Reizende muzikanten in het oude Rusland.' Bijlagen voor muziek uit het oude Rus'

De muziekcultuur van het oude Rusland had, vanaf de Kievse periode en gedurende de hele middeleeuwen, een tweeledig karakter.

hansworsten

Twee culturen van verschillende oorsprong bestonden er tegelijkertijd naast elkaar: het volk en de kerk. Omdat ze zich de christelijke cultuur eigen maakten die uit Byzantium kwam, moesten Russische zangers onvermijdelijk gebruik maken van de oude reserves van heidense liederen. Ondanks het feit dat ze zich in een staat van antagonisme bevonden als gevolg van de strijd tussen twee onverenigbare ideologieën – heidens en christelijk – hadden ze veel gemeen. Hun naast elkaar bestaan ​​bracht hen dichter bij elkaar en verrijkte hen wederzijds.

Maar het leven van de volks- en kerkmuziek had een ander karakter. De beheersing van kerkmuziek was leerzaam en vereiste speciale scholen, terwijl volksliederen pas in de 18e eeuw werden opgenomen. Oude muzikale hook-manuscripten, bewaard gebleven vanaf de eeuwwisseling van de 11e tot de 13e eeuw, getuigen op kleurrijke wijze van de eerste fase van de Russische professionele muziek, en hoewel ze niet nauwkeurig kunnen worden ontcijferd, weerspiegelen ze grotendeels de oude zangcultuur.

Monumenten van literatuur en kunst - kronieken, fresco's, iconen - vertellen over de muziek van het oude Rusland (IX-XII eeuw). Het leven van de Novgorod-bisschop Niphon (XIII eeuw), de leringen van de monnik George (XIII eeuw) en een aantal andere documenten bevatten informatie die muzikanten optraden op straten en pleinen van steden. Muziek was een verplicht onderdeel van rituele feestdagen - Maslenitsa (afscheid van de winter en welkom van de lente), Ivan Kupala (zomerzonnewende), enz. Ze vonden meestal plaats met een grote menigte mensen en omvatten spelletjes, dansen, worstelen, paardensportwedstrijden, en optredens van hansworsten. De hansworsten speelden op de harp, trompetten, sproeiers, tamboerijnen en fluitjes.

Er werd muziek gespeeld tijdens ceremonies aan het prinsenhof. Zo werd de wisseling van gerechten op feesten begeleid door instrumentale muziek of heldendichten. Op een middeleeuwse miniatuur die het toneel van het sluiten van de vrede tussen de prinsen Yaropolk en Vsevolod voorstelt, is naast hen een muzikant afgebeeld die trompet speelt. In de oorlog gaven ze met behulp van trompetten, hoorns, surna's, trommels en tamboerijnen signalen en creëerden ze geluid dat de vijand bang moest maken

Het meest voorkomende instrument was de harp. Byzantijnse historicus uit de 7e eeuw. Theophylact schrijft over de liefde van de noordelijke Slaven (Vends) voor muziek, waarbij hij de cithara's noemt die ze hebben uitgevonden, namelijk de harp. De gusli als onmisbaar accessoire van hansworsten wordt genoemd in oude Russische liederen en heldendichten uit de Vladimirov-cyclus. Het is geen toeval dat in “The Tale of Igor’s Host” (12e eeuw) Bayan, de epische verhalenverteller-gussler, wordt verheerlijkt. De houding tegenover de harp was echter ambivalent. Ze werden gerespecteerd vanwege hun gelijkenis met het muziekinstrument van de bijbelse psalmist koning David. Maar dezelfde harp in de handen van grappige hansworsten werd door de kerk veroordeeld. De hansworsten en hun huishoudelijke artikelen, waaronder muziekinstrumenten, verdwenen in de 17e eeuw.

Skomorokhs zijn Russische middeleeuwse acteurs, tegelijkertijd zangers, dansers, trainers, geestige muzikanten, vertolkers van sketches, acrobaten en auteurs van de meeste verbale, muzikale en dramatische werken die ze uitvoerden.
Het repertoire van hansworsten bestond uit komische liederen, toneelstukken, sociale satires ("somber"), uitgevoerd in maskers en "hansworstenkleding" onder begeleiding van een fluitje, een gusel, een psalterium, een domra, doedelzakken en een tamboerijn. Elk personage kreeg een bepaald personage en masker toegewezen, dat jarenlang niet veranderde. Op straat en op pleinen traden hansworsten op, waarbij ze voortdurend met het publiek communiceerden en hen bij hun optreden betrokken.

De uitvoeringen van hansworsten combineerden verschillende soorten kunst - zowel dramatisch als circus. Het is bekend dat ze in 1571 'vrolijke mensen' rekruteerden voor staatsplezier, en aan het begin van de 17e eeuw. De snel bewegende groep maakte deel uit van de Amusement Chamber, gebouwd in Moskou door tsaar Michail Fedorovich. Tegelijkertijd hadden de prinsen Ivan Shuisky, Dmitry Pozjarski en anderen aan het begin van de 17e eeuw hansworstgroepen. Prins Pozjarski's hansworsten gingen vaak 'voor hun ambacht' door de dorpen. Net zoals middeleeuwse jongleurs werden onderverdeeld in feodale jongleurs en volksjongleurs, zo werd er ook onderscheid gemaakt tussen Russische hansworsten. Maar de kring van ‘hofnarren’ in Rusland bleef uiteindelijk beperkt; hun functies werden teruggebracht tot de rol van huisnarren.
Buffoon-zoemer

Rond het midden van de 17e eeuw. rondzwervende bands verlaten geleidelijk het podium, en gevestigde hansworsten worden min of meer omgeschoold tot muzikanten en podiumartiesten in de West-Europese stijl. Vanaf die tijd werd de hansworst een verouderde figuur, hoewel bepaalde vormen van zijn creatieve activiteit nog heel lang onder de mensen bleven bestaan. Zo maakt de hansworst-zanger, uitvoerder van volkspoëzie, plaats voor vertegenwoordigers van de opkomst vanaf het einde van de 16e eeuw. poëzie; onder de mensen bleef een levende herinnering aan hem bewaard - in de persoon van epische verhalenvertellers in het noorden, in de vorm van een zanger of banduraspeler in het zuiden. De hansworst-zoemer (guselnik, domrachey, doedelzakspeler, surnachey), dansspeler, veranderde in een instrumentale muzikant. Onder het volk zijn zijn opvolgers volksmuzikanten, zonder wie geen enkel volksfestival compleet is.

