La naturaleza muerta en la pintura es una imagen de objetos inanimados estáticos combinados en un solo conjunto. Una naturaleza muerta puede presentarse como una pintura independiente, pero a veces pasa a formar parte de la composición de una escena de género o de una pintura completa.

¿Qué es la naturaleza muerta?

Esta pintura se expresa en la actitud subjetiva de una persona hacia el mundo. Esto muestra la comprensión inherente del maestro sobre la belleza, que se convierte en la encarnación valores públicos y el ideal estético de la época. La naturaleza muerta en la pintura se transformó gradualmente en una separada. género significativo. Este proceso tomó cientos de años y cada nueva generación de artistas entendió los lienzos y el color de acuerdo con las tendencias de la época.

El papel de la naturaleza muerta en la composición de una pintura nunca se limita a una simple información, una adición aleatoria al contenido principal. Dependiendo de las condiciones históricas y de las exigencias sociales, los objetos pueden tomar un papel más o menos activo en la creación de una composición o de una imagen individual, oscureciendo uno u otro objetivo. La naturaleza muerta en la pintura como género independiente está diseñada para transmitir de manera confiable la belleza de las cosas que rodean a una persona todos los días.

A veces parte separada o un elemento adquiere de repente un significado profundo, recibe su propio significado y sonido.

Historia

Como género antiguo y venerado, la pintura de bodegones ha experimentado sus altibajos. Severo, ascético y minimalista ayudó a crear imágenes inmortales, monumentales, generalizadas y sublimemente heroicas. Los escultores disfrutaban representando objetos individuales con extraordinaria expresividad. Los tipos de naturalezas muertas en pintura y todo tipo de clasificaciones surgieron durante la formación de la crítica de arte, aunque los lienzos existían mucho antes de que se escribiera el primer libro de texto.

Tradiciones iconográficas y naturalezas muertas.

En la pintura de iconos de la antigua Rusia, aquellas pocas cosas que el artista se atrevió a introducir en el estricto laconismo de las obras canónicas jugaron un papel importante. Contribuyen a la manifestación de todo lo inmediato y demuestran la expresión de sentimientos en obras dedicadas a un tema abstracto o mitológico.

Los tipos de naturaleza muerta en pintura existen por separado de las pinturas de iconos, aunque el canon estricto no prohíbe la representación de algunos objetos inherentes al género.

Bodegón renacentista

Sin embargo, las obras de los siglos XV y XVI desempeñan un papel importante durante el Renacimiento. El pintor primero llamó la atención sobre el mundo que lo rodeaba y buscó determinar el significado de cada elemento al servicio de la humanidad.

La pintura moderna y la naturaleza muerta como género popular y querido se originaron en el período Tricento. Los objetos cotidianos adquirieron cierta nobleza y significado del propietario a quien servían. En lienzos grandes, la naturaleza muerta, por regla general, parece muy modesta y discreta. jarra de vidrio con agua, la plata de un elegante jarrón o delicados lirios de finos tallos, más a menudo acurrucados en un rincón oscuro del cuadro, como parientes pobres y olvidados.

Sin embargo, había tanto amor en la representación de cosas bellas y cercanas en forma poética que la pintura moderna, la naturaleza muerta y su papel en ella ya eran tímidamente visibles a través de los huecos de los paisajes y las pesadas cortinas de las escenas de género.

Momento crucial

Los temas adquirieron un elemento real en las pinturas y un nuevo significado en el siglo XVII, una época en la que prevalecían y dominaban las naturalezas muertas con flores. Pinturas de este tipo ganaron numerosos adeptos entre la nobleza y el clero. EN composiciones complejas con pronunciada literaria historia Las escenas obtuvieron su lugar junto con los personajes principales. Al analizar las obras de la época, es fácil notar que el importante papel de la naturaleza muerta se manifestó de manera similar en la literatura, el teatro y la escultura. En estas obras las cosas comenzaron a "actuar" y "vivir": se las mostraba como los personajes principales, demostrando los mejores y más ventajosos aspectos de los objetos.

Objetos de arte elaborados por trabajadores y artesanos talentosos, llevan la huella personal de los pensamientos, deseos e inclinaciones de una persona en particular. pintar es lo mejor pruebas psicologicas ayudar a rastrear el estado psicoemocional y lograr armonia interior e integridad.

