Het is heel simpel. Zoals altijd bij Velasquez gebeurt, is alles duidelijk, je hoeft alleen maar te kunnen kijken en proberen te begrijpen waar je naar kijkt. De kijker ziet precies het moment waarop de verdedigingswerken van de stad worden vernietigd. Het beleg eindigde in een overwinning voor de belegeraars en de stad viel.
Collega's uit Oxford voorzagen mij van materialen en artikelen gewijd aan zowel dit schilderij als de belegering van Breda - en het bleek dat het feit van de afbeelding van het Trojaanse paard in verband met de belegering van Breda al ter discussie staat en dit feit wordt algemeen als bewezen beschouwd. Uit onderbouwde teksten blijkt dat juist het type belegering van Breda tijdens Velazquez’ leven de “Trojaanse Paard-methode” werd genoemd. Dat wist ik niet. Maar Velazquez wist het. En wetenschappers hebben dit feit ontdekt. Ik ben blij dat ik zelf tot deze conclusie ben gekomen.
Dit beeld moet, net als elk ander beeld, bestudeerd, onderzocht en geïnterpreteerd worden. En bij het bestuderen van een afbeelding moet u op uw oog en gevoelens vertrouwen, op voorwaarde dat uw ogen en gevoelens niet bezaaid zijn met oppervlakkige kennis en willekeurige informatie. Als je naar een groot schilderij kijkt, ga er dan van uit dat de kunstenaar een heel slim persoon is, probeer aandachtig naar hem te luisteren, zoals je zou luisteren naar een intelligente volwassen expert op zijn vakgebied als hij je iets zou vertellen. Er is een verhaal van Ehrenburg over hoe de schrijver Fadeev op de Picasso-tentoonstelling in Moskou de kunstenaar vertelde dat de afbeeldingen van de schilderijen voor hem, Fadeev, onbegrijpelijk waren. Picasso vroeg hem:
Fadeev dacht na en deed zijn mond niet meer open. Beste burgers. De beeldcultuur van de wereld is buitengewoon rijk aan verschillende beelden. Om ze te kunnen lezen, moet je ze proberen te herkennen en te vergelijken. Voeg minimaal M en A toe. Zonder deze wetenschap zul je er niet in slagen visuele beelden te begrijpen. Als je bedenkt dat de renaissancecultuur voor 70% uit beeldcultuur bestaat, loop je het risico wilden te blijven. Helaas, dit is precies het geval. De afbeeldingen zijn moeilijk te lezen. Elk beeld is onderhevig aan vier opeenvolgende interpretaties. Dante schrijft hierover uitvoerig in zijn verhandeling Symposium en Thomas van Aquino. Volgens Dante en St. Thomas er zijn:
1) letterlijke lezing van het beeld, 2) allegorische interpretatie, 3) morele en didactische interpretatie, 4) metafysisch.
Maar zelfs zonder deze intelligente mannen had je zelf moeten raden dat sommige dingen letterlijk moeten worden begrepen, sommige in figuurlijke zin, sommige als les, en sommige als generalisatie. Het beeld verbindt alles met elkaar. Een beeld is een integraal fenomeen. We moeten kijken en studeren.
Maar laten we terugkeren naar Velasquez. Schilderij "Overgave van Breda".
1. Het eerste interpretatieniveau is dus een letterlijke lezing van de afbeelding. Wat is er precies op deze afbeelding te zien? Het schilderij ‘Overgave van Breda’ verbeeldt het moment waarop de Spaanse commandant Spinola de sleutels ontvangt van de commandant van het garnizoen van de Nederlandse stad Breda. Er zijn soldaten en een landschap afgebeeld, evenals twee paarden. Eén van de paarden is groot, op de voorgrond, beslaat een kwart van het beeld en draait de kijker de rug toe.
De paarden lopen in een cirkel, waardoor een soort spiegelbeeld van de compositie ontstaat. Maar het paard op de voorgrond valt juist op omdat hij de held van de foto is. Deze dominante positie van het paard en in het algemeen de betekenis van het paard, duidelijk overdreven in deze compositie, zouden de kijker moeten helpen naar het tweede interpretatieniveau te gaan: allegorisch.
2. Het tweede interpretatieniveau van het beeld is allegorisch of symbolisch. En in dit geval is het passend om aan te nemen dat Velazquez het prototype van elke belegering in gedachten had - de belegering van Troje - en het Trojaanse paard afbeeldde. En hoe kan een intellectueel (Velázquez was er één) die spreekt over een lange belegering zich Troje niet herinneren? En als er op de voorgrond een paard staat afgebeeld, dan zou je (excuseer als ik bot ben) wel gek moeten zijn als je niet aan het Trojaanse paard denkt. Het paard is levend afgebeeld, niet van hout. Maar voor iedereen die geïnteresseerd is in de Spaanse schilderkunst is El Greco’s schilderij ‘Laocoon’ gedenkwaardig, waarbij het Trojaanse paard levend in het midden van de afbeelding wordt afgebeeld, in precies hetzelfde perspectief en in precies dezelfde kleur.
Het schilderij “Laocoon” werd twintig jaar vóór het schilderij “Overgave van Breda” voltooid en nu, op basis van de analyse van het schilderij van Velazquez, kan ik stellen dat El Greco niet alleen Troje in gedachten had, maar ook het Spaanse rijk en ook in denk aan de verovering van Breda - maar daarover hieronder meer. Voor nu - over de invloed van het paard van Elgreek op het schilderij van Velazquez. Je zou zelfs kunnen zeggen dat dit paard op de voorgrond een citaat is uit het schilderij van El Greco. Dit is echter niet alles. Er bestaat, zo blijkt, een verhaal over het beleg van Breda waarin het Trojaanse Paard-motief niet alleen werd opgemerkt, maar ook centraal kwam te staan. Breda wisselde drie keer van eigenaar. In 1590, terwijl Breda nog in handen was van de Habsburgers, trokken Nederlandse soldaten, verstopt op een turfschuit, de stad binnen en namen deze in, waardoor de poorten van het Nederlandse leger werden geopend. Deze prestatie van hen werd door de Nederlanders en de Spanjaarden zelf het ‘Trojaanse paard’ genoemd, en er werd een houten schuit gebouwd in het centrum van de stad, net zoals er ooit een houten paard in Troje had gestaan. Over dit onderwerp werden liederen, hymnen en medailles geslagen. Breda werd, net als het Nederlandse "Trojaanse paard", bekend onder de Spanjaarden. Het eerste dat commandant Spinola deed nadat hij de stad had ingenomen, was een houten schip in brand steken - een symbool van de Trojaanse overwinning. Zoals we zien, zijn er op het schilderij van Velazquez TWEE paarden; toont een soort rokade van Trojaanse paarden, waarmee het simpele idee wordt uitgedrukt dat militair geluk veranderlijk is. Velazquez vermoedde echter niet eens hoe wijs hij was in dit symbool, want een paar jaar na het schilderen van deze foto van Breda namen de Nederlanders het Trojaanse paard weer mee - ze herstelden hun houten schip en brachten het terug naar het plein. Het verhaal over dit Trojaanse paard, door Velazquez letterlijk en zo weergegeven dat duidelijk wordt hoe de Trojaanse paarden elkaar vervangen in een rondedans van militaire successen, kun je lezen in het artikel, de link waarnaar ik hieronder geef.
3. Het derde interpretatieniveau is moreel. Dit is een moeilijk interpretatieaspect, aangezien Velázquez zowel symbolist als realist is. Hij schrijft barmhartigheid, maar hij schrijft ook oorlog, achterdocht en vermoeidheid. Dit gaat over verzoening. Tolken van de poses in het schilderij van Velazquez zagen echter dat de kunstenaar, om toestemming uit te beelden, een embleem nam uit het toen beroemde emblemenboek van de Italiaanse Alchato, waarop de Danaërs waren afgebeeld die geschenken brachten. Ik geef ook een link naar dit artikel. Met andere woorden, hier wordt het idee van de val van Troje en het Trojaanse paard herbevestigd, maar er staat ook dat het geschenk van de overwonnenen misschien niet helemaal oprecht is en dat deze nederigheid en overeenstemming van korte duur zijn. Laten we niet vergeten dat Trojaanse paarden in cirkels lopen. Zoals we uit het volgende kunnen zien, bleek Velazquez een ziener: de stad Breda werd opnieuw door de Nederlanders ingenomen. Het Trojaanse paard kwam opnieuw binnen. De morele les, de didactische les van deze compositie: de kwetsbaarheid van de unie, de kwetsbaarheid en kwetsbaarheid van barmhartigheid.
4. Het vierde interpretatieniveau is anagogisch, metafysisch. Dit niveau is zowel afhankelijk als niet afhankelijk van alle voorgaande niveaus. Dit niveau van het lezen van het beeld overstijgt de historische connotaties, het ligt boven de letterlijke en zelfs allegorische lezing. Deze foto gaat over de onderlinge penetratie van harten, over het feit dat het lot van een mens veranderlijk is, dat er geen winnaar of verliezer is, maar dat alles en overal doordrenkt is van liefde – bovenop oorlog en de rook van vuur. Alleen op deze manier, als je het beeld in zijn geheel waarneemt, kun je het begrijpen. Elke andere, vulgaire en letterlijke interpretatie heeft geen zin.
Diego Velazquez - Overgave van Breda.
Jaar van oprichting: 1634
De weergave van Breda of Las Lanzas
Doek, olie.
Origineel formaat: 307×367 cm
Prado-museum, Madrid
“De overgave van Breda” (Spaans: La rendición de Breda of “De speren”, Las lanzas) is een schilderij van Diego Velazquez, geschilderd in 1634-1635. Toont de scène van de overdracht van de sleutels van de Nederlandse stad Breda door gouverneur Justinus van Nassau aan de opperbevelhebber van de Spaanse troepen, Ambrosio Spinola, op 5 juni 1625. De tweede naam van het canvas is "Speren" vanwege het feit dat bijna een derde van het canvas wordt ingenomen door de afbeelding van speren van het Spaanse leger, die een belangrijk onderdeel van de compositie vormen. Het schilderij bevindt zich in het Prado.
