Sebuah karya sastra sebagai fenomena seni. Sastra adalah seni kata-kata

Literatur!

Literatur ( lat. lit(t)eratura, secara harfiah - tertulis, dari lit(t)era - surat) - dalam arti luas, ini adalah kumpulan teks tertulis apa pun.

Perwujudan materiil karya sastra adalah sekumpulan berbagai gambaran dan konsep yang terekam oleh pengarang dalam kata-kata dan ungkapan. Sastra merupakan salah satu mata pelajaran seni yang di dalamnya kata merupakan sarana utama refleksi figuratif kehidupan dan fantasi. Dengan bantuan gambar, fiksi menciptakan kembali seluruh era.

“Partisipasi” seperti itu diperlukan untuk pemahaman yang lengkap dan lebih dalam tentang apa yang tertulis: misalnya, pembaca khawatir tentang Tatyana dalam “Eugene Onegin”, mencoba memahami alasan tindakan Katerina dalam “The Thunderstorm” dan dunia spiritual yang kompleks dari Natasha Rostova dalam "War and Peace", tragedi Grigory Melekhov dalam "Quiet Don".

Persepsi dan pengalaman kita terhadap nasib para pahlawanlah yang menunjukkan bahwa sastra adalah seni, seni kata-kata.

Karya sastra adalah karya seni dalam arti sempit*, yaitu salah satu wujud kesadaran sosial. Seperti semua seni pada umumnya, sebuah karya seni adalah ekspresi dari kandungan emosional dan mental tertentu, kompleks ideologis dan emosional tertentu dalam bentuk figuratif dan signifikan secara estetis. Menggunakan terminologi M.M. Bakhtin, dapat dikatakan bahwa karya seni adalah “kata tentang dunia” yang diucapkan oleh seorang penulis, penyair, suatu tindakan reaksi seseorang yang berbakat seni terhadap realitas di sekitarnya.
___________________
* Untuk berbagai arti kata “seni”, lihat: Pospelov G.N. Estetika dan artistik. M, 1965. hlm.159–166.

Menurut teori refleksi, pemikiran manusia merupakan cerminan realitas, dunia objektif. Hal ini, tentu saja, sepenuhnya berlaku untuk pemikiran artistik. Sebuah karya sastra, seperti semua seni, adalah kasus khusus dari refleksi subjektif dari realitas objektif. Akan tetapi, refleksi, terutama pada tahap perkembangan tertinggi, yaitu pemikiran manusia, sama sekali tidak dapat dipahami sebagai refleksi cermin yang mekanis, sebagai salinan realitas satu-ke-satu. Sifat refleksi yang kompleks dan tidak langsung mungkin paling jelas terlihat dalam pemikiran artistik, di mana momen subjektif, kepribadian unik pencipta, visi orisinalnya tentang dunia, dan cara berpikirnya sangat penting. Oleh karena itu, sebuah karya seni adalah refleksi pribadi yang aktif; yang tidak hanya terjadi reproduksi realitas kehidupan, tetapi juga transformasi kreatifnya. Selain itu, penulis tidak pernah mereproduksi realitas demi reproduksi itu sendiri: pilihan subjek refleksi, dorongan untuk mereproduksi realitas secara kreatif lahir dari pandangan dunia yang pribadi, bias, dan penuh perhatian penulis.

Dengan demikian, sebuah karya seni merupakan kesatuan yang tak terpisahkan antara objektif dan subjektif, reproduksi realitas nyata dan pemahaman pengarang terhadapnya, kehidupan itu sendiri, termasuk dalam karya seni dan dapat dikenali di dalamnya, serta sikap pengarang terhadap kehidupan. Kedua sisi seni ini pernah dikemukakan oleh N.G. Chernyshevsky. Dalam risalahnya “Hubungan Estetika Seni dengan Realitas,” ia menulis: “Makna esensial seni adalah reproduksi segala sesuatu yang menarik bagi seseorang dalam kehidupan; sering kali, terutama dalam karya puisi, penjelasan tentang kehidupan, penilaian atas fenomena-fenomenanya, juga mengemuka.”* Benar, Chernyshevsky, yang secara polemik mempertajam tesis tentang keunggulan kehidupan atas seni dalam perjuangan melawan estetika idealis, secara keliru menganggap hanya tugas pertama - "reproduksi realitas" - sebagai tugas utama dan wajib, dan dua lainnya - sekunder dan opsional. Tentu saja akan lebih tepat untuk tidak berbicara tentang hierarki tugas-tugas ini, tetapi tentang kesetaraannya, atau lebih tepatnya, tentang hubungan yang tak terpisahkan antara objektif dan subjektif dalam sebuah karya: bagaimanapun juga, seorang seniman sejati tidak bisa menggambarkannya. kenyataan tanpa memahami dan mengevaluasinya dengan cara apa pun. Namun perlu ditegaskan bahwa kehadiran momen subjektif dalam sebuah karya diakui dengan jelas oleh Chernyshevsky, dan ini merupakan sebuah langkah maju dibandingkan, katakanlah, dengan estetika Hegel, yang sangat cenderung mendekati sebuah karya seni. cara yang murni obyektivis, meremehkan atau mengabaikan sama sekali aktivitas pencipta.
___________________
* Chernyshevsky N.G. Penuh koleksi cit.: Dalam 15 jilid.M., 1949.T.II. Bab 87.

Secara metodologis juga perlu diwujudkan kesatuan gambaran objektif dan ekspresi subjektif dalam sebuah karya seni, demi tugas praktis kerja analitis dengan karya tersebut. Secara tradisional, dalam pembelajaran kita dan khususnya pengajaran sastra, lebih banyak perhatian diberikan pada sisi objektif, yang tentunya memiskinkan gagasan sebuah karya seni. Selain itu, di sini mungkin terjadi semacam substitusi subjek penelitian: alih-alih mempelajari sebuah karya seni dengan pola estetika yang melekat di dalamnya, kita mulai mempelajari realitas yang tercermin dalam karya tersebut, yang tentu saja juga menarik dan penting. , tetapi tidak mempunyai hubungan langsung dengan kajian sastra sebagai suatu bentuk seni. Pendekatan metodologis yang bertujuan mempelajari sisi objektif utama sebuah karya seni, disadari atau tidak, mereduksi pentingnya seni sebagai bentuk independen dari aktivitas spiritual masyarakat, yang pada akhirnya mengarah pada gagasan tentang sifat ilustratif seni dan sastra. Dalam hal ini, sebuah karya seni sebagian besar tidak memiliki kandungan emosional yang hidup, gairah, kesedihan, yang tentu saja terutama terkait dengan subjektivitas pengarangnya.

Dalam sejarah kritik sastra, kecenderungan metodologis ini paling jelas diwujudkan dalam teori dan praktik yang disebut aliran budaya-sejarah, khususnya dalam kritik sastra Eropa. Perwakilannya mencari tanda dan ciri realitas yang tercermin dalam karya sastra; “mereka melihat monumen budaya dan sejarah dalam karya sastra,” tetapi “kekhasan artistik, seluruh kompleksitas karya sastra tidak menarik minat para peneliti”*. Beberapa perwakilan dari sekolah budaya-sejarah Rusia melihat bahaya dari pendekatan sastra seperti itu. Oleh karena itu, V. Sipovsky langsung menulis: “Anda tidak dapat melihat sastra hanya sebagai cerminan realitas”**.
___________________
* Nikolaev P.A., Kurilov A.S., Grishunin A.L. Sejarah kritik sastra Rusia. M., 1980.Hal.128.
** Sipovsky V.V. Sejarah sastra sebagai ilmu. Sankt Peterburg; M. . hal.17.

Tentu saja, perbincangan tentang sastra bisa saja berubah menjadi perbincangan tentang kehidupan itu sendiri - tidak ada yang tidak wajar atau pada dasarnya tidak dapat dipertahankan dalam hal ini, karena sastra dan kehidupan tidak dipisahkan oleh tembok. Namun demikian, penting untuk memiliki pendekatan metodologis yang tidak membiarkan kita melupakan kekhususan estetika sastra dan mereduksi sastra dan maknanya menjadi makna ilustrasi.

