Una de las principales formas en que pensamos. Su resultado es la formación de los conceptos y juicios más generales (abstracciones). En el arte decorativo, la abstracción es el proceso de estilizar las formas naturales.
En la actividad artística la abstracción está constantemente presente; en su expresión extrema en las bellas artes, conduce al abstraccionismo, una dirección especial en las bellas artes del siglo XX, que se caracteriza por el rechazo a representar objetos reales, la generalización extrema o el rechazo total de la forma, composiciones no objetivas (de líneas, puntos, manchas, planos, etc.), experimentos con el color, expresión espontánea del mundo interior del artista, su subconsciente en formas abstractas caóticas y desorganizadas (expresionismo abstracto). Esta dirección incluye pinturas del artista ruso V. Kandinsky.
Los representantes de algunos movimientos del arte abstracto crearon estructuras lógicamente ordenadas, haciéndose eco de la búsqueda de una organización racional de las formas en la arquitectura y el diseño (el suprematismo del pintor ruso K. Malevich, el constructivismo, etc.) El abstraccionismo se expresó menos en la escultura que en la pintura. .
El abstraccionismo fue una respuesta a la falta de armonía general del mundo moderno y tuvo éxito porque proclamó el rechazo de la conciencia en el arte y pidió "ceder a la iniciativa de las formas, los colores, los colores".
Realismo
Del fr. realismo, del lat. realis - real. En arte, en sentido amplio, reflejo veraz, objetivo e integral de la realidad utilizando medios específicos inherentes a los tipos de creatividad artística.
Las características generales del método del realismo son la fiabilidad en la reproducción de la realidad. Al mismo tiempo, el arte realista tiene una gran variedad de formas de conocimiento, generalización y reflexión artística de la realidad (G.M. Korzhev, M.B. Grekov, A.A. Plastov, A.M. Gerasimov, T.N. Yablonskaya, P.D. Korin, etc.)
Arte realista del siglo XX. adquiere características nacionales brillantes y una variedad de formas. El realismo es el fenómeno opuesto al modernismo.
Vanguardia
Del fr. avant - avanzado, garde - desapego - un concepto que define los esfuerzos experimentales y modernistas en el arte. En todas las épocas surgieron fenómenos innovadores en las bellas artes, pero el término "vanguardia" no se estableció hasta principios del siglo XX. En este momento aparecieron corrientes como el fauvismo, el cubismo, el futurismo, el expresionismo y el abstraccionismo. Luego, en los años 20 y 30, el surrealismo ocupó posiciones de vanguardia. En los años 60 y 70 se agregaron nuevas variedades de arte abstracto: diversas formas de accionismo, trabajo con objetos (arte pop), arte conceptual, fotorrealismo, cinético, etc. Los artistas de vanguardia expresan con su creatividad una especie de protesta contra lo tradicional. cultura.
En todos los movimientos de vanguardia, a pesar de su gran diversidad, se pueden identificar rasgos comunes: rechazo de las normas de la imaginería clásica, novedad formal, deformación de las formas, expresión y diversas transformaciones lúdicas. Todo esto lleva a difuminar los límites entre arte y realidad (ready-made, instalación, entorno), creando el ideal de una obra de arte abierta que invade directamente el entorno. El arte de vanguardia está diseñado para el diálogo entre el artista y el espectador, la interacción humana activa con una obra de arte, la participación en la creatividad (por ejemplo, arte cinético, sucesos, etc.).
Las obras de los movimientos de vanguardia pierden en ocasiones su origen pictórico y se equiparan con objetos de la realidad circundante. Las tendencias modernas del vanguardismo están estrechamente entrelazadas, formando nuevas formas de arte sintético.
Subterráneo
Inglés subterráneo - subterráneo, mazmorra. Un concepto que significa una cultura “clandestina” que se oponía a las convenciones y restricciones de la cultura tradicional. Las exposiciones de los artistas del movimiento en cuestión a menudo no se llevaban a cabo en salones y galerías, sino directamente en el suelo, así como en pasajes subterráneos o en el metro, que en varios países se llama metro. Probablemente, esta circunstancia también influyó en el hecho de que esta dirección tomó forma en el arte del siglo XX. se estableció este nombre.
En Rusia, el concepto de underground se ha convertido en una designación para una comunidad de artistas que representan el arte no oficial.
Surrealismo
P. surrealismo - superrealismo. Dirección en literatura y arte del siglo XX. desarrollado en la década de 1920. Surgido en Francia por iniciativa del escritor A. Breton, el surrealismo pronto se convirtió en una tendencia internacional. Los surrealistas creían que la energía creativa proviene de la esfera del subconsciente, que se manifiesta durante el sueño, la hipnosis, los delirios dolorosos, las intuiciones repentinas, las acciones automáticas (el deambular aleatorio del lápiz sobre el papel, etc.)
Los artistas surrealistas, a diferencia de los abstraccionistas, no se niegan a representar objetos de la vida real, sino que los presentan en un caos, deliberadamente desprovistos de relaciones lógicas. La falta de significado, el rechazo de un reflejo razonable de la realidad es el principio básico del arte del surrealismo. El mismo nombre de la dirección habla de su aislamiento de la vida real: “sur” en francés “arriba”; Los artistas no pretendían reflejar la realidad, sino que colocaban mentalmente sus creaciones "por encima" del realismo, haciendo pasar fantasías delirantes por obras de arte. Así, el número de pinturas surrealistas incluía obras similares e inexplicables de M. Ernst, J. Miró, I. Tanguy, así como objetos procesados por los surrealistas hasta quedar irreconocibles (M. Oppenheim).
El movimiento surrealista, encabezado por S. Dalí, se basó en la precisión ilusoria de reproducir una imagen irreal que surge en el subconsciente. Sus pinturas se distinguen por un cuidadoso estilo de pincelada, una representación precisa de luces y sombras y una perspectiva típica de la pintura académica. El espectador, sucumbiendo a la persuasión de la pintura ilusoria, se ve arrastrado a un laberinto de engaños y misterios sin solución: los objetos sólidos se esparcen, los objetos densos se vuelven transparentes, los objetos incompatibles se retuercen y giran, los volúmenes masivos adquieren ingravidez, y todo esto crea una imagen imposible. en realidad.
Este hecho es conocido. Una vez, en una exposición, un espectador se quedó largo rato ante una obra de S. Dalí, mirando atentamente y tratando de comprender el significado. Finalmente, completamente desesperado, dijo en voz alta: “¡No entiendo lo que esto significa!”. La exclamación del espectador fue escuchada por S. Dalí, que se encontraba en la exposición. “¿Cómo puedes entender lo que esto significa si yo mismo no lo entiendo”, dijo el artista, expresando así el principio básico del arte surrealista: pintar sin pensar, sin reflexionar, abandonando la razón y la lógica.
Las exposiciones de obras de surrealistas solían ir acompañadas de escándalos: los espectadores se indignaban ante las pinturas absurdas e incomprensibles y creían que estaban siendo engañados y desconcertados. Los surrealistas culparon al público, afirmando que se estaban quedando atrás y no habían madurado lo suficiente para ponerse al día con el trabajo de los artistas "avanzados".
Las características generales del arte del surrealismo son la fantasía del absurdo, el alogismo, las combinaciones paradójicas de formas, la inestabilidad visual, la variabilidad de las imágenes. Los artistas recurrieron a la imitación del arte primitivo, la creatividad de los niños y los enfermos mentales.
Los artistas de este movimiento querían crear en sus lienzos una realidad que no reflejara la realidad sugerida por el subconsciente, pero en la práctica esto resultó en la creación de imágenes patológicamente repulsivas, eclecticismo y kitsch (alemán - kitsch; producción en masa barata y de mal gusto diseñada por efecto externo).
Ciertos descubrimientos de los surrealistas se utilizaron en el campo comercial del arte decorativo, por ejemplo, las ilusiones ópticas, que permiten ver dos imágenes o escenas diferentes en una imagen dependiendo de la dirección de la mirada.
Las obras de los surrealistas evocan las asociaciones más complejas y, en nuestra percepción, pueden identificarse con el mal. Visiones aterradoras y sueños idílicos, violencia, desesperación: estos sentimientos aparecen en diversas formas en las obras de los surrealistas, influyendo activamente en el espectador. Lo absurdo de las obras del surrealismo afecta la imaginación asociativa y la psique;
El surrealismo es un fenómeno artístico controvertido. Muchas figuras culturales verdaderamente avanzadas, al darse cuenta de que esta tendencia estaba destruyendo el arte, abandonaron posteriormente las visiones surrealistas (los artistas P. Picasso, P. Klee y otros, los poetas F. Lorca, P. Neruda, el director español L. Buñuel, que hizo películas surrealistas). . A mediados de la década de 1960, el surrealismo fue reemplazado por nuevas direcciones del modernismo, aún más llamativas, pero las obras extrañas, en su mayoría feas y sin sentido de los surrealistas todavía llenan las salas de los museos.
Modernismo
P. modernismo, del lat. modernus - nuevo, moderno. Una designación colectiva para todas las últimas tendencias, tendencias, escuelas y actividades de los maestros de arte individuales del siglo XX, rompiendo con la tradición, el realismo y considerando el experimento como la base del método creativo (fauvismo, expresionismo, cubismo, futurismo, arte abstracto). , dadaísmo, surrealismo, pop art, op-art, arte cinético, hiperrealismo, etc.). El modernismo tiene un significado cercano a la vanguardia y opuesto al academicismo. Los críticos de arte soviéticos evaluaron negativamente el modernismo como un fenómeno de crisis en la cultura burguesa. El arte tiene la libertad de elegir sus caminos históricos. Las contradicciones del modernismo, como tal, no deben considerarse de forma estática, sino en una dinámica histórica.
