De werken van de oude Griekse beeldhouwkunst werden verheerlijkt door beeldhouwers. Oude Griekse sculpturen

Het oude Griekenland was een van de grootste staten ter wereld. Tijdens haar bestaan ​​en op haar grondgebied werden de fundamenten gelegd voor de Europese kunst. De overgebleven culturele monumenten uit die periode getuigen van de hoogste prestaties van de Grieken op het gebied van architectuur, filosofisch denken, poëzie en natuurlijk beeldhouwkunst. Er zijn maar weinig originelen bewaard gebleven: de tijd spaart zelfs de meest unieke creaties niet. We weten grotendeels over de vaardigheid waarvoor oude beeldhouwers beroemd waren dankzij geschreven bronnen en latere Romeinse kopieën. Deze informatie is echter voldoende om de betekenis van de bijdrage van de inwoners van de Peloponnesos aan de wereldcultuur te begrijpen.

Perioden

De beeldhouwers van het oude Griekenland waren niet altijd grote scheppers. Het tijdperk van de bloeitijd van hun vaardigheid werd voorafgegaan door de archaïsche periode (VII-VI eeuw voor Christus). De sculpturen die uit die tijd tot ons zijn gekomen, onderscheiden zich door hun symmetrie en statische karakter. Ze hebben niet die vitaliteit en verborgen interne beweging waardoor de beelden op bevroren mensen lijken. Alle schoonheid van deze vroege werken komt tot uiting in het gezicht. Het is niet meer zo statisch als het lichaam: een glimlach straalt een gevoel van vreugde en sereniteit uit, waardoor het hele beeld een bijzondere klank krijgt.

Na de voltooiing van de archaïsche periode volgt de meest vruchtbare tijd, waarin de oude beeldhouwers van het oude Griekenland hun beroemdste werken creëerden. Het is verdeeld in verschillende perioden:

• vroege klassieker - begin 5e eeuw. BC e.;
• hoog klassiek - 5e eeuw BC e.;
• laatklassiek - 4e eeuw. BC e.;
• Hellenisme - einde van de 4e eeuw. BC e. – I eeuw N. e.

Overgangstijd

Vroege Klassiekers is de periode waarin de beeldhouwers van het oude Griekenland afstand namen van de statische lichaamshouding en op zoek gingen naar nieuwe manieren om hun ideeën tot uitdrukking te brengen. Proporties worden gevuld met natuurlijke schoonheid, poses worden dynamischer en gezichten worden expressiever.

De beeldhouwer van het oude Griekenland, Myron, creëerde precies in deze periode. In geschreven bronnen wordt hij gekarakteriseerd als een meester in het overbrengen van de anatomisch correcte structuur van het lichaam, in staat om de werkelijkheid met hoge nauwkeurigheid vast te leggen. Myrons tijdgenoten wezen ook op zijn tekortkomingen: naar hun mening wist de beeldhouwer niet hoe hij de gezichten van zijn creaties schoonheid en levendigheid moest geven.

De beelden van de meester belichamen helden, goden en dieren. De beeldhouwer uit het oude Griekenland, Myron, gaf echter de grootste voorkeur aan de afbeelding van atleten tijdens hun prestaties in wedstrijden. De beroemde “Discobolus” is zijn creatie. Het beeld is tot op de dag van vandaag niet bewaard gebleven in het origineel, maar er zijn verschillende exemplaren van. ‘Discowerper’ toont een atleet die zich voorbereidt om zijn projectiel te lanceren. Het lichaam van de atleet is voortreffelijk uitgevoerd: gespannen spieren geven de zwaarte van de tussenwervelschijf aan, het gedraaide lichaam lijkt op een veer die klaar is om zich te ontvouwen. Het lijkt maar een seconde en de atleet zal het projectiel gooien.

De beelden "Athena" en "Marsyas" worden ook als voortreffelijk uitgevoerd door Myron beschouwd, die ook alleen in de vorm van latere kopieën tot ons zijn gekomen.

Hoogtijdagen

Uitstekende beeldhouwers uit het oude Griekenland werkten gedurende de hele periode van hoge klassiekers. Op dit moment begrijpen de meesters van het maken van reliëfs en beelden zowel de methoden voor het overbrengen van beweging als de basisprincipes van harmonie en verhoudingen. Hoge klassiekers zijn de periode waarin de fundamenten van de Griekse beeldhouwkunst werden gevormd, die later de standaard werden voor vele generaties meesters, inclusief de makers van de Renaissance.

Op dit moment werkten de beeldhouwer van het oude Griekenland Polykleitos en de briljante Phidias. Beiden zorgden ervoor dat mensen zichzelf tijdens hun leven bewonderden en werden eeuwenlang niet vergeten.

Vrede en harmonie

Polykleitos werkte in de tweede helft van de 5e eeuw. BC e. Hij staat bekend als een meester in het maken van sculpturen die atleten in rust uitbeelden. In tegenstelling tot Mirons ‘Disco Thrower’ zijn zijn atleten niet gespannen, maar ontspannen, maar tegelijkertijd twijfelt de kijker niet aan hun kracht en capaciteiten.

Polykleitos was de eerste die een bijzondere lichaamshouding hanteerde: zijn helden rustten vaak met slechts één been op een voetstuk. Deze pose creëerde een gevoel van natuurlijke ontspanning dat kenmerkend is voor een rustend persoon.

Canon

Het beroemdste beeldhouwwerk van Polykleitos wordt beschouwd als "Doriphoros", of "Spearman". Het werk wordt ook wel de canon van de meester genoemd, omdat het enkele principes van het pythagoreanisme belichaamt en een voorbeeld is van een bijzondere manier om een ​​figuur te poseren, contrapposto. De compositie is gebaseerd op het principe van kruis-ongelijke beweging van het lichaam: de linkerkant (de hand die de speer vasthoudt en het been naar achteren) is ontspannen, maar tegelijkertijd in beweging, in tegenstelling tot de gespannen en statische rechterzijde. (het steunbeen en de arm gestrekt langs het lichaam).

Polykleitos gebruikte later een soortgelijke techniek in veel van zijn werken. De basisprincipes ervan zijn vastgelegd in een verhandeling over esthetiek die ons nog niet heeft bereikt, geschreven door de beeldhouwer en genaamd ‘Canon’. Polykleitos wijdde daarin een vrij grote plaats aan het principe, dat hij ook met succes toepaste in zijn werken, terwijl dit principe niet in tegenspraak was met de natuurlijke parameters van het lichaam.

Erkend genie

Alle oude beeldhouwers van het oude Griekenland tijdens de hoogklassieke periode hebben bewonderenswaardige creaties nagelaten. De meest opvallende onder hen was echter Phidias, die met recht wordt beschouwd als de grondlegger van de Europese kunst. Helaas is het merendeel van de werken van de meester tot op de dag van vandaag alleen bewaard gebleven als kopieën of beschrijvingen op de pagina's met verhandelingen van oude auteurs.

Phidias werkte aan de decoratie van het Atheense Parthenon. Tegenwoordig kan een idee van de vaardigheid van de beeldhouwer worden afgeleid uit het bewaard gebleven marmeren reliëf, dat 1,6 m lang is. Het toont talloze pelgrims die op weg zijn naar de rest van de versieringen van het Parthenon die verloren zijn gegaan. Hetzelfde lot trof het standbeeld van Athene, hier geïnstalleerd en gemaakt door Phidias. De godin, gemaakt van ivoor en goud, symboliseerde de stad zelf, haar macht en grootsheid.

Wonder van de wereld

Andere vooraanstaande beeldhouwers uit het oude Griekenland waren misschien weinig inferieur aan Phidias, maar geen van hen kon opscheppen over het creëren van een wereldwonder. Olympic is gemaakt door een meester voor de stad waar de beroemde Spelen plaatsvonden. De hoogte van de Donderaar, gezeten op een gouden troon, was verbazingwekkend (14 meter). Ondanks deze macht zag de god er niet formidabel uit: Phidias creëerde een kalme, majestueuze en plechtige Zeus, enigszins streng, maar tegelijkertijd vriendelijk. Vóór zijn dood trok het beeld negen eeuwen lang vele pelgrims die troost zochten.

Laat-klassieker

Met het einde van de 5e eeuw. BC e. De beeldhouwers van het oude Griekenland droogden niet uit. De namen Scopas, Praxiteles en Lysippos zijn bekend bij iedereen die geïnteresseerd is in oude kunst. Ze werkten in de daaropvolgende periode, de late klassiekers genoemd. De werken van deze meesters ontwikkelen en complementeren de prestaties van het vorige tijdperk. Ieder op hun eigen manier transformeren zij het beeld en verrijken het met nieuwe onderwerpen, manieren van werken met materiaal en mogelijkheden om emoties over te brengen.

Kokende passies

Skopas kan om verschillende redenen een innovator worden genoemd. De grote beeldhouwers uit het oude Griekenland die hem voorgingen, gaven er de voorkeur aan brons als materiaal te gebruiken. Skopas maakte zijn creaties voornamelijk uit marmer. In plaats van de traditionele rust en harmonie die zijn werken in het oude Griekenland vulden, koos de meester voor expressie. Zijn creaties zitten vol passies en emoties, ze lijken meer op echte mensen dan op onverstoorbare goden.

De fries van het mausoleum van Halicarnassus wordt beschouwd als het beroemdste werk van Skopas. Het toont Amazonomachy - de strijd van de helden uit de Griekse mythen met de oorlogszuchtige Amazones. De belangrijkste kenmerken van de stijl die inherent is aan de meester zijn duidelijk zichtbaar in de overgebleven fragmenten van deze creatie.

Gladheid

Een andere beeldhouwer uit deze periode, Praxiteles, wordt beschouwd als de beste Griekse meester in termen van het overbrengen van de gratie van het lichaam en innerlijke spiritualiteit. Een van zijn uitmuntende werken - Aphrodite van Knidos - werd door de tijdgenoten van de meester erkend als de beste creatie ooit gemaakt. godin werd de eerste monumentale afbeelding van het naakte vrouwelijke lichaam. Het origineel heeft ons niet bereikt.

De kenmerken van de stijl die kenmerkend is voor Praxiteles zijn volledig zichtbaar in het standbeeld van Hermes. Met de bijzondere pose van het naakte lichaam, de vloeiendheid van de lijnen en de zachtheid van de halftonen van het marmer wist de meester een ietwat dromerige sfeer te creëren die het beeld letterlijk omhult.

Aandacht voor detail

Aan het einde van het laat-klassieke tijdperk werkte een andere beroemde Griekse beeldhouwer, Lysippos. Zijn creaties onderscheidden zich door een speciaal naturalisme, een zorgvuldige uitwerking van details en enige verlenging van proporties. Lysippos streefde ernaar beelden vol gratie en elegantie te creëren. Hij verbeterde zijn vaardigheden door de canon van Polykleitos te bestuderen. Tijdgenoten merkten op dat de werken van Lysippos, in tegenstelling tot Doryphoros, de indruk wekten compacter en evenwichtiger te zijn. Volgens de legende was de meester de favoriete schepper van Alexander de Grote.

Oosterse invloed

Een nieuwe fase in de ontwikkeling van de beeldhouwkunst begint aan het einde van de 4e eeuw. BC e. De grens tussen de twee perioden wordt beschouwd als de tijd van de veroveringen van Alexander de Grote. Met hen begint feitelijk het tijdperk van het hellenisme, dat een combinatie was van de kunst van het oude Griekenland en de oostelijke landen.

