Imperial Maly-theater. Maly Theater (Academisch Staatstheater van Rusland)

Bij de ingang van het Maly Theatergebouw staat een monument voor de schrijver en toneelschrijver, wiens toneelstukken de basis vormden van het theaterrepertoire. Het monument werd opgericht in 1929. Beeldhouwer - Nikolai Andreev, architect - F. O. Shekhtel. Het monument is gemaakt van brons en staat op een granieten sokkel.

Historische referentie

De theatergroep werd in 1756 opgericht aan de Universiteit van Moskou, onmiddellijk na het decreet van keizerin Elizabeth Petrovna, dat de geboorte markeerde van het professionele theater in ons land: “We hebben nu opdracht gegeven tot de oprichting van een Russisch theater voor de presentatie van komedies en tragedies. .." De beroemde dichter en toneelschrijver M.M. Kheraskov leidde het Vrije Russische Theater aan de universiteit. De kunstenaars waren studenten van het universitair gymnasium.

Het Petrovsky Drama Theater werd gecreëerd op basis van het universitaire theater. Gedurende deze jaren werd zijn gezelschap aangevuld met acteurs uit lijfeigene theaters. Maar het gebouw brandde in 1805 af en de groep zat zonder podium. Maar al in het volgende jaar, 1806, werd in Moskou het Directoraat van de Keizerlijke Theaters opgericht. De kunstenaars van de voormalige Petrovsky kwamen in dienst. De nieuwe groep van het Imperial Moskou Theater trad op op verschillende podia totdat uiteindelijk het management van de Imperial Theatres het idee van architect Beauvais begon te implementeren: de bouw van een theatercentrum in Moskou.

In 1824 herbouwde Bove het landhuis van de koopman Vargin voor het theater, en het dramatische deel van de Moskouse groep van het keizerlijke theater kreeg een eigen gebouw op het Petrovskaya (nu Teatralnaya) plein en zijn eigen naam: het Maly Theater. “Moskovskie Vedomosti” plaatste een aankondiging over de eerste uitvoering in de Maly: “Het directoraat van het keizerlijke Moskouse Theater kondigt hierbij aan dat het volgende dinsdag, 14 oktober van dit jaar, zal worden gegeven in het nieuwe Maly Theater, in het huis van Vargin, op Petrovskaya-plein, voor de opening van deze voorstelling, namelijk: een nieuwe ouverture van composities. A.N. Verstovsky, vervolgens voor de tweede keer: Lily of Narbonne, or the Vow of a Knight, een nieuwe dramatische ridderlijke balletvoorstelling...

In de literatuur

Naast mij, bij de ingang van het gebouw, zit de enige bronzen huiseigenaar in Moskou, gekleed in hetzelfde konijnengewaad waarin hij 'Wolven en schapen' schreef. Op de muur bij de ingang lees ik het affiche van dit stuk en word getransporteerd naar het verre verleden.

Naar de ingang Maly Theater Terwijl hij zijn ijzeren banden in de ongeharkte sneeuw liet zinken en over kuilen dook, kroop een armoedig, antediluviaal theatraal rijtuig omhoog. Een koetsier in een vale overjas en een kroeshoed waar plukjes touw uit hingen, zijn wang vastgebonden, zwaaide aan de kist. Hij sloeg, tsked en trok met touwteugels aan een paar niet bij elkaar passende, nooit schoongemaakte ‘kabysdokhs’, een van die waarover de toen populaire zanger Pasha Bogatyrev tijdens concerten een betraande romance zong:

Ooit waren jullie ook dravers

En je had onstuimige koetsiers...

Het hele leven van Ostrovsky is een creatieve zoektocht die hem leidde tot de creatie van een uniek, nieuw theater. Dit is een theater waarin er geen traditionele opdeling in kunst is voor het gewone volk en de ontwikkelde klasse, en de personages - kooplieden, klerken, koppelaars - rechtstreeks vanuit de werkelijkheid naar het podium migreerden. Het Ostrovsky Theater werd de belichaming van het model van nationale vrede.

Zijn realistische dramaturgie vormde – en vormt nog steeds – de basis van het repertoire van het nationale theater. Voor het tijdperk waarin de literaire en theatrale activiteit van Ostrovsky plaatsvond, werd deze taak door het leven zelf gesteld. Op het podium van theaterpodia waren er nog steeds voornamelijk buitenlandse - vertaalde - toneelstukken, en het repertoire van binnenlandse toneelstukken was niet alleen mager en bestond voornamelijk uit melodrama's en vaudevilles, maar ontleende ook grotendeels de vormen en karakters van buitenlands drama. Het was noodzakelijk om het theaterleven “het beeld van het theater” als zodanig volledig te veranderen; het moest een plek worden waar mensen vertrouwd konden raken met de belangrijkste problemen van het leven met behulp van een eenvoudige en toegankelijke artistieke taal.

De grote nationale toneelschrijver nam deze taak op zich. De oplossing ervan hield niet alleen verband met het creëren van repertoirespelen, maar ook met de hervorming van het theater zelf. " Ostrovsky-huis"Het is gebruikelijk om het Maly Theater in Moskou te bellen. Dit theater werd geopend lang voordat de jonge toneelschrijver er kwam; toneelstukken van de grondlegger van het Russische realistische drama, Gogol, werden al opgevoerd op het podium, maar het werd het Maly Theater dat de geschiedenis inging en vandaag de dag bestaat dankzij Ostrovsky. Hoe verliep deze ontwikkeling van het theater? Hoe kwam onze grote toneelschrijver ertoe dit te creëren?

Ostrovsky's liefde voor theater begon in zijn jeugd. Hij was niet alleen een vaste klant in het Maly Theater, waar Mochalov en Shchepkin toen schitterden, maar keek ook enthousiast naar de uitvoeringen van het volkstheater met Petroesjka, die plaatsvonden op volksfestivals in de kloosters Maiden en Novinsky. Dus toen hij begon met het maken van zijn toneelstukken, was Ostrovsky goed bekend met verschillende vormen van theater en slaagde hij erin het beste uit elke vorm te halen.

