Jadi, ada dua kutub utama:
- Tragedi sebagai demonstrasi norma perjuangan moral seseorang dalam proses penegasan diri pribadi
- Komedi, sebagai gambaran penyimpangan dari norma, tampilan sisi kehidupan yang absurd dan lucu - inilah dua kutub pemahaman artistik dunia dalam teater klasisisme
!!! Kata “norma” adalah kuncinya di sini. Sama sekali tidak ada jalan tanpa adanya norma.
Tentang komedi, N. Boileau menulis:
Jika Anda ingin menjadi terkenal dalam komedi,
Pilihlah alam sebagai mentormu...
Kenali penduduk kota, pelajari para bangsawan;
Secara sadar mencari karakter di antara mereka.
Dalam sistem genre drama klasisisme yang tersusun secara hierarkis, komedi menempati suatu tempat genre rendah, menjadi antipode dari tragedi. Itu ditujukan pada bidang manifestasi manusia di mana situasi-situasi yang tereduksi beroperasi, dunia kehidupan sehari-hari, kepentingan pribadi, kejahatan manusia dan sosial berkuasa.
Komedi Moliere. Komedi J.B. Molière adalah puncak dari komedi klasisisme.
Jika komedi pra-Moliere terutama bertujuan untuk menghibur penonton, memperkenalkannya pada gaya salon yang elegan, maka komedi Moliere, yang menyerap prinsip karnaval dan tawa, pada saat yang sama berisi kebenaran hidup dan keaslian khas karakter.
Namun, ahli teori klasisisme N. Boileau, sambil memberikan penghormatan kepada komedian besar Prancis sebagai pencipta “komedi tinggi”, pada saat yang sama mengutuknya karena beralih ke tradisi lucu dan karnaval.
Kalau tidak, Moliere setia pada hukum klasisisme - karakter pahlawan, sebagai suatu peraturan, dipandu olehnya satu gairah. Ensiklopedis Denis Diderot memuji Moliere dengan fakta bahwa dalam “The Miser” dan “Tartuffe” penulis naskah “menciptakan kembali semua orang pelit dan Tartuffe di dunia. Inilah yang paling banyak diungkapkan ciri-ciri umum dan paling khas, tapi itu bukan potret salah satu dari mereka, jadi tidak ada satupun dari mereka yang mengenali dirinya sendiri.”
Bagi Moliere, esensi komedi terletak pada kritik terhadap kejahatan yang merugikan secara sosial dan keyakinan optimis akan kemenangan akal manusia(“Tartuffe”, “Si Kikir”, “Si Misanthrope”).
Masalah karakter dalam komedi klasik “The Miser”
Tradisi sastra lakon Moliere berhubungan dengan sumber-sumber kuno. Salah satu prototipe Harpagon karya Molière, tidak diragukan lagi, adalah gambar orang kikir dari komedi "Little Pot" karya penulis drama Romawi kuno Plautus.
Komedi Molière tipikal "komedi karakter" Desain panggung dari gagasan utama lakon tersebut mempunyai ciri-ciri konvensi:
- plotnya konvensional, kompleks, membingungkan, dengan sejumlah benturan, kesalahan, pengakuan yang tidak biasa, karakteristik dari apa yang disebut “komedi kesalahan”
- bersyarat sampai tingkat tertentu pahlawan drama - orang-orang muda yang baik hati, pelayan yang cerdas dan setia.
Di hadapan kita terdapat sebuah abstraksi yang terkenal sesuai dengan prinsip-prinsip teater klasik, namun dirancang dengan sangat ahli dari sudut pandang efek panggung, disajikan kepada penonton dengan kecerdasan sedemikian rupa sehingga gagasan tentang kekikiran, diwujudkan dalam gambar Harpagon, menjadi ide yang nyata dan nyata.
Moliere tidak menggambarkan watak seseorang dengan segala keluasan dan keragaman cirinya, melainkan hanya salah satu ciri dominan dirinya, menundukkan semua aksi panggung padanya. Pushkin dengan tepat menunjukkan ciri komedi penulis drama Prancis ini: “Dalam Shakespeare, Shylock adalah sosok yang pelit, cerdik, pendendam, penyayang anak-anak, dan jenaka. Dalam Molière - Si Pelit itu pelit, dan itu saja.” Pria pelit Moliere itu konyol dan menyedihkan, sama seperti dia konyol dalam sumber-sumber primer kuno. Dia menjijikkan, tapi tidak menakutkan. Harpagon karya Moliere pada dasarnya adalah karakter komedi. Moliere menunjukkan sisi lucu dari sifat buruknya, dia membuat penontonnya menertawakan keburukan.
Abstrak dengan topik:
"Genre Komedi dalam Sastra Klasik Rusia"
Komedi menggambarkan kehidupan sehari-hari. Perhatiannya selalu tertuju pada fenomena negatif realitas. Para pahlawannya adalah orang-orang yang secara moral lebih rendah. Kerugian dari kontradiksi mereka dengan “norma”, “ideal” terungkap dalam komedi dengan bantuan tawa. Tertawa bisa saja bersifat ceria, namun bisa juga tanpa ampun, tergantung pada fenomena apa yang dituju. Dengan menempatkan para pahlawannya dalam kondisi tertentu, menggambarkan mereka sebagai orang yang lucu, komedi berupaya memberikan dampak moral bagi pemirsanya. Sejarah komedi memberikan contoh bagaimana pemahaman tentang tawa berubah, bagaimana apa yang lucu di suatu zaman tidak lagi lucu di zaman lain, bagaimana tawa tumbuh menjadi kekuatan sosial. Ciri-ciri utama komedi telah didefinisikan oleh Aristoteles. Dia melihat perbedaan antara komedi dan tragedi dalam kenyataan bahwa komedi “berusaha untuk menggambarkan yang terburuk,” dan tragedi “orang-orang yang lebih baik daripada orang-orang yang sudah ada,” tetapi dengan memilih “orang-orang yang tidak berharga” sebagai pahlawan, komedi tidak menggambarkan mereka sebagai orang yang sepenuhnya kejam. Oleh karena itu, yang lucu, meskipun termasuk bagian dari keburukan, menurut Aristoteles hanyalah “kekeliruan dan keburukan tertentu yang tidak menimbulkan penderitaan bagi siapa pun dan tidak merugikan siapa pun”. Klasisisme mempertahankan perbedaan antara karakteristik tragis dan komik zaman kuno. Dalam memahami “lucu”, klasisisme tetap berada pada level teori kuno. Dia menolak pedas, yaitu. satir, tawa komedi Aristophanes. Tujuan komedi, menurut klasisisme, adalah untuk “mencerahkan”, mengejek kekurangan. Kekurangannya adalah sifat psikologis seseorang dalam manifestasinya sehari-hari: eksentrisitas, pemborosan, kemalasan, kebodohan, dll. Namun, hal ini tidak mengarah pada kesimpulan bahwa komedi klasisisme tidak memiliki konten sosial, dan ditujukan untuk mengatasi kekurangan tersebut. itu bersifat pribadi. Klasisisme dicirikan oleh orientasi ideologis yang jelas. Cita-cita zaman, “pahlawan” sejatinya, diakui sebagai pribadi yang bersifat sosial, yang mengutamakan kepentingan negara dan bangsa di atas kepentingan pribadi. Pahlawan seperti itu digambarkan dalam puisi, ode, atau tragedi. Komedi dimaksudkan untuk menegaskan cita-cita tinggi yang sama. Namun ia melakukan ini dengan mengejek sifat-sifat psikologis yang mereduksi signifikansi sosial dari kepribadian manusia (panache, pemborosan, kebodohan, dll.)