De sculpturen uit deze periode zijn gebaseerd op de prestaties van meesters uit voorgaande eeuwen. Hellenistische kunst bracht de wereld werken als de Venus van Milo. Tegelijkertijd verschenen de beroemde reliëfs van het Pergamonaltaar. In sommige werken van het late hellenisme is er een merkbare aantrekkingskracht op alledaagse onderwerpen en details. De cultuur van het oude Griekenland had in die tijd een sterke invloed op de ontwikkeling van de kunst van het Romeinse rijk.

Eindelijk

Het belang van de oudheid als bron van spirituele en esthetische idealen kan niet worden overschat. Oude beeldhouwers in het oude Griekenland legden niet alleen de basis voor hun eigen vak, maar ook de normen voor het begrijpen van de schoonheid van het menselijk lichaam. Ze konden het probleem van het weergeven van beweging oplossen door de houding te veranderen en het zwaartepunt te verschuiven. De oude beeldhouwers van het oude Griekenland leerden emoties en ervaringen over te brengen met behulp van bewerkte steen, om niet alleen beelden te creëren, maar praktisch levende figuren, klaar om op elk moment te bewegen, zuchten, glimlachen. Al deze prestaties zullen de basis vormen voor de bloei van de cultuur tijdens de Renaissance.

De bloei van de oude Griekse kunst. De oude Griekse kunst bereikte zijn hoogtepunt in de 5e-4e eeuw voor Christus. e. Het was tijdens deze relatief korte periode dat veel van de grootste Griekse kunstwerken werden gemaakt, die tot op de dag van vandaag vele musea over de hele wereld sieren. Tijdens deze periode creëerden beroemde Griekse meesters hun creaties: architecten, beeldhouwers, kunstenaars. In Athene en andere steden van Griekenland werden meesterwerken van architectuur gebouwd, die eeuwenlang de standaard van schoonheid en rolmodellen werden.

Architectuur van het oude Griekenland. De Grieken hechtten veel waarde aan het uiterlijk van hun steden en zorgden voor de versiering ervan. Ze bouwden majestueuze tempels en prachtige openbare gebouwen, versierden de pleinen met witmarmeren portieken en vele prachtige sculpturen.

De belangrijkste gebouwen van elke oude Griekse stad waren de tempels, vooral die welke waren gewijd aan de beschermgod van de stad. In de tempels brachten de Hellenen niet alleen offers aan de goden, maar hielden ze ook de schatkist van de stad, werden er dure geschenken geofferd en oorlogstrofeeën. Op feestdagen werden op het plein voor de tempels prachtige ceremonies en plechtige processies gehouden. De stadsmensen probeerden hun kerken zo elegant mogelijk te maken. Bij de bouw ervan waren de beste bouwers en architecten, beeldhouwers en kunstenaars betrokken; Tempels waren de mooiste gebouwen van elke Griekse stad. De tempel was de kroon op de oude Griekse architectuur. Het belichaamde de beste prestaties van de bouwers en architecten van Hellas. Het werd gebouwd op een getrapt stenen platform en had een rechthoekige vorm. Het werd bovenaan bekroond door een breed zadeldak, ondersteund door rijen hoge kolommen. Aanvankelijk waren ze zeer krachtig gemaakt en bedekt met een vierkante plaat. Dergelijke kolommen werden Dorisch genoemd. Later leerden de Grieken dunnere en slankere Ionische zuilen uit te hakken, die zich onderscheiden door twee sierlijke stenen krullen die ze bovenaan bekronen.

Rijst. Dorische en Ionische zuilen

De Griekse tempel had twee frontons. Ze waren meestal versierd met beelden en reliëfs. In elke Griekse tempel stond een standbeeld van de godheid aan wie de tempel was opgedragen. Het meest perfecte voorbeeld van een Griekse tempel is het Parthenon, gebouwd op de Akropolis van Athene in de 5e eeuw voor Christus. e. de architect Callicrates en de beroemde beeldhouwer Phidias.

Rijst. Parthenon

Beeldhouwwerk. Beeldhouwers beeldden niet alleen goden en helden af, maar ook geweldige mensen, beroemde generaals, beroemde acteurs, toneelschrijvers en atleten. De Grieken versierden pleinen en centrale straten van steden, tempels, openbare gebouwen en theaters met beelden. In Athene, in de tijd van Pericles, waren er bijvoorbeeld zoveel dat de Hellenen zelfs grapten: “Er zijn meer beelden in Athene dan er inwoners zijn.” Het materiaal waaruit beeldhouwers hun werken maakten was zeer divers. Ze waren uit hout gesneden, uit marmer gesneden, uit koper en brons gegoten. Marmeren beelden waren meestal vleeskleurig geschilderd, en houten beelden waren vaak bedekt met dunne ivoren platen, waardoor ze ook de tint van de menselijke huid kregen. Glanzende edelstenen werden vaak in de ogen van sculpturen geplaatst. Oude Griekse beeldhouwers leerden niet alleen menselijke figuren nauwkeurig over te brengen, maar ook om ze in beweging weer te geven. Op de gezichten van hun personages probeerden ze de spanning van de strijd, de vreugde van de overwinning en de bitterheid van de nederlaag vast te leggen. Tijdgenoten zeiden dat de beelden van de grootste Griekse meesters zo perfect waren dat ze leken te leven. Beeldhouwers probeerden in hun werken beelden te belichamen die niet alleen bewondering oproepen, maar ook een verlangen om zoals zij te zijn. Ze verheerlijkten een mooie, gezonde, harmonieus ontwikkelde persoon en de schoonheid van zijn lichaam. Het ideaal van een echte burger waren sterke mannen – strijders, verdedigers en krijgers – met krachtige, prominente spieren. Vrouwelijke sculpturen waren de belichaming van gratie en schoonheid.

Rijst. Godin Athene. Oud Grieks beeldhouwwerk

Een van de meest prominente oude Griekse beeldhouwers was Phidias, die deelnam aan de bouw van het majestueuze Parthenon en het beroemde standbeeld van de godin Athena creëerde, dat de Akropolis van Athene sierde. De Grieken beschouwden het beste werk van de beroemde meester als het 12 meter hoge beeld van Zeus, gemaakt voor de tempel van deze god in de stad Olympia. Phidias maakte het frame van hout, bedekte het gezicht, de armen en de borst van het beeld met ivoren platen en goot de kleding, het haar en de baard van Zeus uit puur goud. De Grieken beschouwden het standbeeld van de Olympische Zeus als een van de wereldwonderen.

• Welke andere wereldwonderen ken je?

Oude Griekse schilderkunst. In tegenstelling tot de werken van beeldhouwers hebben de creaties van oude Griekse kunstenaars onze tijd nauwelijks bereikt. We kennen ze voornamelijk uit de woorden van oude auteurs. De kunst van het schilderen op klei en houten planken werd ontwikkeld in Hellas. Veel rijke mensen in Griekenland hadden hun huizen versierd met kleurrijke fresco's en uitgebreide mozaïeken.

Rijst. Griekse filosofen. Oud mozaïek

We kunnen de ontwikkeling van de oude Griekse schilderkunst beoordelen aan de hand van de overgebleven werken van vaasschilders. Ze schilderden meestal scènes uit mythen en legenden, afbeeldingen van de goden en helden van Hellas, en afleveringen van veldslagen tussen de Hellenen en barbaren. Kunstenaars namen vaak plots uit de Odyssee en de Ilias, en beeldden ook af wat ze in het dagelijks leven zagen. In de 6e eeuw voor Christus. e. Vaso-schrijvers brachten ontwerpen aan op vazen ​​met speciaal geprepareerde zwarte vernis. De achtergrond voor deze afbeeldingen was de natuurlijke roodachtige kleur van de kleivaten. Dergelijke vazen ​​worden meestal vazen ​​met zwarte figuren genoemd. Later, aan het einde van de 6e eeuw voor Christus. d.w.z. de achtergrond van de afbeelding begon te worden overschilderd met zwarte vernis, maar voor de figuren bleef de kleur van klei over. Dergelijke tekeningen bleken zeer gedetailleerd te zijn en de lichamen van mensen kregen een meer natuurlijke roodachtige kleur. Deze vazen ​​worden roodfigurige vazen ​​genoemd. De door vaasschilders gebruikte vernis was zeer duurzaam, vervaagde niet in de zon en vloog er na verloop van tijd niet af. De vaten die hij schilderde zien er nog steeds uit alsof ze zojuist uit de handen van een oude meester zijn gekomen.

Rijst. Vaas met zwarte figuren

Rijst. Vaas met rode figuren

De wereldbetekenis van de kunst van het oude Griekenland. De kunst van Hellas heeft zijn stempel gedrukt op de kunst van veel volkeren van de wereld. De grootste meesterwerken van de oude Griekse architectuur werden rolmodellen voor vele generaties van zowel oude als moderne architecten. Naar het voorbeeld van hun eenvoudige, maar tegelijkertijd zeer majestueuze en sobere bouwwerken, richtten ze hun eigen gebouwen op. En tot op de dag van vandaag kunnen we in veel moderne gebouwen die ons omringen elementen van de oude Griekse bouwstijl zien: frontons, friezen, portieken en kolommen.

De Griekse schilder- en beeldhouwkunst had niet minder invloed op de ontwikkeling van de wereldkunst. Kunstenaars en beeldhouwers uit vele landen over de hele wereld creëerden hun werken op basis van de thema's van Griekse meesters, waarbij ze deze vaak imiteerden of zelfs kopieerden.

Laten we het samenvatten

V-IV eeuw voor Christus e. waren de periode van de grootste bloei van de oude Griekse kunst. De werken van oude Griekse meesters hadden een grote invloed op de ontwikkeling van de kunst in veel landen en volkeren.

Geveltop- een driehoekige ruimte tussen het zadeldak en de dakrand van het gebouw.

V-IV eeuw voor Christus e. De hoogtijdagen van de oude Griekse kunst.

Eerste helft van de 6e eeuw voor Christus. e. Het uiterlijk van keramiek met zwarte figuren.

Tweede helft van de 6e eeuw voor Christus. e. Het uiterlijk van keramiek met rode cijfers.

Vragen en taken

1. In welke eeuwen bloeide de oude Griekse kunst? Maak aan de hand van de bijschriften bij de illustraties en de tekst uit het leerboek een lijst van de beroemde oude Griekse meesters en hun kunstwerken.
2. Beschrijf de structuur van een oude Griekse tempel.
3. Welke eigenschappen van mannen en vrouwen probeerden Griekse beeldhouwers in hun werken te belichamen? Wat heeft dit veroorzaakt?
4. Wanneer ontstond keramiek met zwarte en rode figuren en waarin verschilden ze?

De oude Griekse beeldhouwkunst neemt een speciale plaats in tussen de verscheidenheid aan meesterwerken van cultureel erfgoed die tot dit land behoren. Het verheerlijkt en belichaamt, met behulp van visuele middelen, de schoonheid van het menselijk lichaam, zijn ideaal. Maar niet alleen vloeiende lijnen en gratie zijn de karakteristieke kenmerken die de oude Griekse beeldhouwkunst kenmerken. De vaardigheid van de makers was zo groot dat ze zelfs in koude steen een scala aan emoties konden overbrengen, om een ​​diepe, speciale betekenis aan de figuren te geven, alsof ze er leven in bliezen. Elk oud Grieks beeldhouwwerk is begiftigd met een mysterie dat vandaag de dag nog steeds aantrekt. De creaties van grote meesters laten niemand onverschillig.

