8 de septiembre de 2016, 19:05
Original tomado de kolybanov en Henri Matisse "El barco", 1937
Autor - Ela2012. Esta es una cita de esta publicación.
Henri Matisse "Barco", 1937
Barco, 1937. Museo de Arte Moderno
Nueva YorkMatisse representó un barco navegando y el reflejo que se puede ver en el agua. Al principio nadie podía entender lo que aquí se representaba. Se produjo un incidente curioso. La obra del pintor se exhibió en el Museo de Nueva York. Lo colocaron boca abajo. Pasó más de un mes y solo entonces se solucionó el error. Si uno de los visitantes no hubiera prestado atención a este descuido, es probable que el cuadro hubiera quedado en la posición equivocada.
El caso es que la imagen es absolutamente simétrica sólo a primera vista. Si miras de cerca, puedes ver el extremo elevado izquierdo. Precisamente ésta es una representación bastante esquemática de la proa del barco, o mejor dicho, ni siquiera del barco en sí, sino sólo de su vela. El reflejo en el agua ya no tiene un extremo elevado.
Además de la vela, Matisse representó nubes y la línea del horizonte. Estas son las mismas líneas rosadas.
Los fauves, de los cuales Matisse era un destacado representante, valoraban el color. Negaron completamente el contenido. El talento del artista se expresó en menos trazos. La obra es brillante por su sencillez.
Esta creación puede despertar la fantasía y la imaginación. El espectador tiene que pensar en lo que el autor quería decir con esta imagen. Parece el dibujo de un niño. Pero esto es sólo a primera vista. De hecho, ella es brillante. Lo más probable es que Matisse buscara sorprender no sólo a sus contemporáneos, sino también a quienes mirarían su pintura en el futuro. Todavía hoy golpea. ¿Existe un debate constante sobre lo que se esconde en esta obra maestra? ¿Es esta una obra maestra o un dibujo común y corriente? ¿Qué tan profunda es la percepción del mundo que tiene el pintor?
En nuestra opinión, Matisse logró su objetivo. Su pintura está en el centro de un acalorado debate hasta el día de hoy. Si la creación no fuera ingeniosa en esencia, difícilmente habrían hablado tanto de ella durante mucho tiempo. No es casualidad que la obra del artista esté a la par del famoso "Cuadrado Negro" de Malevich.
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Hieronymus Bosch, "El jardín de las delicias", 1500-1510
Casi todas las obras de arte importantes tienen un misterio, un “doble fondo” o una historia secreta que deseas descubrir. Hoy nosotros Compartamos Varios de ellos.
Música en las nalgas
Fragmento del lado derecho del tríptico
Las disputas sobre los significados y significados ocultos de la obra más famosa del artista holandés no han disminuido desde su aparición. El ala derecha del tríptico titulado “El infierno musical” representa a los pecadores que son torturados en el inframundo con la ayuda de instrumentos musicales. Uno de ellos tiene notas musicales estampadas en las nalgas. Amelia Hamrick, estudiante de la Oklahoma Christian University, que estudió la pintura, tradujo la notación del siglo XVI a un toque moderno y grabó "una canción del infierno de 500 años de antigüedad".
La venganza de Salvador Dalí
El cuadro "Figura en una ventana" fue pintado en 1925, cuando Dalí tenía 21 años. En ese momento Gala aún no había entrado en la vida del artista y su musa era su hermana Ana María. La relación entre hermano y hermana se deterioró cuando escribió en uno de los cuadros “a veces escupo en el retrato de mi propia madre, y esto me da placer”. Ana María no pudo perdonar un comportamiento tan impactante.
En su libro de 1949, Salvador Dalí a través de los ojos de una hermana, escribe sobre su hermano sin ningún elogio. El libro enfureció a Salvador. Durante otros diez años después de eso, la recordaba enojado en cada oportunidad. Y así, en 1954, apareció el cuadro “Una joven virgen que se entrega al pecado de la sodomía con la ayuda de los cuernos de su propia castidad”. La pose de la mujer, sus rizos, el paisaje fuera de la ventana y la combinación de colores de la pintura hacen eco claramente de “Figura en la ventana”. Hay una versión de que Dalí se vengó de su hermana por su libro.
Dánae de dos caras
Rembrandt Harmens van Rijn, "Dánae", 1636 - 1647
Muchos secretos de una de las pinturas más famosas de Rembrandt no se revelaron hasta los años 60 del siglo XX, cuando el lienzo fue iluminado con rayos X. Por ejemplo, el rodaje mostró que en una primera versión el rostro de la princesa, que entabló una relación amorosa con Zeus, era similar al rostro de Saskia, la esposa del pintor, que murió en 1642. En la versión final del cuadro, empezó a parecerse al rostro de Gertje Dirks, la amante de Rembrandt, con quien el artista vivió tras la muerte de su esposa.
El dormitorio amarillo de Van Gogh
Vincent van Gogh, "Dormitorio en Arlés", 1888 - 1889
En mayo de 1888, Van Gogh adquirió un pequeño estudio en Arles, en el sur de Francia, donde huyó de los artistas y críticos parisinos que no lo entendían. En una de las cuatro habitaciones, Vincent instala un dormitorio. En octubre todo está listo y decide pintar El dormitorio de Van Gogh en Arlés. Para el artista, el color y la comodidad de la habitación eran muy importantes: todo debía evocar pensamientos de relajación. Al mismo tiempo, la imagen está decorada en alarmantes tonos amarillos.
Los investigadores de la obra de Van Gogh explican esto por el hecho de que el artista tomó dedalera, un remedio para la epilepsia que provoca graves cambios en la percepción del color del paciente: toda la realidad circundante se tiñe de tonos verdes y amarillos.
Perfección desdentada
Leonardo da Vinci, “Retrato de Lady Lisa del Giocondo”, 1503 - 1519
La opinión generalmente aceptada es que la Mona Lisa es la perfección y su sonrisa es hermosa en su misterio. Sin embargo, el crítico de arte estadounidense (y dentista a tiempo parcial) Joseph Borkowski cree que, a juzgar por su expresión facial, la heroína ha perdido muchos dientes. Mientras estudiaba fotografías ampliadas de la obra maestra, Borkowski también descubrió cicatrices alrededor de su boca. “Ella “sonríe” así precisamente por lo que le pasó”, opina el experto. "Su expresión facial es típica de las personas que han perdido los dientes frontales".
Mayor en control facial
Pavel Fedotov, “El emparejamiento del mayor”, 1848
El público que vio por primera vez el cuadro "El emparejamiento del mayor" se rió a carcajadas: el artista Fedotov lo llenó de detalles irónicos que eran comprensibles para el público de la época. Por ejemplo, es evidente que el mayor no está familiarizado con las reglas de la etiqueta noble: se presentó sin los ramos necesarios para la novia y su madre. Y sus padres comerciantes vistieron a la novia con un vestido de fiesta de noche, aunque era de día (todas las lámparas de la habitación estaban apagadas). La chica obviamente se probó por primera vez un vestido escotado, se siente avergonzada e intenta huir a su habitación.
¿Por qué Liberty está desnuda?
Ferdinand Victor Eugene Delacroix, "Libertad en las barricadas", 1830
Según el crítico de arte Etienne Julie, Delacroix basó el rostro de la mujer en la famosa revolucionaria parisina, la lavandera Anne-Charlotte, que acudió a las barricadas tras la muerte de su hermano a manos de los soldados reales y mató a nueve guardias. El artista la representó con los pechos desnudos. Según su plan, este es un símbolo de valentía y desinterés, así como del triunfo de la democracia: el pecho desnudo muestra que Liberty, como plebeya, no usa corsé.
Cuadrado no cuadrado
Kazimir Malevich, “Plaza Suprematista Negra”, 1915
De hecho, "Cuadrado Negro" no es negro en absoluto ni cuadrado en absoluto: ninguno de los lados del cuadrilátero es paralelo a ninguno de sus otros lados, ni a ninguno de los lados del marco cuadrado que enmarca la imagen. Y el color oscuro es el resultado de mezclar varios colores, entre los que no se encontraba el negro. Se cree que esto no fue negligencia del autor, sino una posición de principios, el deseo de crear una forma dinámica y en movimiento.
viejo pescador
En 1902, el artista húngaro Tivadar Kostka Csontvary pintó el cuadro “El viejo pescador”. Parecería que no hay nada inusual en la imagen, pero Tivadar le puso un subtexto que nunca fue revelado durante la vida del artista.
A pocos se les ocurrió colocar un espejo en el centro del cuadro. En cada persona puede haber tanto Dios (el hombro derecho del Viejo está duplicado) como el Diablo (el hombro izquierdo del Viejo está duplicado).
Melodrama de la Mona Lisa austriaca
Gustav Klimt, “Retrato de Adele Bloch-Bauer”, 1907
Una de las pinturas más importantes de Klimt representa a la esposa del magnate azucarero austriaco Ferdinad Bloch-Bauer. En toda Viena se hablaba del tormentoso romance entre Adele y el famoso artista. El marido herido quiso vengarse de sus amantes, pero eligió un método muy inusual: decidió encargar a Klimt un retrato de Adele y obligarlo a realizar cientos de bocetos hasta que el artista empezó a vomitar por ella.
Bloch-Bauer quería que la obra durara varios años, para que el modelo pudiera ver cómo los sentimientos de Klimt se desvanecían. Le hizo una generosa oferta al artista, que no pudo rechazar, y todo salió según el escenario del marido engañado: la obra se completó en 4 años, los amantes hacía tiempo que se habían enfriado. Adele Bloch-Bauer nunca supo que su marido conocía su relación con Klimt.