Pada tahap awal perkembangannya, komedi klasisisme Rusia menjadikan bahan tertawaan ketidaktahuan kaum bangsawan Rusia dan kekaguman terhadap segala sesuatu yang asing, ketertarikan pada kemewahan, dan kurangnya spiritualitas dalam hidup mereka. Belakangan, ketika karakter negara bangsawan yang anti-rakyat dan berkelas memanifestasikan dirinya dengan cukup jelas, ternyata “golongan pertama” bukan hanya bodoh; itu tidak memiliki nilai-nilai sipil. Perkembangan komedi mengikuti jalur penguatan keterkaitannya dengan kehidupan zaman. Komedi mulai mengejek, bersama dengan ketidaktahuan, predasi dan penyuapan kelas penguasa dalam berbagai bentuknya: dalam bentuk hadiah, “terima kasih”, dll.
Dalam kondisi terbaiknya, komedi abad ke-18 sampai pada titik mengutuk tatanan hukum yang ada. Dengan demikian, komedi klasisisme Rusia dibingkai sebagai komedi sosial dalam makna artistik dan orientasi ideologisnya. Karena komedi tidak mengolok-olok kekurangan pribadi, tetapi fenomena yang menimbulkan bahaya sosial, penulis naskah menggunakan cara yang bukan tawa “ringan” yang tidak berbahaya, tetapi sindiran, yang mencela fenomena ini tanpa ampun dan keji. Hal ini memberinya karakter yang berbahaya di mata pemerintah.
Tujuan komedi dalam klasisisme adalah untuk membuat orang tertawa, untuk “mengatur emosi dengan ejekan”, yaitu. untuk mendidik perwakilan individu dari kelas bangsawan dengan tawa. Komedi Rusia pertama ditulis oleh Sumarokov. Plot mereka masih bersifat konvensional dan didasarkan pada benturan kepentingan dalam keluarga. Biasanya didasarkan pada skema: ibu dan ayah atau salah satu dari mereka memilih putri mempelai pria; putri mencintai orang lain. Perjodohan berakhir tidak berhasil bagi pengantin pria yang dipilih oleh orang tua. Skema aksi komedi ini tidak hanya menjadi ciri khas Sumarokov. Itu dilestarikan dalam komedi Fonvizin dan komedi Knyazhnin. Dalam komedi awal Sumarokov, aksinya pada dasarnya tanpa gerakan. Tidak ada perjuangan untuk pahlawan wanita. Kesudahan yang muncul di akhir komedi tidak dipersiapkan oleh jalannya peristiwa. Hal ini dijelaskan oleh fakta bahwa sisi pendidikan komedi pada periode ini (50-60 tahun) paling sedikit dikaitkan dengan intrik cinta. Plot diperlukan hanya untuk membenarkan dan memotivasi penampilan karakter komik di atas panggung, terutama dari sekian banyak pesaing pelamar. Dalam komedi dewasa Sumarokov, dan kemudian Fonvizin, sifat aksi komedi berubah. Jumlah karakter berkurang, hubungan cinta menjadi lebih rumit, dan beberapa pasangan cinta bermunculan. “Guardian” karya Sumarokov adalah salah satu komedi di mana perubahan genre paling jelas diidentifikasi. Plot komedi tahun 70-an masih sangat kondisional. Setelah bertahun-tahun, para pahlawan tiba-tiba berkumpul di sebuah rumah air. Seorang anak yang pernah ditinggalkan atas kemauan penulisnya ternyata menjadi pembantu di rumah musuhnya. Seorang pelayan, seorang lelaki berpangkat rendah, tidak dapat menghubungkan nasibnya dengan seorang gadis yang berasal dari bangsawan. Tapi sekali lagi, teman sang ayah, yang muncul secara tak terduga, menghilangkan hambatan ini, mengembalikan posisi mulia sang pahlawan dan menyatukan sepasang kekasih. Pada saat yang sama, aksi komedi bukannya tanpa hiburan eksternal. Motif ketidaktahuan, kemunculan teman lama, pengenalan benda kenangan, semua itu memeriahkan aksi yang berlangsung di atas panggung. Penting juga untuk tidak memperhatikan kecenderungan ke arah penggambaran kehidupan di atas panggung yang lebih dapat dipercaya. Kesatuan waktu dan tempat dijaga ketat, namun rentang waktu kejadiannya diperluas. Dalam perjalanan alaminya, mereka tidak lagi cocok dengan zaman yang ditentukan oleh puisi klasisisme.
Jika membandingkan komedi tahun 70-an dengan komedi periode sebelumnya, terlihat penguatan prinsip sosial dan penguatan hubungan dengan realitas Rusia. Isi komedinya tidak lagi sebatas kritik terhadap seorang bangsawan yang melakukan bisnis yang tidak pantas menyandang gelarnya, misalnya riba. Dalam komposisi komedi, dialog tentang topik umum mulai menempati tempat yang besar: karakter berbicara tentang bangsawan sejati, korupsi suku juru tulis, penunjukan seorang raja, bahaya penyalahgunaan kekuasaan sekuler dan spiritual, posisi seorang orang jujur dalam masyarakat modern. Drama paling signifikan kali ini adalah drama Fonvizin “The Brigadier”.
Awal dari tahap baru dikaitkan dengan komedi kedua Fonvizin. Berbeda dengan “The Brigadier”, dalam “The Minor” aksinya ditransfer langsung ke panggung. Itu diberikan dalam gerakan, dalam mengubah hubungan, mencakup semua karakter, dan memperoleh kepentingan independen. Meskipun komedi tersebut berisi penilaian yang sangat tajam terhadap realitas Rusia dalam aspek-aspek terpentingnya, komedi tersebut memilih kehidupan pribadi kelas bangsawan sebagai subjek langsungnya. Hubungan keluarga, bahkan di akhir abad ini, tetap menjadi bidang yang memungkinkan terungkapnya secara maksimal perilaku para pahlawan dalam kehidupan pribadi. Pertanyaan utama yang ditanyakan Fonvizin dalam komedi ini adalah pertanyaan tentang seperti apa seharusnya seorang bangsawan sejati, dan apakah bangsawan Rusia sesuai dengan tujuannya. Topik ini mendapat liputan satir. Kini aksi dalam komedi tersebut menyatukan semua karakter sekaligus membaginya menjadi “jahat” dan “berbudi luhur”. Perbedaan antara para pahlawan tidak terbatas pada kualitas moral mereka. Pengenalan adegan ekstra-plot ke dalam komedi memperluas dan memperdalam isinya. Komedi ini dengan jelas mengontraskan dua “ras manusia”: bangsawan yang bodoh dan tidak tercerahkan, dan bangsawan yang terpelajar dan “tercerahkan”.
Subyek komedinya “lucu”. Karakter komedi didasarkan pada penggambaran hanya yang lucu dalam diri seseorang dan tentu saja tidak termasuk kompleksitas dan kelengkapan penggambaran psikologisnya. Namun, selain karakter negatif, karakter positif juga diperkenalkan ke dalam komedi klasisisme. Maknanya hanya untuk memperjelas sikap penulis terhadap apa yang terjadi. Pada saat yang sama, mereka berkorelasi dengan karakter negatif dalam sifat moral dan psikologis utamanya. Teknik korelasi langsung karakter - positif dan negatif - akan menjadi salah satu ciri komedi klasisisme Rusia. Komedi Rusia pertama, yang terutama dikaitkan dengan nama Sumarokov, dicirikan oleh “komedi eksternal”. Itu kembali ke tradisi teater rakyat dan didasarkan pada perkelahian antar pahlawan, disertai dengan pukulan dengan tongkat, lari, jatuh, dll. Pergerakan komedi Rusia abad ke-18 mengikuti jalur menggantikan komedi eksternal; minat secara bertahap akan beralih dari hiburan eksternal ke penggambaran karakter komik. Komedi setelah Fonvizin berkembang sejalan dengan tradisinya.
