Cómo empezar a entender el arte

Las respuestas más interesantes de artistas, historiadores del arte, expertos culturales y críticos de cine, con las que deberías empezar a llenar los vacíos de tu formación en el campo del arte.

11 preguntas

1. ¿Qué debo leer para empezar a entender el arte? 2. ¿Qué debo leer para empezar a entender mejor el arte contemporáneo? 3. ¿Qué deberías leer para comprender mejor la historia del cine y aprender a analizar y comprender las películas? 4. ¿Qué libros existen sobre teoría de la crítica: música, cine, literatura? 5. ¿Qué libros sobre comisariado en ruso o inglés vale la pena leer, además de Misiano, Obrist, Paul O'Neill y Terry Smith? 6. ¿Sobre qué recomiendas leer? teatro moderno? 7. ¿Cuál es la lista de libros imprescindibles sobre teatro? 8. ¿Qué leer y ver sobre el tema del arte barroco? 9. ¿Qué países fueron los principales proveedores de nuevos estilos y tendencias en el arte del siglo XX? 10. ¿Puede el arte no tener mensaje? 11. ¿Puede un artista, sin tener idea sobre el arte contemporáneo, convertirse en un genio reconocido?

Recomendaría comenzar con la Historia del Arte de Gombrich. Este libro se publicó por primera vez en 1950 y no se puede decir que sea reciente. Y, sin embargo, se sigue reeditando no sólo en su propio país, sino también en el extranjero, mejorando únicamente la calidad de las ilustraciones. Es muy simple y lenguaje accesible Abarca todas las épocas y estilos. Como escribe el propio autor en el prefacio: “Este libro está dirigido a todos aquellos que quieran obtener las primeras pautas en un campo del arte tentador, pero aún no familiar, con el que un principiante podrá familiarizarse. plan General este ámbito, sin confundirse en la abundancia de detalles, es decir, comprender el orden y relación de épocas, estilos, nombres que llenan los más voluminosos y libros dificiles, y así adquirir el bagaje necesario para leer literatura más especializada."

Entre la literatura de introducción al arte se encuentra el libro de Horst Waldemar Janson y Anthony F. Janson "Fundamentos de la historia del arte", dedicado a la historia de la pintura, la escultura, la arquitectura, la fotografía; en una palabra, "desde el bisonte hasta Barbizon". ”, o mejor dicho, hasta finales del siglo XX.

Si profundiza, recomiendo el libro de texto y el libro de referencia para todos los historiadores del arte principiantes de Boris Vipper, “Introducción a estudio historico art." A diferencia de los dos libros anteriores, aquí se tratan con gran detalle los problemas técnicos de género y los aspectos específicos de los fundamentos técnicos de cada género de bellas artes.

Empecemos por la Historia del Arte de Ernst Gombrich. El libro explica en la página cinco por qué Picasso pintó no sólo gallinas naturalistas, sino también un gallo cubista.

Sobre el modernismo y arte de vanguardia Hay un libro asombroso de V.S. Turchin "Por los laberintos de la vanguardia".

En cuanto al posmodernismo, vale la pena comenzar con Jean Baudrillard. En general, se ha escrito bastante sobre (principalmente) el arte estadounidense de posguerra. Normalmente, una visita al MoMA de Nueva York es suficiente para que el arte contemporáneo se vuelva de repente más cercano y comprensible.

Por cierto, en Bookmate han recopilado toda una serie de respuestas a esta pregunta. estante para libros:

El cine se puede analizar como filósofo y científico cultural (lo cual es increíblemente útil y correcto), o como cinéfilo y fanático de películas y personas específicas, y el segundo me resulta más cercano.

Libros básicos que no harán daño a nadie: "Qué es el cine" de André Bazin y "Cine" de Gilles Deleuze, libros de Robert McKee y Christine Vogler sobre escritura de guiones y maravillosa serie libros de la New Literary Review, donde hay tanto investigación básica Anton Dolin sobre Lars von Trier y traducciones de Gordon Gray.

Otro buena serie- una entrevista con los directores de la serie Art House publicada por ABC-Classics. Muchos libros están desactualizados en términos de fechas de estreno de películas, pero no en esencia. Hay muchos detalles y detalles sobre el proceso de filmación en sí, hay pocas sensaciones, intrigas e investigaciones, y de estos libros, en primer lugar, se desprende que el cine es un trabajo complejo y agotador, en el que muchas veces es necesario estar un fanático del control, y no volar en tus sueños o en la realidad. Es un placer especial abrir la revista rusa SEANS, que publica excelentes números temáticos. Otros libros maravillosos sobre cine en ruso que tuve en mis manos son "Watching Cinema" de Leklesio, un libro fundamental sobre el Nuevo Hollywood de Peter Biskind, que fue traducido (este es "Easy Riders and Raging Bulls") y las memorias en tres volúmenes. de Sergei Solovyov, de donde resulta increíblemente claro cómo se hacían las películas en la URSS, cómo se estructura el proceso de filmación y cómo el cine cobra vida cuando las actrices se convierten en esposas y los colegas en amigos jurados. Los ensayos de Barthes y Sontag sobre fotografía a menudo resuenan con lo que pienso sobre las películas, incluso cuando están escritas sobre otros medios.

Mi biblioteca sobre cine se ha ido ampliando desde hace tiempo con libros que hay que comprar cara y traerlos del extranjero. Desafortunadamente, en Rusia se han traducido pocos libros sobre directores y cine en general, y aún menos obras sobre estudios cinematográficos, por lo que conocimientos de inglés, francés, alemán, español e italiano pueden resultar muy útiles si quieres leer un libro. sobre tu director favorito que no ha causado sensación en todo el mundo.

compré todo libros importantes a los críticos de cine Pauline Kael y Roger Ebert para comprender cómo los escritores más populares de Estados Unidos analizaban las películas y los directores.