Het tijdperk van het nieuwe realistische theater, onder leiding van Ostrovsky, begon in Moskou. 14 januari 1853 in het Maly Theater in de benefietvoorstelling van L.P. Kositskaya, die Mochalov in een rok heette, bracht de komedie van Ostrovsky in première " Stap niet in uw eigen slee».

De personages - 'echte mensen' - eisten dat ze op een geheel nieuwe manier werden gespeeld. Ostrovsky besteedde hier de eerste aandacht aan en werkte rechtstreeks samen met de acteurs. Het is bekend dat de toneelschrijver een uitstekende lezer van zijn toneelstukken was, en hij deed dit niet alleen als acteur, maar als regisseur die de essentie van de personages, de manier van doen van de helden en de originaliteit van hun spraak probeerde te benadrukken.

Dankzij de inspanningen van Ostrovsky verbeterde de Maly Theatergroep merkbaar, maar de toneelschrijver was nog steeds niet tevreden. “We willen voor het hele volk schrijven”, zei Ostrovsky. “De muren van het Maly Theater zijn smal voor nationale kunst.” Sinds 1869 stuurt Ostrovsky aantekeningen naar het directoraat van de keizerlijke theaters in Sint-Petersburg over de noodzaak van radicale theaterhervormingen, maar deze blijven onbeantwoord. Toen besloot hij een particulier volkstheater op te richten en in februari 1882 kreeg hij daar toestemming voor. Het leek erop dat de toneelschrijver zijn gekoesterde droom al bijna had gerealiseerd. Hij begon een lijst op te stellen van toekomstige aandeelhouders van het Russische theater, ontwikkelde het repertoire en schetste de samenstelling van de groep. Maar de onverwachte afschaffing van het theatermonopolie van de overheid op theaters en de commerciële bloei die daarna begon rond de opening van nieuwe theaters, verhinderden Ostrovsky de klus te klaren. Nadat hem in 1884 een staatspensioen werd toegekend, vond hij het lastig om in een privétheater te werken en wendde hij zich opnieuw met zijn voorstellen tot de directie van de keizerlijke theaters. Dit hele langdurige verhaal had een pijnlijk effect op Ostrovsky. Dat was de bittere paradox van het leven: het genie van het Russische drama, de schepper ervan, beschikte niet over een theater voor een serieuze, gekwalificeerde productie van zijn toneelstukken.

Maar dankzij de inspanningen van broeder Michail Nikolajevitsj, die de hoge post van minister van Staatseigendom bekleedde, kon de zaak van de grond komen. In oktober 1884 reisde hij naar Sint-Petersburg, waar hem werd aangeboden artistiek directeur te worden van de keizerlijke theaters in Moskou. Eindelijk de droom van de auteur " Onweersbuien" begon werkelijkheid te worden. Dus de beroemde toneelschrijver, die al ouder was dan 60 jaar, nam een ​​​​moeilijke, maar zo noodzakelijke taak voor iedereen op zich.

Op 14 december 1885 keerde hij terug naar Moskou. Hij werd begroet door de hele groep van het Maly Theater. Ostrovsky's intense theatrale activiteit begon. Er wordt een repertoireraad opgericht, nieuwe acteurs worden uitgenodigd, er wordt een curriculum voor een theaterschool opgesteld en Ostrovsky wil staatsprijzen instellen voor de beste toneelstukken. Maar zijn kracht neemt af. Zijn dagen waren al geteld: op 2 juni 1886 overleed de grote nationale toneelschrijver, gepassioneerd theaterwerker en schepper van het nationale theater. Hij slaagde er niet in om alle geplande hervormingen van het Russische theater tot het einde door te voeren. Maar de basis was stevig gelegd. De verdiensten van de toneelschrijver werden zeer gewaardeerd door zijn tijdgenoten.

En nu lijkt het erop dat Ostrovsky zelf, wiens monument is opgericht bij de ingang van zijn geboorteland Maly Theater, zorgvuldig naar zijn hoofdcreatie kijkt en met zijn levende aanwezigheid degenen helpt die nu op het beroemde podium spelen of die komen - gewoon zoals 150 jaar geleden - tot uitvoeringen waarin het heldere, levende woord van de toneelschrijver keer op keer klinkt.

Het oudste Russische theater - de Moskouse Maly - droeg vóór de revolutie de titel 'keizerlijk' en heeft door de geschiedenis heen het volk trouw gediend en blijft het dienen.

In dit theater is humane en burgerlijk realistische kunst altijd verwarmd door de warmte van het menselijk hart. Prachtige creatieve tradities werden niet alleen zorgvuldig beschermd door de meesters van het Maly Theater en van generatie op generatie doorgegeven, maar ook voortdurend ontwikkeld.

Het realisme van het Maly Theater, gebaseerd op trouw aan de waarheid van het leven, is altijd verstoken geweest van fijne details en details. Zijn realisme was en blijft een realisme van grote en heldere vormen. De stijl van het Maly Theater was gebaseerd op de klassieke Russische literatuur en zijn kleurrijke toneelfiguren. Tegelijkertijd liet het theater zich bij het onderzoeken van de morele en sociale oorsprong van dit of dat levensverschijnsel niet meeslepen door de psychologische detaillering van karakters, maar volgde het de weg van het creëren van algemene sociale portretten. In de kunst van het Maly Theater zijn er lange tijd twee artistieke stromingen geweest: alledaags en romantisch, die, veranderend afhankelijk van een bepaald tijdperk en zijn vereisten, de essentie van zijn stijl vormen.

Het theater heeft altijd een centrale rol gespeeld in het sociale leven van het land. Vanaf de eerste dagen van zijn bestaan ​​werd het Maly Theater een exponent van de meest vooruitstrevende tendensen van het Russische sociale denken.