Namun, dalam kemampuannya menggambarkan kehidupan di atas panggung, dalam mengembangkan aksi dan karakter komedi, ia tidak naik ke levelnya.
Ciri khas bahasa komedi klasisisme, dibandingkan dengan tragedi, adalah tidak adanya kesatuan batin. Dalam komedi, bahasanya lebih beragam, karena pahlawannya adalah orang-orang dengan status sosial dan tingkat budaya berbeda. Biasanya bangsawan yang bodoh dikontraskan dengan bangsawan yang terpelajar. Hal ini menentukan perpaduan unsur gaya dekorasi “tinggi” dengan gaya “rendah” yang sederhana. Mereka ada secara paralel, tanpa menciptakan satu gaya pun.
Diakui bahwa ucapan karakter negatif dalam komedi selalu dibedakan oleh ketelitian dan ekspresi artistiknya yang tinggi. Ini juga merupakan ciri komedi klasisisme. Ucapan sebagaimana kita ketahui berkaitan dengan karakter seseorang dan ditentukan oleh karakteristik individunya. Karena kenyataan bahwa karakter-karakter dalam komedi klasisisme adalah pembawa sifat-sifat yang sangat spesifik, ucapan mereka dalam setiap kasus tertentu disubordinasikan pada pengungkapan sifat-sifat yang menjadi tujuan karakter tersebut direduksi. Ciri khas komedi klasisisme adalah fokusnya pada bahasa lisan. Naturalisme dalam bahasa melekat pada Sumarokov dan Fonvizin. Dalam karya Sumarokov sebagian besar masih dibuat-buat dan memiliki karakter yang disengaja. Pidato Fonvizin dipindahkan ke panggung, didengar langsung dalam kehidupan: di jalan, di rumah bangsawan. Itulah sebabnya intonasi bahasa lisan yang hidup terdengar dalam bahasa tokohnya. Hubungan dengan bahasa daerah menjadi lebih organik.
Jadi, jika bahasa pahlawan negatif dan karakter komik berkembang ke arah mengatasi naturalisme bahasa lisan yang hidup, maka bahasa pahlawan positif - seiring dengan mengatasi sifat kutu buku dari bahasa sastra, berkontribusi pada pembentukan bahasa. bahasa drama dengan dasar yang baru.
Pembentukan bentuk komedi di Rusia dikaitkan dengan klasisisme. Dengan contoh terbaiknya, komedi abad ke-18 mempersiapkan perkembangan teater realistik. Tradisi Fonvizin, Knyazhnin, Kapnist diwarisi dan dikembangkan di era baru dalam komedi Griboedov, Gogol, Ostrovsky.
Literatur:
- Moskvicheva G.V. Klasisisme Rusia. M., 1986.
- Fedorov V.I. Sejarah sastra Rusia abad ke-18. – M., 1982
Komedi (dari bahasa Yunani komos, ode - lagu, liburan untuk menghormati Dionysus) adalah genre dramatis di mana karakter, tindakan, situasi dijiwai dengan komik, disajikan dalam bentuk yang lucu. Sejak lama (hingga era klasisisme), komedi dianggap sebagai genre “rendah”. Ciri-ciri genre komedi: adanya efek kejutan, adanya kontradiksi komedi, pertentangan (jelek - indah, tidak penting - luhur, salah - benar, dll), adanya “tawa” sebagai wajah positif yang tak terlihat dari komedi karya, karakter yang digambar dengan jelas, adanya alogisme, permainan kata-kata, karikatur, lawak, parodi, penggunaan hiperbola, aneh, situasi komik dan dialog oleh penulis. Jenis-jenis komik: humor, sindiran, ironi, sarkasme, tawa karnaval, lelucon, ejekan, permainan kata-kata. Ada komedi situasi, komedi intrik, komedi karakter, komedi tata krama, komedi ide, komedi suasana hati, komedi slapstick, komedi keseharian, komedi liris, komedi satir, komedi heroik, komedi sentimental.
Penulis komedi kuno paling terkenal adalah Aristophanes (11 komedi dari 425-388 SM - “Horsemen”, “Clouds”, “Lysistrata”, “Frogs”). Varietas komedi kuno - Sisilia dan Loteng (kuno, tengah, baru); Selain itu, dalam komedi Romawi (yang dekat dengan Attic) merupakan kebiasaan untuk membedakan togata, palliata, sastra atellana, pantomim, dan komedi rakyat. Sifat-sifat komedi kuno: dominasi sikap pribadi pengarang, ejekan terhadap sifat buruk manusia tertentu, penilaian normatif, pembagian yang jelas antara baik dan jahat, positif dan negatif.
Pada Abad Pertengahan, lelucon, selingan, soti, dan fastnachtspiel muncul.
Di zaman Renaisans, titik awal komedi adalah sifat manusia, gagasan tentang manusia sebagai ukuran segala sesuatu. Penulis naskah drama mengungkapkan kemungkinan komik - “kemampuan untuk menjelajahi keadaan dunia.” Menciptakan contoh komedi yang luar biasa; W. Shakespeare (“A Midsummer Night’s Dream”, “Twelfth Night”, “The Taming of the Shrew”, “Much Ado About Nothing”). Salah satu gagasan komedi Shakespeare adalah gagasan tentang kekuatan alam yang tidak terbagi atas jiwa manusia.
Sastra Eropa menciptakan jenis komedi yang stabil: "komedi terpelajar" Italia, commedia dell'arte, komedi Spanyol "jubah dan pedang", komedi balet, komedi "tinggi" klasisisme Prancis.
Di era klasisisme, sifat buruk manusia, sifat-sifat yang berlawanan dengan kebajikan, seperti ketidaktahuan, kemunafikan, misantropi, menjadi objek ejekan (komedi J.-B. Molière “The Bourgeois in the Nobility”, “Tartuffe”, “The Imaginary Tidak sah"). Titik acuan utama kaum klasik adalah norma-norma moral dan estetika yang abstrak.
Di Era Pencerahan, akal sehat menjadi titik awal bagi para komedian. Di era romantisme, “analisis komedi berangkat dari gagasan tentang kesempurnaan dunia yang tidak dapat diwujudkan, yang dengannya individu dinilai, dan, sebaliknya, dari gagasan tentang kesempurnaan individu yang tidak dapat diwujudkan, yang dengannya individu dunia diverifikasi. Titik tolak kritik senantiasa berpindah dari dunia ke individu dan dari individu ke dunia. Ironi digantikan oleh ironi diri (misalnya dalam G. Heine), ironi diri berkembang menjadi skeptisisme dunia. Skeptisisme dunia terhadap ironi romantis adalah saudara dari kesedihan dunia atas tragedi romantis.”
Pada abad ke-19, komik dibiaskan melalui cita-cita estetika yang diperluas, yang mencakup gagasan rakyat tentang kehidupan dan manusia. Tren ini tercermin dalam sastra Rusia, di mana komedi satir dan menuduh sosial didistribusikan (D.I. Fonvizin, A.S. Griboedov, N.V. Gogol, A.N. Ostrovsky). Dalam sastra abad ke-20, komedi sosial, sehari-hari, dan liris muncul (V. Mayakovsky, M. Zoshchenko, M. Bulgakov).
Dicari di sini:
- apa definisi komedi dalam sastra
Seni teater. Berdasarkan ciri formalnya, komedi dapat kita definisikan sebagai sebuah karya drama atau seni panggung yang mengundang gelak tawa penontonnya. Namun sulit menemukan istilah lain yang menimbulkan begitu banyak perdebatan teoretis dalam kritik seni, estetika, dan kajian budaya sepanjang sejarah keberadaannya.
