Mujeres artistas de diferentes épocas y naciones. Basado en el libro “Mujeres artistas en el trabajo” de la profesora de arte estadounidense Debra Mankoff. (No traducido al ruso)
Parte 2. Mirándote a ti mismo
Como es fácil de ver, las mujeres en tiempos pasados casi siempre se convertían en familias de artistas.
A todas las niñas se les enseñó pintura; era parte de su educación. ¿Pero hacerlo profesionalmente? Esto sólo podría ocurrirles a las familias de los profesionales. Sólo un artista podría entender el deseo de la niña de dedicarse a este arte de una manera que no fuera amateur. Es decir, era algo así como una sociedad cerrada, un círculo tan pequeño para sí mismo. Y al principio era simplemente imposible entrar en él desde el exterior: los maestros no aceptaban alumnas, sólo aprendices.
Y hubo varias razones para esto...
Sofonisba Anguissola, autorretrato. Galería Lubomirski, Lancut.
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El primer verdadero artista del Renacimiento es considerado, con razón, italiano. Sofonisbo Anguissola(a veces escriben Anguisola).
Era la mayor de seis hijas de una familia rica y noble de la ciudad de Cremona y, por supuesto, recibió una educación variada, incluido el arte. Y ella definitivamente no necesitaba ganar dinero como artista. En contra de la opinión pública, su padre envió a Sophonisba a estudiar con Bernardino Campi, respetado retratista y pintor religioso perteneciente a la escuela lombarda. Posteriormente estudió con Bernardino Gatti, y en 1554, durante un viaje a Roma, donde dedicó un tiempo a realizar bocetos de diversas escenas y personas, la niña conoció Miguel Ángel. Conociendo a este titán Renacimiento se convirtió en un gran honor para Sofonisba. También hubo una oportunidad de aprender algo de tal maestro. Le mostró sus bocetos, le dio encargos y la asesoró durante dos años. Pero oficialmente no podía aceptarla como estudiante: era indecente. Y fue primera razón... Por tanto, Sophonisba fue su alumna no oficial.
El origen noble y la buena riqueza de la familia proporcionaron a Sofonisba una existencia digna. Pero, como en aquella época a las mujeres no se les permitía participar en las clases (y esto era segunda razón), como artista tenía ciertas limitaciones en su temática. Además, no tuvo la oportunidad de pintar grandes lienzos de varias figuras del natural.
Las pinturas religiosas e históricas le resultaban prácticamente inaccesibles.
Al darse cuenta de esto, Sofonisba buscó encontrar su camino en el género del retrato.
Sofonisba Anguissola, retrato de Isabel de Valois. Galería del Prado, Madrid.
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Sofonisba tenía 27 años cuando llegó a Madrid invitada por el rey Felipe II para convertirse en dama de honor de la reina Isabel de Valois, su tercera esposa. Por qué dama de la corte, no artista? El hecho es que el artista tenía un estatus social independiente, y una mujer (¡a cualquier edad!) siempre estaba legalmente bajo la tutela de alguien, y esto tercera razón. Sofonisba simplemente no podía tener un estatus independiente, pero, a diferencia de las hijas de los artistas, tenía un origen noble, es decir, podía ser aceptada en la corte. Y siendo dama de la corte, tenía al rey como tutor, es decir, se observaban todas las leyes. Además, su condición de dama de la corte y la tutela del rey la protegían de primera razón(intentos de hombres), lo cual era importante en ese momento.
Pintó numerosos retratos ceremoniales de miembros de la familia real y cortesanos de Madrid, sin olvidarse de los autorretratos. En cuanto al retrato de Isabel de Valois (o, como la llamaban los españoles, Isabela), entonces este es un retrato de su amiga cercana y querida. Los expertos atribuyen las obras de Sofonisba a la primera época de la pintura barroco, lo que significa extraño. El rostro de la joven princesa está escrito con mucho amor (en ese momento ella todavía era la novia del rey). ¡Con qué cuidado se representan el brillo de las joyas, el brillo del terciopelo y los delicados encajes!
Sofonisba Anguissola fue la primera artista que llegó al arte por vocación, simplemente desde la calle. Vivió una vida inusualmente larga para aquella época: 93 años. Muchos artistas vinieron a su casa para estudiar y simplemente hablar de arte. En 1623, Sofonisba recibió la visita del aspirante Van Dyck, un genio de la pintura barroca, quien recibió de ella varios valiosos consejos.
Otra dama notable de la época. Renacimiento y temprano barroco- artista de la escuela boloñesa Lavinia Fontana.
Lavinia Fontana, autorretrato. Galería Borghese.
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Era una chica de su círculo, hija de un famoso artista manierista. Próspero Fontana. Por invitación del Papa Clemente VIII, trabajó en Roma, pintando frescos en la Iglesia de San Paolo. Además, fue elegida para Academia de Bellas Artes de Roma.
Lavinia Fontana, vistiendo a Minerva. Galería Borghese.
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De todo el patrimonio pictórico superviviente de aquella época, Lavinia es la primera en exhibir obras de mujeres en género desnudo. A pesar de la prohibición de que las mujeres estudien anatomía (es decir, dibujar desnudo), de alguna manera logró estudiar las proporciones del cuerpo humano. Sólo se puede especular cómo lo lograron en aquel momento.
El tercer representante famoso. barroco - Artemisia Gentileschi, también italiana, hija de un pintor romano oracio gentileschi, primera mujer elegida como miembro Academia de Bellas Artes de Florencia.
Artemisia Gentileschi, autorretrato como alegoría de la pintura. Colección Real, Castillo de Windsor.
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Ya en el siglo XIX, el nombre de Artemisia Gentileschi se convirtió en el estandarte de la emergente , la bandera de la lucha de las mujeres por los derechos sociales, por la igualdad con los hombres, la lucha contra la violencia y la hipocresía hacia las mujeres.
Su padre era un seguidor. Caravaggio, estaba familiarizado con él. Sí, le enseñó a su hija la firma. Karavadzhievskaya claroscuro. Pero no pudo enseñarle todo lo que sabía.
Las oportunidades de las mujeres en aquellos tiempos eran limitadas: casi no tenían acceso a la práctica de estudio y la Iglesia les prohibía categóricamente representar el cuerpo masculino desnudo; por ello fácilmente podían terminar en prisión.Además, no quería que ella tuviera una carrera independiente como artista; simplemente estaba preparando un asistente para trabajar en grandes pedidos.
Artemisia Gentileschi, Susana y los ancianos. Palacio Weissenstein.
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Artemisia tenía un talento extraordinario; ya a la edad de 17 años escribía obras técnicamente sólidas. Como vemos, ella tampoco tuvo miedo de asumir genero desnudo.