In 1648 en 1657 Aartsbisschop Nikon vaardigde decreten uit die grappenmakerij verbieden.

Een van de meest opvallende bladzijden van de Russische spirituele en artistieke cultuur is de oude Russische kerkmuziek. De monumentaliteit en grootsheid van oude Russische muziek zijn volledig verbonden met bescheiden expressiemiddelen: unisono zang, laconieke, strikte klankkleuren. P. A. Florensky spreekt in ‘Discourse on Divine Services’ over de bijzondere eigenschap van de oude Russische monodie: ‘Oude unisono- of octaafzang... het is verbazingwekkend hoe het de aanraking van de eeuwigheid doet ontwaken. De eeuwigheid wordt in sommige armoede waargenomen door aardse schatten, en wanneer er een rijkdom is aan geluiden, stemmen, gewaden, enz., enz., komen aardse dingen, en de eeuwigheid verlaat de ziel ergens, aan de armen van geest en de armen in rijkdom. .”

De Byzantijnse muziekcultuur en de nieuwe muzikale esthetiek van het oude Rus zagen, samen met de doop, de directe bron van waaruit een nieuwe muziekstroom zich ontwikkelde, die zich verzette tegen de originele folkgenres. Kerkmuziek verscheen in Rus' na zijn bekering tot het christendom (988). Naast de doop nam het land ook de muziekcultuur uit Byzantium over. Een van de belangrijkste bepalingen van de theorie en esthetiek van de Byzantijnse en Oud-Russische muziekkunst is het idee van de door God gegevenheid, inspiratie.

De makers van oude Russische muziek vermeden externe effecten en decoratie, om de diepte van gevoelens en gedachten niet te verstoren. Het belangrijkste kenmerk van de middeleeuwse Russische kunst was het synthetische karakter ervan. Dezelfde beelden werden op verschillende manieren belichaamd in verschillende soorten kunst, maar de ware kern van de synthese van oude Russische kerkelijke kunst was het woord. Het woord en de betekenis ervan vormden de basis van de gezangen, de melodieën droegen bij aan hun perceptie, verduidelijking van de tekst, leerden het af en illustreerden het soms. Contemplatie van iconen, luisteren naar gezangen die qua inhoud vergelijkbaar waren, creëerden een eenheid die hoge gedachten en gevoelens opriep. De icoon en het gezang en gebed dat ervoor klonk, vormden de hartslag van de spirituele cultuur van het oude Rusland, daarom hebben icoonschilderkunst en hymnografische creativiteit altijd op een groot niveau gestaan.

De synthese van kunsten waar componisten van de 20e eeuw in hun werk naar streefden. in het bijzonder was A. Skrjabin hoofdzakelijk belichaamd in de middeleeuwse kunst. De oude Russische aanbidding had het karakter van een mysterie, waarin iemand geestelijk gereinigd kon worden, zichzelf kon bevrijden van de zorgen en ijdelheid die hem belastten, en moreel kon stijgen.

Vanaf de 16e eeuw heeft een aantal informatie over muziek ons ​​bereikt. In het bijzonder zijn de gezangen van Ivan de Verschrikkelijke bewaard gebleven. Volgens de gegevens in de bronnen kan men zijn muzikale talent beoordelen.

Het literaire stempel van die tijd was de volgende uitdrukking: de tsaar ging naar het Trinity-Sergius-klooster om ‘naar gebedszang te luisteren’. Het feit dat deze uitdrukking niet toevallig is, wordt bevestigd door enige ‘variatie’ in de vermelding van Ivan IV’s interesse in de muzikale kant van de dienst: ‘En de tsaar en de groothertog luisterden naar dat moderne gezang, tot welke tijd de doop plaatsvond. uitgevoerd.” Dit gedrag van hem is des te merkwaardiger omdat het werd waargenomen bij de doop van zijn pas genoemde vrouw Mary. Of een andere plaats uit de bron: 'De soeverein was alleen met zijn geestelijke vaders Andrei, de aartspriesters, en hij begon zichzelf te bewapenen, de yumshan op zichzelf te zetten, hoorde veel klokken en zei tegen zijn buren:' De klokken worden gehoord, zoals als de klokken van het Simonklooster” *. Als we bedenken dat elk klooster zijn eigen klok liet luiden, moeten we toegeven dat Ivan IV een goed muzikaal geheugen had.

Samen met het christendom leenden de Russen van Byzantium een ​​zeer uitgebreid en verfijnd systeem van tempelzang - osmoglasis en een systeem om het op te nemen - spandoeken, haken. Omdat de oudste vormen van deze notatie niet precies zijn ontcijferd, blijft de vraag open: of Rus' overgenomen kerkzang rechtstreeks uit Byzantium kwam of via de Zuid-Slavische landen, maar het is duidelijk dat dit in de 15e-16e eeuw zo was. Het Russische Znamenny-gezang was een volledig origineel artistiek fenomeen. Ontvangen uit Byzantium en stabiele principes bleven de strikt vocale aard van de kerkelijke creativiteit - de orthodoxe canon sluit het gebruik van welk instrument dan ook uit; de nauwste verbinding tussen woord en geluid; zachtheid van melodische beweging; lijnstructuur van het geheel (d.w.z. de muzikale vorm fungeerde als een afgeleide van de spraak, poëtisch). Over het algemeen gelden deze principes voor een groot deel voor oude epische folklore-genres (kalenderritueel - heidense songwriting had zijn eigen wetten).