Las cosas sirven fielmente a una persona, apoderándose de su deleite por los objetos cotidianos e inspirando a sus dueños a adquirir pequeñas cosas nuevas, hermosas y elegantes.

Renacimiento flamenco

La gente no aceptó de inmediato la pintura gouache y la naturaleza muerta como género. Historia de surgimiento, desarrollo e implementación generalizada. ideas diferentes y principios sirven como recordatorio del constante desarrollo del pensamiento. La naturaleza muerta se hizo famosa y se puso de moda a mediados del siglo XVII. El género comenzó en los Países Bajos, la alegre y festiva Flandes, donde la naturaleza misma invita a la belleza y la diversión.

La pintura gouache y la naturaleza muerta florecieron en una época de cambios tremendos, un cambio completo en las instituciones políticas, sociales y religiosas.

Corriente de Flandes

La dirección burguesa del desarrollo en Flandes se convirtió en una novedad y un progreso para toda Europa. Cambios en vida política condujo a innovaciones similares en la cultura: los horizontes que se abrieron para los artistas ya no estaban limitados por prohibiciones religiosas ni estaban respaldados por tradiciones relevantes.

La naturaleza muerta se convirtió en el buque insignia de un nuevo arte que glorificaba todo lo natural, brillante y bello. Cánones estrictos El catolicismo ya no se vio frenado por el vuelo de la imaginación y la curiosidad de los pintores y, por lo tanto, junto con el arte, la ciencia y la tecnología comenzaron a desarrollarse.

Las cosas y objetos cotidianos y cotidianos, que antes se consideraban viles e indignos de mención, de repente se elevaron al nivel de objetos de estudio minucioso. pintura decorativa, las naturalezas muertas y los paisajes se han convertido en un verdadero espejo de la vida: la rutina cotidiana, la dieta, la cultura, las ideas sobre la belleza.

Propiedades de género

Fue a partir de aquí, de un estudio consciente y profundo del mundo circundante, que se desarrolló un género separado de pintura, paisaje y naturaleza muerta cotidianos.

El arte, que adquirió ciertos cánones en el siglo XVII, determinó la principal cualidad del género. Una pintura dedicada al mundo de las cosas describe las propiedades básicas inherentes a los objetos que rodean a una persona, muestra la actitud del maestro y su hipotético contemporáneo hacia lo que se muestra, expresa la naturaleza y la integridad del conocimiento sobre la realidad. El artista estaba seguro de transmitir existencia material cosas, su volumen, peso, textura, color, finalidad funcional de los artículos del hogar y su conexión vital con la actividad humana.

Tareas y problemas de la naturaleza muerta.

Pintura decorativa, bodegones y escenas cotidianas absorbió las nuevas tendencias de la época: un alejamiento de los cánones y la preservación simultánea del naturalismo conservador de la imagen.

La naturaleza muerta de la era revolucionaria durante la victoria total de la burguesía refleja el respeto del artista por las nuevas formas. vida nacional compatriotas, respeto por el trabajo de los sencillos artesanos, admiración por las bellas imágenes de la belleza.

Los problemas y tareas del género en su conjunto, formulados en el siglo XVII, no fueron discutidos en las escuelas europeas hasta mediados del siglo XIX. Mientras tanto, los artistas se planteaban constantemente nuevas y nuevas tareas y no continuaban reproduciendo mecánicamente lo ya hecho. soluciones compositivas y esquemas de color.

Lienzos modernos

Las fotografías de naturalezas muertas para pintar, preparadas en estudios modernos, demuestran claramente la diferencia entre la percepción del mundo por parte de un contemporáneo y una persona de la Edad Media. La dinámica de los objetos hoy supera todos los límites imaginables, y la naturaleza estática de los objetos era la norma en aquella época. Las combinaciones de colores del siglo XVII se distinguen por su brillo y pureza de color. Los ricos tonos encajan armoniosamente en la composición y enfatizan las intenciones e ideas del artista. La ausencia de cánones. De la mejor manera posible Influyó en las naturalezas muertas de los siglos XX y XXI, a veces sorprendiendo la imaginación con su fealdad o su variedad deliberada.

Los métodos para resolver problemas de naturaleza muerta cambian rápidamente cada década; los métodos y técnicas no están a la altura de la imaginación de maestros reconocidos y no tan reconocidos.

