mujer italiana con un niño en la ventana. 1831. Museo Estatal de Bellas Artes que lleva el nombre de A. S. Pushkin

Karl Bryullov. Madre despertando del llanto de su bebé. 1831. Museo Estatal Ruso

En 1822, un graduado de la Academia de las Artes, Karl Bryullov, fue a Italia; recibió una beca de la Sociedad para el Fomento de los Artistas para viajar al extranjero. Allí el pintor pintó copias de cuadros renacentistas, bocetos de la vida y escenas de la vida de los habitantes de la ciudad.

En muchas de las pinturas de Bryullov, el personaje principal era una joven madre o una niña que esperaba un hijo. Los lienzos contienen muchos detalles conmovedores: una heroína examina una camisita mientras su marido recoge la cuna, la segunda le muestra algo al niño en la ventana y una joven madre se acerca a la cuna por la noche.

Los cuadros están llenos de una luz suave que entra por una puerta abierta, una ventana o la llama de una vela en la mesita de noche. Así es como Karl Bryullov puso acentos en sus obras: la madre y el niño iluminados sobre un fondo oscuro o apagado se convirtieron inmediatamente en el centro de la trama.

Kuzma Petrov-Vodkin. Madre. 1913. Galería Estatal Tretyakov

Kuzma Petrov-Vodkin. 1918 en Petrogrado. 1920. Galería Estatal Tretyakov

Kuzma Petrov-Vodkin. Madre. 1913. Museo de Bellas Artes, Jarkov

El tema de la maternidad se convirtió en uno de los principales para Kuzma Petrov-Vodkin en el período de madurez de su obra. Como regla general, el artista representaba a madres campesinas: hermosas, de mejillas sonrosadas y rebosantes de salud. A Petrov-Vodkin le gustaba pintar iconos y utilizaba técnicas especiales en los retratos de campesinas: parecían vírgenes del Renacimiento.

En 1920, en plena Guerra Civil, el artista pintó uno de sus cuadros más famosos, “1918 en Petrogrado”, también conocido como la “Madonna de Petrogrado”. Su pasado ya no es idílico. La madre y el bebé están rodeados por los muros de piedra de una ciudad hambrienta; los cristales de las ventanas están rotos, el paisaje lineal es simple y ascético.

La Gran Revolución de Octubre cambió la posición social de las mujeres, y no sólo de las campesinas. Incluso el pañuelo de la heroína está atado de una manera nueva: así es como los trabajadores de la fábrica se cubrían la cabeza para enfatizar su pertenencia a la clase proletaria.

Alejandro Deineka. Madre. 1932. Galería Estatal Tretyakov

Los personajes principales de las pinturas de Alexander Deineka son ciudadanos del joven estado soviético. Practican deportes y construyen casas, participan en congresos de paz y luchan en los frentes de la Gran Guerra Patria. Para representarlos fuertes y sanos, el artista utilizó sus propias técnicas y prestó especial atención al color. Él escribió: “El bronceado marrón de un cuerpo joven y fuerte puede evocar emociones positivas”.

Una de las obras famosas de Alexander Deineka fue el cuadro “Madre” de 1932. El artista representó a una mujer majestuosa de perfil severo; su pequeño hijo se quedó dormido sobre su hombro. Rostros claros, siluetas suaves, un fondo oscuro deliberadamente inexpresivo: todo está diseñado para centrar la atención del espectador en el momento de misterio en la vida de la madre y el niño.

“Decenas de veces pinté niños dormidos, cansados ​​y conmovedores, encontré en ellos el “consuelo” de la plasticidad y el color trémulo, pero a todos estos bocetos les faltaba concreción. Resulta que era necesario darle otro lugar al niño dormido, y de manera bastante inesperada lo vi sobre el hombro de su madre, majestuoso y tierno al mismo tiempo. Todo se organizó de forma sencilla, plástica y convincente”.

Alexander Deineka

Mijail Savitsky. Madonna guerrillera. 1967. Galería Estatal Tretyakov

En las décadas de 1950 y 1960, apareció una nueva dirección en la pintura rusa: el "estilo severo". Se basó en el método artístico que se utilizó en la primera década del poder soviético: contornos claros, concisión, representación lineal de figuras. Los pintores tomaron como tema de estas pinturas la vida laboral de los ciudadanos soviéticos y el pasado militar.

En 1967, los invitados a la Exposición de toda la Unión en Moscú recibieron el cuadro "Madonna partidista", creado por el artista Mikhail Savitsky. La madre y el niño están representados de forma tosca, casi como un cartel. El lienzo de Savitsky, como el de Petrov-Vodkin, también recuerda tradiciones iconográficas: perspectiva esférica, grandes planos de color y un bebé brillante, casi brillante, en el centro de la trama sobre un fondo oscuro. Una madre pensativa que amamanta con un niño desnudo se convierte en la personificación de un pasado pacífico, en contraste con otros personajes del lienzo, dejando a los partisanos y a una anciana triste.

En el título de la pintura, "Madonna partidista", Mikhail Savitsky combinó la tradición religiosa con la ideología de un estado ateo. Esto era impensable durante el período estalinista, pero se hizo bastante posible durante el Deshielo.

El lienzo de Savitsky causó una gran impresión entre los invitados a la Exposición de toda la Unión. Inmediatamente después de la exposición, la Galería Tretyakov compró el cuadro.