In de 16e eeuw In Moskou werden voorbeeldige koren opgericht - soevereine en patriarchale zingende klerken. Tegelijkertijd verschenen er varianten van de belangrijkste znamenny-gezangen, reis- en demestiale gezangen, elk met hun eigen opnamesysteem, evenals individuele versies van individuele gezangen die toebehoorden aan een bepaalde meester, plaats, klooster, enz. In de 16e eeuw . Er ontstaat ook een geheel originele Russische kerkpolyfonie. Iets later, in de 17e eeuw. Kievse, Griekse en Bulgaarse gezangen raakten wijdverspreid, deels gerelateerd aan de zang van de zuidelijke en zuidwestelijke orthodoxe kerken, maar kregen in Rus onafhankelijke vormen.

De eerste Russische leraren waren Griekse en Bulgaarse zangers.

XVI eeuw was de tijd van de verspreiding van veel nieuwe lokale gezangen. Er waren gezangen uit Kiev, Vladimir, Yaroslavl (gebaseerd op de namen van steden), Loekoshkov en christenen (gebaseerd op de namen van zangers en hun auteurs). Kerkelijke zangkunsten (troparia, kanunniken, etc.) bleven in de regel, net als de iconenschilderij, anoniem. Maar toch zijn de namen van vooraanstaande meesters uit de 16e en 17e eeuw bekend uit schriftelijke bronnen; onder hen zijn Vasily Shaidur, Novgorodians (volgens andere bronnen - Kareliërs) broers Vasily (monastiek Varlaam) en Savva Rogov; Ivan (klooster Jesaja) Lukoshko en Stefan Golysh uit de Oeral; Ivan Nos en Fyodor Krestyanin (dwz Christian), die aan het hof van Ivan de Verschrikkelijke werkten.

Een andere naam die behoort tot een aantal zeer belangrijke namen in de geschiedenis van de Russische zangkunst: aartspriester en later metropoliet Andrei. Vermeldingen van hem in kronieken portretteren hem als een muzikaal geletterd persoon.

Over het algemeen was het de 16e eeuw. was tot op zekere hoogte een keerpunt in de geschiedenis van de oude Russische muziek, en niet alleen in de podiumkunsten van de zang. Vanaf die tijd kunnen we praten over de opkomst van de 'theoretische musicologie' in Rusland, waarvan de eerste resultaten een groot aantal zangalfabet waren. En de 17e eeuw is een periode van een soort bloei van de binnenlandse musicologie. Het is voldoende om hier de namen te noemen van auteurs als Nikolai Diletsky, Alexander Mezenets, Tichon Makarevsky. En het volgende tijdperk in de geschiedenis van de Russische muziek - het tijdperk van de parteszang - wordt al geassocieerd met puur professionele muzikale en theoretische monumenten van de Russische cultuur.

Vanaf het midden van de 17e eeuw. Er begint een keerpunt in de Russische kerkelijke zangkunst: er wordt een nieuwe stijl van koorpolyfonie gevestigd: partes, in Moskou verspreid door zangers van Oekraïense, Wit-Russische en Poolse afkomst en gebaseerd op de normen van het West-Europese harmonische schrift. Tegelijkertijd begint de vijfregelige notatie de overhand te krijgen, hoewel het hook-script nog een hele tijd blijft bestaan ​​(oude gelovigen gebruiken het tot op de dag van vandaag nog steeds). De spirituele psalm (cant) wordt erg populair, waarna seculiere koorzangen verschijnen - historisch, militair, liefde, komisch.

Er bestaat geen uniforme periodisering van de geschiedenis van de Russische muziek. Meestal worden voor de Middeleeuwen drie perioden onderscheiden: vóór de Mongool-Tataarse invasie (XI-XIII eeuw), de Moskouse periode (XIV - begin XVII eeuw), het tijdperk van het keerpunt (vanaf de toetreding van de Romanov-dynastie in 1613 tot de regering van Peter I, het begin van de XVIII V.).

Verdere XVIII eeuw. zijn vaak verdeeld in twee perioden: de post-Petrinische periode, gekenmerkt door de sterkste buitenlandse invloed, en de Catherine-periode (het laatste derde deel van de eeuw), toen tekenen van een nationale muziekschool begonnen te verschijnen.
Eerste kwart van de 19e eeuw. Meestal beschouwd als het tijdperk van de vroege romantiek, wordt deze tijd ook vaak het “pre-Glinka” of “pre-klassieke” tijdperk genoemd. Met de komst van de opera's van M.I. Glinka (eind jaren dertig - veertig van de negentiende eeuw) begonnen de hoogtijdagen van de Russische muziek, die hun hoogtepunt bereikten in de jaren zestig en tachtig. Sinds het midden van de jaren 1890. en tot 1917 (het zou juister zijn om de tweede datum nog iets verder te schuiven, naar het midden of zelfs de tweede helft van de jaren twintig), ontvouwt zich geleidelijk een nieuwe fase, die eerst wordt gekenmerkt door de ontwikkeling - tegen de achtergrond van klassieke tradities - van de ‘moderne’ stijl, en vervolgens door andere nieuwe trends, die kunnen worden gegeneraliseerd door de termen ‘futurisme’, ‘constructivisme’, enz. In de geschiedenis van de Russische muziek uit de Sovjetperiode zijn de vooroorlogse en naoorlogse Er worden perioden onderscheiden, en in de tweede daarvan wordt het begin van de jaren zestig als grens aangegeven. Sinds eind jaren tachtig. een nieuwe, moderne periode van Russische muziekkunst begint.

Ik kan dit van mezelf toevoegen. Ooit, toen ik nog studeerde, schreef ik een essay over de geschiedenis van Russische volksinstrumenten, in het bijzonder de domra... Dit is wat ik heb geleerd: in het artikel staat dat aartsbisschop Nikon halverwege de 17e eeuw een decreet uitvaardigde dat grappenmakerij verbiedt . En het was niet alleen een verbod. De buffels werden geëxecuteerd. Alle instrumenten en allerlei soorten muziekopnamen werden van mensen afgenomen, in grote konvooien gegooid, naar de rivier gebracht en verbrand. Het instrument in huis houden was alsof je je eigen doodvonnis tekende. Volksmuziek werd als ‘demoon’ beschouwd en de mensen die deze uitvoerden werden beschouwd als ‘bezeten door demonisme’. Op bevel van de kerk werd het grote culturele erfgoed van de Slaven en de oude Russen vernietigd en vervangen door westerse kerkmuziek. Wat ons sindsdien heeft bereikt, is nog steeds honderd liter water in de oceaan...

