Escultura de Italia del siglo XV. Las esculturas más famosas de Roma que definitivamente vale la pena ver Arquitectura del Alto Renacimiento

El inicio del Renacimiento se produce en el primer cuarto del siglo XIV. Durante los siguientes tres siglos, la cultura del Renacimiento se desarrolló a un ritmo rápido y sólo en las últimas décadas del siglo XVI comenzó su declive. Un rasgo distintivo del Renacimiento es que la cultura en todas sus formas era de naturaleza secular, mientras que en ella dominaba el antropocentrismo, es decir, el hombre, sus intereses y actividades como base de la existencia estaban en primer plano. Durante el apogeo del Renacimiento, la sociedad europea mostró interés por la antigüedad. La manifestación más notable de la cultura renacentista fue el estilo arquitectónico "renacentista". Los cimientos de la arquitectura, formados a lo largo de los siglos, se actualizaron y a menudo adoptaron formas inesperadas.

Renacimiento en la arquitectura

Las esculturas del Renacimiento inicialmente no se declararon de ninguna manera. Su función se limitaba a la decoración de órdenes arquitectónicos: bajorrelieves en cornisas, capiteles, frisos y portales. El comienzo del Renacimiento se caracterizó por la influencia del estilo románico en el diseño de estructuras arquitectónicas y, dado que este estilo está indisolublemente ligado a las pinturas murales, las esculturas se han utilizado durante mucho tiempo principalmente para decorar fachadas. Así surgió el estilo renacentista en la arquitectura, la unificación de los contornos clásicos con una nueva estética. Durante el Renacimiento, las fachadas de las casas estaban decoradas con composiciones escultóricas. La pintura y la escultura del Renacimiento se convirtieron en una parte integral de las estructuras arquitectónicas. Se colocaron frescos artísticos entre esculturas de mármol y bronce.

Arquitectura del Alto Renacimiento

El surgimiento del Renacimiento en las esferas culturales afectó principalmente a la arquitectura. La arquitectura del Alto Renacimiento se desarrolló en Roma, donde, en el contexto del período anterior, comenzó a tomar forma un estilo nacional. En los edificios aparecieron majestuosidad, nobleza sobria y signos de monumentalidad. Las casas en Roma comenzaron a construirse según el principio. El fundador del nuevo estilo fue Donato d'Angelo Bramante, un talentoso arquitecto que creó la Basílica de San Pedro en el Vaticano.

Interacción de estilos

Con el tiempo, las esculturas del Renacimiento comenzaron a adquirir formas cada vez más independientes. El comienzo de tales imágenes lo puso el escultor italiano Viligelmo, quien, al crear relieves para la catedral de Módena, profundizó significativamente las imágenes del grupo escultórico en la pared, y así surgió una obra de arte independiente, conectada solo indirectamente con el muro. La sólida escultura descansaba sobre la pared, pero nada más. Apareció un ritmo dinámico; la disposición de las estatuas entre los contrafuertes añadió la impresión de independencia del entorno. Los edificios arquitectónicos y escultóricos del Renacimiento se alejaron cada vez más, sin perder su relación. Al mismo tiempo, se complementaron orgánicamente.

Luego las esculturas renacentistas se separaron completamente del plano de la pared. Fue un proceso natural de búsqueda de algo nuevo. La liberación gradual de las formas plásticas del plano arquitectónico dio como resultado el surgimiento de varias direcciones de arte escultórico independiente.

Escultores famosos del Renacimiento.

Durante el período histórico llamado "Renacimiento", la escultura recibió el estatus de arte elevado. Dieciséis escultores de origen europeo adquirieron importancia histórica, a saber:

• Andrea Verrocchio;
• Becerra Gaspar;
• Nanni di Banco;
• El soltero Nicolás;
• Santi Gucci;
• Nicolás de Donatello;
• Giambologna;
• Desiderio da Settignano;
• Jacopo della Quercia;
• Arnolfo di Cambio;
• Miguel Ángel Buonarotti;
• Jan Pfister;
• Luca della Robbia;
• Andrea Sansovino;
• Benvenuto Cellini;
• Domenico Fancelli.