Pero le faltaba práctica en el estudio, conocimiento de la perspectiva y muchas técnicas técnicas. El padre negocia lecciones con su compañero mayor, Agostinho Tassi. La bella y talentosa Artemisia se convirtió en alumna de Tassi, quien la sedujo. Ella no era de una familia noble, solo era hija de un socio menor. El padre, temiendo por su carrera, presentó una demanda por violación. Hubo un juicio, un examen humillante, el proceso duró 7 meses. Para salvar a los clientes, el padre no escatimó en los sentimientos de su hija. Tassi cumplió 8 meses de prisión, Artemisia nunca volvió a verlo. Pero tampoco pudo perdonar a su padre: se casó con el pequeño artista Pierantoni Stiattesi y se fue con él a Florencia.
Artemisia Gentileschi, Judit decapitando a Holofernes. Galería Capodimonte, Nápoles.
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Durante un período difícil para ella misma, Artemisia pintó su obra emblemática: un cuadro Judit, decapitando a Holofernes. Escribe Judith de ella misma y Holofernes de Agostinho Tassi. Esta es una paráfrasis del cuadro homónimo de Caravaggio, pero la obra de Gentileschi es mucho más expresiva, llena de violencia y detalles fisiológicos. De nada De las mujeres¡cuadro! Y esto no es sorprendente; por primera vez en la historia escrita de las bellas artes, una mujer sublima su sufrimiento en creatividad. Al parecer, fue una de las primeras en encontrar una forma tan creativa de afrontar los complejos.
Al observar las obras de artistas de los siglos XVI y XVII, vemos que las mujeres no sólo escriben mirándose en el espejo. También se atrevieron a pintar desnudos, evidentemente con la ayuda del mismo espejo.
Pero en el siglo XVIII fue sustituido. Renacimiento llega Era de la Ilustración, y en su lugar barroco Van surgiendo nuevos estilos y con ellos, aunque muy lentamente, las mujeres tienen nuevas oportunidades profesionales.
artista alemán Angelica Kaufman(junto con Mary Moser, que escribió en el género de la floristería) fue uno de los fundadores de la revista británica Real Academia de las Artes y durante el siguiente siglo y medio siguieron siendo las únicas mujeres en ser miembros.
Angelika Kaufman, artista elige entre música y pintura. Galería de los Uffizi.
Hija de un artista austriaco que vivía en Suiza, estudió con su padre y más tarde, tras mudarse con su padre a Italia, de las muestras de maestros italianos. La niña tenía una hermosa voz y talento para la música. Es más, un joven músico enamorado de ella la animó a huir con él y dedicar su vida a la música. Pero Angelika optó por la pintura, como vemos en este autorretrato.
Angelika Kaufman logró dominar uno de los más tradicionales de los hombres géneros artísticos - pintura histórica - y se convirtió en un maestro reconocido clasicismo.
Angelika Kaufman, Venus presenta París a Helena. Ermita, San Petersburgo.
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Durante su vida en Londres recibió el reconocimiento tanto del público como de otros artistas. Las veladas musicales de una hermosa joven con una voz maravillosa fueron extremadamente populares. El gran pintor inglés, más tarde presidente. Academia de Artes, Señor Josué Reynolds Estaba enamorado de ella y le propuso matrimonio, lo cual ella rechazó.
Angelika Kaufman, Retrato de J.W. Goethe. Museo Nacional Goethe, Weimar.
Viviendo estos últimos años en Roma, Kaufman conoció al gran Goethe, y se hicieron amigos cercanos. La única casa que visitó el poeta en Roma fue la de Kaufman; hablaban de arte y asistían a exposiciones. Goethe no faltó ni una sola velada musical y literaria en su salón.
El artista también fue famoso en la Rusia contemporánea, oda A Angélica Kaufman fue escrito GRAMO. Derzhavin.
La pintura es gloriosa,
Kaufman, amigo de las musas!
Si tu pincel está influenciado
Por encima de la vivacidad, el sentimiento, el gusto,
Y, habiendo descartado a los dánaos, los antiguos
Tenemos diosas y esposas rojas,
Experiencia en tu impagable
Podrías pintar los cuadros...
Otro artista del siglo XVIII, retratista francés. Marie Elisabeth Louise Vigée-Lebrun(o Señora Lebrun) escribió en el estilo rococó Qué significa cáscara, rizo. Se creía que esta era una continuación natural del desarrollo del estilo. barroco. Elisabeth Vigée trabajó activamente desde su juventud y sus retratos fueron tan populares que esto le permitió, ya a los 15 años, mantenerse no solo a sí misma, sino también a su madre y a su hermano menor.
Elisabeth Vigée-Lebrun, autorretrato. Galería de los Uffizi.
Comisario jefe de la exposición retrospectiva Vigée-Lebrun Jose Baillot, que lleva 40 años estudiando su obra, dice:
- En el siglo XVIII, a las mujeres generalmente les resultaba muy difícil convertirse en artistas. Sólo unos pocos de ellos pudieron estudiar en la Real Academia. Esta tarea no fue fácil para Vigée-Lebrun: el artista oficial del rey Jean-Baptiste MaríaPedro se opuso categóricamente a su admisión porque estaba casada con el marchante de arte Lebrun. Y sólo gracias a la influencia de su mecenas Joseph Vernet y, por supuesto, al patrocinio de la reina María Antonieta, se convirtió en alumna de la Academia el mismo año (1873) que su principal competidora, Adelaide Labille-Giard.
Estilo rococó Implica belleza en todo: en los outfits, en las poses y en muchos detalles decorativos. Y Madame Lebrun, siguiendo estas reglas, halagó a sus clientes.
Ofreció una gran variedad en las poses y disfraces de las modelos. La artista destacó la belleza femenina, realizando retratos espontáneos y al mismo tiempo íntimos, abandonando la etiqueta de “retrato ceremonial”.
Elisabeth Vigée-Lebrun, retrato de la reina María Antonieta. Museo de Versalles.
Fue por esto (por supuesto, además de por su talento como pintora) que la aristocracia francesa la amaba tanto. En 1779, el artista pintó uno de los primeros retratos de un joven María Antonieta. El retrato fue recibido con entusiasmo, Madame Le Brun se convirtió en la artista oficial de la Reina y creó un total de unos 30 retratos de ella.
Bueno, está claro que ella no aceptó la Revolución Francesa, vivió en Italia y Rusia y regresó a su tierra natal sólo 11 años después, bajo el mando de Napoleón.
El principal competidor de Vigée-Lebrun, también retratista. Adelaide Labille-Giard, también provenía de una familia sencilla y recibió una educación monástica. Desde los 14 años aprendió a dibujar con un artista vecino. Francois-André Vincent. Y luego, hasta 1774 - con el artista. Maurice Quentin de Latour- principalmente pintura al pastel, que entonces estaba de moda en Francia.
Adelaide Labille-Giard, Autorretrato con dos estudiantes. Museo Metropolitano de Arte, Nueva York.
Se convierte en una retratista popular y solicitada; aristócratas, funcionarios y ministros reales y miembros de la familia real posan para ella. Como se mencionó anteriormente, Adelaide, junto con Elisabeth Vigée-Lebrun, fue aceptada en Real Academia de Pinturas(en el que no podrán ser socias más de 4 mujeres al mismo tiempo).
En la historia, Adelaide Labille-Giard se destaca principalmente por ser la primera directora de una escuela pública de pintura para niñas.