Jika dari segi isi suatu karya seni melambangkan kesatuan refleksi kehidupan dan sikap pengarangnya terhadapnya, yaitu mengungkapkan suatu “kata tentang dunia”, maka bentuk karya itu bersifat kiasan, estetis. Berbeda dengan jenis kesadaran sosial lainnya, seni dan sastra diketahui mencerminkan kehidupan dalam bentuk gambaran, yaitu menggunakan objek, fenomena, peristiwa yang spesifik dan individual, yang dalam individualitas spesifiknya membawa generalisasi. Berbeda dengan konsepnya, gambar memiliki “visibilitas” yang lebih besar; ia tidak dicirikan oleh logika, tetapi oleh persuasif sensorik dan emosional yang konkret. Citraan merupakan landasan seni, baik dalam arti memiliki seni maupun dalam arti keterampilan yang tinggi: karena sifat kiasannya, karya seni mempunyai martabat estetis, nilai estetis.
Jadi, kita dapat memberikan definisi kerja berikut tentang sebuah karya seni: itu adalah konten emosional dan mental tertentu, “sebuah kata tentang dunia,” yang diungkapkan dalam bentuk estetis dan kiasan; suatu karya seni mempunyai keutuhan, kelengkapan dan kemandirian.

Fungsi sebuah karya seni

Karya seni yang diciptakan pengarang selanjutnya dapat dirasakan oleh pembaca, yaitu mulai menjalani kehidupannya yang relatif mandiri, sambil menjalankan fungsi-fungsi tertentu. Mari kita lihat yang paling penting.
Berfungsi, seperti yang dikatakan Chernyshevsky, sebagai “buku teks kehidupan”, dengan satu atau lain cara menjelaskan kehidupan, sebuah karya sastra menjalankan fungsi kognitif atau epistemologis.

Mungkin timbul pertanyaan: mengapa fungsi ini diperlukan untuk sastra dan seni, jika ada ilmu yang tugas langsungnya adalah memahami realitas di sekitarnya? Namun faktanya seni memahami kehidupan dari sudut pandang khusus, yang hanya dapat diakses olehnya dan oleh karena itu tidak tergantikan oleh pengetahuan lain. Jika sains memecah-mecah dunia, mengabstraksikan aspek-aspeknya masing-masing dan masing-masing mempelajari subjeknya sendiri, maka seni dan sastra mengenali dunia dalam integritasnya, ketidakterpecahannya, dan sinkretismenya. Oleh karena itu, objek ilmu pengetahuan dalam sastra mungkin sebagian bertepatan dengan objek ilmu-ilmu tertentu, khususnya “ilmu-ilmu kemanusiaan”: sejarah, filsafat, psikologi, dan lain-lain, tetapi tidak pernah menyatu dengannya. Khusus untuk seni dan sastra, tetap ada pertimbangan semua aspek kehidupan manusia dalam satu kesatuan yang tidak terbagi, “konjugasi” (L.N. Tolstoy) dari fenomena kehidupan yang paling beragam menjadi satu gambaran holistik dunia. Sastra mengungkap kehidupan dalam aliran alaminya; Pada saat yang sama, sastra sangat tertarik pada kehidupan konkret sehari-hari dari keberadaan manusia, di mana pengalaman psikologis besar dan kecil, alami dan acak, dan... kancing yang robek bercampur aduk. Ilmu pengetahuan, tentu saja, tidak dapat menetapkan tujuan untuk memahami keberadaan kehidupan yang konkrit ini dengan segala keragamannya; ia harus mengabstraksi dari detail dan “hal-hal kecil” yang acak untuk melihat yang umum. Namun dalam aspek sinkretisme, integritas, dan konkrit, kehidupan juga perlu dipahami, dan seni dan sastralah yang mengemban tugas tersebut.

Perspektif khusus tentang kognisi realitas juga menentukan cara kognisi tertentu: tidak seperti sains, seni dan sastra, kehidupan biasanya dikenali bukan dengan memikirkannya, tetapi dengan mereproduksinya - jika tidak, mustahil untuk memahami realitas dalam sinkretismenya dan kekonkretan.
Mari kita perhatikan, bahwa bagi orang "biasa", bagi kesadaran biasa (bukan filosofis atau ilmiah), kehidupan tampak persis seperti yang direproduksi dalam seni - dalam ketidakterpisahannya, individualitas, keanekaragaman alam. Oleh karena itu, kesadaran sehari-hari paling membutuhkan penafsiran hidup seperti yang ditawarkan oleh seni dan sastra. Chernyshevsky dengan cerdik mencatat bahwa “isi seni menjadi segala sesuatu yang menarik minat seseorang dalam kehidupan nyata (bukan sebagai ilmuwan, tetapi hanya sebagai pribadi)”*.
___________________
* Chernyshevsky N.G. Penuh koleksi Op.: Dalam 15 jilid.T.II. Hal.17.2

Fungsi terpenting kedua dari sebuah karya seni adalah evaluatif, atau aksiologis. Pertama-tama, hal ini terdiri dari kenyataan bahwa, seperti yang dikatakan Chernyshevsky, karya seni “dapat memiliki makna sebagai putusan atas fenomena kehidupan”. Ketika menggambarkan fenomena kehidupan tertentu, pengarang tentu saja mengevaluasinya dengan cara tertentu. Keseluruhan karya ternyata dijiwai dengan perasaan pengarang yang bias tertarik; seluruh sistem afirmasi dan negasi artistik serta evaluasi berkembang dalam karya tersebut. Namun maksudnya bukan sekedar “kalimat” langsung terhadap fenomena kehidupan tertentu yang tercermin dalam karya tersebut. Faktanya adalah bahwa setiap karya membawa dalam dirinya sendiri dan berusaha untuk membangun dalam kesadaran penerimanya suatu sistem nilai tertentu, suatu jenis orientasi nilai emosional tertentu. Dalam pengertian ini, karya-karya yang tidak ada “kalimat” tentang fenomena kehidupan tertentu juga mempunyai fungsi evaluatif. Ini misalnya, banyak karya liris.

Berdasarkan fungsi kognitif dan evaluatifnya, karya tersebut ternyata mampu menjalankan fungsi terpenting ketiga – pendidikan. Signifikansi pendidikan dari karya seni dan sastra telah diakui pada zaman dahulu, dan memang sangat besar. Penting untuk tidak mempersempit makna ini, tidak memahaminya secara sederhana, sebagai pemenuhan tugas didaktik tertentu. Paling sering, dalam fungsi pendidikan seni, penekanannya adalah pada fakta bahwa seni mengajarkan untuk meniru karakter positif atau mendorong seseorang untuk mengambil tindakan tertentu. Semua ini benar, tetapi nilai pendidikan sastra sama sekali tidak terbatas pada hal ini. Sastra dan seni menjalankan fungsi ini terutama dengan membentuk kepribadian seseorang, mempengaruhi sistem nilainya, dan secara bertahap mengajarinya berpikir dan merasakan. Komunikasi dengan sebuah karya seni dalam pengertian ini sangat mirip dengan komunikasi dengan orang yang baik dan pintar: sepertinya dia tidak mengajari Anda sesuatu yang spesifik, tidak mengajari Anda nasihat atau aturan hidup apa pun, namun Anda merasa lebih baik, lebih pintar , lebih kaya secara spiritual.