Arte pop
Inglés arte pop, del arte popular - arte popular. Movimiento artístico en Europa occidental y Estados Unidos desde finales de los años cincuenta. El apogeo del arte pop se produjo en los turbulentos años 60, cuando estallaron disturbios juveniles en muchos países de Europa y América. El movimiento juvenil no tenía un único objetivo: estaba unido por el patetismo de la negación.
Los jóvenes estaban dispuestos a tirar por la borda toda la cultura pasada. Todo ello queda reflejado en el art.
Una característica distintiva del arte pop es una combinación de desafío e indiferencia. Todo es igualmente valioso o igualmente invaluable, igualmente bello o igualmente feo, igualmente digno o indigno. Quizás sólo el negocio de la publicidad se base en la misma actitud desapasionada y profesional hacia todo en el mundo. No es casualidad que la publicidad haya tenido una gran influencia en el arte pop, y muchos de sus representantes trabajaron y trabajan en centros de publicidad. Los creadores de programas y espectáculos publicitarios saben cortar en trozos y combinar en la combinación que necesitan detergente en polvo y una famosa obra maestra de arte, pasta de dientes y la fuga de Bach. El arte pop hace lo mismo.
Los motivos de la cultura de masas son explotados por el arte pop de diferentes maneras. Los objetos reales se introducen en la imagen a través de collages o fotografías, generalmente en combinaciones inesperadas o completamente absurdas (R. Rauschenberg, E. War Hall, R. Hamilton). La pintura puede imitar técnicas de composición y técnicas de vallas publicitarias; la imagen de un cómic se puede ampliar al tamaño de un lienzo grande (R. Lichtenstein). La escultura se puede combinar con muñecos. Por ejemplo, el artista K. Oldenburg creó modelos de exhibición de productos alimenticios de enormes tamaños con materiales inusuales.
A menudo no existe ninguna frontera entre escultura y pintura. Una obra de arte pop a menudo no sólo tiene tres dimensiones, sino que también ocupa toda la sala de exposición. Debido a tales transformaciones, la imagen original de un objeto de cultura de masas se transforma y se percibe de manera completamente diferente que en el entorno cotidiano real.
La categoría principal del arte pop no es la imagen artística, sino su “designación”, que libera al autor del proceso humano de crearla, representar algo (M. Duchamp). Este proceso se introdujo con el objetivo de ampliar el concepto de arte para incluir actividades no artísticas, la “salida” del arte al campo de la cultura de masas. Los artistas del arte pop fueron los iniciadores de formas tales como sucesos, instalaciones de objetos, entornos y otras formas de arte conceptual. Movimientos similares: underground, hiperrealismo, op art, readymade, etc.
Arte abstracto
Inglés op art, abreviado del arte óptico - arte óptico. Un movimiento en el arte del siglo XX que se generalizó en la década de 1960. Los artistas del op art utilizaron diversas ilusiones visuales, basándose en las peculiaridades de la percepción de figuras planas y espaciales. Los efectos de movimiento espacial, fusión y flotación de formas se lograron mediante la introducción de repeticiones rítmicas, colores nítidos y contrastes tonales, la intersección de configuraciones en espiral y reticular, y líneas retorcidas. En el op art, a menudo se utilizaban instalaciones de luz cambiante y estructuras dinámicas (que se analizan más adelante en la sección de arte cinético). Ilusiones de movimiento fluido, cambios secuenciales de imágenes, formas inestables y que se reorganizan continuamente aparecen en el op art sólo en la percepción del espectador. La dirección continúa la línea técnica del modernismo.
arte cinético
Del gr. kinetikos - poner en movimiento. Un movimiento en el arte contemporáneo asociado con el uso generalizado de estructuras en movimiento y otros elementos dinámicos. El cinetismo como dirección independiente tomó forma en la segunda mitad de la década de 1950, pero fue precedido por experimentos en la creación de arte plástico dinámico en el constructivismo ruso (V. Tatlin, K. Melnikov, A. Rodchenko) y el dadaísmo.
Anteriormente, el arte popular también nos mostraba ejemplos de objetos y juguetes en movimiento, por ejemplo, pájaros de la felicidad de madera de la región de Arkhangelsk, juguetes mecánicos que simulaban procesos laborales del pueblo de Bogorodskoye, etc.
En el arte cinético, el movimiento se introduce de diferentes maneras; algunas obras son transformadas dinámicamente por el propio espectador, otras por vibraciones del aire y otras son impulsadas por un motor o fuerzas electromagnéticas. La variedad de materiales utilizados es infinita: desde medios técnicos tradicionales hasta modernos, pasando por ordenadores y láseres. Los espejos se utilizan a menudo en composiciones cinéticas.
En muchos casos, la ilusión de movimiento se crea cambiando la iluminación; aquí el cinético se encuentra con el op art. Las técnicas cinéticas se utilizan ampliamente en la organización de exposiciones, ferias, discotecas y en el diseño de plazas, parques e interiores públicos.
El cinetismo aspira a una síntesis de las artes: el movimiento de un objeto en el espacio puede complementarse con efectos de iluminación, sonido, música ligera, películas, etc.
Técnicas del arte moderno (vanguardia)
Hiperrealismo
Inglés hiperrealismo. Un movimiento de pintura y escultura que surgió en Estados Unidos y se convirtió en un acontecimiento en las bellas artes mundiales en los años 70 del siglo XX.
Otro nombre para el hiperrealismo es fotorrealismo.
Los artistas de este movimiento imitaron fotografías utilizando medios pictóricos sobre lienzo. Representaban el mundo de una ciudad moderna: escaparates y restaurantes, estaciones de metro y semáforos, edificios residenciales y transeúntes en las calles. Al mismo tiempo, se prestó especial atención a las superficies brillantes que reflejan la luz: vidrio, plástico, cera para automóviles, etc. El juego de reflejos en estas superficies crea la impresión de interpenetración de espacios.
El objetivo de los hiperrealistas era representar el mundo no sólo de forma auténtica, sino también superrealista. Para ello, utilizaron métodos mecánicos de copiar fotografías y ampliarlas al tamaño de un lienzo grande (proyección de diapositivas y cuadrícula de escala). La pintura, por regla general, se roció con aerógrafo para preservar todas las características de la imagen fotográfica y excluir la manifestación de la escritura individual del artista.
Además, los visitantes de exposiciones de este tipo pudieron encontrar en las salas figuras humanas de tamaño natural hechas de materiales poliméricos modernos, vestidas con un traje confeccionado y pintadas de tal manera que eran completamente indistinguibles del público. Esto causó mucha confusión y sorprendió a la gente.
El fotorrealismo se ha propuesto la tarea de agudizar nuestra percepción de la vida cotidiana, simbolizando el entorno moderno y reflejando nuestro tiempo en las formas de "artes técnicas" que se han generalizado precisamente en nuestra era de progreso técnico. Fijando y exponiendo la modernidad, ocultando las emociones del autor, el fotorrealismo en sus obras programáticas se encontró en la frontera de las bellas artes y casi la cruzó, porque buscaba competir con la vida misma.
Confeccionado
Inglés listo - listo. Una de las técnicas comunes del arte moderno (vanguardia) es sacar un objeto producido industrialmente de su entorno cotidiano habitual y exhibirlo en una sala de exposiciones.
El significado del readymade es el siguiente: cuando cambia el entorno, también cambia la percepción del objeto. El espectador ve en el objeto expuesto en el podio no algo utilitario, sino un objeto artístico, expresividad de forma y color. El nombre ready-made fue utilizado por primera vez en 1913-1917 por M. Duchamp en relación con sus “objetos ready-made” (peine, rueda de bicicleta, secador de botellas). En los años 60, el readymade se generalizó en diversos ámbitos del arte de vanguardia, especialmente en el dadaísmo.
Instalación
De inglés instalación - instalación. Una composición espacial creada por un artista a partir de varios elementos: artículos para el hogar, productos y materiales industriales, objetos naturales, texto o información visual. Los fundadores de la instalación fueron el dadaísta M. Duchamp y los surrealistas. Al crear combinaciones inusuales de cosas ordinarias, el artista les da un nuevo significado simbólico. El contenido estético de la instalación reside en el juego de significados semánticos, que cambian dependiendo de dónde se encuentre el objeto: en el entorno cotidiano habitual o en la sala de exposiciones. La instalación fue creada por muchos artistas de vanguardia R. Rauschenberg, D. Dine, G. Uecker, I. Kabakov.
La instalación es una forma de arte muy extendida en el siglo XX.
Ambiente
Inglés medio ambiente - entorno, medio ambiente. Una extensa composición espacial que abraza al espectador como un entorno real, una de las formas características del arte de vanguardia de los años 60 y 70. Las esculturas de D. Segal, E. Kienholz, K. Oldenburg y D. Hanson crearon ambientes de tipo naturalista que imitan un interior con figuras humanas. Tales repeticiones de la realidad podrían incluir elementos de ficción delirante. Otro tipo de ambiente es un espacio de juego que involucra ciertas acciones por parte de los espectadores.
Sucediendo
Inglés sucediendo - sucediendo, sucediendo. Un tipo de accionismo, más común en el arte de vanguardia de los años 60 y 70. El acontecimiento se desarrolla como un acontecimiento, más provocado que organizado, pero los iniciadores de la acción necesariamente involucran al público en él. Los Happenings surgieron a finales de los años 50 como una forma de teatro. En el futuro, los artistas suelen organizar eventos directamente en el entorno urbano o en la naturaleza.