Los escultores más famosos del Renacimiento son:

Las esculturas más importantes del Renacimiento surgieron de los cinceles de estos maestros inigualables.

florentino famoso

Niccolò di Betto Bardi Donatello, el fundador del retrato escultórico, es considerado el escultor más realista de su tiempo, rechazando las "bellezas" inverosímiles en las bellas artes. Además del estilo realista, dominaba los clásicos canónicos. Una de las obras maestras de Donatello es la estatua de madera de Magdalena (1434, Baptisterio de Florencia). La anciana demacrada y de pelo largo está representada con una autenticidad aterradora. Las penurias de la vida se reflejan en el rostro demacrado del ermitaño.

Otra escultura del gran maestro es el "Rey David", que se encuentra en la fachada de Florencia. La estatua de mármol de San Jorge continúa la temática bíblica iniciada por el escultor con la imagen de San Apóstol Marcos, también en mármol. De la misma serie es una escultura de San Juan Bautista.

De 1443 a 1453, Donatello vivió en Padua, donde creó la escultura ecuestre "Gattamelata", que representa al condotiero Erasmo de Narni.

Regresó a su ciudad natal de Florencia, donde vivió hasta su muerte en 1466.

Benvenuto Cellini

El escultor de la corte del Vaticano nació en 1500 en la familia de un ebanista. Se le considera un seguidor del manierismo, un movimiento que refleja el estilo de las formas pretenciosas en el arte. Trabajado principalmente con fundición de bronce. Las esculturas más famosas de Cellini:

En la producción de símbolos estatales, premios y muestras de monedas participó el gran escultor Benvenuto Cellini. Él, entre otras cosas, fue un joyero muy talentoso y exitoso bajo el Vaticano. El Papa encargó joyas preciosas a Benvenuto.

Miguel Ángel Buonarroti

El brillante escultor del Renacimiento, autor de creaciones inmortales en mármol y bronce, Miguel Ángel Buonarroti nació en 1475 en la pequeña ciudad toscana de Caprese. El niño aprendió a utilizar un instrumento escultórico antes de saber escribir y leer. A los 13 años, Miguel Ángel estudió con el artista Ghirlandaio Domenico. Entonces Lorenzo de' Medici, un noble florentino, se enteró de su talento. El noble comenzó a tratar con condescendencia al adolescente.

A la edad de veinte años, Buonarroti creó varias esculturas para la puerta arqueada de la iglesia de Santo Domingo en Bolonia. Luego esculpió dos esculturas (Cupido durmiente y San Juan) para el predicador dominico Girolamo Savonarola. Un año después, Miguel Ángel recibe una invitación del cardenal Rafael Riario para trabajar en Roma. Allí el escultor crea la Piedad romana y Baco.

En Roma, Buonarroti cumplió varios encargos para varias catedrales e iglesias, y en 1505 el Papa Julio II le ofreció un trabajo responsable: hacer una tumba para Su Santidad. En relación con un encargo tan importante, Miguel Ángel parte hacia Carrara, donde pasa más de seis meses eligiendo el mármol adecuado para la tumba papal.

Para la tumba, el escultor realizó cuatro esculturas de mármol: “El esclavo moribundo”, “Leah”, “Moisés” y “El esclavo atado”. Desde 1508 hasta finales de 1512, Buonarroti trabajó en los frescos de la Capilla Sixtina. En 1513, tras la muerte de Julio II, el escultor recibió el encargo de Giovanni Medici de realizar una estatua de Cristo con una cruz.

El gran escultor renacentista Miguel Ángel Buonarroti murió en 1564 en Roma. Fue enterrado en la Basílica florentina de Santa Croce.