El valor de las pinturas actuales radica en la expresión de la realidad a través de los ojos de los artistas contemporáneos; A través de la plasmación en lienzo, surgen nuevos mundos que podrán contar mucho sobre sus creadores a las personas del futuro.

Influencia impresionista

El siguiente hito en la historia de las naturalezas muertas fue el impresionismo. Toda la evolución de la dirección quedó reflejada en las composiciones a través de los colores, la técnica y la comprensión del espacio. Los últimos románticos del milenio transfirieron la vida tal como es al lienzo: los trazos rápidos y brillantes y los detalles expresivos se convirtieron en las piedras angulares del estilo.

Las pinturas y naturalezas muertas de artistas contemporáneos ciertamente llevan la huella de sus inspiraciones impresionistas a través del color, los métodos y las técnicas de representación.

Una desviación de los cánones estándar del clasicismo: tres planos, una composición central y héroes históricos- permitió a los artistas desarrollar su propia percepción del color y la luz, así como demostrar clara y claramente al público el libre vuelo de las emociones.

Las principales tareas de los impresionistas son cambiar la técnica pictórica y el contenido psicológico del cuadro. Y hoy, incluso conociendo la situación de esa época, es difícil encontrar la respuesta correcta a la pregunta de por qué los paisajes impresionistas, tan alegres e ingeniosos como la poesía, provocaron un fuerte rechazo y una burla grosera por parte de los críticos quisquillosos y del público ilustrado.

La pintura impresionista no encajaba en el marco generalmente aceptado, por lo que las naturalezas muertas y los paisajes se percibían como algo vulgar, indigno de reconocimiento junto con otros desperdicios del arte elevado.

Una exposición de arte que se ha vuelto única actividad misionera Para los artistas famosos de esa época, supo llegar a los corazones y demostrar la belleza y la gracia de las imágenes de los objetos y objetos. vulgar incluso dentro de los muros de formidables instituciones que sólo profesan los principios del arte clásico. La procesión triunfal de bodegones no se ha detenido desde finales del siglo XIX, y la variedad de géneros y técnicas actuales permite no tener miedo de experimentar con colores, texturas y materiales.

Pasemos a la etapa final de esta serie de posts sobre el género de los bodegones. Estará dedicado al trabajo de artistas rusos.

Empecemos por Fyodor Petrovich Tolstoi (1783-1873). Gráficos de bodegones de F.P. Tolstoi, el famoso escultor, medallista, dibujante y pintor ruso, es probablemente la parte más destacada y valiosa de su herencia creativa, aunque el propio artista dijo que creó estas obras “en su tiempo libre a partir de estudios serios”.

La principal propiedad de los bodegones de Tolstoi es su carácter ilusorio. El artista copió cuidadosamente la naturaleza. Intentó, según sus propias palabras, “con estricta claridad trasladar de la vida al papel la flor copiada tal como es, con todos los más mínimos detalles pertenecientes a esta flor”. Para engañar al espectador, Tolstoi utilizó técnicas ilusionistas como la imagen de gotas de rocío o papel traslúcido que cubría el dibujo y ayudaba a engañar a la vista.

Ilya Efimofich Repin (1844-1930) también recurrió más de una vez a motivos de naturaleza muerta como las flores. Tales obras incluyen la pintura “ ramo de otoño(1892, Galería Tretyakov, Moscú), donde el artista representa con igual atención un paisaje otoñal, una mujer joven de pie sobre un fondo de árboles dorados y un modesto ramo de flores amarillas y blancas en sus manos.

I. Repin. Ramo de otoño. Retrato de Vera Repina. 1892, Galería Tretiakov

La historia del cuadro “Manzanas y hojas” es algo inusual. La naturaleza muerta, que combina frutas y hojas, fue puesta en escena para el alumno de Repin, V.A. Serova. Al profesor le gustó tanto la composición del tema que decidió pintar él mismo una naturaleza muerta. Las flores y los frutos atrajeron a muchos artistas, quienes los prefirieron, entre otras cosas, porque mostraban el mundo natural de la manera más poética y hermosa. Incluso en. Kramskoy, que desdeñaba este género, también rindió homenaje a la naturaleza muerta, creando el espectacular cuadro “Ramo de flores. Phloxes” (1884, Galería Tretyakov, Moscú).

Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911) es conocido por la mayoría de nosotros como un artista que prestó atención en su trabajo al paisaje, el retrato y pintura historica. Sin embargo, cabe señalar que el tema en su obra siempre jugó un papel importante y, a menudo, ocupó la misma posición que otros elementos de la composición. Un poco más arriba, ya mencioné su trabajo de estudiante "Manzanas sobre hojas", 1879, completado bajo la dirección de Repin. Si comparamos esta obra con una obra escrita sobre el mismo tema por Repin, podemos ver que la naturaleza muerta de Serov se parece más a un estudio que la pintura de su maestro. El aspirante a artista utilizó un punto de vista bajo, por lo que el primer y segundo plano se combinan y el fondo se reduce.

El cuadro “La niña de los melocotones”, conocido por todos desde la infancia, va más allá género de retrato y no es casualidad que se llame “Niña de los melocotones” y no “Retrato de Vera Mamontova”. Podemos ver que aquí se combinan los rasgos del retrato, el interior y la naturaleza muerta. El artista presta igual atención a la imagen de una niña con una blusa rosa y a algunos objetos, pero hábilmente agrupados. Sobre un mantel blanco hay suaves melocotones amarillos, hojas de arce y un cuchillo brillante. Otras cosas del fondo también estaban pintadas con cariño: sillas, un gran plato de porcelana que adorna la pared, una figura de un soldado de juguete y un candelabro en el alféizar de la ventana. luz de sol, que brota de la ventana y proyecta reflejos brillantes sobre los objetos, le da a la imagen un encanto poético.

Mikhail Aleksandrovich Vrubel (1856-1910) escribió: “Y de nuevo me doy cuenta, no, no es así, pero escucho esa nota nacional íntima que tanto quiero captar en el lienzo y en el adorno. es musica persona completa, no desmembrado por las distracciones del Occidente ordenado, diferenciado y pálido”.

En la Academia de las Artes, el maestro favorito de Vrubel era Pavel Chistyakov, quien le enseñó al joven pintor a "dibujar con formas" y argumentó que las formas tridimensionales no deben crearse en el espacio con sombras y contornos, sino que deben construirse con líneas. Gracias a él, Vrubel aprendió no solo a mostrar la naturaleza, sino a mantener una conversación íntima, casi amorosa, con ella. Con este espíritu se creó la maravillosa naturaleza muerta del maestro “Rose Hip” (1884).

Sobre el fondo de exquisitas cortinas con motivos florales, el artista colocó un elegante jarrón redondo, pintado patrones orientales. La delicada flor blanca de escaramujo, sombreada por la tela azul verdosa, destaca claramente y las hojas de la planta casi se funden con el cuello negro tenuemente brillante del jarrón. Esta composición está llena de un encanto y una frescura inexpresables, a los que el espectador simplemente no puede dejar de sucumbir.

G.N. logró una gran habilidad en la creación de naturalezas muertas "falsas". Teplov y T. Ulyanov. La mayoría de las veces representaban una pared de tablones en la que se dibujaban nudos y vetas de madera. Diversos objetos están colgados de las paredes o escondidos detrás de cintas clavadas: tijeras, peines, cartas, libros, cuadernos de musica. En estantes estrechos se colocan relojes, tinteros, botellas, candelabros, platos y otros objetos pequeños. Parece que tal conjunto de elementos es completamente aleatorio, pero en realidad esto está lejos de ser el caso. Al observar estas naturalezas muertas, se pueden adivinar los intereses de los artistas que tocaban música, leían y se interesaban por el arte. Los maestros representaron con amor y diligencia sus cosas más queridas. Estas pinturas tocan con su sinceridad y espontaneidad de percepción de la naturaleza.

Boris Mikhailovich Kustodiev (1878-1927) también dedicó gran parte de su obra al género de la naturaleza muerta. En sus alegres lienzos se pueden ver brillantes telas satinadas, centelleantes samovares de cobre, el brillo de la loza y la porcelana, rodajas rojas de sandía, racimos de uvas, manzanas y deliciosos pastelitos. Uno de sus maravillosas pinturas Se trata de "La esposa del comerciante tomando el té", 1918. Es imposible no admirar el brillante esplendor de los objetos mostrados en el lienzo. Un samovar espumoso, pulpa de sandía de color rojo brillante, manzanas brillantes y uvas transparentes, un jarrón de vidrio con mermelada, un azucarero dorado y una taza frente a la esposa del comerciante: todas estas cosas añaden un ambiente festivo a la imagen.