“Natuurlijk kon het gecensureerde imperiale theater dit niet volledig openlijk doen, maar het is verrassend”, schreef A.V. Loenatsjarski, “dat dit theater, dat ‘imperiaal’ werd genoemd, door iedereen altijd als contra-imperiaal werd beschouwd. Het Russische liberale en radicale publiek nam het Maly Theater van het hof en bezette het. Ze onderwierp hem zo volledig dat je verbaasd moet zijn hoe relatief weinig het compromis dat achter de schermen door het oppositiepubliek met het Ministerie van het Hof werd gesloten, voor zijn lot had.

Het is voldoende om op zijn minst een beetje alles door te bladeren wat er sinds het allereerste begin van de Russische kritiek over het Maly Theater is geschreven, van Polevoy en Belinsky... om te zien hoe uitzonderlijk het Maly Theater werd gewaardeerd door het hele progressieve deel van de samenleving. .”

Mensen kwamen hier niet alleen om van echte kunst te genieten, ze kwamen hier ook om te studeren. Het Maly Theater werd de tweede Universiteit van Moskou genoemd.

“Het is moeilijk om de diepe spirituele invloed die het Maly Theater heeft te meten, er rekening mee te houden en in concrete gegevens te presenteren”, schreef A. M. Gorky. Samen met de Universiteit van Moskou speelt het een belangrijke, uitzonderlijke rol in de geschiedenis van de mentale ontwikkeling van de Russische samenleving.”

De studentenjongeren van de galerij absorbeerden hier gretig vrijheidslievende gedachten, een koopman uit het “land van Zamoskvorechye” probeerde zich aan te sluiten bij de cultuur, de verschillende intelligentsia, professoren van de Universiteit van Moskou, schrijvers, kunstenaars - iedereen zocht en vond antwoorden op hun dringende vragen vragen in de kunst van het Maly Theater.

“Het Maly Theater had een beter effect op mijn spirituele ontwikkeling dan welke school dan ook. Hij leerde me kijken en het mooie zien... Het Maly Theater werd de hefboom die de spirituele, intellectuele kant van ons leven beheerste”, schreef K. S. Stanislavsky.

Pavel Stepanovitsj Mochalov(1800-1848), zoon van acteur S.F. Mochalov, debuteert op het podium van het Moskouse theater in 1817. Onder zijn eerste rollen kunnen we er twee noemen uit het binnenlandse repertoire van het begin van de eeuw: de rol van Polyneices in het toneelstuk "Oedipus in Athene" van V. Ozerov en de rol van Liodor in het sentimentele drama van N. Ilyin "Lisa, of de Triomf van dankbaarheid.”

Het is onmogelijk Mochalov te begrijpen zonder de principes van die esthetische richting te begrijpen, waarvan hij in het theater de meest prominente exponent was. Een man met een romantisch en daarom tragisch lot, een man die geen geluk, vrede en harmonie kent. Het is onmogelijk Mochalovs persoonlijke privéleven te scheiden van zijn leven in de kunst. Mochalovs werk is autobiografisch - het is een voorbeeld van romantische levenscreativiteit. In tegenstelling tot Karatygin streefde hij niet naar ‘objectiviteit’; hij distantieerde zich niet van zijn wereldbeeld en verborg zijn wereldbeeld niet tijdens het proces van het creëren van het beeld. De kunst van Mochalov is uiterst subjectief, maar de persoonlijkheid van deze briljante kunstenaar omvatte niet alleen zijn intieme ervaringen, de emotionele ervaring van het privéleven - hij belichaamde het lot van een persoon uit het romantische tijdperk als geheel.

Elke rol van Mochalov was niet alleen een theatraal fenomeen, dat werd beoordeeld vanuit het oogpunt van esthetische wetten. Elk van zijn toneelpersonages was voor het publiek een openbaring van een man die “het stempel van spirituele innerlijke tragedie op alle beelden drukte”. Toeschouwers werden niet alleen geboeid door de kracht van zijn creatie, maar ook door de persoonlijkheid van de kunstenaar zelf. Hij bracht het podium over "zijn geneugten, zijn pijnlijk dromerige kwellingen, zijn koortsachtige hobby's en de charme van de natuur kwamen het publiek binnen met een elektrische stroom, en we huilden en verheugden ons waanzinnig met onze tragediespeler." Tegelijkertijd 'doordrong Mochalov, als acteur van lef, emoties, acteur-tekstschrijver, die spontaan en intuïtief de rol begreep,' de waarheid. En de kracht van Mochalovs ‘inspiratieminuten’ deed het publiek de ‘uren van verveling’ van zijn eigen acteerwerk vergeten. Als romantische acteur was hij een improvisator, die het leven zag als een eeuwige, onvoltooide beweging, een vernieuwing van vormen en ideeën. Daarom werden tijdens de uitvoering vaak spontaan een speciale sfeer, psychologische nuances en technieken geboren. De mise-en-scène, gebaren of intonaties heeft hij nooit vastgelegd. Elke keer op het podium leefde Mochalov zijn imago op een nieuwe manier. Speciale ‘effecten’ en ‘trucs’ op het podium werden vaak onmiddellijk geboren, als een organische uitdrukking van de mentale en psychologische toestand. Er was uiteraard geen klassieke volledigheid of absolute harmonie in zijn rollen. Maar er was expressie, emotionele intensiteit en ‘confessionele’ oprechtheid. Het leven zelf ademde in de kunst van Mochalov, de schoonheid van ‘passie en lijden’ regeerde. Het is belangrijk dat de acteur, door het leven dualistisch waar te nemen, een verhoogd gevoel van onoplosbare tegenstellingen naar het podium overbrengt en daarom de rol bouwt op dissonanten, tegenstellingen en contrasten: van statische tot hectische dynamiek, van vrede tot een explosie van passies, van een schreeuw tot een gefluister dat ‘de ziel verscheurt’. Mochalov begreep zijn held altijd in beweging en ontwikkeling. Hij was niet geïnteresseerd in het resultaat, maar in het proces, het pad van kennis en leven. En tegelijkertijd speelde hij nooit banale, middelmatige karakters. Al zijn personages zijn vreemde, complexe, buitengewone mensen (zowel schurken als helden). Het was belangrijk om een ​​interne score op te bouwen, een psychologisch contrapunt. Maar wie Mochalov ook speelde, hij sprak altijd over zijn tijdgenoten, omdat hij zijn ziel speelde. Het is Mochalov die een van de basiswetten van de Russische toneelschool bevestigt: podiumervaring.