"Cinquicento"

El período del Alto Renacimiento encaja orgánicamente en el panorama general del Renacimiento. Al mismo tiempo apareció el término “cinquicento”, que significa “superioridad”. Este período de ascenso duró unos cuarenta años. Dio al mundo obras maestras que quedarán inscritas para siempre en las tablillas del arte elevado. Retrato de Mona Lisa y Leonardo da Rafael Santi, "David" de Michelangelo Buonarroti: estas y otras obras adornan las salas de prestigiosos museos.

El escultor italiano Andrea Sansovino (1467-1529) es uno de los representantes más notables del Alto Renacimiento. El primer trabajo de Sansovino fue una decoración del altar de terracota para la iglesia de Santa Ágata con imágenes de San Sebastián, Roque y Lorenzo. Andrea esculpió un grupo escultórico similar para el altar de la Iglesia de San Spirito en Florencia. La escultura del Alto Renacimiento se distingue por su pronunciada espiritualidad y una especial conmoción.

Andrea Verrocchio

Este es el famoso escultor del Renacimiento temprano, maestro de Leonardo da Vinci, Sandro Botticelli y Verrocchio. El principal tema de creatividad de Verrocchio fue la escultura, seguida de la pintura en segundo lugar. Andrea era una reconocida directora de bailes en la corte y una talentosa decoradora. En realidad, la escultura del Alto Renacimiento comenzó con la obra de Verrocchio.

El artista trabajó durante mucho tiempo en Florencia. Creó una lápida para un noble florentino y luego, durante más de veinte años, el escultor trabajó en la composición "La seguridad de Tomás". La famosa estatua de David fue creada por Verrocchio en 1476. La escultura de bronce estaba destinada a decorar la Villa Medici, pero Giuliano y Lorenzo se consideraron indignos de tan alto honor y entregaron la escultura al Palazzo Signoria de Florencia. La magnífica escultura del Renacimiento temprano encontró así su lugar. En las casas particulares intentaron no conservar obras de arte únicas. El Renacimiento posterior no fue menos valioso desde el punto de vista del arte elevado. La escultura "Perseo" de Benvenuto Cellini se considera una obra maestra insuperable del Renacimiento tardío.

Escultor italiano - Giuseppe Armani. Figuras de porcelana.

Giuseppe Armani es merecidamente amado en todo el mundo. Cada escultura es una talentosa combinación de sueños, imaginación y sentimientos; Al igual que la música o la pintura, el arte de la escultura es un lenguaje universal que todos pueden entender.

HISTORIA Giuseppe ARMANI
Nacido en 1935 cerca de Pisa Calci en Italia. De niño, a Giuseppe, como a muchos otros niños, le encantaba dibujar. Su casa estaba llena de dibujos. El padre de Armani se dio cuenta de que su hijo tenía talento y se decidió que estudiaría en la Academia de Bellas Artes de Florencia para que pudiera desarrollar su talento natural. Armani estaba matriculado en la Academia de Bellas Artes de Florencia cuando su padre murió inesperadamente. Porque La familia empezó a necesitar dinero. Giuseppe abandonó la Academia. La escuela de arte quedó en el olvido. El arte, sin embargo, no era...
Una vez, un párroco de Pisa organizó una exposición para jóvenes artistas y Armani expuso allí sus obras... Después de este evento, todas sus obras terminaron en la galería de la Academia de Bellas Artes de Florencia... Giuseppe experimentó con madera, arcilla , alabastro y mármol. Su reputación crecía cada día....
Pronto, amantes del arte de todo el mundo comenzaron a acudir en masa a la galería de arte sólo para ver las últimas creaciones de Giuseppe Armani. En 1975, Florence Sculpture d'Arte, reconociendo el genio de Armani, le ofreció la oportunidad de trabajar exclusivamente para ellos. El maestro escultor Giuseppe Armani seleccionó un equipo de talentosos escultores, entre ellos David Thomas Littleton, Fabrizio Tanya y Paolo Leoncini. Armani, trabajaron juntos durante muchos años...
Durante más de 25 años, Giuseppe Armani creó obras maestras que van desde el estilo tradicional de Capodimonte hasta esculturas más atrevidas, modernas y caprichosas. Hay una chispa de vida en las figuras de Giuseppe Armani, y su impresionante realismo sigue sorprendiendo a sus numerosos fans en todo el mundo....
Desafortunadamente, Giuseppe Armani murió repentinamente en 2006 debido a un derrame cerebral masivo.

