Ada banyak upaya untuk menjadikan panggung ini akademis dan menjadikannya sekuler. Seiring waktu, banyak bentuk musik pop mulai disebut sebagai genre klasik. Saat ini, tidak mungkin ada orang yang membandingkan musik akademis dan musik pop hanya sebagai musik yang serius dan menghibur. DI DALAM budaya modern kualitas-kualitas ini menyatukan berbagai jenis seni, bukan menentangnya.
Ada banyak contoh pertunjukan musik jazz dan pop orkestra simfoni dan penyanyi dengan produksi klasik Pilih. Jumlah yang banyak karya D. Gershwin di gaya jazz ditulis untuk paduan suara akademik. Sebaliknya, banyak artis pop yang menyajikan interpretasi karya klasik. Analisis komparatif estetika musik pop dan klasik bukanlah tujuan dari karya ini, kami tertarik pada kekhasan, ciri-ciri pertunjukan pop, asal-usul yang menyatukan semua bentuk yang beragam musik ini. Ada pendapat bahwa ciri utama bukan terletak pada musik itu sendiri, tetapi pada kepribadian pemainnya, citranya yang ditampilkan kepada publik selama penampilan suatu nomor musik.
Musik di sini berperan sebagai suatu bentuk yang membantu mewujudkan citra pelaku, tipe, karakter dan kondisinya. Tradisi pertunjukan pop ini berakar pada kehidupan sehari-hari dan penerapannya pertunjukan rakyat, yang telah ada di antara banyak orang selama ratusan tahun.
“Berbeda dengan musik “artistik”, yang merupakan objek kreativitas dan kontemplasi estetika yang berharga dan mandiri, musik ini tidak menjauhkan diri dari kehidupan sehari-hari. Ia tidak dihargai karena kedalaman dan kekuatannya pemikiran artistik atau kesempurnaan arsitektur suara, tetapi untuk kemampuan menanggapi secara sensitif kebutuhan emosional setiap orang, kemampuan untuk “mencurahkan” jiwa, kemampuan “di sini dan saat ini” untuk mengangkat suasana hati atau kesedihan, untuk mengatur ritme tunggal gerakan atau pekerjaan, untuk menginspirasi satu perasaan.” 
“Dalam pengertian ini, barang-barang rumah tangga tidak “lebih rendah” atau “lebih tinggi”, tidak lebih baik dan tidak juga lebih buruk dari musik"artistik". Sifatnya sangat berbeda dan hanya dapat diukur dengan standarnya sendiri, yang dihasilkan dari musik dan esensinya sehari-hari. Tanpa mempertimbangkan keadaan ini, kita berisiko terjerumus ke dalam “dosa” yang tersebar luas, dan hingga hari ini, dari sikap yang bias dan pada dasarnya sombong terhadap budaya musik sehari-hari sebagai sesuatu yang awalnya cacat, inferior, disederhanakan, direduksi menjadi versi “tinggi”, “ “budaya” yang asli.
Hubungan nyanyian sehari-hari dengan situasi kehidupan (lagu kerja, lagu ritual, ratapan, lagu pengantar tidur, dll.) menentukan “dapat dikenali” dari intonasi yang secara akurat menyampaikan keadaan manusia.
Hubungan erat dengan bahasa budaya, adat istiadat, jalan hidup, agama menciptakan konteks tersendiri dalam setiap bentuk cerita rakyat musikal. Intonasi pemain mengandung banyak hal informasi lebih lanjut daripada lirik lagunya, karena menyampaikan keseluruhan konteks pengalaman situasi, peristiwa tertentu.
Mendengarkan, misalnya, lagu pengantar tidur bahkan dalam bahasa asing, kita memahami dan merasakan suasana hati dan isinya. Fungsionalitas, komunikasi lagu yang sedang dibawakan dengan peristiwa atau situasi tertentu, ditentukan keragaman genre V cerita rakyat musik. Intinya paling terang keadaan emosional seseorang terkait dengan peristiwa penting dalam hidupnya. Seseorang bernyanyi ketika dia tidak dapat menahan perasaannya yang meluap-luap dalam ucapan biasa.
Nyanyian, intonasi ucapan, penyampaian emosi yang paling jelas, menjadi dasar nyanyian sehari-hari. Struktur melodi dalam nyanyian daerah erat kaitannya dengan intonasi ujaran. Mungkin ini menjelaskan prevalensi tangga nada pentatonik dengan cara yang sangat berbeda budaya musik ah, dari Timur hingga Afrika, karena modus inilah yang paling “sesuai” dengan zona primer suara manusia dan bertepatan dengan intonasi nada utuh ucapan. 
Perlu diperhatikan ciri-ciri melodi folk di perbedaan budaya bergantung pada sifat akustik bahasa, ritme bicara, dan vokal suatu bahasa tertentu berkaitan erat dengan habitat masyarakatnya.
“Stabilitas” intonasi dan putaran melodi yang lahir atas dasar itu memungkinkan, ditransmisikan ke tradisi cerita rakyat dari generasi ke generasi, mereka akan bertahan hingga saat ini dan menjadi prototipe berbagai genre lagu musik pop. Profesionalisasi tradisi menyanyi, pemolesan fitur gaya, tidak mungkin terjadi tanpa adanya kasta masyarakat yang mencari nafkah dari kerajinan ini; banyak peneliti mengaitkan kemunculannya dengan terbentuknya pemukiman besar dan terbentuknya kota.