Istilah “komedi” erat kaitannya dengan kategori filosofis dan estetis komik, yang dalam pengertiannya setidaknya terdapat enam kelompok utama konsep teoretis: teori kualitas negatif; teori degradasi; teori kontras; teori kontradiksi; teori penyimpangan dari norma; teori regulasi sosial; dan juga teori tipe campuran. Selain itu, dalam masing-masing kelompok, teori objektivis, subjektivis, dan relativis dapat dibedakan. Daftar sederhana ini saja sudah memberikan gambaran tentang kekayaan dan keragaman sifat tertawa.
Perlu disebutkan fungsi paling penting dari komik (dan, karenanya, komedi), yang merupakan bagian integral dari teori mana pun: fungsi kognitif heuristik dalam menguasai realitas. Seni secara umum adalah cara memahami dunia sekitar kita; fungsi heuristik melekat pada semua jenisnya, termasuk teater, di setiap genre. Namun, fungsi heuristik komedi sangat jelas: komedi memungkinkan Anda melihat fenomena biasa dari sudut pandang baru yang tidak biasa; menunjukkan makna dan konteks tambahan; mengaktifkan tidak hanya emosi penonton, tetapi juga pikiran mereka.
Keanekaragaman sifat komik secara alami menentukan keberadaan sejumlah besar teknik dan sarana artistik dalam budaya tawa: berlebihan; parodi; fantastis; bepergian; meremehkan; paparan kontras; konvergensi tak terduga dari fenomena yang saling eksklusif; anakhronisme; dll. Penggunaan berbagai teknik dalam konstruksi drama dan pertunjukan juga menentukan banyaknya variasi genre komedi: lelucon, kecaman, komedi liris, vaudeville, komedi aneh, sindiran, komedi petualangan, dll. (termasuk formasi genre menengah yang kompleks seperti “komedi serius” dan tragikomedi).
Ada banyak prinsip yang diterima secara umum untuk klasifikasi komedi intra-genre, yang dibangun atas dasar komponen struktural tertentu dari sebuah karya teater.
Jadi, berdasarkan signifikansi sosialnya, komedi biasanya dibagi menjadi “rendah” (berdasarkan situasi lucu) dan “tinggi” (didedikasikan untuk masalah sosial dan moral yang serius). Lelucon Prancis abad pertengahan Lohan Dan Pengacara Patlen, serta, misalnya, vaudevilles F. Koni termasuk dalam karya komedi “rendah”. Contoh klasik komedi “tinggi” adalah karya Aristophanes ( Aharnan,Tawon dll.) atau Celakalah dari pikiran A. Griboedova.
Berdasarkan tema dan orientasi sosialnya, komedi dibedakan menjadi liris(dibangun di atas humor lembut dan penuh simpati terhadap karakternya) dan satiris(ditujukan untuk mengejek keburukan dan kekurangan sosial). Berdasarkan prinsip klasifikasi ini, komedi liris dapat diklasifikasikan menjadi, katakanlah, Anjing di palungan Lope de Vega atau Filumena Morturano Eduardo de Filippo, serta sejumlah komedi Soviet tahun 1930-an–1980-an pada abad ke-20. (V. Shkvarkin, V. Gusev, V. Rozov, B. Laskin, V. Konstantinov dan B. Ratzer dan lainnya). Contoh nyata komedi satir - Tartuffe J.B.Moliere atau Kasus A.V.
Menempatkan arsitektur dan komposisi sebagai kepala klasifikasi, mereka membedakannya komedi situasi(di mana efek komik muncul terutama dari alur cerita yang tidak terduga) dan komedi karakter(yang sumber komedinya adalah benturan tipe kepribadian yang saling menjijikkan). Jadi, di antara karya Shakespeare kita juga dapat menemukan komedi situasi ( Komedi Kesalahan), dan komedi karakter ( Penjinakan Tikus).
Klasifikasi komedi berdasarkan tipologi plot juga umum: komedi dalam negeri(Misalnya, Georges Dandin J.B.Moliere, Pernikahan N.V.Gogol); komedi romantis (Dalam tahananku sendiri P.Calderona, Komedi kuno A.Arbuzova); heroik komedi ( Cyrano de Bergerac E.Rostana, Sampai Gr.Gorina); dongeng-simbolis komedi ( malam keduabelas W.Shakespeare, Bayangan E.Schwartz), dll.
Namun, salah satu klasifikasi di atas sangat kondisional dan skematis. Dengan pengecualian yang jarang terjadi, hampir semua komedi yang disebutkan di atas tidak diragukan lagi jauh lebih luas daripada kerangka sistematis tersebut. Dengan demikian, masing-masing klasifikasi ini, sebaliknya, menjalankan fungsi tambahan sebagai semacam suar, pedoman yang memungkinkan kita menyusun variasi jenis komedi yang benar-benar tak terbatas, genre yang paling fleksibel, dinamis, dan terus berkembang.
CERITA
Upaya pertama yang diketahui dalam studi teoritis komedi - Puisi filsuf Yunani kuno Aristoteles , abad ke-4 SM. (dari bahasa Yunani - seni puitis, ilmu tentang bentuk struktural karya seni, teori sastra). Berfokus terutama pada tragedi dan epik, Aristoteles beralih ke komedi hanya sebagian, menggambar analogi dengan tragedi. (Ada hipotesis bahwa awalnya Puisi terdiri dari dua bagian; namun, bagian kedua, yang didedikasikan untuk komedi, telah hilang). Namun di sini Aristoteles mempunyai pernyataan yang sangat menarik: “...sejarah komedi tidak kita ketahui, karena pada awalnya mereka tidak memperhatikannya...” Tampaknya ini adalah bukti paradoks dari penyebaran komedi yang sangat luas. unsur komedi, yang merupakan bagian integral tidak hanya dari tindakan ritual pagan, tetapi juga Kehidupan sehari-hari. Artinya, keberadaan komedi dirasakan begitu alamiah sehingga terkesan tak memerlukan banyak pemikiran.
Sudah di abad ke-5. SM. aktor amatir keliling menampilkan adegan sehari-hari dan satir yang bersifat improvisasi, yang menggabungkan dialog, tarian, dan nyanyian (yang disebut pertunjukan pantomim - dari bahasa Yunani - peniru, peniruan). Dalam pantomim, sifat komedi yang demokratis dan bebas terlihat jelas, yang secara konsisten menolak peraturan apa pun: misalnya, tidak seperti jenis teater kuno lainnya, perempuan juga mengambil bagian dalam pertunjukan ini. Penyair Yunani kuno Sophron dan Xenarchus memberikan pantomim suatu bentuk sastra. Sejak itu, perkembangan komedi mengikuti dua jalur: folk, terutama kreativitas improvisasi, dan seni panggung dan sastra profesional.
Komedian kuno pertama yang dikenal luas adalah Aristophanes (abad ke-5 SM), yang menulis sekitar 40 komedi, 11 di antaranya masih bertahan. Dunia,Lysistrata,Awan,katak,Burung-burung dan sebagainya.). Namun, pada saat itu, komedi merupakan rangkaian episode individu, sebagian besar deklaratif, diselingi dengan nyanyian paduan suara. Pada abad ke-3. SM. komedi memperoleh integritas struktural yang lebih besar: ia membentuk plot intrik yang dikembangkan dengan cermat. Selain itu, komedi mulai mencerminkan adat istiadat modern (karya perwakilan utama tren ini, komedian Menander, diketahui dari kutipan yang masih ada).
Tradisi-tradisi ini juga dikembangkan oleh komedi Roma Kuno (Plautus, Terence): intrik yang rumit, tema sehari-hari, karakter topeng komedi yang mengembangkan ciri-ciri yang lebih khas daripada ciri-ciri individu.