Beschrijving van het schilderij van Diego Velazquez “Overgave van Breda”
De plot van het wereldberoemde schilderij 'De overgave van Breda' van de meest getalenteerde kunstenaar van het zeventiende-eeuwse Spanje, Diego Velazquez, is geschreven op basis van echte historische gebeurtenissen die plaatsvonden tijdens het leven van de kunstenaar. Het was daar, bij de vesting van Breda in de provincie Noord-Brabant, vlakbij Nederland, dat een sensationeel compromis werd ondertekend over het afzien van de religieuze vervolging van koning Filips II, die destijds werd beschuldigd van godslastering.
Hetzelfde fort was het centrum van de Europese machtsoorlogen in deze regio tijdens de lange Dertigjarige Oorlog van 1618-1648. Het fort ging in deze periode vele malen in verschillende handen over, tot het einde van de vele jaren van bloedige oorlog en de troonsbestijging van koning Filips de Vierde. Het doek toont een belangrijk historisch moment voor het land - de ontvangst door de Spaanse opperbevelhebber, onder wiens leiding de meeste van de verbluffende veroveringen van Spanje werden gemaakt aan het begin van de Dertigjarige Oorlog - Ambrosio Spinola - het in ontvangst nemen van de sleutels naar de beroemde vesting Breda.
Toen, aan het begin van de Dertigjarige Oorlog, had Spanje, dat vocht tegen de Republieken van de Verenigde Provinciën, groot succes, waardoor het grootste deel van het Nederlandse land naar Spanje ging. Bovendien verzette Spanje zich in diezelfde jaren met succes tegen andere Europese landen, waaronder Engeland en Portugal. Toegegeven, even later werd het land aanzienlijk verzwakt door lange oorlogen, en Spanje moest een deel van de veroveringen die in die jaren waren behaald, ook in Nederland, opgeven.
Het doek werd in 1635 door de meester voltooid - te midden van brute bloedige veldslagen, en was bedoeld voor tentoonstelling in de Grote Zaal van het nieuwe kasteel, dat toebehoorde aan koning Filips de Vierde, die destijds op de troon stond - Buen Retiro.
Het beroemde schilderij van de legendarische 17e-eeuwse Spaanse kunstenaar Diego Velazquez, getiteld ‘De overgave van Breda’, werd in 1635 door hem geschilderd op basis van echte historische gebeurtenissen die tijdens zijn leven in Europa plaatsvonden. Het schilderij zelf was bedoeld voor de zogenaamde Grote Zaal van het nieuwe paleis van koning Filips IV Buen Retiro, die destijds over Spanje regeerde.
Over de foto:
De plot van de film was volledig gebaseerd op historische gebeurtenissen en de gebeurtenissen die zich daarin afspeelden hielden verband met de toenmalige situatie rond de vesting Breda, gelegen in de Nederlandse provincie Noord-Brabant. Het was in deze stad dat het beroemde compromis werd ondertekend over het protest tegen de religieuze vervolging van koning Filips II, die feitelijk van godslastering werd beschuldigd.
Het was het fort van Breda dat het centrum was van de strijd van de legers van veel Europese landen om de dominantie in de regio tijdens de zogenaamde Dertigjarige Oorlog, die duurde van 1618 tot 1648. Gedurende al die tijd, totdat koning Filips IV de troon van Spanje besteeg, veranderde Breda tijdens vijandelijkheden verschillende keren van eigenaar.
Het was in de eerste jaren van de Dertigjarige Oorlog dat de Spaanse troepen, vechtend tegen het leger van de Republiek der Verenigde Provinciën der Nederlanden, behoorlijk serieuze successen boekten, waardoor een zeer groot aantal Nederlandse troepen gebieden gingen naar Spanje. Bovendien verzette Spanje zich hierna met succes tegen zijn andere tegenstanders, waaronder de Britten en Portugezen.
Het schilderij toont het belangrijke moment waarop de sleutels van het fort Breda werden overhandigd aan de Spaanse opperbevelhebber Ambrosio Spinola, die juist zulke verbluffende successen voor zijn land wist te boeken. Hoewel Spanje zich na korte tijd economisch verzwakt voelde door de oorlog en een aantal van zijn veroveringen moest opgeven, ook in Nederland.
Kleuren van de afbeelding:
Het schilderij heeft een rijke en intense kleurstelling, maar geheel in de geest van de kunstenaar, zonder gebruik van flitsende, te felle kleuren. Dit spectaculaire canvas maakt nog steeds indruk met de vaardigheid van het schilderen en de schoonheid van het beeld.
Het schilderij heeft een andere naam: "Speren". Vóór Velazquez beeldden velen dergelijke wapens af, maar alleen zijn palissade van lange speren kan als een echte personificatie van oorlog worden beschouwd.
Beschrijving van het schilderij van D. Velazquez “Overgave van Breda”
Diego Velazquez is een altijd levende bron van waarheid en schoonheid, wiens grootste erfenis een heel tijdperk in de realistische schilderkunst opent, een werk dat voor altijd in ons hart en onze geest zal blijven. Zijn werken dragen de ideeën van het humanisme, loyaliteit aan de democratische traditie van de Spaanse cultuur en liefde voor gewone mensen met zich mee. Directer en stoutmoediger dan zijn voorgangers wendde hij zich tot de realiteit, breidde de thema's van de schilderkunst uit en promootte de ontwikkeling van verschillende genres daarin.
Ik ben vooral geïnteresseerd in het historische oorlogsschilderij ‘De overgave van Breda’, dat hij rond 1634-1635 schreef. Het schilderij toont een voor hem actueel en belangrijk historisch thema: een dramatische episode uit de oorlog tussen het monarchale Spanje en het republikeins-burgerlijke Nederland, toen het Spaanse leger het grensfort Breda veroverde. Het is indicatief dat de schilder deze scène niet met de geaccepteerde plechtigheid, de majesteit van de zegevierende kant, heeft overgebracht: nadat hij de ceremoniële allegorische interpretatie van het strijdtoneel, gebruikelijk in de schilderkunst, heeft opgegeven, wendt de meester zich tot het idee van menselijkheid, menselijkheid. ; Velazquez legde de basis voor realisme in de historische schilderkunst.
Terwijl ik dit werk bewonderde, wilde ik de bedoelingen van de kunstenaar begrijpen, het moeilijke tijdperk voelen waarin hij als meester leefde en werkte. Vind het antwoord op een ongebruikelijke, innovatieve en echt gedurfde oplossing voor het canvas. Om deze vragen te beantwoorden, moeten we ons wenden tot het historische tijdperk waarin dit ‘epochale en tegelijkertijd zo humane’ doek werd gecreëerd.
Toen ik de kunst van Velazquez in de context van zijn tijd beschouwde, zag ik hoe organisch en natuurlijk zijn talent zich ontwikkelde, verbonden met de tradities van de Italiaanse Rinascimento en met de trends van de moderne tijd. Het leven in Madrid, dat Velazquez de kans gaf om de meest waardevolle koninklijke collecties zorgvuldig te bestuderen - schilderijen van Raphael, Leonardo da Vinci, Titiaan, Veronese en anderen, verbondenheid met de Spaanse culturele elite, ontmoetingen met Rubens, die Spanje in 1628 bezocht, en zijn eerste reis naar Italië (1629-1631) droeg bij aan het verbreden van zijn artistieke horizon en het verbeteren van zijn vaardigheden. Maar Diego leeft in een andere tijd; zijn tijdgenoten worden geconfronteerd met andere vragen en manieren om deze op te lossen. De focus van kunstenaars ligt nog steeds op mensen. De belichaming ervan wordt specifieker, emotioneel en psychologisch complexer. Het onthult eindeloze diversiteit en rijkdom van de innerlijke wereld, nationale kenmerken lijken helderder en duidelijker gedefinieerd. Deze nieuwe persoon is zich bewust van zijn afhankelijkheid van de sociale omgeving, en in Spanje bleek het individu zelfs meer verbonden te zijn met de omringende samenleving, die nog steeds patriarchaal monolithisch was en geen extreme vormen van individualisme kende, die zich vaak manifesteerden in de Renaissance. Italië. We mogen niet vergeten dat de specificiteit van de Spaanse kunst werd beïnvloed door de volgende factoren: slechts een eeuw geleden, vóór het leven van de kunstenaar, de Reconquista (de nationale bevrijdingsstrijd van het Spaanse volk tegen de Moorse veroveraars), die de basis vormde voor volkscultuur, beëindigd. Het land beleefde een bloeitijd na de ontdekking van de Nieuwe Wereld en een tijd van verzwakking van het economische en politieke leven en de vestiging van een reactionaire vorm van absolutisme. En de kunstenaars deden daarom alsof ze hun poëtische verbeeldingskracht uitbeeldden in beelden die in het echte leven werden bespioneerd. Door binnen een strikt dogmatisch raamwerk te werken, waren de schilders in staat eigenschappen van nationaal karakter over te brengen, zoals zelfrespect, trots en een eergevoel dat verband hield met persoonlijke verdiensten. De mens wordt meestal afgebeeld in een nobel, streng en majestueus aspect. Naast het mythologische genre krijgen de historische en alledaagse genres, portret, landschap en stilleven een zelfstandige plaats. Er ontstaat een nieuw scala aan maatschappelijke thema's en onderwerpen. Tekenen en graveren ontwikkelen zich met succes. Meesters worden aangetrokken door het thema van het tragische lot van de mens en dramatische conflicten. Al deze processen dragen bij aan de vorming van twee lijnen in de kunst van Spanje in de 17e eeuw: hoofs-aristocratische, voortreffelijk verfijnde, pijnlijk fragiele kunst voor de ‘ingewijden’ (maniërisme met barok) en de nationale realistische school (de vorming van tradities). van de linkse lijn).
In zijn schilderij 'De overgave van Breda' weigert Velazquez valse dramatisering van gebeurtenissen, overdrijving en spectaculaire presentatie, waarbij hij alles onbelangrijk en onnodig afsnijdt om door te dringen tot de diepte van menselijke ervaringen. In Velazquez zullen we de oude goden niet vinden die de plaats van de gebeurtenissen uitleggen of de betekenis benadrukken van wat er gebeurt, noch zullen de genieën van de overwinning de militaire leider versieren met een krans; er zijn geen allegorische figuren die de overwinnaars en de overwonnenen symboliseren. De kunstenaar ‘verheft de gebeurtenis zelf tot de rang van gebeurtenis’, de schilder verwijdert als het ware het patina van buitensporige plechtigheid en onthult zo de diepmenselijke betekenis ervan, hij creëert het eerste ‘echt historische beeld in de schilderkunst van Europa’. Het afwijken van de hoofse, zielige overdrijvingen van het werk, van de regels van de barok, was werkelijk een creatieve prestatie die de hoogste erkenning verdient. De meester anticipeerde werkelijk op de schilders van toekomstige eeuwen, waarbij hij op organische wijze de tradities van zijn nationale Spaanse kunst vermengde met realistische trends. Hieraan moet de hoogste vaardigheid van de schilder worden toegevoegd, die in staat was de historische gebeurtenis nauwkeurig en waarheidsgetrouw weer te geven.