Consideran esta forma como una especie de trabajo en movimiento en el que el entorno y los objetos desempeñan un papel no menor que el de los participantes vivos en la acción.
La acción de un acontecimiento provoca la libertad de cada participante y la manipulación de los objetos. Todas las acciones se desarrollan según un programa previamente planificado, en el que, sin embargo, se da gran importancia a la improvisación, que da rienda suelta a diversos impulsos inconscientes. Los acontecimientos pueden incluir elementos de humor y folclore. El acontecimiento expresó claramente el deseo del vanguardismo de fusionar el arte con el fluir de la vida misma.
Y, por último, la forma más avanzada de arte moderno: la superplanidad.
Superplano
Superplano es un término acuñado por el artista japonés contemporáneo Takashi Murakami.
El término Superplano fue creado para explicar el nuevo lenguaje visual adoptado activamente por una generación de jóvenes artistas japoneses como Takashi Murakami: “Estaba pensando en las realidades del dibujo y la pintura japoneses y en cómo se diferencian del arte occidental. Para Japón, la sensación de planitud es importante. Nuestra cultura no tiene formas 3D. Las formas 2D establecidas en la pintura histórica japonesa son similares al lenguaje visual simple y plano de la animación, los cómics y el diseño gráfico modernos".
Muy diversa y multifacética. El principio único del pensamiento artístico es la característica clave según la cual las obras de los maestros pueden atribuirse a un movimiento u otro. Históricamente, las principales direcciones de la pintura se reemplazaban entre sí según el cambio en la percepción del arte. Ciertos acontecimientos también influyeron en este asunto.
Direcciones en la pintura del siglo XIX.
En el siglo XIX, Francia siguió siendo un país líder que hizo importantes contribuciones al desarrollo de la cultura europea. La pintura fue lo primero en la vida artística. Las tendencias en la pintura del siglo XIX son el clasicismo, el romanticismo, el realismo, el academicismo y la decadencia. Eugène Delacroix fue considerado la principal figura del romanticismo. Su cuadro más famoso, “Libertad en las barricadas”, se basó en hechos reales. A mediados del siglo XIX, las principales direcciones de la pintura eran el clasicismo y el realismo. Gustav Courbet reforzó la posición del realismo en Europa. Y en la segunda mitad del siglo, las mismas corrientes se trasladaron de Francia a Rusia. Las tendencias en el arte, la pintura, la arquitectura y otras esferas de la vida cultural en Europa en este siglo son bastante diversas. El último tercio del siglo XIX se tambaleó al borde del realismo y la decadencia. Como resultado de este equilibrio, surgió una dirección completamente nueva: el impresionismo. Pero la principal tendencia en la pintura rusa de este período siguió siendo el realismo.
Clasicismo
Esta tendencia se desarrolló en Francia entre los siglos XVII y XIX. Se caracterizó por la armonía y la búsqueda de ideales. El clasicismo definió su propia jerarquía, según la cual los géneros históricos y mitológicos religiosos ocupaban un lugar destacado. Pero los retratos, las naturalezas muertas y los paisajes se consideraban insignificantes e incluso cotidianos. Estaba prohibido combinar géneros. Muchas tradiciones de artistas deben su aparición al clasicismo. En particular, estamos hablando de la integridad de la composición y las formas coordinadas. Las obras del clasicismo exigen armonía y consonancia.
Academicismo
Las direcciones en la pintura no cambiaron simplemente con el tiempo en orden. Se penetraron, se entrelazaron estrechamente y se siguieron juntos durante algún tiempo. Y a menudo sucedía que una dirección surgía de otra. Esto es lo que pasó con el academicismo. Surgió como consecuencia del arte clásico. Sigue siendo el mismo clasicismo, pero ya más elaborado y sistematizado. Los puntos clave que caracterizan plenamente este movimiento fueron la idealización de la naturaleza, así como una alta habilidad en la ejecución técnica. Los artistas más famosos de este movimiento fueron K. Bryullov, A. Ivanov, P. Delaroche y otros. Por supuesto, el academicismo moderno ya no ocupa el papel (protagonista) que le fue asignado en el momento del nacimiento de este estilo.
Romanticismo
Es imposible considerar las principales direcciones de la pintura del siglo XIX sin mencionar el romanticismo. La era romántica se originó en Alemania. Poco a poco penetró en Inglaterra, Francia, Rusia y otros países. Gracias a esta introducción, el mundo de la pintura y el arte se enriqueció con colores brillantes, nuevas historias y audaces representaciones del desnudo. Los artistas de este movimiento representaron todas las emociones y sentimientos humanos en colores brillantes. Le dieron la vuelta a todos los miedos internos, el amor y el odio, enriqueciendo los lienzos con una gran cantidad de efectos especiales.
Realismo
Considerando las principales tendencias en la pintura de la segunda mitad del siglo XIX, cabe mencionar en primer lugar el realismo. Y aunque el surgimiento de este estilo se remonta al siglo XVIII, su mayor florecimiento se produjo a mediados y segunda mitad del siglo XIX. La principal regla del realismo de este período fue la representación de la realidad moderna en toda la diversidad de sus manifestaciones. La formación de este movimiento en la pintura estuvo muy influenciada por la revolución que tuvo lugar en Francia en 1848. Pero en Rusia, el desarrollo de esta tendencia en el arte estuvo estrechamente relacionado con la tendencia de las ideas democráticas.
Decadencia
El período de decadencia se caracteriza por representaciones de desesperanza y decepción. Este estilo de arte está imbuido de una disminución de la vitalidad. Surgió a finales del siglo XIX como una forma de resistencia a la moral pública. Y aunque la decadencia de la pintura nunca tomó una dirección separada, la historia del arte distingue a los creadores individuales en este campo del arte. Por ejemplo, Aubrey Beardsley o Mikhail Vrubel. Pero cabe señalar que los artistas decadentes, que no temen experimentar con la mente, a menudo se encuentran al borde del abismo. Pero esto es precisamente lo que les permitió sorprender al público con su visión del mundo.
Impresionismo
Aunque el impresionismo es considerado la etapa inicial del arte moderno, las premisas de este movimiento se originaron en el siglo XIX. El origen del impresionismo fue el romanticismo. Porque fue él quien puso la personalidad individual en el centro del arte. En 1872, Monet pintó su cuadro “Impresión. Amanecer". Fue este trabajo el que dio nombre a todo el movimiento. Todo impresionismo se basó en la percepción. Los artistas que crearon en este estilo no pretendían iluminar los problemas filosóficos de la humanidad. Lo más importante no era qué representar, sino cómo hacerlo. Se suponía que cada pintura revelaría el mundo interior del artista. Pero los impresionistas también querían reconocimiento. Por lo tanto, intentaron encontrar temas de compromiso que fueran de interés para todos los segmentos de la población. Los artistas representaron días festivos o fiestas en sus lienzos. Y si las situaciones cotidianas encontraron su lugar en sus pinturas, fueron presentadas sólo desde el lado positivo. Por tanto, al impresionismo se le puede llamar romanticismo "interior".
Principales direcciones de la pintura rusa del siglo XIX (primera mitad)
La primera mitad del siglo XIX se considera una página particularmente brillante de la cultura rusa. A principios de siglo, el clasicismo seguía siendo la dirección principal de la pintura rusa. Pero hacia los años treinta su importancia se había perdido. Toda la cultura de Rusia tomó un nuevo aliento con la llegada del romanticismo. Su principio principal fue la afirmación de la personalidad individual, así como del pensamiento humano, como valor fundamental de todo arte. Había un interés especial por el mundo interior del hombre. Las tendencias de la pintura rusa de la primera mitad del siglo XIX estuvieron lideradas por el romanticismo. Además, al principio tuvo un carácter heroico y luego se transformó en un romanticismo trágico.
Hablando de la primera mitad del siglo XIX en la historia de la cultura rusa, los investigadores la dividen en dos cuartos. Pero no importa qué divisiones existan, todavía es casi imposible determinar la línea temporal entre los tres estilos en las artes visuales. Las direcciones de la pintura rusa del siglo XIX (clasicismo, romanticismo y realismo) en su primera mitad estaban tan entrelazadas que sólo se pueden distinguir de forma condicional.
Se puede decir con seguridad que en la primera mitad del siglo XIX la pintura ocupaba mucho más espacio en la vida de la sociedad que en el siglo XVIII. Gracias a la victoria en la guerra de 1812, la autoconciencia rusa recibió un fuerte impulso para el desarrollo, como resultado de lo cual aumentó considerablemente el interés del pueblo por su propia cultura. Por primera vez surgieron en la sociedad organizaciones que consideraban como tarea principal el desarrollo del arte nacional. Aparecieron las primeras revistas que hablaban de la pintura de los contemporáneos, así como los primeros intentos de organizar exposiciones de obras de artistas.
El retrato logró logros destacados durante este período. Este género unió más estrechamente al artista y la sociedad. Esto se debe al hecho de que el mayor número de encargos en ese momento correspondían al género del retrato. Uno de los retratistas más destacados de la primera mitad del siglo XIX fue Vladimir Borovikovsky. También vale la pena destacar artistas tan famosos como A. Orlovsky, V. Tropinin y O. Kiprensky.
Fue a principios de siglo cuando también se desarrolló la pintura de paisaje rusa. Entre los artistas que trabajaron en este género, cabe destacar en primer lugar a Fyodor Alekseev. Fue un maestro del paisaje urbano, así como uno de los fundadores de este género en la pintura rusa. Otros paisajistas famosos del período mencionado fueron Shchedrin y Aivazovsky.