Pada masa terbentuk dan berdirinya agama Kristen, seni teater selama beberapa abad mengalami era penganiayaan, pelarangan dan pelupaan. Baru pada abad ke-9. teater mulai dihidupkan kembali dalam drama liturgi, pertunjukan keagamaan dan dramatisasi episode Injil yang merupakan bagian dari kebaktian Natal atau Paskah. Namun, tradisi teater yang hidup dilestarikan justru berkat komedi improvisasi rakyat, penampilan aktor keliling yang dipanggil berbeda di berbagai negara (histrion, badut, gelandangan, shpilman, pantomim, pemain sulap, franc, pelukan, dll.). Terlepas dari penganiayaan brutal terhadap Gereja Kristen, unsur komik tetap mendominasi festival rakyat, karnaval, prosesi, dll.
Kebangkitan komedi profesional sastra dan panggung dimulai pada abad 14-16. dari adegan-adegan konten sehari-hari yang semakin banyak bermunculan di berbagai jenis teater religi (lakon mukjizat, misteri, moralitas). Dalam budaya perkotaan akhir Abad Pertengahan, jenis pertunjukan komedi seperti farce, soti (Prancis), interlude (Inggris), fastnachtspiel (Jerman), commedia dell'arte (Italia), pasos (Spanyol), dll.
Pada awal Renaisans, karya-karya budaya kuno dikembalikan ke konteks kehidupan artistik - monumen sastra, filsafat, dan estetika Yunani dan Romawi kuno yang masih ada diterjemahkan ke dalam bahasa-bahasa Eropa. Perkembangan kreatif tradisi kuno memberikan dorongan yang kuat bagi perkembangan komedi sastra baru. Hal. " komedi sains", berdasarkan adaptasi karya Plautus dan Terence, muncul di Italia, di mana persepsi bahasa Latin secara alami difasilitasi (Ariosto, Machiavelli, dll.), dan pada abad ke-15-16. menyebar ke seluruh Eropa. Komedi Renaisans mencapai puncak tertingginya di Spanyol (Cervantes, Lope de Vega, Calderon, Tirso de Molina) dan, tentu saja, di Inggris (Ben Jonson dan puncak seni drama komedi - W. Shakespeare). Dalam karya para dramawan ini, untuk pertama kalinya muncul kecenderungan konsolidasi dua jalur seni teater komedi yang sebelumnya berdiri sendiri-sendiri: jalur teater improvisasi rakyat dan teater resmi. Hal ini diwujudkan terutama dalam komposisi komedi: setelah meninggalkan prinsip-prinsip puisi kuno, penulis drama Renaisans mengikuti semangat teater rakyat yang bebas dan bebas.
Garis perkembangan khusus dalam sejarah komedi diwakili oleh commedia dell'arte Italia, yang sepenuhnya melanjutkan dan mengembangkan tradisi teater rakyat improvisasi. Commedia dell'arte memiliki pengaruh besar pada hampir seluruh perkembangan seni lebih lanjut - mulai dari komedi sastra (dimulai dengan Moliere) hingga estetika umum Zaman Perak.
Namun, pada abad ke-17, dengan munculnya klasisisme, prinsip kuno “tiga kesatuan” menerima status kanon dramatis. Hal ini terutama berlaku untuk tragedi “genre tinggi”, tetapi para ahli teori klasisisme (terutama N. Boileau) menuntut regulasi komposisi dan komedi. Namun, praktik komedi teatrikal secara langsung melanggar batasan ketat klasisisme. Perkembangan drama klasik di Perancis sangat menarik dan paradoks. Di sini, dua puncak kreatif muncul secara bersamaan, karya seni mereka tidak hanya bertentangan satu sama lain, tetapi bahkan saling meniadakan metode kreatif satu sama lain. Ini adalah J. Racine, yang mewakili ekspresi lengkap dan sempurna dari tragedi klasik yang rasional dan dikanonisasi, dan J. B. Moliere, yang secara konsisten menghancurkan kanon klasik, dan diakui sebagai pendiri komedi realistis Eropa yang baru. Dengan demikian, genre komedi sekali lagi membuktikan kemampuannya untuk “melintasi arus”, fleksibilitasnya dan potensi pembaruan yang tiada habisnya.
Pada abad ke-18 Komedian pencerahan mengembangkan tradisi realistis yang ditetapkan oleh Shakespeare dan Molière. Dalam komedi Pencerahan, motif satir diintensifkan. Namun, komedi kali ini tidak sebatas mengolok-olok keburukan masyarakat modern, tetapi juga memberikan contoh positif - terutama dalam penggambaran tokoh-tokoh golongan ketiga. The Age of Enlightenment menghasilkan banyak komedian menarik: P. Beaumarchais, A. R. Lesage dan P. Marivaux (Prancis), G. E. Lessing (Jerman), G. Fielding dan R. Sheridan (Inggris). Garis commedia dell'arte dikembangkan pada tingkat baru di Italia oleh C. Goldoni dan C. Gozzi.
abad ke-19 terutama membawa perkembangan komedi intrik menghibur Eropa (E. Scribe, E. Labiche, E. Ogier, V. Sardou, dll.) dan komedi satir realistis (G. Buchner, K. Gutskov, E. Zola, G. Hauptmann , B .Nušić, A.Fredro, dll.).
Sangat menarik dan benar-benar inovatif di akhir abad ke-19. menjadi bahasa Inggris" komedi ide" Pendirinya adalah ahli paradoks yang brilian, O. Wilde, dan B. Shaw melanjutkan dan memantapkannya dalam karyanya.
Seni abad ke-20. Ada kecenderungan untuk mencampurkan genre, memperumitnya, dan mengembangkan berbagai formasi antar genre. Komedi juga tidak luput dari tren ini. Beragamnya jenis panggung komedi sangat difasilitasi oleh perkembangan seni penyutradaraan, eksperimen genre pertunjukan. Salah satu jalur tambahan perkembangan komedi perlu mendapat perhatian khusus.
Pada paruh kedua abad ke-19. Komedi oleh A.P. Chekhov muncul di Rusia. Anehnya, penampilan mereka tidak dipersiapkan oleh apa pun. Komedi Rusia awalnya berkembang sejalan dengan tren satir dan pendidikan yang cerah: A. Sumarokov, Y. Knyazhnin, V. Kapnist, I. Krylov, dll. Dengan terbentuknya dan berkembangnya realisme dalam komedi Rusia, perkembangan psikologis karakter semakin dalam, dan topeng gambar yang stabil digantikan oleh karakter yang disesuaikan; Namun, suara satirnya tetap berbeda. A. Griboyedov, N. Gogol, I. Turgenev, L. Tolstoy, A. Ostrovsky, M. Saltykov-Shchedrin, A. Sukhovo-Kobylin dan lainnya menulis dalam tradisi ini. Selain itu, lagu-lagu yang ringan dan hidup sangat populer di Komedi vaudeville teater komedi Rusia (F. Koni, D. Lensky, V. Sollogub, P. Karatygin, awal N. Nekrasov, dll.).