Dit alles spreekt overtuigend over Diego Velazquez als een van de makers (samen met Caravaggio) van nog geen nieuwe stijl, maar al een beweging, en als we naar zijn doek kijken, kunnen we vol vertrouwen zeggen dat het een van de beste werken van de tijd is. niet-linkse lijn, hoewel de kunstenaar zich in dit werk richt tot de klassieke traditie en zelfs tot de barok.
Zoals bekend bestond er vóór Velazquez lange tijd een idee om gevechtsscènes af te beelden als werken met een episch-allegorische interpretatie. Er waren strikte regels en een heel systeem van symbolen en allegorieën waar de kunstenaar zich strikt aan moest houden. Zo moesten de gezichten van de winnaars bijvoorbeeld arrogant en triomfantelijk zijn, terwijl de gezichten en gebaren van de overwonnenen vernederd en slaafs waren. De schilders probeerden hun heersers zo groots en fantastisch mogelijk te verheerlijken en hen dichter bij de hemelbewoners te brengen. Velazquez besloot zijn canvas ondergeschikt te maken aan het hoofdidee: respect uiten voor de overwonnenen en vooral een persoon in de overwonnenen zien - en dit is het belangrijkste humanistische idee van dit werk. Zo werd er niet een monument gecreëerd voor militaire kunst en tactiek, maar voor een groot deel voor de nobelheid van het karakter van de zegevierende commandant. De kunstenaar brengt hulde aan het vijandige leger, een klein Nederlandervolk dat vecht voor zijn vrijheid en de moed heeft zich te verzetten tegen een wereldmacht.
Dit is de vernieuwende moed van het werk van de auteur en dit bevestigt dat het geschreven is in een kritische overgangsperiode tussen de ideeën over de idealen die verschenen in de Renaissance en de harde realiteit van de New Age.
Het schilderij zelf is door de schilder gemaakt rond 1634-1635. Het moest de herinnering aan de capitulatie, die als een onneembare vesting (Breda) werd beschouwd, bestendigen en de glorie en onoverwinnelijkheid van het Spaanse koningshuis symboliseren, verwijzend naar de gebeurtenissen van tien jaar geleden uit de geschiedenis van de Spaans-Nederlandse Oorlog. . In die tijd was het militaire fortuin in het voordeel van de Spaanse onderdrukkers. De overgave van wat als een onneembare vesting werd beschouwd, na een belegering van vele maanden, in 1625 werd alom geprezen als de grootste strategische prestatie van die tijd. Het werk is gemaakt op doek met olieverf. De afmetingen van het canvas zijn ronduit verbluffend (307 x 367 cm). Dit getuigt van de hoge vaardigheid van de kunstenaar, omdat je een nauwkeurig oog en bekwame tekenvaardigheden nodig hebt en je moet laten leiden door de wetten van de compositie, "om moedig en zelfverzekerd, heel en mooi" de ruimte van de foto te organiseren. Tegenwoordig is het voor het publiek te zien in het Prado Museum (Madrid).
De kunstenaar verbeeldde het moment van de overdracht van de sleutels van de stad door gouverneur Justino van Nassau aan de Spaanse commandant markies Ambrosio Spinola. Er moet ook worden opgemerkt dat de overhandiging van de stadssleutels aan de soldaten van het vijandelijke leger één ding betekent: de stad gaf zich over. Deze gewoonte ontstond in die verre tijden, toen bijna alle Europese steden grote of niet erg grote forten waren, die 's nachts feitelijk met sleutels werden afgesloten.
Diego Velazquez creëerde een groot aantal portretbeelden, waarvan de kracht ligt in de diepte van psychologische analyse en de precieze verfijning van kenmerken. De schilder in portretten vleit de modellen niet, maar vertegenwoordigt ze allemaal in hun individuele uniciteit, nationale en sociale karakter.
Wat ‘De overgave van Breda’ betreft, bereikte de originaliteit van de methode van de kunstenaar daarin een nieuw hoogtepunt: hij streeft ernaar om in de integrale eenheid van de soldaten de essentiële karaktereigenschappen, de spirituele en mentale aard van elke persoon in hun complexiteit te onthullen. en tegenstrijdigheden. De meester geeft correcte, psychologische kenmerken van de hoofdpersonen weer. Op het schilderij zijn meerdere portretten te zien: een portret van de winnaar Spinola zelf, wellicht een portret van de kunstenaar zelf, die niet aanwezig was bij de overgave van Breda: hij plaatst zijn zelfportret (een jongeman met hoed aan de rechterrand van op de foto) in de gemeenschap van het Spaanse leger, en uiteraard is de tweede vertegenwoordiger van de strijdende partijen Justino afgebeeld. Met behulp van de eenvoudigste middelen en technieken herschept de kunstenaar het leven in al zijn waarheid, eenvoud en tegelijkertijd charme - een mysterie dat ons vandaag de dag nog steeds verbaast. De portretten die hij schilderde van soldaten van beide legers onderscheiden zich door de trouw van de afgebeelde fysionomie, het overbrengen van een individueel type, de uitdrukking van nationale trots en een gevoel van waardigheid. De natuur wordt erin weerspiegeld als in een spiegel; er zit zelfs geen spoor van enige conventie in. Achter Spinola’s externe seculiere terughoudendheid kan men dus zowel het trotse bewustzijn van de overwinning als de nobelheid van zijn aard voelen: hij begroet de overwonnenen hoffelijk en brengt hulde aan de moed en de ongebroken geest van de Nederlanders. Zwaar lopend, met bloot hoofd, gaat hij de winnaar van Nassau tegemoet, het lijkt erop dat hij bereid is te knielen, de sleutels te overhandigen, en Spinola steeg af, zette zijn hoed af en strekte zijn hand uit en liet de Nederlander niet toe knielen. Met de elegantie van een echte ridder legt hij zijn rechterhand op de schouder van de Nederlander, met in zijn linkerhand zijn hoed en maarschalkstok. De Spanjaard begroet de commandant vriendelijk. De Spanjaard lijkt niet te merken dat Von Nassau de sleutels aan hem overhandigt. Het is duidelijk dat Spinola er zeer bezorgd over is dat zijn tegenstanders niet in de geringste mate de vernedering van de situatie zullen voelen; hij behandelt Von Nassau niet als een verslagen vijand, maar integendeel als een persoon aan wie, in zijn niet benijdenswaardige positie, sympathie niet kan worden ontzegd. De beweging van de Nederlander vormt een duidelijke diagonaal en drukt daarmee zijn ondergeschikte positie uit, en de bewegingen van de winnaar zijn vol hoffelijkheid en respect voor de verslagenen, het gezicht van de Spanjaard drukt gewone menselijke gevoelens uit - gevoelens van empathie en respect. Hun houdingen en gebaren zijn gerechtvaardigd en natuurlijk. De Nederlander is opgewonden en diep bezorgd over de gebeurtenis, hij lijkt enigszins weerloos op het beeld, dit gevoel wordt overgebracht door een bepaalde gebogen houding voor de Spanjaard en een detail: de hoed wordt afgezet, maar Spinola staat ook met onbedekt hoofd als teken van respect. Op welk ander historisch schilderij uit de 17e eeuw, dat een militaire episode uitbeeldt, kun je zoveel meer menselijke geluiden horen die de ziel raken! Het klinkt duidelijk als een vredige toon van menselijk respect voor de moed van de vijand. Als we naar de kenmerken van twee mensen kijken, wordt het duidelijk dat het het humanistische idee is dat ‘De overgave van Breda’ onderscheidt van eerdere werken over historische onderwerpen. Dit is nieuw, iets dat vóór Velazquez niet bestond, dit is zijn kenmerk waaraan je zijn werk, zijn creativiteit herkent.
Het is ook interessant hoe het diepe verschil in de kledij van de twee commandanten opvalt: Justin is gekleed in een marcherend, goudbruin pak, verstoken van ceremoniële glans; Spinola is gekleed in een zwart harnas, waarover een roze sjaal is gebonden - dit contrast onthult de verschillen tussen hen en geeft het werk een bijzondere smaak en waarheidsgetrouwheid. Dit is ook een factor die bewijst dat dit werk tot een keerpunt behoort, een tijd van strijd tussen het nieuwe en het oude in de Spaanse samenleving. In het schilderij van Velazquez zien we niet langer het gedrag van een voorbeeldige ridder, maar een formule voor de relaties tussen mensen uit de New Age.
Het is onmogelijk om niet te zeggen dat de overdracht van de sleutels van het Nederlandse fort Breda aan de Spanjaarden een semantisch en centraal geometrisch knooppunt van de compositie is. De ‘sleutel van het beeld’ – het is ook de sleutel in materiële zin – wordt benadrukt in een donker silhouet in een lichte veelhoek tussen de hoofdfiguren die de rol van de scènes spelen (een artistiek instrument van het classicisme) – de hele artistieke ruimte en integriteit van het canvas zijn verbonden met deze overdrachtsceremonie. Alles draait om de sleutel die in het midden zweeft, alsof deze een soort mysterie bevat, alsof het verdere verloop van de gebeurtenissen zal afhangen van wat en hoe ze ermee doen. De sleutel verandert in een soort stemvork van de tijd. En dit is ook een teken van de Nieuwe Tijd. De belangrijkste betekenis van wat er gebeurt is geconcentreerd in dit centrum, en de kijker besteedt er vooral aandacht aan. En de aandacht van bijna alle personages wordt gevestigd op wat er in het centrum gebeurt, wat wordt benadrukt door het aspect verlichting en luchtperspectief. De ‘sleutel’ van de compositie en beweging van de figuren verbindt de linker- en rechterdelen van het beeld (strijdende legers) en creëert tegelijkertijd de diepte van de ruimte. De breedte van het concept wordt benadrukt door het landschap, waarin de reflecties van vlammen en rook van een vuur versmelten met de zilverachtige mist van een zomerochtend. En als je naar het landschapspanorama kijkt dat zich achter de rug van mensen ontvouwt, merk je hoe de kunstenaar schetsmatig, zonder een dikke laag verf, complexe en subtiele effecten reproduceert, waardoor de ruimtelijkheid van het beeld wordt vergroot. De hele achtergrond wordt op een onmetelijke afstand geduwd: slechts hier en daar zijn sporen van een recente veldslag zichtbaar, de bastions van Breda gehuld in een lichte zilverachtige mist, maar Velazquez geeft nauwkeurig de tekenen van het gebied weer - hij is een innovatief schilder, een kan voelen hoe hij niet alleen de gebeurtenis, maar ook de locatie van de actie waarheidsgetrouw wil overbrengen.