El cuadro que devolvió la vida a Gauguin
Paul Gauguin, “¿De dónde venimos? ¿Quienes somos? ¿Adónde vamos?", 1897-1898
El cuadro más famoso de Gauguin tiene una peculiaridad: no se “lee” de izquierda a derecha, sino de derecha a izquierda, como los textos cabalísticos que interesaban al artista. Es en este orden que se desarrolla la alegoría de la vida física y espiritual humana: desde el nacimiento del alma (un niño dormido en la esquina inferior derecha) hasta la inevitabilidad de la hora de la muerte (un pájaro con un lagarto en sus garras en la esquina inferior izquierda).
El cuadro fue pintado por Gauguin en Tahití, donde el artista escapó de la civilización varias veces. Pero esta vez la vida en la isla no funcionó: la pobreza total lo llevó a la depresión. Una vez terminado el lienzo, que se convertiría en su testamento espiritual, Gauguin tomó una caja de arsénico y se fue a la montaña a morir. Sin embargo, no calculó la dosis y el suicidio fracasó. A la mañana siguiente, se dirigió a su choza y se quedó dormido, y cuando despertó, sintió una sed olvidada de vida. Y en 1898, su negocio comenzó a mejorar y comenzó un período más brillante en su trabajo.
Mona Lisa Desnuda
La famosa “La Gioconda” existe en dos versiones: la versión desnuda se llama “Monna Vanna”, fue pintada por el poco conocido artista Salai, que fue alumno y modelo del gran Leonardo da Vinci. Muchos historiadores del arte están seguros de que fue él quien sirvió de modelo para las pinturas de Leonardo "Juan Bautista" y "Baco". También hay versiones de que Salai, vestida con un vestido de mujer, servía de imagen de la propia Mona Lisa.
Dobles en la Última Cena
Leonardo da Vinci, "La última cena", 1495-1498
Cuando Leonardo da Vinci escribió La Última Cena, concedió especial importancia a dos figuras: Cristo y Judas. Pasó mucho tiempo buscando modelos para ellos. Finalmente logró encontrar un modelo para la imagen de Cristo entre los jóvenes cantantes. Leonardo estuvo tres años sin poder encontrar un modelo para Judas. Pero un día se encontró en la calle con un borracho tirado en una alcantarilla. Era un joven que había envejecido debido al consumo excesivo de alcohol. Leonardo lo invitó a una taberna, donde inmediatamente comenzó a pintarle a Judas. Cuando el borracho recobró el sentido, le dijo al artista que ya había posado para él una vez. Fue hace varios años, cuando cantaba en el coro de la iglesia, Leonardo le pintó a Cristo.
La inocente historia del "gótico"
Grant Wood, gótico americano, 1930
La obra de Grant Wood es considerada una de las más extrañas y deprimentes de la historia de la pintura estadounidense. La imagen del padre y la hija sombríos está llena de detalles que indican la severidad, el puritanismo y el carácter retrógrado de las personas representadas. De hecho, el artista no tenía la intención de representar ningún horror: durante un viaje a Iowa, notó una pequeña casa de estilo gótico y decidió representar a aquellas personas que, en su opinión, serían ideales como habitantes. La hermana de Grant y su dentista están inmortalizados como los personajes que tanto ofendieron a los habitantes de Iowa.
¿"Guardia de noche" o "Guardia de día"?
Rembrandt, "La ronda de noche", 1642
Una de las pinturas más famosas de Rembrandt, "La actuación de la compañía de fusileros del capitán Frans Banning Cock y el teniente Willem van Ruytenburg", estuvo colgada en diferentes salas durante unos doscientos años y no fue descubierta por los historiadores del arte hasta el siglo XIX. Como las figuras parecían aparecer sobre un fondo oscuro, se llamó "La ronda de noche" y con este nombre entró en el tesoro del arte mundial. Y sólo durante la restauración realizada en 1947 se descubrió que en la sala el cuadro había logrado cubrirse con una capa de hollín, que distorsionaba su color. Después de limpiar la pintura original, finalmente se reveló que la escena representada por Rembrandt en realidad tiene lugar durante el día. La posición de la sombra de la mano izquierda del Capitán Kok muestra que la duración de la acción no supera las 14 horas.
barco volcado
Henri Matisse, "El barco", 1937
El cuadro de Henri Matisse "El barco" se exhibió en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1961. Sólo después de 47 días alguien se dio cuenta de que el cuadro colgaba boca abajo. El lienzo representa 10 líneas violetas y dos velas azules sobre un fondo blanco. El artista pintó dos velas por una razón; la segunda vela es un reflejo de la primera en la superficie del agua. Para no equivocarse en cómo colgar el cuadro, es necesario prestar atención a los detalles. La vela más grande debe estar en la parte superior de la pintura y la parte superior de la vela de la pintura debe estar hacia la esquina superior derecha.
Engaño en el autorretrato
Vincent van Gogh, Autorretrato con una pipa, 1889
Hay leyendas que supuestamente Van Gogh se cortó la oreja. Hoy en día, la versión más fiable es que Van Gogh se dañó la oreja en una pequeña pelea que involucró a otro artista, Paul Gauguin. El autorretrato es interesante porque refleja la realidad de forma distorsionada: el artista aparece con la oreja derecha vendada porque utilizaba un espejo mientras trabajaba. De hecho, fue el oído izquierdo el que resultó afectado.
Dos "Desayunos sobre la hierba"
Edouard Manet, Almuerzo sobre la hierba, 1863
Claude Monet, Almuerzo sobre la hierba, 1865
Los artistas Edouard Manet y Claude Monet a veces se confunden; después de todo, ambos eran franceses, vivieron al mismo tiempo y trabajaron en el estilo del impresionismo. Monet incluso tomó prestado el título de una de las pinturas más famosas de Manet, "Almuerzo sobre la hierba", y escribió su propio "Almuerzo sobre la hierba".
osos alienígenas
Ivan Shishkin, “Mañana en el bosque de pinos”, 1889
La famosa pintura no pertenece solo a Shishkin. Muchos artistas que eran amigos a menudo recurrían a "la ayuda de un amigo", e Ivan Ivanovich, que pintó paisajes toda su vida, temía que tocar a los osos no saliera como él quería. Por lo tanto, Shishkin recurrió a su amigo, el artista animal Konstantin Savitsky.
Savitsky pintó quizás los mejores osos de la historia de la pintura rusa, y Tretyakov ordenó borrar su nombre del lienzo, ya que todo en el cuadro “desde el concepto hasta la ejecución, todo habla de la manera de pintar, del método creativo. peculiar de Shishkin”.
Mona Lisa Desnuda
La famosa "La Gioconda" existe en dos versiones: la versión desnuda se llama "Monna Vanna", fue pintada por el poco conocido artista Salai, que fue alumno y modelo del gran Leonardo da Vinci. Muchos historiadores del arte están seguros de que fue él quien sirvió de modelo para las pinturas de Leonardo "Juan Bautista" y "Baco". También hay versiones de que Salai, vestida con un vestido de mujer, servía de imagen de la propia Mona Lisa.
viejo pescador
En 1902, el artista húngaro Tivadar Kostka Csontvary pintó el cuadro “El viejo pescador”. Parecería que no hay nada inusual en la imagen, pero Tivadar le puso un subtexto que nunca fue revelado durante la vida del artista.
A pocos se les ocurrió colocar un espejo en el centro del cuadro. En cada persona puede haber tanto Dios (el hombro derecho del Viejo está duplicado) como el Diablo (el hombro izquierdo del Viejo está duplicado).
¿Había una ballena?
Hendrik van Antonissen, Escena costera.
Parecería un paisaje corriente. Barcos, gente en la orilla y un mar desierto. Y solo un estudio de rayos X mostró que las personas se reunieron en la orilla por una razón: en el original estaban mirando el cadáver de una ballena arrastrada a la orilla.
Sin embargo, el artista decidió que nadie querría mirar una ballena muerta y reescribió la pintura.
Dos "Desayunos sobre la hierba"
Edouard Manet, "Almuerzo sobre la hierba", 1863.
Claude Monet, "Almuerzo sobre la hierba", 1865.
Los artistas Edouard Manet y Claude Monet a veces se confunden; después de todo, ambos eran franceses, vivieron al mismo tiempo y trabajaron en el estilo del impresionismo. Monet incluso tomó prestado el título de una de las pinturas más famosas de Manet, "Almuerzo sobre la hierba", y escribió su propio "Almuerzo sobre la hierba".
Dobles en la Última Cena
Leonardo da Vinci, "La Última Cena", 1495-1498.
Cuando Leonardo da Vinci escribió La Última Cena, concedió especial importancia a dos figuras: Cristo y Judas. Pasó mucho tiempo buscando modelos para ellos. Finalmente logró encontrar un modelo para la imagen de Cristo entre los jóvenes cantantes. Leonardo estuvo tres años sin poder encontrar un modelo para Judas. Pero un día se encontró en la calle con un borracho tirado en una alcantarilla. Era un joven que había envejecido debido al consumo excesivo de alcohol. Leonardo lo invitó a una taberna, donde inmediatamente comenzó a pintarle a Judas. Cuando el borracho recobró el sentido, le dijo al artista que ya había posado para él una vez. Fue hace varios años, cuando cantaba en el coro de la iglesia, Leonardo le pintó a Cristo.
¿"Guardia de noche" o "Guardia de día"?
Rembrandt, "La Ronda de Noche", 1642.