Drama satu babak awal Chekhov ( Beruang,Menawarkan,Pernikahan,Peringatan tahunan dll) ditulis seluruhnya sejalan dengan tradisi vaudeville, diperkaya dengan perkembangan psikologis karakter para tokohnya. Namun, drama multi-babak Chekhov membuat teater Rusia kebingungan, dan bukan tanpa alasan pertunjukan pertamanya burung camar di Teater Alexandrinsky (1896) gagal, meskipun penampilan cemerlang V.F. Diyakini bahwa Chekhov ditemukan untuk panggung oleh K. S. Stanislavsky, yang dipentaskan di Teater Seni Moskow yang masih muda Camar,Paman Vanya,Kebun Ceri. Pertunjukan tersebut meraih kesuksesan luar biasa dan menandai awal dari tradisi panggung dalam menafsirkan drama Chekhov. Namun, pada saat yang sama, K.S. Stanislavsky sepenuhnya memikirkan kembali genre penulisnya, yang terus-menerus didefinisikan oleh Chekhov sebagai "komedi". Produksi drama Chekhov di Teater Seni Moskow sangat halus, sangat kaya secara psikologis, menyentuh, tragis, tetapi sama sekali tidak lucu (omong-omong, keadaan inilah yang membuat Chekhov sendiri kesal). Lebih dari satu dekade berlalu hingga menjadi jelas bahwa dramaturgi inovatif Chekhov yang memukau secara praktis membuka genre komedi baru - tragikomedi, dengan teknik artistik khusus dan sarana ekspresi yang tidak dapat menerima interpretasi panggung melalui penyutradaraan dan akting realistis tradisional. Baru pada pertengahan abad ke-20. Kajian teater dan kajian budaya mengidentifikasi tragikomedi bukan sebagai genre peralihan, tetapi sebagai genre teater utama, yang mengeksplorasi struktur dan arsitekturnya.
Namun sejarah komedi tradisional pada abad ke-20. memiliki banyak daerah yang menarik dan beragam. Sulit untuk membuat daftar semua jenis komedi abad ke-20: menuduh secara sosial, eksentrik, politis, “gelap”, romantis, fantastis, intelektual, dll. dan seterusnya. Dan, sebagaimana layaknya genre ini, komedi selalu merespons dengan jelas tren paling topikal dan terkini dalam kehidupan sosial. Komedi selalu memenuhi “tatanan sosial” dalam arti luas, terlepas dari apakah tatanan tersebut “diluncurkan” dari atas atau berasal dari masyarakat yang paling dalam. Dan itu semua tergantung pada bakat dan pandangan dunia penulis naskah; Hanya bergantung pada ini apakah komedinya akan tetap menjadi topik kecil, atau akan memasuki dana emas klasik, tetap relevan selama bertahun-tahun.
Jadi, di Rusia, pada tahun-tahun pertama pasca-revolusi, ketika ideologi baru yang terkait dengan dominasi publik atas pribadi diperkenalkan secara aktif, tren ini segera tercermin dalam komedi. Dalam drama Penggemar Misteri, dan kemudian - Serangga Dan Mandi V. Mayakovsky dengan sinis mencemooh cita-cita sebelumnya yang diproklamirkan oleh “filistinisme”, dan mengusulkan tipe pahlawan positif baru, yang tenggelam dalam pekerjaan. N. Pogodin menulis komedi Bangsawan, di mana ia berbicara dengan penuh simpati tentang pendidikan ulang kamp bagi para penjahat yang “dekat secara sosial”, dibandingkan dengan tahanan politik. N. Erdman dalam komedi Mandat mengolok-olok kaum filistin dan Nepmen; dan juga menulis naskah untuk film karya G. Alexandrov Anak laki-laki yang lucu, sebuah komedi liris musikal yang di dalamnya pencarian karakter para pahlawan zaman modern terus berlanjut.
Namun, genre komedi utama pada saat itu menjadi komedi liris yang tidak berbahaya, dipenuhi dengan simpati terhadap karakternya, di mana situasi lucu yang paling sederhana hanya berhubungan dengan masalah moral, tetapi bukan masalah sosial. Penulis naskah drama V. Kataev ( Mengkuadratkan sebuah lingkaran), V.Gusev ( Kejayaan,Musim semi di Moskow), V.Shkvarkin ( Gadis biasa,Anak orang lain) dll. Kisah-kisah yang ceria dan bersahaja, sering kali bersifat vaudeville, memenuhi semacam “tatanan sosial” khalayak massal. Inilah komedi resmi yang mendominasi sepanjang tahun 1950an dan awal 1980an. Nama-nama komedian Soviet A. Sofronov, V. Minko, M. Slobodsky, V. Mass dan M. Chervinsky, L. Lench, B. Laskin, Ts. Banyak komedi karya V. Konstantinov dan B. Ratzer, yang selama beberapa dekade merupakan pemimpin tak terbantahkan dalam repertoar teater Soviet, juga telah dilupakan.
Komedi satir langka pada periode Soviet ( Busa S.Mikhalkova, Tablet di bawah lidah A. Makaenka dan lain-lain) hanya membeberkan kekurangan individu.
Namun, meski dalam kondisi sensor, sumber komedi satir sosial tetap muncul. Penulis sering kali “menyamarkannya” dengan satu atau lain cara. Oleh karena itu, E. Schwartz menampilkan dramanya dalam bentuk dongeng, dengan hati-hati menghindari realitas tertentu ( Bayangan,Naga,Sebuah keajaiban biasa dan sebagainya.). Penulis drama lain menyampaikan komedi mereka kepada pemirsa muda (S. Lungin, I. Nusinov - bulu angsa, R. Pogodin – Turun dari atap, dan sebagainya.).
Namun keberhasilan utama dramaturgi komedi periode Soviet dan pasca-Soviet terutama dikaitkan dengan pembentukan dan pengembangan genre tragikomedi. Sangatlah penting bahwa pada pertengahan tahun 1970-an, nada-nada tragikomik terdengar jelas dalam karya penulis naskah drama Soviet paling populer, A. Arbuzov. Dengan tragikomedi nama-nama cemerlang seperti A. Vampilov, M. Roshchin, E. Radzinsky, A. Sokolova, A. Chervinsky, L. Petrushevskaya, Gr. Gorin, A. Shipenko dan banyak lainnya dikaitkan, melanjutkan tradisi drama di babak baru A. Chekhov.
Tatyana Shabalina
genre drama yang aksi dan tokohnya disajikan dalam bentuk komik, lucu, dan dibedakan berdasarkan sifatnya menjadi humor, satir, dan tragikomedi. Dalam arti luas - situasi yang lucu dan tidak nyaman, sebuah cerita, seringkali dengan nada ironis.