Net als andere culturen kende het verschillende perioden in zijn ontwikkeling. Elk van hen werd gekenmerkt door veranderingen in alle soorten beeldende kunst, inclusief beeldhouwkunst. Daarom is het mogelijk om de belangrijkste fasen van de vorming van dit soort kunst te volgen door de kenmerken van de oude Griekse beeldhouwkunst in verschillende perioden van de historische ontwikkeling van dit land kort te karakteriseren.

Archaïsche periode

Tijd van de 8e tot de 6e eeuw voor Christus. De oude Griekse beeldhouwkunst had in die tijd een zekere primitiviteit als karakteristiek kenmerk. Het werd waargenomen omdat de beelden die in de werken belichaamd waren niet divers waren; ze waren te algemeen, genaamd kors, jonge mannen - kouros).

Apollo van Tenei

Het standbeeld van Apollo Tenaeus is het beroemdste van alle bestaande figuren uit deze tijd. In totaal zijn er nu enkele tientallen bekend. Het is gemaakt van marmer. Apollo wordt afgebeeld als een jonge man met zijn handen naar beneden, zijn vingers tot vuisten gebald. Zijn ogen zijn wijd open en zijn gezicht weerspiegelt een archaïsche glimlach, typerend voor sculpturen uit deze periode.

Vrouwelijke figuren

De afbeeldingen van vrouwen en meisjes onderscheidden zich door golvend haar en lange kleding, maar wat hen het meest aantrok was hun elegantie en vloeiende lijnen, de belichaming van gratie en vrouwelijkheid.

Archaïsche oude Griekse sculpturen waren enigszins disproportioneel en schetsmatig. Elk werk daarentegen is aantrekkelijk door zijn ingetogen emotionaliteit en eenvoud. Voor dit tijdperk wordt de afbeelding van menselijke figuren, zoals we al hebben opgemerkt, gekenmerkt door een halve glimlach, wat ze diepte en mysterie geeft.

Tegenwoordig is de "Godin met granaatappel" in het Staatsmuseum van Berlijn een van de best bewaarde figuren onder andere archaïsche sculpturen. Met de "verkeerde" proporties en externe ruwheid van het beeld trekken de handen, briljant uitgevoerd door de auteur, de aandacht van het publiek. Een expressief gebaar maakt het beeld bijzonder expressief en dynamisch.

"Kouros uit Piraeus"

Gelegen in het Athene Museum, is "Kouros uit Piraeus" een latere, dus perfectere creatie, gemaakt door een oude beeldhouwer. Een jonge, krachtige krijger verschijnt voor ons. en een lichte kanteling van het hoofd duiden op het gesprek dat hij voert. De verstoorde verhoudingen zijn niet meer zo opvallend. Archaïsche oude Griekse sculpturen hebben, zoals we al hebben vermeld, algemene gelaatstrekken. In deze figuur is dit echter niet zo opvallend als bij creaties uit de vroege archaïsche periode.

Klassieke periode

De Klassieke periode is de tijd van de 5e tot de 4e eeuw voor Christus. De werken van de oude Griekse beeldhouwkunst ondergingen in die tijd enkele veranderingen, waarover we u nu zullen vertellen. Onder de beeldhouwers uit deze periode is een van de beroemdste figuren Pythagoras van Rhegium.

Kenmerken van Pythagoras-sculpturen

Zijn creaties kenmerken zich door realisme en levendigheid, die destijds vernieuwend waren. Sommige werken van deze auteur worden zelfs als te brutaal beschouwd voor deze tijd (bijvoorbeeld een standbeeld van een jongen die een splinter eruit haalt). Dankzij de levendigheid van zijn geest en het buitengewone talent kon deze beeldhouwer de betekenis van harmonie bestuderen met behulp van wiskundige rekenmethoden. Hij voerde ze uit op basis van de filosofische en wiskundige school die hij oprichtte. Pythagoras onderzocht met behulp van deze methoden de harmonie van verschillende aard: muzikale, architecturale structuren, het menselijk lichaam. Er was een school van Pythagoras gebaseerd op het getalprincipe. Dit werd beschouwd als de basis van de wereld.

Andere beeldhouwers uit de klassieke periode

De klassieke periode gaf, naast de naam Pythagoras, de wereldcultuur beroemde meesters als Phidias, Polykleitos en Myron. De werken van de oude Griekse beeldhouwkunst van deze auteurs zijn verenigd door het volgende algemene principe: het weergeven van de harmonie van het ideale lichaam en de prachtige ziel die daarin vervat zit. Dit principe is het belangrijkste dat verschillende meesters uit die tijd begeleidde bij het maken van hun creaties. De oude Griekse beeldhouwkunst is het ideaal van harmonie en schoonheid.

Miron

Grote invloed op de kunst van Athene in de 5e eeuw voor Christus. e. werden weergegeven door de werken van Myron (denk maar aan de beroemde discuswerper, gemaakt van brons). Deze meester hield ervan om, in tegenstelling tot Polykleitos, over wie we het later zullen hebben, bewegende figuren weer te geven. Bijvoorbeeld in het bovenstaande beeld van de Discobolus, daterend uit de 5e eeuw voor Christus. e., hij beeldde een knappe jongeman af op het moment dat hij met zijn hand zwaaide om de schijf te gooien. Zijn lichaam is gespannen en gebogen, gevangen in de beweging, als een veer die klaar staat om zich te ontvouwen. Getrainde spieren puilden uit onder de elastische huid van de naar achteren getrokken arm. We vormden een betrouwbare ondersteuning en drukten diep in het zand. Dit is het oude Griekse beeldhouwwerk (Discobolus). Het beeld werd uit brons gegoten. Alleen een door de Romeinen gemaakte marmeren kopie van het origineel heeft ons echter bereikt. Onderstaande afbeelding toont een beeld van de Minotaurus van deze beeldhouwer.

Polykleitos

Het oude Griekse beeld van Polykleitos heeft het volgende karakteristieke kenmerk: de figuur van een man die met zijn arm op één been staat, wordt gekenmerkt door evenwicht. Een voorbeeld van zijn meesterlijke belichaming is het standbeeld van Doryphoros, de speerdrager. In zijn werken probeerde Polykleitos ideale fysieke kenmerken te combineren met spiritualiteit en schoonheid. Dit verlangen inspireerde hem tot het publiceren van zijn verhandeling genaamd ‘De Canon’, die helaas tot op de dag van vandaag niet bewaard is gebleven.

De beelden van Polykleitos zijn vol intens leven. Hij hield ervan om atleten in rust af te beelden. De ‘Spearman’ is bijvoorbeeld een man met een krachtig postuur en vol zelfrespect. Hij staat roerloos voor de kijker. Deze vrede is echter niet statisch, kenmerkend voor oude Egyptische beelden. Net als iemand die zijn eigen lichaam gemakkelijk en vakkundig beheerst, boog de speerwerper zijn been een beetje en verplaatste het naar het andere gewicht van het lichaam. Het lijkt erop dat het niet lang zal duren voordat hij zijn hoofd omdraait en naar voren stapt. Voor ons verschijnt een knappe, sterke man, vrij van angst, ingetogen, trots - de belichaming van de idealen van de Grieken.

Phidias

Phidias kan met recht worden beschouwd als een groot schepper, schepper van beeldhouwkunst die teruggaat tot de 5e eeuw voor Christus. e. Hij was het die de kunst van het bronsgieten tot in de perfectie beheerste. Phidias wierp 13 sculpturale figuren, die waardige decoraties werden van de Delphic-tempel van Apollo. Het standbeeld van de Maagd Athene in het Parthenon, met een hoogte van 12 meter, behoort ook tot de werken van deze meester. Het is gemaakt van ivoor en puur goud. Deze techniek van het maken van beelden werd chryso-olifantijn genoemd.

De sculpturen van deze meester weerspiegelen vooral het feit dat in Griekenland de goden afbeeldingen zijn van een ideaal mens. Van de werken van Phidias is het 160 meter lange marmeren reliëffrieslint het best bewaard gebleven, dat de processie van de godin Athena afbeeldt op weg naar de tempel van het Parthenon.

Standbeeld van Athene

Het beeldhouwwerk van deze tempel werd zwaar beschadigd. Zelfs in de oudheid stierf deze figuur in de tempel. Het is gemaakt door Phidias. Het oude Griekse beeldhouwwerk van Athene had de volgende kenmerken: haar hoofd met een ronde kin en een glad, laag voorhoofd, evenals haar armen en nek waren gemaakt van ivoor, en haar helm, schild, kleding en haar waren gemaakt van vellen goud.

Er zijn veel verhalen verbonden aan deze figuur. Dit meesterwerk was zo beroemd en groot dat Phidias onmiddellijk veel jaloerse mensen had die op alle mogelijke manieren probeerden de beeldhouwer te irriteren, en naar redenen zochten om hem van wat dan ook te beschuldigen. Deze meester werd er bijvoorbeeld van beschuldigd een deel van het goud dat bestemd was voor het beeld van Athene te verbergen. Om zijn onschuld te bewijzen, verwijderde Phidias alle gouden voorwerpen van het beeld en woog ze. Dit gewicht viel precies samen met de hoeveelheid goud die hem werd verstrekt. Toen werd de beeldhouwer beschuldigd van goddeloosheid. Het schild van Athene veroorzaakte dit. Het beeldde een strijdtoneel af met de Amazones van de Grieken. Phidias beeldde zichzelf af onder de Grieken, evenals Pericles. Het Griekse publiek was, ondanks alle verdiensten van deze meester, nog steeds tegen hem. Het leven van deze beeldhouwer eindigde met een brute executie.

De prestaties van Phidias bleven niet beperkt tot sculpturen gemaakt in het Parthenon. Zo creëerde hij een bronzen figuur van Athena Promachos, die rond 460 voor Christus werd opgericht. e. op de Akropolis.

Zeus-standbeeld

Phidias werd pas echt beroemd nadat deze meester een standbeeld van Zeus maakte voor de tempel in Olympia. De hoogte van het figuur was 13 meter. Veel originelen zijn helaas niet bewaard gebleven; alleen hun beschrijvingen en kopieën zijn tot op de dag van vandaag bewaard gebleven. Dit was grotendeels te danken aan de fanatieke vernietiging door christenen. Ook het standbeeld van Zeus overleefde het niet. Het kan als volgt worden omschreven: een figuur van 13 meter lang zat op een gouden troon. Het hoofd van de god was versierd met een krans van olijftakken, wat een symbool was van zijn liefde voor vrede. De borst, armen, schouders en gezicht waren gemaakt van ivoor. De mantel van Zeus hangt over zijn linkerschouder. De baard en kroon zijn gemaakt van sprankelend goud. Dit is dit oude Griekse beeldhouwwerk, kort beschreven. Het lijkt erop dat God, als hij opstond en zijn schouders rechtte, niet in deze enorme hal zou passen - het plafond zou laag voor hem zijn.

Hellenistische periode

De ontwikkelingsstadia van de oude Griekse beeldhouwkunst worden voltooid door de Hellenistische. Deze periode is een tijd in de geschiedenis van het oude Griekenland van de 4e tot de 1e eeuw voor Christus. Beeldhouwkunst had in die tijd nog steeds als hoofddoel het decoreren van verschillende architectonische constructies. Maar het weerspiegelde ook de veranderingen die plaatsvinden in de regering.