Bepergian dan tampil di alun-alun kota dan pameran, artis jalanan menciptakan tontonan yang semarak dan mengoleksi sejumlah besar penonton. Meskipun terdapat perbedaan tradisi dalam budaya musik rakyat, mereka memilikinya tren umum yang sudah ada sejak zaman dahulu kala. Secara tradisional, tontonan jalanan berkembang dalam estetika seni pertunjukan, dimana bentuknya sendiri harus mengungkapkan isinya. Tokoh-tokoh dalam aksi ini mempunyai gambaran yang cerah, berlebihan dan “berlebihan”; terdapat pembagian yang jelas dari para pahlawan menurut ciri-cirinya ke dalam peran-peran yang langsung dapat dikenali oleh masyarakat (pahlawan, badut, penjahat, dll). 
Tradisi-tradisi ini dapat ditelusuri dalam seni pop modern yang disebut citra seniman. Dramaturgi pertunjukan jalanan dalam banyak hal mirip dengan pertunjukan sirkus, baik di sana maupun di sana, setiap pertunjukan pasti mengandung semacam trik yang dapat menarik perhatian penonton. Ketiadaan detail-detail kecil, kejelasan motif, tujuan seniman tampil ke publik, sangat menentukan sifat pertunjukan itu sendiri, yang prasyaratnya adalah partisipasi penonton, “keterlibatan” mereka dalam pertunjukan. “permainan emosional”.
Penonton selalu mengungkapkan sikapnya terhadap pembicara dengan seruan, tepuk tangan spontan, persetujuan atau protes jika tidak menyukainya. Dialog terus-menerus antara pendengar dan artis menjadi dasar pertunjukan jalanan atau pop dan bukan merupakan ciri khas seorang akademisi seni musik, di mana penonton merenungkan pertunjukan dan mengevaluasinya setelah selesai.
Apa yang menyebabkan begitu cepatnya kemunculan seni rupa yang selama ini terabaikan dari bawah tanah ke panggung dunia? Alasan utamanya, menurut saya, adalah perubahan bertahap dalam sistem ekonomi di sebagian besar negara Eropa. Industri yang sedang berkembang kemajuan teknis menyebabkan munculnya lapisan borjuis dalam masyarakat, yang melemahkan dan meratakan pengaruh kelas bangsawan dalam budayanya. 
Relokasi aktif pengusaha dan buruh ke kota telah membawa perubahan tatanan sosial masyarakat. Budaya aristokrat terus ada dan berkembang, namun minat terhadap musik yang lebih ringan dan mudah diakses semakin meningkat. Setiap tahun jumlah tempat hiburan bertambah, dan industri hiburan massal secara bertahap bermunculan. Sebagian besar kaum borjuis yang sukses tidak memiliki asal usul yang mulia, dan terkadang bahkan pendidikan. Cita-cita budaya aristokrat asing bagi mereka.
Karena mempunyai uang dan menginginkan hiburan, masyarakat mencari hal-hal yang eksotik. Dan eksotisme ini ditemukan. Nyata peristiwa revolusioner adalah kemunculan musik Afrika-Amerika di panggung dunia pada awal abad ke-20, yang berkembang di Amerika selama beberapa abad. Sintesis cerita rakyat Afrika dengan musik Eropa melahirkan budaya yang belum pernah ada sebelumnya. Pendengar menikmati lagu-lagu spiritual, gospel, ragtime, blues, dan pop jazz awal.
Musik baru berbeda dari musik Eropa dalam hampir semua hal: struktur mode, ritme, frasa musik, citra. Awalnya diterima dengan permusuhan, musik ini dengan cepat menaklukkan seluruh dunia.
Ada anggapan bahwa budaya jazz-lah yang membentuk estetika vokal pop. Sulit untuk membantahnya, karena musik Afrika-Amerika dan pop jazz yang muncul darinya benar-benar berdampak besar pada keseluruhan budaya abad ke-20 pada umumnya. Banyak gaya dan tren musik populer muncul atas dasar musik blues dan masih menggunakan sarana ekspresif musikalnya, namun tetap saja konsep nyanyian pop jauh lebih luas dibandingkan nyanyian yang muncul dari jazz. Menyanyikan balada puitis dalam budaya Anglo-Celtic, chanson Prancis, urban Rusia dan romansa gipsi, Serenade Italia dan banyak lagi sudah ada jauh sebelum munculnya jazz. Selain itu, kita dapat mengatakan bahwa tradisi nyanyian pop secara bersamaan berkembang dalam budaya negara yang berbeda, dan budaya jazz adalah warisan murni Amerika.
Di Amerikalah situasi khusus muncul untuk lahirnya hal seperti itu secara mendasar musik baru. Menjadi fenomena baru dan modis dalam budaya musik awal abad kedua puluh, jazz dalam berbagai proporsi memperkaya segalanya budaya nasional, mensintesis dan mencampurkannya.
Pesatnya perkembangan budaya massa pada abad ke-20 seolah-olah mengesampingkan budaya opera-simfoni, yang puncak perkembangannya pada abad ke-19. Masih belum ada konsensus dalam musikologi apakah peristiwa ini merupakan langkah maju evolusi atau awal dari kemunduran musik profesional secara bertahap. Membandingkan bahasa estetika budaya aristokrat dan budaya massa, secara umum keduanya dapat dikorelasikan sebagai bahasa yang kompleks dan sederhana, elitis dan mudah diakses. 