Voordat we verder gaan met de beschrijving van beide kampen: Spaans en Nederlands, merken we de volledige afwezigheid op van een middenovergangsplan (er is een opening tussen de eerste plannen en de afstanden) en de karakters bevinden zich dicht bij het voorste vlak van de foto, wat duidt op de bekendheid van de kunstenaar met de technieken van het classicisme (bas-reliëf),
Beide groepen soldaten worden objectief gekarakteriseerd, waarbij de verschillen in de nationale en sociale kenmerken van elk van hen worden geïdentificeerd. Hun gezichten zijn portretachtig en tegelijkertijd typisch, wat de betekenis van wat er gebeurt vergroot en van een kleine gebeurtenis een beeld maakt van iets historisch belangrijks.
Aan de rechterkant van de foto zitten de Spanjaarden stevig ineengedoken, monolithisch, met de speren zegevierend naar boven gericht, waardoor een beeld ontstaat van een machtige kracht, ontworpen om de macht van de Spaanse staat te demonstreren. De kanonnen vormen één enkele muur en snijden het voorste vlak van het canvas van de achterkant af (het is geen toeval dat het schilderij ook de tweede naam "Spears" draagt). ziet in de organisatie en discipline van het professionele Spaanse leger Trotse Spaanse grandees in harnas: krijgers in soortgelijke kleding, bijna in uniform. De Spanjaarden hebben vergelijkbare kapsels, snorren en verfijnde gezichtsuitdrukkingen. Ze vormen een georganiseerde formatie, die dicht bij elkaar staat als één samenhangende massa. En Diego verzwakt vakkundig deze gespannen plek met de croupe van het paard, waardoor de harmonieuze structuur van het beeld behouden blijft. De Spaanse soldaten staan zo dicht op elkaar dat de mensen elkaar blokkeren, en de mensen erachter worden afgebeeld alsof ze erboven staan.
De groep Nederlanders aan de linkerkant van de foto is vrijer en op hun gemak geplaatst, waarbij hun desorganisatie en spontaniteit worden overgebracht door de verscheidenheid aan kleding en poses. Elke verdediger van de stad is individueel: ondanks de betekenis van het moment (de sleutels overhandigen) observeren de Nederlanders geen militaire formatie: de één staat met zijn rug naar de toeschouwer, de ander zijwaarts, een jonge man in het wit praat met een kameraad in de strijd, terwijl hij een hoed op zijn musket zette. En andere Nederlanders houden willekeurig wapens vast. Ook de interpretatie van het thema was vernieuwend: de verslagen Nederlanders, geconcentreerd aan de linkerkant van de foto, worden met hetzelfde gevoel van waardigheid gepresenteerd als de overwinnaars: de Spanjaarden, gegroepeerd in een dichtere massa aan de rechterkant van de compositie, tegen de achtergrond van rijen mijnen. De gezichten van de garnizoensmilitie dragen niet het stempel van angst en bewondering - integendeel, ze zijn gevuld met een soort interne uitbundige activiteit, mensen zijn zeer geïnteresseerd in wat er gebeurt. En hoewel hun speren en vaandels voor de vijand bogen, domineert de uitdrukking van onafhankelijkheid van geest in vrije houdingen en open gezichten. Nee, de Nederlanders zijn niet verslagen; nadat ze verslagen zijn, verliezen ze de moed niet. Dit is merkbaar in hun houdingen en de aard van hun bewegingen. Een nieuw gevecht staat voor de deur! En opnieuw voel je de kortstondigheid van de overwinning van de Spanjaarden: de toekomst behoort toe aan mensen met een nieuwe formatie, die nieuwe waarden en idealen belijden. De schilder laat de kijker nadenken over de botsing van oud en nieuw, terwijl de interne stroom in de afbeelding niet onmiddellijk merkbaar is, en het lijkt erop dat de schilder niet de positie van een van beide kanten inneemt. En alleen een echte meester kan dit doen.
Velasquez streeft naar de meest waarheidsgetrouwe weergave van karakters, de meester tuurt zorgvuldig in de gezichten van zijn tegenstanders en je kunt zijn oprechte interesse in elke persoon voelen. Alle “verlichte” gezichten zijn uniek en lijken tegelijkertijd op elkaar. De kunstenaar maakt de meest magnifieke portretten van militaire leiders en gewone soldaten, en je begrijpt dat persoonlijkheden voor ons groeien, met hun gedachten, dromen en hoop op het beste, maar Diego Velazquez imiteert de barokke meesters niet, streeft er niet naar om ze weg te gooien een zee van gevoelens op canvas - de kunstenaar brengt alleen natuurlijke, realistische bewegingen over van de zielen en lichamen van mensen die zich aan weerszijden van de hoofdactie bevinden. En opnieuw verschijnt het motief van gelijkheid, de ontkenning van de superioriteit van sommigen ten opzichte van anderen, in beeld. Naast de opvallende portretovereenkomst is er een merkbare gemeenschappelijkheid die een soort ‘lichaamseenheid’ van het Spaanse leger vormt. Op een volkomen natuurlijke manier kwam het naar voren via een vloeiende overgang van het midden naar de voorgrond en vulde het het historische tafereel. Spinola zette ook een stap in de richting van zijn leger, trok zich terug uit de frontlinie van de historische helling, en bereikte daardoor fysieke, morele en spirituele eenheid met zijn soldaten. Velazquez gebruikte op meesterlijke wijze de techniek van antithese op het niveau van de volgende categorieën: bewegingsrust, volume-vlakheid, warm-koude kleuren, waarbij hij op de een of andere manier de voorkeur gaf aan Nederland, wat in de kunstenaar de gave onthult van een ziener die de toekomstige macht van Nederland. Het is de verslagen Justin de Nassau die in actie wordt afgebeeld - hij komt zwaar en langzaam vooruit, terwijl Spinola staat. De figuren van de Nederlanders zijn volumineus en materieel tastbaar, ze bewegen zich actief voort dankzij de lichte en warme kleurstelling (accenten van geelgoud, wit en groen) en bewegen zich letterlijk in de werkelijke ruimte van de kijker (de figuur in het geel op de voorkant). rand van de foto). Bovendien zijn ze psychologisch actief, wat zowel tot uiting komt in de individualisering van de reactie van elke persoon op gebeurtenissen, als in een directe oproep aan de kijker (het uiterlijk van een man met een musket in het groen). Tegelijkertijd worden de gelederen van het Spaanse leger in de diepte ingezet en lijken ze zich terug te trekken uit het beeldvlak, geleidelijk vlakker en versmeltend met de vlakke afbeeldingen van het patroon van speren en het blauw van de lucht. Deze indruk wordt ook vergemakkelijkt door de visuele ‘terugtrekking’ van donkere en verfijnde koude tinten blauw en parelroze. Voor onze ogen keren echte mensen terug naar het verleden van het fresco, de mythe van de kopieën trekt zich terug voor de realiteit van een strak op maat gemaakte hellebaard en een musket die qua uiterlijk volkomen ineffectief zijn, de overwinning verandert in een nederlaag.
En het moment van stilte op het strijdtoneel is niet langer zo onverwacht: dreigende veranderingen worden in de lucht gevoeld (laten we in ieder geval de interne stroom herinneren waar we het hierboven over hadden): mensen luisteren aandachtig en proberen deze veranderingen op te vangen. En daarom is het motief van luisteren zo belangrijk in het schilderij van Velazquez - de pagina van Nassau, de jongeman in het wit achter de commandant, de plechtig bevroren Spaanse en verstilde Nederlandse legers, de hemel zelf, gestopt in hun beweging, roepen hier rechtstreeks op. , met een expressief gebaar.
In het schilderij van Diego Velazquez is de compositie uiterst helder en voelbaar. In het midden vindt de belangrijkste gebeurtenis plaats: de sleuteloverdracht. Bovendien wordt het gevormd door de beweging van twee sleutelfiguren, waarvan het contrast ten opzichte van de mensen om hen heen zo actief is dat de kunstenaar (om de integriteit van de compositie niet te vernietigen) ze ‘stopte’ op het ritme van de speren en de croupe van het paard aan de rechterkant van de foto. Het centrum - de 'sleutel' - is omgeven door dubbele scènes: met behulp van figuren van commandanten en soldaten (een trend van het classicisme) ligt de nadruk op deze epische gebeurtenis. Hierdoor wordt een speciale harmonie van alle elementen van de foto bereikt. Maar compositorisch is de foto verdeeld in twee delen: de bovenste is vrij, de onderste wordt ingenomen door figuren.
Er is ook een ritme van symmetrische groepen in de afbeelding. Links staat het Nederlandse leger, rechts het Spaanse leger, in het midden is lege ruimte, pauze. Bovendien is de aard van het ritme binnen de symmetrische groepen links en rechts verschillend. De juiste groep – het leger van de winnaars – heeft een ritme dat de indruk wekt van stevigheid en kracht. Deze indruk wordt benadrukt door de aard van de speren en de draaiing van het paard op de voorgrond. Het ritme van het verslagen leger aan de linkerkant wekt de indruk van een grotere fragmentatie; de figuren, dichter bij de voorgrond dan aan de rechterkant, laten niet toe dat er veel figuren worden afgebeeld. Dit wekt de indruk van een klein en zwak leger.