Mochalov werd gekenmerkt door ongelijkmatig acteren: hij kon vandaag briljant dezelfde scène spelen en morgen falen (dit proces was onvoorspelbaar). Het wordt niet gekenmerkt door integriteit, volledigheid, volledigheid van het beeld. Maar volgens tijdgenoten had de acteur soms genoeg inspiratie voor een hele rol. Mochalov was een kuise acteur en wist niet hoe hij op het podium moest liegen. Dit verklaart grotendeels de oneffenheden van Mochalovs spel: waar de rol van vandaag niet samenviel met zijn spirituele beweging, speelde hij niet met clichés, hij liep ‘voorbij’, alsof hij hem intern miste. Maar er waren uitvoeringen waarin Mochalov intensief zocht naar de noodzakelijke mise-en-scène en nadacht over een tekening van de rol die paste bij zijn interne toestand. Belinski geeft in zijn grootse artikel ‘Hamlet’, Shakespeares drama Mochalov in de rol van Hamlet, voorbeelden van hoe Mochalov bewust de structuur van het toneel veranderde in het nastreven van echte theatrale expressiviteit en de innerlijke waarheid van Shakespeares imago. Markov, die Grigoriev volgt, vernietigt de legende dat Mochalov de rol nooit heeft bestudeerd. De acteur introduceerde zelfs een concept als 'theatrale geest' en streefde ernaar 'het karakter van een persoon te begrijpen'. Natuurlijk kende Mochalov zijn beroep en werkte aan de rol. Toegegeven, dit 'werk' was speciaal, het werd blijkbaar uitgevoerd in de sfeer van het onderbewustzijn, in de verbeelding en direct in het proces van toneelcreativiteit. Het artistieke beeld veroverde hem volledig: spiritueel, mentaal, fysiologisch. Voortdurend bestaan ​​binnen het beeld, in de sfeer van de invloed van artistiek materiaal, vereiste vaak geen toneelrepetitieproces. Absoluut iedereen merkte zijn perfecte beheersing van zijn stem op: flexibel, mobiel, met een enorm bereik. Maar tegelijkertijd negeerde Mochalov vaak de details van de vorm, lette niet op make-up, kostuum en logisch doordachte plastic techniek, externe details. In de creatieve biografie van de geïnspireerde acteur waren er volgens Grigoriev echter rollen die 'volledig gerealiseerd en volledig gecreëerd' waren. De criticus noemt slechts vier werken: Hamlet, Richard III, Meinau en Biderman in het melodrama "Death or Honor" van N. Polevoy, ze waren volledig doordacht, intern uitgewerkt, ontworpen en vertegenwoordigden een holistische, harmonieuze artistieke wereld;

Maar hoe het ook zij, de kunst van Mochalov veroverde de hele zaal en was voor iedereen begrijpelijk, ongeacht cultureel niveau, sociale criteria en leeftijdscriteria. En de kooplieden, die soms niet eens begrepen ‘waar’ Mochalov mee speelde, riepen: ‘Bravo, Mochalov!’ Er was iets hypnotiserends aan zijn werk. Hij legde nauwkeurig het geluid van de 'barstende snaar' van deze tijd vast en drong door tot in de verborgen diepten van iemands innerlijke leven.

Het hoofdthema van het werk van de acteur, dat zijn hele carrière doorliep, was het thema van een man van een verloren generatie, het thema van een extra persoon. En dit is in zekere zin een mythologie van het Russische leven. Mochalov speelde gedurende dertig jaar vele rollen. Onder hen: Ferdinand (“Cunning and Love” van Schiller, 1822), Karl Moor (“The Robbers” van Schiller, 1829), Chatsky (1831), Richard III (1835), Hamlet (1837), Othello (1837), Keene (“Kane, of genie en dissipatie” door A. Dumas, 1837), Lear (1839). In het publieke bewustzijn van de generatie van de jaren dertig en veertig was de rol van Hamlet waarschijnlijk de belangrijkste: als de ‘bekentenis’ van de moderne mens. Maar zijn hele leven droeg Mochalov niet alleen het beeld van de Shakespeare-filosoof, maar ook van Byronic Meinau. Het was in deze rol dat het publiek de grote tragedie voor het laatst zag - in Voronezh in februari 1848.

Vasili Andrejevitsj Karatygin(1802-1853) - de grootste acteur van het Alexandrinsky Theater, een grote tragedie uit het tweede kwart van de 19e eeuw. Gedurende zijn leven en werk was hij het tegenovergestelde van Mochalovs kunst en persoonlijkheid. Hij zag er niet uit als “een man van gemiddelde lengte, zonder de kunst om zichzelf goed te handhaven op het podium, met slechte gewoonten, met een zachte stem en sprekend als andere mensen?” Karatygin is een acteur met een ‘heroïsche’ structuur, een ‘gigantische’ lengte en een ‘majestueus orgel’. Dit is een persoon met een extreem teruggetrokken leven, geconcentreerd op zijn creativiteit. De tragedie uit Moskou, die eindeloze interne pijn en geestelijke inzinking ervoer, 'dronk' zijn talent. Petersburg - hij zette een soort repetitieruimte met spiegels in zijn huis op en maakte zijn gezinsleven ondergeschikt aan het theater. Mochalov is een genie, een intuïtionist. Karatygin is een man met echte cultuur, een theatervertaler, een acteur die hard aan een toneelstuk of rol weet te werken. De één heeft een “natuurlijke”, goddelijke gave, de ander heeft een talent “gevoed” door voortdurende studie van kunst en school. Mochalov - "ziel"; Karatygin - "zal"; de ene is een element, de andere is een verhouding. Belinski noemde Mochalov een acteur ‘plebejer’ en Karatygin een ‘aristocraat’. Waarschijnlijk schuilt hier een kern van waarheid in. En ook in de perceptie van Karatygins creativiteit als een stijl die past bij de Empire-stijl van keizerlijk Nicolaas Rusland. Karatygin was de eerste acteur van het Russische rijk. De acteur drukte echt de tijd uit, maar in tegenstelling tot Mochalov was zijn uiterlijk anders. Elk esthetisch individu creëert zijn eigen cast van het tijdperk, schildert zijn eigen tijdsportret. Mochalov heeft de expressiviteit, de razernij van emoties, het barbaarse enthousiasme en het uitzonderlijke karakter van de gebeurtenissen vergroot. In Karatygin is er een triomf van vorm, compositie, expressiviteit van houding, monumentaliteit, harmonie van de klassieke tragedie. Beide acteursportretten geven het echte beeld weer, maar de auteurs zien het anders. Dit vormt in feite het ware belang van de kunst en de geschiedenis van het theater.