Mi primera película en dos partes es una excelente exploración de cómo hacer tu primera película con la boca. los mejores directores(principalmente americano).

Los libros de Hoberman y Thompson, el estudio canónico A Cinema of Loneliness, A Shock Value, así como la serie de monografías sobre directores Director's Cuts (Columbia University Press) son lecturas muy inspiradoras para entender de dónde viene el cine y hacia dónde va.

El gran libro de Sidney Lumet, Making Movies, habla sobre cómo funciona todo el proceso de filmación: de principio a fin, cómo matar una película y mejorarla, qué hacer con los actores, el sonido y la luz, y cómo no rechazar un trabajo si promete algo. experiencia o crecimiento al principio.

Amo mucho a Estados Unidos, por lo que mi consejo es bastante unilateral. Y sí, casi todo gran director tiene un libro convincente sobre el trabajo y la creatividad. Mi favorito, increíblemente recopilado y genialmente hecho, es Scorsese sobre Scorsese, porque difícilmente existe en el mundo un cinéfilo tan experimentado y un gran director moderno que comparta generosamente sus métodos y gustos. Este libro es simplemente felicidad.

En general, la biblioteca del cinéfilo es Buenos libros 500, cada uno de los cuales me gustaría hojear y dejar en el estante. Pero puedes empezar con esta pequeña lista.

4/11 ¿Qué libros existen sobre teoría de la crítica: música, cine, literatura?

5/11 ¿Qué libros sobre curaduría en ruso o inglés vale la pena leer, además de Misiano, Obrist, Paul O'Neill y Terry Smith?

En mi opinión subjetiva, los libros sobre comisariado suelen ser bastante inútiles. La supervisión no se puede enseñar. Para una persona que decide convertirse en curador, es de fundamental importancia conocer la historia de las exposiciones, navegar en las prácticas discursivas modernas, conocer la historia del arte y la historia del comisariado en sí. Cuando tal o cual curador habla en detalle de su método, esto no conduce en absoluto a que sus lectores comprendan sus propias metas y objetivos. Por supuesto, los curadores tienen muchos libros excelentes, pero no se trata de curaduría. Me parece importante “mantener la nariz pegada al viento” para leer publicaciones periódicas sobre exposiciones. Estos son Afterall, Springerin, The Exhibitionist, Mousse Magazine, E-Fluх Journal, Manifesta Journal, On Curating y algunos otros. Esto ayudará a comprender lo que está sucediendo actualmente en las prácticas expositivas. En general, lee sobre exposiciones, busca un curador de confianza y lee sus textos. Tengo muchos de ellos, por ejemplo, leo la mayoría de los textos y artículos de la maravillosa María Lind, Juan Gaitán, WHW, y nunca me canso de seguirlos.

6/11 ¿Qué recomiendas leer sobre el teatro moderno?

Es muy fácil responder hoy a esta pregunta: en los últimos dos años, se han traducido al ruso y se han publicado maravillosamente dos monografías clave sobre el teatro moderno, sin las cuales ningún investigador o experto en este campo puede prescindir. Se trata, en primer lugar, del “Teatro posdramático” del estudioso del teatro alemán Hans-Thies Lehmann. En segundo lugar está “La estética de la performatividad” de la investigadora alemana Erika Fischer-Lichte. Ambos autores exploran los límites del teatro como lenguaje único modernidad y ayuda a refrescar y renovar la óptica del espectador, yendo más allá de los estereotipos de percepción existentes. presentación teatral. Si no tienes miedo de que tus ideas sobre el teatro cambien y se vuelvan más complejas, si estás preparado para algo nuevo y, a menudo, extremo experiencia teatral– Empiece por leer a Lehmann y Fischer-Lichte.

Para aquellos interesados ​​en filosofar sobre el teatro moderno y sus orígenes, también recomiendo el brillante y provocativo libro de Keti Chukhrov “Being and Performing: A Theatre Project in crítica filosófica arte."

Lea también los buenos. críticos de teatro– encendido o encendido. Saben cómo realizar un seguimiento de las cosas más importantes y relevantes. Y describirlo y evaluarlo cualitativamente.

7/11 ¿Cuál es la lista de libros imprescindibles sobre teatro?

Para aquellos que quieran conectar sus vidas con el teatro, es vital leer los siguientes libros: Mikhail Tumanishvili "El director abandona el teatro", Peter Brook "El espacio vacío", Roland Barthes "Trabaja en el teatro", dominar el 4 -volumen Efros, libros de Alexei Bartoshevich y, por supuesto, Stanislavsky.

Hay cientos y miles de libros sobre el barroco, pero entre ellos hay uno con el que simplemente hay que empezar a familiarizarse con este estilo. Este es el libro "Renacimiento y Barroco" de Heinrich Wölfflin. Se publicó por primera vez en Rusia en 1913. Wölfflin dedujo fácil y elegantemente la fórmula barroca, mostrando cómo apareció este estilo integral y en qué principios se basaba. Analizó cuidadosamente los detalles más pequeños arquitectura del barroco romano y reveló magistralmente la base filosófica del estilo. Después de Wölfflin, nunca más te atormentará la pregunta: “Y sin embargo, ¿qué tiene que ver una perla de forma irregular con esto?”

Así, los españoles Gris y Picasso tienen una relación muy lejana con el arte español, los rumanos Tristan Tzara - con el arte rumano, el judío bielorruso Marc Chagall - con el arte bielorruso, etc. Toda la primera mitad del siglo XX, que transcurrió bajo el signo de guerras y agitaciones, con Francia en la segunda Alemania, Austria, Italia y, en menor medida, Gran Bretaña, coexistieron en los roles.