Persepsi terhadap musik klasik memerlukan persiapan dan sikap khusus dari pendengarnya, sedangkan bahasa budaya massa dapat diakses oleh semua orang. Aksesibilitas khalayak massal inilah yang menjelaskan betapa besarnya popularitas musik pop, dan khususnya nyanyian.
Bernyanyi selalu disukai karena menggabungkan musik dan kata-kata, dan suara manusia adalah alat musik yang paling halus. Nyanyian pop, berdasarkan intonasi sehari-hari, yang mempertahankan karakter individu dari suara dan pewarnaan suara, telah menjadi seni yang paling demokratis dan dicintai di abad ke-20. Apakah tema pertunjukan pop berubah dibandingkan dengan nyanyian akademis?
Secara umum, kalaupun ada perubahan, hanya sedikit perubahannya. Mereka masih bernyanyi tentang pria itu, miliknya nilai-nilai kehidupan, perasaan dan nafsu. Sebaliknya, orang yang muncul dalam genre ini telah berubah. Pandangan yang tidak ternoda tentang manusia sebagai makhluk duniawi dengan segala sifat buruk dan kelemahannya membawa kebebasan dalam ekspresi sensualitas. Prinsip erotis dalam perasaan dan pikiran manusia telah menjadi seutuhnya topik baru dalam bernyanyi bersama panggung besar. Bagi budaya aristokrat dan estetikanya, tidak lazim jika kita beralih ke sisi kehidupan yang lebih rendah. Tradisinya tidak mengizinkan
melampaui batas kesopanan, pada saat yang sama penghibur mampu menikmati, dalam arti harfiah, pengalaman indrawinya.
Jika dalam vokal akademis nuansa dan dinamika bunyi dalam penggambaran perasaan berubah, maka seorang penyanyi pop dapat mengubah sifat bunyi itu sendiri secara mendasar, tanpa mengikuti pedoman bunyi dan suara apa pun. Membandingkan vokal akademis dan pop, perlu dicatat bahwa dalam nyanyian akademis yang pertama adalah vokalitas bunyi sebagai instrumen, dan tuturan berfungsi untuk menyampaikan makna yang terkandung dalam teks; dalam nyanyian pop, intonasi bicara memainkan peran besar sarana ekspresi, dan vokalisasi berfungsi untuk menghubungkan dengan frase musik melodi.
“Tergelincirnya” suara dari melodi ke dalam intonasi ucapan merupakan salah satu ciri nyanyian jazz dan pop yang diwarisi dari nyanyian daerah, namun bukan berarti vokal pop sama sekali tidak mengikuti intonasi yang tepat dalam penampilan. melodi, interpretasi ritme yang lebih bebas diperbolehkan, sedikit modifikasi V bagian vokal atau transisi ke deklamasi melodi dengan latar belakang suara pengiring yang harmonis.
Selain itu, dalam budaya modern ada banyak gaya pop yang menganut panduan suara “akademik” yang lebih ketat. Jelas sekali bahwa upaya menganalisis nyanyian pop melalui ungkapan musik dan sifat suara itu sendiri membawa kita ke jalan buntu. Banyaknya genre dan gaya estetika yang berbeda-beda di bidang musik ini tidak memungkinkan kita menemukan kesamaan apa pun di dalamnya. Di antara para musisi terdapat sudut pandang yang berbeda-beda, seringkali cukup kategoris, tentang jenis nyanyian apa yang dapat dianggap pop.
Ada pandangan bahwa hanya nyanyian yang muncul atas dasar musik jazz, dan yang lainnya adalah nyanyian rakyat yang “dimuliakan” dan nyanyian kamar yang dimodifikasi. Mungkin pendekatan ini relevan pada periode sebelum perang pada abad yang lalu, ketika beberapa jenis nyanyian masih dapat diamati dalam bentuk yang “murni”. Saat ini, menurut saya, rumusan pertanyaan tersebut belum memberikan pemahaman objektif tentang esensi dan hubungan dalam bidang musik vokal tersebut.
Interpenetrasi dan sintesis berbagai budaya musik di zaman kita telah mencapai tingkat sedemikian rupa sehingga terkadang tidak mungkin memisahkan satu sumber dari sumber lainnya. Dalam vokal pop, tidak pernah ada satu pun estetika dalam produksi suara dan produksi suara, bahkan dalam gaya yang sama. Estetika nyanyian pop memungkinkan kombinasi mode alat vokal yang berbeda; kadang-kadang, untuk mencapai ekspresi, suara melodi ucapan dan suara yang didukung vokal digabungkan, dalam beberapa kasus suara vokal digunakan yang sifatnya berbeda dll.
Titik pemersatu, meskipun produksi suara, panduan suara, dan penyusunan frasa berbeda, adalah sifat penampilan panggung penyanyi itu sendiri, berdasarkan individualitasnya. penyanyi dapat tampil di hadapan publik sebagai “penyanyi-musisi”, “penyanyi-penari”, “penyanyi-aktor”, “penyanyi-idola”. Bentuk pertunjukan panggung bisa sangat berbeda, tetapi esensinya, yang kami sebut “presentasi variasi”, pada umumnya tetap sama.