Los mejores artistas de Rusia en el segundo cuarto del siglo XIX fueron considerados Bryullov, Fedotov y A. Ivanov. Cada uno de ellos hizo su contribución especial al desarrollo de la pintura.
Karl Bryullov no sólo fue un pintor muy brillante, sino también muy controvertido. Y aunque la dirección principal de la pintura rusa en el segundo cuarto del siglo XIX fue el romanticismo, el artista se mantuvo fiel a algunos de los cánones del clasicismo. Quizás por eso su trabajo fue tan valorado.
Alexander Ivanov logró enriquecer no solo la pintura rusa, sino también la europea del siglo XIX con la profundidad del pensamiento filosófico. Tenía un potencial creativo muy amplio y no sólo fue un innovador del género histórico y de la pintura de paisajes, sino también un excelente retratista. Ninguno de los artistas de su generación sabía percibir el mundo que los rodeaba de la misma manera que Ivanov y no tenía tanta variedad de técnicas.
Una etapa importante en el desarrollo de la pintura realista en Rusia está asociada con el nombre de Pavel Fedotov. Este artista fue el primero en darle una expresión crítica al género cotidiano, ya que tenía el talento de un satírico. Los personajes de sus cuadros solían ser gente del pueblo: comerciantes, oficiales, gente pobre y otros.
Segunda mitad del siglo XIX
A finales de los años cincuenta del siglo XIX comenzó un capítulo completamente nuevo en la historia de la pintura realista en Rusia. La derrota de la Rusia zarista en la guerra de Crimea tuvo un impacto global en estos acontecimientos. Fue el motivo del auge democrático y la reforma campesina. En 1863, catorce artistas se rebelaron contra las exigencias de pintar cuadros sobre temas determinados y, queriendo crear únicamente según su propia discreción, crearon un artel encabezado por Kramskoy. Si el realismo en Rusia en la primera mitad del siglo XIX buscaba revelar lo exclusivamente bello en una persona y se llamaba poético, entonces el que lo reemplazó en la segunda mitad del siglo se llamó crítico. Pero el principio poético no abandonó este movimiento. Ahora se manifestó en los sentimientos de indignación del creador, que puso en su obra. La dirección principal de la pintura rusa de la segunda mitad del siglo XIX fue el realismo, avanzando por el camino de la crítica y la denuncia. En esencia, fue una lucha por el reconocimiento de un género cotidiano que reflejara el estado natural de las cosas en Rusia.
En los años setenta, la dirección de la pintura cambió un poco. Los artistas de los años sesenta reflejaron en sus obras la creencia en el advenimiento del bien común tras la desaparición de la servidumbre. Y los setenta que los reemplazaron estaban decepcionados por las desgracias de los campesinos que siguieron a la reforma, y sus roces se dirigieron contra el nuevo futuro que se avecinaba. Uno de los representantes más brillantes de este género pictórico fue Myasoedov, y su mejor cuadro, que refleja toda la realidad de esa época, se tituló "El zemstvo está almorzando".
Los años ochenta desviaron la atención del arte de la persona que se preocupaba por la gente a la gente misma. Este es el apogeo de la creatividad de I. Repin. Toda la fuerza de este artista residía en la objetividad de sus obras. Todas las imágenes de sus cuadros eran vitalmente convincentes. Varias de sus pinturas estuvieron dedicadas a temas revolucionarios. Con su arte, Repin intentó dar respuesta a todas las preguntas que le preocupaban a él y al resto de personas que surgían en la vida cotidiana de esa época. Al mismo tiempo, otros artistas han buscado las mismas respuestas en el pasado. Ésta fue la peculiaridad y fuerza del arte del gran pintor. Otro artista famoso de este período fue Vasnetsov. Su trabajo se basó en el arte popular. A través de sus lienzos, Vasnetsov intentó transmitir la idea del gran poder del pueblo ruso y su heroica grandeza. La base de sus obras fueron leyendas y tradiciones. En sus creaciones, el artista no solo utilizó elementos de estilización, sino que también logró lograr la integridad de la imagen. Como fondo de sus lienzos, Vasnetsov, por regla general, representaba el paisaje del centro de Rusia.
En los años noventa, el concepto de vida creativa vuelve a cambiar. Ahora es necesario destruir sin piedad los puentes tendidos entre la pintura y la sociedad. Se forma una asociación de artistas llamada "Mundo del Arte", que promueve la pureza de las obras de arte, es decir, su separación de la vida cotidiana. Un rasgo del carácter creativo de los artistas que formaban parte de esta asociación era su limitado ámbito de intimidad. Comienzan a desarrollarse activamente las actividades de los museos, cuya tarea principal es despertar el interés por los monumentos culturales. Así, a principios del siglo XX, cada vez más artistas se esforzaban por transmitir el pasado histórico de Rusia en sus lienzos. Los miembros de la asociación World of Art desempeñaron un papel especial en el desarrollo del arte de la ilustración de libros, así como en la creatividad teatral y decorativa. Somov fue considerado uno de los mejores artistas de este movimiento. Nunca representó la vida moderna en sus obras. Como último recurso, podría transmitirlo mediante una mascarada histórica. Después del “Mundo del Arte”, comenzaron a formarse otras asociaciones. Fueron creados por artistas que tenían un punto de vista diferente respecto a la pintura.
Los maestros que criticaron el trabajo de los creadores del sindicato antes descrito crearon (como contrapeso) la asociación Blue Rose. Exigieron el regreso de los colores brillantes a la pintura y dijeron que el arte sólo debería transmitir unilateralmente los sentimientos internos del artista. El más talentoso entre estas figuras fue Sapunov.
Desafiando a la Rosa Azul, pronto apareció otra alianza, que se llamó Sota de Diamantes. Se distinguió por un franco significado antipoético. Pero sus seguidores no querían volver a la realidad. Los sometieron a todo tipo de distorsiones y descomposición (a su manera). Así, gracias a todas estas alianzas en guerra, surge el modernismo ruso.
Tendencias modernas
El tiempo pasa y todo lo que antes se consideraba moderno pasa a formar parte de la historia, y el arte no es una excepción. Hoy en día, el término “arte contemporáneo” se aplica a todo lo creado por individuos creativos a partir de 1970. Nuevas direcciones en la pintura se desarrollaron en dos etapas. El primero es el modernismo, el segundo es el posmodernismo. El año setenta del siglo XX se considera un punto de inflexión en todo el arte. Desde este año, los movimientos artísticos prácticamente han desafiado toda clasificación. Lo único que se puede decir con absoluta certeza es que la orientación social del arte durante los últimos treinta años se ha expresado mucho más intensamente que en todas las épocas pasadas. Al mismo tiempo, la pintura ha dejado de ocupar un lugar destacado en el arte moderno. Cada vez más artistas recurren a la fotografía, así como a la tecnología informática, para hacer realidad sus planes e ideas.
A pesar de las diversas tendencias en la pintura, se puede decir que la principal tarea de la vida artística en el siglo XIX era acercar todos los géneros artísticos lo más posible a la vida cotidiana. Y se logró con éxito a través de la apelación de los maestros del pincel - y no sólo - a los problemas modernos de la humanidad y al mundo interior del propio artista. Todas las tendencias en pintura de esta época te permiten sentir el espíritu de la época y hacerte una idea de cómo vivía y sentía la gente de esa época.
El estilo (dirección, movimiento) en el arte es una comunidad históricamente establecida de características artísticas en un tipo de arte o simultáneamente en varias artes, característica de diferentes épocas y pueblos y determinada por la unidad de las aspiraciones ideológicas y estéticas de la minoría creativa. En la actualidad, tradicionalmente han surgido una serie de designaciones estables para tendencias objetivamente existentes (y existentes) en el arte europeo, cuyas características principales son necesarias para que toda persona culta las conozca. En este sentido, consideremos la terminología básica, respetando el principio cronológico.
El estilo románico (del latín Romanus - romano) apareció en los siglos X-XIII. en arquitectura y decoración escultórica. Los edificios románicos heredan muchas de las características de la arquitectura romana y se distinguen por su sencillez y racionalidad. El espesor y la resistencia de los muros fueron el principal criterio de belleza del edificio. Los principales edificios arquitectónicos de Romanica son el castillo de los caballeros y la iglesia del monasterio.
El estilo gótico (del italiano Gotico - gótico, bárbaro) se asocia principalmente con la arquitectura religiosa, la escultura y las artes decorativas de los siglos XII-XIV. La principal estructura arquitectónica gótica es la catedral. Las catedrales góticas se caracterizan por la aspiración hacia arriba, hacia Dios, una conexión orgánica entre arquitectura y escultura, arcos apuntados; ventanas decoradas con vidrieras multicolores, decoración exuberante.
Estilo barroco (del italiano Barocco - extraño, extraño) en arquitectura, música, pintura, literatura y artes decorativas de finales del siglo XVI y mediados del XVIII. Se caracteriza por la afectación estética, la riqueza decorativa, generalmente de formas curvilíneas. En música y literatura: manierismo, capricho, ornamentación, abundancia de decoraciones. Los jesuitas vieron en el arte barroco, puesto al servicio de la religión, una poderosa herramienta para influir en el mundo emocional del hombre y formar nuevas ideas para los europeos sobre la riqueza, la complejidad y la variabilidad del mundo circundante.