In het oude Rusland ontwikkelde zich voornamelijk de vocale kunst. De belangrijkste bronnen waren Russische volksliederen, omdat deze het hele leven van het gewone volk weerspiegelen. Daartoe behoren alledaagse thema's, maar ook thema's van werk en geloof. De bekendste oude liederen zijn:

Slaapliedjes,

Heidens,

Kalender-rituele cyclus.

Maar dit soort nummers hebben een beperkt bereik.

IX-XII eeuw - de tijd van het bestaan ​​​​van de staat Kievan Rus. In 988 werd het christendom overgenomen, dat uit Byzantium kwam. Het was toen dat er drie centra voor muziekkunst werden gevormd:

1. Volksliederen, die verband houden met het heidendom. Onder de mensen vielen de hansworsten op: getalenteerde mensen die anderen amuseerden met muziek- en circusacts. Maar ze werden vervolgd door de kerk. Instrumentale muziek werd niet goedgekeurd door de kerk. Alleen vocaal en spiritueel werden erkend.

2. Binnenplaats van Prins. Hier is de centrale figuur een zanger-verhalenverteller, die heldendichten en liederen componeert en zingt die zijn gewijd aan de heldendaden van de prins en zijn team. De populairste muziekinstrumenten van die tijd waren:

3. De kerk was het belangrijkste centrum voor de ontwikkeling van het schrift en de iconografie. In die tijd verschenen gebedsliederen, in koor uitgevoerd door een mannenkoor. Dit zijn harde melodieën met een vloeiende melodie en een smal bereik. Ze werden opgenomen met spandoeken (borden), waarvan sommige haken waren. Ze gaven de richting van de melodie aan (omlaag of omhoog). Hiervoor kregen ze de naam ‘znamenny chant’. Samengesteld door zingende monniken. De bekendste zijn Savva Rogov en Fjodor Krestyanin. De unieke teksten werden eerst in het Byzantijns geschreven en vervolgens vertaald. Later werd het Znamenny-gezang de bron van Russische muziekklassiekers (Moessorgski, Rachmaninov, enz.).

Na de ineenstorting van het Kievse Rijk ontstond het Vorstendom Novgorod. Hier werd de grappenmakerij niet door de kerk vervolgd en bloeide daarom. In die tijd werden veel heldendichten gecomponeerd waarin vindingrijkheid en behendigheid werden verheerlijkt.

In de tijd van Moskoviet Rus werden veel liederen en heldendichten gecomponeerd over de verovering van Kazan. De muziekkunst kreeg een grote ontwikkeling aan het hof van Ivan IV. Hij was het die muziekinstrumenten als het clavichord en orgel naar Rusland bracht en het ‘Chorus of State Singing Deacons’ creëerde. Die tijd werd gekenmerkt door het verschijnen van de eerste Russische polyfonie, en de kerkdiensten werden nog mooier en spannender. Lijnzang verscheen - de hoofdstem + 2 stemmen erboven en eronder.

Het ontwikkelde zich voornamelijk als vocale muziek. De oorsprong ervan ligt in het Russische volkslied. Het volkslied weerspiegelde het hele leven van de mensen (werk, leven, geloof, enz.). Onder de oudste liederen zijn slaapliedjes en kalenderliederen bekend (heidense liederen geassocieerd met de tijd van het jaar - lenteliederen, enz.). Ze hebben een smal bereik.

9-12 eeuwen – de tijd van Kievan Rus. In 988 adopteerde Rus het christendom. Het kwam uit Byzantium. Er ontstonden drie belangrijke centra van de muziekcultuur:

1) Volkslied. Het volkslied heeft een connectie met het heidendom. Getalenteerde mensen onderscheidden zich van de mensen - hansworsten. Ze amuseerden de mensen door niet alleen muzieknummers op te voeren, maar ook circusacts. Ze werden vervolgd door de kerk. De Kerk keurde instrumentale muziek niet goed. Ze herkende alleen vocale en heilige muziek.

2) Prinselijk hof. De centrale figuur was hier de zanger-verhalenverteller, die liedjes en heldendichten componeerde en zong over de militaire heldendaden van de prins en zijn ploeg. Hij begeleidde zichzelf op de harp. Aan het hof werden ook andere instrumenten gebruikt: domra, hoorns, gudok (een snaarinstrument met 3 snaren en een strijkstok).

3) Kerk. Dit is het belangrijkste aandachtspunt. Schrijven en iconenschilderen ontwikkeld. Het "Znamenny-gezang" verscheen (11-17 eeuwen). Dit zijn gebedsgezangen die unisono worden uitgevoerd door een mannenkoor. Van nature zijn het harde melodieën met een vloeiende melodie en een smal bereik. Deze gezangen werden opgenomen met behulp van spandoeken (borden), waarvan sommige haken waren. Ze gaven niet de exacte toonhoogte aan, maar alleen de richting van de melodie (omhoog of omlaag). Deze gezangen zijn gecomponeerd door zingende monniken. De bekendste van hen zijn Fjodor de Boer (een van de beroemdste werken is "Stichera"), Savva Rogov. De teksten werden eerst vertaald uit het Byzantijns. In de 16e eeuw werden Znamenny-gezangen door Ivan IV (de Verschrikkelijke) zelf geschreven. Vervolgens werd het Znamenny-gezang een van de bronnen van Russische muziekklassiekers (Rachmaninov, Mussorgsky, enz.).

In de 12e en 15e eeuw viel het vorstendom Novgorod op. Hier was de muziekkunst enigszins anders. De mensen leefden goed. De grappenmakerij bloeide (hier werd het niet door de kerk vervolgd). Er werden epische heldendichten gecomponeerd, maar ze verheerlijkten niet de heldendaden van de prins, maar zijn behendigheid en vindingrijkheid.