Tempat khusus dalam sistem fungsi sebuah karya adalah milik fungsi estetika, yang terdiri dari kenyataan bahwa karya tersebut memiliki dampak emosional yang kuat pada pembacanya, memberinya kesenangan intelektual dan terkadang sensorik, dengan kata lain, dirasakan secara pribadi. Peran khusus dari fungsi khusus ini ditentukan oleh fakta bahwa tanpanya tidak mungkin melaksanakan semua fungsi lainnya - kognitif, evaluatif, pendidikan. Padahal, jika pekerjaan itu tidak menyentuh jiwa seseorang, sederhananya, tidak menyukainya, tidak membangkitkan reaksi emosional dan pribadi yang tertarik, tidak mendatangkan kesenangan, maka semua pekerjaan itu sia-sia. Meskipun masih mungkin untuk memandang secara dingin dan acuh tak acuh isi suatu kebenaran ilmiah atau bahkan suatu doktrin moral, maka isi sebuah karya seni harus dialami agar dapat dipahami. Dan ini menjadi mungkin terutama karena dampak estetisnya terhadap pembaca, penonton, pendengar.

Oleh karena itu, kesalahan metodologis yang mutlak, yang terutama berbahaya dalam pengajaran di sekolah, adalah opini yang tersebar luas, dan terkadang bahkan keyakinan bawah sadar, bahwa fungsi estetika karya sastra tidak sepenting yang lainnya. Dari apa yang telah dikatakan, jelas bahwa situasinya justru sebaliknya - fungsi estetika sebuah karya mungkin adalah yang paling penting, jika kita dapat berbicara tentang kepentingan komparatif dari semua tugas sastra yang benar-benar ada dalam sebuah karya. kesatuan yang tidak dapat dipisahkan. Oleh karena itu, tentu disarankan, sebelum mulai membongkar sebuah karya “menurut gambar” atau menafsirkan maknanya, dengan satu atau lain cara memberikan siswa (terkadang bacaan yang baik saja sudah cukup) untuk merasakan keindahan karya tersebut, untuk membantu. dia mengalami kesenangan dan emosi positif darinya. Dan bantuan itu di sini, sebagai suatu peraturan, diperlukan, bahwa persepsi estetika juga perlu diajarkan - tidak ada keraguan tentang hal itu.

Makna metodologis dari apa yang telah dikatakan adalah, pertama-tama, bahwa seseorang tidak boleh mengakhiri studi suatu karya dengan aspek estetika, seperti yang dilakukan dalam sebagian besar kasus (bahkan jika seseorang melakukan analisis estetika), tetapi mulailah dengan itu. Lagi pula, ada bahaya nyata bahwa tanpa ini, kebenaran artistik dari karya tersebut, pelajaran moralnya, dan sistem nilai yang terkandung di dalamnya hanya akan dirasakan secara formal.

Terakhir, perlu disebutkan satu lagi fungsi sebuah karya sastra - fungsi ekspresi diri. Fungsi ini biasanya tidak dianggap paling penting, karena diasumsikan hanya ada untuk satu orang - penulisnya sendiri. Namun kenyataannya tidak demikian, dan fungsi ekspresi diri ternyata jauh lebih luas, dan signifikansinya bagi budaya jauh lebih penting daripada yang terlihat pada pandangan pertama. Faktanya, tidak hanya kepribadian pengarangnya, tetapi juga kepribadian pembacanya dapat diungkapkan dalam sebuah karya. Ketika kita melihat sebuah karya yang sangat kita sukai, terutama selaras dengan dunia batin kita, kita sebagian mengidentifikasi diri kita dengan penulisnya, dan ketika mengutip (seluruhnya atau sebagian, dengan suara keras atau kepada diri kita sendiri), kita berbicara “atas nama kita sendiri. ” Fenomena yang terkenal ketika seseorang mengungkapkan keadaan psikologis atau posisi hidupnya dengan kalimat favoritnya dengan jelas menggambarkan apa yang telah dikatakan. Semua orang tahu dari pengalaman pribadi perasaan bahwa penulis, dengan satu atau lain kata atau melalui karya secara keseluruhan, mengungkapkan pikiran dan perasaan terdalam kita, yang tidak dapat kita ungkapkan sendiri dengan begitu sempurna. Oleh karena itu, ekspresi diri melalui sebuah karya seni ternyata tidak hanya dimiliki oleh segelintir penulis, tetapi juga jutaan pembaca.

Namun makna fungsi ekspresi diri ternyata menjadi lebih penting lagi jika kita mengingat bahwa dalam karya individu tidak hanya dunia batin individu, tetapi juga jiwa masyarakat, psikologi kelompok sosial, dan lain-lain. diwujudkan. Dalam Internationale kaum proletar di seluruh dunia menemukan ekspresi artistik; dalam lagu “Bangunlah, negara besar…” yang dibunyikan di hari-hari pertama perang, seluruh rakyat kita mengekspresikan diri.
Oleh karena itu, fungsi ekspresi diri tidak diragukan lagi harus digolongkan di antara fungsi terpenting sebuah karya seni. Tanpanya, sulit, dan terkadang tidak mungkin, untuk memahami kehidupan nyata sebuah karya dalam pikiran dan jiwa pembaca, untuk mengapresiasi pentingnya dan sangat diperlukannya sastra dan seni dalam sistem budaya.

Realitas artistik. Konvensi artistik

Kekhasan refleksi dan pencitraan dalam seni rupa dan khususnya sastra sedemikian rupa sehingga dalam sebuah karya seni kita seolah-olah disuguhkan dengan kehidupan itu sendiri, dunia, suatu realitas tertentu. Bukan suatu kebetulan jika salah satu penulis Rusia menyebut sebuah karya sastra sebagai “alam semesta yang kental”. Ilusi realitas semacam ini merupakan ciri khas karya seni, yang tidak melekat pada bentuk kesadaran sosial lainnya. Untuk menunjukkan sifat ini dalam sains, istilah “dunia seni” dan “realitas artistik” digunakan. Tampaknya penting secara mendasar untuk mengetahui hubungan antara realitas kehidupan (primer) dan realitas artistik (sekunder).

Pertama-tama, kami mencatat bahwa dibandingkan dengan realitas primer, realitas artistik adalah semacam konvensi. Ia diciptakan (sebagai lawan dari kenyataan hidup yang ajaib), dan diciptakan untuk sesuatu, demi suatu tujuan tertentu, yang secara jelas ditunjukkan dengan adanya fungsi-fungsi sebuah karya seni yang dibahas di atas. Hal ini juga berbeda dengan kenyataan hidup yang tidak mempunyai tujuan di luar dirinya, yang keberadaannya bersifat mutlak, tidak bersyarat, dan tidak memerlukan pembenaran atau pembenaran apa pun.

Dibandingkan dengan kehidupan itu sendiri, sebuah karya seni tampak seperti sebuah konvensi juga karena dunianya adalah dunia fiksi. Bahkan dengan ketergantungan yang paling ketat pada materi faktual, peran kreatif fiksi yang sangat besar, yang merupakan ciri penting kreativitas artistik, tetap ada. Sekalipun kita membayangkan suatu pilihan yang praktis mustahil, ketika sebuah karya seni dibangun semata-mata atas gambaran yang dapat diandalkan dan benar-benar terjadi, maka di sini pun fiksi, yang secara luas dipahami sebagai pengolahan realitas yang kreatif, tidak akan kehilangan perannya. Hal itu akan tercermin dan diwujudkan dalam pemilihan fenomena-fenomena yang digambarkan dalam karya, dalam terjalinnya hubungan-hubungan alami di antara mereka, dalam memberikan kemanfaatan artistik pada materi kehidupan.

Realitas kehidupan diberikan kepada setiap orang secara langsung dan tidak memerlukan kondisi khusus untuk persepsinya. Realitas artistik dilihat melalui prisma pengalaman spiritual manusia dan didasarkan pada beberapa konvensionalitas. Sejak masa kanak-kanak, kita secara tidak kentara dan bertahap belajar mengenali perbedaan antara sastra dan kehidupan, menerima “aturan main” yang ada dalam sastra, dan menjadi terbiasa dengan sistem konvensi yang melekat di dalamnya. Hal ini dapat diilustrasikan dengan contoh yang sangat sederhana: ketika mendengarkan dongeng, seorang anak dengan cepat setuju bahwa binatang dan bahkan benda mati berbicara di dalamnya, meskipun pada kenyataannya dia tidak mengamati hal seperti itu. Sistem konvensi yang bahkan lebih kompleks harus diadopsi untuk persepsi sastra “hebat”. Semua ini secara mendasar membedakan realitas artistik dari kehidupan; Secara umum perbedaannya bermuara pada kenyataan bahwa realitas primer adalah ranah alam, dan realitas sekunder adalah ranah kebudayaan.