Amazona, 1832

"Niña recogiendo uvas" 1827

"Retrato de la condesa Yulia Samoilova con su hija adoptiva"

"La muerte de Inessa de Castro" 1834

Retrato de M. A. Beck con su hija, 1840

Erminia con los pastores

Retrato de los niños Volkonsky con un negro, 1843

Retrato de la condesa Yulia Pavlovna Samoilova con su alumno y negroamoor, 1832-1834

Retrato de la condesa O.I. Orlova-Davydova con su hija, 1834

Retrato de Teresa Michele Tittoni con sus hijos, 1850-1852

Venetsianov Alexey Gavrilovich- Pintor ruso de origen griego, uno de los fundadores del género cotidiano en la pintura rusa.
De una familia de comerciantes de Tver Lips. Nacido en Moscú el 7 de febrero de 1780.
Habiendo servido como funcionario en su juventud, se vio obligado a estudiar arte en gran medida por su cuenta, copiando pinturas del Hermitage. En 1807-1811 Tomó lecciones de pintura de V. L. Borovikovsky.
Considerado el fundador de la caricatura impresa rusa. Durante la Guerra Patria de 1812, junto con I. I. Terebenev, creó una serie de pinturas propagandísticas y satíricas sobre el tema de la resistencia popular a los ocupantes franceses.
Desde 1811 Venetsianov es miembro honorario de la Academia de las Artes.
Venetsianov A.G., jubilado en 1819, se instaló en el pueblo. Safonovka, distrito de Vyshnevolotsky, provincia de Tver, donde comenzó a pintar cuadros de género de la vida rural de carácter idílico.
En su pueblo fundó una escuela de arte, donde se formaron más de 70 pintores. Venetsianov, junto con V. A. Zhukovsky y K. P. Bryullov, contribuyeron a la liberación de T. G. Shevchenko de la servidumbre ().

Zajarka, 1825

Aquí está la cena del padre, 1824.

Retrato de A. A. Venetsianova, hija del artista, 1825-1826

Pastor durmiente, 1823-182

Niños campesinos en el campo, década de 1820.

Retrato de Nastenka Khavskaya, 1826

Niño campesino poniéndose sandalias, década de 1820.

Kiprensky Orest Adamovich- Artista, pintor y artista gráfico ruso, maestro del retrato.
Nacido el 13 (24) de marzo de 1782 en la finca Nezhinskaya (ahora región de Leningrado). Presumiblemente era hijo ilegítimo del terrateniente A.S. Diakonova. Un año después de su nacimiento, su madre, una campesina sierva, se casó con el siervo Adam Schwalbe. Se inventó el apellido Kiprensky.
Cuando el niño tenía seis años, Dyakonov le dio la libertad y lo envió a una escuela educativa en la Academia de Artes de San Petersburgo.
Nueve años más tarde, Kiprensky fue aceptado en la clase de pintura histórica, que en ese momento se consideraba el género más elevado de bellas artes.
En 1805, O. A. Kiprensky resume sus estudios en la academia con el cuadro "Dmitry Donskoy sobre la victoria sobre Mamai", por el que recibe la Gran Medalla de Oro y el derecho a viajar al extranjero. Sin embargo, debido a las acciones militares de los ejércitos de Napoleón, este viaje tuvo que posponerse.
Después de graduarse de la Academia, el retrato se convirtió en el foco principal de la obra del artista. Kiprensky O. A. fue uno de los primeros en Rusia en comenzar a desarrollar una composición de retratos en la que el prestigio social y de clase del modelo finalmente fue reemplazado por el interés en la personalidad de la persona y el reconocimiento de su autoestima. De hecho, es uno de los creadores del estilo romántico en la pintura rusa.
Kiprensky vive en Moscú (1809), Tver (1811), San Petersburgo (desde 1812).
Durante este período, las obras más famosas de su obra son: retratos de un niño de A. A. Chelishchev (1810-1811), E.D. Davydov (1809), E.P. Rostopchina (1809), P.A. Olenin (1813), cónyuges V. S. Khvostov y D. N. Khvostova (1814) y V. A. Zhukovsky (1816), etc.
En 1816, O. A. Kiprensky se fue al extranjero. El viaje de negocios a Italia resultó fructífero para el pintor. Se vio inundado de órdenes. Tras apreciar la habilidad del artista ruso, la Galería de los Uffizi de Florencia le encargó un autorretrato (1820).
Las mejores obras de este período incluyen el cuadro "El jardinero italiano" (1817), retratos de A.M. Golitsyn (alrededor de 1819) y E.S. Avdulina (hacia 1822), etc.
Cabe mencionar el "Retrato de Mariucci", que jugó un papel importante en el destino del artista. Su modelo fue la encantadora Mariuccie Falkucci. Su madre no tenía un estilo de vida digno. Kiprensky, al salir de Italia, le compró a Mariuccia a su disoluta madre y la colocó en una pensión del monasterio.
Rusia recibió al artista con hostilidad. Sin embargo, en 1824, después de otra exposición pública en la Academia de las Artes, donde Kiprensky mostró sus obras, su reputación se recuperó.
En 1827, el artista pintó el famoso retrato de A.S. Pushkin. “Me veo como en un espejo, pero este espejo me halaga…”, escribió el célebre poeta en un mensaje de agradecimiento.
En 1828, O. A. Kiprensky partió nuevamente hacia Roma, donde se casó con su ex alumna Mariuccia. Para casarse tuvo que convertirse en secreto al catolicismo. Sin embargo, la vida familiar no le trajo felicidad al artista. Ya no creó nada significativo.
El 17 de octubre de 1836, Orest Adamovich Kiprensky murió en Roma a causa de una neumonía y fue enterrado allí en la iglesia de Sant'Andrea delle Fratte. Tras su muerte nació su hija Clotilde.