Karatygin komt uit een beschaafde acteerfamilie, de zoon van de beroemde actrice uit het begin van de eeuw na Christus Karatygina; trouwde met A. M. Kolosova, die, net als Karatygina de Tweede, voor altijd zijn partner bleef; broer, Pjotr ​​Andrejevitsj Karatygin, acteur, vaudeville-toneelschrijver en briljante theaterleraar, een van de leraren van A.E. Martynov.

Een jonge tragediedichter, dicht bij de kring van de Russische intelligentsia, een student van P. A. Katenin, maakte zijn debuut op het podium van Sint-Petersburg in 1820 in de rol van Fingal ("Fingal" van V. Ozerov). Karatygin zou, net als Mochalov, iets meer dan dertig jaar het Russische theater dienen, en paradoxaal genoeg zou ook hij halverwege de jaren veertig het theater een tijdje verlaten - zij het, op zijn eigen verzoek, ‘op vakantie’. Na verloop van tijd verloor Mochalov gestaag zijn publiek en Karatygin beëindigde zijn reis op het hoogtepunt van zijn roem. Van 1841 tot 1844 voerde hij in drie jaar tijd ongeveer driehonderd uitvoeringen uit: voor de leider van Alexandrinsky, een acteur van dit niveau en deze positie, is dit veel.

Om het unieke karakter van Karatygins kunst te begrijpen, is het belangrijk om rekening te houden met de classicistische wortels van zijn creatieve wereldbeeld. Het artistieke denken van een acteur, gevormd op het kruispunt van stilistische tijdperken, tijdens de periode van hun radicale botsing, is moeilijk ondubbelzinnig te definiëren. Romantische trends hebben op natuurlijke wijze het fenomeen Karatygin, de kunstenaar, beïnvloed: de structuur van zijn acteerwerk, esthetische technieken (bijvoorbeeld contrast), thema's, plots. En toch kunnen we zeggen dat Karatygin vreemd was aan het romantische wereldbeeld, de basisrichtlijnen van dit stilistische denken. De acteur had een holistisch bewustzijn; in zijn kunst streefde hij naar evenwicht en harmonie. Mochalov had in zijn ziel de behoefte om het lot te leven van een tijdgenoot, een vreemde man, geschokt door externe tegenstrijdigheden en interne introspectie. Voor Karatygin wordt in een tijdperk van een soort ‘stagnatie’ het concept van heldendom, prestatie en ideaal fundamenteel. De acteur vindt geen ideaal begin in een tijdgenoot en verzet zich tegen de middelmatigheid van het tijdperk, en tegelijkertijd tegen het 'afval' van het repertoire, door een heroïsch, historisch, integraal beeld op het podium te creëren.

De creativiteitsmethode is een uitdrukking van zowel de psychofysica van de acteur als de korrel van zijn persoonlijkheid. De held van de romantische acteur wordt voor altijd verscheurd in de strijd met de wereld en zichzelf. Het nerveuze, vaak onregelmatige spel van de lyrische kunstenaar was volledig in tegenspraak met de esthetiek van Karatygin. Het pathos van de subjectiviteit van de romantici, hun rusteloze, dissonante creativiteit, was hem vreemd. Bij het creëren van de rol 'verzaakte' Karatygin zelf aan zijn eigen persoonlijkheid, alsof hij deze voor publieke controle verborgen hield. ‘Objectieve’ creativiteit stelde hem in staat zich in de levens van verschillende personages te verplaatsen, zonder hen intieme ervaringen, psychologie en spirituele ervaringen te schenken, en intern gezond en heel te blijven. Zonder spontane creativiteit, inspiratie en ‘artistiek genot’ te accepteren, onderzoekt Karatygin het beeld op rationele, logische en intellectuele wijze. Dit is een consistente, systematische constructie van de partituur van de rol, aandacht voor gebaren, gezichtsuitdrukkingen, ritme en kostuum. Tegelijkertijd zou het verkeerd zijn om te denken dat een conventionele theateracteur geen inspiratie en plezier ervaart in acteren. Dit betekent niet dat Karatygin niet geïnteresseerd is in de gevoelens en ervaringen van het personage, dat de acteur de emotionele kant van het beeld negeert. Maar Karatygins psychologische en emotionele structuur van het personage wordt uitgedrukt door middel van formeel theater (volgens Belinsky is dit “Europees formalisme op het Russische toneel”). Maar de manier waarop de acteur het publiek beïnvloedt, de aard van de perceptie van het publiek bij de uitvoeringen van Mochalov en Karatygin is natuurlijk anders. Het is belangrijk voor romantici om een ​​held te portretteren in het proces van beweging en vorming. Voor Karatygin is het resultaat van de ontwikkeling van passies het onderwerp van toneelonderzoek: de tragische personages waren als ‘een uitstekend antiek beeld’.