In de beeldhouwkunst, destijds een van de belangrijkste kunstvormen, ontstonden veel stromingen en stromingen. Ze bestonden in Rhodos, Pergamon en Alexandrië. De beste werken die door deze scholen worden gepresenteerd, weerspiegelen de problemen die de geesten van de mensen uit die tijd destijds zorgen baarden. Deze beelden dragen, in tegenstelling tot de klassieke kalme doelgerichtheid, hartstochtelijke pathos, emotionele spanning en dynamiek met zich mee.

De late Griekse oudheid wordt gekenmerkt door een sterke invloed van het Oosten op alle kunst in het algemeen. Nieuwe kenmerken van de oude Griekse beeldhouwkunst verschijnen: talrijke details, prachtige gordijnen, complexe hoeken. Het temperament en de emotionaliteit van het Oosten dringen door in de grootsheid en rust van de klassiekers.

De Thermen van Aphrodite van Cyrene, gelegen in het Romeins Museum, zijn vol sensualiteit en enige koketterie.

"Laocoon en zijn zonen"

De bekendste sculpturale compositie uit deze tijd is ‘Laocoon and His Sons’, gemaakt door Agesander van Rhodos. Dit meesterwerk wordt vandaag bewaard in het Vaticaanse Museum. De compositie is vol drama en de plot suggereert emotionaliteit. De held en zijn zonen, die zich wanhopig verzetten tegen de slangen die door Athene zijn gestuurd, lijken hun verschrikkelijke lot te begrijpen. Dit beeld is met buitengewone precisie gemaakt. De figuren zijn realistisch en plastic. De gezichten van de personages maken een sterke indruk.

Drie grote beeldhouwers

In de werken van beeldhouwers die teruggaan tot de 4e eeuw voor Christus. d.w.z. het humanistische ideaal blijft behouden, maar de eenheid van het civiele collectief verdwijnt. Oude Griekse sculpturen en hun auteurs verliezen het gevoel van volheid van het leven en de integriteit van hun wereldbeeld. Grote meesters die leefden in de 4e eeuw voor Christus. d.w.z. kunst creëren die nieuwe facetten van de spirituele wereld onthult. Deze zoekopdrachten werden het duidelijkst uitgedrukt door drie auteurs: Lysippos, Praxiteles en Scopas.

Skopa's

Skopas werd de meest prominente figuur onder de andere beeldhouwers die in die tijd werkten. Zijn kunst ademt diepe twijfel, strijd, angst, impuls en passie. Deze inwoner van het eiland Paros werkte in veel steden in Hellas. De vaardigheid van deze auteur werd belichaamd in een standbeeld genaamd "Nike van Samothrake". Deze naam werd ontvangen ter nagedachtenis aan de overwinning in 306 voor Christus. e. Rhodesische vloot. Dit figuur is op een voetstuk geïnstalleerd en doet qua ontwerp denken aan de boeg van een schip.

Skopas' "Dancing Maenad" wordt gepresenteerd in een dynamisch, complex perspectief.

Praxiteles

Deze auteur zong de sensuele schoonheid van het lichaam en de vreugde van het leven. Praxiteles genoot grote bekendheid en was rijk. Het standbeeld van Aphrodite, dat hij maakte voor het eiland Cnidus, bracht deze beeldhouwer de grootste bekendheid. Zij was de eerste afbeelding van een naakte godin in de Griekse kunst. De prachtige Phryne, de beroemde hetaera, geliefd bij Praxiteles, stond model voor het standbeeld van Aphrodite. Dit meisje werd beschuldigd van godslastering en vervolgens vrijgesproken door rechters die haar schoonheid bewonderden. Praxiteles is een zangeres van vrouwelijke schoonheid, die werd vereerd door de Grieken. Helaas is Aphrodite van Cnidus ons alleen bekend uit kopieën.

Leohar

Leochares is een Atheense meester, de grootste tijdgenoot van Praxiteles. Deze beeldhouwer, werkzaam in verschillende Helleense steden, creëerde mythologische taferelen en afbeeldingen van goden. Hij maakte verschillende portretbeelden in de chryso-olifantentechniek, waarop leden van de familie van de koning werden afgebeeld. Hierna werd hij de hofmeester van Alexander de Grote, zijn zoon. Op dat moment creëerde Leochares een standbeeld van Apollo, erg populair in de oudheid. Het werd bewaard in een marmeren kopie gemaakt door de Romeinen en kreeg wereldfaam onder de naam Apollo Belvedere. Leohar toont in al zijn creaties virtuoze techniek.

Na het bewind van Alexander de Grote werd het Hellenistische tijdperk een periode van snelle bloei van de portretkunst. Op stadspleinen werden standbeelden opgericht van verschillende sprekers, dichters, filosofen, generaals en staatslieden. De meesters wilden uiterlijke gelijkenis bereiken en tegelijkertijd de kenmerken in de uitstraling benadrukken die van een portret een typisch beeld maken.

Andere beeldhouwers en hun creaties

Klassieke sculpturen werden voorbeelden van verschillende creaties van meesters die in het Hellenistische tijdperk werkten. Gigantomania is duidelijk zichtbaar in de werken uit die tijd, dat wil zeggen de wens om het gewenste beeld in een enorm beeld te belichamen. Het manifesteert zich vooral vaak wanneer oude Griekse sculpturen van goden worden gemaakt. Het beeld van de god Helios is hiervan een goed voorbeeld. Het is gemaakt van verguld brons en stond bij de ingang van de haven van Rhodos. De hoogte van het beeld is 32 meter. Hares, een leerling van Lysippos, heeft er twaalf jaar onvermoeibaar aan gewerkt. Dit kunstwerk heeft terecht een eervolle plaats ingenomen in de lijst van wereldwonderen.

Na de verovering van het oude Griekenland door de Romeinse veroveraars werden veel beelden naar buiten dit land gebracht. Niet alleen sculpturen, maar ook meesterwerken uit de schilderkunst, collecties van keizerlijke bibliotheken en andere culturele objecten ondergingen dit lot. Veel mensen die werkzaam waren op het gebied van onderwijs en wetenschap werden gevangengenomen. Zo werden verschillende Griekse elementen verweven in de cultuur van het oude Rome, wat een aanzienlijke invloed had op de ontwikkeling ervan.

Conclusie

Natuurlijk hebben de verschillende ontwikkelingsperioden die het oude Griekenland heeft meegemaakt hun eigen aanpassingen gemaakt aan het proces van beeldhouwkunstvorming, maar één ding verenigde meesters uit verschillende tijdperken: het verlangen om de ruimtelijkheid in de kunst te begrijpen, de liefde om de plasticiteit van de mens tot uitdrukking te brengen. lichaam met behulp van verschillende technieken. Het oude Griekse beeldhouwwerk, waarvan de foto hierboven wordt weergegeven, is helaas tot op de dag van vandaag slechts gedeeltelijk bewaard gebleven. Marmer werd ondanks zijn kwetsbaarheid vaak gebruikt als materiaal voor figuren. Dit was de enige manier om de schoonheid en elegantie van het menselijk lichaam over te brengen. Brons, hoewel een betrouwbaarder en nobeler materiaal, werd veel minder vaak gebruikt.

Oude Griekse beeldhouwkunst en schilderkunst zijn uniek en interessant. Verschillende voorbeelden van kunst geven een idee van het spirituele leven van dit land.

Uitstekende beeldhouwers uit de 5e en 4e eeuw. BC.

POLYCLETUS. Leefde in de tweede helft van de 5e eeuw. BC. Men geloofde dat hij de beste was in het maken van beelden van mensen. “...Hij was de Pythagoras van de beeldhouwkunst, op zoek naar de goddelijke wiskunde van proportionaliteit en vorm. Hij geloofde dat de grootte van elk deel van een perfect lichaam in een bepaalde verhouding zou moeten staan ​​tot de grootte van enig ander deel ervan, bijvoorbeeld de wijsvinger. Er wordt aangenomen dat Polykleitos in zijn theoretische werk "Canon" ("Measure") de basiswetten van het sculpturale beeld van een persoon generaliseerde en de wet van ideale proportionele relaties van het menselijk lichaam ontwikkelde. Nadat hij zijn theorie in zijn eigen werk had toegepast (bijvoorbeeld in het beeld "Doriphorus" ("Speerdrager") (afb. 99, 99-a), dat in de oudheid de grootste bekendheid genoot), creëerde de beeldhouwer een nieuw plastische taal gebaseerd op fysieke harmonie, op het idee van de menselijke figuur als een perfect mechanisme waarin alle onderdelen functioneel met elkaar verbonden zijn.

De ontdekking van Polykleitos in de beeldhouwkunst is de intersectionaliteit van de ongelijkmatige beweging van het lichaam (hierover later meer).

Diadumen (Grieks) bekroond met een overwinningsband) (afb. 100).

MIRON. Geboren in Eleuther (Boeotië), woonde hij in Athene. Hij creëerde sculpturen voor de Atheense Akropolis, tempels in Delphi en Olympia.

· Rond 470 giet hij in brons het beroemdste van alle atletenbeelden: het standbeeld Disco-werper of Discuswerper(Thermisch Museum, kopie) (afb. 101); “dit is een compleet wonder van de mannelijke lichaamsbouw: al die bewegingen van spieren, pezen en botten die betrokken zijn bij de werking van het lichaam worden hier zorgvuldig bestudeerd: de benen...”; Myron “...aanschouwde de atleet niet voor of na de wedstrijd, maar tijdens de momenten van het gevecht zelf en realiseerde zijn plan in brons zo goed dat geen enkele andere beeldhouwer in de geschiedenis hem kon overtreffen in het weergeven van het mannelijk lichaam in actie.” Discuswerper- dit is de eerste poging om beweging over te brengen op een bewegingloos beeld: in het beeld slaagde Myron erin de zwaai van zijn hand vast te leggen voordat hij de discus gooide, wanneer het hele gewicht van het lichaam naar het rechterbeen en de linkerhand is gericht houdt het figuur in evenwicht. Deze techniek maakte het mogelijk om de beweging van vormen over te brengen, waardoor de kijker de verandering van gezichtspunt kan volgen.

Discuswerper- het enige overgebleven (kopie)werk van de beeldhouwer.

De Ouden erkenden dat Phidias de beste was in het weergeven van beelden van de goden.

· Rond 438 creëerde de zoon van de kunstenaar, Phidias, het beroemde beeld “Athena Parthenos” (Athena de Maagd). Op een marmeren voetstuk van 1,5 meter in de Tempel van Athene de Stad (Parthenon) op de Atheense Akropolis stond een bijna 12 meter hoog beeld van de godin van de wijsheid en kuisheid (afb. 95). Phidias was een van de eerste beeldhouwers die de innovatie uit de 5e eeuw overnam. BC, – een sokkel met een reliëfafbeelding (de scène van de geboorte van Pandora). Phidias toonde grote moed door voor de 160 meter lange sculpturale fries van de tempel geen mythologisch onderwerp te kiezen, maar een afbeelding van de Panatheense processie (waar het Atheense volk zelf een gelijkwaardige partner is van de goden die het centrale deel van de compositie bezetten) . Onder leiding van Phidias en deels door hemzelf werd de sculpturale decoratie gemaakt. Het beeld bevond zich ook op de frontons, langs de fries van de buitenmuur van het interieur.