Una de las pinturas más famosas de Rembrandt, "La actuación de la compañía de fusileros del capitán Frans Banning Cock y el teniente Willem van Ruytenburg", estuvo colgada en diferentes salas durante unos doscientos años y no fue descubierta por los historiadores del arte hasta el siglo XIX. Como las figuras parecían aparecer sobre un fondo oscuro, se llamó "La ronda de noche" y con este nombre entró en el tesoro del arte mundial.
Y sólo durante la restauración realizada en 1947 se descubrió que en la sala el cuadro había logrado cubrirse con una capa de hollín, que distorsionaba su color. Después de limpiar la pintura original, finalmente se reveló que la escena representada por Rembrandt en realidad tiene lugar durante el día. La posición de la sombra de la mano izquierda del Capitán Kok muestra que la duración de la acción no supera las 14 horas.
barco volcado
Henri Matisse, "El barco", 1937.
El cuadro de Henri Matisse "El barco" se exhibió en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1961. Sólo después de 47 días alguien se dio cuenta de que el cuadro colgaba boca abajo. El lienzo representa 10 líneas violetas y dos velas azules sobre un fondo blanco. El artista pintó dos velas por una razón; la segunda vela es un reflejo de la primera en la superficie del agua.
Para no equivocarse en cómo colgar el cuadro, es necesario prestar atención a los detalles. La vela más grande debe estar en la parte superior de la pintura y la parte superior de la vela de la pintura debe estar hacia la esquina superior derecha.
Engaño en el autorretrato
Vincent van Gogh, "Autorretrato con una pipa", 1889.
Hay leyendas que supuestamente Van Gogh se cortó la oreja. Ahora la versión más fiable es que Van Gogh se dañó la oreja en una pequeña pelea que involucró a otro artista, Paul Gauguin.
El autorretrato es interesante porque refleja la realidad de forma distorsionada: el artista aparece con la oreja derecha vendada porque utilizaba un espejo mientras trabajaba. De hecho, fue el oído izquierdo el que resultó afectado.
osos alienígenas
Ivan Shishkin, "Mañana en el bosque de pinos", 1889.
La famosa pintura no pertenece solo a Shishkin. Muchos artistas que eran amigos a menudo recurrían a "la ayuda de un amigo", e Ivan Ivanovich, que pintó paisajes toda su vida, temía que tocar a los osos no saliera como él quería. Por lo tanto, Shishkin recurrió a su amigo, el artista animal Konstantin Savitsky.
Savitsky pintó quizás los mejores osos de la historia de la pintura rusa, y Tretyakov ordenó borrar su nombre del lienzo, ya que todo en el cuadro “desde el concepto hasta la ejecución, todo habla de la manera de pintar, del método creativo. peculiar de Shishkin”.
La inocente historia de "Gótico"
Grant Wood, Gótico americano, 1930.
La obra de Grant Wood es considerada una de las más extrañas y deprimentes de la historia de la pintura estadounidense. La imagen del padre y la hija sombríos está llena de detalles que indican la severidad, el puritanismo y el carácter retrógrado de las personas representadas.
De hecho, el artista no tenía la intención de representar ningún horror: durante un viaje a Iowa, notó una pequeña casa de estilo gótico y decidió representar a aquellas personas que, en su opinión, serían ideales como habitantes. La hermana de Grant y su dentista están inmortalizados como los personajes que tanto ofendieron a los habitantes de Iowa.
La venganza de Salvador Dalí
El cuadro "Figura en una ventana" fue pintado en 1925, cuando Dalí tenía 21 años. En ese momento Gala aún no había entrado en la vida del artista y su musa era su hermana Ana María. La relación entre hermano y hermana se deterioró cuando escribió en uno de los cuadros “a veces escupo en el retrato de mi propia madre, y esto me da placer”. Ana María no pudo perdonar un comportamiento tan impactante.
En su libro de 1949, Salvador Dalí a través de los ojos de una hermana, escribe sobre su hermano sin ningún elogio. El libro enfureció a Salvador. Durante otros diez años después de eso, la recordaba enojado en cada oportunidad. Y así, en 1954, apareció el cuadro “Una joven virgen que se entrega al pecado de la sodomía con la ayuda de los cuernos de su propia castidad”. La pose de la mujer, sus rizos, el paisaje fuera de la ventana y la combinación de colores de la pintura hacen eco claramente de “Figura en la ventana”. Hay una versión de que Dalí se vengó de su hermana por su libro.
Dánae de dos caras
Rembrandt Harmens van Rijn, "Dánae", 1636 - 1647.
Muchos secretos de una de las pinturas más famosas de Rembrandt no se revelaron hasta los años 60 del siglo XX, cuando el lienzo fue iluminado con rayos X. Por ejemplo, el rodaje mostró que en una primera versión el rostro de la princesa, que entabló una relación amorosa con Zeus, era similar al rostro de Saskia, la esposa del pintor, que murió en 1642. En la versión final del cuadro, empezó a parecerse al rostro de Gertje Dirks, la amante de Rembrandt, con quien el artista vivió tras la muerte de su esposa.
El dormitorio amarillo de Van Gogh
Vincent Van Gogh, "Dormitorio en Arlés", 1888 - 1889.
En mayo de 1888, Van Gogh adquirió un pequeño estudio en Arles, en el sur de Francia, donde huyó de los artistas y críticos parisinos que no lo entendían. En una de las cuatro habitaciones, Vincent instala un dormitorio. En octubre todo está listo y decide pintar El dormitorio de Van Gogh en Arlés. Para el artista, el color y la comodidad de la habitación eran muy importantes: todo debía evocar pensamientos de relajación. Al mismo tiempo, la imagen está decorada en alarmantes tonos amarillos.
Los investigadores de la obra de Van Gogh explican esto por el hecho de que el artista tomó dedalera, un remedio para la epilepsia que provoca graves cambios en la percepción del color del paciente: toda la realidad circundante se tiñe de tonos verdes y amarillos.
Perfección desdentada
Leonardo da Vinci, "Retrato de Lady Lisa del Giocondo", 1503 - 1519.
La opinión generalmente aceptada es que la Mona Lisa es la perfección y su sonrisa es hermosa en su misterio. Sin embargo, el crítico de arte estadounidense (y dentista a tiempo parcial) Joseph Borkowski cree que, a juzgar por su expresión facial, la heroína ha perdido muchos dientes. Mientras estudiaba fotografías ampliadas de la obra maestra, Borkowski también descubrió cicatrices alrededor de su boca. “Ella “sonríe” así precisamente por lo que le pasó”, opina el experto. "Su expresión facial es típica de las personas que han perdido los dientes frontales".
Mayor en control facial
Pavel Fedotov, "El emparejamiento del mayor", 1848.
El público que vio por primera vez el cuadro "El emparejamiento del mayor" se rió a carcajadas: el artista Fedotov lo llenó de detalles irónicos que eran comprensibles para el público de la época. Por ejemplo, es evidente que el mayor no está familiarizado con las reglas de la etiqueta noble: se presentó sin los ramos necesarios para la novia y su madre. Y sus padres comerciantes vistieron a la novia con un vestido de fiesta de noche, aunque era de día (todas las lámparas de la habitación estaban apagadas). La chica obviamente se probó por primera vez un vestido escotado, se siente avergonzada e intenta huir a su habitación.
¿Por qué Liberty está desnuda?
Ferdinand Victor Eugene Delacroix, "Libertad en las barricadas", 1830.
Según el crítico de arte Etienne Julie, Delacroix basó el rostro de la mujer en la famosa revolucionaria parisina, la lavandera Anne-Charlotte, que acudió a las barricadas tras la muerte de su hermano a manos de los soldados reales y mató a nueve guardias. El artista la representó con los pechos desnudos. Según su plan, este es un símbolo de valentía y desinterés, así como del triunfo de la democracia: el pecho desnudo muestra que Liberty, como plebeya, no usa corsé.
Cuadrado no cuadrado
Kazimir Malevich, "Plaza suprematista negra", 1915.
De hecho, "Cuadrado Negro" no es negro en absoluto ni cuadrado en absoluto: ninguno de los lados del cuadrilátero es paralelo a ninguno de sus otros lados, ni a ninguno de los lados del marco cuadrado que enmarca la imagen. Y el color oscuro es el resultado de mezclar varios colores, entre los que no se encontraba el negro. Se cree que esto no fue negligencia del autor, sino una posición de principios, el deseo de crear una forma dinámica y en movimiento.
Los especialistas de la Galería Tretyakov descubrieron la inscripción del autor en el famoso cuadro de Malevich. La inscripción dice: “La batalla de los negros en la cueva oscura”. Esta frase hace referencia al título del cuadro humorístico del periodista, escritor y artista francés Alphonse Allais, “La batalla de los negros en una cueva oscura en la oscuridad de la noche”, que era un rectángulo completamente negro.
Melodrama de la Mona Lisa austriaca
Gustav Klimt, "Retrato de Adele Bloch-Bauer", 1907.
Una de las pinturas más importantes de Klimt representa a la esposa del magnate azucarero austriaco Ferdinad Bloch-Bauer. En toda Viena se hablaba del tormentoso romance entre Adele y el famoso artista. El marido herido quiso vengarse de sus amantes, pero eligió un método muy inusual: decidió encargar a Klimt un retrato de Adele y obligarlo a realizar cientos de bocetos hasta que el artista empezó a vomitar por ella.
Bloch-Bauer quería que la obra durara varios años, para que el modelo pudiera ver cómo los sentimientos de Klimt se desvanecían. Le hizo una generosa oferta al artista, que no pudo rechazar, y todo salió según el escenario del marido engañado: la obra se completó en 4 años, los amantes hacía tiempo que se habían enfriado. Adele Bloch-Bauer nunca supo que su marido conocía su relación con Klimt.