Habiendo experimentado todas las dificultades de una mujer que quería convertirse en artista, en el mismo 1783 abrió su propia escuela de pintura para mujeres, en el que ya se han matriculado 9 alumnos en el primer curso. ¡Ella, a diferencia de Vigée-Lebrun, tenía un temperamento social extraordinario!
Adelaide Labille-Giard, Retrato de Maximiliano Robespierre. Museo Histórico, Viena.
Por eso aceptó y apoyó la revolución en Francia. En lugar de aristócratas, pinta retratos de revolucionarios. Además, fue una de las primeras en defender los derechos de las mujeres, concretamente en el ámbito de la educación. En su discurso ante la Academia exige igualdad de derechos para las mujeres artistas. Sus propuestas en este ámbito fueron aceptadas por los académicos, pero tras la derrota de la Revolución fueron canceladas.
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En primer lugar sabemos dos cosas sobre el cuadro: su autor y, posiblemente, la historia del lienzo. Pero no sabemos mucho sobre el destino de quienes nos miran desde los lienzos.
sitio web Decidí hablar de mujeres cuyos rostros nos resultan familiares, pero sus historias no.
Zhanna Samari
Auguste Renoir, Retrato de la actriz Jeanne Samary, 1877
La actriz Jeanne Samary, aunque no pudo convertirse en una estrella de teatro (interpretó principalmente a sirvientas), tuvo suerte en otra cosa: durante algún tiempo vivió no lejos del estudio de Renoir, quien pintó cuatro retratos de ella en 1877-1878, con lo que haciéndola famosa mucho más de lo que podría hacer su carrera como actriz. Zhanna actuó en obras de teatro desde los 18 años, a los 25 se casó y dio a luz a tres hijos, e incluso escribió un libro para niños. Pero esta encantadora dama, lamentablemente, no vivió mucho: a la edad de 33 años enfermó de fiebre tifoidea y murió.
Cecilia Gallerani
Leonardo da Vinci, "La dama del armiño"
1489-1490
Cecilia Gallerani era una niña de una noble familia italiana, que a los 10 años (!) ya estaba comprometida. Sin embargo, cuando la niña tenía 14 años, el compromiso se rompió por razones desconocidas y Cecilia fue enviada a un monasterio, donde conoció (o todo se organizó) con el duque de Milán, Ludovico Sforza. Comenzó una aventura, Cecilia quedó embarazada y el duque instaló a la niña en su castillo, pero luego llegó el momento de contraer matrimonio dinástico con otra mujer, a quien, por supuesto, no le gustó la presencia de su amante en su casa. Luego, después de que Gallerani dio a luz, el duque tomó a su hijo y la casó con el empobrecido conde.
En este matrimonio, Cecilia dio a luz a cuatro hijos, dirigió casi el primer salón literario en Europa, visitó al duque y disfrutó jugando con el hijo de su nueva amante. Después de un tiempo, el marido de Cecilia murió, llegó la guerra, ella perdió su bienestar y encontró refugio en la casa de la hermana de la misma esposa del Duque; fue en relaciones tan maravillosas que logró estar con la gente. Después de la guerra, Gallerani devolvió su propiedad, donde vivió hasta su muerte a la edad de 63 años.
Zinaida Yusupova
VIRGINIA. Serov, “Retrato de la princesa Zinaida Yusupova”, 1902
La heredera rusa más rica, la última de la familia Yusupov, la princesa Zinaida era increíblemente hermosa y, a pesar de que su favor era buscado, entre otros, por personas augustas, quería casarse por amor. Ella cumplió su deseo: el matrimonio fue feliz y tuvo dos hijos. Yusupova dedicó mucho tiempo y esfuerzo a actividades caritativas y, después de la revolución, continuó en el exilio. Su amado hijo mayor murió en un duelo cuando la princesa tenía 47 años y ella apenas pudo soportar esta pérdida. Con el estallido de los disturbios, los Yusupov abandonaron San Petersburgo y se establecieron en Roma, y tras la muerte de su marido, la princesa se mudó con su hijo a París, donde pasó el resto de sus días.
María Lopukhina
VL Borovikovsky, “Retrato de M.I. Lopukhina", 1797
Borovikovsky pintó muchos retratos de mujeres nobles rusas, pero éste es el más encantador. María Lopukhina, representante de la familia de los condes Tolstoi, está representada aquí a la tierna edad de 18 años. El retrato fue encargado por su marido Stepan Avraamovich Lopukhin poco después de la boda. La facilidad y una mirada ligeramente arrogante parecen ser una pose común para un retrato de este tipo de la era del sentimentalismo o signos de una disposición melancólica y poética. El destino de esta misteriosa niña resultó triste: apenas 6 años después de pintar, María murió de tisis.
Giovanina y Amacilia Pacini
Karl Bryullov, “Amazona”, 1832
La "Amazona" de Bryullov es un brillante retrato ceremonial en el que todo es lujoso: el brillo de los colores, el esplendor de las cortinas y la belleza de las modelos. Representa a dos niñas que llevaban el apellido Pacini: la mayor, Giovanina, está sentada sobre un caballo, la más joven, Amatzilia, la mira desde el porche. El cuadro fue encargado a Karl Bryullov, su amante de toda la vida, por su madre adoptiva, la condesa Yulia Pavlovna Samoilova, una de las mujeres más bellas de Rusia y heredera de una fortuna colosal. La condesa garantizó una gran dote para sus hijas mayores. Pero resultó que en la vejez estaba prácticamente en quiebra, y luego las hijas adoptivas Giovanina y Amatsilia, a través del tribunal, recuperaron de la condesa el dinero y las propiedades prometidos.
Simonetta Vespucci
Sandro Botticelli, "El nacimiento de Venus"
1482-1486
El famoso cuadro de Botticelli representa a Simonetta Vespucci, la primera belleza del Renacimiento florentino. Simonetta nació en una familia adinerada, a los 16 años se casó con Marco Vespucci (un pariente de Amerigo Vespucci, quien "descubrió" América y le dio su nombre al continente). Después de la boda, los recién casados se instalaron en Florencia y fueron recibidos en la corte de Lorenzo de Medici, que en aquellos años era famosa por sus magníficas fiestas y recepciones.
Hermosa, al mismo tiempo muy modesta y amigable, Simonetta rápidamente se enamoró de los hombres florentinos. El propio gobernante de Florencia, Lorenzo, intentó cortejarla, pero su hermano Giuliano la buscaba más activamente que nadie. La belleza de Simonetta inspiró a muchos artistas de la época, entre los que se encontraba Sandro Botticelli. Se cree que desde el momento en que se conocieron, Simonetta fue el modelo de todas las Vírgenes y Venus pintadas por Botticelli. A la edad de 23 años, Simonetta murió de tisis, a pesar de los esfuerzos de los mejores médicos de la corte. Después de eso, el artista representó a su musa solo de memoria, y en su vejez legó ser enterrado junto a ella, lo cual se hizo.