Niña con una corona de amapola y un clavel en la mano (Mariuccia)

Niños pescadores napolitanos

Niña napolitana con frutas.

Retrato de Avdotya Ivanovna Molchanova con su hija Elizaveta, 1814

Madre con hijo (¿Retrato de Madame Pres?)

Retrato de A.A. Chelishcheva, 1808 - principios de 1809

<Tropinin Vasily Andreevich- Artista ruso, académico, representante del romanticismo en las bellas artes rusas, maestro del retrato.
Nacido en el pueblo de Karpovka (provincia de Novgorod) el 19 (30) de marzo de 1776 en la familia de siervos del Conde A. S. Minikh; Posteriormente fue enviado a disposición del Conde I.I Morkov como dote para la hija de Minich.
Tropinin V.A. Mostró su habilidad para dibujar cuando era niño, pero su maestro lo envió a San Petersburgo para estudiar pastelería. Asistió a clases en la Academia de las Artes, al principio furtivamente, y desde 1799, con el permiso de Morkov; Durante mis estudios conocí a O. A. Kiprensky.
En 1804, el propietario convocó al joven artista a su casa y desde entonces vivió alternativamente en Ucrania, en la nueva finca de zanahorias de Kukavka, y luego en Moscú, como pintor siervo.
En 1823, Tropinin V.A. recibió la libertad y el título de académico, pero, abandonando su carrera en San Petersburgo, permaneció en Moscú. ()

Niño con un hacha, década de 1810

Retrato de Arseny Vasilyevich Tropinin, hacia 1818

Retrato de un niño, década de 1820

Retrato de V.I. Ershova con su hija, 1831

chico con lástima

Retrato del príncipe Mikhail Alexandrovich Obolensky (?) cuando era niño, alrededor de 1812

Niño con un jilguero, 1825

Niña con muñeca, 1841

Niño con un jilguero muerto, 1829

Retrato de Dmitry Petrovich Voikov con su hija Varvara Dmitrievna y la inglesa Miss Forty, 1842

<Makovsky Konstantin Egorovich(20.06 (2.07).1839 - 17 (30).09.1915), artista ruso, miembro de pleno derecho de la Academia de Artes de San Petersburgo (1898).
Nacido en Moscú, en la familia de uno de los organizadores de la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú, E. I. Makovsky. El hermano mayor del artista Vladimir Makovsky.
Estudió en MUZHVZ (1851-58) con S. K. Zaryanko y en la Academia de las Artes (desde 1858).
Uno de los participantes en la "revuelta de los catorce" (Kramskoy, Korzukhin, Lemokh, Venig, Grigoriev, etc.), Konstantin Makovsky abandonó la Academia de las Artes en 1863, convirtiéndose en uno de los miembros del Artel de Artistas, y luego Fue miembro de la Asociación de Itinerantes (ver artistas Itinerantes).
La obra de Konstantin Makovsky se puede dividir en dos etapas. En la década de 1860 y principios de la de 1870, bajo la influencia de las ideas de Peredvizhniki, recurrió a escenas de la vida popular ("La muchacha del arenque" 1867, "Cabinas en la Plaza del Almirantazgo" 1869, ambas pinturas en el Museo Estatal Ruso, San Petersburgo, " Pequeños organilleros en la valla en invierno" 1868, colección privada).
Un punto de inflexión en la obra del artista puede considerarse un viaje a Egipto y Serbia (mediados de la década de 1870). Después de este evento, Makovsky comenzó a inclinarse cada vez más hacia el academicismo ("El regreso de la alfombra sagrada de La Meca al Cairo", 1876, Museo Ruso).
En 1883 se produjo la ruptura definitiva con los Wanderers. A partir de ese momento, pintó principalmente retratos visualmente espectaculares y escenas de género histórico (retrato de la esposa del artista, 1881, "El rito del beso", 1895, ambos en el Museo Ruso; "El príncipe Repnin en la fiesta de Iván el Terrible, ” Museo de Arte Regional de Irkutsk). Las pinturas de Konstantin Makovsky fueron un gran éxito en la alta sociedad. Fue uno de los artistas más respetados de la época.
Konstantin Egorovich Makovsky murió en un accidente (un tranvía chocó con su tripulación) en 1915 en San Petersburgo. El artista dejó un enorme legado artístico.

Niños huyendo de una tormenta, 1872

Almuerzo campesino en el campo. 1871

Retrato de un hijo en el taller.

Pequeños organilleros cerca de una valla en invierno, 1868

En el estudio del artista, 1881.

Retrato de familia de los Volkov

Princesa María Nikolaevna

Retrato de los hijos del artista, 1882.

Retrato de familia, 1882

Hijos del Sr. Balashov

Las historias del abuelo. 1881(?)

Cuentista

<Makovsky Vladimir Egorovich(26 de enero (7 de febrero) de 1846, Moscú - 21 de febrero de 1920, Petrogrado) - destacado artista ruso, académico (1873), miembro de pleno derecho de la Academia de Artes de San Petersburgo (1893).
Uno de los mayores maestros del género cotidiano de la pintura realista del siglo XIX.
Nacido en Moscú, en la familia de uno de los organizadores de la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú, E. I. Makovsky. Hermano de K. E. Makovsky.
De 1861 a 1866 Vladimir estudió en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú con el sucesor de la escuela Venetsianov, S.K. Zaryanko, E.S. Sorokin y el propio V.A.
Se graduó de la universidad con una medalla de plata y el título de artista de tercer grado por su obra “Lectura literaria”. Durante este período, que coincidió con el auge del género realista cotidiano en la pintura rusa, se determinó su dirección creativa.
En 1869, por el cuadro "Muchachos campesinos cuidando caballos", Makovsky recibió el título de "artista de primer grado con la medalla de oro Vigée-Lebrun a la expresión". En 1873, por el cuadro "Amantes del ruiseñor", V. E. Makovsky fue ascendido a académico de la Academia de las Artes.
Miembro de la Asociación de Exposiciones Itinerantes de Arte desde 1872.
Desde 1894 Makovsky V. E. vivió en San Petersburgo. También actuó con éxito como ilustrador y profesor de libros y revistas (desde 1882 enseñó en la Escuela de Pintura y Pintura de Moscú, y luego en la Academia de las Artes).