En la segunda mitad del siglo, Estados Unidos se convirtió en el líder indiscutible, aunque esto no significa que la derrota y el declive se produjeran en Europa. Londres es el creador de tendencias en el mundo de las galerías en el último cuarto del siglo XX: los artistas ingleses se encuentran entre los más caros en las subastas. Debido al bajo coste de la vida, Berlín es muy atractivo para los artistas, aunque vivir allí no significa ser alemán.

En general, el concepto de lo nacional en el arte se ha desvanecido y marchitado antes que en otras áreas. No tradiciones nacionales- solo hay artistas.

10/11 ¿Puede el arte no tener mensaje?

El arte puede hacer cualquier cosa. Sin embargo, no debe nada. Sentido común Orientado a la supervivencia en un entorno específico, nos inclina muchas veces a simplificar en todos los ámbitos de la vida. El arte es herramienta necesaria complicación, sin la cual una persona se degrada. En este sentido, siempre lleva algún tipo de mensaje, pero su descodificación depende de las capacidades del perceptor. Incluso el arte menos objetivo entra en diálogo con nosotros, y no es su culpa si esperamos caprichosamente que todo nos resulte claro. Si se requiere algún esfuerzo para comprenderlo, ya no estamos satisfechos. Pero si simplemente nos vemos obligados a dominar algunas habilidades, entonces el arte causa especial irritación a la persona promedio, que está acostumbrada a rechazar con desdén todo lo que, en su opinión, es inútil. A diferencia de la ciencia compleja y peligrosa, el arte está indefenso, por lo que siempre es el objetivo de diversos guardianes de la moral, las tradiciones y otras purezas. No entienden que esto ya es una prueba clara de que el mensaje ha llegado al destinatario.

¡Hola!

Mi nombre es Muhiddin. Soy de Uzbekistán. Leí artículos en su sitio. Me gusta mucho. Muy interesante y creativo.

Aunque leo mucho, todavía no puedo entender algunas situaciones. ¿Puedo hacerte una pregunta?

Como todos sabemos, existen muchos museos y palacios en el mundo. Cada uno de ellos es único e inimitable. Visité museos en Rusia, Francia, Bélgica, Holanda, Alemania, Estados Unidos, etc. Cuando miro pinturas de la Edad Media, trato de entender lo que realmente se representa allí. Desafortunadamente, no siempre funciona: los temas son muy diferentes. Dicen que para entender las imágenes es necesario conocer muy bien la Biblia. Estoy de acuerdo con ésto.

Por favor, si tienes personas muy inteligentes que entienden la importancia de este tema, escribe un artículo al respecto. ¿Cómo se pueden visitar museos de todo el mundo? ¿Cómo se puede saber sin Google qué es valioso allí (por ejemplo, el Reloj del Pavo Real en el Hermitage) y cómo entender la trama y la historia de un cuadro? ¿Cómo debe una persona ver e interpretar la pintura en general? ¿Qué formas fáciles existen?

Con la esperanza de ver respuestas a mis preguntas en un futuro próximo y con un cordial saludo, Muhyiddin.

Respuesta

Por supuesto que podemos hacer preguntas, ¿no es por eso que nos escribiste? Por cierto, muchas gracias: es un placer responder a esto. Aunque algunos momentos nos parezcan demasiado ingenuos. Todo es mucho más sencillo de lo que crees. A alguien muy inteligente se le ocurrió audioguías y guías turísticos que lo explican todo. Y para comprenderlo más profundamente, es necesario mostrar interés. Si es fácil o no, decide por ti mismo.

La civilización moderna ha creado un milagro como Internet, que hace la vida mucho más fácil. Escribes el nombre del museo en un motor de búsqueda y listo, todas las atracciones principales de resumen frente a ti. Allí puedes ver la historia de la creación de la imagen, la trama, algunas sutilezas. Muy conveniente, especialmente si no tienes mucho tiempo para visitarlo. No hay tiempo para detenerse en cada imagen, por lo que hay que activar la velocidad de crucero, correr a un ritmo menor pinturas significativas detenerse en obras maestras reconocidas. Aunque a veces la imagen en la esquina más alejada es más impresionante que obra maestra principal colección del museo. Por ejemplo Virgen Sixtina: definitivamente brillante y trabajo maravilloso, pero en la galería de Dresde hay piezas más impresionantes.

Algunas personas creen que adquirir conocimientos a través de Internet, especialmente cuando estamos hablando acerca de sobre tal asuntos elevados, - malos modales. Para ellos es lo mismo que cambiar una noche de museos por un concierto de “Nasty Molly” en la Ionoteka: les parece lo mismo Evento cultural, pero con un regusto picante a mierda. Porque la cultura es diferente.

Para estas personas, desde hace cien años se publican libros y enciclopedias de arte clásico que contienen reproducciones de pinturas con breve información sobre ellas. La mayoría de las veces, estas colecciones se dividen según un tema específico, por ejemplo, en obras maestras de las bellas artes rusas, mejores trabajos un artista en particular, o la colección de un museo en particular.

Me enamoré del arte ruso gracias a las pinturas de Karl Bryullov. Y me enamoré de la obra de Karl Pavlovich gracias a un magnífico libro con reproducciones, publicado en el todavía peludo tiempos soviéticos. Había una biografía del artista y comentarios sobre cómo escribió su brillante paisajes italianos, y qué significan los gestos de las personas en el cuadro “El último día de Pompeya”.