Vera Mamontova
VIRGINIA. Serov, “La muchacha de los melocotones”, 1887
El cuadro más famoso del retratista Valentin Serov fue pintado en la finca del rico industrial Savva Ivanovich Mamontov. Todos los días, durante dos meses, su hija Vera, de 12 años, posó para el artista. La niña creció y se convirtió en una niña encantadora, casada por amor mutuo con Alexander Samarin, que pertenecía a una famosa familia noble. Después de un viaje de luna de miel a Italia, la familia se instaló en la ciudad de Bogorodsk, donde nacieron tres hijos, uno tras otro. Pero inesperadamente, en diciembre de 1907, apenas cinco años después de la boda, Vera Savvishna murió de neumonía. Tenía sólo 32 años y su marido nunca se volvió a casar.
Alexandra Petrovna Struyskaya
F.S. Rokotov, “Retrato de Struyskaya”, 1772
Este retrato de Rokotov es como una media pista aireada. Alexandra Struyskaya tenía 18 años cuando se casó con un viudo muy rico. Existe la leyenda de que para su boda su marido le regaló nada menos que una nueva iglesia. Y toda mi vida le escribí poesía. No se sabe con certeza si este matrimonio fue feliz, pero todos los que visitaron su casa prestaron atención a lo diferentes que eran los cónyuges entre sí. Durante 24 años de matrimonio, Alexandra le dio a su marido 18 hijos, 10 de los cuales murieron en la infancia. Después de la muerte de su marido, vivió otros 40 años, administró firmemente la finca y dejó a sus hijos una fortuna considerable.
Galina Vladimirovna Aderkas
B.M. Kustodiev "La esposa del comerciante tomando el té", 1918
"La esposa del mercader tomando el té" de Kustodiev es una verdadera ilustración de esa Rusia brillante y bien alimentada, donde hay ferias, carruseles y el "crujido del pan francés". El cuadro fue pintado en el año de hambruna posrevolucionaria de 1918, cuando sólo se podía soñar con tal abundancia.
Galina Vladimirovna Aderkas, una baronesa natural de una familia cuya historia se remonta a un caballero de Livonia del siglo XVIII, posó para la esposa del comerciante en este retrato. En Astracán, Galya Aderkas era compañera de casa de los Kustodiev, desde el sexto piso; La esposa del artista llevó a la niña al estudio después de notar el colorido modelo. Durante este período, Aderkas era muy joven, estudiante de primer año de medicina, y en los bocetos su figura parece mucho más delgada. Después de graduarse de la universidad y trabajar como cirujana durante algún tiempo, abandonó su profesión y durante la época soviética cantó en un coro ruso, participó en el doblaje de películas, se casó y empezó a actuar en el circo.
Lisa del Giocondo
Leonardo da Vinci, "Mona Lisa", 1503-1519.
Quizás uno de los retratos más famosos y misteriosos de todos los tiempos sea la famosa Mona Lisa del gran Leonardo. Entre las muchas versiones sobre quién es el propietario de la legendaria sonrisa, en 2005 se confirmó oficialmente la siguiente: el lienzo representa a Lisa del Giocondo, la esposa del comerciante de seda florentino Francesco del Giocondo. Es posible que el retrato haya sido encargado al artista para conmemorar el nacimiento de un hijo y la compra de una casa.
Junto con su marido, Lisa crió cinco hijos y, muy probablemente, su matrimonio se basó en el amor. Cuando su marido murió a causa de la peste y Lisa también sufrió esta grave enfermedad, una de las hijas no tuvo miedo de llevarse a su madre con ella y la abandonó. Mona Lisa se recuperó y vivió algún tiempo con sus hijas, muriendo a la edad de 63 años.
LA IMAGEN FEMENINA EN LA PINTURA RUSA...Y el secreto de tus encantos equivale a la solución a la vida... B. Pasternak De siglo en siglo, las mujeres invariablemente han inspirado a poetas, músicos y artistas para crear las más grandes obras de arte. Las hermosas inspiraciones son diferentes en edad y carácter, pero hay algo que las une: un misterio vive en cada una de estas mujeres. El misterio de su belleza, feminidad, encanto.
Aman la pintura, poetas. Sólo a ella, la única, se le da el Alma de un signo cambiante para trasladarla al lienzo. Sus ojos son como dos nieblas, Mitad sonrisa, mitad llanto, Sus ojos son como dos engaños, Cubiertos por la niebla del fracaso. Alexandra Petrovna Struyskaya inspiró no sólo a los poetas de su tiempo. Dos siglos después de su muerte, Nikolai Zabolotsky, mirando el retrato del famoso Rokotov, escribió: ... ¿Recuerdas cómo “desde la oscuridad del pasado, apenas envuelta en raso, desde el retrato de Rokotov, Struyskaya volvió a mirarnos? Era como si estuviera destinada a ser la eterna musa del poeta. En su siglo XVIII cautivó a otro de ellos, su marido, con su misteriosa apariencia. Struisky describió así a su amada en uno de los muchos poemas dedicados a ella: Si alguien estuviera aquí para tus hermosos ojos, hace mucho tiempo habría construido este templo para ti dentro de su corazón, y se habría llevado a sí mismo y su corazón hacia ti. como sacrificio. ¡Eres digna de ti misma, Safira!.. y del cielo. Me quedo sin palabras para honrar tu belleza como un mortal, ¿Estoy perdido en ti?.. Estoy ardiendo contigo. ("Elegía a Safira") Uno de los libros de Struisky ha sobrevivido hasta el día de hoy: "Erotoides". Odas anacreónticas". Todas las "odas" que contiene están llenas de declaraciones de amor a quien se llamaba Safira en poesía y en vida: Alexandra, su amada esposa. ************************************** ** Otro importante retratista ruso del segundo mitad del siglo XVIII fue Dmitry Grigorievich Levitsky (1735-1822), un artista quizás no tan sofisticado como Rokotov, pero sí más polifacético. La obra del “retratista liberado” D.G. abarca toda una época. Levitski. Creó una galería de retratos extraordinarios por su penetración, frescura y ligereza. Baste recordar su conjunto pictórico de siete retratos “Smolyanka” (1772-1776), dedicado a los graduados del Instituto Smolny. Recibió un pedido de retratos de I.I. Betsky, asistente y asesora de la emperatriz Catalina II. Con fines educativos, la artista tuvo que presentar a la sociedad ilustrada los resultados de los esfuerzos pedagógicos de la emperatriz, los alumnos del internado Smolny, que ella patrocinaba especialmente. El internado, organizado en 1764, fue concebido como una institución educativa cerrada en la que las niñas recibían educación y habilidades sociales. Levitsky pintó a aquellos Smolyans que fueron especialmente distinguidos por la Emperatriz. Entre ellos destaca el retrato de Ekaterina Nelidova.