“METODOLOGI PENGAJARAN BERNYANYI POP”
A.S.Polyakov
Pernapasan bernyanyi dikaitkan dengan salah satu istilah tertua, paling luas dan sekaligus salah satu istilah yang paling sedikit diuraikan, yang disebut dukungan bernyanyi. Istilah ini berasal dari bahasa Italia appogiare la voce, yang berarti “mendukung suara”. Nyanyian profesional, pertama-tama, adalah nyanyian dengan dukungan nyanyian yang baik. Dukungan nyanyianlah yang memberikan suara timbre nyanyian yang melekat, kekuatan yang besar, penerbangan, dan yang paling penting - tidak kenal lelah, yaitu kualitas profesional yang paling penting.
Pengertian istilah “dukungan” biasanya didasarkan pada sensasi subjektif penyanyi saat bernyanyi. Hal ini, tentu saja, memberikan banyak ruang untuk berimajinasi: beberapa mengasosiasikan dukungan dengan kerja otot-otot pernafasan, yang lain - tentu dengan laring, yang lain menunjukkan tempat dukungan bernyanyi adalah diafragma, yang lain - gigi, dan beberapa melihat dukungan nyanyian di luar tubuh penyanyi, mengarahkannya ke dinding seberang aula, tempat penyanyi bernyanyi. Dari pernyataan-pernyataan ini sama sekali tidak jelas apa yang harus dijadikan dasar dan apa yang harus diandalkan. Bahkan seorang peneliti yang berpengalaman suara nyanyian, seperti L.D. Rabotnov (1932), menolak untuk mengadopsi konsep “dukungan bernyanyi” dalam karyanya, dengan mengatakan bahwa istilah ini “tidak jelas dan tidak jelas.” Oleh karena itu, sangat mungkin untuk setuju dengan vokalis P. A. Organov, yang percaya bahwa tanda-tanda objektif yang mendefinisikan konsep “dukungan bernyanyi” belum ditetapkan dalam literatur; itu ditafsirkan secara sewenang-wenang, berdasarkan perasaan pribadi saat bernyanyi.
Sementara itu, istilah “dukungan” sudah lama digunakan secara luas oleh para penyanyi dan mereka sepertinya saling memahami () Ada apa disini? Apakah mungkin untuk mencoba mencari tahu tanda-tanda obyektif apa yang menjadi ciri dukungan bernyanyi?
Untuk mengatasi masalah ini, penelitian tentang dukungan bernyanyi telah dilakukan dengan menggunakan. perangkat yang familiar bagi pembaca untuk merekam pernapasan, suara, dan resonator secara bersamaan. Delapan penyanyi profesional dengan kontrol vokal yang baik diinstruksikan untuk menyanyikan suara dengan kekuatan yang sama dua kali, pertama “dengan dukungan nyanyian yang baik” dan kemudian “tanpa dukungan.” Untuk menghilangkan pengaruh kebetulan, para penyanyi menyanyikan suara dengan cara pertama dan kedua sebanyak tiga kali.
Hasilnya, sebuah fakta menarik muncul: jika saat bernyanyi “dengan dukungan” kurva pernapasan memiliki kemiringan yang relatif datar, yang menunjukkan pemborosan udara yang ekonomis, maka saat bernyanyi “tanpa dukungan” semua kurvanya menurun tajam, menunjukkan cepatnya. runtuhnya dinding dada, mis. e. tentang pernafasan yang dipaksakan dan tidak terkendali. Pada saat yang sama, suara suara pada dukungan - cerah, nyaring, padat (jenuh dengan nada tambahan) dengan satu sen tanpa dukungan berubah menjadi lamban, tak bernyawa, membosankan, seringkali tanpa vibrato atau dengan vibrato yang sangat tidak teratur dan tidak stabil.
Analisis akustik obyektif menegaskan bahwa dalam spektrum suara yang didukung, forman nyanyian tinggi diekspresikan dengan baik, sedangkan ketika bernyanyi tanpa dukungan, tingkat forman nyanyian tinggi menurun secara alami, yang menyebabkan penurunan kemerduan dan terbangnya suara. suara.
Jadi, ternyata bernyanyi tanpa dukungan, bahkan oleh penyanyi profesional berpengalaman sekalipun, mirip dengan nyanyian penyanyi yang belum berpengalaman baik dari segi bunyinya sendiri maupun sifat gerakan pernafasannya. Oleh karena itu dapat disimpulkan bahwa dukungan bernyanyi secara obyektif dicirikan oleh organisasi khusus dari proses pernafasan selama bernyanyi, yaitu. pengereman aktifnya. dinyatakan dalam obstruksi sukarela dari runtuhnya dinding dada.
Kesimpulan ini sangat sesuai dengan praktik pedagogi vokal: banyak guru berpengalaman merekomendasikan agar penyanyi muda, sambil bernyanyi, “jangan menekan pita suara”, “menahan napas” (tetapi jangan “mengunci” napas. !), dan merasa seolah-olah menghirup selama pernafasan fonasi (“unit inhalasi”), dan beberapa amatir ekspresi figuratif untuk tujuan yang sama mereka bahkan menuntut untuk “minum suara”(!). Seperti yang bisa kita lihat, semua rekomendasi ini, yang bertujuan untuk mengaktifkan proses inhalasi selama pernafasan fonasi, pada akhirnya dimaksudkan untuk mengajari penyanyi bernyanyi dengan dukungan. Namun para guru yang berpengalaman memperingatkan bahwa pernafasan tidak boleh terhambat atau diperbudak, yaitu harus mengalir dengan bebas dan elastis, dan otot-otot alat pernafasan tidak boleh terkekang. Dengan demikian, esensi fisiologis dari “unit inhalasi” adalah untuk memberikan kontrol terbaik atas udara yang dihembuskan untuk memaksimalkan penghematannya, dan yang paling penting, untuk menciptakan tekanan optimal pada pita suara. Namun, inti dari dukungan menyanyi tidak berhenti sampai di situ.