Definisi yang luar biasa
Definisi tidak lengkap ↓
KOMEDI
Dari?????? dan ????, lagu ceria aslinya bisa diasumsikan memiliki asal muasal yang mirip dengan tragedi, meski kita belum memiliki informasi pasti dan akurat mengenai tahap awal perkembangan keduanya. Pada hari raya Dionysus, terutama saat panen anggur, para petani anggur dan penduduk desa bersatu untuk menghormati Dionysus. Pertemuan ini bersifat sukarela (bisa dikatakan tidak resmi) dan hanya berhubungan jauh dengan aliran sesat itu sendiri. Mungkin sejak awal pertemuan seperti itu, paduan suara yang terdiri dari 24 orang menonjol; ia bertindak seolah-olah atas nama komunitas perayaan, yang dijiwai oleh aksi anggur, yang karena kebebasan yang layak bagi mereka yang merayakan, berhak atas segala macam lelucon dan ejekan. Lagu-lagu ceria, bebas, penuh jenaka dan ejekan menjadi bagian utama perayaan ini; Selain itu, mereka membiarkan diri mereka bersenang-senang, dan terutama menggoda orang-orang yang lewat. Hadiah untuk menyanyi adalah kantong anggur berisi anggur. Dari adat istiadat perayaan dan lelucon ini, kata mereka, puisi berasal dari Yunani dan sedikit demi sedikit berkembang menjadi jenis puisi dramatis yang khusus. Pendiri K. di Attica disebut Susarion tertentu, yang diduga hidup sekitar ca. 580 SM Namun, mereka mengatakan bahwa K. sudah ada di kalangan Megarian, yang terkenal karena keriangan dan ejekannya yang tak terkendali. Perkembangan kapitalisme di Megara juga bisa saja difasilitasi oleh struktur negara yang sangat bebas yang pernah ada di sana. Tetapi bahkan jika hal ini mencapai tingkat perkembangan tertentu di kalangan kaum Megarian, kemungkinan besar hal itu tidak menyimpang jauh dari sifat lelucon dan lelucon yang diimprovisasi. Namun, informasi tentang Megarian K. sangat langka dan gelap. cm. ay. Wilamowitz di Hermes, jilid 9, P. 319 masih. Doric K. juga dikembangkan di Sisilia, khususnya oleh Epicharmus ( cm. Epiharmus, Epicharmus). Yang terakhir mengambil plot komedinya dari mitologi. Ia dipuji karena kreativitasnya dalam komposisi dan kemampuannya menghasilkan motif ceria dan kontras yang mencolok. Menikahi tentang K. dorian: Grysar, de Doriensium comoedia (1828). Di Athena, K. mulai berkembang dari lelucon Megarian yang disebutkan di atas hanya sejak Perang Persia. Upaya paling awal semacam ini dikaitkan dengan Chionides. Dalam sejarah seni lukis, biasanya dibedakan tiga periode:
1. K. kuno (? ???????? ???????) berkembang sampai perbudakan Athena oleh kekuatan tiga puluh (404 SM). Penyair paling terkemuka pada periode ini, yang kita kenal sampai sekitar empat puluh tahun, adalah Cratinus, Crates, Eupolis, Pherecrates, Phrynichus, dan khususnya Aristophanes. Hanya dari yang terakhir itulah drama lengkap (11) sampai kepada kita, yang darinya kita dapat mengenali esensi dan karakteristik dari jenis K ini. Setiap kelemahan, setiap keburukan moral, setiap absurditas politik dan setiap sifat berbahaya yang mengarah pada bahkan orang-orang yang paling terhormat dan berpengaruh dicemoohkan dalam K. ini. Dia tidak menyayangkan para dewa dan pahlawan itu sendiri, menjadikannya subjek karikatur dan ejekan paling bebas atas kelemahan dan keburukan yang diberikan oleh kepercayaan populer kepada mereka. Komandan yang ambisius tetapi tidak berpengalaman, demagog yang gelisah dan sombong, filsuf lucu dan sofis berbahaya, penyair dan orator - dia menampilkan semuanya dengan nama mereka sendiri, bahkan mereproduksi penampilan masing-masing dengan bantuan topeng, yang dibuat khusus untuk setiap kesempatan. Dia tidak memberikan uang sepeser pun kepada siapa pun yang tampaknya pantas menerima kutukan dari para pencemooh. Dalam hal ini tentu saja gambar tersebut bersifat karikatur. Gambaran dan perbandingan yang kotor, lelucon dan ekspresi yang berminyak bukanlah hal yang aneh dalam dirinya. K. Aristophanes memiliki karakter yang sepenuhnya sosial; hal ini menyangkut semua aspek kehidupan politik dan pribadi dan tanpa ampun membawa mereka ke panggung, sehingga mempermalukan publik. Dengan demikian, budaya kuno berperan sebagai semacam sensor politik dan mengekspresikan opini publik dengan kebebasan tanpa batas. Masing-masing lakon komedi ini merepresentasikan seluruh kehidupan bernegara secara utuh pada suatu momen tersendiri namun penting, seolah-olah mencerminkan keadaan umumnya. Namun, tentu saja, dia tidak tiba-tiba dan hanya perlahan-lahan menyadari seluruh cakupan tugas penting miliknya ini. Untuk perkembangannya, K. harus memiliki modernitas yang penuh dengan gerakan dan kontradiksi, karena K. hidup dalam modernitas dan bertindak berdasarkan itu. Dan kondisi ini muncul di Athena terutama sejak masa oklokrasi, yang menyediakan bahan berlimpah yang tidak ada habisnya bagi para komedian untuk gambar mereka. Dalam beberapa tahun, oklokrasi benar-benar mengguncang fondasi kehidupan masyarakat Attic yang disucikan oleh tradisi. Penyebab kehancuran tidak hanya dipromosikan oleh para demagog, tetapi juga oleh para pendeta fanatik yang tidak beriman dan takhayul asli atau Asia, para ilmuwan dan perwakilan dari pendidikan yang canggih. Tiongkok kuno menjadikan disintegrasi negara dan masyarakat sebagai subjek gambarannya. Oleh karena itu, ia tanpa lelah mengecam politik sesat dan anarki dalam negara, kepicikan negarawan, ketidakadilan keputusan dewan dan pengadilan, kebobrokan karakter bangsa yang diwujudkan dalam kehidupan bermasyarakat dan keluarga, serta perusakan prinsip-prinsip. agama dan pendidikan yang mengikat masyarakat, serta penghancuran perbedaan kelas dan kemudahan orang menerima hak-hak sipil dan orang-orang yang asal usulnya dari Attic kurang lebih diragukan mendapatkan pengaruh. K. mengidealkan manusia dan perbuatannya dalam arti yang berlawanan dengan tragedi, yaitu membesar-besarkan segala sesuatu yang buruk dan rendah. Sementara tragedi mengupayakan kesatuan yang harmonis, K. untuk waktu yang lama mempertahankan jejak asal-usulnya dari lelucon yang meriah, improvisasi, dan rusuh, yang tidak mematuhi hukum apa pun, membiarkan kontradiksi paling tajam dalam komposisinya, tanpa takut akan pelanggaran hukum sama sekali. kesatuan waktu atau tempat atau urutan dalam perkembangan tindakan dan tokoh, namun sebaliknya sengaja menggunakan pelanggaran-pelanggaran tersebut sebagai teknik lelucon khusus. Sama seperti dalam bidang karakteristik, K. kuno jauh dari reproduksi realitas yang sangat akurat dan terus-menerus memberikan karikatur, demikian pula dalam struktur plot dia tidak peduli sama sekali tentang verisimilitude: tindakannya memiliki karakter yang murni fantastis . Kecabulan lelucon dan gambaran yang menarik perhatian pembaca baru dalam karya-karya K. kuno, dijelaskan tidak hanya oleh perbedaan antara konsep kesopanan modern dan konsep-konsep kuno, tetapi juga oleh fakta bahwa K. kuno berkembang dari ritual liburan Dionysus yang riuh dan ceria. Liburan semacam itu merupakan karnaval tersendiri, di mana para selebran memberikan kendali penuh untuk menemukan sisi sensual dari sifat manusia. Perlu dicatat bahwa di kalangan komedian kuno, lelucon dan gurauan cabul seringkali tidak datang dari keinginan kosong untuk membuat penonton tertawa, tetapi memiliki tujuan moral yang serius untuk mencela kejahatan dan kebodohan. Bahasa K. kuno adalah Atticisme murni, baik dalam dialog maupun sebagian besar dalam lagu paduan suara, yang juga menjadi ciri khas K. periode ini, serta tragedi. Paduan suara tersebut