En toch begon Karatygins ‘klassieke’ school tot het verleden te behoren. De majestueuze, plechtige en spectaculaire helden van Karatygin, geabstraheerd uit het echte leven, werden in de jaren veertig van de 19e eeuw archaïsch waargenomen. De intensieve ontwikkeling van het realisme, het verschijnen van de eerste werken van de natuurlijke school - al deze processen gingen niet aan de acteur voorbij. Karatygin bleef als intelligente en gevoelige kunstenaar niet bevroren in de vorm die zich in de jaren twintig en dertig ontwikkelde, maar evolueerde en kwam dichter bij de ‘trends van die tijd’. En hoewel hij nooit in het moderne realistische repertoire speelde en nog steeds tot het tweede kwart van de 19e eeuw behoorde, is zijn kunst van de afgelopen jaren toch dichter bij het leven gekomen, eenvoudiger, dieper, psychologischer. Het is interessant dat de acteur na een vakantie, een pauze en tegelijkertijd het verleden samenvat en nadenkt over plannen voor de toekomst, op het podium optreedt met werken als "Eugene Onegin", "The Bronze Horseman" van Poesjkin, verschijnt in de rol van Gogol's Taras Bulba, en maakt oude rollen opnieuw.

Voor het Russische theater, voor de ontwikkeling van een nationale toneelschool, is het uiterst belangrijk om de lessen van Karatygin te begrijpen en te leren. Zijn hele leven was een verklaring van de simpele waarheid dat er zonder werk geen acteerberoep bestaat, dat kunst een constant proces is van het bestuderen van de eigen middelen en het dagelijkse werk aan de rol. Karatygin bewees dat theatrale kunst niet alleen vaardigheid en school, wil en moed vereist. Maar ook de ware cultuur van de persoonlijkheid van de podiumkunstenaar. Aan de andere kant bevestigde Karatygin met zijn creativiteit dat theater een spektakel is, dat de vorm niet leeg is, maar betekenisvol en emotioneel gevuld, dat conventioneel theater niet alleen visueel beïnvloedt, maar bij de kijker de elementen van gevoelens, empathie, enz. doet ontwaken. En daarom huilde het publiek van de 'formele' acteur Karatygin, en het publiek nam voor altijd het beeld mee van Hamlet, Lear, Kean, Louis XI (in het toneelstuk 'The Enchanted House' van I. Aufenberg) of Belisarius (in. het toneelstuk van E. Schenk), en de zaal werd dertig jaar lang verscheurd door applaus en liefde voor zijn toneelspeler. Belinsky schreef toen hij Karatygin-Belisarius op een strijdwagen zag, deze ‘lauriergekroonde oude held, met zijn grijze baard, in koninklijk bescheiden grandeur, een heilige verrukking greep krachtig mijn hele wezen en schudde het trillend… Het theater beefde van een explosie van applaus.” Tot het einde van zijn leven bewees Karatygin, terwijl hij een kunstenaar bleef van formeel theater, holistisch, heroïsch en ideaaldenken, dat de kunst van het presenteren niet minder belangrijk is dan de kunst van het ervaren, het vertelt eenvoudigweg de waarheid in een andere taal.

Alexandrinski Theater(ook bekend als Het Russische Staatsacademisch Dramatheater is vernoemd naar. A. S. Poesjkina) - Theater van Sint-Petersburg, een van de oudste dramatheaters in Rusland die tot op de dag van vandaag bewaard is gebleven.

De Russische cultuur staat bekend om zijn acteurs, regisseurs en auteurs. Het Maly Theater op Ordynka wordt beschouwd als de trots van theatrale kunst, die ook een rijke geschiedenis heeft.

De geboorte van theater

Keizerin Ekaterina Petrovna, die zoveel van theatrale kunst hield, vaardigde in 1756 een decreet uit, waardoor in Sint-Petersburg een Russisch theater werd opgericht. Tegelijkertijd werd in Moskou een theater geopend, waarvan de acteurs studenten waren. Al in 1759 werd het in Moskou gecreëerde openbare Russische theater overgebracht naar de jurisdictie van de Universiteit van Moskou. Het werd beheerd door de directeur van de universiteit, toneelschrijver, dichter Kheraskov. Het bestaan ​​van de instelling was van korte duur, maar op basis daarvan werd later een permanente acteergroep in Moskou gevormd.

Theater uit de late 18e en vroege 19e eeuw

Decennia lang bestond de Moskouse groep, die acteurs, zangers, dansers en muzikanten omvatte, dankzij de steun van particuliere ondernemers. M.E. Medox was het langst ondernemer. In 1780 bouwde hij een groot theater genaamd Petrovsky, gelegen aan het Petrovskaya-plein. Sinds 1806 begon de hele groep op publieke kosten te bestaan; het werd opgenomen in het systeem van keizerlijke theaters. Kort voor dit moment was er een brand in het Petrovsky Theater, de groep begon te werken in het huis van Pashkov, dat werd aangepast tot theater, vervolgens aan de Arbat-poort en vervolgens aan Znamenka in het huis van Apraksin. Pas in het seizoen 1824-1825 vond de keizerlijke groep zijn permanente thuis: het Maly Theater. Het huis van de koopman Vargin werd herbouwd en op 14 oktober vond hier het eerste optreden plaats.

Verhaal

In 1914 creëerde de architect Spirin een project waarbij het Kino-paleis werd herbouwd tot het Struisky-theater. Meestal bezocht door de bevolking van Zamoskvorechye. Al snel werd het omgevormd tot het Theater van Miniaturen. Na de revolutie van 1917 werd het theater genationaliseerd door de bolsjewieken. Op het podium traden verschillende gezelschappen op, die uitvoeringen van vele stijlen presenteerden. In 1922 werd hier het theater van de Zamoskvoretsky-raad gevormd. Drie jaar later kreeg het de naam Lensovet. Pas in 1943, tijdens de oorlog, werd hier een afdeling van het Maly Theater op Ordynka gevormd. De eerste uitvoering vond plaats op 1 januari 1944, gebaseerd op Ostrovsky’s toneelstuk ‘In a Lively Place’. De eerste première vond plaats op 25 januari 1944, het was het toneelstuk "Ingenieur Sergejev".