Het is verbazingwekkend hoe de kunstenaar erin slaagde een moment van eenheid, eenheid te creëren, ondanks het feit dat de legers nog steeds heel verschillend zijn. Het moment van generalisatie wordt precies bereikt met behulp van ritmestrepen die het centrale deel omcirkelen en zorgen voor de onderlinge verbinding van alle delen van de foto.
En compositorisch gezien is dit werk een treffend voorbeeld van de kunst van de New Age en kan het gerust worden toegeschreven aan de niet-stalen lijn.
Het kleurenschema van het schilderij.
Diego Rodriguez de Silva Velazquez is een van de eerste meesters van de Valerie-schilderkunst. De grijstinten van zijn schilderijen glinsteren in vele tinten, en de zwarttinten zijn licht en transparant. De heldere, warme kleuren van de kleding van de Nederlanders, het koude blauwgroen van de Spanjaarden, worden verlicht door een gelijkmatig zilverachtig licht, waardoor een sfeer van de vroege ochtend ontstaat en een rijke licht-luchtomgeving ontstaat. De meesterlijke penseelstreek is gevarieerd: interessante manieren om verf aan te brengen - van zachte, onmerkbare penseelstreken op de achtergrond tot energieke streken en vrije bravourestreken die de vorm en het volume van de kleding van mensen bepalen. De voordelen van kleur worden in Velazquez’ schilderij gecombineerd met helderheid, majestueuze eenvoud van compositie en gevoel voor verhoudingen.
De onberispelijke natuurgetrouwheid en verfijnde verfijning van Velázquez’ oog is verbazingwekkend, omdat hij weet te genieten van zowel de rijkdom als de diepte van de heldere kleurakkoorden op de voorgrond. En tegelijkertijd merken we dat de subtielste reflexen in wisselwerking staan met halftonen en clair-obscur, wat de overdracht van materialiteit verbetert.
De schilder richt zich op het probleem van de vorming van de luchtomgeving: doffe donkere schaduwen verdwijnen, scherpe lijnen, zilverachtig licht en lucht omhullen de figuren letterlijk. Aangename grijstinten dempen de helderheid van de afzonderlijke kleuren van het beeld. Er ontstaat een ongekend gevoel van diepte, de kunstenaar reproduceert waarheidsgetrouw de toestand van de Nederlandse lucht, gevuld met vocht uit de nabijgelegen zee. Alles spreekt welsprekend over de wens van Velazquez om de werkelijkheid vollediger en betrouwbaarder over te brengen.
De coloristische oplossing is spaarzaam, maar ongewoon rijk: ze is gebouwd op een paar tinten – zwart, geel, roze en groen – verenigd door grijs van verschillende sterkte, intensiteit en tint, van donkergrijs tot parelmoer, en deze verschillende grijze vlekken verbinden de individuele elementen van de afbeelding tot één compositorisch geheel.
Dit canvas wordt gedomineerd door een nobele, koude toon, waaruit alleen geïsoleerde vlekken van geel, zwart en lichte wittinten naar voren komen. De achtergrond wordt waargenomen als een enorme afstand, verloren in de ochtendnevel van mist en branden, waarin twee kampen opvallen.
Laten we eens kijken naar het eigenaardige ‘spel’ van toonvlekken: de blik gaat van Spinola’s donkere pantser naar de paardenstaart en verder naar de schaduw van het Nederlandse leger zelf.
Het is onmogelijk om de precisie en rijkdom van de tekeningen van Diego Velazquez niet te bewonderen. De kunstenaar modelleert zorgvuldig, met behulp van een penseel, de gezichten, handen en kleding van de personages op de afbeelding. Het volume aan figuren wordt gevormd dankzij kleuroplossingen en talrijke natuurlijke reflexen die kenmerkend zijn voor de natuurlijke omgeving.
De kunstenaar maakt actief gebruik van lijn, met behulp waarvan hij de beweging van mensen overbrengt. Bijvoorbeeld: de beweging van de commandant versterkt de dwarsplooien van zijn pak, evenals de positie van zijn benen en de richting van zijn romp naar het rechtervlak van de foto.
De schilder modelleert vakkundig de handen: daarin voel je de natuurlijke bewegingen van de twee hoofdpersonen naar elkaar toe. Velazquez geeft de personages anatomisch correct weer, hoewel hun lichamen verborgen zijn onder kleding: Spinola staat lichtjes leunend op een van zijn benen en leunt naar de Nederlander.
Dankzij het ritme van de lijnen ontstaat er een vloeiende, levendige beweging, waardoor het gevoel ontstaat dat de kunstenaar een kort moment, een episode uit het gewone leven, heeft weten vast te leggen.
De zachte, luchtige contouren van de schilder schetsen niet alleen de randen van objecten, maar glijden zacht rond, soepel en vaak verdwijnen ze gewoon. Dit betekent dat de meester een “levende lijn” gebruikt, wat extra bewegingen versterkt. Op de voorgrond bijvoorbeeld het reispak van de Nederlander.
De meester maakt actief gebruik van clair-obscur, met zijn hulp bereikt hij een verbazingwekkende "natuurlijkheid" van de figuren en geeft hij het beeld diepte. En dit is het uitzonderlijke talent van Diego Velazquez, die de verbluffende effecten van realistisch zicht kan overbrengen. Dit bevestigt nogmaals het feit dat Diego als kunstenaar veel innovatie heeft bijgedragen aan de kunst van de New Age. Het is ook bevredigend om te zien hoe stevig en nauwkeurig de figuren van de personages zijn getekend, waardoor een bizar maar harmonieus patroon ontstaat.
Na onderzoek van het schilderij 'De overgave van Breda' kan worden gesteld dat in het werk van Velazquez de linkse lijn, die zijn oorsprong vond in de moderne tijd, het meest volledig tot uitdrukking kwam. Op basis hiervan gebruikt Diego Velazquez in zijn werk schildertechnieken met een realistische oriëntatie (luchtomgeving, clair-obscur kenmerkend voor natuurlijk licht, harmonieuze kleuroplossingen van zachte ochtendverlichting, compositie, enzovoort), en het allerbelangrijkste: dit canvas belichaamt de hoop van mensen ondanks het feit dat, ondanks de talrijke problemen van de nieuwe complexe wereld die we tegenkomen op iemands pad, deze vernietigd kunnen worden door goede natuurlijke relaties (er wordt een verband met de barok gevoeld) - we kunnen met vertrouwen zeggen dat dit canvas het meest volledig geïdentificeerd met de kunst van de New Age: in de eerste plaats met een extra stalen lijn, en gedeeltelijk met barok en classicisme.
Wat artistieke technieken betreft, Velazquez gebruikt ze zo vakkundig en nauwkeurig ("beeldhouwende" vormen, harmonieuze tonen, natuurlijke bewegingen en complexiteit van compositie) dat dit schilderij met recht het eerste voorbeeld is van een nieuw canvas - een canvas van historisch realisme. Het doel hiervan is om, in een tijd van enige onrust, op waarheidsgetrouwe wijze de complexe gevoelens over te brengen van een persoonlijkheid die door de meesters van de Renaissance werd ‘herontdekt’.
Zonder overdrijving kan worden gezegd dat het werk van Diego Velazquez een waarheidsgetrouwe weergave is van de werkelijkheid, die hij op meesterlijke wijze belichaamde in ‘The Surrender of Breda’.
Velazquez Breda overgave schilderachtig
Bibliografie
1. Alpatov M.V. "Gesuggereerde erfenis". M.: Onderwijs, 1990.
2. “Renaissance. Barok. Classicisme. Stijlproblemen in de West-Europese kunst”, redacteur Willer. M.: Nauka, 1966
3. "Geschiedenis van buitenlandse kunst." Gedachte onder redactie van M.T. Kuzmina, NL Maltseva, M.: 1980.
4. Jose Ortega y Gasset “Inleiding tot Velazquez” Trans. uit het Spaans Lysenko ES Petrov M.:, 1991.
Beschrijving van het schilderij van D. Velazquez “Overgave van Breda”
Diego Velazquez is een altijd levende bron van waarheid en schoonheid, wiens grootste erfenis een heel tijdperk in de realistische schilderkunst opent, een werk dat voor altijd in ons hart en onze geest zal blijven. Zijn werken dragen de ideeën van het humanisme, loyaliteit aan de democratische traditie van de Spaanse cultuur en liefde voor gewone mensen met zich mee. Directer en stoutmoediger dan zijn voorgangers wendde hij zich tot de realiteit, breidde de thema's van de schilderkunst uit en promootte de ontwikkeling van verschillende genres daarin.
Ik ben vooral geïnteresseerd in het historische oorlogsschilderij ‘De overgave van Breda’, dat hij rond 1634-1635 schreef. Het schilderij toont een voor hem actueel en belangrijk historisch thema: een dramatische episode uit de oorlog tussen het monarchale Spanje en het republikeins-burgerlijke Nederland, toen het Spaanse leger het grensfort Breda veroverde. Het is indicatief dat de schilder deze scène niet met de geaccepteerde plechtigheid, de majesteit van de zegevierende kant, heeft overgebracht: nadat hij de ceremoniële allegorische interpretatie van het strijdtoneel, gebruikelijk in de schilderkunst, heeft opgegeven, wendt de meester zich tot het idee van menselijkheid, menselijkheid. ; Velazquez legde de basis voor realisme in de historische schilderkunst.
Terwijl ik dit werk bewonderde, wilde ik de bedoelingen van de kunstenaar begrijpen, het moeilijke tijdperk voelen waarin hij als meester leefde en werkte. Vind het antwoord op een ongebruikelijke, innovatieve en echt gedurfde oplossing voor het canvas. Om deze vragen te beantwoorden, moeten we ons wenden tot het historische tijdperk waarin dit ‘epochale en tegelijkertijd zo humane’ doek werd gecreëerd.
