(PADA

Pengunjung aula Philharmonic akrab dengan suasana khusus dan ceria yang ada selama konser musik instrumental. Cara seorang solois bersaing dengan seluruh grup orkestra sungguh menawan. Kekhususan dan kompleksitas genre terletak pada kenyataan bahwa solois harus terus-menerus membuktikan keunggulan instrumennya dibandingkan instrumen lain yang berpartisipasi dalam konser.

Konsep konser instrumental, spesifik

Pada dasarnya, konser ditulis untuk instrumen yang kaya akan kemampuan suaranya - biola, piano, cello. Komposer mencoba memberikan karakter virtuoso pada konser untuk memaksimalkan kemampuan artistik dan keahlian teknis dari instrumen yang dipilih.

Namun, konser instrumental tidak hanya melibatkan sifat kompetitif, tetapi juga koordinasi yang tepat antara pemain solo dan bagian pengiringnya. Mengandung kecenderungan yang kontradiktif:

• Membuka kemampuan satu instrumen versus keseluruhan orkestra.
• Kesempurnaan dan konsistensi dari ansambel yang lengkap.

Mungkin kekhususan konsep "konser" memiliki makna ganda, dan semua itu karena asal usul kata yang ganda:

1. Concertare (dari bahasa Latin) - “bersaing”;
2. Concerto (dari bahasa Italia), konsertus (dari bahasa Latin), koncert (dari bahasa Jerman) - “concord”, “harmoni”.

Dengan demikian, “konser instrumental” dalam pengertian umum adalah suatu karya musik yang dibawakan oleh satu atau lebih instrumen solo dengan iringan orkestra, di mana sebagian kecil yang ambil bagian menentang sebagian besar atau keseluruhan orkestra. Oleh karena itu, “hubungan” instrumental dibangun di atas kemitraan dan kompetisi untuk memberikan kesempatan bagi masing-masing solois untuk menunjukkan keahlian dalam penampilan.

Sejarah genre

Pada abad ke-16, kata “konser” pertama kali digunakan untuk menunjukkan karya vokal dan instrumental. Sejarah konser sebagai salah satu bentuk permainan ansambel memiliki akar yang kuno. Pertunjukan gabungan pada beberapa instrumen dengan promosi “suara” solo yang jelas ditemukan dalam musik banyak negara, tetapi pada awalnya ini adalah komposisi sakral polifonik dengan iringan instrumental, ditulis untuk katedral dan gereja.

Hingga pertengahan abad ke-17, konsep “konser” dan “konser” mengacu pada karya vokal-instrumental, dan pada paruh kedua abad ke-17 sudah muncul konser instrumental yang ketat (pertama di Bologna, kemudian di Venesia dan Roma) , dan nama ini diberikan untuk komposisi konser kamar untuk beberapa instrumen dan diubah namanya menjadi konser grosso (“konser besar”).

Pendiri pertama bentuk konser dianggap sebagai pemain biola dan komposer Italia Arcangelo Corelli; ia menulis sebuah konser dalam tiga bagian pada akhir abad ke-17, di mana terdapat pembagian menjadi instrumen solo dan instrumen pengiring. Kemudian pada abad 18-19 terjadi perkembangan lebih lanjut dari bentuk konser, dimana yang paling populer adalah pertunjukan piano, biola, dan cello.

Konser instrumental pada abad 19-20

Sejarah konser sebagai salah satu bentuk permainan ansambel memiliki akar yang kuno. Genre konser telah melalui jalur perkembangan dan pembentukan yang panjang, mengikuti tren gaya saat itu.

Konserto mengalami kelahiran barunya pada karya-karya Vivaldi, Bach, Beethoven, Mendelssohn, Rubinstein, Mozart, Servais, Handel dan lain-lain. Karya konser Vivaldi terdiri dari tiga bagian, dua bagian ekstrimnya cukup cepat, mengelilingi bagian tengah satu - yang lambat. Lambat laun, harpsichord yang menempati posisi solo digantikan oleh orkestra. Beethoven dalam karya-karyanya membawa konser itu lebih dekat ke sebuah simfoni, di mana bagian-bagiannya digabung menjadi satu komposisi yang berkesinambungan.

Hingga abad ke-18, komposisi orkestra biasanya acak, sebagian besar berupa string, dan kreativitas komposer secara langsung bergantung pada komposisi orkestra. Selanjutnya, pembentukan orkestra permanen, pengembangan dan pencarian komposisi orkestra universal berkontribusi pada pembentukan genre konser dan simfoni, dan karya musik yang dibawakan mulai disebut klasik. Jadi, jika berbicara tentang pertunjukan instrumental musik klasik, yang kami maksud adalah konser musik klasik.

Masyarakat Filharmonik

Pada abad ke-19, musik simfoni secara aktif berkembang di negara-negara Eropa dan Amerika, dan untuk propaganda publiknya yang luas, perkumpulan philharmonic negara mulai dibentuk, yang berkontribusi pada perkembangan seni musik. Tugas utama masyarakat semacam itu, selain propaganda, adalah mempromosikan pembangunan dan menyelenggarakan konser.

Kata "philharmonic" berasal dari dua komponen bahasa Yunani:

Philharmonic Society saat ini adalah sebuah institusi, biasanya milik negara, yang menetapkan tugas untuk menyelenggarakan konser, mempromosikan karya musik dan seni pertunjukan yang sangat artistik. Konser di Philharmonic adalah acara yang diselenggarakan khusus yang bertujuan untuk memperkenalkan musik klasik, orkestra simfoni, instrumentalis, dan vokalis. Juga di perkumpulan philharmonic Anda dapat menikmati cerita rakyat musik, termasuk lagu dan tarian.

Isi artikel

KONSER(Konserto Italia), sebuah karya musik satu gerakan atau multi-gerakan untuk satu atau lebih instrumen solo dan orkestra. Asal usul kata "konser" tidak sepenuhnya jelas. Mungkin ini ada hubungannya dengan bahasa Italia. konser ("setuju", "menyetujui") atau dari lat. konser ("menantang", "bertarung"). Memang benar, hubungan antara instrumen solo dan orkestra dalam sebuah konser mengandung unsur “kemitraan” dan “rivalitas”. Kata “konser” pertama kali digunakan pada abad ke-16. untuk menunjukkan karya vokal-instrumental, berbeda dengan istilah a cappella, yang menunjukkan komposisi vokal murni. Concertos oleh Giovanni Gabrieli, ditulis untuk Katedral St. Pawai di Venesia, atau konser Lodovico da Viadana dan Heinrich Schütz, sebagian besar merupakan karya sakral polikorik dengan iringan instrumental. Sampai pertengahan abad ke-17. kata “konser” dan kata sifat “konser” (concertato ) terus berhubungan dengan musik vokal-instrumental, tetapi pada paruh kedua abad ini, pertama di Bologna, dan kemudian di Roma dan Venesia, konser instrumental murni muncul.

Konser Barok.

Pada awal abad ke-18. Beberapa jenis konser mulai digunakan. Dalam konser jenis pertama, sekelompok kecil instrumen - sebuah konserto ("konser kecil") - ditentang oleh kelompok yang lebih besar, yang, seperti karya itu sendiri, disebut konserto grosso ("konser besar"). Di antara karya terkenal jenis ini adalah 12 Concerto Grosso (op. 6) oleh Arcangelo Corelli, di mana konsertino diwakili oleh dua biola dan sebuah cello, dan konsert grosso oleh instrumen string yang lebih luas. Concertino dan Concerto Grosso dihubungkan oleh basso continuo (“bass konstan”), yang diwakili oleh musik barok khas yang diiringi oleh instrumen keyboard (paling sering harpsichord) dan instrumen senar bass. Konsert Corelli terdiri daripada empat pergerakan atau lebih. Banyak di antaranya yang menyerupai bentuk trio sonata, salah satu genre musik kamar barok yang paling populer; yang lainnya, terdiri dari sejumlah tarian, lebih mirip sebuah suite.

Jenis konser barok lainnya disusun untuk instrumen solo dengan grup pengiring yang disebut ripieno atau tutti. Konser semacam itu biasanya terdiri dari tiga bagian, yang pertama hampir selalu berbentuk rondo: bagian orkestra pengantar (ritornello), di mana materi tematik utama gerakan itu dipamerkan, diulangi seluruhnya atau sebagian setelahnya. bagian solo. Bagian solo biasanya memberikan kesempatan kepada pemainnya untuk menunjukkan keahliannya. Mereka sering mengembangkan materi ritornello, tetapi seringkali hanya terdiri dari bagian-bagian seperti tangga nada, arpeggio, dan urutan. Di akhir gerakan, ritornello biasanya muncul dalam bentuk aslinya. Bagian kedua, bagian lambat dari konser ini bersifat liris dan disusun dalam bentuk bebas, terkadang menggunakan teknik “repetitive bass”. Gerakan akhir yang cepat sering kali berjenis tarian, dan seringkali pengarang kembali ke bentuk rondo di dalamnya. Antonio Vivaldi, salah satu komposer Barok Italia yang paling terkenal dan produktif, menulis banyak konser resital, termasuk empat konser biola yang dikenal sebagai Musim. Vivaldi juga memiliki konser untuk dua atau lebih instrumen solo, yang menggabungkan unsur-unsur bentuk konser solo, konser grosso, dan bahkan jenis konser ketiga - hanya untuk orkestra, yang kadang-kadang disebut konser ripieno.

Antara konsert terbaik era Barok adalah karya Handel, dengan 12 konsertnya (op. 6), diterbitkan pada tahun 1740, ditulis berdasarkan model konsert grosso Corelli, yang ditemui Handel semasa kunjungan pertamanya di Itali. Konser oleh I.S. Bach, termasuk tujuh konserto untuk clavier, dua untuk biola, dan enam yang disebut. Konsert Brandenburg, secara umum, juga mengikuti model konser Vivaldi: Bach mempelajarinya, seperti karya komposer Italia lainnya, dengan sangat bersemangat.

Konser klasik.