Phidias werd door zijn Atheense vijanden beschuldigd van diefstal en veroordeeld, maar de inwoners van Olympia betaalden borgtocht voor de meester op voorwaarde dat hij een standbeeld van Zeus zou maken voor de gelijknamige tempel in het beroemde heiligdom. Zo verscheen het 18 meter hoge beeld van de zittende dondergod. In de lijst met 'wereldwonderen' samengesteld in de 2e eeuw. BC. Antipator van Sidon, het standbeeld van de Olympische Zeus, kreeg de tweede plaats. Dit opmerkelijke monument werd genoemd door meer dan zestig (!) schrijvers uit de oudheid. De Griekse filosoof Epictetus raadde iedereen aan om naar Olympia te gaan om het standbeeld van Zeus te zien, omdat hij het een groot ongeluk noemde om te sterven en het niet te zien. De beroemde Romeinse redenaar Quintilianus schreef ruim vijf eeuwen later: ‘De schoonheid van het beeld introduceerde zelfs iets in de algemeen aanvaarde religie, want de grootsheid van de schepping was God waardig.’

Er wordt aangenomen dat het beeld van de Olympische Zeus werd herhaald door een anonieme Romeinse beeldhouwer, waardoor een beeld van Jupiter ontstond, dat nu in de Hermitage wordt bewaard (afb. 102).

Het lot van beide beelden is triest, maar zeker onbekend; er is informatie dat ze allebei al in de christelijke jaartelling naar Constantinopel werden vervoerd, Zeus brandde aan het einde van de 5e eeuw af bij een brand, en Athene stierf aan het begin van de 13e eeuw.

Er is geen exacte informatie over het lot van Phidias.

PRAXITEL.

OK. 390-330 BC. De Ionische Praxiteles, de zoon van een beeldhouwer, werkten met zowel marmer als brons, zo erg zelfs dat meer dan tien steden streden om opdrachten van de meester.

· Eerste Oudgrieks naakt Hellenen uit het hele Middellandse Zeegebied stroomden toe om het beeld van de godin “Aphrodite van Knidos” te zien (afb. 103). Er ging een gerucht dat mannen, kijkend naar de canon van vrouwelijke schoonheid die toen al was geworden, in 'liefdesgekte' vervielen. “...Bovenal de werken van Praxiteles, maar ook die welke in het universum in het algemeen bestaan, is de Venus van zijn werk...”, schreef de Romeinse Plinius de Oude bijna vier eeuwen later.

· Over het tweede, bekendste beeld - "Hermes met het kind Dionysus"(afb. 97) - werd al helemaal aan het begin van de vraag gezegd. Volgens de mythe sleepten de titanen op bevel van de jaloerse Hera het onwettige zoontje van Zeus Dionysus weg en scheurden hem in stukken. De grootmoeder van Dionysus Rhea bracht haar kleinzoon weer tot leven. Om zijn zoon te redden, vroeg Zeus aan Hermes om Dionysus tijdelijk in een geit of lam te veranderen en hem aan vijf nimfen over te dragen om groot te brengen. De beeldhouwer beeldde Hermes af op het moment dat hij, op weg naar de nimfen, stopte, leunend tegen een boom, en een tros druiven aan baby Dionysus aanbood (de hand van het beeld is verloren gegaan). De baby werd in een grot op de berg Nysa geplaatst, en daar vond Dionysus de wijn uit.

We merken vooral op dat de studenten van Praxiteles het werk van hun leraar waardig voortzetten (afb. 107).

Begonnen als eenvoudige kopersmid in Sicyon, eindigde hij als hofbeeldhouwer voor Alexander de Grote. Zoals men in de oudheid geloofde, de auteur van anderhalfduizend beelden. Hij vestigde een nieuwe canon van sculpturale proporties van figuren door lichte, langwerpige proporties te introduceren en de omvang van het hoofd te verkleinen. Lysippos zei altijd dat voormalige kunstenaars “…mensen afbeelden zoals ze zijn, en hij – zoals ze lijken te zijn.”<глазу>».

· "Apoxiomen" ("Reiniging") (afb. 108) - een jonge man gebruikt een schraper om olie en zand van zichzelf te verwijderen na lichamelijke inspanning.

Andere wereldberoemde sculpturen en beeldengroepen

· Venus van Milo(afb. 109). De bijnaam "Milo" is te danken aan het feit dat het beeld in 1820 op het eiland Milo werd gevonden. Het beeld zelf, ruim twee meter hoog, dateert uit het einde van de 2e eeuw. BC, is een “remake” van het standbeeld van Praxiteles.

· Nike van Samothrake(afb. 110). Gevonden in de 19e eeuw. op het eiland Samothrake. Het beeld dateert van rond 190 voor Christus, toen de Grieken van Rhodos een reeks overwinningen behaalden op Antiochus III.

· "Laocoon"(afb. 111).

Aan het begin van de 2e-1e eeuw. BC. drie beeldhouwers - Agesander en zijn zonen Polydorus en Athenodorus - beeldhouwden "uit één enkele steen" een groep beelden, die al in de oudheid werd beschouwd als "een werk dat de voorkeur verdient boven alle werken van zowel de schilderkunst als de beeldhouwkunst in koper ."

De plot van "The Death of Laocoon and His Sons" houdt verband met de beroemdste aflevering van de Trojaanse oorlog. Zoals je weet bouwden de Grieken, om de stad die ze belegerden binnen te dringen, een enorm hol houten paard, waarin enkele tientallen soldaten klommen. Een spion onderwezen door Odysseus werd naar Troje gestuurd, die koning Priamus toesprak in de vorm van een voorspelling: “... Als je dit heilige beeld veracht, zal Athena je vernietigen, maar als het beeld in Troje belandt, dan zul je in staat om alle krachten van Azië te verenigen, Griekenland binnen te vallen en Mycene te veroveren. 'Het is allemaal een leugen! Odysseus heeft dit allemaal bedacht”, riep Laocoon, de priester van de tempel van Poseidon. God Apollo (die boos was op Laocoon omdat hij in strijd met zijn eed trouwde en kinderen kreeg), om Troy te waarschuwen voor het trieste lot dat haar te wachten staat, stuurde twee enorme zeeslangen, die eerst de tweelingzonen van Laocoon wurgden, en vervolgens, toen hij hen te hulp snelde, zichzelf. Dit verschrikkelijke teken overtuigde de Trojanen ervan dat de Griekse spion de waarheid sprak, en de koning van Troje besloot ten onrechte dat Laocoon gestraft werd omdat hij een speer in een houten paard had gestoken. Het paard was opgedragen aan Athene en de Trojanen begonnen te feesten en hun overwinning te vieren. Het is verder bekend: om middernacht stapten de Grieken, na signaallichten, uit hun paarden en doodden de slaperige bewakers van het fort en het paleis van Troje.

Wat nieuw was, naast de vaardigheid van compositie en technische perfectie, was de belichaming van de smaak van een nieuw tijdperk: het hellenisme: een oude man, kinderen, pijnlijke strijd, stervend gekreun...

Toen de ‘Laocoon’ in 1506 in de ruïnes van de thermen van keizer Titus in Rome werd gevonden, zei Michelangelo dat het het beste beeld ter wereld was en probeerde hij, geschokt, tevergeefs... de gebroken rechterhand van de centrale toren te herstellen. figuur. Succes vergezelde Lorenzo Bernini.

El Greco creëerde een schilderij gebaseerd op de plot van Laoocona. Winckelmann, Lessing, Goethe.

· Farnese Stier(afb. 112, 113, 114, 115). Rond 150 voor Christus in de stad Thralls, in Carië, wierpen de beeldhouwersbroers Apollonius en Tauriscus een bronzen groep voor de inwoners van het eiland Rhodos, dat nu bekend staat als Farnese Stier(het werd gevonden in de Thermen van Caracalla in Rome, gerestaureerd door Michelangelo zelf en enige tijd bewaard in het Farnese-paleis). Volgens één versie van de mythe werd Antiope, de dochter van koning Nyctaeus van Thebe, zwanger van Zeus en vluchtte voor de woede van haar vader naar de koning van Sikyon, die met haar trouwde, wat een oorlog tussen de twee steden veroorzaakte. De Thebanen wonnen en Antiope's oom bracht Antiope terug naar huis. Daar beviel ze van een tweeling, die haar onmiddellijk werd ontnomen door genoemde oom. In Thebe werd ze een slaaf van haar tante Dirka, die haar wreed behandelde. Antiope, die de gevangenschap niet kon verdragen, slaagde erin te ontsnappen en haar volwassen zonen te ontmoeten, die Dirka op brute wijze straften: ze bonden haar vast aan de hoorns van een wilde stier, die haar onmiddellijk afhandelde - onder het goedkeurende oog van een tevreden Antiope. Het werk onderscheidt zich door zijn virtuositeit in het overbrengen van verschillende hoeken en de nauwkeurigheid van de anatomische structuur van de figuren.

· De kolos van Rhodos.

Dit was de naam van het standbeeld van de god Helios op het eiland Rhodos. De zoon van een van de commandanten van de Macedonische Antigonus, Demetrius, belegerde Rhodos met behulp van gevechtstorens van zeven verdiepingen, maar werd gedwongen zich terug te trekken en liet alle militaire uitrusting achter. Volgens het verhaal van Plinius de Oudere ontvingen de bewoners van het eiland geld uit de verkoop, waarmee ze het rond 280 voor Christus naast de haven bouwden. het grootste standbeeld van de antieke wereld - de 36 meter hoge god van de zon Helios van de architect Chares, een student van Lysippos. De Rhodiërs vereerden Helios als de patroonheilige van het eiland dat door de goden uit de zeebodem was grootgebracht, en de hoofdstad van Rhodos was zijn heilige stad. Philo van Byzantium meldde dat er 13 ton brons en bijna 8 ton ijzer werden gebruikt om het beeld te maken. Volgens onderzoek van de Engelse wetenschapper en beeldhouwer Marion is het beeld niet gegoten. De basis bestond uit drie massieve pilaren, geplaatst op vierhoekige stenen platen en vastgemaakt met ijzeren strips; Vanaf de pilaren straalden ijzeren staven in alle richtingen uit, aan de uiteinden waarvan een ijzeren frame was bevestigd - ze omcirkelden de stenen pilaren op gelijke afstanden en veranderden ze in een frame. Het beeld werd in ruim tien jaar stukje voor stukje opgebouwd naar kleimodel. Volgens de reconstructie had Helios een kroon in de vorm van zonnestralen op zijn hoofd, zijn rechterhand werd op zijn voorhoofd gelegd en zijn linkerhand hield zijn mantel vast, die op de grond viel en als steunpunt diende. Het gevaarte stortte in tijdens de aardbeving van 227 (222) v.Chr., en de fragmenten bleven ruim acht eeuwen liggen, totdat de Arabieren ze op 900 (!) kamelen laadden en de ‘bouwmaterialen’ te koop namen.

· Paeonia behoort tot een beeld van de godin Nike (ca. midden 5e eeuw v.Chr.): de figuur is enigszins naar voren gekanteld en in evenwicht gehouden door een grote golvende, felgekleurde mantel (afb. 116).