Mengapa perlu memikirkan secara rinci konvensionalitas realitas artistik dan non-identitas realitasnya dengan kehidupan? Faktanya adalah, sebagaimana telah disebutkan, non-identitas ini tidak menghalangi terciptanya ilusi realitas dalam karya, yang mengarah pada salah satu kesalahan paling umum dalam karya analitis - yang disebut “pembacaan naif-realistis” . Kesalahan ini terletak pada identifikasi kehidupan dan realitas artistik. Manifestasinya yang paling umum adalah persepsi karakter karya epik dan dramatis, pahlawan liris dalam lirik sebagai individu kehidupan nyata - dengan segala konsekuensinya. Karakter diberkahi dengan keberadaan yang mandiri, mereka diharuskan untuk mengambil tanggung jawab pribadi atas tindakan mereka, keadaan hidup mereka menjadi spekulasi, dll. Suatu ketika, sejumlah sekolah di Moskow menulis esai dengan topik “Kamu salah, Sophia!” berdasarkan komedi Griboedov "Woe from Wit". Pendekatan “atas nama” terhadap para pahlawan karya sastra tidak memperhitungkan hal yang paling esensial dan mendasar: tepatnya fakta bahwa Sophia yang sama ini tidak pernah benar-benar ada, bahwa seluruh karakternya dari awal hingga akhir diciptakan oleh Griboyedov dan para pahlawan. seluruh sistem tindakannya (yang dia dapat memikul tanggung jawab) tanggung jawab kepada Chatsky sebagai orang yang sama-sama fiktif, yaitu, dalam dunia seni komedi, tetapi tidak kepada kita, orang-orang nyata) juga diciptakan oleh penulis untuk tujuan tertentu , untuk mencapai beberapa efek artistik.

Namun, topik esai ini bukanlah contoh paling aneh dari pendekatan naif-realistis terhadap sastra. Kerugian dari metodologi ini juga termasuk “ujian” yang sangat populer terhadap karakter sastra di tahun 20-an - Don Quixote diadili karena berkelahi dengan kincir angin, dan bukan melawan penindas rakyat, Hamlet diadili karena pasif dan kurang kemauan... Para peserta “pengadilan” seperti itu sekarang mengingat mereka dengan senyuman.

Mari kita segera perhatikan konsekuensi negatif dari pendekatan naif-realistis untuk menghargai tidak berbahayanya pendekatan tersebut. Pertama, hal ini menyebabkan hilangnya kekhususan estetika - tidak mungkin lagi mempelajari sebuah karya sebagai sebuah karya seni itu sendiri, yang pada akhirnya mengekstrak informasi artistik tertentu darinya dan menerima kenikmatan estetika yang unik dan tak tergantikan darinya. Kedua, seperti yang mudah dimengerti, pendekatan seperti itu menghancurkan integritas sebuah karya seni dan, dengan menghilangkan detail-detail individual darinya, sangat memiskinkannya. Jika L.N. Tolstoy mengatakan bahwa “setiap pemikiran, yang diungkapkan secara terpisah dengan kata-kata, kehilangan maknanya, sangat berkurang ketika seseorang diambil dari kopling di mana ia berada”*, lalu seberapa “menurun” makna dari karakter individu, tercabut darinya. “kelompok”! Selain itu, dengan fokus pada tokoh, yaitu pada subjek objektif gambar, pendekatan naif-realistis melupakan pengarang, sistem penilaian dan hubungannya, posisinya, yaitu mengabaikan sisi subjektif dari karya tersebut. seni. Bahaya dari sikap metodologis seperti itu telah dibahas di atas.
___________________
* Tolstoy L.N. Surat dari N.N. Strakhov tanggal 23 April 1876 // Poli. koleksi cit.: Dalam 90 volume.M„ 1953. T. 62. P. 268.

Dan terakhir, yang terakhir, dan mungkin yang paling penting, karena berkaitan langsung dengan aspek moral dalam kajian dan pengajaran sastra. Mendekati pahlawan sebagai pribadi yang nyata, sebagai tetangga atau kenalan, mau tidak mau menyederhanakan dan memiskinkan karakter artistik itu sendiri. Orang-orang yang digambarkan dan disadari oleh penulis dalam karya selalu, karena kebutuhan, lebih penting daripada orang-orang di kehidupan nyata, karena mereka mewujudkan tipikal, mewakili beberapa generalisasi, kadang-kadang berskala muluk-muluk. Dengan menerapkan skala kehidupan kita sehari-hari pada kreasi artistik ini, menilainya berdasarkan standar saat ini, kita tidak hanya melanggar prinsip historisisme, tetapi juga kehilangan kesempatan untuk tumbuh ke level pahlawan, karena kita melakukan operasi sebaliknya - kami menurunkannya ke level kami. Sangat mudah untuk menyangkal teori Raskolnikov secara logis; bahkan lebih mudah untuk mencap Pechorin sebagai seorang egois, meskipun dia adalah seorang yang “menderita”; dari para pahlawan ini. Sikap mudah terhadap tokoh sastra, yang terkadang berubah menjadi keakraban, sama sekali bukanlah sikap yang memungkinkan seseorang menguasai sedalam-dalamnya sebuah karya seni dan memperoleh segala sesuatu yang dapat diberikannya. Belum lagi fakta bahwa kemungkinan menghakimi orang yang tidak bisa bersuara yang tidak bisa menolak tidak memiliki pengaruh terbaik pada pembentukan kualitas moral.

Mari kita pertimbangkan kelemahan lain dalam pendekatan naif-realistis terhadap sebuah karya sastra. Pada suatu waktu, dalam pengajaran di sekolah, sangat populer untuk mengadakan diskusi dengan topik: "Apakah Onegin dan Desembris akan pergi ke Lapangan Senat?" Hal ini dipandang sebagai hampir penerapan prinsip pembelajaran berbasis masalah, sama sekali melupakan fakta sehingga mengabaikan sama sekali prinsip yang lebih penting yaitu prinsip karakter ilmiah. Dimungkinkan untuk menilai kemungkinan tindakan di masa depan hanya dalam kaitannya dengan orang sungguhan, tetapi hukum dunia seni membuat pengajuan pertanyaan seperti itu menjadi tidak masuk akal dan tidak berarti. Anda tidak dapat bertanya tentang Lapangan Senat jika dalam realitas artistik “Eugene Onegin” tidak ada Lapangan Senat itu sendiri, jika waktu artistik dalam realitas ini berhenti sebelum mencapai Desember 1825* dan nasib Onegin sendiri tidak lagi memiliki kelanjutan, bahkan hipotetis, seperti nasib Lensky. Pushkin menyela aksinya, meninggalkan Onegin "pada saat yang jahat baginya", tetapi dengan demikian mengakhiri, menyelesaikan novel sebagai realitas artistik, sepenuhnya menghilangkan kemungkinan spekulasi apa pun tentang "nasib selanjutnya" sang pahlawan. Menanyakan “apa yang akan terjadi selanjutnya?” dalam situasi ini, tidak ada gunanya menanyakan apa yang ada di luar batas dunia.
___________________
* Lotman Yu.M. novel karya A.S. Pushkin "Eugene Onegin". Komentar: Sebuah manual untuk guru. L., 1980.Hal.23.