El cuadro que devolvió la vida a Gauguin
Paul Gauguin, "¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿Adónde vamos?", 1897-1898.
El cuadro más famoso de Gauguin tiene una peculiaridad: no se “lee” de izquierda a derecha, sino de derecha a izquierda, como los textos cabalísticos que interesaban al artista. Es en este orden que se desarrolla la alegoría de la vida física y espiritual humana: desde el nacimiento del alma (un niño dormido en la esquina inferior derecha) hasta la inevitabilidad de la hora de la muerte (un pájaro con un lagarto en sus garras en la esquina inferior izquierda).
El cuadro fue pintado por Gauguin en Tahití, donde el artista escapó de la civilización varias veces. Pero esta vez la vida en la isla no funcionó: la pobreza total lo llevó a la depresión. Una vez terminado el lienzo, que se convertiría en su testamento espiritual, Gauguin tomó una caja de arsénico y se fue a la montaña a morir. Sin embargo, no calculó la dosis y el suicidio fracasó. A la mañana siguiente, se dirigió a su choza y se quedó dormido, y cuando despertó, sintió una sed olvidada de vida. Y en 1898, su negocio comenzó a mejorar y comenzó un período más brillante en su trabajo.
112 refranes en una imagen
Pieter Bruegel el Viejo, "Proverbios holandeses", 1559
Pieter Bruegel el Viejo describió una tierra habitada por imágenes literales de proverbios holandeses de aquellos días. La pintura contiene aproximadamente 112 modismos reconocibles. Algunas de ellas todavía se utilizan hoy en día, por ejemplo, como: “nadar contra corriente”, “golpearse la cabeza contra la pared”, “armado hasta los dientes” y “el pez grande se come al pez pequeño”.
Otros proverbios reflejan la estupidez humana.
Subjetividad del arte
Paul Gauguin, "Pueblo bretón en la nieve", 1894
El cuadro de Gauguin "El pueblo bretón en la nieve" se vendió tras la muerte del autor por sólo siete francos y, además, con el nombre de "Cataratas del Niágara". El hombre que realizaba la subasta colgó accidentalmente el cuadro al revés porque vio una cascada en él.
Imagen oculta
Pablo Picasso, "Habitación Azul", 1901
En 2008, la radiación infrarroja reveló que escondida debajo de la Habitación Azul había otra imagen: el retrato de un hombre vestido con traje y pajarita y con la cabeza apoyada en la mano. “Tan pronto como Picasso tenía una nueva idea, tomaba su pincel y le daba vida. Pero no tenía la oportunidad de comprar un lienzo nuevo cada vez que lo visitaba una musa”, explica la historiadora del arte Patricia Favero como posible razón.
Marroquíes no disponibles
Zinaida Serebryakova, “Desnuda”, 1928
Un día, Zinaida Serebryakova recibió una oferta tentadora: emprender un viaje creativo para representar figuras desnudas de doncellas orientales. Pero resultó que era simplemente imposible encontrar modelos en esos lugares. El traductor de Zinaida acudió al rescate: le llevó a sus hermanas y a su prometida. Nadie, antes ni después, ha podido capturar a mujeres orientales desnudas y cerradas.
Perspicacia espontánea
Valentin Serov, “Retrato de Nicolás II con chaqueta”, 1900
Durante mucho tiempo Serov no pudo pintar un retrato del zar. Cuando el artista se rindió por completo, se disculpó con Nikolai. Nikolai estaba un poco molesto, se sentó a la mesa y extendió los brazos frente a él... Y entonces el artista se dio cuenta: ¡aquí está la imagen! Un simple militar con chaqueta de oficial y ojos claros y tristes. Este retrato se considera la mejor representación del último emperador.
Otro dos
© Fedor Reshetnikov
El famoso cuadro “Deuce Again” es sólo la segunda parte de una trilogía artística.
La primera parte es "Llegué de vacaciones". Obviamente una familia adinerada, vacaciones de invierno, un excelente estudiante alegre.
La segunda parte es “Un dos otra vez”. Una familia pobre de la periferia obrera, en pleno año escolar, un idiota abatido que volvió a sacar una mala nota. En la esquina superior izquierda puedes ver el cuadro “Llegué de vacaciones”.
La tercera parte es “Reexamen”. Una casa rural, verano, todo el mundo camina, un ignorante malicioso que no aprobó el examen anual se ve obligado a sentarse entre cuatro paredes y apretujarse. En la esquina superior izquierda puedes ver el cuadro “Deuce Again”.
Cómo nacen las obras maestras
Joseph Turner, Lluvia, vapor y velocidad, 1844
En 1842, la señora Simon viajó en tren por Inglaterra. De repente comenzó un fuerte aguacero. El anciano sentado frente a ella se levantó, abrió la ventana, asomó la cabeza y se quedó mirando durante unos diez minutos. Sin poder contener la curiosidad, la mujer también abrió la ventana y empezó a mirar hacia adelante. Un año después, descubrió el cuadro “Lluvia, vapor y velocidad” en una exposición en la Real Academia de las Artes y pudo reconocer en él el mismo episodio en el tren.
Lección de anatomía de Miguel Ángel
Miguel Ángel, "La creación de Adán", 1511
Un par de expertos estadounidenses en neuroanatomía creen que Miguel Ángel dejó algunas ilustraciones anatómicas en una de sus obras más famosas. Creen que en el lado derecho del cuadro se representa un cerebro enorme. Sorprendentemente, se pueden encontrar incluso componentes complejos, como el cerebelo, el nervio óptico y la glándula pituitaria. Y la llamativa cinta verde coincide perfectamente con la ubicación de la arteria vertebral.
"La última cena" de Van Gogh
Vincent Van Gogh, Terraza de café de noche, 1888
El investigador Jared Baxter cree que el cuadro de Van Gogh "La terraza del café de noche" contiene una dedicatoria encriptada a la "Última Cena" de Leonardo da Vinci. En el centro de la imagen se encuentra un camarero con el pelo largo y una túnica blanca que recuerda a la vestimenta de Cristo, y a su alrededor hay exactamente 12 visitantes del café. Baxter también llama la atención sobre la cruz situada justo detrás del camarero vestido de blanco.
La imagen de la memoria de Dalí
Salvador Dalí, "La persistencia de la memoria", 1931
No es ningún secreto que los pensamientos que visitaron a Dalí durante la creación de sus obras maestras siempre fueron en forma de imágenes muy realistas, que luego el artista transfirió al lienzo. Así, según el propio autor, el cuadro “La persistencia de la memoria” fue pintado como resultado de las asociaciones que surgieron al ver el queso fundido.
¿Por qué grita Munch?
Edvard Munch, "El grito", 1893.
Munch habló sobre la idea de una de las pinturas más misteriosas de la pintura mundial: “Estaba caminando por un sendero con dos amigos - el sol se estaba poniendo - de repente el cielo se puso rojo sangre, me detuve, sintiéndome exhausto, y me apoyé en la valla - vi sangre y llamas sobre el fiordo negro azulado y la ciudad - mis amigos siguieron adelante y yo me quedé temblando de emoción, sintiendo el grito interminable que atravesaba la naturaleza". ¿Pero qué tipo de puesta de sol podría asustar tanto al artista?
Hay una versión de que la idea de "El Grito" le nació a Munch en 1883, cuando se produjeron varias erupciones poderosas del volcán Krakatoa, tan poderosas que cambiaron la temperatura de la atmósfera terrestre en un grado. Grandes cantidades de polvo y cenizas se esparcieron por todo el mundo, llegando incluso a Noruega. Durante varias noches seguidas, las puestas de sol parecían como si el apocalipsis estuviera a punto de llegar; una de ellas se convirtió en fuente de inspiración para el artista.
Un escritor entre el pueblo.
Alexander Ivanov, "La aparición de Cristo al pueblo", 1837-1857.
Decenas de modelos posaron para Alexander Ivanov para su cuadro principal. Uno de ellos es tan conocido como el propio artista. Al fondo, entre los viajeros y jinetes romanos que aún no han escuchado el sermón de Juan Bautista, se puede ver a un personaje con túnica. Ivanov lo escribió de Nikolai Gogol. El escritor mantuvo una estrecha comunicación con el artista en Italia, en particular sobre cuestiones religiosas, y le dio consejos durante el proceso de pintura. Gogol creía que Ivanov "hace mucho que murió por todo el mundo, excepto por su trabajo".
La gota de Miguel Ángel
Rafael Santi, "La Escuela de Atenas", 1511.
Al crear el famoso fresco "La Escuela de Atenas", Rafael inmortalizó a sus amigos y conocidos en las imágenes de los antiguos filósofos griegos. Uno de ellos fue Miguel Ángel Buonarotti “en el papel” de Heráclito. Durante varios siglos, el fresco guardó los secretos de la vida personal de Miguel Ángel, y los investigadores modernos han sugerido que la rodilla extrañamente angulosa del artista indica que padecía una enfermedad de las articulaciones.
Esto es bastante probable, dadas las peculiaridades del estilo de vida y las condiciones laborales de los artistas del Renacimiento y la adicción crónica al trabajo de Miguel Ángel.
Espejo del matrimonio Arnolfini
Jan van Eyck, "Retrato del matrimonio Arnolfini", 1434
En el espejo detrás del matrimonio Arnolfini se puede ver el reflejo de dos personas más en la habitación. Lo más probable es que se trate de testigos presentes en la celebración del contrato. Uno de ellos es van Eyck, como lo demuestra la inscripción en latín colocada, contrariamente a la tradición, sobre el espejo en el centro de la composición: “Jan van Eyck estuvo aquí”. Así se sellaban habitualmente los contratos.