Si quieres comprenderlo aún más profundamente, tendrás que leer monografías y libros de críticos de arte de fama mundial. Hubo un tiempo en que quedé profundamente impresionado por el trabajo de Eleanor Paston sobre el trabajo de Viktor Vasnetsov. También puedo recomendar la monografía de Svetlana Alpers “El arte de la descripción: la pintura holandesa en el siglo XVII”. A todos nos encanta un lugar maravilloso y acogedor. pintura holandesa, el gran Van Dyck, Bruegel, Rubens. Pero el autor afirma que el análisis es imposible sin óptica. Una teoría interesante, aunque no indiscutible. Resulta, gente culta El norte europeo miraba las pinturas, a diferencia de los italianos, que intentaban reconocer en el dibujo un significado alegórico, filosófico o político.

Es sorprendente lo bueno que es el libro “Historia de la pintura” del ya fallecido crítico de arte Daniel Arass. Consiste en cuentos cortos, dedicado a los problemas de las imágenes en perspectiva. En pocas palabras, explica lo que significan los gestos de los arcángeles, el paisaje detrás de la Gioconda y los enormes caracoles de las pinturas de Francesco del Cossa.

Asegúrese de leer el libro "Pintura y experiencia social en la Italia del siglo XV". Ya por el título queda claro que se trata de Italia y de las opiniones de personas de diferentes clases sobre el arte. Elementalmente, el comerciante y el artesano tenían un ojo diferente, y por tanto su visión de las pinturas era diferente. Los artistas, por supuesto, tuvieron en cuenta este hecho a la hora de escribir.

Con la mano en el corazón, algunos de los libros de historia del arte fueron escritos en la época soviética. Basta mirar la encantadora serie "Ensayos sobre la historia y la teoría de las bellas artes". Los libros en sí son pequeños, pero accesibles. hermoso lenguaje, sin palabras innecesarias describe los principales hitos y los mejores maestros de un período histórico o de un pueblo en particular. Como sabes, el mejor libro es un libro con imágenes. Todo está bien, aquí hay reproducciones y fotografías de monumentos arquitectónicos. Para ser honesto, no sé si ya está publicado, pero creo que incluso en Uzbekistán no será difícil encontrar ediciones antiguas. Quizás estén en bibliotecas o alguien decida revenderlos.

Los autores jóvenes en sus nuevos libros intentan llegar al fondo de la verdad, atribuyendo a las imágenes historias semidetectives, tratando de mirar obras maestras famosas con un nuevo look, aunque todo ya se sabe desde hace tiempo. Así que no mires la fecha de lanzamiento del libro.

Encontrar Buenos libros no es difícil. No sólo amplían tus horizontes, sino que también te enseñan a percibir bien. Pinturas famosas de lo contrario. Creo que algún día haremos una selección de libros sobre historia del arte.

Para comprender aún mejor el arte, es necesario interesarse por la biografía de los maestros. Por ejemplo, pinturas de caravaggio Se vuelve más claro cuando te das cuenta de que es un asesino accidental que pasó casi toda su vida huyendo. Las pinturas y travesuras de Salvador Dalí se ven de manera un poco diferente cuando aprendes sobre su entorno y los matices de la vida familiar.

Y por supuesto, el arte no puede ir en contra de la historia. Es ella, querida, quien deja claro qué orden sociopolítico llevaron a cabo los monjes, que permanecieron en la historia bajo nombres sonoros Fra Angélico, Fra Bartolomeo, etc. El surgimiento del vanguardismo, el cubismo y el impresionismo está indisolublemente ligado a la locura del anormal y revolucionario siglo XX. Cuando recuerdas que en aquellos días las drogas eran medicinas, la tecnología avanzaba a pasos agigantados y la moral cambiaba mucho, encuentras justificación para la proclamada popularidad y grandeza de Modigliani. Después de todo, en esencia, cuando miras frescos o lienzos, estás leyendo un documento histórico.

A veces lo que vemos no es en absoluto lo que pensamos. Por ejemplo, los masones dejaron mensajes completos con su arquitectura. Cada monograma, cada cariátide, columna e incluso la ubicación de la casa tiene un significado. Pero el no iniciado simplemente ve bonita casa Siglo XIX. El arte es algo sutil.

leer libros, mirar documentales, te enseñarán a ver algo más que la belleza. Bueno, al mismo tiempo descubrirás qué museo contiene qué. Por cierto, las historias de los propios museos a veces son más interesantes que sus colecciones, así que si estás interesado, estúdialas.

Pero eso no es todo. Si quieres convertirte en un monstruo del arte, entrena. Por ejemplo, aprenda a distinguir escuelas sin mirar a los autores. Basta abrir un libro con reproducciones y nombrar la época, la escuela del autor y en qué dirección escribió. La puntuación más alta es el nombre del artista. Y trate de explicar usted mismo lo que se representa en el lienzo, sin que se lo pidan. Incluso si es pintura abstracta, aunque tienen muchos significados. Bueno, sólo los críticos y expertos culturales lo entienden más profundamente.

Y, por último, cualquier negocio se percibe de forma diferente si lo haces tú mismo. Con la pintura pasa lo mismo: si te pintas, miras el lienzo con otros ojos, como un profesional. Notas matices como la línea, el volumen, el color. Nosotros, simples mortales, vemos algo interesante, pero el artista es un rompecabezas completo. Ten esto en cuenta, incluso si no vas a dedicar tiempo a cursos de dibujo. Las sutilezas de la cocina artística, la terminología y el proceso de creación cambian significativamente la percepción. Es como ver fútbol y enseñar a los jugadores a patear y pasar, porque no os pueden llamar colegas.

En los últimos años, las bellas artes han estado a la par del existencialismo, el posmodernismo, la fotografía, la poesía y otras cosas que convierten a la persona promedio en un intelectual. Se ha vuelto simplemente indecente no entender el arte. Si todavía le resulta difícil navegar en el campo del arte, no le permitiremos sentarse en un charco ni humillarse frente a ningún estudiante o crítico de arte culto de la NGAHA. TNR está lanzando su propio programa educativo exprés que le permitirá comprender el arte no peor que Rosalind Krauss.