En su trabajo, V. E. Makovsky continuó y desarrolló las mejores tradiciones de los fundadores del género ruso: A. G. Venetsianov y V. A. Tropinin, destacados artistas del género ruso P. A. Fedotov y V. G. Perov.

Niño vendiendo kvas, 1861

Encuentro, 1883

Muchachos campesinos, 1880

De la lluvia, 1887

Juego de abuelas, 1870

Pastoras, 1903

Pescadoras, 1886

Niños campesinos, 1890

Niños campesinos cuidando caballos por la noche, 1869

<Perov Vasili Grigorievich- Pintor ruso, maestro de la pintura cotidiana, retratista, pintor histórico.
Nacido en Tobolsk el 21 o 23 de diciembre de 1833 (2 o 4 de enero de 1834). Era hijo ilegítimo (ya que sus padres se casaron después de su nacimiento) del fiscal local, el barón G. K. Kridener, y el apellido "Perov" le fue dado al futuro artista como apodo por su alfabetizador, un humilde sacristán.
Pasó parte de su infancia en Arzamas, donde estudió en la escuela de A.V. Stupin (1846-1849, con interrupciones).
En 1853 ingresó en la Escuela de Pintura y Escultura de Moscú. Los profesores de Perov fueron Scotty M.I., Mokritsky A.N., Zaryanko S.K., compañero de clase y amigo, Pryanishnikov I.M.
En 1858, su cuadro “La llegada del Stavoy para la investigación” (1857) recibió la Medalla de Plata Grande, luego recibió la Medalla de Oro Pequeña por el cuadro “El hijo de un sacristán, ascendido a registrador colegiado” ( 1860, lugar desconocido). Las primeras obras de Perov fueron un gran éxito en las exposiciones. Para el concurso de graduación, V. G. Perov preparó el cuadro “Sermón en un pueblo” (1861, Galería Tretyakov). El autor recibió la Gran Medalla de Oro y el derecho a viajar al extranjero.
Tras viajar al extranjero, el artista se instaló en París. Sin embargo, "sin conocer a la gente, su forma de vida o su carácter", Perov no vio el beneficio de trabajar en Francia y pidió permiso para regresar a casa antes de lo previsto. Recibió permiso para continuar su retiro en Rusia y en 1864 llegó a Moscú.
V. G. Perov entró en la historia del arte como líder del movimiento crítico en la pintura cotidiana rusa de la década de 1860, combinando en su obra la simpatía por los “humillados e insultados” y el patetismo airado del rostro satírico de los que estaban en el poder. La obra del artista tuvo una influencia significativa en el desarrollo del arte ruso, especialmente en Moscú, en la segunda mitad del siglo XIX.
Fue uno de los miembros fundadores de la Asociación de Itinerantes (1870).
En 1871-1882, V. G. Perov enseñó en la Escuela de Pintura, Escultura y Arquitectura de Moscú, donde entre sus alumnos se encontraban N. A. Kasatkin, S. A. Korovin, M. V. Nesterov, A. P. Ryabushkin.
Perov V.G. murió en el pueblo de Kuzminki (en esos años, cerca de Moscú) el 29 de mayo (10 de junio de 1882).

Despidiendo al difunto

niños durmiendo

Troica

chica con una jarra

Un niño artesano mirando un loro.

Pesca

<Korzukhin Alexey Ivanovich(1835 - 1894) - Pintor de género ruso. El futuro artista nació el 11 (23) de marzo de 1835 en la planta de Uktus (ahora Ekaterimburgo) en la familia de un siervo buscador de oro. Descubrió temprano sus habilidades artísticas. Ya en su adolescencia pintó retratos de familiares y participó en la pintura de iconos para la Iglesia de la Transfiguración local (década de 1840).
En 1857, Korzukhin llegó a San Petersburgo y un año después se convirtió en estudiante de la Academia de las Artes. Aquí estudió desde 1858 hasta 1863. Su cuadro "El padre de familia borracho" recibió en 1861 una pequeña medalla de oro de la Academia. Sin embargo, se negó a competir por una gran medalla de oro y el derecho a un viaje de pensionado: junto con otros participantes en la famosa rebelión de los catorce en 1863, abandonó la Academia y se convirtió en miembro del Artel de Artistas (en particular, Kramskoy , Konstantin Makovsky, Lemokh, etc.).
En 1868, por el cuadro "El regreso del padre de familia de la feria", Korzukhin recibió el título de Académico de la Academia de las Artes.
Miembro fundador de la Asociación de Itinerantes: su firma estaba en la Carta de la Asociación, adoptada por el gobierno en 1870.
La creatividad de Korzukhin no se limitó únicamente a las pinturas de género. El artista también pintó retratos y, a menudo, realizó encargos para la iglesia (participó en la decoración pintoresca de la Catedral de Cristo Salvador, en la pintura de la catedral de Yelets y completó una serie de imágenes para la catedral de Riga).
El asesinato del emperador Alejandro II a manos del Narodnaya Volya como testigo involuntario, en el que se convirtió el pintor en 1881, le produjo una conmoción extrema y tuvo graves consecuencias para su salud. Sin embargo, continuó su activo trabajo creativo.
Alexey Ivanovich Korzukhin murió en San Petersburgo el 18 (30) de octubre de 1894.