Apa maksud dari contoh ini? Pertama-tama, bahwa pendekatan naif-realistis terhadap sebuah karya tentu saja mengarah pada pengabaian kehendak penulis, kesewenang-wenangan dan subjektivisme dalam penafsiran karya tersebut. Betapa tidak diinginkannya dampak seperti itu bagi kritik sastra ilmiah hampir tidak perlu dijelaskan.
Biaya dan bahaya metodologi naif-realistis dalam analisis sebuah karya seni dianalisis secara rinci oleh G.A. Gukovsky dalam bukunya “Mempelajari karya sastra di sekolah.” Menganjurkan perlunya mengetahui dalam sebuah karya seni tidak hanya objeknya, tetapi juga citranya, tidak hanya karakternya, tetapi juga sikap pengarangnya terhadapnya, yang sarat dengan makna ideologis, G.A. Gukovsky dengan tepat menyimpulkan: “Dalam sebuah karya seni, “objek” gambar tidak ada di luar gambar itu sendiri, dan tanpa interpretasi ideologis, objek tersebut tidak ada sama sekali. Artinya dengan “mempelajari” objek itu sendiri, kita tidak hanya mempersempit suatu karya, tidak hanya menjadikannya tidak berarti, tetapi pada hakikatnya menghancurkannya, sebagai suatu karya yang diberikan. Dengan mengalihkan objek dari iluminasinya, dari makna iluminasi ini, kita mendistorsinya.”*
___________________
* Gukovsky G.A. Mempelajari sebuah karya sastra di sekolah. (Esai metodologis tentang metodologi). M.; L., 1966.Hal.41.

Melawan transformasi pembacaan naif-realistis menjadi metodologi analisis dan pengajaran, G.A. Gukovsky pada saat yang sama melihat sisi lain dari masalah ini. Persepsi naif-realistis terhadap dunia seni, dalam kata-katanya, “sah, tapi tidak cukup.” G.A. Gukovsky menetapkan tugas untuk “membiasakan siswa untuk berpikir dan berbicara tentang dia (pahlawan utama dalam novel - A.E.) tidak hanya sebagai pribadi, tetapi juga sebagai gambar.” Apa “legitimasi” pendekatan realis naif terhadap sastra?
Faktanya, karena kekhususan sebuah karya sastra sebagai sebuah karya seni, kita berdasarkan hakikat persepsinya tidak bisa lepas dari sikap realistis yang naif terhadap orang-orang dan peristiwa-peristiwa yang tergambar di dalamnya. Sementara seorang kritikus sastra memandang sebuah karya sebagai pembaca (dan di sinilah, seperti yang mudah dipahami, setiap karya analitis dimulai), dia mau tidak mau memandang karakter-karakter dalam buku itu sebagai orang yang hidup (dengan segala konsekuensinya - dia akan melakukannya). menyukai dan tidak menyukai tokohnya, membangkitkan rasa iba dan marah, cinta, dan sebagainya), dan peristiwa yang menimpanya seolah-olah benar-benar terjadi. Tanpa ini, kita tidak akan memahami apa pun dalam isi karya tersebut, apalagi fakta bahwa sikap pribadi terhadap orang-orang yang digambarkan oleh pengarangnya adalah dasar dari penularan emosional karya tersebut dan pengalaman hidup dalam pikiran. dari pembaca. Tanpa unsur “realisme naif” dalam membaca sebuah karya, kita mempersepsikannya secara kering, dingin, yang berarti karya tersebut jelek, atau kita sendiri sebagai pembacanya jelek. Jika pendekatan naif-realistis, diangkat menjadi absolut, menurut G.A. Gukovsky menghancurkan sebuah karya sebagai sebuah karya seni, maka ketidakhadirannya sama sekali tidak memungkinkannya untuk terjadi sebagai sebuah karya seni.
Dualitas persepsi realitas artistik, dialektika kebutuhan dan pada saat yang sama kurangnya pembacaan realistis yang naif juga dicatat oleh V.F. Asmus: “Syarat pertama yang diperlukan agar membaca dapat berproses sebagai membaca suatu karya seni adalah sikap khusus pikiran pembaca, yang berlaku sepanjang pembacaan. Karena sikap ini, pembaca memperlakukan apa yang dibaca atau apa yang “terlihat” melalui membaca bukan sebagai fiksi atau dongeng utuh, melainkan sebagai realitas unik. Kondisi kedua untuk membaca sesuatu sebagai sesuatu yang artistik mungkin tampak berlawanan dengan kondisi pertama. Untuk membaca sebuah karya sebagai karya seni, pembaca harus menyadari sepanjang membaca bahwa bagian kehidupan yang ditunjukkan oleh penulis melalui seni, bagaimanapun juga, bukanlah kehidupan langsung, tetapi hanya gambarannya.”*
___________________
* Asmus V.F. Pertanyaan tentang teori dan sejarah estetika. M., 1968.Hal.56.

Dengan demikian, terungkap satu kehalusan teoretis: pencerminan realitas primer dalam sebuah karya sastra tidak identik dengan realitas itu sendiri, bersifat kondisional, tidak mutlak, tetapi salah satu syaratnya justru kehidupan yang tergambar dalam karya tersebut dapat dirasakan oleh pembaca. sebagai “nyata”, autentik, yaitu identik dengan realitas primer. Efek emosional dan estetika yang dihasilkan karya tersebut kepada kita didasarkan pada hal ini, dan keadaan ini harus diperhitungkan.
Persepsi naif-realistis adalah sah dan perlu, karena kita berbicara tentang proses persepsi pembaca yang primer, tetapi tidak boleh menjadi dasar metodologis analisis ilmiah. Pada saat yang sama, fakta tentang keniscayaan pendekatan naif-realistis terhadap sastra meninggalkan jejak tertentu pada metodologi kritik sastra ilmiah.

Seperti telah dikatakan, karya itu tercipta. Pencipta suatu karya sastra adalah pengarangnya. Dalam kritik sastra, kata ini digunakan dalam beberapa arti yang terkait, tetapi pada saat yang sama relatif independen. Pertama-tama, perlu ditarik garis antara pengarang biografi sebenarnya dan pengarang sebagai kategori analisis sastra. Dalam pengertian yang kedua, kita memahami pengarang sebagai pengemban konsep ideologis suatu karya seni. Ia ada hubungannya dengan pengarang sebenarnya, tetapi tidak identik dengannya, karena karya seni tidak mencerminkan keseluruhan kepribadian pengarang, melainkan hanya sebagian aspeknya (walaupun sering kali merupakan aspek yang paling penting). Selain itu, pengarang sebuah karya fiksi, dalam hal kesan yang diberikan kepada pembacanya, mungkin sangat berbeda dengan pengarang sebenarnya. Dengan demikian, kecerahan, kemeriahan, dan dorongan romantis menuju cita-cita menjadi ciri pengarang dalam karya A. Green, dan A.S. Grinevsky, menurut orang-orang sezamannya, adalah orang yang sama sekali berbeda, agak suram dan suram. Diketahui bahwa tidak semua penulis humor merupakan orang yang ceria dalam menjalani kehidupan. Kritikus semasa hidupnya menyebut Chekhov sebagai "penyanyi senja", "seorang pesimis", "berdarah dingin", yang sama sekali tidak sesuai dengan karakter penulis, dll. Ketika mempertimbangkan kategori penulis dalam analisis sastra, kami mengabstraksi dari biografi penulis sebenarnya, pernyataan jurnalistik dan non-fiksi lainnya, dll. dan kami mempertimbangkan kepribadian penulis hanya sejauh hal itu diwujudkan dalam karya khusus ini, kami menganalisis konsepnya tentang dunia, pandangan dunianya. Perlu juga diperingatkan bahwa pengarang jangan sampai tertukar dengan narator sebuah karya epik dan pahlawan liris dalam puisi liris.
Citra pengarang yang tercipta dalam beberapa karya seni sastra tidak boleh disamakan dengan pengarang sebagai tokoh biografi yang nyata dan dengan pengarang sebagai pengemban konsep karya tersebut. Citra pengarang merupakan kategori estetika khusus yang muncul ketika citra pencipta suatu karya tercipta di dalam karya tersebut. Ini bisa berupa gambaran "diri sendiri" ("Eugene Onegin" oleh Pushkin, "Apa yang harus dilakukan?" oleh Chernyshevsky), atau gambaran seorang penulis fiktif dan fiktif (Kozma Prutkov, Ivan Petrovich Belkin oleh Pushkin). Dalam gambaran penulis, konvensi artistik, non-identitas sastra dan kehidupan, dimanifestasikan dengan sangat jelas - misalnya, dalam "Eugene Onegin" penulis dapat berbicara dengan pahlawan yang ia ciptakan - sebuah situasi yang tidak mungkin terjadi dalam kenyataan . Gambaran pengarang jarang muncul dalam karya sastra; ini adalah perangkat artistik yang spesifik, dan oleh karena itu memerlukan analisis yang sangat diperlukan, karena gambar tersebut mengungkapkan orisinalitas artistik dari suatu karya tertentu.