En el género de los bodegones se prestó mucha atención a los llamados "bodegones engañosos". Muchas naturalezas muertas son “falsas”, a pesar de que tarea principal engañando al espectador, tienen indudables méritos artísticos, especialmente notables en los museos, donde, colgadas en las paredes, tales composiciones, por supuesto, no pueden engañar al público. Pero aquí hay excepciones. Por ejemplo, “Naturaleza muerta con libros”, realizada por P.G. Bogomolov, está insertado en una “estantería para libros” ilusoria y los visitantes no se dan cuenta inmediatamente de que se trata simplemente de un cuadro.

"Naturaleza muerta con un loro" (1737) de G.N. Teplova. Con la ayuda de líneas claras y precisas que se transforman en contornos suaves y suaves, luces, sombras transparentes y sutiles matices de color, el artista muestra una variedad de objetos colgados en una pared de tablones. La madera está magistralmente trabajada, sus tonos azulados, rosados ​​y amarillentos ayudan a crear una sensación casi real del olor fresco de la madera recién cepillada.

Las “falsas” naturalezas muertas rusas del siglo XVIII indican que los artistas aún no son lo suficientemente hábiles para transmitir el espacio y los volúmenes. Para ellos es más importante mostrar la textura de los objetos, como si la realidad los hubiera transferido al lienzo. A diferencia de las naturalezas muertas holandesas, donde las cosas absorbidas por la luz del entorno se representan en unidad con él, en las pinturas de los maestros rusos los objetos pintados con mucho cuidado, incluso meticulosamente, viven como si estuvieran solos, independientemente del espacio circundante.

EN principios del XIX Siglo, la escuela de A.G. Venetsianov, que se opuso a la estricta distinción de géneros y buscó enseñar a sus alumnos una visión holística de la naturaleza.

A. G. Venetsianov. Era, 1821-23

La escuela veneciana abrió un nuevo género para el arte ruso: el diseño de interiores. Los artistas mostraron diversas estancias de una casa noble: salones, dormitorios, despachos, cocinas, aulas, habitaciones de servicio, etc. En estas obras se concedía un lugar importante a la representación de diversos objetos, aunque la naturaleza muerta en sí casi no interesaba a los representantes del círculo de Venetsianov (en cualquier caso, muy pocas naturalezas muertas realizadas por estudiantes de arte) pintor famoso). Sin embargo, Venetsianov instó a sus alumnos a estudiar cuidadosamente no sólo los rostros y las figuras de las personas, sino también las cosas que los rodeaban.

Un objeto en la pintura de Venetsianov no es un accesorio; está indisolublemente ligado al resto de los detalles del cuadro y, a menudo, es la clave para comprender la imagen. Por ejemplo, una función similar la realizan las hoces en el cuadro "Los segadores" (segunda mitad de la década de 1820, Museo Ruso, San Petersburgo). Las cosas en el arte veneciano parecen estar involucradas en una situación pausada y una vida serena caracteres.

Aunque Venetsianov, con toda probabilidad, no pintó naturalezas muertas, incluyó este género en su sistema de enseñanza. El artista escribió: “ Las cosas inanimadas no están sujetas a esos diversos cambios que son característicos de los objetos animados; se mantienen firmes, inmóviles frente a un artista inexperto y le dan tiempo para profundizar con mayor precisión y juicio, para escudriñar la relación de uno. parte a otra, tanto en líneas como en luces y sombras con el color mismo, que dependen del espacio que ocupan los objetos”.

Por supuesto, la naturaleza muerta jugó un papel importante en el sistema pedagógico de la Academia de las Artes en el siglo XVIII. siglo XIX x (en aulas Los alumnos hicieron copias de naturalezas muertas. maestros holandeses), pero fue Venetsianov, quien animó a los jóvenes artistas a volverse hacia la naturaleza, quien introdujo la naturaleza muerta en su plan de estudios de primer año, compuesta por cosas como figuras de yeso, platos, candelabros, cintas de colores, frutas y flores. Venetsianov seleccionó objetos para naturalezas muertas educativas de modo que fueran interesantes para los pintores principiantes, comprensibles en su forma y hermosos en color.