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El nombre de la empresa FLORENCIA no fue elegido por casualidad; personifica las tradiciones culturales de esta provincia de Italia, famosa por sus artistas, donde Leonardo da Vinci y Miguel Ángel crearon sus obras maestras. En Toscana, la tradición artística de realizar esculturas decorativas se ha transmitido tradicionalmente de generación en generación. A través de gran habilidad y expresividad, los artistas toscanos han creado un lenguaje creativo universal que ha ganado reconocimiento en todo el mundo. Al inventar cosas nuevas, utilizaron la experiencia y las habilidades de generaciones pasadas. La producción de esculturas decorativas en todas las etapas se realiza a mano, se utilizan materiales naturales de alta calidad (composición 45% caolín (arcilla blanca) y aditivos de materias primas naturales). En la decoración se utilizan alabastro, mármol y madera. Muchos de ellos se fabrican en cantidades limitadas y tienen valor artístico. El mundo lleno de vida de las figuras de Florencia se abre en toda su diversidad, que no tiene análogos. Ya sea que las figuras cautiven con su humor, alegría o expresividad, cada una de estas creaciones es una obra de arte completa. Una persona puede demostrar su contribución, por ejemplo, creando un interior único que demuestre estilo e individualidad.

Desde el siglo XV La escultura italiana se esfuerza por conseguir la mayor naturalidad, expresividad y la más completa belleza. Toscana se sitúa a la cabeza de otras zonas de Italia.

El primer maestro notable, representante del período de transición de la era anterior a nuevas aspiraciones, fue Jacopo della Quercia(della Quercia, 1374 - 1438), apodada della Fonte. Sus principales obras: una lápida en la sacristía de la catedral de Lucca, decoraciones plásticas del portal principal de la Iglesia de San Pedro. Petronio en Bolonia y obras escultóricas en la fuente de la Piazza del Gampo en Siena, por cuya excelente ejecución recibió su apodo.

El gran maestro florentino tiene una importancia incomparablemente mayor. lorenzo ghiberti(1378 - 1455), uno de los más grandes escultores de todos los tiempos. Su famosa obra maestra son las puertas orientales del baptisterio de Florencia, realizadas entre 1427 y 1447. En ellas, en diez relieves pintorescamente dispuestos con ricos fondos arquitectónicos y paisajísticos, se representan los acontecimientos del Antiguo Testamento, desde la creación del mundo hasta el diluvio. Desde la época de esta obra maestra, el estilo pictórico en relieve ha triunfado durante mucho tiempo sobre el puramente plástico. Un poco antes (1403 - 1424) creó una puerta más sencilla, pero no menos excelente, en el portal norte del baptisterio. Aquí sigue todavía el camino indicado por Andrea Pisano, y en 28 apartados transmite escenas de la vida de Cristo, nobles por su sencillez, dispuestas plásticamente, así como las figuras de los evangelistas y padres de la Iglesia.

Junto a Ghiberti y, sin duda, bajo su influencia, su contemporáneo más joven desarrolló, Luca della Robbie(1400 - 1482). El principal logro de este artista fue la ejecución de relieves figurados de arcilla cocida y vidriada, en su mayoría blanca sobre un fondo azul claro, con pequeñas adiciones de amarillo, verde y violeta. En su juventud creó varias obras en mármol y bronce. Así, por ejemplo, los encantadores relieves de mármol de niños cantando y bailando en la plataforma del coro de la catedral, actualmente ubicado en el Museo del Bargello. Pero el principal logro de su actividad sigue siendo la terracota vidriada. Notables figuras de terracota, más de una vez copiadas, de la Virgen y el Niño rodeadas de ángeles y santos. Se distribuyeron copias de esta obra en iglesias de Toscana, así como en el Museo Bargello de Florencia.