Regresando de la ciudad

Campesinas perdidas en el bosque

Enemigos aviares

Chica

abuela con nieta

Al borde del pan

La principal fuente de conocimiento es el sitio webstarco.narod.ru, complementado con reproducciones de varias galerías de arte: arttrans.com.ua, rita-redsky.livejournal.com y muchas otras.

Niños en pinturas de género de artistas soviéticos 14 de mayo de 2016

Las imágenes de niños en los lienzos de los artistas aparecieron bastante tarde. Por supuesto, los pintores anteriores intentaron representar a los niños, pero parecían más bien copias en miniatura de adultos, pero es bastante difícil transmitir la espontaneidad, los rasgos de carácter, los movimientos y los gestos de los niños. Fueron necesarios varios siglos para aprender a pintar retratos infantiles. Los artistas rusos tuvieron especial éxito en esto. Las imágenes de los niños en sus cuadros están llenas de una luz asombrosa, son conmovedoras y tiernas.

Creo que los niños siempre son un tema en el que todos ganan para un artista. Esto se sintió especialmente durante la era soviética. Cualquiera que sea el libro de texto que abras, siempre encontrarás una reproducción de algún artista sobre un tema determinado... Al mismo tiempo, los temas de las pinturas eran comprendidos por la conciencia del niño. Porque allí se reflejaba la vida, nuestra vida, la vida real. No son cómics cualquiera... Pero compruébalo tú mismo. No quiero comentar. Sólo mira.

Tengo lenguas 1943. F. Reshetnikov

No nos llevaron a pescar. K. Uspenskaya-Kologrivova

“Transición difícil” F. Sychkov

Troika (Niños junto al río). 1937-1946. A. Plastov

Año Nuevo. 1967 A. Guliaev

Hija del Kirguistán soviético. 1950 S. Chuikov

Llegó de vacaciones. 1948 F. Reshetnikov

¡Por la paz! 1950 F. Reshetnikov.

Dos de nuevo. 1951 F. Reshetnikov

Portero. 1949 S. Grigóriev

Primero de septiembre. 1951 A. Volkov

Mañana. 1954 T. Yablonskaya

Resítese. 1954 F. Reshetnikov

Ha llegado el invierno. Infancia. 1960 S. Tutunov

Niños en el tejado. 1963 P. Radoman

Excelente estudio. G. Gavrilenko

Problema sin resolver. 1969 V. Tsvetkov

Otros cinco. 1954 E. Gundobin

En la URSS se le dio gran importancia a la educación. Por lo tanto, no es sorprendente que aparecieran muchas pinturas de artistas soviéticos sobre la escolarización de los niños.

Accidentalmente encontré una canción olvidada hace mucho tiempo. Hoy en día se escucha con cierta ingenuidad y, como dicen los niños de hoy, “temido”... Pero así nos educaron en la época soviética. Y, en general, no eran las peores personas.

Publicaciones recientes de esta revista

• 
  ¿HUBO UN GENOCIDIO DEL PUEBLO RUSO EN LA URSS?

  ¡El espectáculo político más brillante de 2019! Primer debate del club SVTV. Tema: "¿Hubo genocidio del pueblo ruso en la Unión Soviética?" Están debatiendo sobre ruso...

• 
  M.V. YULIN - Fascismo para exportar

  Debate sobre el tema "Fascismo para exportar" entre el profesor Popov y el historiador militar Yulin Vota quién ganó en tu opinión...

• 
  Una niña llora por la URSS: Todo era real en la Unión Soviética

• 
  Callejones sin salida de la economía capitalista

  Una crisis es el momento de deshacerse de las ilusiones nacidas durante un período de estabilidad, cuando parecía que todo lo real era razonable, y todo...

• 
  Violencia (contra mujeres y niños) y seguridad pública. Antón Belyaev

  Anton Belyaev, especialista en modelización matemática en el campo de la seguridad pública y el diseño industrial, ex participante...

Abraham Lambert Jacobs van den Tempel.
Retrato de familia.
Segunda mitad de la década de 1660.

Adrián van Ostade.
Familia campesina.
1647.

A los padres en el Norte nunca se les llamaba “ustedes”, como es común en Ucrania. El padrastro y la madre, como saben, se llamaban padrastro y madrastra, y la hijastra y el hijo se llamaban hijastra e hijastro. A los hijos de hermanos se les llamaba primos. Los más pequeños llamaban a menudo a su abuelo “dedo” y a su abuela “baba”, y sus sobrinos a veces llamaban a sus tíos bozhat, bozhatok, bozhatka, bozhatushka o padrino, madrina. A otros parientes más lejanos a veces se les llamaba del mismo modo. La nuera, que llegó a la casa procedente de otra familia, se vio obligada a llamar padre y madre a su suegro y a su suegra; En relación con su suegro, se la consideraba nuera, y en relación con la suegra y las hermanas de su marido, se la consideraba nuera. Una hermana llamaba hermano a su hermano, los primos a veces se llamaban hermanos jurados, igual que los hermanastros...
Las mujeres llamaban cuñados a sus maridos y cuñadas a sus hermanas. En esta ocasión se creó un proverbio: “Más valen siete hachas que siete pezuñas”. Es decir, es mejor que un marido tenga siete hermanos que siete hermanas. El yerno, como saben, es el marido de la hija. El padre y la madre de la esposa o de la novia son suegro y suegra, pero en persona se les llamaba padre y madre. Los padres de la nuera (nuera) y los padres del yerno se llamaban casamentero y casamentero. (El casamentero en una ceremonia de boda es completamente diferente). Aquellos casados ​​con sus propias hermanas eran considerados cuñados y, por alguna razón, a la hermana de la esposa se la llamaba cuñada. El título "cuñado" existe sólo en el género masculino y para el género masculino designa al hermano de la esposa, y el marido de la hermana es el yerno para ambos sexos. En esta ocasión, hubo un acertijo humorístico entre la gente: “¿Qué clase de sobrino de cuñado es pariente de su yerno?” No adivinarás de inmediato que estamos hablando de tu propio hijo.