Eind 14e - 16e eeuw. - de tijd van Moskou Rus'. Op dit moment regeerden Ivan Kalita, Dmitry Donskoy en Ivan de Verschrikkelijke (16e eeuw), die Rus verenigde en Kazan van de Tataren overnam. Er werden liederen en heldendichten geschreven over de verovering van Kazan. Aan het hof van Ivan IV kreeg de muziek een grote ontwikkeling. Uit het buitenland bracht hij een orgel en klavichord mee en creëerde het ‘Chorus of State Singing Deacons’. Dit zijn de hoogtijdagen van het zingen van Znamenny. Goddelijke diensten werden gekenmerkt door pracht en praal. Tegelijkertijd verscheen de eerste Russische polyfonie (znamenny gezang - monofonie). Lijnzang begon te verschijnen - de hoofdstem en stemmen lager en hoger vanaf de hoofdstem. Klerk Ivan Shaidurov introduceerde een nieuwe opname - "cinnaber marks", waarin de toonhoogte van het geluid al was opgenomen. De opname is perfecter geworden.

In de 17e eeuw verdween het Znamenny-gezang. 1613 – begin van de Romanov-dynastie (Michail). De Russische natie krijgt vorm. Er ontstaan ​​volksrellen. Al dit leven werd weerspiegeld in volksliederen - freestyle-liedjes, satirische liedjes. Er ontstond een nieuw genre: lyrisch volksliedje (lyrisch aanhoudend). Dit zijn in de eerste plaats liedjes over het moeilijke leven van vrouwen (langzaam, expressief, lijden). Een van de opvallende voorbeelden van dit genre is het nummer "Luchinushka".

De Russische polyfonie ontwikkelde zich. Dit is grotendeels te danken aan het feit dat Oekraïne zich bij Rusland voegde, waar de invloed van Pools-katholieke muziek (koorzang) voelbaar was. ‘Partes zingen’ – het zingen in delen – ontwikkelde zich. Het hoogste genre van parteszang is het spirituele koorconcert. Dit is een grandioos koorwerk voor veel stemmen (akkoorddenken). Er moet gereedschap zijn verdwenen. Partesconcerten zijn geschreven door Vasily Titov (schreef een concert ter ere van de overwinning van Poltava - 12 stemmen), Nikolai Bavykin.

In de 17e eeuw ontstonden er ook nieuwe seculiere genres: gezangen en psalmen (het enige verschil zat in de tekst). In de verzangen staat een seculiere tekst, en in de psalmen een spirituele tekst. Deze genres hebben hun eigen kenmerken: 3 stemmen, waarbij de 2 bovenstemmen parallel zijn en de bas de harmonische basis is. Cants waren heel gebruikelijk in de 18e eeuw - in het tijdperk van Peter I. Toen verschenen lofzangen (lofzangen) ter ere van de overwinningen van Peter I. Ze hadden kwartkwintale intonaties en waren energiek. Hun vorm is couplet. Cants beïnvloedden vervolgens de Russische muziek: Glinka – slotkoor van “Ivan Susanin” (“Glory”) – 3 stemmen, cant-compositie (heeft de kenmerken van een hymne en een mars); dit komt ook tot uiting in de finale van Glazoenovs symfonie.

Muzieknotatie op vijf linialen in vierkante noten kwam van Oekraïne naar Rusland. Het hoogtepunt van de ontwikkeling van de partes-stijl zijn de spirituele koorconcerten van Berezovsky en Bortnyansky. Berezovsky is een lijfeigene muzikant. Hij was zeer getalenteerd. Vanwege zijn enorme talent werd hij naar Italië gestuurd. Daar studeerde hij bij Padre Martini (de leraar van Mozart). Zijn leven was tragisch. Toen hij al op het hoogtepunt van zijn glorie in Italië was, herinnerde zijn prins zich plotseling dat hij een lijfeigene in Italië had en eiste dat hij naar Rusland zou worden gestuurd. Berezovsky kon zoveel verdriet niet verdragen en pleegde zelfmoord. Berezovsky's koorconcerten zijn van een zeer hoog technisch niveau, vergelijkbaar met Mozart. Hij beschikte over een enorme harmonische en polyfone vaardigheid. Zijn concerten bestaan ​​uit verschillende contrasterende delen (waaronder fuga's). Een bijzonder populair concert is ‘Doe niet open voor mij op mijn oude dag’ (een beroep op God).

Dmitry Bortnyansky leefde tot de eerste helft van de 19e eeuw. Hij schreef niet alleen blaasmuziek, maar ook instrumentale muziek - sonates, enz. Hij is een meer lyrische componist dan Berezovsky (Berezovsky heeft meer drama).

18e eeuw Heldere tijd. De eeuw van Peter I en Catherine II. Rusland onderging in die tijd gewelddadige omwentelingen en hervormingen. De eerste Russische Academie van Wetenschappen werd geopend. De bloei van verschillende soorten kunst: wetenschap - Lomonosov, de bloei van de literatuur - Trediakovsky, Radishchev, Lotonovsky. De hoogtijdagen van de schilderkunst zijn portretten. Het begon met de hervormingen van Peter. Peter richtte bijeenkomsten op waarin dansen en instrumentale muziek werden uitgevoerd die toen in Europa in de mode waren. Elk regiment had zijn eigen fanfare. Onder de muziekgenres verspreidden zich cants (lofzang) ter ere van militaire overwinningen, spirituele concerten en Wedel (componist). Het volkslied werd wijdverspreid. Mensen in de stad begonnen belangstelling voor haar te tonen. De eerste verzamelingen volksliederen verschenen (tegen het einde van de 18e eeuw):

Trutovsky's collectie

Lvov en Prach - Verzameling volksliederen.

Kirsha Danilov – Verzameling volksliederen.

enz. Volksliederen erin werden op een westerse manier verwerkt - geharmoniseerd met Albertiaanse bassen, de muziek werd in een bepaalde maat geperst (in volksmuziek was er een frequente verandering van grootte) - voor het spelen van thuismuziek. De eerste Russische opera's werden gecomponeerd uit Russische volksliederen (eind 18e eeuw). Zij (opera's) bestonden uit losse nummers met gesproken dialogen. De eerste Russische opera zonder gesproken dialoog is Ivan Susanin van Glinka.

In 1779 verschenen er drie Russische opera's tegelijk. De eerste opera's waren komisch.