El retrato de Nelidova transmite la unidad del principio lúdico y el estado de ánimo: alegría genuina y pasión sincera. Ojos claros, una sonrisa suave y ligeramente juguetona, un pie con un zapato de perlas empujado hacia adelante con ligereza y gracia: ¿y si Cenicienta, que se encontró por primera vez en el baile, estuviera anticipando un milagro y felicidad? Parece solo un momento, y aparecerá un apuesto príncipe, sonará un lánguido clavicémbalo y ella, sin dejar de sonreír, comenzará su minueto... Según sus contemporáneos, no era inferior en habilidad a las actrices profesionales. Nelidova no era una belleza, pero en el escenario se transformó y se volvió inusualmente encantadora. Se puede decir de ella con las palabras de Fyodor Tyutchev: ¿Hay en ella un encanto terrenal o una gracia sobrenatural? El alma quisiera rezarle, Y el corazón anhela adorarla... ******************************* ****** ******* La gloria de la escuela de pintura rusa fue aumentada por el pintor más talentoso de finales del siglo XVIII y principios del XIX, Vladimir Lukich Borovikovsky (1757-1825). Entró en el círculo de los retratistas rusos como un artista ya establecido, que había logrado ganar fama como pintor de iconos en su Ucrania natal. VL Borovikovsky creó las mejores imágenes líricas bajo la influencia de una nueva dirección que había llegado entonces al arte y la literatura: el sentimentalismo. El artista supo transmitir en sus maravillosos retratos femeninos un ensueño tranquilo, emociones sutiles y sensibilidad, de moda en ese momento. Borovikovsky crea su propio tipo de retrato femenino. El artista no se esfuerza por lograr una variedad de técnicas compositivas: por regla general, se trata de medias figuras de mujeres apoyadas en un pedestal, representadas con el telón de fondo de un paisaje de parque. Variando esta decisión con ciertas desviaciones, el artista centra la atención en los rostros de sus modelos y crea imágenes espirituales y poéticas. Estos son los retratos de E.A. Naryshkina, O.K. Filippova, las hermanas Gagarin...
Retrato de E.A. Narishkina.
Retrato de O.K. Filippova.
Retrato de las hermanas Gagarin. . Pero incluso entre estas hermosas pinturas, el retrato de la cautivadora, misteriosa y soñadoramente triste Maria Ivanovna Lopukhina (1797) destaca por su especial lirismo y belleza pictórica.
En este retrato, el artista encarnó la idea de su época sobre el encanto femenino. Los encantos eran casi sobrenaturales y, como resultó, de corta duración (Lopukhina murió a la edad de veintidós años). Pero hasta ahora nada eclipsa sus hermosos rasgos: es una persona verdaderamente armoniosa en la flor de la belleza. La combinación de colores del lienzo viene dictada por el diseño. Tonos azul, lila, blanco perla, dorado: no hay un solo acento agudo. Como si insinuara los hilos invisibles que conectan al hombre y la naturaleza, Borovikovsky recurre a una lista de colores al representar la ropa y el paisaje: un cinturón azul - acianos azules, un chal lila - una rosa lila. El artista evita las formas angulares, prefiriendo líneas suaves y redondeadas. Los ritmos son tranquilos: los contornos de la figura se hacen eco de las curvas de las copas de los árboles, mazorcas de maíz y acianos; la rosa está inclinada de la misma manera que la cabeza de la niña. El paisaje pintoresco coincide plenamente con el estado de ánimo de la soñadora Lopukhina. Yakov Polonsky escribió un poema imbuido de calidez, “Al retrato de Lopukhina”: Ella falleció hace mucho tiempo, y esos ojos ya no están allí Y se fue esa sonrisa que expresaba en silencio El sufrimiento es la sombra del amor, y los pensamientos son la sombra de tristeza... Pero Borovikovsky salvó su belleza. Entonces una parte de su alma no se alejó de nosotros; Y esta mirada y esta belleza del cuerpo atraerán a sus hijos indiferentes. Enseñándole a amar - a sufrir - a perdonar - a callar... ********************************** *************** ******** La historia del retrato femenino la continúan los artistas del siglo XIX. Y uno de los primeros entre ellos es, por supuesto, Karl Pavlovich Bryullov (1799-1852), quien combina brillantemente en su obra los cánones clásicos con las tendencias románticas. Bryullov se llamaba Carlomagno, Pushkin, Gogol, Belinsky, Herzen lo amaban. El hombre de los cuadros de Bryullov es orgulloso y hermoso. "El hombre de Bryullov aparece para", escribió Gogol, "para mostrar toda su belleza, toda la gracia suprema de su naturaleza". Este es exactamente el retrato que vemos. "Amazonas" (1832)
"Zhovanin a caballo", llamó el propio Bryullov a la imagen. Zhovanin es Giovanina Paccini, la hija adoptiva de la condesa Yulia Pavlovna Samoilova. La chica con un vestido rosa que sale corriendo a la terraza y mira con admiración al ciclista es Amatzilia Paccini, la segunda hija adoptiva de Samoilova. Bryullov se propuso pintar un gran retrato ecuestre, utilizando el motivo de un paseo, lo que le permite transmitir la figura en movimiento. Giovannina sólo tiene catorce años, pero tiene un rostro impasible, como el de una auténtica dama de sociedad. Está llena de un encanto y una gracia inexpresables. Al transmitir los hermosos rasgos de la joven amazona, la belleza tangible de los animales, los paisajes, las telas, el artista glorifica la plenitud y la alegría del ser. Un caballo encabritado, una niña corriendo hacia el jinete, el resplandor del sol en los senderos sombreados del parque: todo aporta impulso y movimiento excitado a la imagen, distinguiendo esta composición de los retratos ceremoniales estáticos y deliberadamente construidos de la época anterior. La imagen del encantador Giovanni Paccini coincide perfectamente con la imagen femenina glorificada por A.S. Pushkin en el poema “Belleza”: Todo en ella es armonía, todo es maravilloso, Todo está por encima del mundo y de las pasiones; Ella descansa tímidamente en su solemne belleza; Mira a su alrededor: no tiene rivales ni amigos; Nuestro pálido círculo de bellezas desaparece en su resplandor. No importa a dónde te apresures, incluso a una cita amorosa, no importa qué sueño secreto albergues en tu corazón, pero, habiéndola conocido, avergonzado, de repente te detienes involuntariamente, con reverencia ante el santuario de la belleza. ************************************************* Galería Los retratos de mujeres de artistas rusos continúan con la pintura del mayor pintor de la segunda mitad del siglo XIX, el líder de los Errantes, Ivan Nikolaevich Kramskoy (1837-1887), que, a primera vista, no encaja en la idea de la obra de un artista democrático. El corazón y el pensamiento son lo que Kramskoy más valoraba en la película. En las exposiciones itinerantes, aparecía con mayor frecuencia como autor de retratos masculinos, de color muy escaso y de composición estricta. Y de repente - "Desconocido" (1883)