Perhatian harus diberikan pada fakta lain yang diperoleh secara eksperimental, yang sebelumnya tidak diketahui, tetapi juga terkait dengan dukungan. Seperti yang telah disebutkan, bersamaan dengan gerakan pernapasan para penyanyi, alat tersebut merekam kekuatan suara dan getaran resonator. Telah ditemukan bahwa ketika bernyanyi dengan alat penyangga, getaran, khususnya resonator dada, cenderung meningkat seiring dengan meningkatnya suara dan tarikan dengan kekuatan yang sama atau sedikit meningkat. Ini adalah peningkatan getaran resonator dada pada Gambar. 36 ditandai dengan panah putus-putus yang mengarah ke atas. Saat bernyanyi tanpa dukungan, semua penyanyi berpengalaman, tanpa kecuali, menunjukkan pola khas penyanyi yang belum berpengalaman: getaran resonator dada jelas berkurang saat nada dinyanyikan (panah putus-putus mengarah miring ke bawah). Perhatikan bahwa jika dinding resonator bergetar (bergetar) dengan kuat, maka indera getaran akan segera memberi tahu kesadaran kita tentang hal ini, dan kita akan mengalami sensasi getaran yang aneh pada bagian tubuh yang bersangkutan. Jika resonator bergetar lemah, maka sensasi getarannya menjadi lemah. Jelas bahwa melemahnya atau menguatnya getaran resonator secara progresif juga tercermin dalam kesadaran kita.
Fakta eksperimental ini ditegaskan dalam pernyataan vokalis berpengalaman. Beberapa dari mereka menyarankan agar penyanyi merasakan “dukungan yang semakin kuat” saat bernyanyi. Misalnya, Artis Terhormat SSR Ukraina P.V. Golubev, yang darinya dia pernah belajar menyanyi dan sekarang Artis nasional Uni Soviet B.R.Gmyrya. percaya bahwa “keinginan untuk menjaga suara pada kekuatan yang sama, meskipun pasokan udara terus menerus dikonsumsi, memberikan perasaan yang sangat berharga dari “dukungan” yang biasanya progresif, diatur oleh keinginan penyanyi (1956, hal. 31) .
Ketika membandingkan pernyataan-pernyataan ini dari praktisi berpengalaman seni vokal Berdasarkan hasil studi eksperimental, tanpa sadar muncul asumsi bahwa perasaan “dukungan progresif” selama nyanyian yang benar adalah hasil dari peningkatan progresif dalam getaran resonator (seperti yang ditunjukkan oleh penelitian lebih lanjut, getaran tidak hanya pada resonator dada. , tetapi juga resonator atas saat bernyanyi dengan dukungan) bersifat progresif.
Peningkatan getaran resonator ketika bernyanyi dengan alat pendukung tampaknya dikaitkan dengan peningkatan impedansi akustik (resistansi) saluran vokal penyanyi dan peningkatan kekuatan akustik alat vokal. Seperti yang akan ditunjukkan di bawah, fenomena ini mempunyai arti fisiologis yang besar.
Sekarang mari kita coba merangkum semua hasil eksperimen dan observasi ini. Di satu sisi, tanda objektif dari “dukungan” adalah aktivitas otot khusus dari alat pernafasan. Akibatnya, sensasi dukungan subjektif terbentuk secara alami dari sensasi otot tersebut. Di sisi lain, tanda dukungan yang sama obyektif dan penting adalah meningkatnya getaran semua resonator penyanyi. Karena kita memiliki penganalisis khusus yang merasakan getaran - perasaan getaran, maka sensasi getaran ini, bersama dengan sensasi otot, dimasukkan sebagai komponen dalam sensasi dukungan nyanyian. Dengan demikian, perasaan didukung tidak hanya bersifat otot, seperti yang sering diyakini, tetapi kompleks - otot-getaran dan mencerminkan aktivitas tidak hanya alat pernapasan sebagai “hembusan”, tetapi juga kerja resonator, terutama dada. Adapun inti dari mekanisme fisiologis dukungan nyanyian, tidak hanya terletak pada memastikan pernafasan yang seragam (elastis) dan ekonomis, tetapi pada organisasi khusus dari seluruh sistem resonator, yang memastikan resonansi suara terbaik di semua resonator dan resonator. kekuatan akustik terbesar dari alat vokal. Kebutuhan untuk melakukan kedua tugas tersebut secara bersamaan menjadi penyebab sulitnya menguasai alat bantu bernyanyi.