Cómo una desventaja se convirtió en talento
Rembrandt Harmens van Rijn, Autorretrato a los 63 años, 1669.
La investigadora Margaret Livingston estudió todos los autorretratos de Rembrandt y descubrió que el artista padecía estrabismo: en las imágenes sus ojos miran en diferentes direcciones, lo que no se observa en los retratos del maestro de otras personas. La enfermedad hizo que el artista pudiera percibir la realidad en dos dimensiones mejor que las personas con visión normal. Este fenómeno se llama "ceguera estéreo": la incapacidad de ver el mundo en 3D. Pero como el pintor tiene que trabajar con una imagen bidimensional, este mismo defecto de Rembrandt podría ser una de las explicaciones de su fenomenal talento.
Venus sin pecado
Sandro Botticelli, "El nacimiento de Venus", 1482-1486.
Antes de la aparición de El nacimiento de Venus, la imagen de un cuerpo femenino desnudo en la pintura simbolizaba sólo la idea del pecado original. Sandro Botticelli fue el primero de los pintores europeos que no encontró nada pecaminoso en él. Además, los historiadores del arte están seguros de que la diosa pagana del amor simboliza en el fresco una imagen cristiana: su aparición es una alegoría del renacimiento de un alma que ha pasado por el rito del bautismo.
¿Laudista o laudista?
Michelangelo Merisi da Caravaggio, "El laudista", 1596.
Durante mucho tiempo el cuadro estuvo expuesto en el Hermitage bajo el título “El laudista”. Sólo a principios del siglo XX los historiadores del arte coincidieron en que la pintura representa a un joven (probablemente un conocido de Caravaggio, el artista Mario Minniti, posó para él): en las notas frente al músico se puede ver una grabación del bajo. Línea del madrigal de Jacob Arkadelt “Sabes que te amo”. Una mujer difícilmente podría tomar esa decisión: simplemente es duro para la garganta. Además, el laúd, al igual que el violín en el borde mismo de la imagen, se consideraba un instrumento masculino en la época de Caravaggio.
El cuadro de Henri Matisse "El barco" tiene la misma importancia que el famoso
"Cuadrado Negro" de Malevich. También ha sido objeto de constante controversia durante muchas décadas.
Un hecho interesante es que durante más de un mes después de que la pintura se exhibiera por primera vez en el Museo de Nueva York, nadie podía entender lo que representaba. Resultó que el dibujo estaba colocado “al revés”... A primera vista, es simétrico y se parece a un dibujo de un niño. Si se examina más detenidamente, la representación esquemática de la vela del barco se diferencia de su visualización en el agua por el extremo elevado izquierdo.
Las líneas de color rosa representan las nubes y la línea del horizonte. Para los fauves, de los cuales Matisse era un destacado representante, el talento del artista estaba determinado principalmente por un menor número de trazos; prestaban más atención al color;
Esta obra es brillante por su sencillez. Puede despertar tu imaginación y hacerte pensar en esconder algún secreto dentro de ti...
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Henri Matisse fue un artista y escultor francés, líder del movimiento fauvista. Conocido por su investigación en la transmisión de emociones a través del color y la forma.
Nacido en la familia de un exitoso comerciante de cereales. Su madre ayudaba a su marido en la tienda y pintaba cerámica. Era el hijo mayor de la familia.
En 1872 nació su hermano menor, Emile Auguste. El padre supuso que su hijo mayor heredaría su negocio, pero Henri Matisse, tras graduarse en el bachillerato y en el Liceo Henri Martin de la localidad de Saint-Quentin, ingresó en la Facultad de Ciencias Jurídicas de París. En 1888, tras licenciarse en Derecho, consiguió un trabajo como empleado de un abogado en Saint-Quentin.
Comenzó a dibujar por primera vez después de una cirugía de apendicitis en 1889 mientras estaba en el hospital. Su madre le compró materiales de arte para evitar que se aburriera. Durante 2 meses copió postales en color. Tras salir del hospital, decidió convertirse en artista. Nuevamente, contra la voluntad de su padre, comenzó a estudiar en la Escuela de Dibujo Cantin de la Tour, donde formaban dibujantes para la industria textil.
En 1891 dejó su práctica jurídica y entró en la Académie Julian de París. Su maestro fue el maestro de arte de salón, William Adolphe Bouguereau. A continuación, Matisse planeó ingresar a la Escuela de Bellas Artes, pero no lo logró. En 1893 se trasladó a la Escuela de Artes Decorativas. Sin embargo, en 1895 aprobó los exámenes de acceso a la Escuela de Bellas Artes y fue aceptado en el taller de Gustave Moreau. Durante sus estudios, copió obras de antiguos maestros franceses y holandeses en el Louvre. Durante su aprendizaje, estuvo especialmente influenciado por la obra de Jean-Baptiste Simeon Chardin; realizó copias de cuatro de sus cuadros;
En 1894, ocurrió un hecho significativo en la vida personal del artista. Su modelo Carolina Zhoblo dio a luz a una hija, Margarita.
Pasó el verano de 1896 en la isla de Belle-Ile frente a la costa de Bretaña. Aquí Henri conoció a un artista de Australia, John Peter Russell, quien le presentó el impresionismo y las obras de Vincent van Gogh. Más tarde llamó a John Peter Russell su maestro, quien le explicó la teoría del color.
En 1896, cinco pinturas de Henri se exhibieron en el Salón de la Sociedad Nacional de Bellas Artes, dos de las cuales fueron adquiridas por el Estado. Después de la exposición, Henri Matisse se convirtió en miembro correspondiente del Salón de la Sociedad Nacional de Bellas Artes.
En 1898, Henri Matisse se casó con Amélie Pareire. Ella le dio dos hijos. Él y su esposa también acogieron a su hija ilegítima. Su esposa y su hija eran las modelos favoritas del artista.
Siguiendo el consejo de Camille Pissarro, en su luna de miel, él y su esposa fueron a Londres para explorar las pinturas de William Turner. Luego la pareja visitó Córcega, también Toulouse y Génova. En febrero de 1899 regresaron a París, debido a la muerte de Gustave Moreau y desacuerdos con su sucesor Fernand Cormon, Henri abandonó la Escuela de Bellas Artes.
Después de otra breve formación en la Academia Julian, el artista ingresó a los cursos de Eugene Carriere. Su primer intento de escultura fue una copia de una obra de Antoine-Louis Bari, que realizó en 1899. En 1900, además de trabajar en pintura, Henri comenzó a asistir a cursos nocturnos de Antoine Bourdelle en la Académie de la Grand Chaumière. Por las mañanas pintaba en los Jardines de Luxemburgo y por las tardes asistía a clases de escultura.
Al experimentar graves dificultades económicas, se puso a trabajar como artista decorativo. Participó en la decoración de objetos para la Exposición Universal del Grand Palais de París en 1900. El trabajo fue agotador y Henri enfermó de bronquitis. En 1901, después de un breve tratamiento en Suiza, donde continuó trabajando mucho, Henri pasó algún tiempo con su familia en casa de sus padres en Bohin-en-Vermandois. En aquellos días, el artista estaba tan disgustado que incluso pensó en dejar la pintura.
En abril y junio de 1902 se adquirieron por primera vez sus obras. En junio de 1904 tuvo lugar la primera exposición individual de Henri Matisse en la galería Ambroise Vollard.
Matisse pasó el verano de 1905 en un pueblo de pescadores del mar Mediterráneo. Esta vez marcó un giro significativo en la actividad creativa del artista. Junto con André Derain, Matisse creó un nuevo estilo que entró en la historia del arte con el nombre de fauvismo. Matisse fue reconocido como el líder de los fauvistas. El declive del papel del fauvismo después de 1906 y el colapso del grupo en 1907 no afectaron en modo alguno el crecimiento creativo del propio Matisse. Muchas de sus mejores obras fueron creadas entre 1906 y 1917.
Uno de los primeros en apreciar el talento de Matisse fue el empresario y coleccionista ruso Sergei Ivanovich Shchukin. En 1908, encargó al artista la creación de tres paneles decorativos para su casa de Moscú. Antes de ser enviados a Rusia, los paneles se exhibieron en París.
Con el dinero obtenido de la venta de sus cuadros a los empresarios y coleccionistas rusos Sergei Ivanovich Shchukin e Ivan Abramovich Morozov, el artista finalmente pudo superar las dificultades financieras.
Siguiendo el consejo y el apoyo de sus mecenas, fundó una escuela de pintura privada, que se llamó Academia Matisse. Allí enseñó desde enero de 1908 hasta 1911. Durante este tiempo, en la academia se educaron 100 estudiantes entre compatriotas y extranjeros del artista.
En 1909, Matisse dejó su residencia en el Quai Saint-Michel de París y se trasladó a Issy-les-Moulineaux, donde compró una casa y construyó un estudio. Durante mucho tiempo, los miembros de su familia le sirvieron de modelo y cumplieron con todos los pedidos del artista, por ejemplo, los niños debían guardar silencio mientras comían para no perturbar la concentración del padre.
En 1911 se retiró de la docencia y se dedicó por completo a la creatividad.
En 1912 tuvo lugar la primera exposición de Matisse en Estados Unidos.