Naam theater

Uit de geschiedenis is duidelijk dat het Maly Theater op Ordynka zo werd genoemd, alleen vanwege zijn omvang. Het gebouw was klein vergeleken met het aangrenzende Bolsjojtheater, dat bedoeld was voor opera- en balletvoorstellingen. Al snel veranderde de naam “Klein”, net als “Groot”, in een eigennaam. Nu worden deze namen over de hele wereld in het Russisch gehoord. Het repertoire van het Maly Theater op Ordynka bestond uit uitvoeringen opgevoerd gebaseerd op de werken van grote Russische klassiekers: Poesjkin, Gogol, Gribojedov, Toergenjev, Ostrovsky. Ook kreeg het publiek uitvoeringen voorgeschoteld gebaseerd op Shakespeare en Schiller. Van alle buitenlandse auteurs kregen zij de grootste voorkeur. Naast serieuze optredens trok het podium van het Maly Theater op Ordynka toeschouwers met een licht repertoire, dit waren melodrama's en vaudevilles.

Theater tijdens de oorlog

Tijdens de Tweede Wereldoorlog nam het Maly Theater op Ordynka actief deel aan de strijd tegen de fascistische indringers. De theatergroep heeft bijgedragen aan de grote overwinning. De artiesten maakten deel uit van frontliniebrigades, die optraden voor soldaten in ziekenhuizen. In 1943 werd er zelfs een frontlijnafdeling gevormd. Het team kreeg één taak: artistieke dienstverlening aan de soldaten van het Sovjetleger. In totaal gaven het Maly Theater en zijn Frontline-filiaal meer dan 2.700 concerten en optredens. Al het door het team verzamelde geld werd gebruikt om een ​​squadron vliegtuigen te bouwen, dat werd overgedragen aan het actieve leger. In 1944-1945 verpletterde dit squadron met succes de nazi's in de lucht

Maly Theater van onze tijd

Sommigen vinden het misschien mystiek dat het theaterpersoneel gelooft dat het bescheiden, sobere gebouw de uitstraling van oude, lang vervlogen grote kunstenaars heeft behouden. Geesten beschermen en behouden het theater in de moeilijkste tijden. Ze hebben het bewaard tijdens de dagen van postrevolutionaire wetteloosheid aan het begin van de 20e eeuw, en hebben ervoor gezorgd dat het niet verdween tijdens de turbulente oorlogsjaren. Ondanks snelle levensveranderingen, crises en instabiliteit bestaat theater altijd.

In 1995 opende het Maly Theater op Ordynka na renovatie een podium. Op beide podia worden nog steeds optredens gegeven. Tegenwoordig is het repertoire van de groep nog steeds rijk aan klassieke werken. De basis zijn de toneelstukken van Ostrovsky. De Maly-groep omvat beroemde volkskunstenaars Bystritskaya, Kayurov, Korshunov, Martsevich, Muravyova, Klyuev, Nevzorov, Bochkarev, Klyukvin, Potapov en vele anderen. Het gezelschap bestaat uit ruim honderd artiesten. Over het algemeen heeft het Maly Theater meer dan 700 mensen in dienst. Het theater beschikt over een eigen orkest, waar muzikanten van de hoogste klasse werken. De groep geeft vaak optredens in andere landen en steden. De reizende geografie omvat landen als Finland, Italië, Frankrijk, Duitsland, Israël, Japan, Griekenland, Cyprus, Bulgarije, Hongarije, Mongolië en vele anderen. Bij decreet van de president van Rusland kreeg het Maly Theater de status van nationale schat.

Wat is het verschil tussen het Maly Theater en het Bolsjoj Theater? Waarschijnlijk stellen veel mensen deze vraag. Het belangrijkste verschil ligt in de genres. Het Bolshoi is een opera- en ballettheater. Klein - dramatisch.

Verhaal

Het Bolsjojtheater verschilt qua oprichtingsdatum van het Maly Theater. Algemeen wordt aangenomen dat het in 1776 werd geopend. De Maly Theatergroep dateert uit 1756. Het was de eerste publieke entertainmentinstelling in zijn soort in Rusland. Al snel verscheen er een operagroep op basis van het Maly Drama Theater. Het bestond voornamelijk uit studenten van de Universiteit van Moskou, waar een goede muzikale opleiding werd gegeven.

Zo hebben de huidige Maly- en Bolshoi-theaters één groep gevormd: opera en drama. Het omvatte zowel lijfeigene kunstenaars als uitgenodigde sterren uit het buitenland. In het seizoen 1824-1825. De groep was verdeeld in twee onafhankelijke groepen: drama en opera. Elk van hen vond zijn eigen aparte gebouw.

Zo verschenen er twee kunsttempels in Moskou: het Bolsjojtheater en het Maly Theater. Het verschil in namen betekende oorspronkelijk de grootte van de gebouwen waarin ze zich bevinden. Het Maly Theater is veel kleiner dan het Bolsjojtheater. Maar al snel veranderden hun namen van definities die het gebied van gebouwen aanduiden in eigennamen. Nu worden de woorden ‘groot’ en ‘klein’ meestal met een hoofdletter geschreven. En ze zijn niet vertaald in vreemde talen. In alle landen van de wereld worden de namen van deze theaters alleen in het Russisch gehoord: "Bolshoi" en "Maly".

Repertoireplannen

Het Bolsjojtheater verschilt qua repertoire van het Maly Theater. Er worden uitsluitend muziekuitvoeringen georganiseerd - opera en ballet. Het Maly Theater toont alleen dramatische producties.

Het repertoire van het Bolsjojtheater omvat de volgende producties:

• "De tovenares" (opera).
• "Esmeralda" (ballet).
• "Billy Budd" (opera).
• "Hamlet" (ballet).
• "Somnambula" (opera).
• "Cipollino" (ballet).
• "Het kind en de magie" (opera).
• "De Dame van de Camellia's" (ballet).
• "Rodelinda" (opera).
• "De idioot" (opera).
• "Appartement" (ballet).
• "De Schoppenvrouw" (opera).
• "De legende van de liefde" (ballet).
• "Het verhaal van Kai en Gerda" (opera).
• "Held van onze tijd" (ballet).
• "Zwanenmeer" (ballet) enzovoort.