terdiri dari 24 orang, yang seringkali dibagi menjadi dua setengah paduan suara. Tarian paduan suara komik disebut?????? ( cm. tali pusat); itu terdiri dari gerakan dan lompatan yang sangat lincah, terkadang bahkan cabul. Keunikan bagian paduan suara liris K. kuno adalah apa yang disebut ?????????. Parabaza adalah sesuatu seperti intermezzo dan, sebenarnya, bertentangan dengan persyaratan seni drama, karena menghancurkan ilusi dan mengganggu aksi agar penyair dapat menjelaskan dirinya kepada penonton. Yakni, setelah kedudukan alur (eksposisi) berakhir dan topik cukup jelas, terjadi jeda dialog. Kemudian paduan suara yang selama ini menghadap panggung, ikut serta dalam aksi yang berlangsung di atasnya, memutar orkestra menghadap penonton dan pada posisi tersebut (????? ??? ?????? ?? ???? ??????) mengungkapkan keinginan dan keluhan penyair, membeberkan kelebihannya, dll, dan pada saat yang sama memuliakan dewa-dewa tanah kelahirannya, mengutuk kekurangan kehidupan publik dan keburukan. kegiatan pejabat pemerintah. Pada periode sinema paling kuno, biasanya ada dua parabase dalam setiap lakon; yang kedua, seperti yang pertama, disisipkan setelah berakhirnya beberapa bagian penting dari aksi dramatis; karena penyimpangan dari tujuan puitis sebenarnya dari drama tersebut menuju kepentingan realitas, mereka berfungsi sebagai semacam program untuk komedian, yang dalam hal ini biasanya berbicara atas nama pemimpin paduan suara. Menikahi: Agthe, Parabase dan Zwischenakte der att. Kom?die (1866). Selain karya ini (1868) R. Arnoldt. Die Chorpartien bei Aristophanes (1873). Pertunjukan berlangsung pada hari libur Lenya dan kota Dionysius dan berbentuk kompetisi, yang mana 3 penyair diperbolehkan pada masa terdepan, kemudian 5. Tentang kostum K. kuno. cm. Ludi scenici, Pertunjukan teater;
3. K. baru (? ??? ???????), akhirnya, bahkan lebih moderat, lebih baik; komposisinya bahkan lebih rumit. Kehidupan politik dan sosial hilang sama sekali dari dunia; K. karakter muncul. Di sini tindakan tersebut tunduk pada kesatuan rencana yang dipikirkan dengan matang, yang dikembangkan secara konsisten dari awal hingga akhir. Transisi dari awal hingga akhir dilakukan sedemikian rupa sehingga perhatian penonton terus-menerus berada dalam ketegangan. Seni itu terdiri dari penggambaran tokoh dengan benar, sesuai dengan kenyataan, melaksanakannya dengan tegas, dan terlebih lagi menjaga kesatuan seluruh tindakan dari rencana penghubung. Penyair utama puisi jenis ini adalah Menander, yang paling terkenal, kemudian Philippides, Posidippus, Filemon, Diphilus dan Apollodorus. Karakter dan tipe yang terutama diturunkan oleh para penyair ini sama dengan yang kita temukan pada peniru mereka - Plautus dan Terence: leno periurus, amator fervidus, servulus callidus, arnica illudens, sodalis opitulator, miles proeliator, parasitus edax, parentes tenaces, meretices procaces . Paduan suara dalam K. seperti itu mungkin lebih jarang muncul daripada di K tengah. Kumpulan kutipan yang sangat bagus dari komedian Attic, ed. Meineke, fragmenta comicorum Graecorum (4 jilid, 1839, seq.), sebagai jilid 5: comicae dictionis indeks compos. H.Iacobi (1857). Edisi pendek dari koleksi yang sama dalam 2 volume (1847). Kumpulan bagian dengan terjemahan Latin oleh Bothe (1855 dan 1868). Pertemuan baru : Th. Kock, Comicorum Atticorum fragmenta (1 volume, 1880). Di kalangan orang Romawi, pertunjukan panggung publik pertama kali muncul, menurut Livy (7, 2), pada tahun 363 SM, karena infeksi yang terjadi pada saat itu, karena di antara cara-cara lain untuk menenangkan murka para dewa, mereka juga menggunakan cara-cara tersebut. permainan pertunjukan panggung (ludi scaenici) dan untuk tujuan ini para aktor dipanggil dari Etruria. Para aktor ini menampilkan semacam tarian mimesis tanpa kata-kata; Bangsa Romawilah yang pertama kali memperkenalkannya. Pada tahun 241 SM. cm. Livii, Libya, 11), seorang Yunani merdeka, menyusun, menurut model Yunani, lakon pertama yang memiliki rencana pasti, dan menampilkannya dengan iringan pemain flute. Ketika lakon seperti itu dipentaskan pada waktu istirahat atau di akhir pertunjukan, para pemuda Romawi menampilkan lelucon dan adegan lucu yang tentu saja telah lama menjadi hiburan baik bagi masyarakat Romawi maupun masyarakat Italia lainnya. Belakangan, lelucon-lelucon ini digantikan oleh atellans sebagai pengalih perhatian. Menikahi Exodium, Exod, dan Fabula, Fabula. Seni artistik Romawi yang paling kuno adalah tiruan dari seni Yunani terbaru. Plautus dan Terence, yang karya-karyanya hanya mengetahui sejarah Romawi, namun mengungkapkan beberapa independensi dalam hubungannya dengan model Yunani mereka, namun tetap menyimpang tidak jauh darinya. Naevius mencoba memperkenalkan metode K. Yunani kuno, dengan berani menyerang orang yang paling berkuasa di antara orang Romawi, orang-orang sezamannya, tetapi dia membayar upaya ini dengan penjara, dan tidak menemukan peniru. Kebudayaan Romawi senantiasa mengambil subjeknya dari bidang hubungan pribadi antara manusia dan kehidupan keluarga; itu tidak pernah memiliki karakter sosial atau politik. Ia ditempatkan terlalu rendah dalam kehidupan negara dan publik dan tidak pernah menjadi lembaga negara, seperti di Athena. Ia berusaha menjaga minat penonton dengan penataan plot yang terampil; Yang terakhir biasanya berupa pernikahan, atau metode pengakuan (????????????), yang misalnya terdiri dari fakta bahwa orang-orang yang menganggap diri mereka asing satu sama lain ternyata adalah kerabat terdekat, seorang gadis yang dianggap budak ternyata adalah warga negara bebas, dll. K. ini memiliki persediaan karakter khas yang relatif kecil, mengulanginya dengan sedikit perubahan dalam drama yang berbeda, mengulangi metode karakterisasi. Buku Romawi terdiri dari komponen-komponen berikut: prolog (prologus), sesuatu seperti kata pengantar, yang biasanya melaporkan isi lakon dan merekomendasikannya kepada publik, dialog (diverbium, yaitu duiverbium) dan sebagainya. -disebut canticum, yang sebelumnya, mungkin, hanya berarti monolog. Penelitian Ritschl dan Bergk, berdasarkan fakta bahwa dalam naskah komedian, juru tulis pada adegan tertentu membubuhkan tanda DV dan C sebagai singkatan, bukan diverbium dan canticum, menunjukkan bahwa jumlah cantics jauh lebih banyak dari yang diperkirakan sebelumnya, karena di antara Ternyata, selain monodi (atau solo), ada juga lagu-lagu yang bergantian (yaitu dibawakan secara bergantian oleh dua orang), bahkan sering kali bagian-bagian yang dibawakan melalui nyanyian dan iringan musik lebih diutamakan daripada dialog. Hal ini menunjukkan penyimpangan signifikan mereka dari komedi Yunani. Paduan suara Romawi tidak memiliki paduan suara. K., yang mengikuti model Yunani dan mewakili kehidupan Yunani dan moral Yunani, disebut fabulae palliata; K., yang menggambarkan kehidupan Romawi dan moral Romawi dan karakter yang muncul dalam pakaian Romawi, disebut fabula togatae. Penulis paling hebat K. dari jenis pertama (f. pall.) adalah: Naevius, Plautus, Ennius. Atilius, Statius Caecilius dan Terence; K. jenis kedua (f. tog.): Titinius, Quintius Atta dan khususnya L. Afranius. Tentang kostum para aktor cm. Ludi scenici, Pertunjukan teater, 9 masih. Kumpulan kutipan terbaik dari Roman Q. ed. O. Ribbeck (Comicorum romanorum fragmenta, 2 jilid buku Scaenicae romanorum poesis fragmenta, edisi ke-2 terbitan 1873).
Definisi yang luar biasa
Definisi tidak lengkap ↓