Meskipun putra Bach, terutama Carl Philipp Emanuel dan Johann Christian, memainkan peran penting dalam perkembangan konser di paruh kedua abad ke-18, bukan mereka yang mengangkat genre ini ke tingkat yang lebih tinggi, melainkan Mozart. Dalam berbagai konser biola, seruling, klarinet dan instrumen lainnya, dan khususnya dalam 23 konser keyboard, Mozart, yang memiliki imajinasi tiada habisnya, mensintesis unsur konser solo barok dengan skala dan logika bentuk simfoni klasik. Dalam konser piano akhir Mozart, ritornello berubah menjadi eksposisi yang berisi sejumlah ide tematik independen, orkestra dan solois berinteraksi sebagai mitra setara, dan di bagian solo, harmoni yang belum pernah terjadi sebelumnya antara keahlian dan tugas ekspresif tercapai. Bahkan Beethoven, yang secara kualitatif mengubah banyak elemen tradisional genre tersebut, dengan jelas menganggap cara dan metode konser Mozart sebagai sesuatu yang ideal.

Konser Biola Beethoven dalam D mayor (op. 61) dimulai dengan pengenalan orkestra yang diperluas, di mana gagasan utama disajikan dalam bentuk eksposisi sonata yang tepat. Lagu pembukanya memiliki tampilan seperti pawai, yang merupakan ciri khas konser klasik, dan di Beethoven kualitas ini ditekankan oleh pentingnya peran timpani. Tema kedua dan ketiga lebih liris dan ekspansif, namun pada saat yang sama tetap mempertahankan kecanggihan luhur yang dibangun oleh tema pertama. Namun, ketika solois masuk, segalanya berubah. Sebagai hasil dari perubahan yang tidak terduga, motif sekunder eksposisi orkestra muncul ke permukaan, disajikan dalam tekstur instrumen solo yang brilian: setiap elemen dipikirkan kembali dan dipertajam. Penyanyi solo dan orkestra kemudian bersaing dalam mengembangkan tema yang berbeda, dan dalam reprise mereka mengulang materi tematik utama sebagai mitra. Menjelang akhir gerakan, orkestra terdiam untuk memungkinkan pemain solo melakukan cadenza - sebuah improvisasi yang diperluas, yang tujuannya adalah untuk menunjukkan keahlian dan kecerdikan pemain solo (di zaman modern, pemain solo biasanya tidak berimprovisasi, tetapi memutar rekaman cadenzas oleh penulis lain). Cadenza secara tradisional diakhiri dengan getar, diikuti dengan penutup orkestra. Beethoven, bagaimanapun, membuat biola mengingat tema liris kedua (terdengar dengan latar belakang iringan orkestra yang tenang) dan kemudian secara bertahap beralih ke kesimpulan yang brilian. Gerakan kedua dan ketiga dalam konser Beethoven dihubungkan dengan sebuah bagian pendek, diikuti oleh cadenza, dan hubungan seperti itu menyoroti kontras figuratif yang kuat antara gerakan-gerakan tersebut dengan lebih jelas. Gerakan lambat ini didasarkan pada melodi yang khusyuk dan hampir himne, yang memberikan banyak kesempatan untuk pengembangan liris yang cekatan di bagian solo. Bagian akhir dari konser ini ditulis dalam bentuk rondo - ini adalah bagian yang mengharukan dan "menyenangkan" di mana melodi sederhana, dengan ritme "cincang" yang mengingatkan pada nada biola folk, diselingi dengan tema lain, meskipun kontras. dengan refrain rondo, tetapi tetap mempertahankan struktur tarian secara umum.

Abad kesembilan belas.

Beberapa komposer pada periode ini (misalnya Chopin atau Paganini) sepenuhnya mempertahankan bentuk konser klasik. Namun, mereka juga mengadopsi inovasi yang diperkenalkan ke dalam konser Beethoven, seperti pengenalan solo di awal dan integrasi cadenza ke dalam bentuk gerakan. Sebuah fitur yang sangat penting dari konser di abad ke-19. adalah penghapusan eksposisi ganda (orkestra dan solo) pada bagian pertama: sekarang orkestra dan solois tampil bersama dalam eksposisi. Inovasi semacam itu merupakan ciri khas dari konserto piano besar Schumann, Brahms, Grieg, Tchaikovsky dan Rachmaninoff, konserto biola Mendelssohn, Brahms, Bruch dan Tchaikovsky, serta konserto cello Elgar dan Dvorak. Jenis inovasi lain terdapat dalam konser piano Liszt dan beberapa karya penulis lain - misalnya, dalam simfoni untuk biola dan orkestra. Harold di Italia Berlioz, dalam Konser Piano Busoni, di mana paduan suara pria diperkenalkan. Pada prinsipnya, bentuk, isi, dan teknik khas genre ini tidak banyak berubah selama abad ke-19. Konserto ini berhasil bersaing dengan program musik, yang mempunyai pengaruh kuat pada banyak genre instrumental di paruh kedua abad ini.

Abad ke duapuluh.

Revolusi artistik yang terjadi selama dua dekade pertama abad ke-20. dan periode setelah Perang Dunia Kedua, tidak banyak mengubah ide dasar dan tampilan konser. Bahkan konser para inovator brilian seperti Prokofiev, Shostakovich, Copland, Stravinsky, dan Bartok tidak menyimpang jauh (jika ada) dari prinsip dasar konser klasik. Untuk abad ke-20 ditandai dengan kebangkitan genre konser grosso (dalam karya Stravinsky, Vaughan Williams, Bloch dan Schnittke) dan pengembangan konser untuk orkestra (Bartók, Kodály, Hindemith). Pada paruh kedua abad ini, popularitas dan vitalitas genre konser terus berlanjut, dan situasi "masa lalu di masa kini" merupakan ciri khas dalam karya-karya yang beragam seperti konserto John Cage (untuk piano yang disiapkan), Sofia Gubaidulina ( untuk biola), Lou Harrison (untuk piano), Philip Glass (untuk biola), John Corigliano (untuk seruling) dan György Ligeti (untuk cello).

Konser piano adalah salah satu genre paling penting dan dicari di dunia musik. Sifat genre konser, yang diwujudkan dengan dinamisme, logika permainan yang berkembang, dan kemampuan menyampaikan benturan kehidupan yang mendalam, ternyata sangat menarik bagi komposer dari berbagai masa dan tradisi nasional. Perwakilan klasisisme Wina menunjukkan minat khusus pada genre yang diteliti, yang karyanya konser instrumental solo menerima kristalisasi akhir.

Studi tentang genre konser piano menentukan bidang minat ilmiah para ahli musik seperti: L. N. Raaben (“Konser instrumental Soviet”), I. I. Kuznetsov (“Konser piano” (tentang sejarah dan teori genre)), M. E. Tarakanov ( “Konser instrumental”), G. A. Orlova (“Konser piano Soviet”). Perspektif signifikan terhadap tren terkini dalam analisis genre, dari sudut pandang praktik pertunjukan, ditunjukkan oleh karya-karya A. V. Murga, D. I. Dyatlov, B. G. Gnilov; genre dan aspek sejarah konser piano dianalisis dalam publikasi ilmiah oleh D. A. Nagin, O. V. Podkolozin, Sh. G. Paltajanyan dan lain-lain pembelajaran memerlukan kajian yang lebih mendalam. Keadaan ini ditentukan target publikasi: jelajahi ciri-ciri asal usul dan perkembangan genre konser piano. Untuk mencapai tujuan ini, hal-hal berikut diidentifikasi: tugas publikasi:

1. Jelajahi asal usul genre konser instrumental;
2. Menganalisis asal usul terbentuknya dan berkembangnya genre konser piano;
3. Identifikasi spesifik genre konser piano.

Pergerakan sejarah musik jelas tercermin dalam nasib genre musik. Hubungan zaman yang hidup terlihat jelas dalam contoh konser instrumental - salah satu genre musik Eropa paling kuno. Menurut peneliti, etimologi kata "konser" dikaitkan dengan bahasa Italia "concertare" ("setuju", "mencapai kesepakatan") atau bahasa Latin "concertare" ("sengketa", "pertarungan"), karena hubungannya antara instrumen solo dan orkestra mengandung unsur “kemitraan” dan “rivalitas”. Secara tradisional, konser didefinisikan sebagai karya musik satu gerakan atau multi-gerakan untuk satu atau lebih instrumen solo dan orkestra.

Salah satu jenis konser instrumental adalah konser piano. Karena sejarah perkembangan konser piano tidak lepas dari asal usul konser instrumental secara keseluruhan, maka kita akan mendalami ciri-ciri asal usul genre musik unik ini. Asal usul konser piano kembali ke masa lalu musik yang jauh. Kami fokus pada fakta itu hingga akhir abad ke-17. Konser instrumental tidak ada sebagai genre independen. Konsep “konser” pertama kali ditemukan dalam penggunaan musik pada abad ke-16. Definisi ini digunakan untuk menunjuk karya vokal-instrumental. Konser adalah komposisi spiritual paduan suara dengan iringan instrumental. Sebagai contoh, disarankan untuk menyebutkan konser G. Gabrieli, L. da Viadana dan G. Schütz. Munculnya genre konser instrumental dikaitkan dengan munculnya gaya homophonic dalam musik. Pada tahap ini, para komposer, lebih dari sebelumnya, berusaha untuk menekankan pentingnya prinsip melodi yang diungkapkan oleh instrumen solo, dibandingkan dengan orkestra yang mengiringinya. Persaingan antara alat musik solo dan orkestra telah mewujudkan pentingnya prinsip virtuoso dalam genre konser. Perkembangan konser instrumental juga sangat dipengaruhi oleh praktik ansambel instrumental dan tradisi memainkan alat musik bersama-sama, sejak pembuatan musik rakyat dalam budaya Eropa pada Abad Pertengahan.

Perlu dicatat bahwa selama periode penelitian, orkestra (dalam pengertian modern) tidak ada. Asosiasi ansambel musisi sangat populer, yang minat dan preferensinya menentukan bentuk-bentuk penggabungan instrumen yang stabil. Fitur ansambel konser abad ke-17. adalah partisipasi wajib dari apa yang disebut bagian Continuo, yang biasanya ditugaskan ke harpsichord. Instrumen ini bertindak sebagai pemimpin ansambel, konduktornya, sehingga memperkuat keseluruhan suara. Pada saat inilah prinsip utama permainan konser merambah ke genre konser instrumental - prinsip kompetisi dan kompetisi. Bentuk kompetisinya mengandaikan adanya hubungan organik antara koordinasi dan pencak silat, perpaduan antara pemimpin dan pendamping, serta saling mengkoordinasikan usahanya. Harpsichord mendukung atau menggandakan suara bass dan memenuhi apa yang disebut “lantai tengah” ruang musik. Namun hal utama tidak terletak pada sifat-sifat eksternal musik konser abad ke-17, tetapi pada sifat internal yang menjadi ciri kesadaran musik orang Eropa pada periode yang diteliti. Genre baru konser instrumental memiliki banyak kesamaan dengan dance suite.