Estilo y dirección del clasicismo (del latín classicus - correcto, ejemplar) en el arte y la literatura del siglo XVII y principios del XIX. marcando un retorno a la herencia antigua como norma y modelo ideal. El principal postulado estético del clasicismo es la fidelidad a la naturaleza, la racionalidad natural del mundo con su belleza objetivamente inherente, que se expresa en simetría, proporción, medida, armonía, que debe recrearse en el arte en perfecta forma.
El rococó (del francés rocaille - concha) es un estilo que ocupa una posición intermedia entre el barroco y el clasicismo. Popular principalmente en Francia durante la época de Luis XV, el estilo a veces recibe el nombre de "estilo Luis XV". La característica definitoria de este estilo es el deseo de gracia, la abundancia de decoración y el contraste entre la severidad exterior de los edificios y la sofisticación de su decoración interior. Se expresó más claramente en la arquitectura, la pintura y las artes decorativas y aplicadas.
El sentimentalismo (del sentimiento francés - sentimiento) es un movimiento artístico de la segunda mitad del siglo XVIII, que surgió como resultado de la decepción por el papel positivo de la "civilización", el "reino de la razón" proclamado por los ideólogos de la Era de iluminacion. Ideológicamente, el sentimentalismo se remonta a la famosa afirmación de J.J. Rousseau “¡La razón puede cometer errores, pero el sentimiento nunca!” El sentimentalismo no ha desarrollado una estética propia y es más bien un estado de ánimo especial, ensoñaciones melancólicas, tendencia a la soledad y mayor sensibilidad. Su credo es el rechazo de cualquier sofisticación y depravación, la llamada. "sociedad civilizada.
El romanticismo es un amplio movimiento ideológico y artístico en la cultura mundial, que abarcó todo tipo de arte y humanidades a finales del siglo XVIII y principios del XX. El romanticismo fue una reacción a los resultados de la Gran Revolución Francesa, que marcó el “progreso” capitalista y el espíritu del comercio universal.
El credo del romanticismo es “un héroe atípico en circunstancias atípicas”. Los románticos contrastaban el utilitarismo y la despersonalización del individuo con las aspiraciones de libertad ilimitada y el patetismo de la independencia personal y civil.
El realismo (del latín realis - real, real) es un estilo que ha dado forma al enfoque en representar la vida en las formas de la vida misma: "un héroe típico en circunstancias típicas". Como método creativo, el realismo se manifestó más plenamente en el siglo XIX y se plasmó, en primer lugar, en la pintura y la literatura.
El naturalismo (del latín Natura - naturaleza) es un movimiento creativo que apareció en el último tercio del siglo XIX. bajo la influencia de la filosofía del positivismo de O. Comte y G. Spencer. La estética del naturalismo, trasladando los principios del positivismo al ámbito del arte, se basó en la posición de que el artista debe reflejar el mundo que lo rodea sin adornos, tipificaciones, convenciones y tabúes, con la máxima objetividad. Los representantes del naturalismo pretendían contar "todos los entresijos" de una persona, prestando especial atención a los aspectos biológicos de su vida. Una manifestación extrema del naturalismo, que ya va más allá de los límites del arte, son los diversos tipos de productos pornográficos, representaciones de los lados "sucios" de la vida y escenas de violencia, que entre la gente han recibido el acertado nombre de "chernukha".
El modernismo (del francés Moderne - nuevo, moderno) es un conjunto de escuelas y movimientos estéticos de finales del siglo XIX y XX. (cubismo, futurismo, expresionismo, constructivismo, fauvismo, dadaísmo, abstraccionismo, etc.), oponiéndose al arte del pasado y afirmando un nuevo enfoque en la representación de la existencia social.
Posmodernismo - (formado en la segunda mitad del siglo XX). Es un tipo especial de cosmovisión, centrada en la formación de un espacio vital en el que se niegan todo tipo de normas y tradiciones y los principales valores son la libertad en todo, la espontaneidad de la actividad, la alegría, la orientación cultural, hacia la “deconstrucción”. , “descentralización”, absolutización de la “novedad” "como forma de valorar el mundo (R. Barth).
gótico(del italiano gotico - inusual, bárbaro): un período en el desarrollo del arte medieval, que abarca casi todas las áreas de la cultura y se desarrolla en Europa occidental, central y parcialmente oriental desde el siglo XII al XV. El gótico completó el desarrollo del arte medieval europeo, que surgió sobre la base de los logros de la cultura románica, y durante el Renacimiento, el arte medieval fue considerado "bárbaro". El arte gótico tenía un propósito cultual y un tema religioso. Abordó los poderes divinos más elevados, la eternidad y la cosmovisión cristiana. El gótico en su desarrollo se divide en gótico temprano, apogeo y gótico tardío.
Las famosas catedrales europeas, que a los turistas les encanta fotografiar con gran detalle, se han convertido en obras maestras del estilo gótico. En el diseño interior de las catedrales góticas, los esquemas de color jugaron un papel importante. En la decoración exterior e interior predominaba la abundancia de dorados, la luminosidad del interior, el calado de los muros y la disección cristalina del espacio. La materia carecía de pesadez e impenetrabilidad; estaba, por así decirlo, espiritualizada.
Las enormes superficies de las ventanas estaban llenas de vidrieras con composiciones que reproducían acontecimientos históricos, cuentos apócrifos, temas literarios y religiosos, imágenes de escenas cotidianas de la vida de simples campesinos y artesanos, que proporcionaban una enciclopedia única de la forma de vida durante la edad Media. Las kona estaban llenas de arriba a abajo con composiciones de figuras encerradas en medallones. La combinación de luz y color en la pintura mediante la técnica del vitral impartió una mayor emotividad a las composiciones artísticas. Se utilizaron una variedad de vidrios: escarlata intenso, fuego, rojo, granate, verde, amarillo, azul oscuro, azul, ultramar, cortados a lo largo del contorno del diseño... Las ventanas se calentaban como piedras preciosas, impregnadas de luz exterior. - transformaron todo el interior del templo y pusieron a sus visitantes en un estado de ánimo elevado.
Gracias al vidrio coloreado gótico nacieron nuevos valores estéticos y los colores adquirieron la máxima sonoridad del color radiante. El color puro creó una atmósfera de aire, pintada en diferentes tonalidades gracias al juego de luces en columnas, pisos y vidrieras. El color se convirtió en una fuente de luz que profundizó la perspectiva. Los vasos gruesos, a menudo desiguales, estaban llenos de burbujas no del todo transparentes, realzando el efecto artístico del vitral. La luz, al atravesar el espesor irregular del cristal, se fragmentó y empezó a jugar.
Los mejores ejemplos de auténticas vidrieras góticas se pueden ver en las catedrales de Chartres, Bourges y París (por ejemplo, “La Virgen y el Niño”). Lleno de no menos esplendor, así como “Ruedas de fuego” y “Lanzamiento de relámpagos” en la Catedral de Chartres.
A partir de mediados del siglo I, se empezaron a introducir en la pintura colores complejos obtenidos duplicando vidrio. Estas extraordinarias vidrieras de estilo gótico se conservan en la Sainte-Chapelle (1250). Se aplicaron contornos al vidrio con pintura de esmalte marrón y las formas eran de naturaleza plana.
La época gótica se convirtió en el apogeo del arte de los libros en miniatura, así como de las miniaturas artísticas. El fortalecimiento de las tendencias seculares en la cultura solo intensificó su desarrollo. Las ilustraciones con composiciones de múltiples figuras sobre temas religiosos incluían varios detalles realistas: imágenes de pájaros, animales, mariposas, adornos con motivos vegetales y escenas cotidianas. Las obras del miniaturista francés Jean Pussel están llenas de un encanto poético especial.
En el desarrollo de las miniaturas góticas francesas de los siglos XIII y XIV, el lugar principal lo ocupó la escuela parisina. El Salterio de San Luis está repleto de composiciones de múltiples figuras enmarcadas por un único motivo de arquitectura gótica, lo que confiere a la narrativa una extraordinaria armonía (Louvre, París, 1270). Las figuras de las damas y los caballeros son elegantes, sus formas se distinguen por líneas fluidas, lo que crea la ilusión de movimiento. La riqueza y densidad de los colores, así como la arquitectura decorativa del diseño, convierten estas miniaturas en obras de arte únicas y preciosas decoraciones de páginas.
El estilo del libro gótico se distingue por formas puntiagudas, ritmo angular, inquietud, patrones calados de filigrana y líneas sinuosas y poco profundas. Cabe señalar que en los siglos XIV y XV también se ilustraron manuscritos seculares. Libros de horas, tratados científicos, colecciones de canciones de amor y crónicas están repletos de magníficas miniaturas. Las miniaturas, que ilustran obras de la literatura cortesana, encarnaban el ideal del amor caballeresco, así como escenas de la vida cotidiana que nos rodea. Una creación similar es el manuscrito Manes (1320).
Con el tiempo, el gótico se ha vuelto más narrado. Las “Grandes Crónicas Francesas” del siglo XIV demuestran claramente el deseo del artista de profundizar en el significado del acontecimiento que representa. Además de esto, a los libros se les dio elegancia decorativa mediante el uso de exquisitas viñetas y marcos de formas extravagantes.
Las miniaturas góticas tuvieron una gran influencia en la pintura y aportaron una corriente viva al arte de la Edad Media. El gótico se convirtió no solo en un estilo, sino en un vínculo importante en el desarrollo cultural general de la sociedad. Los maestros del estilo pudieron reproducir la imagen de su contemporáneo en el material y el entorno natural con una precisión increíble. Las majestuosas y espirituales obras góticas están rodeadas de un aura de encanto estético único. El gótico dio lugar a una nueva comprensión de la síntesis de las artes y sus conquistas realistas prepararon el camino para la transición al arte del Renacimiento.