Toen ik de kunst van Velazquez in de context van zijn tijd beschouwde, zag ik hoe organisch en natuurlijk zijn talent zich ontwikkelde, verbonden met de tradities van de Italiaanse Rinascimento en met de trends van de moderne tijd. Het leven in Madrid, dat Velazquez de kans gaf om de meest waardevolle koninklijke collecties zorgvuldig te bestuderen - schilderijen van Raphael, Leonardo da Vinci, Titiaan, Veronese en anderen, verbondenheid met de Spaanse culturele elite, ontmoetingen met Rubens, die Spanje in 1628 bezocht, en zijn eerste reis naar Italië (1629-1631) droeg bij aan het verbreden van zijn artistieke horizon en het verbeteren van zijn vaardigheden. Maar Diego leeft in een andere tijd; zijn tijdgenoten worden geconfronteerd met andere vragen en manieren om deze op te lossen. De focus van kunstenaars ligt nog steeds op mensen. De belichaming ervan wordt specifieker, emotioneel en psychologisch complexer. Het onthult eindeloze diversiteit en rijkdom van de innerlijke wereld, nationale kenmerken lijken helderder en duidelijker gedefinieerd. Deze nieuwe persoon is zich bewust van zijn afhankelijkheid van de sociale omgeving, en in Spanje bleek het individu zelfs meer verbonden te zijn met de omringende samenleving, die nog steeds patriarchaal monolithisch was en geen extreme vormen van individualisme kende, die zich vaak manifesteerden in de Renaissance. Italië. We mogen niet vergeten dat de specificiteit van de Spaanse kunst werd beïnvloed door de volgende factoren: slechts een eeuw geleden, vóór het leven van de kunstenaar, de Reconquista (de nationale bevrijdingsstrijd van het Spaanse volk tegen de Moorse veroveraars), die de basis vormde voor volkscultuur, beëindigd. Het land beleefde een bloeitijd na de ontdekking van de Nieuwe Wereld en een tijd van verzwakking van het economische en politieke leven en de vestiging van een reactionaire vorm van absolutisme. En de kunstenaars deden daarom alsof ze hun poëtische verbeeldingskracht uitbeeldden in beelden die in het echte leven werden bespioneerd. Door binnen een strikt dogmatisch raamwerk te werken, waren de schilders in staat eigenschappen van nationaal karakter over te brengen, zoals zelfrespect, trots en een eergevoel dat verband hield met persoonlijke verdiensten. De mens wordt meestal afgebeeld in een nobel, streng en majestueus aspect. Naast het mythologische genre krijgen de historische en alledaagse genres, portret, landschap en stilleven een zelfstandige plaats. Er ontstaat een nieuw scala aan maatschappelijke thema's en onderwerpen. Tekenen en graveren ontwikkelen zich met succes. Meesters worden aangetrokken door het thema van het tragische lot van de mens en dramatische conflicten. Al deze processen dragen bij aan de vorming van twee lijnen in de kunst van Spanje in de 17e eeuw: hoofs-aristocratische, voortreffelijk verfijnde, pijnlijk fragiele kunst voor de ‘ingewijden’ (maniërisme met barok) en de nationale realistische school (de vorming van tradities). van de linkse lijn).
In zijn schilderij 'De overgave van Breda' weigert Velazquez valse dramatisering van gebeurtenissen, overdrijving en spectaculaire presentatie, waarbij hij alles onbelangrijk en onnodig afsnijdt om door te dringen tot de diepte van menselijke ervaringen. In Velazquez zullen we de oude goden niet vinden die de plaats van de gebeurtenissen uitleggen of de betekenis benadrukken van wat er gebeurt, noch zullen de genieën van de overwinning de militaire leider versieren met een krans; er zijn geen allegorische figuren die de overwinnaars en de overwonnenen symboliseren. De kunstenaar ‘verheft de gebeurtenis zelf tot de rang van gebeurtenis’, de schilder verwijdert als het ware het patina van buitensporige plechtigheid en onthult zo de diepmenselijke betekenis ervan, hij creëert het eerste ‘echt historische beeld in de schilderkunst van Europa’. Het afwijken van de hoofse, zielige overdrijvingen van het werk, van de regels van de barok, was werkelijk een creatieve prestatie die de hoogste erkenning verdient. De meester anticipeerde werkelijk op de schilders van toekomstige eeuwen, waarbij hij op organische wijze de tradities van zijn nationale Spaanse kunst vermengde met realistische trends. Hieraan moet de hoogste vaardigheid van de schilder worden toegevoegd, die in staat was de historische gebeurtenis nauwkeurig en waarheidsgetrouw weer te geven.
Dit alles spreekt overtuigend over Diego Velazquez als een van de makers (samen met Caravaggio) van nog geen nieuwe stijl, maar al een beweging, en als we naar zijn doek kijken, kunnen we vol vertrouwen zeggen dat het een van de beste werken van de tijd is. niet-linkse lijn, hoewel de kunstenaar zich in dit werk richt tot de klassieke traditie en zelfs tot de barok.
Zoals bekend bestond er vóór Velazquez lange tijd een idee om gevechtsscènes af te beelden als werken met een episch-allegorische interpretatie. Er waren strikte regels en een heel systeem van symbolen en allegorieën waar de kunstenaar zich strikt aan moest houden. Zo moesten de gezichten van de winnaars bijvoorbeeld arrogant en triomfantelijk zijn, terwijl de gezichten en gebaren van de overwonnenen vernederd en slaafs waren. De schilders probeerden hun heersers zo groots en fantastisch mogelijk te verheerlijken en hen dichter bij de hemelbewoners te brengen. Velazquez besloot zijn canvas ondergeschikt te maken aan het hoofdidee: respect uiten voor de overwonnenen en vooral een persoon in de overwonnenen zien - en dit is het belangrijkste humanistische idee van dit werk. Zo werd er niet een monument gecreëerd voor militaire kunst en tactiek, maar voor een groot deel voor de nobelheid van het karakter van de zegevierende commandant. De kunstenaar brengt hulde aan het vijandige leger, een klein Nederlandervolk dat vecht voor zijn vrijheid en de moed heeft zich te verzetten tegen een wereldmacht.
Dit is de vernieuwende moed van het werk van de auteur en dit bevestigt dat het geschreven is in een kritische overgangsperiode tussen de ideeën over de idealen die verschenen in de Renaissance en de harde realiteit van de New Age.
Het schilderij zelf is door de schilder gemaakt rond 1634-1635. Het moest de herinnering aan de capitulatie, die als een onneembare vesting (Breda) werd beschouwd, bestendigen en de glorie en onoverwinnelijkheid van het Spaanse koningshuis symboliseren, verwijzend naar de gebeurtenissen van tien jaar geleden uit de geschiedenis van de Spaans-Nederlandse Oorlog. . In die tijd was het militaire fortuin in het voordeel van de Spaanse onderdrukkers. De overgave van wat als een onneembare vesting werd beschouwd, na een belegering van vele maanden, in 1625 werd alom geprezen als de grootste strategische prestatie van die tijd. Het werk is gemaakt op doek met olieverf. De afmetingen van het canvas zijn ronduit verbluffend (307 x 367 cm). Dit getuigt van de hoge vaardigheid van de kunstenaar, omdat je een nauwkeurig oog en bekwame tekenvaardigheden nodig hebt en je moet laten leiden door de wetten van de compositie, "om moedig en zelfverzekerd, heel en mooi" de ruimte van de foto te organiseren. Tegenwoordig is het voor het publiek te zien in het Prado Museum (Madrid).
De kunstenaar verbeeldde het moment van de overdracht van de sleutels van de stad door gouverneur Justino van Nassau aan de Spaanse commandant markies Ambrosio Spinola. Er moet ook worden opgemerkt dat de overhandiging van de stadssleutels aan de soldaten van het vijandelijke leger één ding betekent: de stad gaf zich over. Deze gewoonte ontstond in die verre tijden, toen bijna alle Europese steden grote of niet erg grote forten waren, die 's nachts feitelijk met sleutels werden afgesloten.
Diego Velazquez creëerde een groot aantal portretbeelden, waarvan de kracht ligt in de diepte van psychologische analyse en de precieze verfijning van kenmerken. De schilder in portretten vleit de modellen niet, maar vertegenwoordigt ze allemaal in hun individuele uniciteit, nationale en sociale karakter.
Wat ‘De overgave van Breda’ betreft, bereikte de originaliteit van de methode van de kunstenaar daarin een nieuw hoogtepunt: hij streeft ernaar om in de integrale eenheid van de soldaten de essentiële karaktereigenschappen, de spirituele en mentale aard van elke persoon in hun complexiteit te onthullen. en tegenstrijdigheden. De meester geeft correcte, psychologische kenmerken van de hoofdpersonen weer. Op het schilderij zijn meerdere portretten te zien: een portret van de winnaar Spinola zelf, wellicht een portret van de kunstenaar zelf, die niet aanwezig was bij de overgave van Breda: hij plaatst zijn zelfportret (een jongeman met hoed aan de rechterrand van op de foto) in de gemeenschap van het Spaanse leger, en uiteraard is de tweede vertegenwoordiger van de strijdende partijen Justino afgebeeld. Met behulp van de eenvoudigste middelen en technieken herschept de kunstenaar het leven in al zijn waarheid, eenvoud en tegelijkertijd charme - een mysterie dat ons vandaag de dag nog steeds verbaast. De portretten die hij schilderde van soldaten van beide legers onderscheiden zich door de trouw van de afgebeelde fysionomie, het overbrengen van een individueel type, de uitdrukking van nationale trots en een gevoel van waardigheid. De natuur wordt erin weerspiegeld als in een spiegel; er zit zelfs geen spoor van enige conventie in. Achter Spinola’s externe seculiere terughoudendheid kan men dus zowel het trotse bewustzijn van de overwinning als de nobelheid van zijn aard voelen: hij begroet de overwonnenen hoffelijk en brengt hulde aan de moed en de ongebroken geest van de Nederlanders. Zwaar lopend, met bloot hoofd, gaat hij de winnaar van Nassau tegemoet, het lijkt erop dat hij bereid is te knielen, de sleutels te overhandigen, en Spinola steeg af, zette zijn hoed af en strekte zijn hand uit en liet de Nederlander niet toe knielen. Met de elegantie van een echte ridder legt hij zijn rechterhand op de schouder van de Nederlander, met in zijn linkerhand zijn hoed en maarschalkstok. De Spanjaard begroet de commandant vriendelijk. De Spanjaard lijkt niet te merken dat Von Nassau de sleutels aan hem overhandigt. Het is duidelijk dat Spinola er zeer bezorgd over is dat zijn tegenstanders niet in de geringste mate de vernedering van de situatie zullen voelen; hij behandelt Von Nassau niet als een verslagen vijand, maar integendeel als een persoon aan wie, in zijn niet benijdenswaardige positie, sympathie niet kan worden ontzegd. De beweging van de Nederlander vormt een duidelijke diagonaal en drukt daarmee zijn ondergeschikte positie uit, en de bewegingen van de winnaar zijn vol hoffelijkheid en respect voor de verslagenen, het gezicht van de Spanjaard drukt gewone menselijke gevoelens uit - gevoelens van empathie en respect. Hun houdingen en gebaren zijn gerechtvaardigd en natuurlijk. De Nederlander is opgewonden en diep bezorgd over de gebeurtenis, hij lijkt enigszins weerloos op het beeld, dit gevoel wordt overgebracht door een bepaalde gebogen houding voor de Spanjaard en een detail: de hoed wordt afgezet, maar Spinola staat ook met onbedekt hoofd als teken van respect. Op welk ander historisch schilderij uit de 17e eeuw, dat een militaire episode uitbeeldt, kun je zoveel meer menselijke geluiden horen die de ziel raken! Het klinkt duidelijk als een vredige toon van menselijk respect voor de moed van de vijand. Als we naar de kenmerken van twee mensen kijken, wordt het duidelijk dat het het humanistische idee is dat ‘De overgave van Breda’ onderscheidt van eerdere werken over historische onderwerpen. Dit is nieuw, iets dat vóór Velazquez niet bestond, dit is zijn kenmerk waaraan je zijn werk, zijn creativiteit herkent.