1. “De molenaar is een tovenaar, een bedrieger en een koppelaarster.” Tekst door Ablesimov. De muziek is gecomponeerd door Sokolovsky (gearrangeerde volksthema's).

2. “St. Petersburg Gostiny Dvor”. Tekst en muziek van Maatinsky. 2e editie met Pasjkevitsj.

Onder theatercomponisten viel Evstignei Fomin op. Hij schreef het melodrama “Orpheus” (Frans genre). Dit is een lezing van een tragedie op muziek met muzikale inzetstukken. De muziek schokte de luisteraar met zijn drama. Er is een ouverture. Geschreven in de geest van de Weense klassiekers. Binnenin zijn er overeenkomsten met Gluck en Händel - sublieme muziek.

In de 18e eeuw verspreidde volksliederen zich naar instrumentale muziek. Componisten schreven variaties op volksthema's, maar het muzikale materiaal kwam vaak niet overeen met de aard van de variatie, aangezien de variatie op westerse wijze werd uitgevoerd: klassieke ornamentele variaties. Alleen Glinka loste dit probleem op.

Het tweede belangrijke genre van instrumentale creativiteit zijn de ouvertures, waarin het Russische symfonisme werd geboren, maar ouvertures stonden niet op zichzelf, maar als opmaat naar opera of melodrama. Russisch materiaal begon er ook in door te dringen, maar niet altijd.

Russische muziek uit het begin van de 19e eeuw vóór Glinka

Aan het begin van de eeuw werd de eerste Russische concertorganisatie geopend: de Philharmonic Society. Maar het belangrijkste concertleven concentreerde zich in seculiere salons. Er waren veel lijfeigene orkesten en theaters. Delvigs (dichters)salon was erg populair. Hij kreeg bezoek van Poesjkin, Glinka, Gribojedov en anderen.

In de 19e eeuw waren er verschillende artistieke stromingen: sentimentalisme, romantiek (vooral in de poëzie van Zhukovsky), classicisme. Al deze trends kwamen samen in het werk van Poesjkin, die een grote invloed had op het hele artistieke leven van de eerste helft van de 19e eeuw.

De twee belangrijkste genres van het begin van de 19e eeuw waren opera en romantiek.

Opera's zijn qua genres diverser geworden - niet alleen komisch, maar ook met een element van ernst. De componist van Italiaanse afkomst Caterino Cavos was de eerste die de opera “Ivan Susanin” schreef. Deze opera had gesproken dialogen. Susanin daarin heeft een alledaags karakter. De opera kent een happy end.

Er is een nieuw genre verschenen: sprookjesachtige opera. De eerste is "Lesta - de Dnjepr-zeemeermin." Auteurs: Kavos en Davydov. De muziek is gebaseerd op Russisch folkmateriaal. Vanaf hier kan het pad naar Dargomyzhsky’s “Rusalka” (in genrezin) worden gevolgd.

In de jaren dertig - het genre van 'romantische opera'. Verstovsky was een grote meester in dit genre - "Pan Tvardovsky", "Vadim" (volgens Zhukovsky) en het bijzonder populaire "Askold's Grave" (een plot uit het oude Rus). Deze opera werd opgevoerd zelfs nadat Glinka verscheen. Het werd een jaar vóór Glinka's "Ivan Susanin" opgevoerd - in 1835 ("Ivan Susanin" - 1836).

Het tweede populaire genre van het eerste derde deel van de 19e eeuw was romantiek. Het was een favoriet genre van zowel professionals als alleen muziekliefhebbers. Deze romances hebben een levendige emotionaliteit en expressiviteit opgebouwd. Romances werden door zowel professionals als amateurs geschreven op basis van verzen van hedendaagse dichters.

Russische alledaagse romantiek heeft stabiele kenmerken. Ze zouden geschreven kunnen worden in het genre ‘elegie’ met een ontlede begeleiding. Dit is een romance - een filosofische reflectie.

Een andere variant is "Russisch lied". Het ontstond voor het eerst in de poëzie en had een bepaalde woordenschat, die dicht bij de volkstaal lag. Dit genre verscheen ook in de romantiek (met vergelijkbare woordenschat). Dergelijke romances onderscheidden zich door een grotere eenvoud in muziek dan andere romances.

Componisten van romances gebruikten op grote schaal het ritme van wals, mazurka, bolero en polonaise. Russische romances werden gekenmerkt door melodieuze melodieën, waarbij vaak een zesde werd gebruikt (van de 5e tot de 3e eeuw). De mineur overheerste, met een verplichte afwijking naar de parallelle majeur. Cadenza's gebruikten vaak D7 met een zesde. De meest populaire auteurs van romans waren: Zhilin, Titov, Gurilev, Varlamov, Alyabyev. De vormen van romances zijn eenvoudig: coupletten. Alyabyev – “Nightingale”, Varlamov – “The Lonely Sail Whitens” (met het ritme van een polonaise), Gurilev – “Tiny House”.

• De presentatie is gemaakt door
• leraar basisschool
• Efanova L.E.

• Russische muziek werd aanvankelijk geassocieerd met de cultuur en het leven van de oude Russische Slaven.
• De oude Slaven waren heidenen en aanbaden de natuur.
• Alle overtuigingen van de Slaven gingen gepaard met gezangen en bezweringen, zang, dans en ronddansen.
• Alle belangrijke gebeurtenissen in het menselijk leven gingen gepaard met rituelen.

• De schoonheid van volksliederen wordt al onthuld in oude slaapliedjes. Ze zijn gevuld met moederliefde.
• Na het zingen van slaapliedjes komt de beurt aan kinderdagverblijven en kinderliedjes (van het woord opvoeding, verpleegster, bruidegom, iemand volgen). Dit zijn korte poëtische zinnen die de bewegingen van het kind in de eerste levensmaanden begeleiden.
• Voor het eerst werden kinderen kleine sprookjes in verzen gezongen en werd kinderen geleerd leugens en inconsistenties te verdragen.