En 1914, con el estallido de la Primera Guerra Mundial, el artista de mediana edad pidió ser aceptado como voluntario en el ejército activo, pero se le negó por motivos de salud. La madre permaneció en territorios ocupados por el enemigo, el hermano fue hecho prisionero, los hijos y amigos lucharon en los frentes. Sólo su esposa y su hija permanecieron cerca del artista.
En 1916, por consejo de los médicos, debido a la exacerbación de las consecuencias de la bronquitis, Matisse pasó algún tiempo en Menton y el invierno de 1916-1917 en Cimiez, un suburbio de Niza, en una habitación del hotel Beau-Rivage. de donde se trasladó al Hotel Mediterrane. En 1921 se instaló en un apartamento de dos plantas en la plaza Charles-Felix de Cimiez. De mayo a septiembre, el artista regresa regularmente a Issy-les-Moulineaux, donde trabaja en su estudio.
En 1918, la Galería Guillaume acogió una exposición conjunta de Matisse y Picasso.
En 1920, a petición de Sergei Pavlovich Diaghilev, creó bocetos de vestuario y escenografía para el ballet.
En los años 20, el nombre del artista adquirió fama mundial. Sus exposiciones se realizaron en muchas ciudades de Europa y América. En julio de 1925, Matisse recibió el título de Caballero de la Legión de Honor. En 1927, su hijo, Pierre Matisse, que se convirtió en galerista, organizó la exposición de su padre en Nueva York, y ese mismo año el artista recibió un premio del Instituto Carnegie de Pittsburgh por su cuadro "Compoter and Flowers".
A finales de la década de 1920, Matisse colaboró activamente con otros artistas y trabajó no sólo con europeos (franceses, holandeses, alemanes y españoles), sino también con estadounidenses y expatriados estadounidenses. Regresó a la escultura, que había abandonado en años anteriores.
En 1930, Albert Barnes, un coleccionista estadounidense, encargó a Matisse la creación de una decoración mural para su museo privado. Ese mismo año, el artista llegó a Tahití, donde trabajó en dos versiones de paneles decorativos para la Fundación Barnes. Al crear el panel Danza II (1932), Matisse utilizó por primera vez papel de colores, del que recortó las formas necesarias.
En 1933 nació en Nueva York el nieto del artista, Paul Matisse, hijo de Pierre Matisse.
Durante el trabajo de pintura a gran escala de la Fundación Barnes, Matisse contrató como secretaria a una joven emigrante rusa, Lydia Nikolaevna Delectorskaya, quien también le sirvió de modelo. Pero la esposa del artista insistió en su despido y fue despedida. Sin embargo, la esposa aun así solicitó el divorcio. Matisse se quedó solo y pidió a Lydia Delectorskaya que volviera a sus funciones de secretaria.
Con el estallido de la Segunda Guerra Mundial, los familiares intentaron convencer a Matisse de que emigrara a Estados Unidos o Brasil. Pero permaneció en Francia, en Niza, de donde no abandonó hasta su muerte.
En 1941, Matisse se sometió a una grave cirugía intestinal. El deterioro de su salud le obligó a simplificar su estilo. Para ahorrar energía, desarrolló una técnica para componer una imagen a partir de trozos de papel, lo que le dio la oportunidad de lograr la tan esperada síntesis de diseño y color. En 1943 inició una serie de ilustraciones para el libro “Jazz” a partir de restos pintados al gouache (terminado en 1947). En 1944, su esposa y su hija fueron arrestadas por la Gestapo por participar en actividades de la Resistencia.
En 1947, Matisse conoció al sacerdote dominico Pierre Couturier, y en conversaciones con él surgió la idea de erigir una pequeña capilla para un convento en Vence. 4 años de arduo trabajo en la Capilla del Rosario, según el propio Matisse, fueron el resultado de toda su vida adulta.
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Casi todas las obras de arte importantes tienen un misterio, un “doble fondo” o una historia secreta que deseas descubrir.
Música en las nalgas
Hieronymus Bosch, "El jardín de las delicias", 1500-1510.
Fragmento de parte de un tríptico
Las disputas sobre los significados y significados ocultos de la obra más famosa del artista holandés no han disminuido desde su aparición. El ala derecha del tríptico titulado “El infierno musical” representa a los pecadores que son torturados en el inframundo con la ayuda de instrumentos musicales. Uno de ellos tiene notas musicales estampadas en las nalgas. Amelia Hamrick, estudiante de la Oklahoma Christian University, que estudió la pintura, tradujo la notación del siglo XVI a un toque moderno y grabó "una canción del infierno de 500 años de antigüedad".
Mona Lisa Desnuda
La famosa "La Gioconda" existe en dos versiones: la versión desnuda se llama "Monna Vanna", fue pintada por el poco conocido artista Salai, que fue alumno y modelo del gran Leonardo da Vinci. Muchos historiadores del arte están seguros de que fue él quien sirvió de modelo para las pinturas de Leonardo "Juan Bautista" y "Baco". También hay versiones de que Salai, vestida con un vestido de mujer, servía de imagen de la propia Mona Lisa.
viejo pescador
En 1902, el artista húngaro Tivadar Kostka Csontvary pintó el cuadro “El viejo pescador”. Parecería que no hay nada inusual en la imagen, pero Tivadar le puso un subtexto que nunca fue revelado durante la vida del artista.
A pocos se les ocurrió colocar un espejo en el centro del cuadro. En cada persona puede haber tanto Dios (el hombro derecho del Viejo está duplicado) como el Diablo (el hombro izquierdo del Viejo está duplicado).
¿Había una ballena?
Hendrik van Antonissen, Escena costera.
Parecería un paisaje corriente. Barcos, gente en la orilla y un mar desierto. Y solo un estudio de rayos X mostró que las personas se reunieron en la orilla por una razón: en el original estaban mirando el cadáver de una ballena arrastrada a la orilla.
Sin embargo, el artista decidió que nadie querría mirar una ballena muerta y reescribió la pintura.
Dos "Desayunos sobre la hierba"
Edouard Manet, "Almuerzo sobre la hierba", 1863.
Claude Monet, "Almuerzo sobre la hierba", 1865.
Los artistas Edouard Manet y Claude Monet a veces se confunden; después de todo, ambos eran franceses, vivieron al mismo tiempo y trabajaron en el estilo del impresionismo. Monet incluso tomó prestado el título de una de las pinturas más famosas de Manet, "Almuerzo sobre la hierba", y escribió su propio "Almuerzo sobre la hierba".
Dobles en la Última Cena
Leonardo da Vinci, "La Última Cena", 1495-1498.
Cuando Leonardo da Vinci escribió La Última Cena, concedió especial importancia a dos figuras: Cristo y Judas. Pasó mucho tiempo buscando modelos para ellos. Finalmente logró encontrar un modelo para la imagen de Cristo entre los jóvenes cantantes. Leonardo estuvo tres años sin poder encontrar un modelo para Judas. Pero un día se encontró en la calle con un borracho tirado en una alcantarilla. Era un joven que había envejecido debido al consumo excesivo de alcohol. Leonardo lo invitó a una taberna, donde inmediatamente comenzó a pintarle a Judas. Cuando el borracho recobró el sentido, le dijo al artista que ya había posado para él una vez. Fue hace varios años, cuando cantaba en el coro de la iglesia, Leonardo le pintó a Cristo.
¿"Guardia de noche" o "Guardia de día"?
Rembrandt, "La Ronda de Noche", 1642.
Una de las pinturas más famosas de Rembrandt, "La actuación de la compañía de fusileros del capitán Frans Banning Cock y el teniente Willem van Ruytenburg", estuvo colgada en diferentes salas durante unos doscientos años y no fue descubierta por los historiadores del arte hasta el siglo XIX. Como las figuras parecían aparecer sobre un fondo oscuro, se llamó "La ronda de noche" y con este nombre entró en el tesoro del arte mundial.
Y sólo durante la restauración realizada en 1947 se descubrió que en la sala el cuadro había logrado cubrirse con una capa de hollín, que distorsionaba su color. Después de limpiar la pintura original, finalmente se reveló que la escena representada por Rembrandt en realidad tiene lugar durante el día. La posición de la sombra de la mano izquierda del Capitán Kok muestra que la duración de la acción no supera las 14 horas.
barco volcado
Henri Matisse, "El barco", 1937.
El cuadro de Henri Matisse "El barco" se exhibió en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 1961. Sólo después de 47 días alguien se dio cuenta de que el cuadro colgaba boca abajo. El lienzo representa 10 líneas violetas y dos velas azules sobre un fondo blanco. El artista pintó dos velas por una razón; la segunda vela es un reflejo de la primera en la superficie del agua.
Para no equivocarse en cómo colgar el cuadro, es necesario prestar atención a los detalles. La vela más grande debe estar en la parte superior de la pintura y la parte superior de la vela de la pintura debe estar hacia la esquina superior derecha.
Engaño en el autorretrato
Vincent van Gogh, "Autorretrato con una pipa", 1889.
Hay leyendas que supuestamente Van Gogh se cortó la oreja. Ahora la versión más fiable es que Van Gogh se dañó la oreja en una pequeña pelea que involucró a otro artista, Paul Gauguin.
El autorretrato es interesante porque refleja la realidad de forma distorsionada: el artista aparece con la oreja derecha vendada porque utilizaba un espejo mientras trabajaba. De hecho, fue el oído izquierdo el que resultó afectado.
osos alienígenas
Ivan Shishkin, "Mañana en el bosque de pinos", 1889.
La famosa pintura no pertenece solo a Shishkin. Muchos artistas que eran amigos a menudo recurrían a "la ayuda de un amigo", e Ivan Ivanovich, que pintó paisajes toda su vida, temía que tocar a los osos no saliera como él quería. Por lo tanto, Shishkin recurrió a su amigo, el artista animal Konstantin Savitsky.