El tercer escultor florentino fue Donatello(1386 - 1466), se adhirió a una dirección estrictamente naturalista. Era mejor con figuras jóvenes y enérgicas, como St. Jorge en la Iglesia de St. Mijaíl. Creó excelentes relieves de bronce para el altar mayor de la Iglesia de San Pedro. Antonio en Padua; Allí, frente a la fachada de la iglesia, se colocó una gran estatua ecuestre del comandante Gattamelata, la primera estatua ecuestre del arte moderno.

Al mismo tiempo Bepocho creó una estatua ecuestre de cobre aún más atrevida del comandante Colleoni, que todavía se puede ver en Venecia en la Piazza San Giovanni e Paolo.

La escultura toscana de esta época era tan rica en poder creativo que sus artistas fueron llamados en toda Italia. Pero junto a ellos, en la Alta Italia, aparecieron también muchos artesanos locales. Como, por ejemplo, en Venecia Mastro. bartolomeo, pasando del estilo ideal de la Edad Media al estilo realista del siglo XV, luego toda una familia de artistas Lombardi traslada sus actividades a Venecia.

Donatello (Donatelo di Niccolo di Betto Bardi c. 1386 - 13 de diciembre de 1466, Florencia) - escultor del Renacimiento italiano, fundador del retrato escultórico individualizado. Donatello se adhirió a principios realistas; a veces parece que buscó deliberadamente los lados feos de la naturaleza.

Donatello recibió su formación en el taller de L. Ghiberti. La escuela protorrenacentista de A. Pisano tuvo una gran influencia en su obra.

Trabajó en Florencia, Siena, Roma, Padua. Sin embargo, la enorme fama no cambió su sencillo estilo de vida. Se decía que el desinteresado Donatello colgó una billetera con dinero cerca de la puerta de su taller, y sus amigos y alumnos sacaron de la billetera todo lo que necesitaban.

Las primeras obras incluyen estatuas de santos destinadas a los nichos externos de las fachadas de la iglesia de Or San Michele en Florencia, y de los profetas del Antiguo Testamento del campanario florentino. Las estatuas estaban en nichos, pero inmediatamente llamaron la atención por la dura expresividad y la fuerza interior de las imágenes. Especialmente famoso es "San Jorge", un joven guerrero con un escudo en la mano. Tiene una mirada concentrada y profunda; se para firmemente en el suelo, con las piernas bien abiertas. En las estatuas de los profetas, Donatello destacó especialmente sus rasgos característicos, toscos, incluso feos, pero vivos y naturales. Los profetas de Donatello, Jeremías y Habacuc, son de naturaleza integral y espiritualmente rica. Sus fuertes figuras quedan ocultas por los pesados ​​pliegues de sus mantos. La vida ha surcado el rostro descolorido de Avvakum con profundas arrugas;

En 1430, Donatello creó el David, la primera estatua desnuda de la escultura del Renacimiento italiano. La estatua estaba destinada a una fuente en el patio del Palacio Medici. El pastor bíblico, vencedor del gigante Goliat, es una de las imágenes favoritas del Renacimiento. Al representar su cuerpo juvenil, Donatello sin duda partió de modelos antiguos, pero los reelaboró ​​en el espíritu de su época. Pensativo y tranquilo, David, con un sombrero de pastor que le cubre el rostro, pisotea con el pie la cabeza de Goliat y parece no ser aún consciente de la hazaña que ha realizado.