Bartolomé van der Helst.
Retrato de familia.
1642.

Vasili Andreevich Tropinin.
Retrato de familia de los Condes Morkov.
1813.

FAMILIA. Un bob, un vagabundo, una biela, en general una persona sin familia era considerada ofendida por el destino y por Dios. Tener familia e hijos era tan necesario, tan natural como necesario y natural trabajar.
La familia se mantenía unida por la mayor autoridad moral. Esta autoridad solía ser ejercida por el cabeza de familia tradicional. Pero la combinación de liderazgo tradicional y autoridad moral no es en absoluto necesaria. A veces, esa autoridad la otorgaba el abuelo, uno de los hijos o una mujer importante, mientras que el liderazgo formal siempre perteneció a un hombre, marido, padre, progenitor.
La bondad, la tolerancia, el perdón mutuo de los insultos se convirtieron en amor mutuo en una buena familia, a pesar del gran tamaño de la familia. Las malas palabras, la envidia y el interés propio no sólo se consideraban pecados. Simplemente eran personalmente desventajosos para cualquier miembro de la familia.
El amor y la armonía entre familiares dieron origen al amor fuera del hogar. Es difícil esperar respeto por otras personas, por los vecinos del pueblo, del volost, del distrito, de una persona que no ama ni respeta a sus propios familiares. Incluso la amistad interétnica tiene su origen en el amor familiar. Es absurdo esperar de un bebé un amor ya hecho, por ejemplo, por un tío o una tía, al principio su amor no va más allá de su madre; Junto con la expansión de la esfera física del conocimiento, también se expande la esfera moral. El niño poco a poco comienza a sentir lástima no sólo por su madre, sino también por su padre, sus hermanas y hermanos, sus abuelos y, finalmente, los sentimientos familiares se vuelven tan fuertes que se extienden a sus tías y tíos. El parentesco consanguíneo directo se convierte en la base del parentesco indirecto, porque una anciana gruñona que no respeta a sus propias hijas no puede convertirse en una buena suegra, del mismo modo que una hija grosera nunca será una buena nuera. La bondad y el amor por los parientes consanguíneos se convierten en un requisito previo, si no amor, al menos un profundo respeto por los parientes no consanguíneos. Es precisamente en esta frontera donde surgen los manantiales del alto altruismo, que se extienden más allá de los límites del hogar. El mal humor y la pendenciera como rasgos de carácter se consideraban un castigo del destino y provocaban lástima por sus portadores. La oposición activa a tales manifestaciones de carácter no trajo nada bueno a la familia. Había que poder ceder, olvidar la ofensa, responder amablemente o permanecer en silencio.
A lo largo de los siglos, las relaciones de género han evolucionado en las familias campesinas. Por ejemplo, esposas y maridos, hermanas y hermanos. Estas relaciones son especialmente claras en el trabajo. Una mujer que hacía rodar un tronco de varias plantas sobre un carro o blandía un mazo en una fragua era tan absurdo como un herrero hilando o un hombre ordeñando una vaca. Sólo por gran necesidad una mujer, generalmente viuda, tomaba un hacha y un hombre (también a menudo viudo) se sentaba con un recipiente de leche debajo de una vaca.
Toda la gestión del hogar estaba en manos de una mujer grande: mujer, esposa y madre. Ella estaba a cargo, como dicen, de las llaves de toda la casa, llevaba registros de heno, paja, harina y zaspa * (* Zaspa - avena (norte. zh.)). Todo el ganado y todos los animales domésticos, excepto los caballos, estaban bajo la supervisión de la mujer grande. Bajo su atenta supervisión estaba todo lo relacionado con la nutrición de la familia: observar los ayunos, hornear pan y pasteles, la mesa festiva y la mesa cotidiana, ocuparse de la reparación de la ropa blanca y de la ropa, tejer, bañarse, etc. Por supuesto, ella no hizo todo este trabajo sola. Los niños, que apenas habían aprendido a caminar, poco a poco empezaron a hacer algo útil junto con su juego. La mujer grande no se avergonzaba en absoluto de los métodos de recompensa y castigo en lo que respecta a la casa.
Con el paso de los años, el título de “mujer grande” pasó silenciosamente a la esposa de su hijo.
El propietario, jefe de la casa y de la familia, era ante todo un mediador en las relaciones entre la finca y la sociedad agraria, en las relaciones entre la familia y los poderes fácticos. Se encargaba de las principales labores agrícolas, arar, sembrar, así como de la construcción, la tala y la leña. Junto con sus hijos adultos, llevaba sobre sus hombros toda la carga física del trabajo campesino. El abuelo (el padre del propietario) a menudo tenía no sólo un voto consultivo, sino también decisivo en todos estos asuntos. Por cierto, en una familia respetable, cualquier asunto importante se decidía en los consejos familiares y abiertamente frente a los niños. Sólo los parientes lejanos (pobres o enfermos que vivieron en la casa hasta su muerte) sabiamente no participaron en estos consejos.
La familia campesina se fue formando a lo largo de los siglos, el pueblo seleccionó sus “dimensiones” y propiedades más necesarias. Por lo tanto, fue destruido o resultó defectuoso si no estaba lo suficientemente completo. Lo mismo ocurría con números excesivos, cuando, por ejemplo, se casaban dos o tres hijos. En el último caso, la familia se volvió, en términos modernos, “incontrolable”, de modo que el hijo casado, si tenía hermanos, buscaba separarse de la casa de su padre. El mundo le asignó un terreno del fondo público y toda la familia construyó la casa con su ayuda. Las hijas, al crecer, también abandonaron la casa de su padre. Al mismo tiempo, cada una intentó no casarse antes que su hermana mayor. “No trillan ni una gavilla”, se decía sobre la ley no escrita de este orden.
Los niños de la familia eran considerados objeto de culto general. Un niño no amado era una rareza en la vida campesina rusa. Las personas que no experimentaron el amor de los padres y de la familia en la infancia se volvieron infelices con la edad. No en vano la viudez y la orfandad han sido consideradas desde la antigüedad un dolor grande e irreparable. Ofender a un huérfano o a una viuda significaba cometer uno de los pecados más graves. Al crecer y recuperarse, los huérfanos se convirtieron en laicos comunes, pero la herida de la orfandad nunca sanó en el corazón de cada uno de ellos.