Savitsky pintó quizás los mejores osos de la historia de la pintura rusa, y Tretyakov ordenó borrar su nombre del lienzo, ya que todo en el cuadro “desde el concepto hasta la ejecución, todo habla de la manera de pintar, del método creativo. peculiar de Shishkin”.
La inocente historia de "Gótico"
Grant Wood, Gótico americano, 1930.
La obra de Grant Wood es considerada una de las más extrañas y deprimentes de la historia de la pintura estadounidense. La imagen del padre y la hija sombríos está llena de detalles que indican la severidad, el puritanismo y el carácter retrógrado de las personas representadas.
De hecho, el artista no tenía la intención de representar ningún horror: durante un viaje a Iowa, notó una pequeña casa de estilo gótico y decidió representar a aquellas personas que, en su opinión, serían ideales como habitantes. La hermana de Grant y su dentista están inmortalizados como los personajes que tanto ofendieron a los habitantes de Iowa.
La venganza de Salvador Dalí
El cuadro "Figura en una ventana" fue pintado en 1925, cuando Dalí tenía 21 años. En ese momento Gala aún no había entrado en la vida del artista y su musa era su hermana Ana María. La relación entre hermano y hermana se deterioró cuando escribió en uno de los cuadros “a veces escupo en el retrato de mi propia madre, y esto me da placer”. Ana María no pudo perdonar un comportamiento tan impactante.
En su libro de 1949, Salvador Dalí a través de los ojos de una hermana, escribe sobre su hermano sin ningún elogio. El libro enfureció a Salvador. Durante otros diez años después de eso, la recordaba enojado en cada oportunidad. Y así, en 1954, apareció el cuadro “Una joven virgen que se entrega al pecado de la sodomía con la ayuda de los cuernos de su propia castidad”. La pose de la mujer, sus rizos, el paisaje fuera de la ventana y la combinación de colores de la pintura hacen eco claramente de “Figura en la ventana”. Hay una versión de que Dalí se vengó de su hermana por su libro.
Dánae de dos caras
Rembrandt Harmens van Rijn, "Dánae", 1636 - 1647.
Muchos secretos de una de las pinturas más famosas de Rembrandt no se revelaron hasta los años 60 del siglo XX, cuando el lienzo fue iluminado con rayos X. Por ejemplo, el rodaje mostró que en una primera versión el rostro de la princesa, que entabló una relación amorosa con Zeus, era similar al rostro de Saskia, la esposa del pintor, que murió en 1642. En la versión final del cuadro, empezó a parecerse al rostro de Gertje Dirks, la amante de Rembrandt, con quien el artista vivió tras la muerte de su esposa.
El dormitorio amarillo de Van Gogh
Vincent Van Gogh, "Dormitorio en Arlés", 1888 - 1889.
En mayo de 1888, Van Gogh adquirió un pequeño estudio en Arles, en el sur de Francia, donde huyó de los artistas y críticos parisinos que no lo entendían. En una de las cuatro habitaciones, Vincent instala un dormitorio. En octubre todo está listo y decide pintar El dormitorio de Van Gogh en Arlés. Para el artista, el color y la comodidad de la habitación eran muy importantes: todo debía evocar pensamientos de relajación. Al mismo tiempo, la imagen está decorada en alarmantes tonos amarillos.
Los investigadores de la obra de Van Gogh explican esto por el hecho de que el artista tomó dedalera, un remedio para la epilepsia que provoca graves cambios en la percepción del color del paciente: toda la realidad circundante se tiñe de tonos verdes y amarillos.
Perfección desdentada
Leonardo da Vinci, "Retrato de Lady Lisa del Giocondo", 1503 - 1519.
La opinión generalmente aceptada es que la Mona Lisa es la perfección y su sonrisa es hermosa en su misterio. Sin embargo, el crítico de arte estadounidense (y dentista a tiempo parcial) Joseph Borkowski cree que, a juzgar por su expresión facial, la heroína ha perdido muchos dientes. Mientras estudiaba fotografías ampliadas de la obra maestra, Borkowski también descubrió cicatrices alrededor de su boca. “Ella “sonríe” así precisamente por lo que le pasó”, opina el experto. "Su expresión facial es típica de las personas que han perdido los dientes frontales".
Mayor en control facial
Pavel Fedotov, "El emparejamiento del mayor", 1848.
El público que vio por primera vez el cuadro "El emparejamiento del mayor" se rió a carcajadas: el artista Fedotov lo llenó de detalles irónicos que eran comprensibles para el público de la época. Por ejemplo, es evidente que el mayor no está familiarizado con las reglas de la etiqueta noble: se presentó sin los ramos necesarios para la novia y su madre. Y sus padres comerciantes vistieron a la novia con un vestido de fiesta de noche, aunque era de día (todas las lámparas de la habitación estaban apagadas). La chica obviamente se probó por primera vez un vestido escotado, se siente avergonzada e intenta huir a su habitación.
¿Por qué Liberty está desnuda?
Ferdinand Victor Eugene Delacroix, "Libertad en las barricadas", 1830.
Según el crítico de arte Etienne Julie, Delacroix basó el rostro de la mujer en la famosa revolucionaria parisina, la lavandera Anne-Charlotte, que acudió a las barricadas tras la muerte de su hermano a manos de los soldados reales y mató a nueve guardias. El artista la representó con los pechos desnudos. Según su plan, este es un símbolo de valentía y desinterés, así como del triunfo de la democracia: el pecho desnudo muestra que Liberty, como plebeya, no usa corsé.
Cuadrado no cuadrado
Kazimir Malevich, "Plaza suprematista negra", 1915.
De hecho, "Cuadrado Negro" no es negro en absoluto ni cuadrado en absoluto: ninguno de los lados del cuadrilátero es paralelo a ninguno de sus otros lados, ni a ninguno de los lados del marco cuadrado que enmarca la imagen. Y el color oscuro es el resultado de mezclar varios colores, entre los que no se encontraba el negro. Se cree que esto no fue negligencia del autor, sino una posición de principios, el deseo de crear una forma dinámica y en movimiento.
Los especialistas de la Galería Tretyakov descubrieron la inscripción del autor en el famoso cuadro de Malevich. La inscripción dice: “La batalla de los negros en la cueva oscura”. Esta frase hace referencia al título del cuadro humorístico del periodista, escritor y artista francés Alphonse Allais, “La batalla de los negros en una cueva oscura en la oscuridad de la noche”, que era un rectángulo completamente negro.
Melodrama de la Mona Lisa austriaca
Gustav Klimt, "Retrato de Adele Bloch-Bauer", 1907.
Una de las pinturas más importantes de Klimt representa a la esposa del magnate azucarero austriaco Ferdinad Bloch-Bauer. En toda Viena se hablaba del tormentoso romance entre Adele y el famoso artista. El marido herido quiso vengarse de sus amantes, pero eligió un método muy inusual: decidió encargar a Klimt un retrato de Adele y obligarlo a realizar cientos de bocetos hasta que el artista empezó a vomitar por ella.
Bloch-Bauer quería que la obra durara varios años, para que el modelo pudiera ver cómo los sentimientos de Klimt se desvanecían. Le hizo una generosa oferta al artista, que no pudo rechazar, y todo salió según el escenario del marido engañado: la obra se completó en 4 años, los amantes hacía tiempo que se habían enfriado. Adele Bloch-Bauer nunca supo que su marido conocía su relación con Klimt.
El cuadro que devolvió la vida a Gauguin
Paul Gauguin, "¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿Adónde vamos?", 1897-1898.
El cuadro más famoso de Gauguin tiene una peculiaridad: no se “lee” de izquierda a derecha, sino de derecha a izquierda, como los textos cabalísticos que interesaban al artista. Es en este orden que se desarrolla la alegoría de la vida física y espiritual humana: desde el nacimiento del alma (un niño dormido en la esquina inferior derecha) hasta la inevitabilidad de la hora de la muerte (un pájaro con un lagarto en sus garras en la esquina inferior izquierda).
El cuadro fue pintado por Gauguin en Tahití, donde el artista escapó de la civilización varias veces. Pero esta vez la vida en la isla no funcionó: la pobreza total lo llevó a la depresión. Una vez terminado el lienzo, que se convertiría en su testamento espiritual, Gauguin tomó una caja de arsénico y se fue a la montaña a morir. Sin embargo, no calculó la dosis y el suicidio fracasó. A la mañana siguiente, se dirigió a su choza y se quedó dormido, y cuando despertó, sintió una sed olvidada de vida. Y en 1898, su negocio comenzó a mejorar y comenzó un período más brillante en su trabajo.
112 refranes en una imagen
Pieter Bruegel el Viejo, "Proverbios holandeses", 1559
Pieter Bruegel el Viejo describió una tierra habitada por imágenes literales de proverbios holandeses de aquellos días. La pintura contiene aproximadamente 112 modismos reconocibles. Algunas de ellas todavía se utilizan hoy en día, por ejemplo, como: “nadar contra corriente”, “golpearse la cabeza contra la pared”, “armado hasta los dientes” y “el pez grande se come al pez pequeño”.
Otros proverbios reflejan la estupidez humana.
Subjetividad del arte
Paul Gauguin, "Pueblo bretón en la nieve", 1894
El cuadro de Gauguin "El pueblo bretón en la nieve" se vendió tras la muerte del autor por sólo siete francos y, además, con el nombre de "Cataratas del Niágara". El hombre que realizaba la subasta colgó accidentalmente el cuadro al revés porque vio una cascada en él.