Master konser instrumental abad ke-17. adalah A. Corelli, penulis contoh klasik pertama dari genre Concerto Grosso (konser besar), berdasarkan perbandingan solo ripieno dan pengiring Grosso. Konser A. Corelli biasanya memiliki banyak bagian. Komposer memasukkan empat hingga tujuh bagian dalam konsernya, serta Adagio kecil, yang berfungsi sebagai penghubung antara bagian-bagian cepat. Kesatuan musik Concerto Grosso karya A. Corelli juga diwujudkan dalam pelestarian kunci utama di seluruh gerakan. Musik di hampir semua konser master Italia yang luar biasa ini menyedihkan, terkadang Anda dapat mendengar melodi liris di dalamnya, dan Anda dapat merasakan hubungannya dengan asal-usul folk.

Tempat khusus dalam sejarah perkembangan konser instrumental abad 17 – 18. milik komposer Italia, pemain biola virtuoso A. Vivaldi. Dalam konser komposer brilian ini, struktur khas konser instrumental berkembang, yang mengambil bentuk tripartit. Jika dalam Concerto Grosso karya A. Corelli suatu keseluruhan yang tertutup dibentuk oleh episode-episode solo yang pendek, maka dalam A. Vivaldi bagian-bagian solois lahir dari imajinasi yang tidak terbatas dan berlangsung dalam presentasi improvisasi yang bebas. Dalam konser A. Vivaldi, skala ritornellos orkestra meningkat, dan keseluruhan bentuknya memperoleh karakter dinamis baru. Pencipta resital mengupayakan suara yang cerah dan tidak biasa, mencampur warna nada instrumen yang berbeda, dan sering kali memasukkan disonansi ke dalam musik.

Perlu dicatat bahwa konser A. Vivaldi memberikan banyak kesempatan kepada para musisi untuk memamerkan permainan virtuoso mereka dan menunjukkan penguasaan instrumen yang sempurna. Dialog konser tertentu muncul antara solois dan peserta lain dalam pertunjukan konser. Dalam konser A. Vivaldi pergantian solo dan tutti menjadi ciri umum konser Allegro. Selain itu, ciri khas yang menentukan dari bentuk ini adalah rondalitas, yang menjadi konsekuensi dari sifat konser instrumental abad ke-17 – awal abad ke-18 yang meneguhkan kehidupan. Contoh mencolok dari gaya konser instrumental oleh A. Vivaldi adalah siklus “The Seasons”.

Tahap baru dalam evolusi konser instrumental dikaitkan dengan karya perwakilan mendiang Barok - J. S. Bach dan G. F. Handel. Penemuan para ahli pemikiran musik di bidang konser instrumental ini menjadi wawasan ke masa depan yang jauh. Kelimpahan kontras timbre, keragaman kombinasi ritme, interaksi intens antara solois dan ansambel-orkestra - semua ini mempersulit dan menafsirkan konser lebih dalam. Jadi, contoh mencolok dari keterampilan konser J. S. Bach adalah “Brandenburg Concertos” untuk berbagai komposisi instrumental dan “Italian Concerto”, yang menetapkan signifikansi independen clavier sebagai instrumen konser. Kami fokus pada fakta bahwa konser keyboard J. S. Bach-lah yang menentukan vektor perkembangan konser piano masa depan. Menurut kesaksian para peneliti, J. S. Bach telah lama bekerja di bidang genre konser; Dia dengan cermat mempelajari konser biola karya master Italia dan membuat transkripsi konser biola untuk clavier. Kemudian komposer mulai menulis konser biolanya sendiri dan mengaransemennya. Belakangan, J. S. Bach beralih menulis konser keyboardnya sendiri. Perlu dicatat bahwa, saat membuat konser keyboard, J. S. Bach mengikuti tradisi dan pengalaman para master Italia, yang diekspresikan dalam struktur siklus tiga bagian, tekstur ringan, ekspresi melodi, dan keahlian.

Konser instrumental solo juga mengungkap dasar vital yang mendalam dari karya G.F. Handel. Bukan suatu kebetulan bahwa dalam sebuah surat kepada salah satu temannya M.I. Glinka menulis: "Untuk musik konser - Handel, Handel dan Handel." Puncak kreativitas konser instrumental dari master luar biasa ini adalah Concerto Grosso - harta karun musik orkestra abad ke-18. Karya-karya ini dibedakan oleh ketelitian klasik dan pengekangan penulisan. Berbicara tentang kemeriahan genre ini dalam G.F. Handel, seseorang dapat mendefinisikan gayanya sebagai “Handelian baroque” dan mencirikannya sebagai gaya yang energik, hidup, cemerlang dengan kontras yang cerah dan ritme yang berlimpah. Konserto G. F. Handel memiliki melodi dan tekstur yang ketat, dan struktur komposisinya lebih singkat. Musik Concerto Grosso didominasi homofonik. Struktur setiap siklus bervariasi (dari dua hingga enam bagian); Setiap konser dicirikan oleh koneksi genre khusus, penampilan figuratif dan puitis tertentu. Dengan demikian, tradisi yang didirikan dalam musik konser abad ke-17 berkembang sepanjang abad ke-18.

Pencipta konser instrumental jenis baru adalah perwakilan dari klasisisme Wina. Dalam karya klasik Wina itulah konser instrumental menjadi genre musik konser baru, berbeda dari Concerto Grosso sebelumnya, serta dari konser tunggal abad ke-17. Dalam gaya klasik, tampilan komposisi siklik berubah, siklus tiga bagian normatif yang ketat ditetapkan, dengan aksentuasi bagian pertama sonata Allegro.

Karya konser J. Haydn, W. A. ​​​​Mozart, L. van Beethoven dalam bunyi dan skala pengembangan materi tematiknya tidak kalah dengan simfoninya dan memadukan prinsip musik solo dan konser-simfoni yang menjadi ciri khasnya. genre ini secara keseluruhan.

Terlepas dari kenyataan bahwa konser instrumental klasik Wina dikaitkan dengan simfoni, genre yang diteliti bukanlah jenis simfoni. Konser di era klasisisme berperan sebagai genre mapan yang independen dengan ciri-ciri tertentu. Komposisi orkestra sangatlah penting, yang mana kelompok dawai merupakan hal yang mendasar, dilengkapi dengan kelompok alat musik tiup kayu dan alat musik tiup, dan kadang-kadang digunakan alat musik perkusi. Praktek continuo praktis dihilangkan - instrumen keyboard meninggalkan komposisi utama orkestra. Instrumen solo (biola atau piano) menjadi peserta setara dalam kompetisi konser dan dialog konser. Pemain solo dan orkestra menjadi lebih dekat dalam teknik pertunjukannya, sehingga menciptakan kondisi interaksi yang lebih erat. Masuknya tema-tema baru dan variabilitas fungsi dalam penyajian satu tema menunjukkan terbentuknya interaksi jenis baru antara solois dan orkestra.

Kebaruan konser piano klasik juga terletak pada metode menunjukkan emosi. Jika konser instrumental barok merekam emosi yang tidak bergerak, maka konser era klasik menunjukkan transfer pengaruh dalam gerakan, perkembangan, dan kontras internal. Konsert barok yang stabil digantikan oleh konsert klasik yang dinamis.

Penggambaran proses pengalaman, perubahan afek, gambaran gerakan mental, memerlukan bentuk musik yang khusus. Pelaksanaan tugas semantik yang diberikan adalah bentuk sonata yang fungsinya memperkuat, mempertajam ketidakstabilan awal dan hanya pada akhirnya mencapai keseimbangan. Skala, pilihan komposisi orkestra yang tidak lazim, dan monumentalitas siklus konser piano klasik berkontribusi pada intensifikasi proses pembebasan batas-batas genre konser. Akibat asumsi inovatif tersebut, komposer diberi lebih banyak kesempatan untuk mewujudkan ide artistiknya. Perlu dicatat bahwa selain dramaturgi dan bentuk musik, konser piano klasik menunjukkan sikap terhadap irama dan tematik yang tidak khas untuk konser di era sebelumnya; hubungan antara solois dan orkestra diubah.

Seperti yang disaksikan para peneliti, genre konser piano klasik dapat dibandingkan dengan aksi teatrikal, di mana logika permainan musik bertindak sebagai logika situasi permainan dan berubah menjadi logika aksi panggung, yang memungkinkan dramaturgi yang kompleks dan subteks penulis yang tersembunyi menjadi kenyataan. diwujudkan melalui sarana genre konser.

Inovasi yang menentukan kemunculan konser piano era klasik juga merupakan sikap komposer dan pemain terhadap cadenza. Menurut kesaksian para peneliti, dalam genre konser di era sebelum klasisisme, perhatian khusus diberikan pada cadenza. Pada abad ke-18, ketika seni improvisasi bebas berkembang pesat, cadenza dianggap sebagai “puncak” pertunjukan. Cadenza-lah yang menunjukkan kecerdikan kreatif, serta keahlian pemainnya. Iramanya harus sesuai dengan suasana umum karya tersebut dan mencakup tema-tema terpentingnya. Setiap virtuoso kelas atas harus menguasai seni ini. Kemampuan berimprovisasi bukan hanya tanggung jawab seorang musisi, tetapi juga hak yang ia nikmati saat membawakan karya orang lain (penulis).