Vasili Belov. Muchacho. Moscú, "Joven Guardia". 1982.

Vasili Grigorievich Perov.
El viaje de un policía con su familia en peregrinación. Bosquejo.
1868.

En una familia campesina normal, todos los niños nacían principalmente durante los primeros diez o quince años de matrimonio. Pogodki eran los nacidos en un año. Así, incluso en una familia numerosa, donde había diez o doce hijos, al nacer el último, el primero o el mayor aún no había salido de la adolescencia. Esto era importante, ya que el embarazo de un hijo o hija adulto que entendía todo no era muy apropiado. Y aunque nadie condenó directamente a los padres por el nacimiento de un inesperado “rascador”, los cónyuges - con la maduración de su primogénito y la maduración de sus mayores - ya no buscaron el lecho conyugal... Era como si la juventud la castidad iba volviendo poco a poco a ellos.

Vasili Belov. Muchacho. Moscú, "Joven Guardia". 1982.

Vasili Grigorievich Perov.
Familia laboral. Bosquejo.

G. Vasko.
Retrato de un joven de la familia Tomara.
1847.

Grigori Semenovich Musikiysky.
Familia de Pedro I en 1717.

Elizaveta Böhm (Endaurova).
¡El corazón está en el lugar correcto cuando toda la familia está junta!

Elizaveta Merkuryevna Boehm (Endaurova).
Todos los miembros de la familia se regalan un huevo rojo brillante.

Iván Vasilievich Luchaninov.
El regreso de un guerrero a su familia.
1815.

Iván Glazunov.
La familia del artista.

Iliá Efimovich Repin.
Retrato de familia de los Delarov.
1906.

Karl Pavlovich Bryullov.
familia italiana.
1831.

Konstantin Makovsky.
Retrato de familia.
1882.

Leonid Osipovich Pasternak.
Lev Nikolaevich Tolstoi con su familia en Yasnaya Polyana.
1902.

Lovis Corinto.
Familia del artista Fritz Rumpf.

Moronobu Hishikawa.
Escenas relacionadas con la familia Soga.

Nikolai Ivanovich Argunov.
Retrato de un niño de la familia Sheremetev.
1803.

O. Vereisky.
Retrato de familia.

Olga Kablukova.
Una campesina centenaria de Tsarskoye Selo con su familia.
1815.

Piotr Petrovich Konchalovsky.
Retrato de familia (“Senese”).
1912.

Rembrandt Harmens van Rijn.
Ángel Rafael abandona la familia de Tobías.
1637.

Rembrandt Harmens van Rijn.
Retrato de familia.
1668-1669.

Sandro Botticelli.
Altar de Zanobi. Adoración de los Reyes Magos que representa a miembros de la familia Medici.

T. Shevchenko.
Familia campesina.
1843.

Fiódor Petrovich Tolstoi.
Retrato de familia.
1830.

Édgar Degas. Familia Bellelli.
1858-1859.

Édouard Manet.
La familia de Monet en el jardín.
1874.

Jacob Jordanens.
La familia del artista en el jardín.
1621.

No todos los artistas se deciden a pintar retratos de niños; las imágenes de niños en lienzos aparecieron bastante tarde. Por supuesto, los pintores anteriores intentaron representar a los niños, pero parecían más bien copias en miniatura de adultos, pero es bastante difícil transmitir la espontaneidad, los rasgos de carácter, los movimientos y los gestos de los niños.

Es muy agradable mirar esas pinturas, pero es difícil pintar a los niños, porque es muy difícil lograr que un niño pose para un artista durante varias horas. Sin embargo, artistas famosos lo lograron perfectamente y hablaremos de sus pinturas.

Pierre Auguste Renoir dejó mucho legado, entre sus pinturas hay muchas imágenes de niños. Niños mirando las páginas de los libros o un niño apoyado en el costado de su madre: todo está representado de manera tan veraz y hermosa que es simplemente imposible resistirse.