• Een uniek genre, alleen typisch voor de muziek van Ancient Rus, is de kunst van het luiden van de klokken. Er zijn drie soorten belsignalen: 1.Blagovest ( uniforme slagen van een grote bel), 2. Bel (selectie van bellen van de kleinste naar de grootste of andersom) 3. Eigenlijk het luiden zelf (dit was al een echt klokkenspel).

hansworsten (skomrahs, spotters, guselniks, spelers, dansers, vrolijke mensen) - zwervende acteurs in Ancient Rus', die optraden als zangers, verstand, muzikanten, sketches, trainers, acrobaten. Volgens het woordenboek van V. Dahl is een hansworst ‘een muzikant, fluiter, snuffelaar, fluiter, doedelzakspeler, guslar; wie handelt hierin, en danst, liedjes, grappen, trucjes; grappige man, lomaka, homo, nar; schrikbeeld; cabaretier, acteur, enz.

De hansworsten waren dragers van synthetische vormen van volkskunst die zang, het bespelen van muziekinstrumenten, dansen, berenplezier, poppenspelen, optredens in maskers en goocheltrucs combineerden. Buffoons waren regelmatige deelnemers aan volksfeesten, spelen, festiviteiten en verschillende ceremonies: bruiloften, zwangerschapsdoopfeesten, begrafenissen. “De hansworsten combineerden in hun kunstbeheersing van de uitvoering met een actueel repertoire, dat komische liedjes, dramatische scènes – spelletjes, sociale satire – spot omvatte, uitgevoerd in maskers en een ‘hansworstenjurk’ onder begeleiding van domra, snuiven, doedelzakken, surna , tamboerijn. De hansworsten communiceerden rechtstreeks met het publiek, met het straatpubliek, en betrokken hen bij het spel.”

Bekend sinds de 11e eeuw. Ze werden bijzonder populair in de 15e tot 17e eeuw. Ze werden vervolgd door kerkelijke en burgerlijke autoriteiten.

F. N. Riess. Buffels in het dorp. 1857

Etymologie

Er is geen exacte verklaring voor de etymologie van het woord “hansworst”. Er zijn verschillende versies van de oorsprong van dit woord:

• "Skomorokh" - herschikking van het Grieks. skōmmarchos “meester van de grappen”, hersteld door de toevoeging van skōmma “grap, spot” en archos “chef, leider”.
• Van Arabisch. mascara - "grap, nar."

Volgens N. Ya Marr is “skomorokh”, volgens de historische grammatica van de Russische taal, het meervoud van het woord “skomorosi” (skomrasi), dat teruggaat tot de Proto-Slavische vormen. Op zijn beurt heeft het Proto-Slavische woord een Indo-Europese wortel, gemeenschappelijk voor alle Europese talen - "scomors-os", dat oorspronkelijk verwees naar een rondzwervende muzikant, danser, komiek. Dit is waar de namen van volksstripfiguren vandaan komen: de Italiaanse “scaramuccia” (Italiaanse scaramuccia) en de Franse “scaramouche” (Franse scaramouche).

A.P. Vasnetsov. hansworsten. 1904.

Opkomst, bloeitijd en verval

De hansworsten ontstonden uiterlijk in het midden van de 11e eeuw, dit kunnen we afleiden uit de fresco's van de Sint-Sofiakathedraal in Kiev, 1037. De hoogtijdagen van de grappenmakerij vonden plaats in de 15e en 17e eeuw. In de 18e eeuw begonnen de hansworsten geleidelijk te verdwijnen onder druk van de tsaar en de kerk, waardoor sommige tradities van hun kunst als erfenis aan de hokjes en districten werden nagelaten.

Buffoons - rondzwervende muzikanten

Op straat en op pleinen traden hansworsten op, waarbij ze voortdurend met het publiek communiceerden en hen bij hun optreden betrokken.

In de 16e en 17e eeuw begonnen hansworsten zich te verenigen in ‘bendes’. De kerk en de staat beschuldigden hen van het plegen van overvallen: “de hansworsten, “opgaand in bendes van vele tot 60, tot 70 en tot 100 mensen”, in de dorpen van de boeren “eten en drinken zwaar en beroven buiken uit kooien en mensen langs de wegen verpletteren.” Tegelijkertijd is er in de mondelinge poëzie van het Russische volk geen beeld van een hansovervaller die het gewone volk berooft.

Buffels in Moskou

In het werk van Adam Olearius, secretaris van de ambassade van Holstein, die Muscovy drie keer bezocht in de jaren dertig van de 17e eeuw, vinden we bewijzen van een golf van algemene huiszoekingen in de huizen van Moskovieten om “demonische vitrioolvaten” te identificeren - de muziekinstrumenten van hansworsten - en hun vernietiging.

Thuis, vooral tijdens hun feesten, houden Russen van muziek. Maar sinds ze er misbruik van begonnen te maken en allerlei beschamende liedjes op de muziek zongen in tavernes, tavernes en overal op straat, verbood de huidige patriarch twee jaar geleden eerst streng het bestaan ​​van zulke tavernemuzikanten en hun instrumenten, die gevonden werden op de straten op, en beval ze onmiddellijk te vernietigen en te vernietigen, en verbood vervolgens in het algemeen alle soorten instrumentale muziek voor de Russen, en beval dat muziekinstrumenten overal uit huizen moesten worden gehaald, die werden meegenomen ... op vijf karren over de rivier de Moskou en daar verbrand.

– Een gedetailleerde beschrijving van de reis van de Holsteinse ambassade naar Muscovy... – M., 1870 – p. 344.

In 1648 en 1657 vaardigde aartsbisschop Nikon koninklijke besluiten uit over het volledige verbod op grappenmakerij, waarin werd gesproken over het slaan van hansworsten en hun toehoorders met batogs en het vernietigen van hansworstuitrusting. Hierna verdwenen de 'professionele' hansworsten, maar de tradities van grappenmakerij bleven behouden in de traditionele cultuur van de Oost-Slaven, wat de vorming van epische complotten beïnvloedde (Sadko, Dobrynya, verkleed als hansworst op de bruiloft van zijn vrouw, enz.), de gebruiken van verkleden, volkstheater (“Tsaar Maximiliaan”), bruilofts- en kalenderfolklore.