Perlu dicatat bahwa cadenza yang ditemukan dalam konser instrumental barok menyebabkan banyak siksaan bagi pemain yang tidak berpengalaman dalam improvisasi. Banyak pemain yang mempelajari iramanya terlebih dahulu. Lambat laun, irama yang disisipkan mulai dipaksa keluar dari konser. Selama periode klasisisme Wina terjadi perubahan besar dalam sifat struktur irama, yang menyelesaikan transisi irama dari kerangka budaya improvisasi menjadi tradisi tertulis murni. Dalam bentuk konser klasik yang sudah mapan, cadenza, sebagai pertunjukan solo virtuoso oleh pemainnya, merupakan bagian wajib dari bentuk tersebut. Langkah pertama ke arah ini diambil oleh L. van Beethoven, yang menulis seluruh cadenza seluruhnya dalam catatan di Konserto Kelimanya. Dalam konser piano era klasik, cadenza yang rumit dan virtuoso adalah hal biasa. Awal cadenza, paling sering, ditekankan dengan akord yang cerah atau bagian yang virtuoso. Saat penggalan konser ini diputar, perhatian pendengar semakin tajam. Prinsip-prinsip yang digunakan untuk membangun irama dikonkretkan oleh unsur-unsur kejutan, permulaan virtuoso yang cemerlang, dan keterlaluan. Ketika mengeksplorasi kekhasan pembentukan dan perkembangan irama dalam konser piano, disarankan untuk mengutip aturan dari “Sekolah Piano” oleh D. G. Turk: “Irama seharusnya tidak hanya mendukung kesan yang dibuat oleh karya musik, tetapi juga , sedapat mungkin perkuat. Cara paling pasti untuk mencapai hal ini adalah dengan menyajikan pemikiran utama yang paling penting dalam cara yang sangat ringkas dalam irama atau mengingatkannya dengan bantuan bergantian. Oleh karena itu, irama harus berkaitan erat dengan karya yang dibawakan dan, terlebih lagi, iramanya harus mengambil bahan utama dari karya tersebut. Irama, seperti halnya ornamen bebas lainnya, tidak boleh terdiri dari kesulitan-kesulitan yang sengaja dibuat, melainkan pemikiran-pemikiran yang sesuai dengan karakter utama drama tersebut.

Konserto piano era klasik merupakan genre yang mengusung tema musik, tidak hanya sebagai pembawa ekspresi tertentu, tetapi juga sebagai gambaran artistik yang mengandung potensi pengembangan. Dalam konser piano itulah komposer sekolah klasik Wina mencapai penguasaan tertinggi di bidang pengembangan tematik, pengembangan, menggunakan berbagai teknik - mengubah nada suara, harmonisasi, ritme, dan elemen melodi. Ciri khasnya juga adalah pembagian tema menjadi motif-motif tersendiri, yang dengan sendirinya mengalami berbagai transformasi dan dipadukan satu sama lain dengan cara yang berbeda-beda. Materi tematik konser piano klasik Wina dibedakan berdasarkan relief figuratif dan karakter individualnya.

Salah satu sumber musik terpenting adalah musik daerah. Mengandalkan kekayaan seni lagu daerah, perwakilan aliran klasik Wina mencapai pemahaman baru tentang melodi, fungsi dan kemampuannya.

Tema musik konser piano klasik Wina, yang dipengaruhi oleh gaya bel canto Italia, sangatlah unik. Seperti yang dinyatakan oleh G. F. Telemann: “Nyanyian adalah dasar universal dari musik. Siapa pun yang menggarap komposisinya harus bernyanyi di setiap bagian. Siapa pun yang memainkan alat musik harus pandai menyanyi.” Karena bel canto melibatkan kombinasi ornamen cantilena dan virtuoso yang indah, dalam konser piano klasik ada dua jenis tema: tema yang dekat dengan vokal cantilena dan kompleks tematik virtuoso. Dalam hal ini, solois tampil dalam dua peran - sebagai musisi yang terinspirasi dan pemain virtuoso.

Perwakilan aliran klasik Wina menyadari dirinya dalam genre konser piano dengan cara yang cukup menarik dan beragam, sehingga membangkitkan minat dan perkembangan genre ini di era romantisme, serta dalam karya komposer abad ke-20.

Para peneliti secara tradisional mengidentifikasi hal-hal berikut sebagai sifat spesifik yang paling penting dari genre konser piano: logika permainan, keahlian, improvisasi, kompetisi, konser.

Prinsip pembentuk genre dari konser klasik adalah permainan. Dalam konser instrumental komponen kunci dari permainan ini terwujud sepenuhnya - pertentangan antara prinsip dan persaingan yang berbeda. Dalam musikologi, konsep permainan logika musik digunakan oleh E. V. Nazaikinsky. Karya brilian ilmuwan (“The Logic of Musical Composition”) menyajikan definisi dari definisi yang diteliti sebagai logika pertunjukan konser, benturan berbagai instrumen dan kelompok orkestra, berbagai komponen jalinan musik, berbagai garis perilaku, bersama-sama membentuk gambaran teatrikal “stereofonik” dari aksi yang berkembang. Karena konsep permainan sangat menentukan genre konser, mari kita bahas lebih detail karakteristiknya.

Literatur ensiklopedis menyajikan definisi permainan sebagai berikut: “permainan adalah suatu jenis aktivitas tidak produktif yang bermakna, yang motifnya terletak pada hasil dan proses itu sendiri.”

Permainan ini merupakan atribut dari setiap pertunjukan musik dan teater. Di antara konsep permainan modern, tempat khusus ditempati oleh teori sejarawan budaya Belanda J. Huizinga, yang mengkaji fungsi budaya permainan dalam perkembangan sejarahnya. Karya-karya ilmuwan mengatakan bahwa "permainan", pertama-tama, adalah aktivitas bebas. Bermain berdasarkan pesanan bukan lagi sebuah permainan. J. Huizinga menemukan hubungan antara musik dan permainan melalui upaya menemukan istilah-istilah yang umum untuk kedua konsep tersebut. “Permainan ini berada di luar kehati-hatian dalam kehidupan praktis, di luar lingkup kebutuhan dan kemaslahatan. Hal yang sama berlaku untuk ekspresi musik dan bentuk musik. Hukum permainan beroperasi di luar norma akal, kewajiban, dan kebenaran. Hal yang sama berlaku untuk musik... Dalam aktivitas musik apa pun ada permainan. Baik musik menyajikan hiburan dan kegembiraan, atau berupaya mengekspresikan keindahan yang luhur, atau memiliki tujuan liturgi yang sakral, musik tetaplah sebuah permainan.”

Permainan ini terungkap di hadapan pendengar sebagai rangkaian peristiwa yang menarik, yang masing-masing, sebagai respons terhadap peristiwa sebelumnya, pada gilirannya menimbulkan respons baru atau aliran pemikiran baru. Logika permainan berkembang dalam musik sebagai memainkan alat musik. Seperti yang dikatakan oleh komposer besar Jerman R. Schumann, “kata “bermain” adalah kata yang sangat bagus, karena memainkan suatu alat musik harus sama dengan memainkannya. Jika kami tidak memainkan alat musik, kami juga tidak akan memainkannya.”

Dalam genre konser, logika permainan sangatlah penting. Gradasi dinamika dalam mikrokosmos logika permainan seringkali menjadi sarana perbandingan yang kontras, intrusi, dan aksen yang tidak terduga. Seperti yang dicatat oleh E.V. Nazaikinsky, pada tingkat komposisi, logika permainan dapat memanifestasikan dirinya dalam interpretasi bentuk yang khusus. Secara sintaksis, dalam “figur permainan” khusus. Sebagai “figur permainan”, ilmuwan mengidentifikasi hal-hal berikut: perubahan mode, jebakan intonasi, invasi, kontestasi, isyarat kedua, pengulangan yang tidak terlihat, pemotongan pukulan, revolusi, tumpang tindih, penggabungan, mengatasi rintangan, nada macet, pilihan varian -up, kesalahan permainan dll. Perlu dicatat bahwa peserta dalam aksi permainan dapat bertindak sebagai struktur tematik tertentu, serta motif kecil dan isyarat musik pendek. Kombinasi keduanya membentuk dasar logika permainan instrumental.

Sifat menyenangkan dari konser piano diwujudkan melalui keahlian. Kami fokus pada fakta bahwa elemen penentu keahlian adalah keterampilan pertunjukan musisi, yang harus jauh lebih baik daripada pemain rata-rata. Virtuoso (dari virtuoso Italia - dari bahasa Latin Virtus - keberanian, bakat) - seorang pemain yang ahli menguasai teknik seni. Penyebutan "virtuoso" pertama kali dikaitkan dengan Italia pada abad 16-17. Istilah ini dimaksudkan untuk seseorang yang menonjol dalam bidang intelektual atau seni apa pun. Istilah ini telah berkembang seiring berjalannya waktu, secara bersamaan memperluas dan menyusutkan cakupannya. Awalnya, musisi dianugerahi klasifikasi ini karena menjadi komposer, ahli teori, atau maestro terkenal, yang lebih penting daripada penampilan ahli.

Konser sebagai sebuah genre melibatkan manifestasi demonstratif di depan umum dari keterampilan musisi yang tampil dan keahliannya. Pada saat yang sama, keahliannya tunduk pada konten internal musik dan merupakan elemen organik dari gambar artistik. Perlu juga dicatat bahwa keahlian tidak lebih dari prinsip artistik kepribadian manusia dan merupakan bagian dari gaya pertunjukan musisi itu sendiri. Untuk pertama kalinya, genre konser mewujudkan kesatuan organik antara keahlian dan melodi. Keahlian dalam peran solois, di satu sisi, menjadikannya pemimpin dalam dialog dengan orkestra, dan di sisi lain, berkontribusi pada “keramahan” genre konser itu sendiri.

Prinsip yang sama pentingnya yang menentukan sifat genre konser piano adalah prinsip kompetisi. Perlu dicatat bahwa gagasan kompetisi berakar pada Yunani kuno, tempat lahirnya Olimpiade. Hingga saat ini, persaingan menentukan hampir semua bidang kehidupan manusia, mendorong ekspresi kreatif, serta realisasi diri kreatif individu. Prinsip persaingan dalam musik, khususnya dalam konser instrumental, tidak berarti konfrontasi “serius”. Kompetisi konser adalah suatu situasi bersyarat yang merasakan suasana dialog yang diungkapkan dalam “komunikasi” para peserta utama kompetisi. Oleh karena itu, persaingan dalam sebuah konser hanyalah gambaran ideal dari konfrontasi antara solo dan orkestra. Daya saing melibatkan pergantian ucapan pemain solo dan penampilan orkestra secara bergantian, oleh karena itu beberapa pemikiran dapat muncul baik dari pihak peserta utama dalam kompetisi, maupun dalam pertunjukan orkestra murni dengan atau tanpa partisipasi pemain solo. Perlu dicatat bahwa dalam kompetisi konser, seperti dalam aksi permainan lainnya, yang penting bukanlah hasil (siapa yang pertama?), melainkan aksi itu sendiri, melainkan fakta adanya konfrontasi tersebut.