Es imposible no mencionar a los artistas que pintaron retratos de niños. Los maestros de Europa occidental tardaron varios siglos en mejorar la esfera espiritual de los retratos infantiles, pero los artistas rusos lograron resultados sorprendentes a un ritmo acelerado. Las imágenes infantiles pintadas están llenas de una luz asombrosa, son conmovedoras y tiernas. Retrato de Stroganov de Jean Baptiste Greuze, Mika Morozov y Niños, pintado por el pintor ruso Serov, Cabeza de niño, pintada por Tropinin, Kharlamov “Cabeza de niña” y otros.

Diego Velázquez es también un representante muy destacado de la época dorada de la pintura española. Es conocido, en primer lugar, por sus retratos, incluidos los infantiles, así como por sus composiciones de género. Como artista de la corte, pintó retratos de reyes, sus cortesanos y familiares. Especial atención merecen en esta sección los retratos de los infantes: trajes de esa época, contornos suaves de rostros, todavía infantilmente angulosos, una maravillosa combinación de matices.

Recordando los cuadros en los que están presentes niños pequeños, pasemos a la imagen de la Virgen y el Niño. Entre las obras maestras más llamativas destaca el cuadro de Leonardo da Vinci y Rafael. Las imágenes creadas por el pincel de estos maestros son familiares en todo el mundo.

Muchos artistas extranjeros representaron a niños, creando una composición especial. Parece que el niño es el personaje principal y, al mismo tiempo, participa en la acción en curso. Un ejemplo sorprendente de esto es el cuadro "El niño mimado" de Jean Baptiste Greuze. Entre los observadores, evoca las emociones más contradictorias: simpatía por la niñera e indignación hacia el niño. "Le gustaría un buen cinturón", dirán muchos, pero hasta el día de hoy en muchas familias se encuentran hijos mimados, por lo que se puede argumentar que el artista buscó reflejar los problemas sociales de la sociedad.

Sensaciones completamente opuestas a las del cuadro de Chardin “Oración antes de cenar”. Una madre sirviendo comida en la mesa, los rostros espirituales de dos hijas rezando una oración antes de comer: parecería que los personajes son los mismos, una mujer y un niño, ¡pero cómo cambia la atmósfera!

"La niña sobre una pelota" es una pintura famosa de Picasso, la figura flexible y elegante de un niño se balancea sobre una pelota inestable, y un hombre fuerte observa la ejecución del acto. Parecería una trama sencilla, pero aún así esta imagen es conocida por los conocedores de todo el mundo.

No nos olvidemos de los pintores rusos en cuyos lienzos aparecen niños. En primer lugar, "El jinete" de Bryullov. Por supuesto, el lugar central en la imagen se le da a la belleza de los caballos: solo Bryullov podía representar a estos animales de manera tan sutil y sofisticada. Pero mire más de cerca: cerca de la valla, una niña con un vestido rosa observa a su madre con mirada entusiasta. Lindos rizos oscuros, grandes ojos marrones que brillan de emoción, labios cincelados: ¡esta chica es una verdadera belleza de una familia aristocrática!

"La primera nieve" de Plastov presenta ante nuestros ojos una imagen diferente: una miserable cabaña de troncos, escalones destartalados, un patio sucio y una nieve blanca y limpia cae del cielo. Los niños que viven en la pobreza rara vez ven algo reluciente, quizás por eso se alegran tanto con la primera nevada.

La pena dolorosa y la melancolía invaden el corazón y, al mirar el cuadro “Troika” de Perov, los alumnos del artesano, que tienen como máximo 10 años, llevan un pesado barril de agua helada. El cansancio y la desesperación son claramente visibles en sus rostros y simplemente no pueden tocar los corazones de los espectadores ocasionales.

También surge una ligera tristeza al mirar el cuadro "Alyonushka" de Vasnetsov. Probablemente no sea necesario volver a contar el conocido cuento de hadas; todos entienden a quién añora la hermana mayor, sentada en una gran piedra y mirando el agua fangosa del estanque.

Los niños haciendo pompas de jabón de Ivanov y Bañando a un bebé de Kustodiev son un vívido ejemplo de descuido infantil que conmueve y provoca sonrisas. La escuela rural gratuita de Morozov es otra retrospectiva, pero en los rostros de los niños se pueden leer todas las emociones: desde el interés hasta el absoluto aburrimiento.

"Birdcatcher" de Perov, "They Did't Expect" de Repin, "Children Running from a Thunderstorm" de Makovsky: estos son ejemplos vívidos de cómo, de diferentes maneras, las imágenes de niños se pueden incluir en la composición general.

Ampliando el tema de la representación de niños en pinturas de artistas famosos, vale la pena recordar el cuadro de V. Serov "La niña con melocotones". El lienzo está realizado en suaves colores pastel y resalta perfectamente la fragilidad y la ternura de la juventud. Esta es una de las mejores y más memorables pinturas del artista.

El realismo soviético está representado en el cuadro "Deuce Again". El lienzo representa a una familia dando la bienvenida a su hijo a casa después de la escuela. Una niña con corbata de pionera y una madre cansada mira con reproche a su desafortunado hijo y hermano, el hijo menor aún no entiende lo que está pasando, y parece que solo el perro está feliz de que su pequeño amo haya regresado de la escuela. Un cuadro de vida que probablemente pasó en la vida de muchas personas cuando eran niños.

Y, por último, uno de los artistas contemporáneos más positivos y amables es el estadounidense Donald Zolan. Sólo una persona que ama y comprende sinceramente a los niños puede crear tales milagros. Ensoñaciones y picardías, tristeza y espontaneidad: los niños en las pinturas de Zolan son diferentes, pero todos nos recuerdan que la infancia es verdaderamente una época feliz y despierta recuerdos asombrosos en los adultos.