Dari latihan diketahui bahwa mengajari penyanyi bernyanyi dengan dukungan yang baik bukanlah tugas yang mudah. Rekomendasi tentang segala macam sensasi otot murni ("seolah-olah Anda sedang mengangkat piano", "seolah-olah Anda sedang mengejan", "seolah-olah Anda sedang memegang koper yang berat di tangan", dll.) sering kali tidak membantu dalam hal ini. Anjuran “inhalasi”, “menahan nafas”, dll. seringkali tidak efektif. Siswa dengan rajin mereproduksi semua “seolah-olah” ini, tetapi dukungan bernyanyi tidak tercapai. Sangat wajar jika hal ini terjadi karena interpretasi konsep "dukungan" yang kurang akurat, dan khususnya karena meremehkan peran komponen getaran dalam sensasi dukungan penyanyi: bagaimanapun juga, rangsangan getaran mencerminkan kerja resonator, dan akibatnya, penyanyi, dengan fokus pada rangsangan getaran ini, dapat secara sadar mengontrol penyetelan resonator dan menyesuaikan penyetelan ini selama proses suara. Jika perasaan otot memberi tahu kesadaran penyanyi tentang cara kerja "hembusan", maka sensitivitas getaran memiliki tugas yang sama pentingnya - memantau pengoperasian resonator.
Sayangnya, guru vokal (tidak seperti sensasi pendengaran dan otot) relatif jarang menggunakan “sensasi getaran”. Sementara itu, proporsi sensasi getaran dalam nyanyian meningkat jauh dibandingkan dengan ucapan. Seperti yang telah disebutkan, ini adalah hasil, di satu sisi, dari aktivasi maksimum seluruh sistem resonator alat vokal, dan, di sisi lain, dari peningkatan yang signifikan dalam kekuatan suara nyanyian dibandingkan dengan kekuatan suara nyanyian. biasa pidato sehari-hari. Dalam hal ini, rangsangan getaran dalam nyanyian meningkat kekuatannya dan menyebar ke area tubuh yang lebih luas, dirasakan oleh penyanyi tidak hanya di area alat vokal, tetapi juga di area tubuh yang paling terpencil. Sensasi getaran inilah yang dominan pada sensasi pendukung nyanyian. Sensasi getaran inilah yang memunculkan ungkapan-ungkapan yang sering digunakan seperti “seluruh tubuh bernyanyi”, “penyanyi harus merasakan dukungan di kaki”, dll. Pada kesempatan ini, E. Caruso menulis dalam bukunya “How to Sing” bahwa “Anda perlu merasakan suara itu dengan seluruh keberadaan Anda, jika tidak, tidak akan ada perasaan, kegembiraan, dan kekuatan dalam suara itu.” Mari kita perhatikan bahwa "merasakan suara dengan seluruh keberadaan Anda" hanya mungkin dilakukan dengan bantuan reseptor getaran - formasi sensitif mikroskopis yang tersebar di seluruh tubuh kita, yang memunculkan pendengaran.
Seperti yang ditulis F.I. Chaliapin dalam memoarnya, guru tenornya D.A. Usatov, mendengar bahwa suara siswa tersebut mulai melemah, memukul dada siswa tersebut dengan backhand dan berteriak: “Tarik, sialan! Mendukung! Dan Chaliapin “bersandar padanya.” “Ternyata,” tulisnya, “suara itu perlu didasarkan pada nafas, untuk memusatkannya” (1958, hal. 118).
Setiap orang tua memikirkan apakah akan memberikan anaknya pendidikan musik? Ketika suatu keputusan dibuat sisi positif, pilihan dimulai antara alat-alat musik, tapi jangan lupakan instrumen alami yang menarik seperti suaranya. Belajar menyanyi memberikan efek yang sangat menguntungkan bagi seorang anak. Pada saat yang sama, pelajaran vokal sangat organik bagi seorang anak, karena pertama, anak dikenalkan bernyanyi hampir sejak lahir, kedua, anak memahami cara menyampaikan emosi ini atau itu melalui nyanyian (kata-kata), ketiga, nyanyian yang benar sangat bermanfaat untuk perkembangan umum Dan kesehatan.
Mengapa orang suka menyanyi?
Bernyanyi adalah dasar dari semua hal mendasar. Mari kita ambil contoh agama. Setiap kepercayaan memiliki nyanyian musik dan doa. Mereka diturunkan dari abad ke abad, dari generasi ke generasi, bukan melalui kertas, tetapi “dari mulut ke mulut” berkat pendengaran dan ingatan. Lagipula, memang ada notasi musik belum lama ini, menurut kita, hanya dari abad ke-11. Sudah dalam ajaran rakyat Slavia kuno, tugas ibu hamil dijabarkan, di mana dia harus bernyanyi untuk anaknya sejak hari pertama pembuahan. Dan kemudian, sepanjang kehidupan bawah sadar anak, kembangkanlah, yaitu. nyanyikan dia paduan suara, lelucon, lagu pengantar tidur, dan lagu lainnya. Perlu dicatat bahwa banyak permainan anak-anak, dalam bentuk aslinya, didasarkan pada nada dan nyanyian. Mari kita bertanya pada diri sendiri mengapa orang-orang di abad yang lalu menganggap serius nyanyian dan suara? Kenapa dari awal tahun-tahun awal memperkenalkan anak-anak pada warisan musik? Mungkin ada sesuatu dalam hal ini kekuatan spesial? Adakah manfaat khusus?
Apa manfaat bernyanyi?