Un viaje a Roma con Brunelleschi amplió las capacidades artísticas de Donatello; su obra se enriqueció con nuevas imágenes y técnicas, influenciadas por la antigüedad. Ha comenzado una nueva etapa en la obra del maestro. En 1433 completó el púlpito de mármol de la Catedral de Florencia. Todo el campo del púlpito está ocupado por una jubilosa danza circular de amorcillos danzantes, algo así como los antiguos cupidos y al mismo tiempo ángeles medievales en forma de niños desnudos, a veces alados, representados en movimiento. Este es un motivo favorito de la escultura del Renacimiento italiano, que luego se difundió en el arte de los siglos XVII y XVIII.

Durante casi diez años, Donatello trabajó en Padua, la antigua ciudad universitaria, lugar de nacimiento de San Antonio de Padua, profundamente venerado en la Iglesia católica. Para la catedral de la ciudad dedicada a San Antonio, Donatello completó en 1446-1450 un enorme altar escultórico con muchas estatuas y relieves. El lugar central bajo el dosel lo ocupaba una estatua de la Virgen y el Niño, a ambos lados había seis estatuas de santos. A finales del siglo XVI. el altar fue desmantelado. Sólo una parte ha sobrevivido hasta el día de hoy y ahora es difícil imaginar cómo era originalmente.

Los cuatro relieves del altar que nos han llegado, que representan las hazañas milagrosas de San Antonio, nos permiten apreciar las técnicas inusuales utilizadas por el maestro. Se trata de un tipo de relieve plano, aparentemente aplanado. Escenas multitudinarias se presentan en un solo movimiento en un escenario de la vida real. El telón de fondo son enormes edificios y galerías de la ciudad. Gracias a la transferencia de perspectiva, aparece la impresión de profundidad del espacio, como en las pinturas.

Donatello realizó en Padua una estatua ecuestre del condotiero Erasmo de Narni, natural de Padua que estaba al servicio de la República de Venecia. Este es uno de los primeros monumentos ecuestres del Renacimiento. La tranquila dignidad se derrama en la apariencia de Gattamelata, vestido con una armadura romana, con la cabeza desnuda al estilo romano, que es un magnífico ejemplo de arte del retrato. La estatua de casi ocho metros sobre un alto pedestal es igualmente expresiva desde todos los lados. El monumento está colocado paralelo a la fachada de la Catedral de San Antonio, lo que permite verlo contra el fondo del cielo azul o en espectacular yuxtaposición con las poderosas formas de las cúpulas.

Las curiosas obras de Donatello se encuentran en la sacristía de la Iglesia de San Pedro. Lawrence, en Florencia: medallones en bajorrelieve que representan a los evangelistas inspirados o inmersos en sus pensamientos, así como escenas de la vida de Juan Bautista, llenas de dramatismo. Allí se pueden admirar las puertas realizadas por él con figuras de apóstoles y santos.

Donatello transmitía pasiones de forma aguda, con cierta dureza, a veces incluso en formas repulsivas, como en un bajorrelieve realizado en yeso pintado, ubicado en la Iglesia de San Pedro. Antonio, en Padua, y representando el "Entierro". Lo mismo ocurre en su última obra, completada tras su muerte por su alumno Bertoldo: en los bajorrelieves de dos púlpitos de la Iglesia de San Pedro. Lawrence, que representa la Pasión del Señor.

Donatello también creó, junto con su alumno Michelozzo Michelozzi, varias lápidas en iglesias; entre ellos se encuentra el notable monumento del destronado Papa Juan XXIII: sirvió de modelo para numerosos monumentos funerarios que aparecieron en los siglos XV y XVI en muchas iglesias de Italia.

En sus últimos años en Florencia, Donatello experimentó una crisis mental, sus imágenes se volvieron cada vez más dramáticas. Creó el complejo y expresivo grupo "Judith y Holofernes"; la estatua de “María Magdalena” en forma de una anciana decrépita, una ermitaña demacrada vestida con piel de animal; Relieves trágicos para la Iglesia de San Lorenzo, realizados por sus alumnos.

Donatello murió en 1466 y fue enterrado con grandes honores en la Iglesia de San Lorenzo, decorada con sus obras.