A.B. Ya, masuk
Prinsip dan teknik menganalisis sebuah karya sastra: Buku Ajar. – edisi ke-3. –M.: Flinta, Nauka, 2000. – 248 hal.

(37 kata) Kisah Gogol “Potret” juga menunjukkan pengaruh seni nyata terhadap kepribadian. Sang pahlawan menghabiskan uang terakhirnya untuk sebuah lukisan yang memukau imajinasinya. Potret seorang lelaki tua tidak membiarkan pemilik barunya pergi, bahkan ke luar. Begitulah kekuatan kebudayaan atas kesadaran manusia.
(43 kata) Dalam cerita Gogol "Nevsky Prospect", Piskarev dipengaruhi oleh panggilannya - melukis. Itulah sebabnya seluruh hidupnya dicat dengan warna-warna yang tidak diketahui orang awam: pada wanita publik, misalnya, dia melihat seorang muse dan istrinya, dan tidak segan-segan membantunya. Beginilah seni sejati memuliakan individu.
(41 kata) Seni sejati selalu membuat seseorang menjadi lebih agung dan mulia. Dalam drama Ostrovsky "The Forest", aktor yang hafal Schiller juga memiliki konsep kehormatan yang melekat dalam sastra. Dia memberikan semua uangnya sebagai mahar kepada seorang gadis asing, Aksyusha, tanpa menuntut imbalan apa pun.
(46 kata) Dalam novel “Orang Miskin” karya Dostoevsky, seni nyata membantu Varya untuk tidak kehilangan kebajikan, terlepas dari semua kesulitan hidup. Siswa itu mengajarinya membaca Gogol dan Pushkin, dan gadis itu menjadi lebih kuat dalam karakter dan lebih kuat dalam semangat. Pada saat yang sama, kebaikan, kepekaan, dan kecantikan batin yang istimewa berkembang dalam dirinya.
(50 kata) Seni sejati selalu didedikasikan untuk manusia, “diciptakan” dengan hati yang besar. Dalam cerita “The Freak”, sang pahlawan hanya mengecat kereta dorongnya, namun ia melakukannya tidak hanya dengan indah, tetapi juga dengan cinta. Sikapnya tidak bisa dipahami, namun bagi kami para pembaca, situasi ini mengingatkan kami akan nasib semua pencipta yang teraniaya yang mewujudkan kebaikannya dalam karya seni.
(38 kata) Puisi Pushkin "The Prophet" dengan jelas mengungkapkan panggilan seni sejati - untuk membakar hati orang. Penyair melakukan ini dengan kata kerja, seniman dengan kuasnya, musisi dengan instrumennya, dan seterusnya. Artinya, karya-karya mereka selalu menggairahkan dan membuat kita tercengang, memaksa kita memikirkan pertanyaan-pertanyaan abadi.
(39 kata) Puisi Lermontov “The Prophet” mengangkat topik kurangnya pengakuan terhadap pencipta. Penulisnya menulis bagaimana orang-orang mulai meremehkan “ajaran murni” miliknya. Jelas sekali bahwa seni yang sebenarnya tidak serta merta dinyatakan demikian; sebaliknya, seni terkadang melampaui zamannya dan disalahpahami di kalangan masyarakat konservatif.
(49 kata) Tema seni nyata dekat dengan Lermontov. Puisinya “Ketika Raphael Terinspirasi” menggambarkan proses penciptaan seni, ketika “api surgawi” menyala dalam diri pematung, dan penyair mendengarkan “suara kecapi yang mempesona.” Artinya kebudayaan bukan berasal dari manusia, melainkan dari sesuatu yang sakral dan misterius yang berada di luar pemahaman kita.
(30 kata) Dalam cerita Chekhov “The Student,” sang pahlawan menceritakan kisah alkitabiah kepada wanita biasa. Bahkan dalam bentuk penceritaan kembali, seni nyata membangkitkan perasaan yang bertentangan dan pengalaman tulus pada orang-orang: Vasilisa menangis, dan Lukerya merasa malu.
(58 kata) Dalam puisi Mayakovsky “The Other Side,” tema seni adalah sentral. Penulis mengatakan bahwa hal itu melayani masyarakat, menginspirasi mereka untuk berubah, bahwa para penyair “menerjunkan diri” dan maju ke garis depan demi rakyat. Dan bahkan ketika “liburan akan menjadi latar belakang penderitaan pertempuran,” orang juga membutuhkan seni untuk menghibur dan membuat mereka bahagia. Oleh karena itu, ini tidak tergantikan dan sangat penting bagi kami.

Contoh dari kehidupan

(40 kata) Saya menyadari pengaruh seni sejati ketika saya tertarik bermain gitar. Saya mulai mendengarkan musik dengan seksama, mencari chord, riff dan trik yang menarik. Saat saya mendengarkan meteran yang diputar, saya merasakan kenikmatan yang tulus, hanya sebanding dengan euforia di sebuah konser.
(46 kata) Adikku menjadi pemanduku dalam dunia seni. Dia menunjukkan kepadaku ukiran kuno dan lukisan dinding di buku-buku besar dan indah, dan dia bahkan pernah membawaku bersamanya ke museum. Di sana saya mengalami peningkatan spiritual, rasa ingin tahu yang besar tentang kehidupan sehingga saya tidak akan pernah sama lagi.
(50 kata) Seni nyata telah menarik perhatian saya sejak kecil. Keinginan akan hal itu membawa saya ke rak buku, di mana saya menemukan buku “Richard the Lionheart”. Saya ingat itu berlalu dalam satu tarikan napas, saya membacanya bahkan di malam hari, dan di jam-jam tidur yang jarang saya bayangkan turnamen dan pesta. Dengan demikian, budaya memperkaya kehidupan manusia.
(38 kata) Saya ingat bagaimana seni menginspirasi nenek saya. Dia tidak melewatkan satu pun pertunjukan teater dan selalu kembali dengan kegembiraan yang begitu gembira sehingga dia berkicau di seluruh rumah, dan saya tidak merasakan usianya: dia tampak muda dan berkembang bagi saya.
(45 kata) Seni sejati paling jelas terlihat di atas panggung. Ketika saya pergi ke teater untuk pertama kalinya, saya menonton “Woe from Wit” dengan gembira dan gembira. Saya mencoba mengingat setiap kata, setiap gerak tubuh, seolah-olah keajaiban sedang terjadi di hadapan saya, dan saya, sang penulis sejarah, harus menyampaikan kemegahannya kepada anak cucu.
(45 kata) Saya tidak terlalu tertarik pada seni sampai saya menemukan festival musik. Di sana suaranya berbeda, dan suasananya, singkatnya, tidak seperti di studio rekaman pada umumnya. Saya dilumpuhkan oleh musik yang begitu hidup, tulus, kuat dan membuat saya menyadari diri saya sendiri, mencintai dan merasakan esensi saya.
(56 kata) Seni membuat manusia lebih berbudaya. Ibu saya bekerja di museum dan merupakan wanita yang sangat sopan. Dia benar-benar menyukai dan memahami pameran yang dia lihat, dan perasaan luhur ini menjadikannya orang yang lebih baik. Tidak sekali pun dia meneriaki saya, tetapi kata-katanya yang tenang dan berbobot bagaikan guntur bagi saya, karena saya tidak takut, tetapi menghormatinya.
(48 kata) Seni telah memainkan peran yang menentukan dalam hidup saya. Saya sedang melalui masa kelam dalam hidup saya, saya tidak menginginkan apa pun, tiba-tiba lukisan cat minyak tua milik nenek buyut saya menarik perhatian saya. Mereka sedikit hancur, jadi saya memutuskan untuk mencoba menghidupkannya kembali. Kemudian saya menemukan panggilan saya – melukis. Dengan bakat saya, saya melanjutkan tradisi keluarga.
(34 kata) Seni sejati membuat seseorang menjadi lebih baik. Adikku, misalnya, adalah orang yang pendiam dan sulit bergaul dengan orang lain, tetapi begitu ia mulai menyukai melukis, ia menjadi pembicara yang sangat menarik, dan masyarakat pun tertarik padanya.
(41 kata) Seni adalah sumber kebudayaan. Saya perhatikan bahwa orang yang tertarik pada seni jauh lebih sopan dan bijaksana dibandingkan mereka yang tidak memperhatikannya. Misalnya, saya berteman terutama dengan pria dari sekolah musik atau seni, karena mereka serba bisa dan menyenangkan untuk diajak bicara.