Dari Old Believers dan Old Believers hingga ilmuwan, semua orang sepakat bahwa suara manusia memiliki kekuatan pengaruh yang khusus, baik terhadap orang pada umumnya maupun pada orang yang bernyanyi. Hingga saat ini, cukup banyak eksperimen yang telah dilakukan yang membuktikan bahwa warna suara manusia, serta frekuensi dan gelombang yang dikirimkannya, dapat memengaruhi seseorang yang berdiri di sampingnya, baik ke arah yang baik maupun ke arah yang buruk. . Kita tidak boleh melupakan kekuatan “kata”; bukan tanpa alasan ada banyak legenda dan mitos yang terkait dengan ini atau itu kata emosional(pesan) yang sangat mempengaruhi situasi atau orang. Oleh karena itu, kita dapat menyimpulkan bahwa menyanyikan lagu tertentu bukan sekedar tindakan, namun bisa menjadi obat penyembuhan atau melumpuhkan yang serius.
Berikut beberapa contoh dari sejarah dunia kuno:
- Pengobatan insomnia berkembang pesat di Mesir kuno. Penyembuh menggunakan nyanyian pada tingkat intuisi sehingga seseorang bisa tertidur. Seperti yang sudah Anda duga, inilah alasan munculnya lagu pengantar tidur.
- Di India, hingga saat ini, para yogi menggunakan teknik khusus untuk menciptakan getaran tertentu yang dimilikinya sifat penyembuhan. Untuk mempengaruhi seseorang, mereka dinyanyikan dalam mantra dan raga.
- Di Tibet, seperti di dunia kuno Bahkan sekarang, pengobatan penyakit saraf dengan bantuan nyanyian tenggorokan masih dilakukan.
- Di Celtic ritual magis"mantra lagu" digunakan. Menurut legenda, diyakini bahwa mereka mampu menyembuhkan penyakit dan membahayakan kesehatan.
- DI DALAM Rusia kuno Perawatan terhadap orang sakit dipraktikkan dengan cara yang aneh: orang-orang yang bernyanyi membentuk lingkaran, di dalamnya mereka menempatkan pasien, setelah itu mereka mulai menari dalam lingkaran. Nyanyiannya jelas dan berirama.
- Di Selandia Baru, lagu-lagu dinyanyikan saat melahirkan untuk meringankan rasa sakit ibu saat melahirkan.
Selain khasiat di atas, nyanyian yang benar juga sangat penting memiliki efek menguntungkan bagi kesehatan penyanyi. Hal ini terjadi karena getaran dan frekuensi yang dihasilkan selama produksi suara dalam diri seseorang. Beberapa contoh ilustratif manfaat bernyanyi:
- Getaran yang tercipta saat bernyanyi mempunyai efek yang baik bagi sistem kekebalan tubuh manusia. Wajar jika seseorang bernyanyi dengan murni, tanpa kepalsuan.
- Getaran dan frekuensi tertentu dapat memberikan efek menguntungkan pada organ tubuh manusia, karena hampir 80% dari getaran tersebut tetap berada di dalam tubuh itu sendiri.
- Orang yang mempunyai masalah yang berhubungan dengan paru-paru, misalnya: asma, bronkitis kronis, dll, dianjurkan untuk ikut bernyanyi. Hal ini karena pernapasan dan diafragma sangat terlibat selama vokal. Berkat ini, fungsi paru-paru membaik.
- Semua masalah kecil pada alat bicara, misalnya: gagap, bernyanyi bisa diperbaiki. Selain itu, saat bernyanyi, diksi berkembang.
- Bernyanyi bisa menghilangkan stres. Tentu saja ini bukan kesehatan fisik, namun kesehatan mental juga tidak kalah pentingnya.
Jenis nyanyian apa yang ada?
Gaya vokal bervariasi. Mereka mencakup semua tren kehidupan di seluruh keberadaan dunia. Beberapa genre terbentuk lebih awal, beberapa lagi kemudian. Kemunculan mereka dikaitkan dengan kebutuhan sejarah pada zaman tertentu. Dengan demikian, banyak arah yang hilang seiring berjalannya waktu, banyak yang bertahan hingga saat ini, dan ada pula yang telah diciptakan dan sedang diciptakan di zaman kita. Jadi, yang utama genre lagu dibagi menjadi klasik (opera dan nyanyian kamar), pop (pop, rap), folk (nyanyian rakyat), jazz, vokal rock, chanson, dll.
Mari kita lihat genre paling populer:
1) Vokal pop- Sangat arah mode di kalangan anak muda dan tidak hanya. “Gaya pop” menggabungkan sejumlah besar genre lagu yang berbeda. Awalnya nyanyian pop berarti penampilan dari panggung (panggung), dalam persepsi modern, vokal pop berarti musik yang mudah dan mudah diakses oleh masyarakat. Genre ini dapat menampilkan gaung nyanyian daerah dan aransemen jazz. Sampai tingkat tertentu tipe ini juga dapat dikaitkan dengan lagu asli; unsur musik rock tidak dikecualikan. Perbedaan utama antara suara pop dan akademik adalah suara yang lebih terbuka dan alami. Jika seseorang memiliki kemampuan vokal yang baik secara alami, maka dia bisa menyanyi pop meski tanpa itu tahap awal pelatihan, yang tidak mungkin dilakukan dalam vokal akademis. Tetapi jika Anda terlibat dalam nyanyian pop secara profesional, maka, seperti halnya nyanyian klasik, Anda perlu mengetahui dasar-dasar keterampilan menyanyi, posisi yang benar dan dukungan agar nyanyiannya suci, indah dan tidak merugikan seseorang.