San Marcos

San Juan Bautista

Judit y Holofernes

El mayor patrimonio cultural y arqueológico de la Ciudad Eterna, tejido de diferentes épocas históricas, hace que Roma sea única. La capital de Italia tiene una increíble cantidad de obras de arte: verdaderas obras maestras, conocidas en todo el mundo, detrás de las cuales se esconden los nombres de grandes talentos. En este artículo queremos hablar de las esculturas más famosas de Roma, que sin duda merecen la pena ver.

Durante muchos siglos, Roma ha sido el centro del arte mundial. Desde la antigüedad, las obras maestras de la creación humana han sido llevadas a la capital del Imperio. Durante el Renacimiento, pontífices, cardenales y miembros de la nobleza construyeron palacios e iglesias, decorándolos con hermosos frescos, pinturas y esculturas. Muchos edificios recién construidos en este período dieron nueva vida a los elementos arquitectónicos y decorativos de la antigüedad: columnas antiguas, capiteles, frisos de mármol y esculturas fueron tomados de edificios del Imperio, restaurados e instalados en un nuevo lugar. Además, el Renacimiento dio a Roma un sinfín de nuevas y brillantes creaciones, incluidas obras de Miguel Ángel, Canova, Bernini y muchos otros escultores talentosos. Puedes leer sobre las obras de arte más destacadas y sus creadores en la página.

Hermafrodita durmiente

lobo capitolino

La más significativa para los romanos es la "Loba Capitolina", conservada hoy en los Museos Capitolinos. Según la leyenda que cuenta la fundación de Roma, fue amamantada por una loba cerca del Monte Capitolino.

lobo capitolino

Laocoonte e hijos

El famoso grupo escultórico que representa la lucha de Laocoonte y sus hijos con serpientes supuestamente decoraba la villa privada del emperador Tito. Data del siglo I aproximadamente. BC, se trata de una copia romana de mármol realizada por artesanos desconocidos a partir de un original de bronce griego antiguo que, lamentablemente, no ha sobrevivido. Una de las esculturas más famosas de Roma se encuentra en el Museo Pio Clementine, parte de.

La estatua fue descubierta a principios del siglo XVI en el territorio de los viñedos situados en la colina de Oppio, que pertenecía a un tal Felice de Fredis. En la Basílica de Santa María de Aracoeli, en la lápida de Felice se puede ver una inscripción que cuenta este hecho. A las excavaciones fueron invitados Michelangelo Buonarroti y Giuliano da Sangallo, quienes debían evaluar el hallazgo.

La escultura encontrada accidentalmente tuvo una fuerte resonancia en aquella época, influyendo en el desarrollo del arte en toda Italia durante el Renacimiento. El increíble dinamismo y plasticidad de las formas de la obra antigua inspiraron a muchos maestros de la época, como Miguel Ángel, Tiziano, El Greco, Andrea del Sarto y otros.

Esculturas de Miguel Ángel

El famoso escultor, arquitecto, artista y poeta fue reconocido como el mayor maestro de su vida. En Roma sólo se pueden ver unas pocas esculturas de Miguel Ángel Buonarroti, ya que la mayoría de sus obras se encuentran en Florencia y Bolonia. Se conserva en el Vaticano. Miguel Ángel esculpió la obra maestra cuando sólo tenía 24 años. Además, la Piedad es la única obra firmada a mano por el maestro.

Esculturas de Lorenzo Bernini

Bernini. Fuente de los Cuatro Ríos en Piazza Navona. Fragmento

Sensuales figuras de mármol, con elegantes formas suaves y especial sofisticación, sorprenden con su magistral ejecución: la piedra fría parece cálida y suave, y los personajes de las composiciones escultóricas parecen vivos.

Entre las obras más famosas de Bernini, que definitivamente vale la pena ver con tus propios ojos, el primer lugar en nuestra lista lo ocupan "El rapto de Proserpina" y "Apolo y Dafne", que forman parte de la colección de la Galería Borghese. .

Apolo y Dafne