Het is ook interessant hoe het diepe verschil in de kledij van de twee commandanten opvalt: Justin is gekleed in een marcherend, goudbruin pak, verstoken van ceremoniële glans; Spinola is gekleed in een zwart harnas, waarover een roze sjaal is gebonden - dit contrast onthult de verschillen tussen hen en geeft het werk een bijzondere smaak en waarheidsgetrouwheid. Dit is ook een factor die bewijst dat dit werk tot een keerpunt behoort, een tijd van strijd tussen het nieuwe en het oude in de Spaanse samenleving. In het schilderij van Velazquez zien we niet langer het gedrag van een voorbeeldige ridder, maar een formule voor de relaties tussen mensen uit de New Age.
Het is onmogelijk om niet te zeggen dat de overdracht van de sleutels van het Nederlandse fort Breda aan de Spanjaarden een semantisch en centraal geometrisch knooppunt van de compositie is. De ‘sleutel van het beeld’ – het is ook de sleutel in materiële zin – wordt benadrukt in een donker silhouet in een lichte veelhoek tussen de hoofdfiguren die de rol van de scènes spelen (een artistiek instrument van het classicisme) – de hele artistieke ruimte en integriteit van het canvas zijn verbonden met deze overdrachtsceremonie. Alles draait om de sleutel die in het midden zweeft, alsof deze een soort mysterie bevat, alsof het verdere verloop van de gebeurtenissen zal afhangen van wat en hoe ze ermee doen. De sleutel verandert in een soort stemvork van de tijd. En dit is ook een teken van de Nieuwe Tijd. De belangrijkste betekenis van wat er gebeurt is geconcentreerd in dit centrum, en de kijker besteedt er vooral aandacht aan. En de aandacht van bijna alle personages wordt gevestigd op wat er in het centrum gebeurt, wat wordt benadrukt door het aspect verlichting en luchtperspectief. De ‘sleutel’ van de compositie en beweging van de figuren verbindt de linker- en rechterdelen van het beeld (strijdende legers) en creëert tegelijkertijd de diepte van de ruimte. De breedte van het concept wordt benadrukt door het landschap, waarin de reflecties van vlammen en rook van een vuur versmelten met de zilverachtige mist van een zomerochtend. En als je naar het landschapspanorama kijkt dat zich achter de rug van mensen ontvouwt, merk je hoe de kunstenaar schetsmatig, zonder een dikke laag verf, complexe en subtiele effecten reproduceert, waardoor de ruimtelijkheid van het beeld wordt vergroot. De hele achtergrond wordt op een onmetelijke afstand geduwd: slechts hier en daar zijn sporen van een recente veldslag zichtbaar, de bastions van Breda gehuld in een lichte zilverachtige mist, maar Velazquez geeft nauwkeurig de tekenen van het gebied weer - hij is een innovatief schilder, een kan voelen hoe hij niet alleen de gebeurtenis, maar ook de locatie van de actie waarheidsgetrouw wil overbrengen.
Voordat we verder gaan met de beschrijving van beide kampen: Spaans en Nederlands, merken we de volledige afwezigheid op van een middenovergangsplan (er is een opening tussen de eerste plannen en de afstanden) en de karakters bevinden zich dicht bij het voorste vlak van de foto, wat duidt op de bekendheid van de kunstenaar met de technieken van het classicisme (bas-reliëf),
Beide groepen soldaten worden objectief gekarakteriseerd, waarbij de verschillen in de nationale en sociale kenmerken van elk van hen worden geïdentificeerd. Hun gezichten zijn portretachtig en tegelijkertijd typisch, wat de betekenis van wat er gebeurt vergroot en van een kleine gebeurtenis een beeld maakt van iets historisch belangrijks.
Aan de rechterkant van de foto zitten de Spanjaarden stevig ineengedoken, monolithisch, met de speren zegevierend naar boven gericht, waardoor een beeld ontstaat van een machtige kracht, ontworpen om de macht van de Spaanse staat te demonstreren. De kanonnen vormen één enkele muur en snijden het voorste vlak van het canvas van de achterkant af (het is geen toeval dat het schilderij ook de tweede naam "Spears" draagt). ziet in de organisatie en discipline van het professionele Spaanse leger Trotse Spaanse grandees in harnas: krijgers in soortgelijke kleding, bijna in uniform. De Spanjaarden hebben vergelijkbare kapsels, snorren en verfijnde gezichtsuitdrukkingen. Ze vormen een georganiseerde formatie, die dicht bij elkaar staat als één samenhangende massa. En Diego verzwakt vakkundig deze gespannen plek met de croupe van het paard, waardoor de harmonieuze structuur van het beeld behouden blijft. De Spaanse soldaten staan zo dicht op elkaar dat de mensen elkaar blokkeren, en de mensen erachter worden afgebeeld alsof ze erboven staan.
De groep Nederlanders aan de linkerkant van de foto is vrijer en op hun gemak geplaatst, waarbij hun desorganisatie en spontaniteit worden overgebracht door de verscheidenheid aan kleding en poses. Elke verdediger van de stad is individueel: ondanks de betekenis van het moment (de sleutels overhandigen) observeren de Nederlanders geen militaire formatie: de één staat met zijn rug naar de toeschouwer, de ander zijwaarts, een jonge man in het wit praat met een kameraad in de strijd, terwijl hij een hoed op zijn musket zette. En andere Nederlanders houden willekeurig wapens vast. Ook de interpretatie van het thema was vernieuwend: de verslagen Nederlanders, geconcentreerd aan de linkerkant van de foto, worden met hetzelfde gevoel van waardigheid gepresenteerd als de overwinnaars: de Spanjaarden, gegroepeerd in een dichtere massa aan de rechterkant van de compositie, tegen de achtergrond van rijen mijnen. De gezichten van de garnizoensmilitie dragen niet het stempel van angst en bewondering - integendeel, ze zijn gevuld met een soort interne uitbundige activiteit, mensen zijn zeer geïnteresseerd in wat er gebeurt. En hoewel hun speren en vaandels voor de vijand bogen, domineert de uitdrukking van onafhankelijkheid van geest in vrije houdingen en open gezichten. Nee, de Nederlanders zijn niet verslagen; nadat ze verslagen zijn, verliezen ze de moed niet. Dit is merkbaar in hun houdingen en de aard van hun bewegingen. Een nieuw gevecht staat voor de deur! En opnieuw voel je de kortstondigheid van de overwinning van de Spanjaarden: de toekomst behoort toe aan mensen met een nieuwe formatie, die nieuwe waarden en idealen belijden. De schilder laat de kijker nadenken over de botsing van oud en nieuw, terwijl de interne stroom in de afbeelding niet onmiddellijk merkbaar is, en het lijkt erop dat de schilder niet de positie van een van beide kanten inneemt. En alleen een echte meester kan dit doen.
Velasquez streeft naar de meest waarheidsgetrouwe weergave van karakters, de meester tuurt zorgvuldig in de gezichten van zijn tegenstanders en je kunt zijn oprechte interesse in elke persoon voelen. Alle “verlichte” gezichten zijn uniek en lijken tegelijkertijd op elkaar. De kunstenaar maakt de meest magnifieke portretten van militaire leiders en gewone soldaten, en je begrijpt dat persoonlijkheden voor ons groeien, met hun gedachten, dromen en hoop op het beste, maar Diego Velazquez imiteert de barokke meesters niet, streeft er niet naar om ze weg te gooien een zee van gevoelens op canvas - de kunstenaar brengt alleen natuurlijke, realistische bewegingen over van de zielen en lichamen van mensen die zich aan weerszijden van de hoofdactie bevinden. En opnieuw verschijnt het motief van gelijkheid, de ontkenning van de superioriteit van sommigen ten opzichte van anderen, in beeld. Naast de opvallende portretovereenkomst is er een merkbare gemeenschappelijkheid die een soort ‘lichaamseenheid’ van het Spaanse leger vormt. Op een volkomen natuurlijke manier kwam het naar voren via een vloeiende overgang van het midden naar de voorgrond en vulde het het historische tafereel. Spinola zette ook een stap in de richting van zijn leger, trok zich terug uit de frontlinie van de historische helling, en bereikte daardoor fysieke, morele en spirituele eenheid met zijn soldaten. Velazquez gebruikte op meesterlijke wijze de techniek van antithese op het niveau van de volgende categorieën: bewegingsrust, volume-vlakheid, warm-koude kleuren, waarbij hij op de een of andere manier de voorkeur gaf aan Nederland, wat in de kunstenaar de gave onthult van een ziener die de toekomstige macht van Nederland. Het is de verslagen Justin de Nassau die in actie wordt afgebeeld - hij komt zwaar en langzaam vooruit, terwijl Spinola staat. De figuren van de Nederlanders zijn volumineus en materieel tastbaar, ze bewegen zich actief voort dankzij de lichte en warme kleurstelling (accenten van geelgoud, wit en groen) en bewegen zich letterlijk in de werkelijke ruimte van de kijker (de figuur in het geel op de voorkant). rand van de foto). Bovendien zijn ze psychologisch actief, wat zowel tot uiting komt in de individualisering van de reactie van elke persoon op gebeurtenissen, als in een directe oproep aan de kijker (het uiterlijk van een man met een musket in het groen). Tegelijkertijd worden de gelederen van het Spaanse leger in de diepte ingezet en lijken ze zich terug te trekken uit het beeldvlak, geleidelijk vlakker en versmeltend met de vlakke afbeeldingen van het patroon van speren en het blauw van de lucht. Deze indruk wordt ook vergemakkelijkt door de visuele ‘terugtrekking’ van donkere en verfijnde koude tinten blauw en parelroze. Voor onze ogen keren echte mensen terug naar het verleden van het fresco, de mythe van de kopieën trekt zich terug voor de realiteit van een strak op maat gemaakte hellebaard en een musket die qua uiterlijk volkomen ineffectief zijn, de overwinning verandert in een nederlaag.