Digamos que aceptaste tener una cita en museo de historia local o al Museo de Arte de Novosibirsk. Un acto imprudente, pero no le pasa a nadie. Un montón de pinturas pesadas, el blanco de los ojos se mueve en la penumbra, los que pueden hablar hablan de trazos gruesos y, sin darte cuenta, escuchas a escondidas y te sientes como una biomasa no iluminada.

En primer lugar, no debes prestar atención a nadie y sentirte como un paria o un plebeyo, ¡porque estás en la dirección correcta! Para entender el arte no basta con leer un montón de libros; primero hay que aprender a mirar y luego a ver. Por supuesto, la capacidad de mirar sin ciertos conocimientos no le ayudará a respaldar la conversación de un amigo sobre el cubismo de Picasso, pero sí le ayudará. buen comienzo y la base para un mayor conocimiento.

El arte es la mujer más exigente. Ella nunca te mirará si no tienes al menos un conocimiento aproximado de filosofía, anatomía, física y geometría. Pero a nivel de Novosibirsk no es necesario saber absolutamente todo para encontrarse con el arte en la cama la primera noche. Nuestra ciudad rara vez puede complacer a los amantes del minimalismo, el orientalismo, el polirrealismo y otros tipos de bellas artes con un significado profundo que no son típicos de Rusia.

Novosibirsk suele acoger exposiciones de surrealismo, naturalismo, clasicismo, pintura de iconos, realismo y estética sovriska. Y esto simplifica enormemente su tarea y ahorra tiempo.

En primer lugar, hay que entender que Internet es el primer enemigo del arte; evaluar obras a través de un monitor es como ver pornografía en lugar de tener relaciones sexuales. Lo máximo que desea en este caso es descargar libros de personas que dedicaron poco más de cinco minutos a estudiar arte, mientras que otros críticos de arte de salón dedicaron lectura a “Respuestas de Mail.ru”.

Por ejemplo, puede descargar un libro de Sam Phillips, Ekaterina Andreeva, Dvorak Max y otros historiadores del arte que comprenden el fenómeno de los artistas que le interesan. Pero probablemente no descargarás nada y no querrás dedicar tiempo personal e íntimo a estudiar libros, por lo que intentaremos explicarte de forma fácil y clara los tipos de bellas artes más populares que puedes encontrar en museos, lofts y galerías. en Novosibirsk.

Surrealismo - realidad deformada

Las pinturas de los surrealistas parecen imitaciones de fantasías, paranoia, sueños fantásticos, un intento de conectar lo incompatible y representar lo imposible: una realidad congelada. Receta buena foto no existe, el surrealismo ideal es nuestra vida entre los sueños y la realidad, Dalí desnudo y Dzhigurda saltando sobre una escoba durante la Cuaresma. El surrealismo es fácil de reconocer entre arte contemporáneo: incluye todo lo que es irracional y no corresponde a los estándares generalmente aceptados, por ejemplo, elefantes voladores, collages, criaturas fantásticas, lugares y fenómenos. En general, todo lo que tiene una trama fantasmagórica con expresión expresiva es surrealismo.

Probablemente deberíamos repetir que en Novosibirsk rara vez se exponen exposiciones de futuristas, artistas neovanguardistas y realistas mágicos, por lo que le resultará difícil confundir el surrealismo con otras consecuencias del freudismo y las drogas. Novosibirsk ama sinceramente a Dalí y Magritte: si vas a una exposición surrealista, lo más probable es que presente pinturas de estos mismos artistas.

Surrealistas: Giorgio de Chirico, Salvador Dalí, Joan Miró, Max Ernst, Hieronymus Bosch, René Magritte, Frida Kahlo, Tito Salomoni, Robert Venosa, Andrei Dugin.

Naturalismo: el olor a estiércol y hierba cortada.

Si los surrealistas son considerados los creadores de la naturaleza mítica, los naturalistas son considerados una cohorte excepcional de artistas que calculan la naturaleza en su forma real y monumental. La tarea del naturalismo es dibujar una fotografía, registrar la realidad objetiva, de modo que el pescador huela a sudor viejo y el sol caliente el aire dentro del museo.

Naturalistas: Jules Bastien-Lepage, Knight (“Saludando al barquero”), Lhermitte (“Pagando a los segadores”).

Impresionismo - segundo cubo

Las pinturas impresionistas parecen un segundo cubo: cómo un artista plasma sus impresiones, sentimientos, una imagen en movimiento en el lienzo sin contornos ni restricciones de tiempo. Aquí es donde tu capacidad de ver resulta útil. Ahora en Novosibirsk hay una exposición del postimpresionista Van Gogh en Vokzalnaya Magistral, 16.

El conocimiento sobre el impresionismo nace ante tus ojos y sólo en la galería: Van Gogh debe rodearte, entonces puedes incluso experimentar el llamado síndrome de Stendhal, un trastorno mental especial oficialmente aprobado por la medicina que provoca un contacto demasiado penetrante con el arte. . Es como un orgasmo, sólo que peor: miras una película o escuchas alguna ópera poderosa y los latidos de tu corazón se aceleran, te sientes mareado y puedes experimentar una histeria natural con lágrimas y desmayos.

Impresionistas: Edouard Manet, Claude Monet, Auguste Renoir, Edgar Degas, Alfred Sisley, Camille Pissarro, Frédéric Bazille y Berthe Morisot

Clasicismo - cinturón de castidad

Forma de arte favorita del Museo de Arte Estatal de Novosibirsk. No confundirás el clasicismo con nada más; se caracteriza por el rigor, la lógica y la coherencia.