De Griekse beeldhouwkunst onderhield een nauwe band met de architectuur; ze bestonden harmonieus naast elkaar. De kunstenaars probeerden het beeld niet te ver van de gebouwen te verwijderen. De Grieken vermeden het plaatsen van monumenten in het midden van het plein. Meestal werden ze langs de randen of de randen van de heilige weg geplaatst, tegen de achtergrond van een gebouw of tussen kolommen. Maar op deze manier was het beeld niet toegankelijk voor omzeiling en uitgebreide beoordeling.

Het beeldhouwwerk van Hellas onderhield een nauwe en harmonieuze band met de architectuur. Beelden van Atlantiërs (Fig. 117) en kariatiden (Fig. 56) vervingen kolommen of andere verticale steunen om het balkenplafond te ondersteunen.

Atlanta– mannelijke beelden die de plafonds ondersteunen van gebouwen die aan de muur zijn bevestigd. Volgens mythen zou de Griekse titaan, de broer van Prometheus, de hemel aan de uiterste westelijke rand van de aarde vasthouden als straf voor zijn deelname aan de strijd van de titanen tegen de goden.

Kariatide- een sculpturaal beeld van een staande vrouwenfiguur. Als er een mand met bloemen of fruit op de kop van het beeld staat, dan werd dit genoemd canephora(van lat. mand drager). De oorsprong van het woord "kariatide" is afgeleid van de kariatiden - de priesteressen van de tempel van Artemis in Caria (Karyatide was ook de naam die werd gegeven aan de maanmoeder Artemis Caria).

Ten slotte kwam de harmonie en coördinatie van architectuur en beeldhouwkunst tot uiting in het decoratieve gebruik van laatstgenoemde. Dit zijn metopen versierd met reliëfs (overspanningen tussen balken waarvan de uiteinden zijn vermomd met trigliefen) (afb. 117) en frontons met beeldengroepen (afb. 118, 119). De architectuur bood een kader voor de sculptuur en het gebouw zelf werd verrijkt door de organische dynamiek van de sculptuur.

De beelden werden geplaatst op de sokkels van gebouwen (Pergamonaltaar) (afb. 120, 121), op de sokkels en kapitelen van zuilen (afb. 11), op grafzuilen (afb. 122, 123) en in soortgelijke zuilen (afb. 68-n), fungeerde als standaard voor huishoudelijke artikelen (afb. 124, 125).

Er waren ook grafbeelden (afb. 68-c, 68-d).

Oorsprong en redenen voor de kenmerken van de Griekse beeldhouwkunst

Materiaal en de verwerking ervan

Een van de opmerkelijke voorbeelden van terracottabeeldhouwkunst zijn de genre- en graffiguren die zijn gevonden in graven nabij Tanagra (afb. 126, 127), een stad in Oost-Boeotië. Terracotta(van Italiaanse terra - aarde/klei en cotta - gebakken) worden voor een breed scala aan doeleinden ongeglazuurde keramische producten genoemd. De hoogte van de beeldjes is van 5 tot 30 centimeter. De bloeitijd van het maken van beeldjes valt in de 3e eeuw. BC.

Het gebruik van ivoor voor kunstwerken is een lange traditie in de Griekse wereld. Tijdens de klassieke periode verscheen de techniek van het combineren van goud en ivoor – chrysoelephantijn. Het bevat met name de beelden van Phidias - Athene in het Parthenon (afb. 128) en Zeus in Olympia. De basis van het standbeeld van Athene was bijvoorbeeld uit massief hout gesneden, het grootste deel van het oppervlak was bedekt met goud, de delen die het naakte lichaam voorstelden en de auspiciën waren bedekt met ivoren platen. Aan de houten basis waren geschubde platen (ongeveer 1,5 mm dik) die op stangen draaiden, bevestigd en konden worden verwijderd. Ivoor werd, net als goud, aan houten schubben bevestigd. Alle afzonderlijke delen van het beeld - het hoofd, het schild, de slang, de speer, de helm - zijn afzonderlijk gemaakt en bevestigd aan de basis van het beeld, eerder geplaatst en gemonteerd op een houten sokkel, verzonken in een stenen sokkel (afb. 95) .

Het gezicht en de handen van het beeld van de Olympische Zeus met een krans op zijn hoofd, Nike (Overwinning) in zijn rechterhand en een scepter met een adelaar in zijn linkerhand, waren gemaakt van ivoor, kleding en schoenen waren van goud. Om ivoor te beschermen tegen schade als gevolg van het vochtige klimaat van Olympia, smeerden de priesters het royaal in met olie.

Naast ivoor werden voor de onderdelen veelkleurige materialen gebruikt. De oogbol was bijvoorbeeld gemaakt van gekleurd steen, glas of zilver met een granaatappelpupil (afb. 129). Bij veel beelden zijn nog steeds gaten geboord voor het bevestigen van kransen, linten en kettingen.

Vanaf de 7e eeuw voor Christus. de Grieken gebruikten al marmer (afb. 130). Beeldhouwers streefden vaak naar vrije houdingen en bewegingen, maar die waren objectief gezien onhaalbaar in één stuk marmer. Daarom worden er vaak beelden gevonden die uit verschillende stukken bestaan. Het lichaam van de beroemde Venus van Milo (afb. 75) was uit marmer van het eiland Paros gesneden, het aangeklede deel was uit een andere steensoort gemaakt, de armen uit losse stukken, vastgezet met metalen klemmen.

Steenverwerkingssysteem.

In de archaïsche periode kreeg een blok steen voor het eerst een tetraëdrische vorm, en op zijn vlakken tekende de beeldhouwer een projectie van het toekomstige beeld. Vervolgens begon hij vanaf vier zijden gelijktijdig te snijden, in verticale en vlakke lagen. Dit had twee gevolgen. Ten eerste onderscheidden de beelden zich door een volkomen bewegingloze, rechte houding, zonder de minste rotatie om hun verticale as. Ten tweede hebben bijna alle archaïsche beelden een glimlach op hun gezicht, geheel onafhankelijk van de situatie die het beeld uitbeeldt (afb. 131, 132). Het is omdat methode het verwerken van het gezicht als een vlak loodrecht op de andere twee vlakken van het hoofd leidde ertoe dat de gelaatstrekken (mond, oogcontour, wenkbrauwen) niet in de diepte, maar naar boven waren afgerond.

De constructie van de archaïsche figuur wordt voor een groot deel bepaald door de werkwijze van de beeldhouwer – het voorbereiden van een rechthoekig blok steen – waardoor het bijvoorbeeld niet mogelijk was de figuur met opgeheven armen af ​​te beelden.

De tweede methode van steenverwerking houdt verband met de overgang van archaïsch naar klassiek; deze werd dominant in de Griekse beeldhouwkunst. De essentie van de methode is de wens om het volume van het lichaam, de rondingen en overgangen te fixeren. De beeldhouwer leek met zijn beitel om het hele beeld heen te lopen. De slagen van de archaïsche mensen werden in verticale rijen gelegd, de slagen van de klassiekers gingen in de diepte, lagen rond, in diagonalen in verband met bochten, uitsteeksels en richtingen van de vorm.

Geleidelijk draaide het beeld zich niet alleen naar de kijker toe met een recht gezicht en profiel, maar ook met complexere driekwart bochten, kreeg het dynamiek en begon het rond zijn as te lijken te draaien. Ze werd een beeld zonder achterkant, dat niet tegen de muur kon worden geleund of in een nis kon worden geplaatst.

Bronzen sculptuur.

In de klassieke periode was het erg moeilijk om zonder speciale ondersteuning een naaktfiguur met een vrij uitgestrekt been in marmer te beeldhouwen. Alleen brons maakte het mogelijk dat de figuur een willekeurige positie kon krijgen. De meeste oude meesters goot het in brons (afb. 133, 134). Hoe?

De gebruikte gietmethode was een proces dat "verloren was" wordt genoemd. Het uit klei gegoten figuur werd bedekt met een dikke laag was en vervolgens met een laag klei met veel gaten waardoor de in de oven gesmolten was naar buiten stroomde; Van bovenaf werd de mal gevuld met brons totdat het metaal alle ruimte vulde die voorheen door was werd ingenomen. Het beeld werd afgekoeld en de bovenste laag klei werd verwijderd. Tenslotte werd er geslepen, gepolijst, gevernist, geschilderd of verguld.

De ogen van het bronzen beeld waren ingelegd met glasachtige pasta en gekleurde steen, en de kapsels of versieringen waren gemaakt van een bronslegering in een andere tint en waren vaak verguld of bekleed met gouden platen.

Eerder, aan het begin van de 7e-6e eeuw. Vanwege de noodzaak om brons te redden, werd de techniek van het maken van beelden wijdverspreid in Griekenland, toen houten figuren werden vastgespijkerd met bronzen platen. In het Oosten was een soortgelijke techniek bekend, er werd alleen goud gebruikt in plaats van brons.

Polychroom.

De Grieken schilderden de blootgestelde delen van het lichaam van sculpturen in vleeskleur, kleding in rood en blauw en wapens in goud. De ogen zijn op marmer geschilderd.

Toepassing van gekleurde materialen in beeldhouwkunst. Naast de combinatie van goud en ivoor gebruikten de Grieken veelkleurig materiaal, maar vooral voor details. De oogbol was bijvoorbeeld gemaakt van gekleurd steen, glas of zilver met een granaatappelpupil. De lippen van een bronzen beeld waren vaak verguld of bekleed met gouden platen. Bij veel Griekse beelden zijn gaten geboord voor het bevestigen van kransen, linten en kettingen. Tanagra-beeldjes waren volledig geverfd, meestal in paarse, blauwe en gouden tinten.

De rol van plastic samenstelling.

Een van de belangrijkste problemen waarmee de beeldhouwer te maken kreeg, was altijd het berekenen van de vorm en de grootte van de sokkel en het afstemmen van het beeld en de sokkel op het landschap en de architectonische omgeving.

De Hellenen gaven over het algemeen de voorkeur aan niet erg hoge sokkels. In de 5e eeuw BC. de lengte overschreed gewoonlijk niet het borstniveau van een persoon van gemiddelde grootte. In de volgende eeuw hadden sokkels meestal een getrapte vorm, bestaande uit verschillende horizontale platen.

Helemaal aan het begin van zijn werk moest de beeldhouwer rekening houden met het gezichtspunt van waaruit het beeld zou worden waargenomen, de optische relatie tussen het beeld en de toeschouwer. Zo berekenden de ambachtslieden nauwkeurig het optische effect van de beelden die op het fronton waren geplaatst. Op het Parthenon verkortten ze het onderste deel van de figuren van de zittende beelden en verlengden ze het bovenste deel van het lichaam. Als de figuur een scherpe kanteling maakte, werden de armen en benen ingekort of verlengd, afhankelijk van de positie van de figuur.

Motieven van beweging in de beeldhouwkunst

Archaïsche beeldhouwkunst kende slechts één soort beweging: de beweging van actie. Het rechtvaardigde het motief voor enige actie: de held gooit een schijf, neemt deel aan een gevecht, competitie, enz. Als er geen actie plaatsvindt, staat het beeld absoluut stil. De spieren worden gegeven als gegeneraliseerd, de romp is bewegingloos, de armen en benen werken op de een of andere manier een kant van het lichaam.

Polycletus wordt beschouwd als de uitvinder van een ander type beweging. De essentie "ruimtelijke beweging" in die zin dat het beweging in de ruimte betekent, maar zonder een zichtbaar doel, zonder een specifiek thematisch motief. Maar alle leden van het lichaam functioneren, rennen naar voren of rond hun as.