In het schilderij van Diego Velazquez is de compositie uiterst helder en voelbaar. In het midden vindt de belangrijkste gebeurtenis plaats: de sleuteloverdracht. Bovendien wordt het gevormd door de beweging van twee sleutelfiguren, waarvan het contrast ten opzichte van de mensen om hen heen zo actief is dat de kunstenaar (om de integriteit van de compositie niet te vernietigen) ze ‘stopte’ op het ritme van de speren en de croupe van het paard aan de rechterkant van de foto. Het centrum - de 'sleutel' - is omgeven door dubbele scènes: met behulp van figuren van commandanten en soldaten (een trend van het classicisme) ligt de nadruk op deze epische gebeurtenis. Hierdoor wordt een speciale harmonie van alle elementen van de foto bereikt. Maar compositorisch is de foto verdeeld in twee delen: de bovenste is vrij, de onderste wordt ingenomen door figuren.
Er is ook een ritme van symmetrische groepen in de afbeelding. Links staat het Nederlandse leger, rechts het Spaanse leger, in het midden is lege ruimte, pauze. Bovendien is de aard van het ritme binnen de symmetrische groepen links en rechts verschillend. De juiste groep – het leger van de winnaars – heeft een ritme dat de indruk wekt van stevigheid en kracht. Deze indruk wordt benadrukt door de aard van de speren en de draaiing van het paard op de voorgrond. Het ritme van het verslagen leger aan de linkerkant wekt de indruk van een grotere fragmentatie; de figuren, dichter bij de voorgrond dan aan de rechterkant, laten niet toe dat er veel figuren worden afgebeeld. Dit wekt de indruk van een klein en zwak leger.
Het is verbazingwekkend hoe de kunstenaar erin slaagde een moment van eenheid, eenheid te creëren, ondanks het feit dat de legers nog steeds heel verschillend zijn. Het moment van generalisatie wordt precies bereikt met behulp van ritmestrepen die het centrale deel omcirkelen en zorgen voor de onderlinge verbinding van alle delen van de foto.
En compositorisch gezien is dit werk een treffend voorbeeld van de kunst van de New Age en kan het gerust worden toegeschreven aan de niet-stalen lijn.
Het kleurenschema van het schilderij.
Diego Rodriguez de Silva Velazquez is een van de eerste meesters van de Valerie-schilderkunst. De grijstinten van zijn schilderijen glinsteren in vele tinten, en de zwarttinten zijn licht en transparant. De heldere, warme kleuren van de kleding van de Nederlanders, het koude blauwgroen van de Spanjaarden, worden verlicht door een gelijkmatig zilverachtig licht, waardoor een sfeer van de vroege ochtend ontstaat en een rijke licht-luchtomgeving ontstaat. De meesterlijke penseelstreek is gevarieerd: interessante manieren om verf aan te brengen - van zachte, onmerkbare penseelstreken op de achtergrond tot energieke streken en vrije bravourestreken die de vorm en het volume van de kleding van mensen bepalen. De voordelen van kleur worden in Velazquez’ schilderij gecombineerd met helderheid, majestueuze eenvoud van compositie en gevoel voor verhoudingen.
De onberispelijke natuurgetrouwheid en verfijnde verfijning van Velázquez’ oog is verbazingwekkend, omdat hij weet te genieten van zowel de rijkdom als de diepte van de heldere kleurakkoorden op de voorgrond. En tegelijkertijd merken we dat de subtielste reflexen in wisselwerking staan met halftonen en clair-obscur, wat de overdracht van materialiteit verbetert.
De schilder richt zich op het probleem van de vorming van de luchtomgeving: doffe donkere schaduwen verdwijnen, scherpe lijnen, zilverachtig licht en lucht omhullen de figuren letterlijk. Aangename grijstinten dempen de helderheid van de afzonderlijke kleuren van het beeld. Er ontstaat een ongekend gevoel van diepte, de kunstenaar reproduceert waarheidsgetrouw de toestand van de Nederlandse lucht, gevuld met vocht uit de nabijgelegen zee. Alles spreekt welsprekend over de wens van Velazquez om de werkelijkheid vollediger en betrouwbaarder over te brengen.
De coloristische oplossing is spaarzaam, maar ongewoon rijk: ze is gebouwd op een paar tinten – zwart, geel, roze en groen – verenigd door grijs van verschillende sterkte, intensiteit en tint, van donkergrijs tot parelmoer, en deze verschillende grijze vlekken verbinden de individuele elementen van de afbeelding tot één compositorisch geheel.
Dit canvas wordt gedomineerd door een nobele, koude toon, waaruit alleen geïsoleerde vlekken van geel, zwart en lichte wittinten naar voren komen. De achtergrond wordt waargenomen als een enorme afstand, verloren in de ochtendnevel van mist en branden, waarin twee kampen opvallen.
Laten we eens kijken naar het eigenaardige ‘spel’ van toonvlekken: de blik gaat van Spinola’s donkere pantser naar de paardenstaart en verder naar de schaduw van het Nederlandse leger zelf.
Het is onmogelijk om de precisie en rijkdom van de tekeningen van Diego Velazquez niet te bewonderen. De kunstenaar modelleert zorgvuldig, met behulp van een penseel, de gezichten, handen en kleding van de personages op de afbeelding. Het volume aan figuren wordt gevormd dankzij kleuroplossingen en talrijke natuurlijke reflexen die kenmerkend zijn voor de natuurlijke omgeving.
De kunstenaar maakt actief gebruik van lijn, met behulp waarvan hij de beweging van mensen overbrengt. Bijvoorbeeld: de beweging van de commandant versterkt de dwarsplooien van zijn pak, evenals de positie van zijn benen en de richting van zijn romp naar het rechtervlak van de foto.
De schilder modelleert vakkundig de handen: daarin voel je de natuurlijke bewegingen van de twee hoofdpersonen naar elkaar toe. Velazquez geeft de personages anatomisch correct weer, hoewel hun lichamen verborgen zijn onder kleding: Spinola staat lichtjes leunend op een van zijn benen en leunt naar de Nederlander.
Dankzij het ritme van de lijnen ontstaat er een vloeiende, levendige beweging, waardoor het gevoel ontstaat dat de kunstenaar een kort moment, een episode uit het gewone leven, heeft weten vast te leggen.
De zachte, luchtige contouren van de schilder schetsen niet alleen de randen van objecten, maar glijden zacht rond, soepel en vaak verdwijnen ze gewoon. Dit betekent dat de meester een “levende lijn” gebruikt, wat extra bewegingen versterkt. Op de voorgrond bijvoorbeeld het reispak van de Nederlander.
De meester maakt actief gebruik van clair-obscur, met zijn hulp bereikt hij een verbazingwekkende "natuurlijkheid" van de figuren en geeft hij het beeld diepte. En dit is het uitzonderlijke talent van Diego Velazquez, die de verbluffende effecten van realistisch zicht kan overbrengen. Dit bevestigt nogmaals het feit dat Diego als kunstenaar veel innovatie heeft bijgedragen aan de kunst van de New Age. Het is ook bevredigend om te zien hoe stevig en nauwkeurig de figuren van de personages zijn getekend, waardoor een bizar maar harmonieus patroon ontstaat.
Na onderzoek van het schilderij 'De overgave van Breda' kan worden gesteld dat in het werk van Velazquez de linkse lijn, die zijn oorsprong vond in de moderne tijd, het meest volledig tot uitdrukking kwam. Op basis hiervan gebruikt Diego Velazquez in zijn werk schildertechnieken met een realistische oriëntatie (luchtomgeving, clair-obscur kenmerkend voor natuurlijk licht, harmonieuze kleuroplossingen van zachte ochtendverlichting, compositie, enzovoort), en het allerbelangrijkste: dit canvas belichaamt de hoop van mensen ondanks het feit dat, ondanks de talrijke problemen van de nieuwe complexe wereld die we tegenkomen op iemands pad, deze vernietigd kunnen worden door goede natuurlijke relaties (er wordt een verband met de barok gevoeld) - we kunnen met vertrouwen zeggen dat dit canvas het meest volledig geïdentificeerd met de kunst van de New Age: in de eerste plaats met een extra stalen lijn, en gedeeltelijk met barok en classicisme.
Wat artistieke technieken betreft, Velazquez gebruikt ze zo vakkundig en nauwkeurig ("beeldhouwende" vormen, harmonieuze tonen, natuurlijke bewegingen en complexiteit van compositie) dat dit schilderij met recht het eerste voorbeeld is van een nieuw canvas - een canvas van historisch realisme. Het doel hiervan is om, in een tijd van enige onrust, op waarheidsgetrouwe wijze de complexe gevoelens over te brengen van een persoonlijkheid die door de meesters van de Renaissance werd ‘herontdekt’.
Zonder overdrijving kan worden gezegd dat het werk van Diego Velazquez een waarheidsgetrouwe weergave is van de werkelijkheid, die hij op meesterlijke wijze belichaamde in ‘The Surrender of Breda’.
Bibliografie
1.Alpatov M.V. "Gesuggereerde erfenis". M.: Onderwijs, 1990. ."Renaissance. Barok. Classicisme. Stijlproblemen in de West-Europese kunst”, redacteur Willer. M.: Nauka, 1966 3."Geschiedenis van buitenlandse kunst". Gedachte onder redactie van M.T. Kuzmina, NL Maltseva, M.: 1980. .Jose Ortega y Gasset "Inleiding tot Velazquez" Trans. uit het Spaans Lysenko ES Petrov M.:, 1991.