Het repertoire van het Maly Theater omvat uitvoeringen:

• "Bruidsschat".
• "Tsaar Boris".
• "Vassa Zjeleznova"
• "Inspanningen van liefde"
• "De kracht van de duisternis"
• "Keizerin Theater"
• "Het gebeurt niet van dag tot dag."
• "De Sneeuwkoningin."
• "Kinderen van de zon".
• "Het hart is geen steen."
• "Het leven en de liefdes van meneer Molière."
• "Inspecteur".
• "Maskerade".
• "Bijna alles draait om liefde."
• "De erfgenamen van Rabourdin" en andere optredens.

Troepen

Het Bolsjojtheater verschilt van het Maly Theater doordat de groep bestaat uit operazangers, balletdansers en muzikanten. Dit komt door de specificiteit ervan. Dramatische acteurs dienen in het Maly Theater. Een ander verschil is het aantal artiesten. Het Bolsjojtheater heeft een enorme groep. In Maly zijn er veel minder acteurs.

Bolsjojtheatergroep:

• Maria Gavrilova.
• Elena Novak.
• Vadim Tichonov.
• Evgenia Obrazshtsova.
• Konstantin Sjoesjakov.
• Vjatsjeslav Potsjapski.
• Anna Volkova.
• Denis Rodkin.
• Victoria Bogojavlenskaja.
• Olga Drobysheva.
• Anastasia Gorjatsjeva.
• Dmitri Grishin.
• Irina Vasilieva.
• Andrej Denisov.
• Vjatsjeslav Lopatin.
• Olga Kulchinskaja.
• Irina Dolzjenko.
• Marat Gali.
• Anna Leonova.
• Igor Golovatenko.
• Michail Kazakov.
• Simone Alberghini.
• Denis Medvedev.
• Anna Grebtsova.
• Alexander Cazarez.
• Yulia Stepanova en vele anderen.

Maly Theatergroep:

• Ljoedmila Suvorkina.
• Vladimir Botsjkarev.
• Aksiniya Pustylnikova.
• Boris Klyuev.
• Alexey Kudinovich.
• Apollinaria Muravyova.
• Lilia Yudina.
• Filips Martsevitsj.
• Joeri Iljin.
• Ljoebov Jesjtsjenko.
• Inessa Rakhvalova en anderen.

Managers

Het Bolsjojtheater verschilt qua leiderschap van het Maly Theater. Ze worden gerund door totaal verschillende mensen.

De algemeen directeur van het Bolsjojtheater is Vladimir Urin. In 1971 studeerde hij af aan de regieafdeling van het Leningrad Instituut voor Cultuur. In 1975 - Faculteit Theaterwetenschappen aan GITIS.

V. Urin begon zijn carrière in de stad Kirov. Daar leidde hij het Jeugdtheater. In 1981 verhuisde Vladimir naar Moskou. In de hoofdstad leidde hij het kabinet van poppen- en kindertheaters. Hij is organisator van congressen, festivals, seminars, creatieve laboratoria en diverse projecten.

In 1995 werd hij algemeen directeur van het K. S. Stanislavsky Muziektheater. Sinds 1997 is hij hoofd van de afdeling management en productie van de Moskouse Kunsttheaterschool. In 2013 leidde hij het Bolsjojtheater.

De algemeen directeur van het Maly Theater is Tamara Mikhailova. In 1981 studeerde ze af aan het Moskouse Luchtvaart Instituut. Sinds 1980 werkte ze als ingenieur bij verschillende onderzoeksinstituten. In 2008 en tot op de dag van vandaag is Tamara Anatolyevna vice-rector voor organisatorisch en creatief werk aan de Shchepkinsky School. Dankzij haar zijn de gevels en de interieurinrichting van de onderwijsinstelling gerepareerd, is de documentatie op orde gebracht en is de audit succesvol afgerond.

In 2009 ontving T. Mikhailova dankbaarheid van de president van Rusland voor haar diensten op het gebied van het opleiden van specialisten op het gebied van theatrale kunst.

Tamara Anatolyevna werd in 2010 algemeen directeur van het Maly Theater.

Gebouw

De Bolshoi- en Maly-theaters verschillen ook in de architectuur van de gebouwen. Uiterlijk zijn ze totaal verschillend van elkaar. Hoewel de Moskouse architect A. Bove er allebei de hand in had. Het Bolsjojtheatergebouw werd gebouwd in 1824. In de jaren vijftig van de 19e eeuw brandde het af. Het werd gerestaureerd door de architect Kavos. Hij veranderde zijn uiterlijk enigszins. Het dak en de portiek werden veranderd. De architect verving het dak met vier hellingen door een zadeldak. De artistieke verdiensten van de gevel van het Bolsjojtheater namen enigszins af na de wijzigingen die Kavos had aangebracht.

Het Maly Theatergebouw was oorspronkelijk een woongebouw. Het was eigendom van de koopman V. Vargin. Het bouwproject is gemaakt door A. Elkinsky. De gevel is ontworpen door A. Bove. In 1824 verhuurde V. Vargin zijn huis aan het keizerlijke theater (Maly). Ruim tien jaar later werd het gebouw zowel binnen als buiten herbouwd volgens het ontwerp van architect K. Ton. In 1914 brandde het theater af. Het werd in de jaren 40 van de 20e eeuw gerestaureerd door architect A. Velikanov.

Adressen

Een ander verschil tussen het Bolsjojtheater en het Maly Theater zijn de adressen. Hoewel ze in de buurt liggen.

Adres van het Bolsjojtheater: Teatralnaya-plein, gebouw nr. 1. Het dichtstbijzijnde metrostation is Okhotny Ryad. Het adres is Maly Proezd, gebouw nr. 1, gebouw 1. Het dichtstbijzijnde metrostation is ook Okhotny Ryad.