Setiap orang menyadari bahwa kedokteran dan pendidikan mempunyai dampak yang kuat pada kita. Kita secara langsung bergantung pada bidang kehidupan ini. Namun hanya sedikit yang mengakui bahwa seni mempunyai pengaruh yang sama pentingnya. Meskipun demikian, memang demikian adanya. Sulit untuk melebih-lebihkan pentingnya seni dalam kehidupan kita.

Apa itu seni?

Ada banyak definisi di berbagai kamus. Di suatu tempat mereka menulis bahwa seni adalah sebuah gambar (atau proses penciptaannya) yang mengekspresikan pandangan seniman tentang dunia. Terkadang seseorang tidak bisa mengungkapkan dengan kata-kata apa yang bisa dia gambar.

Dalam tafsir lain, ini adalah proses kreativitas, menciptakan sesuatu. Realisasi akan perlunya membuat dunia sedikit lebih indah.

Seni juga merupakan cara memahami dunia. Misalnya saja bagi seorang anak yang dengan menggambar atau menyanyikan lagu dapat mengingat kata-kata baru.

Di sisi lain, itu adalah proses sosial interaksi manusia dengan masyarakat dan dengan dirinya sendiri. Konsep ini sangat ambigu sehingga tidak mungkin untuk mengatakan di bagian mana kehidupan kita ada dan di bagian mana tidak ada. Mari kita pertimbangkan argumennya: pengaruh seni pada seseorang terlihat dalam bidang spiritual kehidupan kita. Bagaimanapun, di bawah pengaruhnya terbentuklah apa yang kita sebut moralitas dan pendidikan.

Jenis seni dan pengaruhnya terhadap kehidupan manusia

Apa hal pertama yang terlintas dalam pikiran? Lukisan? Musik? Balet? Semua ini adalah seni, seperti fotografi, sirkus, seni dekoratif, patung, arsitektur, pop, dan teater. Daftarnya masih bisa diperluas. Setiap dekade, genre berkembang dan genre baru ditambahkan, karena umat manusia tidak tinggal diam.

Inilah salah satu argumennya: pengaruh seni terhadap kehidupan seseorang diekspresikan dalam kecintaan terhadap dongeng. Salah satu bentuk yang paling berpengaruh adalah sastra. Membaca mengelilingi kita sejak kecil. Saat kami masih kecil, ibu membacakan dongeng untuk kami. Anak perempuan dan laki-laki diajari aturan perilaku dan cara berpikir dengan menggunakan contoh pahlawan wanita dan pahlawan dongeng. Dalam dongeng kita belajar apa yang baik dan apa yang buruk. Di akhir karya seperti itu ada pesan moral yang mengajarkan kita apa yang harus dilakukan.

Di sekolah dan universitas, kita membaca karya wajib penulis klasik, yang mengandung pemikiran yang lebih kompleks. Di sini karakter membuat kita berpikir dan bertanya pada diri sendiri. Setiap arah dalam seni memiliki tujuannya masing-masing, mereka sangat beragam.

Fungsi seni: argumen tambahan

Pengaruh seni terhadap seseorang sangat luas, mempunyai fungsi dan tujuan yang beragam. Salah satu tujuan utamanya adalah pendidikan.Pesan moral yang sama di akhir dongeng. Fungsi estetisnya jelas: karya seni itu indah dan mengembangkan cita rasa. Dekat dengan ini adalah fungsi hedonis - untuk mendatangkan kesenangan. Beberapa karya sastra sering kali memiliki fungsi prediktif; mengingat Strugatsky bersaudara dan novel fiksi ilmiahnya. Fungsi lain yang sangat penting adalah kompensasi. Dari kata “kompensasi”, ketika realitas artistik menggantikan realitas utama bagi kita. Di sini kita sering membicarakan tentang trauma mental atau kesulitan hidup. Saat kita menyalakan musik favorit untuk melupakan diri sendiri, atau pergi ke bioskop untuk melepaskan diri dari pikiran tidak menyenangkan.

Atau argumen lain - pengaruh seni pada seseorang melalui musik. Mendengar lagu yang melambangkan diri sendiri, seseorang mungkin memutuskan untuk mengambil tindakan penting. Jika kita menjauh dari makna akademis, maka pengaruh seni terhadap kehidupan seseorang sangat besar. Ini memberi inspirasi. Ketika seorang pria melihat lukisan indah di sebuah pameran, dia pulang dan mulai melukis.

Mari kita simak argumen lain: pengaruh seni terhadap seseorang terlihat dari bagaimana barang-barang buatan tangan berkembang secara aktif. Masyarakat tidak hanya dijiwai dengan rasa keindahan, tetapi juga siap menciptakan karya agung dengan tangannya sendiri. Berbagai bidang seni tubuh dan tato - keinginan untuk menciptakan sebuah karya seni di kulit Anda.

Seni di sekitar kita

Pernahkah seseorang berpikir, ketika mendekorasi apartemennya dan memikirkan desainnya, bahwa saat ini Anda dapat melihat pengaruh seni pada diri Anda? Pembuatan furnitur atau aksesoris merupakan bagian dari seni dan kerajinan. Pemilihan warna, bentuk yang serasi, dan ergonomis ruang - inilah yang dipelajari para desainer. Atau contoh lain: ketika Anda memilih gaun di toko, Anda mengutamakan gaun yang dipotong dan dipikirkan dengan benar oleh perancang busana. Pada saat yang sama, rumah mode tidak sederhana, mencoba memengaruhi pilihan Anda dengan video iklan yang cerah.Video juga merupakan bagian dari seni. Artinya, sambil menonton iklan, kita juga berada di bawah pengaruhnya. Ini juga merupakan sebuah argumen; pengaruh seni sejati pada seseorang tetap terungkap di lingkungan yang lebih tinggi. Mari kita pertimbangkan juga.

Pengaruh seni pada manusia: argumen dari sastra

Sastra mempengaruhi kita tanpa batas. Mari kita ingat bagaimana dalam karya brilian Leo Tolstoy “War and Peace” Natasha Rostova bernyanyi untuk kakaknya dan menyembuhkannya dari keputusasaan.

Contoh elegan lainnya tentang bagaimana lukisan dapat menyelamatkan nyawa dijelaskan oleh O. Henry dalam cerita “The Last Leaf.” Gadis yang sakit itu memutuskan bahwa dia akan mati ketika daun ivy terakhir jatuh di luar jendelanya. Dia tidak menunggu hari terakhirnya, karena daun itu digambar di dinding oleh seorang seniman.

Contoh lain dari pengaruh seni pada seseorang (argumen dari literatur sangat terbuka) adalah karakter utama karya Ray Bradbury “Smile,” yang menyimpan lukisan itu bersama Mona Lisa, percaya akan maknanya yang besar. Bradbury banyak menulis tentang kekuatan kreativitas, ia berpendapat bahwa hanya dengan membaca buku seseorang dapat menjadi terpelajar.