Este artículo proporciona una breve descripción de los principales estilos artísticos del siglo XX. Será útil saberlo tanto para artistas como para diseñadores.
Modernismo (del francés moderne modern)
en arte, nombre colectivo de las corrientes artísticas que se establecieron en la segunda mitad del siglo XIX en forma de nuevas formas de creatividad, donde ya no prevalecía tanto el espíritu de la naturaleza y la tradición, sino la mirada libre. de un maestro, libre de cambiar el mundo visible a su propia discreción, siguiendo impresiones personales, ideas internas o un sueño místico (estas tendencias continuaron en gran medida la línea del romanticismo). Sus direcciones más significativas, a menudo interactuantes activamente, fueron el impresionismo, el simbolismo y el modernismo. En la crítica soviética, el concepto de "modernismo" se aplicó ahistóricamente a todos los movimientos artísticos del siglo XX que no correspondían a los cánones del realismo socialista.
abstraccionismo(arte bajo el signo de “formas cero”, arte no objetivo) es una dirección artística que se formó en el arte de la primera mitad del siglo XX, abandonando por completo la reproducción de formas del mundo real visible. Los fundadores del arte abstracto son considerados V. Kandinsky, P. Mondrian y K. Malevich. V. Kandinsky creó su propio tipo de pintura abstracta, liberando las manchas impresionistas y "salvajes" de cualquier signo de objetividad. Piet Mondrian llegó a su no objetividad a través de la estilización geométrica de la naturaleza iniciada por Cézanne y los cubistas. Los movimientos modernistas del siglo XX, centrados en el abstraccionismo, se apartan por completo de los principios tradicionales, negando el realismo, pero al mismo tiempo permaneciendo dentro del marco del arte. La historia del arte experimentó una revolución con la llegada del arte abstracto. Pero esta revolución no surgió por casualidad, sino de forma bastante natural, ¡y fue predicha por Platón! En su última obra Filebo, escribió sobre la belleza de las líneas, las superficies y las formas espaciales en sí mismas, independientemente de cualquier imitación de objetos visibles, de cualquier mimesis. Este tipo de belleza geométrica, a diferencia de la belleza de las formas naturales "irregulares", según Platón, no es relativa, sino incondicional, absoluta.
Futurismo- movimiento literario y artístico en el arte de la década de 1910. Al asignarse el papel de prototipo del arte del futuro, el futurismo propuso como programa principal la idea de destruir los estereotipos culturales y, en cambio, ofreció una apología de la tecnología y la bajeza como principales signos del presente y del futuro. . Una idea artística importante del futurismo fue la búsqueda de una expresión plástica de la velocidad del movimiento como principal signo del ritmo de la vida moderna. La versión rusa del futurismo se llamó cubofuturismo y se basó en una combinación de los principios plásticos del cubismo francés y las actitudes estéticas generales europeas del futurismo izma. Utilizando intersecciones, cambios, colisiones y afluencias de formas, los artistas intentaron expresar la multiplicidad fragmentada de impresiones de una persona contemporánea, un habitante de la ciudad.
Cubismo- “la revolución artística más completa y radical desde el Renacimiento” (J. Golding). Artistas: Picasso Pablo, Georges Braque, Fernand Léger Robert Delaunay, Juan Gris, Gleizes Metzinger. Cubismo - (cubismo francés, de cubo - cubo) dirección en el arte del primer cuarto del siglo XX. El lenguaje plástico del cubismo se basó en la deformación y descomposición de objetos en planos geométricos, un cambio plástico de forma. Muchos artistas rusos quedaron fascinados por el cubismo, combinando a menudo sus principios con las técnicas de otras tendencias artísticas modernas: el futurismo y el primitivismo. Una versión específica de la interpretación del cubismo en suelo ruso se ha convertido en el cubofuturismo.
Purismo- (purisme francés, del latín purus - puro) movimiento en la pintura francesa de finales de los años 10 y 20. Los principales representantes son el artista. A. Ozanfán y arquitecto SE Jeanneret (Le Corbusier). Rechazando las tendencias decorativas del cubismo y otros movimientos de vanguardia de la década de 1910 y la deformación de la naturaleza que aceptaban, los puristas se esforzaron por una transferencia racionalistamente ordenada de formas de objetos estables y lacónicas, como si estuvieran "limpias" de detalles, a la representación de Elementos “primarios”. Las obras de los puristas se caracterizan por la planitud, el ritmo suave de las siluetas luminosas y los contornos de objetos similares (jarras, vasos, etc.). Sin desarrollarse en forma de caballete, los principios artísticos del purismo, significativamente repensados, se reflejaron parcialmente en la arquitectura moderna, principalmente en los edificios de Le Corbusier.
serrealismo- un movimiento cosmopolita en la literatura, la pintura y el cine que surgió en 1924 en Francia y que oficialmente finalizó su existencia en 1969. Contribuyó significativamente a la formación de la conciencia del hombre moderno. Las principales figuras del movimiento son André Bretón- escritor, líder e inspirador ideológico del movimiento, Luis Aragón- uno de los fundadores del surrealismo, que más tarde se transformó de forma extraña en un cantante del comunismo, Salvador Dalí- artista, teórico, poeta, guionista, que definió la esencia del movimiento con las palabras: "¡El surrealismo soy yo!", un cineasta muy surrealista luis buñuel, artista Joan Miró- “la pluma más hermosa del sombrero del surrealismo”, como la llamaron Breton y muchos otros artistas de todo el mundo.
Fauvismo(del francés les fauves - salvaje (animales)) Dirección local en la pintura temprana. Siglo XX El nombre F. fue asignado burlonamente a un grupo de jóvenes artistas parisinos ( A. Matisse, A. Derain, M. Vlaminck, A. Marche, E.O. Friez, J. Braque, A.Sh. Mangen, K. van Dongen), que participaron conjuntamente en varias exposiciones entre 1905 y 1907, después de su primera exposición en 1905. El nombre fue adoptado por el propio grupo y se consolidó firmemente. El movimiento no tenía un programa, un manifiesto ni una teoría claramente formulados y no duró mucho, sin embargo, dejó una huella notable en la historia del arte. Sus participantes en esos años estaban unidos por el deseo de crear imágenes artísticas exclusivamente con la ayuda de colores abiertos extremadamente brillantes. Desarrollando los logros artísticos de los postimpresionistas ( Cézanne, Gauguin, Van Gogh), apoyándose en algunas técnicas formales del arte medieval (vidrieras, arte románico) y grabados japoneses, populares en los círculos artísticos de Francia desde la época de los impresionistas, los fauvistas buscaron maximizar el uso de las posibilidades coloristas de la pintura.
Expresionismo(de la expresión francesa - expresividad) - un movimiento modernista en el arte de Europa occidental, principalmente en Alemania, en el primer tercio del siglo XX, que surgió en un período histórico determinado, en vísperas de la Primera Guerra Mundial. La base ideológica del expresionismo fue una protesta individualista contra el mundo feo, la creciente alienación del hombre del mundo, el sentimiento de falta de hogar, el colapso y el colapso de aquellos principios sobre los que la cultura europea parecía descansar tan firmemente. Los expresionistas se caracterizan por una afinidad por el misticismo y el pesimismo. Técnicas artísticas características del expresionismo: rechazo del espacio ilusorio, deseo de una interpretación plana de los objetos, deformación de los objetos, amor por las disonancias coloridas agudas, una coloración especial que contiene drama apocalíptico. Los artistas percibieron la creatividad como una forma de expresar emociones.
suprematismo(del latín supremus - más alto, más alto; primero; último, extremo, aparentemente, a través del polaco supremacja - superioridad, supremacía) La dirección del arte de vanguardia del primer tercio del siglo XX, cuyo creador, principal representante y teórico fue un artista ruso Kazimir Malevich. El término en sí no refleja la esencia del suprematismo. De hecho, en opinión de Malevich, esta es una característica evaluativa. El suprematismo es la etapa más alta del desarrollo del arte en el camino de la liberación de todo lo extraartístico, en el camino de la identificación última de lo no objetivo, como esencia de cualquier arte. En este sentido, Malevich consideraba suprematista (o “supremacista”) el arte ornamental primitivo. Primero aplicó este término a un gran grupo de sus pinturas (39 o más) que representan abstracciones geométricas, incluido el famoso "Cuadrado Negro" sobre un fondo blanco, "Cruz Negra", etc., exhibido en la exposición futurista de Petrogrado "Cero- Diez” en 1915 Fueron estas y otras abstracciones geométricas similares las que dieron origen al nombre Suprematismo, aunque el propio Malevich le atribuyó muchas de sus obras de los años 20, que aparentemente contenían algunas formas de objetos específicos, especialmente figuras humanas, pero conservaban. el “espíritu suprematista”. Y, de hecho, los desarrollos teóricos posteriores de Malevich no dan motivos para reducir el suprematismo (al menos por parte del propio Malevich) solo a abstracciones geométricas, aunque, por supuesto, constituyen su núcleo, esencia e incluso (blanco y negro y blanco-blanco). Suprematismo) llevan la pintura al límite de su existencia en general como forma de arte, es decir, al cero pictórico, más allá del cual ya no hay pintura misma. Este camino fue continuado en la segunda mitad del siglo por numerosas tendencias en la actividad artística que abandonaron los pinceles, las pinturas y los lienzos.