De Griekse beeldhouwer probeerde beweging ‘uit te beelden’. In gebaren, gang, spierspanning liet hij het zien functies bewegingen.

De Griekse beeldhouwkunst belichaamt de harmonie tussen de menselijke wil en het lichaam, de gotische beeldhouwkunst belichaamt de emotionele energie van een persoon, het beeld van Michelangelo wordt gekenmerkt door de strijd van wil en gevoelens. De Griekse beeldhouwkunst vermijdt vaak overmatige fysieke spanning, en als ze daar wel gebruik van maakt, is ze altijd rechtlijnig en eenzijdig. Michelangelo spant daarentegen zijn spieren maximaal in, en in verschillende, soms tegengestelde richtingen. Daarom had het genie van de Renaissance een favoriete spiraalvormige, roterende beweging, die werd gezien als een diep psychologisch conflict.

Leer meer over de evolutie van bewegingsvormen.

De zoektocht naar dynamiek begint bij de voeten van het beeld. Het eerste teken van beweging is dat het linkerbeen naar voren beweegt. Hij staat met de gehele zool stevig op de grond. Beweging wordt alleen geregistreerd op het skelet en de ledematen. Maar gedurende de archaïsche periode blijft de romp bewegingloos. De armen en benen werken aan één kant van het lichaam, rechts of links.

In het klassieke tijdperk Polykleitos lost het probleem van kruisend verkeer op. De essentie ervan is een nieuw evenwicht van het lichaam. Zijn gewicht rust op één been, het andere is vrij van ondersteunende functies. De beeldhouwer beweegt zijn vrije been naar achteren, waarbij het been de grond alleen met de toppen van zijn tenen raakt. Als gevolg hiervan bevinden de rechter- en linkerkant van het lichaam bij de knieën en heupen zich op verschillende hoogtes, maar om het evenwicht te bewaren bevinden de lichamen zich in de tegenovergestelde verhouding: als de rechterknie hoger is dan de linker, dan is de rechterschouder lager. dan links. De bewegende balans van symmetrische lichaamsdelen werd een favoriet motief in de oude kunst (afb. 135).

U Mirona in “Discoball” valt het hele gewicht van het lichaam op het rechterbeen, het linkerbeen raakt nauwelijks de grond.

Aan het einde van de 4e eeuw. BC. Lysippos zorgt voor maximale bewegingsvrijheid. De beweging van het lichaam ontvouwt zich diagonaal ("Borghesiaanse worstelaar"), het kan rond zijn as draaien en de ledematen zijn in verschillende richtingen gericht.

Plastische expressiviteit van klassieke beeldhouwkunst.

In het Hellenistische tijdperk ontstond een verlangen naar maximale expressiviteit, naar energieke uitsteeksels en uitsparingen van vorm. Zo verschenen de spieren van de atleet Hercules (afb. 136).

De dynamiek van de romp wordt verbeterd. Hij begint naar links en rechts te buigen. IN Apoxyomeen Lysippos (afb. 82) blijkt de relatie tussen ondersteunde en vrije elementen bijna ongrijpbaar. Zo ontstond een nieuw fenomeen: een absoluut rond beeld waar je rond moet lopen. Laten we tot slot wijzen op een karakteristiek kenmerk van de Griekse beeldhouwkunst: de overheersende beweging vanuit het centrum naar buiten, naar een extern doel.

Griekse beeldhouwers individualiseerden eerst zitten standbeeld. De basis van de kwalitatieve verandering is dat het beeld totaal anders zit. De indruk van een individuele houding is het creëren van een optie wanneer een persoon op het puntje van de stoel zit, niet met zijn hele lichaam en niet op de hele stoel. Er ontstond een ontspannen en vrije houding wanneer de zitting lager werd dan de knieën van de zittende persoon. Er ontstond een rijkdom aan contrasten: armen over elkaar, benen over elkaar, het lichaam van de zittende persoon draaide en boog.

Kleding en gordijnen.

Het creatieve concept van de beeldhouwer wordt bepaald door een belangrijk probleem: kleding en gordijnen. De elementen nemen actief deel aan het leven van het beeld en zijn beweging: de aard van de kleding, het ritme van de plooien, het silhouet, de verdeling van licht en schaduw.

Een van de belangrijkste doelen van draperie in de beeldhouwkunst is het functionele doel van kleding (dat wil zeggen de relatie ervan tot het menselijk lichaam). In de Griekse beeldhouwkunst vond dit doel zijn meest levendige belichaming. In het klassieke tijdperk veranderde de tegenstelling tussen kleding en lichaam in een harmonieuze interactie. Kleding herhaalde, benadrukte, complementeerde en veranderde soms de vormen en bewegingen van het lichaam, met het ritme van hun plooien (afb. 136-a).

De vrije interpretatie van kleding werd enorm geholpen door de aard van Griekse kleding. Een rechthoekig of rond stuk stof kreeg zijn vorm alleen door het lichaam dat eroverheen gedrapeerd was. Niet de snit, maar de manier van dragen en gebruiken bepaalde de aard van de kleding. En de basisprincipes van kleding bleven vrijwel onveranderd. Alleen de stof, de hoogte van de riem, de manier van draperen, de vorm van de gesp, etc. veranderden.

De klassieke stijl ontwikkelde het basisprincipe van draperie. Lange, rechte, verticale plooien benadrukken en verbergen tegelijkertijd het steunbeen, het vrije been wordt met lichte plooien door de kleding gemodelleerd. In het midden van de 5e eeuw. BC. De beeldhouwers hebben dit probleem ook opgelost door het lichaam in al zijn rondingen door kleding heen te laten zien.

De draperie was rijk en gevarieerd, maar de sculptuur had geen emotionele interpretatie van kleding. De kunstenaars belichaamden het nauwe contact van kleding met het lichaam, maar er was geen verband tussen kleding en iemands mentale toestand. Kleding karakteriseerde de activiteit van het beeld, maar weerspiegelde niet de stemmingen en ervaringen ervan.

In moderne Europese kleding zijn de schouders en heupen het steunpunt. Griekse kleding ander in wezen: het past niet - het gedrapeerd. De plasticiteit van gordijnen werd veel hoger gewaardeerd dan de kosten van stof, en de schoonheid van kleding lag in de gratie ervan.

De Ionische Grieken waren de eersten die draperie als sculpturaal element gebruikten. Bij Egyptische sculpturen is de kleding bevroren. De Hellenen begonnen plooien van stof af te beelden en gebruikten kleding om de schoonheid van het menselijk lichaam te onthullen.

In het klassieke tijdperk veranderde de tegenstelling tussen kleding en lichaam in een harmonieuze interactie. De kleding herhaalde, benadrukte en complementeerde de vormen en bewegingen van het lichaam met het ritme van hun plooien.

Het basisprincipe van de Griekse draperie is dat lange, rechte, verticale plooien het steunbeen benadrukken en tegelijkertijd verbergen, het vrije been wordt met lichte plooien door de kleding gemodelleerd.

Over het algemeen was de draperie rijk en gevarieerd, maar de emotionele interpretatie van kleding was vreemd aan de Griekse beeldhouwkunst. Kleding-op-lichaam contact was niet geassocieerd met iemands gemoedstoestand. Kleding karakteriseerde de activiteiten van het beeld, maar weerspiegelde niet de stemmingen en ervaringen ervan.

Sculpturale (beeldhouw)groep. Als de betekenis van de compositie slechts vanuit één gezichtspunt wordt onthuld, zijn de beelden geïsoleerd van elkaar, onafhankelijk, ze kunnen van elkaar worden verwijderd, op afzonderlijke sokkels worden geplaatst, zodat ze uiteindelijk onafhankelijk van elkaar zullen bestaan. anders, dan kan zo'n compositie geen echte beeldengroep worden genoemd. In Griekenland bereikt een sculpturale groep tijdens het tijdperk van de klassieke stijl het stadium van het belichamen van menselijke relaties tussen figuren, gemeenschappelijke actie en gemeenschappelijke ervaring.

Het probleem van licht in de beeldhouwkunst.

Licht in de beeldhouwkunst (net als in de architectuur) heeft niet zozeer invloed op de vorm zelf als wel op de indruk die het oog van de vorm krijgt. De relatie tussen licht en plastische vorm bepaalt de oppervlaktebehandeling. Ten tweede moet de kunstenaar bij het opzetten van een sculptuur rekening houden met een bepaalde lichtbron. Materialen met een ruw en ondoorzichtig oppervlak (hout, deels kalksteen) hebben direct licht nodig (het geeft de vormen een helder en gedefinieerd karakter). Marmer kenmerkt zich door transparant licht. Het belangrijkste effect van de sculpturen van Praxiteles is gebaseerd op het contrast van direct en transparant licht.

Sculpturaal portret

Beeldhouwwerken uit de archaïsche periode, die de Egyptische heerschappij van de frontaliteit volgden, waren heilig; beelden van tijdgenoten waren toegestaan ​​in gevallen waarin ze werden ingewijd door de dood of door overwinning in sportwedstrijden. Het standbeeld ter ere van de Olympische winnaar beeldde niet een specifieke kampioen af, maar de manier waarop hij was zou graag willen zijn. Delphische wagenmenner, Dit is bijvoorbeeld een ideaal en geen specifiek portret van een winnaar van een wedstrijd.

Het graf bas-reliëf afgebeeld Zojuist persoon.

De reden hiervoor is dat de harmonieuze ontwikkeling van het fysieke en spirituele door de Grieken werd gezien als een voorwaarde voor het bereiken van zowel esthetische harmonie als het burgerlijk-heroïsche nut van een persoon. Daarom leek het voor de Ouden volkomen natuurlijk om in beelden van bijvoorbeeld atleten niet de individuele eigenschappen van een bepaalde persoon te belichamen, maar de essentiële, typische, waardevolle en universele eigenschappen van een perfect persoon (of elke persoon): kracht, behendigheid, energie, evenredige schoonheid van het lichaam, enz. Het individueel unieke werd gezien als een willekeurige afwijking van de norm. Daarom was niet alleen de Griekse, maar alle oude kunst vrij van het privé, vooral in de afbeeldingen van legendarische helden en goden.

Hieraan moeten we toevoegen waarom de taken van individuele gezichtsuitdrukkingen lange tijd vreemd waren aan de Griekse beeldhouwkunst. Het was een cultus van de naakten lichaam en de ontwikkeling van een uniek ideaal van het hoofd en gezicht (de zogenaamde Grieks profiel) – de contouren van de neus volgen in een rechte lijn de contouren van het voorhoofd (afb. 137, 138).

Laten we ten slotte wijzen op iets paradoxaals: in Griekenland werd aan het individuele, het bijzondere, groot belang gehecht, aan de andere kant werd een portretafbeelding bijvoorbeeld als een staatsmisdaad beschouwd. Omdat de rol van het individu in de klassieke antieke cultuur wordt gespeeld door de ‘collectieve held’: de polis.