Una mujer joven y hermosa, vestida con todo el lujo de la moda, pasea en un cochecito por el invierno de San Petersburgo. A un lado queda el puente Anichkov, cubierto de nieve. La perspectiva de Nevsky Prospekt se disuelve en una neblina helada. Contra el fondo del cielo claro, la cabeza orgullosamente echada hacia atrás de una bella dama, consciente de su encanto, se ve clara. La desconocida mira con calma y frialdad a quienes la rodean. Hay cierta arrogancia en su mirada, acentuada por una postura orgullosa. ¿Quién es ella, la “desconocida” de Kramskoy? ¿Una socialité? ¿Actriz? ¿De quién pintó el artista a esta mujer? ¿Quizás la imagen de la belleza simplemente nació en la imaginación del pintor? Incluso Repin, un amigo cercano de Kramskoy, no sabía nada sobre su prototipo, aunque cabe señalar que Repin llamó a esta obra un retrato, no una pintura. Para algunos, la arrogancia, la belleza y la tristeza secreta de "La Desconocida" están asociadas con la imagen de Anna Karenina creada por L.N. Tolstoi. Es difícil decir a quién representó Kramskoy en su lienzo. Una cosa es segura: el artista claramente admiraba a su heroína. Nunca antes Kramskoy había pintado un retrato tan multicolor y radiante, nunca había pintado con tanto amor el brillo iridiscente del terciopelo, el suave pelo de la piel, la superficie satinada de las cintas y el brillo de las pulseras de oro. Y miramos con placer la orgullosa belleza, admirando las habilidades pictóricas de Kramskoy. La pluma blanca de avestruz y la seda clara que forraban el gorro de terciopelo realzaban su rostro fresco y oscuro. El traje de terciopelo azul, adornado con pieles y cintas, armoniza bien con el cuero dorado que cubre el asiento del carruaje. Las líneas suaves y suaves de la figura están llenas de gracia y elegancia. Y sólo la tristeza acechaba en los enormes ojos, medio cubiertos de pestañas largas y esponjosas. Estos ojos brillan como estrellas y en su resplandor se puede ver el brillo de las lágrimas no derramadas. Quién sabe, tal vez detrás del resplandor externo de la belleza y el lujo se esconde la tragedia de un alma destruida por la alta sociedad, y la imagen de "Desconocido" de Kramskoy se hace eco de la imagen femenina creada por M.Yu. Lermontov en el poema “Como un rayo de alba, como las rosas Lelya…”: Orgullosa de la gente, sumisa al destino, Ni franca, ni fingida, A propósito, al parecer, fue creada para la felicidad. ¿Pero qué no destruirá la luz? ¿Qué cosa noble derribará, qué alma no reducirá, cuyo orgullo no aumentará? ¿Y a quién no engañará con su elegante máscara? *********************************************** Periodo finales del XIX - El comienzo del siglo XX, llamado Edad de Plata en el arte ruso, plantea nuevas tareas, nuevas direcciones y, en consecuencia, nuevos nombres en la pintura. Una de las figuras centrales del arte de principios de siglo es Valentin Aleksandrovich Serov (1865-1911), un artista importante, autor de más de doscientos retratos.
Niña con melocotones (Retrato de V. S. Mamontova). 1887
“Niña iluminada por el sol (Retrato de M.Ya. Simonovich)” 1888. Sobre las pinturas de Serov “Niña con melocotones” (1887) y “Niña iluminada por el sol” (1888) El crítico de arte ruso D.V. Sarabyanov escribió que su luminosidad impresionista y la dinámica de las pinceladas libres marcaron un giro del realismo crítico de los Errantes al "realismo poético". Serov pintó el primero de estos cuadros a la edad de veintidós años, el segundo a los veintitrés. En un estado de deleite y arrobamiento, sintiendo fuerza juvenil y entusiasmo en su interior, Serov escribe una de sus obras maestras: "La niña iluminada por el sol". La niña de la imagen es Masha Simonovich, la prima del artista. Serov se esfuerza por transmitir el encanto de lo fugaz y momentáneo, un momento de la vida, lleno de los colores brillantes de la existencia. La niña está sentada cerca del tronco de un viejo árbol, los rayos del sol juegan deliciosa y mágicamente sobre su piel fina y delicada, y la masa oscilante de sombras y luces transforma inusualmente toda su joven y esbelta figura. La mirada tranquila de sus radiantes ojos azules, el suave rubor de su rostro bonito y amable, la pose acogedora de una persona en reposo: todo esto parece inspirar al espectador un sentimiento de paz, dando una sensación de armonía y belleza en cada momento. de la vida. ES DECIR. Grabar, artista, crítico de arte y restaurador, después de la muerte de Serov, escribió sobre "La niña iluminada por el sol": "Esto es tan perfecto, tan fresco, nuevo y "hoy" que casi no crees en su fecha. 1888... Esta cosa fue creada en un momento de extraordinaria elevación, en el más raro y genuino éxtasis creativo..." La pintura de Serov está en consonancia con las líneas del poeta simbolista ruso Konstantin Balmont del poema "Perlas": Eres la brillante alegría de un sueño aireado, Deleite, pero no el deleite de un amante. Te entregaste a mí por un momento, como en un cuento de hadas, Oh, qué tranquila estás, qué esbelta y gentil. Un minuto, y luego la ola se aleja, y me voy iluminado. ************************************************* Rostro El nuevo arte de principios del siglo XIX y XX estuvo determinado en gran medida por los artistas de la asociación World of Art, que gravitaban hacia el modernismo. Uno de los artistas más complejos del “Mundo del Arte” fue Konstantin Andreevich Somov (1869-1939).
Vestida con un vestido antiguo con cuello tipo capa de encaje y escote profundo, es la encarnación completa de la tristeza, el cansancio, la melancolía, la decepción y la incapacidad de luchar en la vida. El retrato de Somov refleja el ideal femenino de su época con su poetización del sufrimiento y el dolor, su especial sofisticación y complejidad y su refinada fragilidad. Al mirar "La dama de azul", uno recuerda los versos de un poema del poeta contemporáneo de Somov, Fyodor Sologub: Brillaste tristemente entre tus amigos brillantes y solo no entraste en su círculo cautivador. Inadvertido para la gente, te revelaste sólo a mí, y nos encontraremos en el silencio azul, y, amando el silencio de la noche para siempre, fijaré en ti mis ojos insomnes, me dirás sin palabras, qué y cómo Vive, y atarás mi melancolía, y quemarás mis penas. ************************************************* Si Sologub y Balmont fueron representantes del simbolismo en la poesía de la Edad de Plata, luego Mikhail Aleksandrovich Vrubel (1856-1910) puede ser llamado con razón el fundador de este movimiento artístico en la pintura rusa. Gravitando hacia la generalidad simbólica y filosófica de las imágenes, desarrolló su propio lenguaje pictórico especial: una pincelada ancha de forma "cristalina", el color entendido como nieve pintada y colores que brillan como gemas. Vrubel se sintió atraído por las imágenes poéticas de Pushkin y Lermontov.