ruso vanguardia La década de 1910 presenta un panorama bastante complejo. Se caracteriza por un rápido cambio de estilos y tendencias, una abundancia de grupos y asociaciones de artistas, cada uno de los cuales proclamó su propio concepto de creatividad. Algo parecido ocurrió en la pintura europea de principios de siglo. Sin embargo, la mezcla de estilos, la “confusión” de tendencias y direcciones eran desconocidas en Occidente, donde el movimiento hacia nuevas formas fue más consistente. Muchos maestros de la generación más joven se movieron con extraordinaria rapidez de un estilo a otro, de una etapa a otra, del impresionismo al modernismo, luego al primitivismo, el cubismo o el expresionismo, pasando por muchas etapas, lo cual era completamente atípico para los maestros de la pintura francesa o alemana. . La situación que se desarrolló en la pintura rusa se debió en gran medida al ambiente prerrevolucionario que reinaba en el país. Agravó muchas de las contradicciones inherentes a todo el arte europeo en su conjunto, porque Los artistas rusos aprendieron de modelos europeos y conocían bien diversas escuelas y movimientos artísticos. La peculiar “explosión” rusa en la vida artística jugó así un papel histórico. En 1913, fue el arte ruso el que alcanzó nuevas fronteras y horizontes. Apareció un fenómeno completamente nuevo de no objetividad: una línea más allá de la cual los cubistas franceses no se atrevieron a cruzar. Uno tras otro cruzan esta línea: Kandinsky V.V., Larionov M.F., Malevich K.S., Filonov P.N., Tatlin V.E.
cubofuturismo Dirección local en la vanguardia rusa (en pintura y poesía) de principios del siglo XX. En las bellas artes, el cubofuturismo surgió a partir de un replanteamiento de los hallazgos pictóricos, el cubismo, el futurismo y el neoprimitivismo ruso. Las principales obras fueron realizadas en el período 1911-1915. Las pinturas más características del cubofuturismo provienen del pincel de K. Malevich, y también fueron pintadas por Burliuk, Puni, Goncharova, Rozanova, Popova, Udaltsova, Ekster. Las primeras obras cubofuturistas de Malevich se exhibieron en la famosa exposición de 1913. “Target”, en el que también debutó el rayismo de Larionov. En apariencia, las obras cubo-futuristas se hacen eco de las composiciones de F. Léger creadas al mismo tiempo y son composiciones semi-objetivas compuestas de formas volumétricas huecas cilíndricas, cónicas, de matraz y de concha, que a menudo tienen un brillo metálico. Ya en las primeras obras similares de Malevich se nota una tendencia hacia la transición del ritmo natural a los ritmos puramente mecánicos del mundo de las máquinas ("El carpintero", 1912, "El molinillo", 1912, "Retrato de Klyun", 1913). .
Neoplasticismo- una de las primeras variedades del arte abstracto. Creado en 1917 por el pintor holandés P. Mondrian y otros artistas miembros de la asociación “Style”. El neoplasticismo se caracteriza, según sus creadores, por el deseo de "armonía universal", expresado en combinaciones estrictamente equilibradas de grandes figuras rectangulares, claramente separadas por líneas perpendiculares de negro y pintadas en colores locales del espectro principal (con la adición de blanco). y tonos grises). Neoplasticismo (Nouvelle plastique) Este término apareció en Holanda en el siglo XX. Piet Mondrian definió para ellos sus conceptos plásticos, erigido en sistema y defendido por el grupo y la revista “Style” (“De Stiji”) fundado en Leiden en 1917. La característica principal del neoplasticismo fue el uso estricto de los medios expresivos. Para construir una forma, el neoplasticismo sólo permite líneas horizontales y verticales. La intersección de líneas en ángulo recto es el primer principio. Hacia 1920 se le añadió un segundo que, eliminando la pincelada y enfatizando el plano, limita los colores a rojo, azul y amarillo, es decir. Tres colores primarios puros a los que sólo se les puede añadir el blanco y el negro. Con la ayuda de este rigor, el neoplasticismo pretendía ir más allá de la individualidad para alcanzar el universalismo y así crear una nueva imagen del mundo.
"Bautismo" oficial orfismo ocurrió en el Salón de los Independientes de 1913. Así escribió el crítico Roger Allard en su informe sobre el Salón: “... observemos para los futuros historiadores que en 1913 nació una nueva escuela de orfismo...” (“La Côte ”París 19 de marzo de 1913). Otro crítico, André Varnaud, se hizo eco de ello: “El Salón de 1913 estuvo marcado por el nacimiento de una nueva escuela de la escuela órfica” (“Comoedia”, París, 18 de marzo de 1913). Finalmente Guillaume Apollinaire Reforzó esta afirmación exclamando, no sin orgullo: “Esto es orfismo. Es la primera vez que aparece esta dirección que yo predije” (“¡Montjoie!” Suplemento de París del 18 de marzo de 1913). De hecho, este término fue inventado apollinario(El orfismo como culto a Orfeo) y se afirmó públicamente por primera vez durante una conferencia sobre pintura moderna impartida en octubre de 1912. ¿Qué quiso decir? Parece que él mismo no lo sabía. Además, no sabía cómo definir los límites de esta nueva dirección. De hecho, la confusión que reina hasta el día de hoy se debió a que Apollinaire, sin saberlo, confundió dos problemas que están interconectados, por supuesto, pero antes de intentar conectarlos debería haber enfatizado sus diferencias. Por un lado, la creación Delaunay medios de expresión pictóricos basados íntegramente en el color y, por otro lado, la expansión del cubismo debido al surgimiento de varias direcciones diferentes. Tras romper con Marie Laurencin a finales del verano de 1912, Apollinaire buscó refugio en la familia Delaunay, que lo recibió con amistosa comprensión en su taller de la calle Grand-Augustin. Este mismo verano, Robert Delaunay y su esposa experimentaron una profunda evolución estética que condujo a lo que más tarde llamó el “período destructivo” de la pintura basada únicamente en las cualidades constructivas y espacio-temporales de los contrastes de color.
Posmodernismo (posmoderno, posvanguardista) -
(del latín post “después” y modernismo), nombre colectivo de las tendencias artísticas que se hicieron especialmente claras en la década de 1960 y se caracterizan por una revisión radical de la posición del modernismo y las vanguardias.
Expresionismo abstracto Etapa de desarrollo del arte abstracto de la posguerra (finales de los años 40 y 50 del siglo XX). El término en sí fue introducido en los años 20 por un crítico de arte alemán. E. von Sydow (E. von Sydow) para referirse a determinados aspectos del arte expresionista. En 1929, el estadounidense Barr lo utilizó para caracterizar las primeras obras de Kandinsky, y en 1947 las calificó de “expresionistas abstractas”. Willem de Kooning Y abadejo. Desde entonces, el concepto de expresionismo abstracto se ha consolidado detrás de un campo bastante amplio, estilística y técnicamente variado de la pintura abstracta (y más tarde de la escultura), que recibió un rápido desarrollo en los años 50. en Estados Unidos, en Europa y luego en todo el mundo. Los antepasados directos del expresionismo abstracto se consideran tempranos. Kandinski, expresionistas, órfistas, en parte dadaístas y surrealistas con su principio de automatismo mental. La base filosófica y estética del expresionismo abstracto fue en gran medida la filosofía del existencialismo, popular en el período de posguerra.
Confeccionado(Ready-made en inglés - listo) El término fue introducido por primera vez en el léxico de la historia del arte por el artista. marcel duchamp designar como obras de arte sus obras, que son objetos de uso utilitario, retiradas del entorno de su funcionamiento normal y, sin ningún cambio, expuestas en una exposición de arte. Los ready-mades afirmaron una nueva visión de las cosas y de la cosidad. Un objeto que había dejado de cumplir sus funciones utilitarias y estaba incluido en el contexto del espacio del arte, es decir, se había convertido en un objeto de contemplación no utilitaria, comenzó a revelar nuevos significados y movimientos asociativos, desconocidos para el arte tradicional. o a la esfera utilitaria cotidiana de la existencia. El problema de la relatividad de lo estético y lo utilitario ha surgido de forma aguda. Los primeros ready-mades Duchamp expuesto en Nueva York en 1913. Los más notorios son sus readymades. "Rueda de bicicleta" de acero (1913), "Secador de botellas" (1914), "Fuente" (1917): así se designó un urinario común.
Arte pop. Después de la Segunda Guerra Mundial, Estados Unidos desarrolló una gran clase social de personas que ganaban suficiente dinero para comprar bienes que no eran particularmente importantes para ellos. Por ejemplo, el consumo de bienes: Coca Cola o jeans Levi's se convierten en un atributo importante de esta sociedad. Una persona que utiliza tal o cual producto demuestra su pertenencia a una determinada clase social. La cultura de masas se estaba formando ahora. Las cosas se convirtieron en símbolos, estereotipos. El arte pop utiliza necesariamente estereotipos y símbolos. Arte pop(arte pop) encarnó la búsqueda creativa de los nuevos estadounidenses, que se basaron en los principios creativos de Duchamp. Este: Jasper Johns, K. Oldenburg, Andy Warhol, y otros. El arte pop adquiere la importancia de la cultura de masas, por lo que no sorprende que se haya formado y se haya convertido en un movimiento artístico en Estados Unidos. Sus personas de ideas afines: Hamelton R, tono China elegido como autoridad kurt schwieters. El arte pop se caracteriza por una obra de ilusión que explica la esencia del objeto. Ejemplo: pastel K. Oldenburgo, representado en varias variantes. Un artista no puede representar un pastel, sino disipar ilusiones y mostrar lo que una persona realmente ve. R. Rauschenberg también es original: pegó varias fotografías al lienzo, las perfiló y adjuntó una especie de peluche a la obra. Una de sus obras famosas es un erizo de peluche. También son muy conocidas sus pinturas, en las que utilizó fotografías de Kenedy.