Clasicistas Estrellas: Nicolas Poussin, Agostino Carracci, Michelangelo Buonarroti, Rafael Santi.

Expresionismo - retorno emocional

Los expresionistas representan su condición emocional. Para comprender este tipo de arte, lo mejor es volverse expresionista, servirse whisky en un vaso y dibujar su reacción ante las sanciones o la deuda nacional de Novosibirsk. Si dibujas a una persona gritando en el puente Bugrinsky, experimentarás las mismas sensaciones que durante la puesta de sol.

El expresionismo es principalmente una reacción emocional capturada en el óleo. Estas palabras contienen felicidad, porque tú también puedes hacer esto, pero nunca venderás tu obra por un dinero fabuloso. E incluso por 100 rublos.

Expresionistas: Edvard Munch, James Ensor, Emil Nolde, Max Pechstein, Ernst Ludwig Kirchner, Erich Heckel.

Cubismo - geometría al óleo

Las pinturas cubistas parecen un diamante transparente que se encuentra en dimensión de cuatro dimensiones y revela todas sus facetas. Los cubistas trituran objetos para formas geométricas, y para la saturación óptica colocan los lados uno encima del otro, violando las leyes de Euclides, dando a las pinturas su propio espacio.

Cubistas: Pablo Picasso, Juan Gris, Fernand Léger, Marcel Duchamp

Ahora que tienes el máximo breve introducción sobre lo mas tipos populares bellas artes en Novosibirsk, te contamos lo más importante que debes saber sobre el arte. Todos estos tipos son sólo etiquetas patéticas que ayudan a los aficionados a navegar; de hecho, el arte rechaza cualquier vinculación y numeración; Borra el tiempo y las fronteras creativas, convirtiéndose en un diálogo interno entre el espectador y el artista. Por lo tanto, haz tantas preguntas como puedas a las imágenes, no a Google, y no temas que te parezcan inapropiadas o triviales. Cuando las pinturas empiecen a gustarte, te enamorarás sinceramente del arte, aprenderás a leerlo y no te perderás más de una exposición en Novosibirsk.

¿Quiénes son ellos? Amantes de la pintura.

Visitando exhibiciones de arte, muchos de nosotros hemos visto personas congeladas, como esperando, frente a alguna imagen. A primera vista esto parece gracioso. ¿Qué es lo que realmente puedes mirar durante tanto tiempo? Y en general, como dice el famoso chiste, ¿por qué mirar cómo la gente "en la antigüedad" sufría sin Polaroid? Sí, el ritmo de vida aumenta constantemente y las personas, para mantenerse al día, se vuelven cada vez más pragmáticas y evalúan todo lo que les rodea en términos de inversiones y ganancias. Por supuesto, al admirar la imagen, no recibirás ningún beneficio material. Sin embargo, si miras de cerca, notarás una sorprendente conexión entre el público y la pintura misma: sus rostros están iluminados por una luz desconocida que proviene del lienzo, como si estuvieran bajo la influencia del aura misteriosa de la pintura.

La pintura es un mundo especial, cuya puerta está siempre abierta, pero no todo el mundo puede entrar. El conocimiento que transmiten las imágenes no es la información a la que todos estamos acostumbrados, ni la información que recibimos en la escuela, ni el flujo de datos factuales que nos bombardean todos los días desde los medios de comunicación. Este es el conocimiento espiritual. Su conciencia llega gradualmente, a medida que el espectador, paso a paso, se prepara para unirse. experiencia espiritual. Por lo tanto, la consigna que alguna vez propusieron los bolcheviques: “Arte para las masas” es fundamentalmente incorrecta. El arte no puede dar nada a las masas si éstas no están dispuestas a darle algo a cambio. Y en este sentido el arte es elitista. Sin embargo, no está cerrado a los curiosos y los que sufren, y siempre está listo para recibir al recién llegado, para, tomándolo tranquilamente de la mano, poder guiarlo por el camino del conocimiento hacia el mundo de las verdades simples. No se puede decir esto mejor que Yu. Vizbor dijo una vez sobre el mundo de la música: “Qué tipo de música había, qué tipo de música sonaba. Ella no sermoneó en absoluto, solo llamó en voz baja. Ella llamó a considerar el bien como bien, y a considerar el pan como una bendición, a curar el sufrimiento con el sufrimiento y a calentar el alma con el vino o el fuego”.

Cómo un artista plasma sus ideas en una pintura.

Nuestros ojos a menudo nos engañan. Entonces, en pintura, lo que se representa en la imagen no siempre es equivalente a lo que el autor quería decir. Sí, para los amantes de la televisión que aman mirar. hermosas fotos, tumbado en el sofá, no te gustará. Recurriendo al uso de técnicas pictóricas, el artista transmite sus pensamientos y sentimientos a través de un determinado código de información.

En primer lugar, el autor (ya sea de una obra de arte o de cualquier otra) actúa siempre como “rehén” de su tiempo. Por tanto, la idea de la pintura tiene necesariamente un “vínculo” con era historica, en el que trabajó el artista. Así, por ejemplo, en pintura medieval imagen cuerpo humano y todo lo relacionado con ello se consideraba pecaminoso. Por lo tanto, una persona no preparada, mirando estas pinturas a la luz de las ideas actuales, decidirá que se trata de una especie de " dibujo infantil” y, sin verse afectado por lo que vio, pasará de largo.

En segundo lugar, este es el código del propio mensaje del autor. Al formular su idea, el artista intenta expresarla en el lenguaje de la pintura, utilizando las leyes de las bellas artes, la principal de las cuales es la ley de composición. Además del lenguaje de las leyes de construcción de las imágenes, la pintura también tiene otro lenguaje. Desde la Edad Media, cuando la pintura gravitaba hacia una interpretación alegórica de los objetos, en las artes visuales se desarrolló un lenguaje de símbolos, con el que el autor podía encajar su idea en el estricto marco de los temas permitidos. Este idioma tiene su merecido mayor desarrollo en los siglos XVII y XVIII, cuando a menudo se utilizaban escenas de mitos antiguos para crear pinturas.