Er waren twee hoofdtypen afbeeldingen van een persoon uit het archaïsche tijdperk: een strenge, jeugdige, naakte atletische figuur met gebalde vuisten - kouros(afb. 139, 140, 141) en een bescheiden geklede vrouw, die met één hand de plooien van haar jurk oppakt en met de andere een bepaald geschenk aan de goden aanbiedt - blaffen(afb. 142, 143). Op deze manier konden zowel gewone stervelingen als goden worden afgebeeld. In moderne tijden werden kouroses vaak "Apollos" genoemd; Er wordt nu aangenomen dat dit afbeeldingen van atleten of grafstenen waren. Het iets naar voren geplaatste linkerbeen van de kouros duidt op Egyptische invloed. Blaffen ( Grieks. meisje) is een moderne aanduiding voor vrouwelijke figuren uit het archaïsche tijdperk. Deze sculpturen dienden als votiefgeschenken die naar het heiligdom werden gebracht. In tegenstelling tot kouros waren de kor-figuren gedrapeerd.

In de eerste helft van de 5e eeuw. BC. er heeft zich een bepaald type gezicht ontwikkeld: een afgerond ovaal, een rechte neusbrug, een rechte lijn van voorhoofd en neus, een gladde wenkbrauwboog die boven amandelvormige ogen uitsteekt, nogal dikke lippen, geen glimlach. Het haar werd behandeld met zachte golvende lokken die de vorm van de schedel omlijnden (“Delphic Charioteer”).

Lysippos' broer Lysistratus was de eerste die gezichten beeldhouwde die op een portret leken; hij maakte zelfs gipsen afgietsels van levende gezichten.

In de tweede helft van de 5e eeuw. BC. Polycletus ontwikkelde de wet van ideaal proportionele componenten van het menselijk lichaam. In de beeldhouwkunst werden alle verhoudingen van het menselijk lichaam tot in het kleinste detail berekend. Hand – 1/10 van de lengte, hoofd – 1/8, voet en hoofd met nek – 1/6, arm tot aan de elleboog – ¼. Het voorhoofd, de neus en de mond met kin zijn even hoog, van de kruin tot de ogen - hetzelfde als van de ogen tot het uiteinde van de kin. De afstand van de kruin tot de navel en van de navel tot de tenen zijn op dezelfde manier gerelateerd als de afstand van de navel tot de tenen tot volledige hoogte - 38:62 - de “gulden snede”.

Romeinse beelden kunnen niet worden verward met Griekse beelden. De Romeinen hebben al hun kracht in hun gezicht, en het lichaam is daaronder slechts een steun; als het nodig was om het standbeeld van de keizer te vervangen, konden ze het oude hoofd verwijderen en een nieuw hoofd bevestigen. In het Grieks reageert elk detail van het lichaam op gezichtsuitdrukking.

Maar de gezichtsuitdrukkingen van de klassieke beeldhouwkunst waren algemeen en vaag. Archeologen maakten bijvoorbeeld soms fouten bij het bepalen van hun geslacht aan de hand van de hoofden van beelden. In het portret van Pericles beperkte de beeldhouwer Kresilaus zich tot de ideale, traditionele structuur van het hoofd (waarbij het taps toelopende hoofd van Pericles met een helm werd vermomd) (afb. 144).

In de 5e eeuw BC. er verschijnt een portretvorm - herma(145, 146, 147) - een tetraëdrische pilaar die naar beneden toe taps toeloopt, met daarop een licht gestileerd portret. Soms eindigde de herm met twee hoofden (van filosofen, dichters) - dergelijke hermen werden in bibliotheken en privéwoningen geplaatst.

Griekse portretten, ook ten voeten uit, verschijnen pas in de tweede helft van de 4e eeuw. BC. Klassieke kunst belichaamde het karakter van de mens en de eigenschappen van God, niet door gezichtsuitdrukkingen of gezichtsuitdrukkingen, maar door houding, gang en specifieke eigenschappen.

Over het algemeen is de dominante eigenschap van het Griekse portret de uitdrukking van de wil, het verlangen tot actie. Maar over de gevoelens of ervaringen van de afgebeelde personen valt vrijwel niets te zeggen. Het portret was gericht op burgers en nageslacht. De uitdrukking van een glimlach of zelfvergetelheid was vreemd aan het Griekse portret. In Griekenland zijn er vrijwel geen portretten van vrouwen; de meeste meesters beeldden wetenschappers en kunstenaars af.

Over de iconografie van goddelijke en mythologische wezens.

In de oudheid was het idool een eenvoudige stenen of houten pilaar.

Van hout heilig xoanakh, zo groot als een man, roerloos, met gesloten ogen en handen tegen de zijkanten gedrukt, wit geverfd of geverfd met cinnaber, de belangrijkste geledingen van de menselijke figuur zijn al geschetst. Volgens A. Bonnard gaven de primitieve Griek, die op grove wijze afbeeldingen van goden uitsneed om ze te aanbidden, ze niettemin een menselijk uiterlijk - dit betekende dat ze werden opgeroepen en hen van hun schadelijke kracht werd beroofd.

Toen begonnen ze het bovenste deel van het lichaam te markeren, het onderste behield zijn oorspronkelijke vorm. Zo zagen de vroege exemplaren eruit hermen– afgoden gewijd aan Hermes (afb. 147-a). Ze werden op openbare plaatsen geplaatst, zowel ter decoratie als als grensborden en markeringen om de afstand tussen nederzettingen te meten.

Laten we eens kijken naar het voorbeeld van de sculpturen van Aphrodite (Romeinse Venus) om te zien welke variaties er plaatsvonden in de plastische belichaming van het beeld van de godin (lichaam, kleding, gordijnen, accenten). Volgens de mythe zou Aphrodite (lit. "schuimgeboren"), de godin van de liefde, schoonheid, de eeuwige lente en het leven, huwelijken en hetaeras, kwam naakt uit het zeeschuim tevoorschijn en bereikte de kust op een schelp (afb. 148, 149).

U Venus van Milo een wespentaille is onverenigbaar met een volledig lichaam en steile heupen. Venus Calipiga ("Venus met de mooie billen") trekt nog steeds kijkers, alleen nu in het Archeologisch Museum van Napels ( ziek. . 150). Griekse kolonisten bewonderden de klassieke proporties en kenmerken ervan Aphrodite van Syracuse(afb. 151), en de Romeinen - Venus Belvedere(afb. 152) en Venus Capitolijn(afb. 152-a).

...Na ongeveer twee millennia zal een van de belangrijkste werken van de uitmuntende beeldhouwer Antonio Canova een sculpturaal beeld van volledige lengte zijn van prinses Paolina Borghese, de zuster van keizer Napoleon, in de vorm van de godin Venus Vitrix (afb. 152). -B). De belichaming van vrouwen naar het beeld van Venus vond ook plaats in de schilderkunst (afb. 152-c).

Silena, in de mythologie kon een liefhebber van muziek, dans en later wijn worden afgebeeld met paardenoren, staart en hoeven, een wijs, vriendelijk wezen, of wellustig (afb. 153-a).

In het Hellenistische tijdperk verschenen kolossale beelden van goden. Dit was de Colossus van Rhodos - het standbeeld van de god Helios op het eiland Rhodos (het werd al eerder genoemd).

Reliëf, zijn typen, stijl en klassiek type.

Er wordt aangenomen dat het Griekse reliëf uit twee bronnen is ontstaan: uit een contour, een silhouettekening en uit een rond beeld. Het basisprincipe van het reliëf is dat alle meest convexe delen zich, indien mogelijk, op het oorspronkelijke oppervlak van de stenen plaat bevinden.

Twee technieken hebben bijgedragen aan de vorming van de klassieke stijl in reliëf: het beeld van een menselijke figuur in een driekwart rotatie (alsof het contrast van profiel en voorkant wordt gecombineerd) en de optische reductie van een object in de ruimte (verkorting).

Soorten verlichting. Het klassieke type is gemaakt in Griekenland. De karakteristieke kenmerken zijn als volgt. Het reliëf toont meestal alleen een persoon en streeft ernaar de zuiverheid van de voor- en achtervlakken te behouden. Het achteroppervlak is een abstracte achtergrond, een glad, vrij vlak. Voor de voorkant (denkbeeldig) is het typerend: de figuren zijn afgebeeld in één bovenaanzicht, bewegend langs de kijker, alle convexe delen van de figuren zijn precies geconcentreerd op het frontvlak. Ten tweede is er de wens van de meesters om de hoofden van alle figuren op dezelfde hoogte te houden (zelfs als sommige figuren staan, andere zitten) en vrije ruimte boven hun hoofden te vermijden. Ten derde is er geen speciale omlijsting; meestal is het een licht geprofileerde basis voor de figuren.

Uit de 4e eeuw BC. op grafstenen zijn reliëfafbeeldingen aanwezig (afb. 154). Familiegraven toonden scènes uit het leven van de doden.

De taak om metopen te vullen met reliëffiguren leidde tot de eis van paren - en daarom werden gevechten, vooral tussen mensen en centauren of Amazones, favoriete onderwerpen voor metopebeeldhouwkunst. De Ionische fries werd gekenmerkt door continuïteit, waardoor een processie of bijeenkomst een natuurlijk thema werd. En omdat de lege ruimtes tussen de hoofden de indruk van continuïteit zouden verstoren, ontstaat er isokefaliie– de eis om alle hoofden op dezelfde hoogte af te beelden.

In Griekenland bestond er ook een votiefreliëf (afb. 156).

In een van de Homerische hymnen wordt vermeld dat Dionysus werd geboren nabij de rivier de Alpheus, die in Olympia stroomt. Het standbeeld van Hermes werd relatief recent gevonden in de Olympische Tempel van Hera, in 1877.

Precies daar. Pagina 221.

Durant V. Decreet. Op. blz. 331.

Precies daar. blz. 332, 331.

Het echte ongeluk was het decreet (edict) van de heerser van het koninkrijk van de Ostrogoten in Italië, Theodorik, over de vernietiging van de Tempel van Zeus in Olympia.

Quintilianus. Opleiding van een spreker. XII, 10.7.

Zie: Sokolov G.I. Olympia. M.: Art, 1981. P. 147.

Volgens één versie rond 360 voor Christus. de stad Kos bestelde het beeld van Aphrodite uit steen. Maar bij de uitvoering van het beeld waren de inwoners van Kos woedend: de godin was naakt. Toen kocht de stad Knidos het standbeeld.

Een Romeinse kopie van Aphrodite van Cnidus bevindt zich in het Vaticaanse Museum.

Uitleg volgens: Graves R. Mythen van het oude Griekenland. M.: Progress, 1992, blz. 73-74.

Plinius de Oudere. Natuurwetenschap. XXXIV, 65.

Precies daar. XXXVI, 37.

Verklaard volgens: Graves R. Decreet. Op. blz. 514-516.

Wereld kunst. Oude beschavingen: thematisch woordenboek. M.: Kraft, 2004. Blz. 374.

Of uit een legende die zei dat alle vrouwen uit de Caria-regio in Klein-Azië als slaaf werden verkocht voor de steun van de Cariërs aan de Perzen tijdens de oorlog - en de kariatiden werden daar een beeld van. Zie: Besluit Graves R.. Op. blz. 153.

Bijvoorbeeld het standbeeld van de god van de slaap Hypnos.

Bonnar A. Griekse beschaving. Pagina 211.

Mademoiselle Lange, afgebeeld op het schilderij, was een actrice.

Het tweede type reliëf vond plaats tijdens het Hellenistische tijdperk. Vrij (“pittoresk”) reliëf is de ontkenning van het achtergrondvlak, het samensmelten van figuren met de achtergrond tot één optisch geheel. Dit type is niet geassocieerd met de normen van gelijkheid van hoofd ( isokefaliie), toont de achtergrond vaak een landschap of architecturale structuren