Berbagai jenis hubungan antara orkestra dan solois, yang menentukan cara khusus pengorganisasian tekstur materi musik, serta instrumentasi konser, ditentukan oleh prinsip-prinsip pertunjukan konser. Kami fokus pada fakta bahwa prinsip konsertisasi pertama kali diterapkan di Italia, pada pergantian abad 16 – 17, dalam penafsiran konser vokal dan instrumental. Namun, berdasarkan penelitian ilmiah sejarawan musik Jerman A. Schering, kita dapat berbicara tentang asal usul prinsip ini yang lebih kuno. Menurut peneliti, asal muasalnya "...dapat ditelusuri kembali ke zaman kuno, ke peralihan nyanyian dalam tragedi Yunani dan ke mazmur Yahudi kuno, yang kemudian ditemukan kembali pada Abad Pertengahan sebagai antifora dalam ritual Katolik." Ini merupakan indikasi asal mula musikal dan dramatis dari konser tersebut. Menurut B.V. Asafiev, melalui konsertisasi ciri-ciri dialog instrumental sebuah konser diwujudkan, berdasarkan pengungkapan impuls-impuls yang tertanam dalam tesis, yang peranannya dapat dimainkan oleh berbagai unsur, hingga nyanyian atau “the pasangan suara yang paling sederhana”, belum lagi konstruksi yang diperluas seperti tema melodi.

Teknologi konser, yaitu interaksi pemain solo dengan orkestra dalam genre konser, bermula dari konser A. Vivaldi. Poin mendasarnya adalah pergantian tutti dan solo, genre dan pemrograman, penggunaan timbre, sarana ekspresi dinamis dan ritmis. Kombinasi fitur-fitur ini, dalam kombinasi yang harmonis, meningkatkan signifikansi dan relevansi prinsip konser. Perlu dicatat bahwa di era klasik Wina, prinsip ini berubah secara signifikan. Konser menjadi terkait erat dengan pengembangan tematik. Improvisasi oleh solois (irama) disediakan. Peran solois bersifat ornamen virtuositas.

Penerapan ekspresi diri yang bebas dan kreatif dalam konser piano merupakan prinsip improvisasi. Prinsip ini melambangkan perwujudan tertinggi dari sifat main-main sebuah konser piano. Improvisasi merupakan konsekuensi dari inisiatif kreatif spontan dari musisi yang tampil. Hakikat improvisasi terletak pada unsur baru interpretasi karya dan aspek ekspresi musik.

Perlu dicatat bahwa peran melakukan improvisasi dalam aktivitas musisi abad ke-17 - paruh pertama abad ke-18 sangat besar. Menurut praktik pada masa itu, pianis seharusnya menggunakan motif musik sebelumnya dalam improvisasi yang santai, tetapi ia juga dapat memasukkan tema-tema baru yang asing ke dalamnya. Dalam konser instrumental era ini, terdapat episode musikal dimana orkestra terdiam, dan pemain solo mendapat kesempatan untuk menunjukkan keahlian dan imajinasinya. Diketahui bahwa W. A. ​​​​Mozart dan L. van Beethoven adalah improvisasi hebat, yang tercermin dalam konser piano mereka.

Kecepatan reaksi artistik, kecerahan gambar yang muncul secara tiba-tiba, kecerdikan dalam perubahannya yang akut adalah kualitas yang harus dimiliki seorang improvisasi. Perkenalan solois, cakupan tema yang bervariasi secara tiba-tiba, perbandingannya, kontras harmoni dan warna orkestra ditandai dengan kejutan improvisasi. Namun perubahan ini disatukan oleh logika musik yang bijaksana. Sifat improvisasi juga merupakan ciri cadenza dari konserto klasik, tetapi prinsip improvisasi dalam cadenza dari konser piano klasik diatur secara ketat.

Jadi, setelah memeriksa ciri-ciri asal usul dan perkembangan konser piano, serta menganalisis secara spesifik sifat genre-nya, kami sampai pada kesimpulan bahwa konser piano adalah salah satu genre musik instrumental monumental terbesar. Munculnya genre yang diteliti dikaitkan dengan munculnya gaya homophonic dalam musik. Kristalisasi fitur genre utama konser (struktur kontras multi-bagian, prinsip kompetisi dan improvisasi, citra yang jelas) dilakukan di era Barok (karya A. Vivaldi, A. Corelli, J. S. Bach, G. F. Handel). Tonggak baru dalam sejarah perkembangan genre konser piano dibuka oleh para master “klasisisme Wina” (J. Haydn, W. A. ​​​​​​Mozart, L. van Beethoven). Konser piano para inovator kosakata musik ini dibedakan berdasarkan skala konsepnya, dramatisasi gambar musik, kecerahan melodi, pengembangan simfoni materi tematik, dan keahlian dengan hubungan organik yang hebat antara solois dan orkestra. . Esensi genre konser piano ditentukan oleh prinsip-prinsip berikut: logika permainan, keahlian, improvisasi, kompetisi, konser. Prinsip-prinsip yang teridentifikasi tidak hanya menentukan ciri-ciri struktur dan isi konser, tetapi juga membentuk bidang tugas dan metode penyelesaiannya dalam praktik pertunjukan pianis.

Hasil yang disajikan dalam karya ini tidak mengklaim sebagai studi lengkap dari masalah yang dianalisis dan tidak menyarankan pengembangan lebih lanjut. Disarankan untuk mempelajari ciri-ciri penerapan sifat genre konser menggunakan contoh spesifik karya konser komposer klasik, serta perwakilan budaya musik paruh kedua abad ke-19 – awal abad ke-21.

LITERATUR

1. Alekseev A.D. Sejarah seni piano: buku teks untuk siswa musik. universitas: pada jam 3 / A.D. Alekseev. – Ed. ke-2, putaran. dan tambahan – Bagian 1. – M.: Muzyka, 1967. – 286 hal.
2. Asafiev B.V. Bentuk musik sebagai proses / B.V. Asafiev. – Ed. ke-2. – M.: Musik, Leningrad. departemen, 1971. – 373 hal.
3. Badura-Skoda E. Interpretasi Mozart / E. Badura-Skoda, P. Badura-Skoda. – M.: Musik, 1972. – 373 hal.
4. Ensiklopedia Besar Soviet / bab. ed. B.A.Vvedensky. – Ed. ke-2, putaran. dan tambahan – M.: TSB, 1954. – T.28. – 664 hal.
5. Konserto piano Druskin M. S. Mozart / M. S. Druskin. – Ed. ke-2. – M.: Muzgiz, 1959. – 63 hal.
6. Kamus ensiklopedis musik / bab. ed. G.V.Keldysh. – M.: Burung hantu. Ensiklik, 1990. – 672 hal.
7. Nazaikinsky E.V. Logika komposisi musik / E.V. – M.: Muzyka, 1982. – 320 hal.
8. Rosenschild K. K. Sejarah musik asing: hingga pertengahan abad ke-18 / K. K. Rosenschild. – Ed. ke-3, putaran. dan tambahan – Jil. 1. – M.: Muzyka, 1973. – 375 hal.
9. Tarakanov M. E. Konser instrumental / M. E. Tarakanov. – M.: Pengetahuan, 1986. – 55 hal.
10. Huizinga J. Homo Ludens. Dalam Bayangan Hari Esok / J. Huizinga. – M.: Kemajuan, 1992. – 464 hal.

KONSER PIANO PRISCHEPA N. A.: SEJARAH, TEORI MASALAH

Publikasi ini menyajikan analisis genre piano konserto sebagai salah satu jenis musik instrumental. Ciri-ciri perkembangan sejarah genre yang diteliti diuraikan. Fitur struktural dan genre konser diidentifikasi dan dianalisis.

Kata kunci: konser piano, genre, struktur, bentuk musik.

PRISCHEPA N. A. PIANO CONCERTO: SEJARAH, TEORI PERTANYAAN

Artikel ini membahas tentang analisis genre konser piano sebagai bentuk musik instrumental. Ciri-ciri perkembangan genre ditentukan. Karakteristik struktural dan genre konser piano dianalisis.

Kata kunci: konser piano, genre, struktur, bentuk musik.

Konser instrumental

Kata ini sendiri tentunya sudah tidak asing lagi bagi Anda, terutama pada arti pertamanya. “Konser,” kata kamus musik, “adalah pertunjukan publik atas karya-karya menurut program yang telah disusun sebelumnya.”

Namun faktanya kata ini memiliki arti lain: ini adalah nama komposisi alat musik (atau suara) yang diiringi orkestra. Tapi kenapa disebut demikian? Dan mengapa para peserta kompetisi harus memainkan konser tersebut?

Kata ini dapat diterjemahkan sebagai “kompetisi”, jadi “Konser Piano dan Orkestra” adalah kompetisi antara pianis dan orkestra simfoni.

Kapan Anda tertarik menonton acara olahraga? Ketika “lawan” memiliki kekuatan dan keterampilan yang setara, bukan? Karena jika tim lemah dan kuat atau jagoan olah raga bertanding dengan amatir pemula, maka sudah jelas sebelumnya siapa yang menang. Dan ini sama sekali tidak menarik.

Konser tersebut melibatkan kompetisi antara beberapa alat musik dan... keseluruhan orkestra simfoni. Itu dia! Mungkinkah seruling kecil atau biola yang rapuh dan anggun bisa menang, atau setidaknya, dalam istilah olahraga, “menghasilkan hasil imbang” dengan jumlah sebesar itu? Kompetisi macam apa ini?

Luar biasa, teman-teman, kompetisi yang luar biasa! Karena kekuatan, kekuatan, dan kecemerlangan orkestra simfoni dikontraskan dengan bakat pemain solo, keterampilannya, dicapai melalui kerja keras bertahun-tahun. Saya akan memberi tahu Anda sebuah rahasia bahwa pemenangnya hampir selalu adalah orang yang pada pandangan pertama tampak paling lemah. Penyanyi solo menundukkan orkestra. Tentu saja, hanya jika dia adalah seorang musisi sejati, pemain berbakat, karena baginya ini adalah ujian yang sangat serius. Dan ketika tidak ada keterampilan dan bakat, orkestra menang. Tapi betapa menyedihkan kemenangan ini. Ada kemenangan, tapi tidak ada musik.