En tercer lugar, una elección consciente de diversos técnicas artísticas forma la "escritura a mano" única del artista, sabiendo cuál, se puede establecer fácilmente la autoría de obras desconocidas.

¿Por qué se necesitan todos estos “códigos”? ¿Realmente no es posible simplemente tomar y dibujar lo que más te guste, para que todos entiendan lo verdaderamente hermoso que es? Lamentablemente, la ciencia aún no puede responder a esta pregunta. El caso es que este problema está directamente relacionado con el problema del origen del lenguaje. No sabemos por qué la gente cambió gradualmente a lenguaje convencional comunicación, abandonando el lenguaje de signos y los gritos de los animales. Sólo se puede suponer que esto estuvo relacionado de alguna manera con el desarrollo de la cultura. Y aunque el espíritu de realismo en cultura moderna, aparentemente prevaleció, me parece que, de una forma u otra, los autores pinturas realistas Siempre cambiemos al lenguaje de la “escritura secreta” o caigamos en el primitivismo.

Leyes básicas de la pintura.

Puede facilitarle la percepción de la imagen recurriendo a las leyes básicas de la pintura, a través de las cuales el artista se comunica con nosotros, traduciendo sus pensamientos y sentimientos al lienzo. La principal ley de la pintura es la creación. la composición correcta, es decir. equilibrio varias partes pinturas. La función principal de la composición es atraer la atención del público hacia el objeto principal, transmitir un cierto estado de ánimo emocional a través del juego de formas, líneas y colores.

Por ejemplo, las líneas rectas estrictas transmiten bien peso y volumen, dan plenitud y perfección a las formas y crean una sensación de armonía y tranquilidad. La perfección de la forma implica el uso de puro colores ricos. La imagen se vuelve “resonante”. Por ejemplo, las pinturas de N. Roerich son muy "sonoras". Los pintores de iconos conocían bien esta técnica; Teófanes el griego logró transmitir perfectamente el “sonido” de los colores.

Contra, lineas curvas dar lugar a una sensación de movimiento y variabilidad en el alma. Por ejemplo, un camino sinuoso en una neblina azul en el fondo de la pintura "Mona Lisa" de Leonardo da Vinci crea una sensación de inestabilidad, fugacidad y ligera ingravidez del retrato mismo. Muy a menudo, los artistas utilizaron el fondo para enfatizar el estado de ánimo del personaje de la imagen y comunicar una cierta emoción al espectador. Una técnica similar estaba muy extendida en la pintura de retratos ceremoniales.

Además, una pintura siempre tiene un punto de vista: la posición desde la cual el autor nos muestra el objeto. Está directamente relacionado con las leyes de la construcción de perspectiva, porque es el punto de fuga lineas paralelas objetos representados. Hay varios tipos de perspectiva. Las más habituales son la habitual perspectiva frontal (con el punto de fuga situado detrás del objeto), que muestra una disminución del tamaño de los objetos a medida que se alejan de los ojos del observador, y la perspectiva inversa (el punto de fuga está delante del objeto). , en el que los objetos aumentan de tamaño a medida que se alejan del observador. En la pintura de iconos, los artistas a menudo recurrían al uso de la perspectiva inversa para encarnar de manera similar la idea de acercar ideales distantes. El punto de fuga permite a los artistas, como jugando con el espacio, llamar la atención del espectador sobre los objetos y planos más significativos de la imagen. Por ejemplo, en el cuadro de Leonardo da Vinci. última cena“Podemos determinar fácilmente el centro compositivo, gracias al punto de fuga de la perspectiva de la imagen, situado inmediatamente detrás de Cristo.

La línea del horizonte es de gran importancia en la percepción de la imagen. La línea del horizonte permite transmitir la escala de los acontecimientos representados de acuerdo con la percepción especulativa del artista. Por ejemplo, una línea de horizonte ubicada en la parte inferior del cuadro puede dar lugar a un sentimiento de implicación en la acción, mientras que, por el contrario, al estar en la parte superior del lienzo, nos obliga a evaluar lo representado en la imagen desde una “vista de pájaro”.

Además de la armonía de líneas y formas, el cuadro también debe contener armonía de luz y color. Los puntos de luz se utilizan para dar tensión emocional a la imagen, convirtiéndose en un cierto estado de ánimo mental. El efecto de este efecto se explica por la concentración de la atención del público en los detalles más importantes y significativos de la imagen. Tiziano, Rembrandt, K. Bryullov, I. Kuindzhi trabajaron perfectamente con la luz. Por ejemplo, en el cuadro de I. Kuindzhi “ noche de luna en el Dnieper" sólo vemos dos puntos de luz brillantes en medio de una noche impenetrable: la luna y franja estrecha agua debajo. Este ligero contraste crea una sensación de calma y tranquilidad en el alma. En los retratos se utilizan mucho contrastes de luz similares. Un excelente ejemplo de esto es el “Retrato de un hombre de rojo” de Rembrandt o el “Retrato de F.M. Dostoievski" de V. Perov. En ellos, los ligeros acentos en el rostro y las manos dan la sensación de estar inmersos en pensamientos, fuerza interior personaje.

La reproducción cromática del cuadro tiene el mismo objetivo que los acentos luminosos: atraer la atención del espectador hacia lo más detalles significativos obras. El contraste de color controla la selectividad de la percepción. En primer lugar, lo que más llama la atención colores brillantes pintura, y luego involuntariamente cambia a fragmentos que contrastan con este color. Si miras de cerca la imagen, notarás que los contrastes de color se encuentran alrededor centro de composición, creando así un énfasis adicional en él. Además, dan lugar a una sensación de movimiento interior; la imagen parece cobrar vida y deja de ser estática.