En las pinturas creadas por los talentosos alumnos de Venetsianov, las cosas se transmiten con sinceridad y frescura. Estas son las naturalezas muertas de K. Zelentsov, P.E. Kornílov. En la obra de los artistas venecianos también hay obras que no son naturalezas muertas en esencia, pero, sin embargo, el papel de las cosas en ellas es enorme. Se pueden nombrar, por ejemplo, las pinturas "Oficina en Ostrovki" y "Reflejo en el espejo" de G.V. Urracas conservadas en la colección del Museo Ruso de San Petersburgo.

G.V. Urraca. “Oficina en Ostrovki”. Fragmento, 1844, Museo Ruso, San Petersburgo

Las naturalezas muertas en estas obras no aparecen de forma independiente, sino como partes del interior dispuestas de forma única por el maestro, correspondientes a la estructura compositiva y emocional general de la imagen. El principal elemento conector aquí es la luz, que se mueve suavemente de un objeto a otro. Mirando los lienzos, entiendes lo interesante. el mundo un artista que retrató con amor cada objeto, cada cosa más pequeña.

La naturaleza muerta presentada en la “Oficina en Ostrovki”, aunque ocupa un pequeño lugar en composición general, parece inusualmente significativo, resaltado por el hecho de que el autor lo separó del resto del espacio con un respaldo alto del sofá y lo cortó a izquierda y derecha con un marco. Parece que Soroka se dejó llevar tanto por los objetos que había sobre la mesa que casi se olvidó de los demás detalles del cuadro. El maestro escribió todo cuidadosamente: una pluma, un lápiz, un círculo, un transportador, una navaja, un ábaco, hojas de papel, una vela en un candelabro. El punto de vista desde arriba te permite ver todas las cosas, sin que ninguna bloquee a la otra. Atributos como una calavera, un reloj y símbolos de la "vanidad terrenal" (una figura, papeles, un ábaco) permiten a algunos investigadores atribuir la naturaleza muerta al tipo vanitas, aunque lo más probable es que tal coincidencia sea puramente accidental. El siervo-artista aprovechó lo que su dueño tenía sobre la mesa.

Un famoso maestro de la composición de objetos de la primera mitad del siglo XIX fue el artista I.F. Khrutsky, quien pintó muchos cuadros hermosos en el espíritu de la naturaleza muerta holandesa del siglo XVII. Entre sus mejores obras se encuentran “Flores y frutos” (1836, Galería Tretyakov, Moscú), “Retrato de una esposa con flores y frutos” (1838, Museo de Arte de Bielorrusia, Minsk), “Naturaleza muerta” (1839, Museo de la Academia de las Artes, San Petersburgo).

En la primera mitad del siglo XIX en Rusia, la “naturaleza muerta botánica”, que nos llegó desde Europa Oriental. En Francia en esta época se publicaban obras de botánicos. hermosas ilustraciones. Gran popularidad en muchos países europeos recibido por el artista P.Zh. Redoute, considerado “el pintor de flores más famoso de su tiempo”. El “dibujo botánico” fue un fenómeno significativo no sólo para la ciencia, sino también para el arte y la cultura. Estos dibujos se presentaban como obsequios y álbumes decorados, lo que los equiparaba así con otras obras de pintura y gráfica.

En la segunda mitad del siglo XIX, P.A. Fedótov. Aunque en realidad no pintó naturalezas muertas, el mundo de las cosas que creó deleita con su belleza y veracidad.

Los objetos de las obras de Fedotov son inseparables de la vida de las personas; participan directamente en los dramáticos acontecimientos representados por el artista.

Al contemplar el cuadro "Fresh Cavalier" ("La mañana después de la fiesta", 1846), uno se sorprende por la abundancia de objetos cuidadosamente pintados por el maestro. En el famoso cuadro de Fedotov "El emparejamiento del mayor" (1848) se presenta una naturaleza muerta real, sorprendente por su laconismo. La copa se transmite de forma tangible y realista: copas de vino con pie alto, una botella, una jarra. Es el más fino y transparente y parece emitir un suave zumbido de cristal.