Musik konser. Anda tidak akan menemukan kesulitan apa pun di dalamnya! Bagian-bagian yang rumit hingga membingungkan, akord yang kuat, tangga nada yang bergulir dengan cepat... Ini semua disebut kesulitan teknis, menguji kefasihan jari, kekuatan pukulan - singkatnya, keterampilan pertunjukan pemusik. Dan sang komposer, ketika membuat sebuah konser, selalu memikirkan bagaimana seorang musisi dapat menunjukkan segala keahliannya dalam karya tersebut.

Namun, jika sang komposer hanya memikirkan hal ini, jika konsernya hanya berisi tugas dan teka-teki yang cerdik, maka tidak bisa disebut sebagai karya seni yang nyata. Karya seperti itu tidak memiliki hal yang paling penting - pemikiran, konten.

Inilah yang ditulis Tchaikovsky tentang konser tersebut: “Ada dua kekuatan yang setara di sini, yaitu orkestra yang kuat, sangat kaya akan warna, yang dengannya ia bertarung dan menang (tergantung pada bakat pemainnya) yang kecil, tidak mencolok, tapi lawan yang berkemauan keras. Ada banyak puisi dalam perjuangan ini dan jurang kombinasi yang menggoda bagi sang komposer.”

Jika halaman-halaman buku dapat mulai berbunyi setelah kata-kata ini, kita akan segera mendengar akord orkestra yang cerah dan terdengar penuh - awal dari Konser Piano Pertama. Dengan bunyi pertama musik ini, kegembiraan seolah-olah menyerbu ke dalam aula. Betapa kecil dan lemahnya pianis yang duduk di depan piano itu. Suara orkestra yang kuat seolah mengisolasinya dari aula dengan dinding tebal.

Dan sebuah suara baru mengalir ke dalam kumpulan suara yang gembira ini seperti lonceng yang perkasa. "Mendengarkan! - akord yang terukur dan khusyuk sepertinya memberitahu kita. Mau tak mau kamu mendengarkanku." Dan kami mendengar, kami mendengar dengan sempurna suara piano yang nyaring dan kuat. Biola meledak menjadi melodi yang lebar dan, menenangkan kegembiraan mereka yang tak terkendali, orkestra perlahan-lahan terdiam.

Sekarang hanya piano yang berbunyi... Akord dan bagian yang hebat saling menggantikan, menghiasi melodi dengan pakaian yang berkilau dan kaya. Namun pihak orkestra belum bisa menerima hal tersebut. Dia tidak akan menyerah begitu saja, dia tidak akan menyerah tanpa perlawanan. Perdebatan sengit pun terjadi. Tema utama terdengar baik di orkestra atau di bagian piano... Ya, tentu saja, pertama-tama, ini adalah musik yang indah. Musik sungguhan, bukan hanya trik yang membingungkan dan virtuoso.

Biasanya musik konsernya cerah, ceria dan elegan. Saya harus memberitahu Anda bahwa kata "konser" diterjemahkan tidak hanya sebagai "kompetisi", tetapi juga sebagai "kesepakatan". Artinya persaingan selalu bersahabat.

Namun tentunya saat mendengarkan sebuah konser terkadang Anda akan merasa sedih, bermimpi, dan memikirkan sesuatu. Terkadang musiknya bisa sangat kelam, bahkan tragis. Misalnya, dalam konser biola Shostakovich atau Konser Piano Ketiga, yang akan kita bahas nanti. Namun, hal ini lebih jarang terjadi.

Warna musik yang halus dan ekspresif dari konser biola Felix Mendelssohn dipadukan di sini dengan ketelitian bentuk. Komposer mencapai drama tingkat tinggi di sini, yang memungkinkan kita berbicara tentang hubungannya dengan tradisi simfoni Beethoven. Pada saat yang sama, konser ini dipenuhi dengan semangat romantisme - dari nada pertama hingga nada terakhir. Ini memusatkan ciri-ciri paling khas dari karya Mendelssohn - lirik, nyanyian, keanggunan, rasa keindahan dan harmoni dunia sekitarnya.

Konserto adalah karya multi-gerakan yang besar (walaupun ada juga konser satu gerakan). Biasanya ada tiga bagian. Yang pertama adalah yang paling efektif, “bidang perjuangan utama”. Yang kedua lambat, liris. Gambarannya sering dikaitkan dengan alam. Bagian ketiga adalah final. Musik di bagian akhir sering kali sangat ceria, bertempo cepat, dan cemerlang.

Seperti apa struktur ini? Ya, tentu saja, sebuah simfoni! Sebuah simfoni kecil. Hanya dengan karakter baru - seorang solois.

Berbeda dengan simfoni, konser memiliki apa yang disebut cadenza - sebuah episode besar yang dibawakan oleh solois tanpa orkestra. Menariknya, pada zaman dahulu, ketika bentuk konser baru mulai muncul, cadenza digubah bukan oleh komposernya, melainkan oleh pemainnya sendiri. Komposer hanya menunjukkan tempat yang seharusnya (biasanya pada gerakan pertama). Kemudian cadenza itu seperti sisipan nomor di mana sang solois menunjukkan seluruh keahliannya dan menunjukkan kemampuan alat musiknya. Tidak sulit untuk menebak bahwa manfaat musik dari cadenza semacam itu, sebagian besar, tidak terlalu bagus dan tidak memainkan peran besar dalam konten karyanya.

Dia adalah orang pertama yang menulis cadenza untuk seorang pianis di Konserto Piano Keempatnya. Sejak saat itu, hal ini menjadi aturan. Cadenza tidak lagi menjadi “alien” dalam musik konser secara umum, meskipun hingga hari ini mereka tetap mempertahankan keahlian dan kecemerlangannya dan masih memberikan kesempatan bagi pemain untuk menunjukkan keterampilan nyata, untuk menunjukkan semua kemampuan alat musik, baik itu piano atau seruling, biola atau trombon.

Kami mengatakan bahwa konser adalah sebuah kompetisi, tetapi pertama-tama, tentu saja, ini merupakan ujian yang sangat serius bagi seorang solois, ujian yang serius untuk gelar musisi yang tampil sesungguhnya.

Sekarang Anda mungkin mengerti mengapa pertunjukan konser selalu diikutsertakan dalam program kompetisi.

Dan jika soloisnya adalah musisi sejati dan berbakat, maka...

Teks oleh Galina Levasheva.

Presentasi

Termasuk:
1. Presentasi - 10 slide, ppsx;
2. Suara musik:
Chaikovsky. Konserto untuk piano dan orkestra No.1. I. Allegro non troppo e molto maestoso (fragmen), mp3;
Rachmaninov. Konserto untuk piano dan orkestra No.3. I. Allegro (fragmen), mp3;
Mendelssohn. Konsert untuk biola dan orkestra. I. Allegro molto appassionato (fragmen), mp3;
Beethoven. Konserto untuk piano dan orkestra No.4. I. Allegro moderato. irama, mp3;
3. Artikel pendamping, docx.

Tujuan pelajaran:

• Pendidikan: mengenalkan siswa pada asal usul dan perkembangan genre konser instrumental dengan menggunakan contoh konser “The Four Seasons” karya A. Vivaldi, mengkonsolidasikan gagasan tentang berbagai jenis konser, memperluas gagasan tentang program musik.
• Pembangunan: terus memperkenalkan contoh-contoh terbaik musik Barok.
• Pendidikan: menumbuhkan daya tanggap emosional terhadap persepsi musik klasik, mengembangkan minat dan rasa hormat terhadap warisan musik komposer dari negara lain.

Peralatan: proyektor multimedia, buku teks G.P. Sergeeva, E.D. Kritskaya “Musik” untuk kelas 6, buku catatan kreatif untuk buku teks ini, fonograf untuk buku teks “Musik” untuk kelas 6, buku kerja, kamus musik.

Rencana belajar:

1. Momen organisasi.
2. Era Barok - komposer, genre, gambar musik.
2.1. Perkembangan genre konser dalam karya A. Vivaldi.
2.2. Sejarah balet "The Seasons".
2.3. Penampil dan kelompok pertunjukan kontemporer.
3. Pekerjaan rumah.

SELAMA KELAS

1. Momen organisasi

Ucapan salam berupa lantunan vokal yang dibawakan oleh guru:

- Halo teman-teman, halo! (Gerakan ke atas secara bertahap dari derajat pertama ke derajat kelima sesuai dengan suara triad tonik).
Jawaban anak-anak:

Halo, guru, halo! (Pengulangan lengkap dari nyanyian aslinya).

2. Mempelajari materi baru.

Musik menginspirasi seluruh dunia, membekali jiwa dengan sayap, mendorong terbangnya imajinasi,
musik memberi kehidupan dan kegembiraan pada segalanya...
Dia bisa disebut perwujudan dari segala sesuatu yang indah dan agung.

Plato

Guru: Pada pelajaran musik pertama di kelas 6, kita berbicara tentang keragaman musik: musik bisa vokal dan instrumental. Topik pelajaran kita hari ini adalah “Konser Instrumental”. Harap sebutkan genre musik instrumental dan kemungkinan susunan pemainnya. (Anak-anak menyebutkan genre simfoni, konser, vokal, lagu tanpa kata, sonata, suite dan komposisi pertunjukan - musik solo, orkestra ansambel). Carilah arti kata "Konser" dalam kamus musik.

(Anak-anak mencari kata yang diberikan dan membacakan definisi yang ditemukan dengan lantang).

Murid: Konser (itu. konser dari lat. – konser– Saya berkompetisi) disebut:

1. Pertunjukan publik karya musik.
2. Genre karya musik besar yang bersifat virtuoso untuk solois dengan orkestra, paling sering ditulis dalam bentuk siklus sonata.
3. Musik vokal polifonik atau musik instrumental vokal, berdasarkan perbandingan dua bagian atau lebih. Konser ini dibangun dalam tiga bagian (cepat - lambat - cepat).
Dalam sejarah musik, ada konser untuk instrumen solo dan orkestra, untuk orkestra tanpa solois; genre konser paduan suara spiritual muncul dalam musik Rusia pada abad ke-18.