Las leyes compositivas de la pintura son un buen ejemplo de la ley de la dialéctica sobre la lucha y la unidad de los opuestos. Toda la composición del cuadro se basa en la unidad y el contraste de objeto y fondo, líneas y formas, luz y color. Al combinar estos diferentes elementos, contrastándolos con otros grupos de la composición, el autor hace que la imagen sea más amplia y polivalente.

Sólo el corazón está alerta

Una pintura es un libro, pero no intentes encontrar inmediatamente la última hoja de contenido que contiene. La imagen es la misma cueva de Ali Baba, de donde solo puedes sacar la cantidad de oro que puedas llevar a la vez. Pero siempre puedes volver a la imagen cuando las fuerzas espirituales nuevamente requieran saturación. Después de todo, incluso si llegas a una exposición con un estado de ánimo diferente, puedes tener una percepción diferente del cuadro.

Las personas pueden percibir la misma imagen de manera diferente. Basta recordar los debates en curso sobre el tema de la Mona Lisa para comprenderlo. Una de las características encantadoras de la pintura es que puede generar innumerables reacciones de percepción de múltiples capas y, al mismo tiempo, revelar un "denominador común", ese significado importante que subyace a la imagen, que todos entienden y ven.

La pintura siempre nos recordará aquello que, como decía el Zorro en la novela de A. Saint-Exupry “ un principito": "...sólo el corazón está alerta. No puedes ver las cosas más importantes con tus ojos”. Y tal vez, efectivamente, sólo gracias al arte algún día el mundo se salve.

Ya hemos escrito sobre eso., Ahora hablemos de descifrar las imágenes.

Lea el titulo. Acérquese lo más posible a la imagen. Fíjate bien en los trazos, especialmente si se trata de una pintura con textura al óleo. Luego vuelve a alejarte un poco para que puedas formar imagen completa para una fácil visualización. A continuación, sigue nuestras instrucciones.

1. Descubra el año en que se pintó el cuadro, la biografía del artista y la dirección en la que trabajó.

2. Marque el "punto de entrada" en la imagen..

Este es el lugar donde inmediatamente cae la vista, y aquí es donde comienza el examen de la obra. El “punto de entrada” conlleva una importante carga emocional y semántica. Todo el mundo conoce la imagen de A.I. Kuindzhi “Noche de luna en el Dnieper”. La Luna es el “punto de entrada” imagen principal y el centro de la imagen.

3. Escuche sus emociones.

Miremos el grabado “Melancolía” de Albrecht Durer. ¿Qué sientes? Dolor, tristeza, abatimiento - melancolía. Analizando el trabajo, vemos que tenemos 3 niveles de conocimiento. Moviéndose desde la esquina inferior derecha hacia la izquierda: clavos, sierra, regla - símbolos labor manual. El "nivel físico" se completa con una pelota, que en el siglo XV era el punto culminante de la habilidad de un trabajador. Miramos el centro de la imagen: un ángel lee un libro, vemos el nivel de conocimiento. Y finalmente, el nivel superior es la verdad y la iluminación, al que llega el autor. Cuanto más sabes, más profundo ves. Mucho conocimiento multiplica el dolor: esta es la razón de la herida espiritual de la niña. Pero también entendemos la herida emocional a partir del análisis emocional de la imagen.

4. Dibuja mentalmente las diagonales del dibujo.

Simplemente seleccione las imágenes principales y dibuje líneas a través de ellas. ¿Recibiste una cruz? ¡Excelente! Ante usted está el centro semántico de la imagen, generalmente en él se incrusta un significado importante. Ahora mira la composición. Cual figura geométrica se encuentra en la imagen? El círculo es un símbolo de armonía, infinito, unidad cósmica. Cuadrado – 4 elementos, simbolismo místico de la tierra. Triángulo – unidad, vida, tríada de dioses (Padre, Hijo, Espíritu Santo), resurrección.

Diagonales semánticas en el cuadro de Surikov “Vista del monumento a Pedro I en Plaza del Senado En San Petersburgo"

6. ¿Qué dice la combinación de colores o combinación de colores?

Cada color tiene un significado, un significado. Hasta principios del siglo XX, el color estaba asociado a la forma: una manzana era roja o amarilla, el mar era azul, las nubes eran blancas o grises. Kazimir Malevich hace una revolución con su “Cuadrado Negro”. Ahora el color es autosuficiente, tiene contenido independiente. Aparece toda una dirección: el suprematismo. Por ejemplo, rojo: pasión, dinámica, sangre, revolución. Azul – calma, pureza, cielo.

7. Presta atención a la hora del día y del año.

El invierno simboliza el estancamiento, quizás la muerte. La primavera es el comienzo de la vida, la esperanza. La noche es siempre misterio, misticismo, sensualidad.

¿Ves el contexto bíblico, literario o histórico? Descubra toda la historia. Esto es extremadamente importante para comprender la imagen.

9. Descifrar las alegorías.

Simplemente enumera todas las imágenes de la imagen: noche, luna, humo, rocas y piensa en lo que significa cada una de ellas. Aprovechar libros de referencia, por ejemplo, el diccionario de símbolos de Tressider.

10. Examine la imagen en busca de inscripciones y números.

Ningún artista dibujará palabras y números así. Traduce expresiones poco claras, descubre qué significa cada número. Después de todo, sabes que cada número tiene Significado oculto? Todos los relojes de Salvador Dalí, por ejemplo, marcan las 6 en punto. Y el 6 es perfección, verdad, suerte.