Imagen oculta
Pablo Picasso, "Habitación Azul", 1901
En 2008, la radiación infrarroja reveló que escondida debajo de la Habitación Azul había otra imagen: el retrato de un hombre vestido con traje y pajarita y con la cabeza apoyada en la mano. “Tan pronto como Picasso tenía una nueva idea, tomaba su pincel y le daba vida. Pero no tenía la oportunidad de comprar un lienzo nuevo cada vez que lo visitaba una musa”, explica la historiadora del arte Patricia Favero como posible razón.
Marroquíes no disponibles
Zinaida Serebryakova, “Desnuda”, 1928
Un día, Zinaida Serebryakova recibió una oferta tentadora: emprender un viaje creativo para representar figuras desnudas de doncellas orientales. Pero resultó que era simplemente imposible encontrar modelos en esos lugares. El traductor de Zinaida acudió al rescate: le llevó a sus hermanas y a su prometida. Nadie, antes ni después, ha podido capturar a mujeres orientales desnudas y cerradas.
Perspicacia espontánea
Valentin Serov, “Retrato de Nicolás II con chaqueta”, 1900
Durante mucho tiempo Serov no pudo pintar un retrato del zar. Cuando el artista se rindió por completo, se disculpó con Nikolai. Nikolai estaba un poco molesto, se sentó a la mesa y extendió los brazos frente a él... Y entonces el artista se dio cuenta: ¡aquí está la imagen! Un simple militar con chaqueta de oficial y ojos claros y tristes. Este retrato se considera la mejor representación del último emperador.
Otro dos
© Fedor Reshetnikov
El famoso cuadro “Deuce Again” es sólo la segunda parte de una trilogía artística.
La primera parte es "Llegué de vacaciones". Obviamente una familia adinerada, vacaciones de invierno, un excelente estudiante alegre.
La segunda parte es “Un dos otra vez”. Una familia pobre de la periferia obrera, en pleno año escolar, un idiota abatido que volvió a sacar una mala nota. En la esquina superior izquierda puedes ver el cuadro “Llegué de vacaciones”.
La tercera parte es “Reexamen”. Una casa rural, verano, todo el mundo camina, un ignorante malicioso que no aprobó el examen anual se ve obligado a sentarse entre cuatro paredes y apretujarse. En la esquina superior izquierda puedes ver el cuadro “Deuce Again”.
Cómo nacen las obras maestras
Joseph Turner, Lluvia, vapor y velocidad, 1844
En 1842, la señora Simon viajó en tren por Inglaterra. De repente comenzó un fuerte aguacero. El anciano sentado frente a ella se levantó, abrió la ventana, asomó la cabeza y se quedó mirando durante unos diez minutos. Sin poder contener la curiosidad, la mujer también abrió la ventana y empezó a mirar hacia adelante. Un año después, descubrió el cuadro “Lluvia, vapor y velocidad” en una exposición en la Real Academia de las Artes y pudo reconocer en él el mismo episodio en el tren.
Lección de anatomía de Miguel Ángel
Miguel Ángel, "La creación de Adán", 1511
Un par de expertos estadounidenses en neuroanatomía creen que Miguel Ángel dejó algunas ilustraciones anatómicas en una de sus obras más famosas. Creen que en el lado derecho del cuadro se representa un cerebro enorme. Sorprendentemente, se pueden encontrar incluso componentes complejos, como el cerebelo, el nervio óptico y la glándula pituitaria. Y la llamativa cinta verde coincide perfectamente con la ubicación de la arteria vertebral.
"La última cena" de Van Gogh
Vincent Van Gogh, Terraza de café de noche, 1888
El investigador Jared Baxter cree que el cuadro de Van Gogh "La terraza del café de noche" contiene una dedicatoria encriptada a la "Última Cena" de Leonardo da Vinci. En el centro de la imagen se encuentra un camarero con el pelo largo y una túnica blanca que recuerda a la vestimenta de Cristo, y a su alrededor hay exactamente 12 visitantes del café. Baxter también llama la atención sobre la cruz situada justo detrás del camarero vestido de blanco.
La imagen de la memoria de Dalí
Salvador Dalí, "La persistencia de la memoria", 1931
No es ningún secreto que los pensamientos que visitaron a Dalí durante la creación de sus obras maestras siempre fueron en forma de imágenes muy realistas, que luego el artista transfirió al lienzo. Así, según el propio autor, el cuadro “La persistencia de la memoria” fue pintado como resultado de las asociaciones que surgieron al ver el queso fundido.
¿Por qué grita Munch?
Edvard Munch, "El grito", 1893.
Munch habló sobre la idea de una de las pinturas más misteriosas de la pintura mundial: “Estaba caminando por un sendero con dos amigos - el sol se estaba poniendo - de repente el cielo se puso rojo sangre, me detuve, sintiéndome exhausto, y me apoyé en la valla - vi sangre y llamas sobre el fiordo negro azulado y la ciudad - mis amigos siguieron adelante y yo me quedé temblando de emoción, sintiendo el grito interminable que atravesaba la naturaleza". ¿Pero qué tipo de puesta de sol podría asustar tanto al artista?
Hay una versión de que la idea de "El Grito" le nació a Munch en 1883, cuando se produjeron varias erupciones poderosas del volcán Krakatoa, tan poderosas que cambiaron la temperatura de la atmósfera terrestre en un grado. Grandes cantidades de polvo y cenizas se esparcieron por todo el mundo, llegando incluso a Noruega. Durante varias noches seguidas, las puestas de sol parecían como si el apocalipsis estuviera a punto de llegar; una de ellas se convirtió en fuente de inspiración para el artista.
Un escritor entre el pueblo.
Alexander Ivanov, "La aparición de Cristo al pueblo", 1837-1857.
Decenas de modelos posaron para Alexander Ivanov para su cuadro principal. Uno de ellos es tan conocido como el propio artista. Al fondo, entre los viajeros y jinetes romanos que aún no han escuchado el sermón de Juan Bautista, se puede ver a un personaje con túnica. Ivanov lo escribió de Nikolai Gogol. El escritor mantuvo una estrecha comunicación con el artista en Italia, en particular sobre cuestiones religiosas, y le dio consejos durante el proceso de pintura. Gogol creía que Ivanov "hace mucho que murió por todo el mundo, excepto por su trabajo".
La gota de Miguel Ángel
Rafael Santi, "La Escuela de Atenas", 1511.
Al crear el famoso fresco "La Escuela de Atenas", Rafael inmortalizó a sus amigos y conocidos en las imágenes de los antiguos filósofos griegos. Uno de ellos fue Miguel Ángel Buonarotti “en el papel” de Heráclito. Durante varios siglos, el fresco guardó los secretos de la vida personal de Miguel Ángel, y los investigadores modernos han sugerido que la rodilla extrañamente angulosa del artista indica que padecía una enfermedad de las articulaciones.
Esto es bastante probable, dadas las peculiaridades del estilo de vida y las condiciones laborales de los artistas del Renacimiento y la adicción crónica al trabajo de Miguel Ángel.
Espejo del matrimonio Arnolfini
Jan van Eyck, "Retrato del matrimonio Arnolfini", 1434
En el espejo detrás del matrimonio Arnolfini se puede ver el reflejo de dos personas más en la habitación. Lo más probable es que se trate de testigos presentes en la celebración del contrato. Uno de ellos es van Eyck, como lo demuestra la inscripción en latín colocada, contrariamente a la tradición, sobre el espejo en el centro de la composición: “Jan van Eyck estuvo aquí”. Así se sellaban habitualmente los contratos.
Cómo una desventaja se convirtió en talento
Rembrandt Harmens van Rijn, Autorretrato a los 63 años, 1669.
La investigadora Margaret Livingston estudió todos los autorretratos de Rembrandt y descubrió que el artista padecía estrabismo: en las imágenes sus ojos miran en diferentes direcciones, lo que no se observa en los retratos del maestro de otras personas. La enfermedad hizo que el artista pudiera percibir la realidad en dos dimensiones mejor que las personas con visión normal. Este fenómeno se llama "ceguera estéreo": la incapacidad de ver el mundo en 3D. Pero como el pintor tiene que trabajar con una imagen bidimensional, este mismo defecto de Rembrandt podría ser una de las explicaciones de su fenomenal talento.
Venus sin pecado
Sandro Botticelli, "El nacimiento de Venus", 1482-1486.
Antes de la aparición de El nacimiento de Venus, la imagen de un cuerpo femenino desnudo en la pintura simbolizaba sólo la idea del pecado original. Sandro Botticelli fue el primero de los pintores europeos que no encontró nada pecaminoso en él. Además, los historiadores del arte están seguros de que la diosa pagana del amor simboliza en el fresco una imagen cristiana: su aparición es una alegoría del renacimiento de un alma que ha pasado por el rito del bautismo.
¿Laudista o laudista?
Michelangelo Merisi da Caravaggio, "El laudista", 1596.
Durante mucho tiempo el cuadro estuvo expuesto en el Hermitage bajo el título “El laudista”. Sólo a principios del siglo XX los historiadores del arte coincidieron en que la pintura representa a un joven (probablemente un conocido de Caravaggio, el artista Mario Minniti, posó para él): en las notas frente al músico se puede ver una grabación del bajo. Línea del madrigal de Jacob Arkadelt “Sabes que te amo”. Una mujer difícilmente podría tomar esa decisión: simplemente es duro para la garganta. Además, el laúd, al igual que el violín en el borde mismo de la imagen, se consideraba un instrumento masculino en la época de Caravaggio.