Guru: Dalam buku teks (hlm. 108-110), dalam rangkaian visual, kita akan membahas reproduksi lukisan “Musim Semi” karya S. Botticelli dan relief karya F. Goujon. Gaya musik artistik apa yang akan Anda gunakan untuk membuat soundtrack karya seni ini? Topik pelajaran hari ini adalah “Konser Instrumental”. Anda akan mengenal asal usul dan perkembangan genre musik kamar - konser instrumental. Ingat nama gaya seni dalam budaya dan seni negara-negara Eropa pada periode 1600-1750; karya-karya komposernya berasal dari era Barok. (Anak-anak harus mendefinisikan kata-kata ini dari topik “Gambar Musik Suci Eropa Barat”, sebutkan nama J.S. Bach, buku teks hal. 66). Anda dengan benar menyatakan arti kata ini. Barok adalah salah satu gaya seni yang paling indah dan canggih. Konon berasal dari ungkapan Portugis pleurabarocco- mutiara dengan bentuk yang aneh. Memang Barok merupakan mutiara dalam mata rantai perubahan nilai seni dalam seni lukis, arsitektur, patung, sastra, musik

Bagi ahli Barok, penting untuk menangkap keindahan ilahi dalam hidup. Barok sebagai gaya artistik bercirikan ekspresif, kemegahan, dan dinamika. Seni Barok berusaha untuk secara langsung mempengaruhi perasaan pemirsa dan pendengar serta menekankan sifat dramatis dari pengalaman emosional manusia. Dengan munculnya Barok, musik pertama kali menunjukkan sepenuhnya kemampuannya untuk perwujudan dunia pengalaman emosional manusia yang mendalam dan beragam. Genre musik dan teater, terutama opera, menempati posisi terdepan, yang ditentukan oleh keinginan khas Barok untuk ekspresi dramatis dan kombinasi berbagai jenis seni. Hal ini juga terlihat dalam bidang musik religi, yang genre utamanya adalah oratorio spiritual, kantata, dan passion. Pada saat yang sama, ada kecenderungan ke arah pemisahan musik dari kata-kata - menuju pengembangan intensif berbagai genre instrumental. Prestasi tertinggi budaya Barok diwakili dalam seni rupa (Rubens, Van Dyck, Velazquez, Ribera, Rembrandt), dalam arsitektur (Bernini, Puget, Coisevox), dalam musik (A. Corelli, A. Vivaldi, J. S. Bach, G .F.Handel). Era Barok diperkirakan terjadi pada tahun 1600-1750. Selama satu setengah abad ini, ditemukanlah bentuk-bentuk musik yang, setelah mengalami perubahan, masih ada hingga saat ini.

Dalam pelajaran hari ini Anda akan mengenal siklus konser “The Four Seasons”, yang merupakan puncak dari karya A. Vivaldi. Antonio Vivaldi adalah seorang pemain biola, komposer dan guru Italia.

Warisan kreatif Vivaldi sangat besar. Ini mencakup sekitar 700 judul. Diantaranya ada 19 opera. Namun makna sejarah utama karyanya adalah penciptaan konser instrumental solo. Sekitar 500 karya telah ditulis dalam genre ini. Banyak dari konsernya ditulis untuk satu atau lebih biola, dua untuk dua mandolin, dan beberapa untuk musik yang tidak biasa, seperti dua biola dan dua organ. Menulis konser untuk alat musik gesek, komposer adalah salah satu orang pertama yang beralih ke komposisi musik untuk alat musik tiup, yang dianggap primitif dan tidak menarik bagi komposer. Oboe, terompet, seruling, dan terompet terdengar penuh dan harmonis dalam konsernya. A.Vivaldi menulis konsert untuk dua terompet sesuai pesanan. Tentu saja, para pemainnya ingin membuktikan bahwa musik yang indah dan virtuoso dapat dimainkan dengan terompet. Hingga saat ini, pementasan konser ini menjadi bukti kepiawaian tertinggi para penampilnya. Komposer menulis banyak musik untuk bassoon - lebih dari 30 konser untuk bassoon dan orkestra. Di antara alat musik tiup, Vivaldi memberikan preferensi khusus pada seruling dengan timbre yang halus dan lembut. Di bagian-bagian yang ditugaskan pada seruling, ia berbunyi dengan suara penuh, menunjukkan semua kelebihannya.

Dalam karya A. Corelli, konserto grosso (perbandingan seluruh ansambel dengan beberapa instrumen) dibentuk. A. Vivaldi mengambil langkah maju dibandingkan pendahulunya: ia membentuk genre konser solo, yang berbeda secara signifikan dalam skala perkembangan, dinamisme, dan ekspresi musik. Komposisi konsernya bergantian bagian solo dan orkestra, berdasarkan “kontras yang terorganisir dengan baik.” Prinsip kontras menentukan bentuk konser tiga bagian: gerakan pertama – cepat dan energik; 2 – liris, merdu, bentuknya kecil; Bagian 3 adalah bagian terakhir, hidup dan cemerlang. Konser instrumental tunggal dirancang untuk khalayak luas, yang di dalamnya terdapat unsur hiburan, beberapa sandiwara, yang diwujudkan dalam persaingan antara solois dan orkestra - dalam pergantian tutti dan solo yang konstan. Inilah tepatnya arti dari konser, musik.

Siklus konser “The Seasons” merupakan puncak kreativitas A. Vivaldi.
Saya sarankan Anda mendengarkan bagian pertama dari konser tersebut. (Bagian pertama diputar, guru tidak menyebutkan judulnya).
– Pada tahun berapa musik ini dapat diasosiasikan? ? (Siswa menentukan intonasi awal, sifat musik, tempo cepat, kontras dinamika, momen artistik - tiruan kicau burung, musim semi).

Dunia tempat kita tinggal penuh dengan segala jenis suara. Gemerisik dedaunan, gemuruh guruh, suara ombak laut, desiran angin, dengkuran kucing, gemeretak kayu terbakar di perapian, kicauan burung…
Pada zaman dahulu kala, manusia menyadari bahwa ada suara yang berbeda: tinggi dan rendah, pendek dan panjang, teredam dan keras. Namun suara itu sendiri bukanlah musik. Dan ketika seseorang mulai mengaturnya untuk mengekspresikan perasaan dan pikirannya, musik pun muncul.
Bagaimana Anda mendeskripsikan melodinya? (Kemungkinan jawaban dari anak-anak: Anda dapat dengan jelas mendengar di mana orkestra dimainkan dan di mana biola solo berbunyi. melodi yang dibawakan oleh orkestra; melodi dalam mode mayor, sangat jelas, cerah, mudah diingat, dalam ritme tarian . Melodi yang dibawakan oleh solois jauh lebih kompleks, mahir, indah, dihiasi dengan nyanyian musik, mirip dengan kicau burung).

Meniru suara burung telah populer di kalangan musisi sepanjang masa. Nyanyian burung ditiru pada zaman dahulu, dan tiruan semacam itu masih ditemukan dalam cerita rakyat musikal berbagai bangsa. Para pemikir, ilmuwan, dan musisi mencari asal muasal musik dalam kicauan burung. “Musikalitas” banyak burung tidak pernah berhenti membuat takjub. Bukan tanpa alasan burung bulbul menjadi salah satu simbol seni pada umumnya, dan perbandingannya merupakan pujian bagi penyanyinya. Komposer era Barok menulis banyak musik "burung" yang indah - "Swallow" oleh C. Daquin, "Calling", "Chicken" oleh F. Rameau, "The Nightingale in Love" dan "The Nightingale - the Winner" oleh F. Couperin, banyak “Cuckoos” oleh Couperin, A. Vivaldi, B. Pasquini, dll. Apakah tema musik orkestra dan solois terkait? (Tema musiknya memiliki ritme yang sama, kegembiraan dinamis yang cerah, nafas ruang di alam, kegembiraan hidup sangat terasa).
– Alat musik manakah yang paling sempurna pada zaman Barok?

Betapa sedikitnya alat musik gesek yang digunakan A.Vivaldi dibandingkan dengan orkestra modern. Dalam versi aslinya, menurut rencana komposer, hanya ada lima senar. Ansambel gesek modern dimulai dengan orkestra kecil yang terdiri dari lima, kemudian sepuluh, dua belas, empat belas instrumen. Biola adalah instrumen orkestra yang paling penting, Cinderella dari orkestra simfoni modern. Hingga saat ini merupakan alat musik yang paling sempurna dari semua alat musik petik. Dia memiliki suara yang indah dan jangkauan yang luar biasa. Pada masa Vivaldi dan Bach, instrumen terbaik dalam sejarah dibuat. Di kota kecil Cremona di Italia, biola yang indah dan unik dibuat. Mari kita ingat nama Stradivari, Amati, Guarneri. Kota kecil ini terkenal dengan pengrajinnya. Selama tiga ratus tahun terakhir, tidak ada seorang pun yang mampu membuat biola lebih baik daripada para ahli Cremona. Dalam karyanya, A. Vivaldi menunjukkan kecemerlangan dan keindahan suara biola sebagai instrumen solo.

Musik merupakan salah satu bentuk seni. Seperti lukisan, teater, puisi, itu adalah cerminan kiasan kehidupan. Setiap seni berbicara dalam bahasanya sendiri. Musik - bahasa bunyi dan intonasi - dibedakan berdasarkan kedalaman emosionalnya yang khusus. Sisi emosional inilah yang Anda rasakan saat mendengarkan musik A. Vivaldi.

Musik memiliki pengaruh yang kuat pada dunia batin seseorang. Hal ini dapat membawa kesenangan atau sebaliknya menimbulkan kecemasan mental yang kuat, mendorong refleksi dan mengungkapkan aspek kehidupan yang sebelumnya tidak diketahui kepada pendengarnya. Musiklah yang diberi kemampuan untuk mengungkapkan perasaan yang begitu kompleks sehingga terkadang tidak mungkin diungkapkan dengan kata-kata.

Pikirkan, mungkinkah menampilkan balet dengan musik ini? Ketika seorang solois dan orkestra beradu keterampilan, mereka tentu harus bermain untuk penonton. Dalam pergantian suara orkestra dan biola solo yang terdengar cerah, dalam perasaan teater dan diskusi, dalam harmoni dan harmoni bentuk musik itulah ciri khas musik Barok dirasakan. Saat mendengarkan kembali bagian pertama konser, dengarkan struktur musik yang terdengar. Suara melodi dipadukan dengan iringan yang terus menerus dan ditentukan secara ketat. Hal ini berbeda dengan karya-karya periode sebelumnya, di mana polifoni memainkan peran dominan - bunyi simultan dari beberapa melodi yang sama pentingnya.