Primitivismo (arte ingenuo). Este concepto se utiliza en varios sentidos y en realidad es idéntico al concepto "arte primitivo". En diferentes idiomas y diferentes científicos, estos conceptos se utilizan con mayor frecuencia para designar la misma gama de fenómenos en la cultura artística. En ruso (como en otros países), el término "primitivo" tiene un significado algo negativo. Por tanto, es más apropiado detenerse en el concepto. arte ingenuo. En el sentido más amplio, esto se refiere a las bellas artes, caracterizadas por la simplicidad (o simplificación), la claridad y la espontaneidad formal del lenguaje figurativo y expresivo, con la ayuda de las cuales se expresa una visión especial del mundo, no agobiada por las convenciones de la civilización. El concepto apareció en la nueva cultura europea de los últimos siglos y, por tanto, refleja las posiciones e ideas profesionales de esta cultura, que se consideraba a sí misma el más alto nivel de desarrollo. Desde estas posiciones, el arte ingenuo también incluye el arte arcaico de los pueblos antiguos (anteriores a las civilizaciones egipcias o griegas antiguas), por ejemplo, el arte primitivo; el arte de los pueblos retrasados en su desarrollo cultural y civilizacional (poblaciones indígenas de África, Oceanía, indios americanos); arte amateur y no profesional a gran escala (por ejemplo, los famosos frescos medievales de Cataluña o el arte no profesional de los primeros colonos americanos procedentes de Europa); numerosas obras del llamado “gótico internacional”; arte popular; finalmente, el arte de talentosos artistas primitivistas del siglo XX, que no recibieron una educación artística profesional, pero que sintieron el don de la creatividad artística y se dedicaron a su implementación independiente en el arte. Algunos de ellos (francés A. Rousseau, C. Bombois, georgiano N. Pirosmanishvili, croata I. Generalich, Americano SOY. robertson etc.) crearon verdaderas obras maestras artísticas que están incluidas en el tesoro del arte mundial. El arte ingenuo, en su visión del mundo y métodos de su presentación artística, se acerca algo al arte de los niños, por un lado, y al arte. la creatividad de los enfermos mentales, por el otro. Sin embargo, en esencia se diferencia de ambos. En la cosmovisión, lo más parecido al arte infantil es el arte ingenuo de los pueblos arcaicos y aborígenes de Oceanía y África. Su diferencia fundamental con el arte infantil radica en su profundo carácter sagrado, tradicionalismo y canonicidad.
arte neto(Net Art - del inglés net - network, art - art) La forma más nueva de arte, las prácticas artísticas modernas, que se desarrollan en las redes informáticas, en particular en Internet. Sus investigadores en Rusia, que también contribuyen a su desarrollo, O. Lyalina y A. Shulgin, creen que la esencia del Net art se reduce a la creación de espacios comunicativos y creativos en Internet, garantizando a todos total libertad de existencia en línea. Por tanto, la esencia del Net art. no representación, sino comunicación, y su unidad artística única es un mensaje electrónico. Hay al menos tres etapas en el desarrollo del Net art, que surgió en los años 80 y 90. Siglo XX La primera fue cuando los aspirantes a artistas de Internet crearon imágenes a partir de letras e íconos que se encontraban en el teclado de una computadora. El segundo comenzó cuando llegaron a Internet los artistas underground y cualquiera que quisiera mostrar algo de su creatividad.
ARTE ABSTRACTO(Op-art inglés - versión abreviada del arte óptico - arte óptico) - un movimiento artístico de la segunda mitad del siglo XX, que utiliza diversas ilusiones visuales basadas en las peculiaridades de la percepción de figuras planas y espaciales. El movimiento continúa la línea racionalista del tecnicismo (modernismo). Se remonta al llamado abstraccionismo “geométrico”, cuyo representante fue V. Vasarely(de 1930 a 1997 trabajó en Francia) - el fundador del op art. Las posibilidades del Op art han encontrado alguna aplicación en gráficos industriales, carteles y arte de diseño. La dirección del op art (arte óptico) se originó en los años 50 dentro del abstraccionismo, aunque esta vez era de un tipo diferente: la abstracción geométrica. Su difusión como movimiento se remonta a los años 60. Siglo XX
Pintada(graffiti - en arqueología, cualquier dibujo o letra rayada en cualquier superficie, del italiano graffiare - rayar) Así se designan las obras de la subcultura, que son principalmente imágenes de gran formato en las paredes de edificios públicos, estructuras, vehículos, realizado con varios tipos de pistolas pulverizadoras y latas de pintura en aerosol. De ahí otro nombre para el "arte en aerosol": Spray-art. Su origen está asociado a la aparición masiva de graffitis. en los años 70 en los vagones del metro de Nueva York y luego en las paredes de edificios públicos y contraventanas de tiendas. Los primeros autores de graffiti. Se trataba en su mayoría de artistas jóvenes desempleados de minorías étnicas, principalmente puertorriqueños, por lo que los primeros Graffiti mostraban algunos rasgos estilísticos del arte popular latinoamericano, y por el solo hecho de aparecer en superficies no destinadas a ello, sus autores protestaron contra su posición privada de derechos. A principios de los años 80. Se formó toda una corriente de maestros casi profesionales de G.. Se conocieron sus nombres reales, antes ocultos bajo seudónimos (. CRASH, NOC 167, FUTURA 2000, LEE, VISTO, DAZE). Algunos de ellos trasladaron su técnica al lienzo y comenzaron a exponer en galerías de Nueva York, y pronto aparecieron los graffitis en Europa.
HIPERREALISMO(hiperrealismo - inglés), o fotorrealismo (fotorrealismo - inglés) - artístico. un movimiento de pintura y escultura basado en la fotografía y la reproducción de la realidad. Tanto en su práctica como en sus orientaciones estéticas hacia el naturalismo y el pragmatismo, el hiperrealismo se acerca al arte pop. Les une principalmente un retorno a la figuratividad. Actúa como una antítesis del conceptualismo, que no sólo rompió con la representación, sino que también cuestionó el principio mismo de la realización material del arte. concepto.
Arte terrestre(del inglés land art - arte de la tierra), una dirección en el arte del último tercioXXc., basado en la utilización de un paisaje real como principal material y objeto artístico. Los artistas cavan trincheras, crean extraños montones de piedras, pintan rocas y eligen para sus obras lugares generalmente desiertos, paisajes vírgenes y salvajes, como si intentaran devolver el arte a la naturaleza. gracias a su<первобытному>En apariencia, muchas acciones y objetos de este tipo se acercan a la arqueología, así como al fotoarte, ya que la mayoría del público sólo puede contemplarlos en una serie de fotografías. Parece que tendremos que aceptar otra barbarie más en el idioma ruso. No sé si es casualidad que el término<лэнд-арт>apareció al final años 60, en una época en que en las sociedades desarrolladas el espíritu rebelde de los estudiantes dirigía sus fuerzas hacia el derrocamiento de los valores establecidos.
MINIMALISMO(arte minimalista - inglés: arte minimalista) - artista. un flujo que surge de la mínima transformación de los materiales utilizados en el proceso creativo, la sencillez y uniformidad de las formas, la monocromía, la creatividad. autocontrol del artista. El minimalismo se caracteriza por el rechazo de la subjetividad, la representación y el ilusionismo. Rechazando lo clásico Técnicas de creatividad y tradición. artista Materiales, los minimalistas utilizan materiales industriales y naturales de formas geométricas simples. Se utilizan formas y colores neutros (negro, gris), pequeños volúmenes, en serie, métodos de transporte de producción industrial. Un artefacto en el concepto minimalista de creatividad es un resultado predeterminado del proceso de su producción. Habiendo recibido su desarrollo más completo en la pintura y la escultura, el minimalismo, interpretado en un sentido amplio como economía del arte. medios, ha encontrado aplicación en otras formas de arte, principalmente teatro y cine.
El minimalismo se originó en Estados Unidos en la época trans. piso. años 60 Sus orígenes están en el constructivismo, el suprematismo, el dadaísmo, el arte abstracto y el formalismo americano. pintura de los años 50, arte pop. Directamente precursor del minimalismo. es americano artista f. estela, quien presentó en 1959-60 una serie de “Pinturas Negras”, donde primaban las líneas rectas y ordenadas. Las primeras obras minimalistas aparecen en 1962-63. El término "minimalismo". pertenece a R. Wollheim, quien lo introduce en relación con el análisis de la creatividad Sr. Duchamp y artistas pop que minimizan la intervención del artista en el entorno. Sus sinónimos son “arte genial”, “arte ABC”, “arte serial”, “estructuras primarias”, “arte como proceso”, “sistemático”. cuadro". Entre los minimalistas más representativos se encuentran K. Andre, M. Bochner, U. De Ma-ria, D. Flavin. S. Le Witt, R. Mangold, B. Murden, R. Morris, R. Ryman. Les une el deseo de encajar el artefacto en el entorno, de jugar con la textura natural de los materiales. D. Zhad lo define como “específico”. objeto”, diferente al clásico. obras de plastico letras Independientemente, la iluminación juega un papel importante como forma de crear arte minimalista. situaciones, soluciones espaciales originales; Se utilizan métodos informáticos para crear obras.