El cuadro "La princesa cisne" es una de las imágenes femeninas más poéticas de Vrubel. Encarna el sueño de felicidad de una mujer. En el crepúsculo lila de las noches primaverales del norte, se realiza un gran sacramento. Sometida por el amor de Tsarevich Guidon y habiendo experimentado ella misma un sentimiento de calor recíproco, impotente ante un destino inevitable, la Princesa Cisne se separó de su cuna, de las traicioneras y amadas olas del mar frío; debe tomar la apariencia de una persona terrenal, convertirse en mujer. El plumaje denso y brillante del cisne ya comienza a derretirse, convirtiéndose en una nube ligera y esponjosa que luego, como las lágrimas de una niña, se derramará sobre las tímidas flores azules de primavera. Y esta transformación es difícil para ella, dolorosa y alegre. En sus hermosos ojos sobrenaturales viven y parpadean el miedo, la melancolía, el amor y el reproche al príncipe por rechazar la autocracia del cisne, por someterse a su voluntad... Como dijo V.M. Vasnetsov sobre esta pintura, la imagen fue creada con "una belleza rara, colores verdaderamente fabulosos". Observe de cerca el juego de colores azul perla, blanco azulado, lila-lila-gris. El cisne parece surgir del elemento del mar gris del atardecer, de una ola del mar. La luz rosada del atardecer se desliza sobre la superficie de las alas blancas como la nieve, sobre la ligera y transparente colcha y sobre las relucientes piedras preciosas del kokoshnik y los anillos de la princesa. La película combina orgánicamente un lirismo sutil, un misterio emocionante, una fantasía fabulosa y la verdadera realidad. La Princesa Cisne se convirtió en una especie de símbolo de un nuevo siglo alarmante; después de todo, Vrubel completó su lienzo en 1900. El notable teósofo y poeta ruso V.S. Solovyov, considerado el precursor del simbolismo en la poesía de la Edad de Plata, tiene un poema que corresponde al tono del cuadro de Vrubel: Mi reina apareció hoy ante mí, toda de azul, - Mi corazón latía con dulce deleite, Y en el rayos del día naciente, mi alma brillaba con una luz tranquila. Y a lo lejos, ardiendo, humeaba la llama maligna del fuego terrenal. El lienzo representa no solo una belleza de cuento de hadas, sino también a una persona real: la maravillosa cantante de ópera Nadezhda Ivanovna Zabela, que estaba destinada a desempeñar un papel muy importante en la vida de M. Vrubel. El pincel de Vrubel pudo capturar la voz y el canto de Zabela en este famoso cuadro. Entre los mundos Entre los mundos, en las luces parpadeantes de Una Estrella, repito el nombre... No porque la ame, sino porque languidezco con los demás. Y si tengo una gran duda, miro sólo a Ella en busca de respuesta, no porque de Ella haya luz, sino porque con Ella no hay necesidad de luz. / Innokenty Annensky / es un poeta maravilloso, cuya poesía está muy en sintonía con la obra del poeta. ************************************** *** Borisov-Musatov Viktor Elpidiforovich (1870 -1905) - pintor, miembro de la Unión de Artistas Rusos (desde 1904) influyó en el desarrollo del simbolismo en la pintura rusa de principios del siglo XX. De los pensamientos fantasmales e inestables, del velo de los sueños misteriosos, surge la imagen de una dama vestida de tonos lilas, como la voz de un violín.
"La dama de la terraza". Una joven elegante se sienta en la terraza. El vestido se adapta a una figura esbelta. Extrañas sombras grises en el vestido, un reflejo grisáceo ahumado que cae sobre el rostro triste y los hombros desnudos: todo esto enfatiza lo fantasmal y la irrealidad de la imagen. Barandilla de terraza en tonos lilas. Incluso el arbusto de flores detrás de la espalda de la mujer con hojas de color gris azulado y la rosa que sostiene en la mano y que está sobre sus rodillas no es escarlata ni blanca, sino de un gris rosado. Detrás de la balaustrada se divisa un jardín bañado por el sol. Pero en la figura femenina hay un sentimiento de completa alienación de todo lo brillante y alegre: como si el hada de la tristeza y la soledad apareciera ante nosotros... El estado de ánimo del cuadro de Borisov-Musatov "La dama en la terraza" está en consonancia con el poema del poeta de la Edad de Plata Innokenty Annensky “Minuto”: Las telas estampadas son tan inestables, Caliente el polvo es tan blanco, - No se necesitan palabras ni sonrisas: Quédate como estabas; Permanece confuso, lúgubre, Más pálido que una mañana de otoño Bajo este sauce caído, Sobre un fondo de malla de sombras... Un minuto - y el viento, corriendo, Esparcerá las hojas en patrones, Un minuto - y el corazón, despertando, Ve que no eres tú... Quédate sin palabras, sin una sonrisa, sé como un fantasma, mientras las sombras estampadas son tan inestables y el polvo blanco es tan sensible... *********** *************** ******************* La tradición de crear imágenes femeninas que representen el ideal de belleza externa e interna no cesa en el arte ruso del período soviético. Este artista era atípico del arte soviético y, por lo tanto, durante su vida su talento no fue reclamado. Como desgraciadamente suele ocurrir con los grandes artistas, la fama le llegó de forma póstuma. Konstantin Alekseevich Vasiliev (1942-1976) murió trágicamente en la flor de su extraordinario y raro talento creativo, cuando solo tenía 34 años y cuando el camino hacia el éxito parecía abrirse por delante. El legado del artista es impresionante: 400 pinturas, obras gráficas y bocetos en los que glorifica su Rusia especial. Sus pinturas recrean el mundo de los mitos, tradiciones, leyendas eslavos, el mundo de la armonía entre el hombre y la naturaleza. Una de las imágenes femeninas más encantadoras fue creada por Vasiliev en el cuadro "Esperando", pintado poco antes de su muerte, en 1976.
El marco de madera de la ventana, cerca del cual se encuentra una niña con una vela encendida en la mano, crea la impresión de "una imagen dentro de otra imagen". El patrón escarchado en el cristal de la ventana, que enmarca la cara y el pecho de la niña, la hace parecer el misterioso pájaro Sirin con una corona oscura en la cabeza y un ala blanca como la nieve. La combinación de tonos blancos y marrones en la imagen evoca un sentimiento de ansiedad, una vaga ansiedad. La luz de una vela encendida enfatiza aún más la inexpresable melancolía en los ojos grises de la niña. ¿A quién está esperando? ¿Tu ser querido? ¿Quizás el destino mismo llame a su puerta en esta helada tarde de invierno? Y, aparentemente, su corazón siente: este destino no le traerá la felicidad... La imagen de una chica cautivadoramente hermosa con una trenza de color marrón claro, de pie junto a la ventana con lánguida anticipación, está inusualmente en consonancia con la imagen femenina del poema de Anna Akhmatova. : Me basta con congelarme de miedo, Mejor gritaré la Chacona de Bach, Y detrás de ella entrará un hombre, No será mi querido marido. Pero él y yo merecemos esto, que el siglo XX sea avergonzado. Lo confundí por casualidad con el que está dotado de un secreto, con quien está destinado el más amargo, llegará tarde a buscarme al Palacio de la Fuente en una brumosa noche de Año Nuevo para beber vino. Y recordará la noche de Epifanía, el arce en la ventana, las velas nupciales y los poemas del vuelo mortal... Pero ni la primera rama de lilas, ni el anillo, ni la dulzura de las oraciones, Él me traerá destrucción. El tema de las imágenes femeninas en la pintura es inagotable. Las mujeres se distinguen por un especial encanto y espontaneidad en su juventud, belleza y gracia en la madurez, espiritualidad en la vejez...