Jadi, konser A. Vivaldi “The Seasons” terdiri dari empat bagian. Nama setiap bagian sesuai dengan nama musimnya. Perkembangan citra musik setiap bagian tidak hanya didasarkan pada perbandingan bunyi biola solo dan tutti orkestra. Dalam konser tersebut, musik mengikuti gambaran soneta puitis, yang dengannya komposer mengungkapkan isi dari setiap konser dalam siklus tersebut, yaitu. ada beberapa program. Ada dugaan bahwa soneta tersebut ditulis oleh komposernya sendiri. Mari kita beralih ke terjemahan soneta, yang menjadi semacam program konser. Buku teks di halaman 110-111 menawarkan dua pilihan terjemahan. Menurut Anda, manakah di antara mereka yang paling cocok dengan gambaran musik bagian pertama dari konser “Musim Semi”? Melalui ekspresi apa teks sastra menyampaikan suasana hati seseorang, keadaan mental dan emosionalnya terkait dengan datangnya musim semi? A. Vivaldi, yang menggunakan program sastra dalam konsernya, adalah pendiri program musik. Pada abad ke-19, program musik muncul - sebuah karya yang didasarkan pada sastra.

Musik program adalah jenis musik instrumental. Ini adalah karya musik yang memiliki program verbal, seringkali puitis dan mengungkapkan isi yang tercetak di dalamnya. Program dapat berupa judul yang menunjukkan, misalnya fenomena realitas yang ada dalam benak penggubah (“Pagi” karya E. Grieg untuk drama G. Ibsen “Peer Gynt”) atau karya sastra yang menginspirasinya (“Romeo dan Juliet” oleh P. I. Tchaikovsky - pembukaan - fantasi berdasarkan tragedi dengan nama yang sama oleh W. Shakespeare).
Mari kita beralih ke bekerja dengan buku teks. Di halaman 109. Anda disuguhi tema utama bagian pertama konser “Musim Semi”. Saya akan mengingatkan Anda tentang suaranya dengan memainkan instrumennya. Bisakah kamu menyenandungkan melodi ini? Mari kita menyanyikan sebuah lagu. Mengetahui sarana ekspresi musik, mencirikan tema musik ini (siswa mengkarakterisasi melodi, mode, durasi, tempo, register, timbre). Apakah ini tema yang berulang? Dalam bentuk musik apa (rondo, variasi) gerakan pertama konser itu ditulis? Prinsip perkembangan apa (pengulangan atau kontras) yang digunakan komposer dalam musik gerakan pertama? Apakah ada episode visual? Jika ada, tentukan kebutuhannya dan konfirmasikan dengan contoh dari teks sastra. Bisakah Anda menyenandungkan melodi yang dibawakan oleh solois? (Sulit untuk dilakukan, bagian-bagian yang virtuoso, seperti embusan angin, kicauan burung). Bandingkan dengan representasi grafis dari melodi (gerakan menaik, durasi kecil, dll.). Kebutuhan untuk menciptakan musik instrumental terprogram muncul di Italia pada abad ke-17. Pada saat penggambaran tindakan heroik dan syair pastoral, gambar dunia bawah dan kekuatan alam - amukan laut, gemerisik dedaunan - menjadi mode di opera; orkestra memainkan peran dominan dalam adegan tersebut. Dibandingkan dengan komposer instrumentalis era Barok, A. Vivaldi menemukan bakat besar di bidang ini. Vivaldi dikenang sejak lama berkat J. S. Bach yang membuat beberapa transkripsi karyanya. Enam konser Vivaldi untuk piano dan organ, yang telah lama dianggap ditulis oleh Bach sendiri, diaransemen ulang. Karya A. Vivaldi mempunyai pengaruh yang besar terhadap pembentukan gaya kreatif J. S. Bach, khususnya konser biola pertama Vivaldi.

Anda akan sekali lagi beralih ke musik bagian pertama dari konser "Spring", tetapi pengalaman mendengarkannya akan tidak biasa: Anda berdua akan mendengarkan dan menonton penggalan balet "The Four Seasons" hingga musik A. Vivaldi , dipentaskan oleh koreografer Perancis terkemuka R. Petit. Balet dibawakan oleh rombongan Marseille.

Drama “Seasons” dipentaskan oleh koreografer yang berbeda dengan musik yang berbeda. Banyak komposer menulis musik tentang topik ini, seperti A. Vivaldi, P. I. Tchaikovsky, A. Glazunov, dan lain-lain. Ada versi pertunjukan yang berbeda: ini adalah empat musim, empat musim kehidupan, empat waktu dalam sehari. Pertunjukan hari ini oleh koreografer R. Petit didasarkan pada tema Balanchine. Mari kita beralih ke Ensiklopedia "Balet".

George Balanchine, lahir tahun 1904, koreografer Amerika. Karyanya berkontribusi pada pembentukan arah baru dalam koreografi. Ia mementaskan balet yang dramatis, komedi, dan lucu, sering kali didasarkan pada plot sederhana, di mana aksinya diungkapkan melalui tarian dan pantomim; Gaya balet sangat ditentukan oleh desain dekoratif yang memiliki makna tertentu. Arah karyanya ini mendapat perkembangan terbesar setelah tahun 1934. Balanchine mulai menciptakan balet dengan musik yang tidak dimaksudkan untuk tarian (suite, simfoni, termasuk konser Four Seasons). Dalam balet ini tidak ada plot, isinya terungkap dalam pengembangan gambar musik dan koreografi.

Ide untuk membuat balet bertema Balanchine, balet tanpa plot, neoklasik, tarian demi tarian, muncul di benak koreografer. Hasil dari keinginan ini adalah terciptanya balet “The Seasons”. Roland adalah seorang pria - seorang impresionis, rentan terhadap kesan. Berkat musik aduhai A. Vivaldi dan imajinasi kreatif sang koreografer, pertunjukan hari ini dapat dipentaskan. Salah satu ciri khas R. Petit sebagai koreografer adalah kesederhanaan dan kejelasan teks koreografinya. R. Petit adalah orang yang benar-benar dapat berkreasi ke segala arah dan dalam semua genre: ia membuat koreografi tarian untuk film, banyak pertunjukan musikal, dan pertunjukan dramatis. Dia menggelar pertunjukan di mana tarian adalah sesuatu yang ilahi, sesuatu yang membawa kesenangan dan kegembiraan bagi penontonnya. R. Petit adalah orang yang menyukai segala sesuatu yang indah. Untuk koreografinya, ia selalu berpedoman pada satu kriteria saja - keindahan, kombinasi harmonis antara musikalitas dan keindahan.

Balet "The Four Seasons" dipentaskan di salah satu alun-alun terindah di dunia - Piazza San Marco di Venesia. Arsitektur ilahi alun-alun adalah latar belakang pertunjukan ini. Para seniman yang menampilkan pertunjukan ini sangat legendaris, karena mereka adalah bintang tahun 70-80an. Ini Domenic Colfuni, Denis Gagno, Louis Gebanino. Kreativitas dan bakat mereka sangat diapresiasi oleh R. Petit. Secara khusus, Domenique Colfuni adalah salah satu balerina yang paling dicintai Petit. D. Colfuni adalah seorang balerina di Opera Nasional Paris, tetapi atas permintaan R. Petit dia pergi ke Marseille. Baginya, R. Petit menciptakan banyak pertunjukan, khususnya lakon “My Pavlova”. Sama seperti A. Pavlova yang pernah menjadi cita-cita koreografer M. Fokin, D. Colfuni menjadi “Pavlova” yang sama bagi R. Petit. (Lihat bagian dari balet "Musim", "Musim Semi").

Minat musisi profesional terhadap musik era Barok tidak surut. Pada tahun 1997, pemain harpsichordist dan barok Italia terkenal Andrea Marcon menciptakan Venice Baroque Orchestra. Selama empat tahun, grup ini mendapatkan ketenaran sebagai salah satu ansambel pertunjukan instrumental barok terbaik, terutama sebagai penafsir musik Antonio Vivaldi yang meyakinkan. Berbagai konser dan produksi opera orkestra di banyak negara Eropa telah mendapat pengakuan luas tidak hanya di kalangan masyarakat umum, tetapi juga di kalangan kritikus musik. Orkestra dengan penampilannya memberikan interpretasi baru kepada pendengar atas karya A. Vivaldi, F. Cavalli, B. Marcello.

Pada musim konser yang lalu, terdapat konser di 28 kota AS dengan pemain biola Robert McDuffie, tur di Jepang dan Korea dengan partisipasi pemain biola Giuliano Carmignolo, dan program karya Antonio Vivaldi ditampilkan di salah satu gedung konser terbaik di Amsterdam - Konsertogebouw. Berpartisipasi dalam berbagai festival di Austria, Swiss dan Jerman, orkestra tampil bersama solois terkenal seperti Magdalena Kozena, Cecilia Aartoli, Vivica Geno, Anna Netrebko, Victoria Mullova.
Diskografi orkestra yang luas telah menerima banyak penghargaan bergengsi. Ini mencakup rekaman konser biola oleh Vivaldi dan Locatelli, album simfoni dan konser string oleh Vivaldi, dan banyak karya komposer Barok yang dibawakan oleh musisi terkemuka di zaman kita.

Ketertarikan terhadap musik A. Vivaldi tidak kunjung surut. Gayanya dapat dikenali oleh banyak pendengar; musiknya cerah dan tidak kehilangan warnanya. Contohnya adalah daya tarik koreografer modern R. Petit terhadap musik Vivaldi dan produksi balet “The Seasons” yang luar biasa, penciptaan orkestra instrumental baru.

Apa rahasia popularitas musik A. Vivaldi? Mendengarkan musik seorang komposer dari masa lalu, apa yang membuat seseorang bahagia dan sedih? Apa yang dia perjuangkan, apa yang dia pikirkan dan bagaimana dia memandang dunia? Musik karya A. Vivaldi, musik masa lalu bisa dimaklumi. Perasaan, pikiran dan pengalaman manusia modern tidak berubah sama sekali dibandingkan masa lalu. Inilah kegembiraan hidup, persepsi dunia sekitar, yang dalam musik Vivaldi bersifat positif dan meneguhkan kehidupan. Konser dalam karya A. Vivaldi merupakan kelanjutan dari perkembangan genre konser instrumental, yang telah memperoleh bentuk akhir yang menjadi model bagi komposer Eropa generasi berikutnya.

3. Pekerjaan rumah: tugas di buku catatan kreatif dengan topik "Konser instrumental".