2) Vokal jazz- genre populer. Ini lebih sulit daripada menyanyi pop. Untuk menyanyikan komposisi jazz, Anda harus memiliki ritme dan harmoni yang baik, memiliki suara yang lincah, dan improvisasi yang intuitif. Karya-karya jazz memiliki keunikan dan kesulitan tersendiri. Komposisi jazz mengharuskan musisi untuk memiliki rasa kemitraan yang baik dan penguasaan improvisasi dengan cepat. Selain tema dan bentuk melodi yang menarik, muatan emosional dan semantik lagu juga menonjol dalam genre ini. Menjadi seorang profesional di bidang ini juga dimungkinkan, tetapi lebih sulit.
3) Vokal rock- vokal biasa dari pemain band rock. Musik rock harus memiliki pesan emosional yang kuat. Tujuan sang vokalis, yang pertama dan terpenting, bukanlah nyanyian yang indah, melainkan penyampaian makna. Namun meski begitu, penyanyi tersebut tetap membutuhkan pelatihan vokal yang serius. Untuk menampilkan karya-karya rock, sang vokalis membutuhkan kebebasan batin yang utuh dan “keberanian” yang alami; dalam hal ini pertunjukannya menjadi emosional dan bernuansa musik rock.
4) Vokal akademis adalah bentuk seni yang digunakan di masa lalu sekolah klasik. Pelaku yang menguasai vokal akademik bekerja di bidang opera, ruang konser klasik, paduan suara akademik, dll. Ilmu suara akademis sangat berbeda dari semua genre di atas. Posisi klasik alat vokal yang ketat adalah landasan utamanya. Bernyanyi secara klasikal tidak mengenal keberadaan microphone di atas panggung. Vokal akademis memiliki kerangka tertentu yang telah dibangun selama berabad-abad. Pembatasan ini mencegah pemain menyanyikan lagu lain genre vokal, tapi seiring berjalannya waktu penyanyi opera Keterampilan vokal tertentu dan posisi tertentu terbentuk. Karena ini suara opera- Kuat, bertenaga dan mempunyai volume yang besar. Namun jika penyanyi berhasil meredam aliran suara, maka ia akan mampu menampilkan karya gaya lain.
Pada usia berapa sebaiknya mulai belajar menyanyi?
Bernyanyi adalah bentuk seni universal yang dapat dimulai pada usia berapa pun. Bahkan beberapa cacat fisik, dalam banyak kasus, tidak akan mengganggu hobi ini.
Namun masih ada rekomendasi tertentu. Tentu saja, yang terbaik adalah mulai belajar usia prasekolah. Untuk anak usia 5-6 tahun ada yang spesial kelas kelompok, yang menyerupai latihan paduan suara. Hanya saja mereka sangat disederhanakan dan dipersingkat. Seiring waktu, menjadi jelas siapa yang memiliki data apa (pertama-tama, perasaan ritme dan kehadiran pendengaran dilihat). Suaranya akan berubah secara signifikan dari tahun ke tahun, oleh karena itu dalam proses pembelajaran tentunya mereka juga memperhatikannya, namun tidak banyak. DI DALAM sekolah musik Mereka masuk pada usia 7-8 tahun, maka Anda harus memilih arah. Sekolah menyediakan kelas individu dan kelompok. Di sini pelatihannya lebih mendalam dan spesifik.
Mutasi suara merupakan permasalahan yang sangat serius yang terjadi pada setiap orang tua yang menyekolahkan anaknya bernyanyi profesional. Tidak ada yang salah dengan mutasi suara, itu adalah proses alami dalam tubuh remaja yang sedang tumbuh. Masa mutasi merupakan jangka waktu yang benar-benar individual bagi setiap orang individu. Ada standar universal yang ditetapkan, namun pengecualian juga sering terjadi. DI DALAM versi klasik Pada anak perempuan, mutasi tidak diketahui, tetapi pada anak laki-laki, hilangnya suara dimulai pada usia 14-15 tahun.
Orang dewasa dapat mulai belajar menyanyi kapan saja, begitu keinginannya muncul. Secara alami, seseorang harus memiliki pendengaran, dan setidaknya sedikit perintah pada suaranya, untuk menghindari kepalsuan.
Apakah layak belajar menyanyi sendiri?
Jika tujuan Anda adalah menjadi seorang profesional di bidang seni ini, tentu saja Anda tidak dapat melakukannya tanpa bantuan para ahli, apa pun jenis vokal yang ingin Anda lakukan. Setiap genre memiliki karakteristik dan tekniknya sendiri yang hanya diketahui oleh para profesional dan dibagikan kepada siswanya. Selain itu, seseorang tidak dapat secara mandiri mendengar segala kekurangan dan kesalahannya untuk mengoreksi dirinya sendiri selama latihan. Itu sebabnya kita membutuhkan “telinga” yang bisa menilai apa yang didengarnya.
Jika keinginan Anda hanya karena hobi, maka Anda bisa belajar menyanyi sendiri. Namun ini juga membutuhkan waktu dan kesabaran, bahkan lebih dari jika seorang guru vokal membantu Anda dalam pelatihan. Untuk belajar mandiri, Anda memerlukan komputer yang dilengkapi dengan program perekaman dan mikrofon. Ada juga banyak video pelajaran tentang semua jenis nyanyian yang kini tersedia secara online, yang dapat digunakan untuk melakukan latihan dan mengembangkan keterampilan menyanyi Anda. Tapi, saya ulangi, pendidikan mandiri- Ini proses yang sulit, jadi sebaiknya tetap berkonsultasi dengan profesional.