Gambaran seorang anak kecil dengan sebuah buku di tangannya menghantui banyak seniman, khususnya ada beberapa lukisan indah dengan judul yang sama “Anak Laki-Laki dengan Buku”.

Pengaruh yang Benar

Seperti halnya pengaruh apa pun, seni juga bisa bersifat negatif dan positif. Beberapa karya modern bersifat menyedihkan dan tidak banyak menampilkan estetika. Tidak semua film mengajarkan hal-hal baik. Kita harus sangat berhati-hati terhadap konten yang memengaruhi anak-anak kita. Pemilihan barang-barang di sekitar kita, musik, film, dan bahkan pakaian yang tepat akan memberi kita suasana hati yang baik dan menanamkan selera yang tepat.

Musik dapat membantu seseorang merasakan keindahan dan menghidupkan kembali momen-momen masa lalu.
Kekuatan seni dapat mengubah hidup seseorang
Lukisan seniman yang benar-benar berbakat tidak hanya mencerminkan penampilan, tetapi juga jiwa seseorang.
Dalam situasi sulit, musik menginspirasi seseorang dan memberinya vitalitas.
Musik dapat menyampaikan pemikiran kepada orang-orang yang tidak dapat diungkapkan dengan kata-kata.
Sayangnya, seni bisa mendorong seseorang pada degradasi spiritual

Argumen

L.N. Tolstoy “Perang dan Damai”. Nikolai Rostov, yang kehilangan sejumlah besar uang untuk keluarganya karena kartu, berada dalam kondisi sedih dan tertekan. Dia tidak tahu harus berbuat apa, bagaimana mengakui segalanya kepada orang tuanya. Sudah di rumah dia mendengar nyanyian indah Natasha Rostova. Emosi yang ditimbulkan oleh musik dan nyanyian sang saudari membanjiri jiwa sang pahlawan. Nikolai Rostov menyadari bahwa tidak ada yang lebih penting dalam hidup selain semua ini. Kekuatan seni membantunya mengatasi rasa takutnya dan mengakui segalanya kepada ayahnya.

L.N. Tolstoy "Albert". Dalam karya ini kita mempelajari kisah seorang pemain biola miskin dengan bakat luar biasa. Begitu menguasai bola, pemuda itu mulai bermain. Dengan musiknya, dia sangat menyentuh hati orang-orang sehingga dia tidak lagi terlihat miskin dan jelek di mata mereka. Seolah-olah pendengar sedang menghidupkan kembali momen-momen terbaik dalam hidup mereka, kembali ke masa lalu yang telah hilang dan tidak dapat diperbaiki lagi. Musik sangat memengaruhi Delesov sehingga air mata mulai mengalir di pipi pria itu: berkat musik, ia dibawa ke masa mudanya, mengingat ciuman pertamanya.

KG Paustovsky "Si Juru Masak Tua". Sebelum kematiannya, juru masak tua yang buta itu meminta putrinya Maria untuk pergi keluar dan memanggil siapa pun untuk mengaku kepada pria yang sekarat itu. Maria melakukan ini: dia melihat orang asing di jalan dan menyampaikan permintaan ayahnya. Juru masak tua itu mengaku kepada pemuda itu bahwa dia hanya melakukan satu dosa dalam hidupnya: dia mencuri piring emas dari layanan Countess Thun untuk membantu istrinya yang sakit, Martha. Keinginan pria sekarat itu sederhana saja: melihat istrinya kembali seperti masa mudanya. Orang asing itu mulai memainkan harpsichord. Kekuatan musik mempunyai pengaruh yang begitu kuat pada lelaki tua itu sehingga ia melihat momen-momen dari masa lalu seolah-olah dalam kenyataan. Pemuda yang memberinya menit-menit ini ternyata adalah Wolfgang Amadeus Mozart, seorang musisi hebat.

KG Paustovsky “Keranjang dengan kerucut cemara.” Di hutan Bergen, komposer hebat Edvard Grieg bertemu Dagny Pedersen, putri seorang ahli kehutanan setempat. Komunikasi dengan gadis itu mendorong komposer untuk menulis musik untuk Dagny. Mengetahui bahwa seorang anak tidak dapat menghargai semua pesona karya klasik, Edvard Grieg berjanji akan memberikan hadiah untuk Dagny dalam sepuluh tahun, ketika dia berusia delapan belas tahun. Sang komposer menepati janjinya: sepuluh tahun kemudian, Dagny Pedersen tiba-tiba mendengar musik yang didedikasikan untuknya. Musiknya membangkitkan badai emosi: dia melihat hutannya, mendengar suara laut, klakson gembala, kicauan burung. Dagny menangis air mata rasa terima kasih. Edvard Grieg menemukan baginya hal-hal indah yang harus dijalani seseorang.

N.V. "Potret" Gogol. Artis muda Chartkov, secara tidak sengaja, membeli potret misterius dengan uang terakhirnya. Ciri utama potret ini adalah matanya yang sangat ekspresif dan tampak hidup. Gambaran yang tidak biasa menghantui setiap orang yang melihatnya: semua orang mengira ada mata yang mengawasinya. Belakangan ternyata potret itu dilukis oleh seorang seniman yang sangat berbakat atas permintaan seorang rentenir, yang kisah hidupnya penuh misteri. Dia melakukan segala upaya untuk menyampaikan mata ini, tetapi kemudian dia menyadari bahwa ini adalah mata iblis itu sendiri.

O. Wilde “Gambar Dorian Gray.” Potret Dorian Gray muda tampan yang dilukis oleh Basil Hallward adalah karya terbaik sang seniman. Pemuda itu sendiri senang dengan kecantikannya. Lord Henry Wotton mengatakan kepadanya bahwa hal itu tidak akan bertahan selamanya karena semua orang menua. Dalam perasaannya, pemuda itu berharap potret ini yang menjadi tua, bukan dirinya. Belakangan menjadi jelas bahwa keinginan itu menjadi kenyataan: tindakan apa pun yang dilakukan Dorian Gray tercermin dalam potretnya, dan dia sendiri tetap sama. Pemuda itu mulai melakukan tindakan yang tidak manusiawi dan tidak bermoral, dan ini tidak mempengaruhi dirinya sama sekali. Dorian Gray tidak berubah sama sekali: pada usia empat puluh dia terlihat sama seperti di masa mudanya. Kita melihat bahwa gambaran yang luar biasa, alih-alih memberikan pengaruh yang menguntungkan, malah menghancurkan kepribadian.

PADA. TVardovsky “Vasily Terkin”. Musik mampu menghangatkan jiwa seseorang bahkan di masa sulit perang. Vasily Terkin, pahlawan karya tersebut, berperan sebagai komandan yang terbunuh di akordeon. Musik membuat orang merasa lebih hangat, mereka mengikuti musik seperti berjalan ke dalam api, dan mulai menari. Hal ini memungkinkan mereka untuk melupakan kesulitan, kesulitan, dan kemalangan setidaknya untuk beberapa waktu. Kawan-kawan komandan yang terbunuh memberikan akordeon kepada Terkin agar dia dapat terus menghibur infanterinya.

V. Korolenko “Musisi Buta.” Bagi pahlawan karyanya, musisi Petrus, musik menjadi makna hidup yang sebenarnya. Buta sejak lahir, dia sangat peka terhadap suara. Ketika Petrus masih kecil, dia tertarik dengan melodi pipa. Anak laki-laki itu mulai tertarik pada musik dan kemudian menjadi seorang pianis. Dia segera menjadi terkenal, dan banyak yang dibicarakan tentang bakatnya.

AP Chekhov “Biola Rothschild”. Orang-orang berusaha menghindari Yakov Matveevich, pria yang murung dan kasar. Namun melodi yang ditemukan secara tidak sengaja menyentuh jiwanya: Yakov Matveevich untuk pertama kalinya merasa malu karena telah menyinggung perasaan orang. Sang pahlawan akhirnya menyadari bahwa tanpa kemarahan dan kebencian, dunia di sekitarnya akan menjadi indah.