Fedótov P.A. El emparejamiento del mayor. 1848-1849. Galería Tretiakov

Fedotov no separa los objetos del interior, por lo que las cosas se muestran no sólo de forma auténtica, sino también con una sutileza pintoresca. Cada objeto corriente o poco atractivo que ocupa su lugar en el espacio común parece sorprendente y bello.

Aunque Fedotov no pintó naturalezas muertas, mostró un indudable interés por este género. Su instinto le decía cómo disponer tal o cual objeto, desde qué punto de vista presentarlo, qué cosas se verían a su lado no sólo lógicamente, sino también expresivamente.

El mundo de las cosas, que ayuda a mostrar la vida humana en todas sus manifestaciones, dota a las obras de Fedotov de una musicalidad especial. Tales son las pinturas "Ancla, otra ancla" (1851-1852), "Viuda" (1852) y muchas otras.

En la segunda mitad del siglo XIX, el género de la naturaleza muerta prácticamente dejó de interesar a los artistas, aunque muchos pintores de género incluyeron voluntariamente elementos de la naturaleza muerta en sus composiciones. Las cosas adquieren gran importancia en las pinturas de V.G. Perova (“Tea Party en Mytishchi”, 1862, Galería Tretyakov, Moscú), L.I. Solomatkin (“Esclavistas de la ciudad”, 1846, Museo Estatal de Historia, Moscú).

Las naturalezas muertas se presentan en escenas de género de A.L. Yushanova (“Despedida del jefe”, 1864), M.K. Klodt (“El músico enfermo”, 1855), V.I. Jacobi (“El buhonero”, 1858), A.I. Korzukhina (“Antes de la confesión”, 1877; “En el hotel del monasterio”, 1882), K.E. Makovsky (“Alekseich”, 1882). Todas estas pinturas se conservan ahora en la colección de la Galería Tretyakov.

K.E. Makovsky. “Alekseich”, 1882, Galería Tretyakov, Moscú

En las décadas de 1870 y 1880, la vida cotidiana siguió siendo el género principal de la pintura rusa, aunque el paisaje y el retrato también ocuparon un lugar importante. Papel enorme Para mayor desarrollo El arte ruso estuvo a cargo de los Peredvizhniki, que buscaban mostrar la verdad de la vida en sus obras. Los artistas comenzaron a adjuntar. gran importancia trabajando a partir del natural y, por tanto, recurriendo cada vez más al paisaje y a la naturaleza muerta, aunque muchos de ellos consideraban esta última una pérdida de tiempo, una pasión sin sentido por la forma, desprovista de contenido interno. Entonces, I.N. Kramskoy mencionó al famoso pintor francés, que no descuidó las naturalezas muertas, en una carta a V.M. Vasnetsov: “Una persona con talento no perderá el tiempo representando, digamos, palanganas, peces, etc. Esto es bueno para las personas que ya lo tienen todo, pero a nosotros nos queda mucho por hacer”.

Sin embargo, muchos artistas rusos que no pintaban naturalezas muertas las admiraban al contemplar las pinturas de los maestros occidentales. Por ejemplo, V.D. Polenov, que se encontraba en Francia, escribió a I.N. Kramskoy: “Mira cómo van las cosas aquí, como un reloj, cada uno trabaja a su manera, de la manera más varias direcciones, lo que le gusta a cualquiera, y todo ello se valora y se paga. Para nosotros lo más importante es lo que se hace, pero aquí está cómo se hace. Por ejemplo, pagan veinte mil francos por una palangana de cobre con dos peces, y además consideran a este calderero como el primer pintor, y tal vez no sin razón.

Habiendo visitado la exposición en París en 1883, V.I. Surikov admiraba paisajes, naturalezas muertas y pinturas de flores. Escribió: “Los peces de Gibert son buenos. La baba de pescado está representada de manera magistral y colorida, mezclando tono sobre tono”. En su carta a P.M. Tretyakov y estas palabras: “Y los peces de Gilbert son un gran milagro. Bueno, realmente puedes tomarlo en tus manos, está escrito hasta el punto de engañar”.

Tanto Polenov como Surikov pudieron convertirse en excelentes maestros de la naturaleza muerta, como lo demuestran los objetos magistralmente pintados en sus composiciones (“Sick” de Polenov, “Menshikov in Berezov” de Surikov).