Na verloop van tijd veranderden hansworsten in bugbears, poppenspelers, kermisartiesten en showbezoekers.

Muzikanten en hansworsten. Kijk vanaf het fresco van de St. Sophia-kathedraal in Kiev. 1037

Repertoire en creativiteit

Het repertoire van hansworsten bestond uit komische liederen, toneelstukken, sociale satires ("somber"), uitgevoerd in maskers en "hansworstenkleding" onder begeleiding van een fluitje, een gusel, een psalterium, een domra, doedelzakken en een tamboerijn. Elk personage kreeg een bepaald personage en masker toegewezen, dat jarenlang niet veranderde.

Hun werk bevatte een aanzienlijke hoeveelheid satire, humor en grappenmakerij. De hansworsten worden gecrediteerd voor hun deelname aan de compositie van het epos 'Vavilo en de hansworsten', ballades van satirische en komische aard (bijvoorbeeld 'Gast Terentishche'), sprookjes en spreekwoorden. De kunst van het hansworsten werd geassocieerd met het oude heidendom, vrij van kerkelijke invloed, doordrenkt van een ‘wereldse’ geest, opgewekt en ondeugend, met elementen van ‘obsceniteit’.

Tijdens de voorstelling communiceerde de hansworst rechtstreeks met het publiek, waarbij hij kooplieden, gouverneurs en kerkvertegenwoordigers vaak als satirische karakters presenteerde.

Naast feestdagen, bruiloften en geboorteplaatsen werden hansworsten, als experts in traditie, ook uitgenodigd voor begrafenissen.

Het lijdt geen twijfel dat de hansworsten hier, ondanks hun komische karakter, op de droevige medelijdensfeestjes durfden te verschijnen vanuit de oude herinnering aan een eens door iedereen begrepen begrafenisritueel met dansen en spelletjes. Er bestaat geen twijfel dat de mensen hen toestonden hun graven te bezoeken en het niet onfatsoenlijk vonden om zich te laten meeslepen door hun liederen en spelletjes, zo blijkt uit dezelfde oude herinnering.

- Belyaev I. Over hansworsten // Tijdelijk tijdschrift van de Vereniging voor Russische Geschiedenis en Oudheden - M., 1854 Boek. 20

Adam Olearius. Poppenspeler. 1643

Kerkelijke houding

De meerderheid van de kerk, en vervolgens, onder invloed van de getuigenissen van de kerk en de staat, was doordrenkt van een geest van intolerantie tegenover volksvermaak met liederen, dansen en grappen, waarvan de ziel vaak hansworsten was. Dergelijke feestdagen werden ‘gierig’, ‘demonische’ en ‘goddeloos’ genoemd. De leringen herhaalden van eeuw tot eeuw de afkeuring en het verbod op muziek, zang, dans, het verkleden in komische, saterische of tragische gezichten, paardenshows en ander volksvermaak, die in Byzantium nauw verbonden waren met heidense legendes, ontleend aan Byzantium en gehoord daar sinds de eerste eeuwen van het christendom, werden daar herhaald met heidense culten. Byzantijnse opvattingen werden overgebracht naar Russische omstandigheden; slechts enkele uitingen van de Byzantijnse originelen werden soms gewijzigd, weggelaten of aangevuld, afhankelijk van de omstandigheden in het Russische leven.

Kirill, Metropoliet van Kiev (1243-50) – een van de beproevingen noemt hij ‘dansen op feesten… en satanische fabels die angstaanjagend zongen.’ In het Woord van de Minnaar van Christus (volgens een 15e-eeuws manuscript) zijn er namen van demonische spelen op feesten (en bruiloften), en deze spelen zijn de volgende: dansen, neuriën, liederen, snuiven, tamboerijnen. Volgens het “Charter for the People on Lent” (uit de Dubno-verzameling regels en leringen uit de 16e eeuw) “is het een zonde om op vastendagen een feest te creëren met dans en gelach.” “Domostroy” (16e eeuw) spreekt over een maaltijd begeleid door de geluiden van muziek, dans en spot: “En als ze beginnen... gelach en allerlei soorten spot of harp, en allerlei soorten neuriën, dansen en spetteren en allerlei demonische spelletjes, en net zoals de rook de bijen verdrijft, zullen de engelen van God die maaltijd verlaten en zullen de stinkende demonen verschijnen.’

In het koninklijk charter van 1648 wordt bevolen dat hansworsten met domra’s, en met harpen, en met doedelzakken, en met allerlei soorten spelletjes ‘niet in uw huis mogen worden uitgenodigd’. “Als we leren... zullen de wereldse mensen die hansworsten (met harpen, domra’s, surna’s en doedelzakken) en gidsen met beren in hun huizen toelaten” (we lezen in “In Memory of Metropolitan Jonah”, 1657).

Danser en hansworst Lubok

Spreekwoorden en gezegden

• Iedereen zal dansen, maar niet als een hansworst.
• Leer me niet dansen, ik ben zelf een hansworst.
• Elke hansworst heeft zijn eigen hoorn.
• De vrouw van Skomorokh is altijd opgewekt.
• De hansworst zal zijn stem op het fluitsignaal zetten, maar zal niet tevreden zijn met zijn leven.
• En de hansworst huilt soms.
• De hansworst is geen kameraad.
• God gaf de priester, de duivel een hansworst.

Valery Gavrilin. Oratorium "Buffoons" (fragmenten)

Gedichten van Vadim Korostylev en folk.
Uitvoeren Eduard Khil en symfonieorkesten onder leiding van A. Badkhen en S. Gorkovenko.

Gavrilin: In “Skomorokhs” zijn er voorbeelden die rechtstreeks afkomstig zijn van de volkskunst van de boeren. Voor mij leken de mensen zelf een enorme, vrolijke hansworst die door zijn tranen heen lachte. Zichtbaar gelach door onzichtbare tranen. En dan worden alle mensen die op de een of andere manier de wereld een of andere ontdekking van de waarheid hebben laten zien, hansworsten. Dit zijn portretten van componisten Modest Moessorgski, Dmitri Sjostakovitsj, mijn leraar en vriend Georgy Sviridov.”