¿Con qué frecuencia admiramos obras de arte sin pensar en quién está representado en ellas? En la memoria sólo quedan los nombres de los miembros de la realeza, y se desconoce la identidad de la niña, cuya silueta brumosa es visible en la esquina de la imagen. Hoy contará sobre las mujeres que posaron para cuadros famosos de los artistas.Aficionado. medios de comunicación.
Mona Lisa holandesa
La famosa "Mona Lisa holandesa", "La joven con un pendiente de perla" de Jan Vermeer fue pintada alrededor de 1665. Durante mucho tiempo el cuadro se llamó simplemente "La joven con un turbante" y recibió su nombre moderno recién en el siglo XX. La representación de turbantes en las pinturas se ha vuelto popular desde el siglo XV, y Vermeer utiliza a menudo este detalle del baño en sus retratos. Todo el cuadro fue pintado en un género especial "troni", que significaba la imagen de la cabeza de una persona.
La "Mona Lisa holandesa" ha sido llamada durante mucho tiempo "La chica del turbante"
Fiel a su nombre, la atención del espectador se centra en un gran pendiente de perla.
Según la versión más común, se cree que su pequeña hija María posó para el retrato de Vermeer, aunque algunos investigadores todavía sugieren que podría tratarse de la hija del mecenas del artista, el filántropo Ruyven. María fue una de los 15 hijos de Vermeer; su matrimonio fue verdaderamente feliz. El artista amaba a su esposa y ella a menudo posaba para él en sus cuadros.
Retrato místico de la joven Lopukhina
El retrato de María Ivanovna Lopukhina, una de las representantes de la familia condal Tolstoi, es una de las obras más famosas del artista ruso Borovikovsky. Fue pintado en 1797 y actualmente se conserva en la Galería Tretyakov.
El retrato de M. I. Lopukhina es una de las obras más famosas de Borovikovsky
El poeta Yakov Polonsky dedicó sus poemas a la niña representada en el retrato: “Ella falleció hace mucho tiempo, y esos ojos ya no están allí, y se fue esa sonrisa que expresaba silenciosamente el sufrimiento, la sombra del amor y los pensamientos. la sombra de la tristeza, pero Borovikovsky salvó su belleza”. El artista utiliza una técnica tradicional de retrato: rodear al personaje con objetos que ayudan a caracterizarlo. Estas son las características del paisaje ruso, un delicado chal y capullos de rosa caídos.
El retrato de Lopukhina es considerado el más poético de la obra de Borovikovsky.
Curiosamente, el retrato de María Lopukhina se utilizó durante mucho tiempo para asustar a las jóvenes. El caso es que poco después de pintar el cuadro, una joven de 21 años murió de tisis. Muchos creían que el retrato parecía quitarle la vida y que si las niñas miraban el cuadro, pronto también morirían.
Chica con paraguas de los cuadros de Monet.
El famoso cuadro de Claude Monet "Campo de amapolas en Argenteuil" fue pintado en 1873. Esta pintura apareció en una exposición de los impresionistas en 1874, cuando por primera vez se declararon como un grupo separado. Las dos figuras en primer plano son Camila, la esposa de Monet, y su hijo Jean.
El cuadro de Claude Monet "Campo de amapolas en Argenteuil" fue pintado en 1873.
Monet pintó, como era su costumbre, al aire libre, tratando de capturar la atmósfera de ligereza y movimiento. Un dato interesante al que pocas personas prestan atención: en la esquina izquierda de la imagen hay otra pareja similar, una mujer con un niño. Un camino apenas perceptible serpentea entre las dos parejas.
La pintura representa a dos parejas, una de las cuales es la esposa y el hijo de Monet.
La historia de amor de Monet y Camila fue trágica: el padre de Monet amenazó más de una vez con privar a su hijo de su manutención si no se separaba de su amada. Vivieron separados durante mucho tiempo, pero Monet no pudo durar mucho sin su familia. Sin embargo, el artista le pedía a menudo a su esposa que posara para sus cuadros. Podemos ver a Camila tanto en el lienzo “Dama de Verde” como entre “Mujeres en el Jardín”. También hay varios retratos separados de Camila y su hijo. Y cuando Camila murió, pintó su retrato póstumo, que se diferencia del resto de obras del artista.
Monet pintó un retrato póstumo de su esposa bajo la impresión de su muerte
Impresionado por la muerte de su amada esposa, Monet pintó su retrato póstumo
La actriz que cautivó a Renoir
Auguste Renoir, uno de los artistas impresionistas más famosos, amaba y supo representar la belleza femenina. La actriz Jeanne Samary era su modelo favorita. Renoir le pintó 4 retratos, pero el más famoso fue “Retrato de la actriz Jeanne Samary”. Fue escrito en 1877 y ahora se conserva en el Museo Pushkin de Moscú.
Los tonos principales utilizados en el retrato son el rosa y el verde.
Zhanna provenía de una familia de teatro y no eligió su campo por mucho tiempo. Hizo su debut teatral en el papel de Dorina en Tartufo de Moliere y su fama creció rápidamente. Antes de casarse, la niña iba a menudo al estudio de Renoir y posaba para él. Es cierto que asistía a las sesiones de forma irregular y esto enfureció al artista. Pero quedó completamente fascinado por la gracia de la actriz, por lo que una y otra vez la invitó a convertirse en su modelo. Pero su fama y felicidad no duraron mucho: murió a los 33 años a causa del tifus.
Bailarina con la flexibilidad de una serpiente.
El famoso autor de "La joven de los melocotones" Valentin Serov, tras conocer a Ida Rubinstein en París en 1910, le pidió que sirviera de modelo para el nuevo cuadro. Antes de eso, posó para muchos artistas: Kees van Dongen, Antonio de la Gándara, André de Segonzac, Leon Bakst y más tarde para Romaine Brooks.
El retrato de Ida Rubenstein fue comprado casi de inmediato a Serov.
Pero fue el retrato del artista ruso el que se convirtió en el más famoso. La pintura fue comprada casi de inmediato al autor y colocada en la colección del Museo Ruso.
La hija de Serov, Olga, escribió que, en realidad, Ida no era tan delgada en absoluto y el artista la estilizó deliberadamente.
Ida Rubinstein fue una famosa bailarina y actriz rusa. De 1909 a 1911 actuó como parte de la compañía de Sergei Diaghilev. Rubinstein era alta, pero su gracia asombró al público y fue descrita como una bailarina “con la flexibilidad de una serpiente y la plasticidad de una mujer”. Los papeles de Cleoparta y Zobeida se convirtieron en sus papeles estrella. Después de dejar Diaghilev, creó su propia compañía, en la que actuó durante mucho tiempo. Y en 1921 incluso protagonizó la película italiana "El barco".
