Netsuke(Japanse) 根付 netsuke, netsuke) - een klein symbolisch snijwerk. Het is voornamelijk gemaakt van ivoor of hout. In de oudheid gebruikten de Japanners netsuke om sleutels en een portemonnee aan de riem van een kimono te bevestigen, maar netsuke diende ook als kledingversiering.

In Japan verscheen de eerste netsuke in de tweede helft van de 16e - begin 17e eeuw.

Netsuke-sashi met afbeelding van Jezus Christus, ivoor, 17e eeuw

De netsuke werd gebruikt als hanger aan traditionele Japanse kleding, de kimono en kosode (帯鉗), die geen zakken hadden.

Kleine dingen zoals een zakje of een sleutel werden in speciale containers geplaatst (genaamd sagemono (下げ物). De containers konden de vorm aannemen van zakjes of kleine rieten manden, maar het populairst waren dozen (inro), die werden afgesloten met een kraal. dat langs een koord (ojime) gleed.

Netsuke houdt inro op obi

Inro werden met een koord aan de riem van de kimono (obi) vastgemaakt. Het werd in een ring vastgebonden, dubbelgevouwen en door de riem gehaald. Netsuke werd aan het ene uiteinde van de resulterende lus vastgemaakt. De koordknoop zat verborgen in een van de twee hemotoshi(紐解) - netsuke-gaten verbonden door een doorvoerklep. Netsuke diende dus zowel als een soort tegengewicht en als elegante decoratie voor kleding.

Netsuke bevestigd aan inro, gravure door Katsushika Hokusai

netsuke aan de rechterkant

Sommige mensen stellen netsuke gelijk aan okimono, maar dit mag niet worden gedaan. Netsuke en okimono lijken erg op elkaar, maar zijn qua doel en symboliek totaal verschillende figuren.

Okimono-Dit zijn beeldjes die worden gebruikt voor interieurontwerp en decoratie. Deze figuren kunnen van elk materiaal zijn gemaakt en hebben, in tegenstelling tot netsuke, geen enkele invloed op het lot van een persoon.

Sinds de oudheid hebben netsuke gevarieerd in typologie en vorm. Ditzelfde verschil tussen netsuke is tot op de dag van vandaag bewaard gebleven.

Figuren en soorten netsuke

Katabori (形彫) - dit is voor velen het bekendste en bekendste type netsuke. Kleine uitgesneden figuren die dieren en mensen voorstellen, groepen met meerdere figuren. Dit type was populair in de 18e - 19e eeuw.

katabori

Anabori (穴彫) - subgroep van katabori. Deze netsuke zijn gemaakt van een schaal, waarbinnen verhaallijnen zijn ontstaan.

anabori

Sasi (差) - deze vorm van netsuke is een van de oudste vormen. Deze netsuke zijn gemaakt in de vorm van een staaf met een oogje voor een koord. Ze konden van verschillende materialen zijn gemaakt, maar waren voornamelijk van hout. De methode om dit type netsuke te gebruiken was anders dan die van andere.

Als katabori, manji en anderen als tegenwicht werden gebruikt, werd de sashi zo in de riem gestopt dat het gat aan de onderkant zat, en een portemonnee, sleutels, etc. hingen aan een koord dat er doorheen ging Aan het bovenste uiteinde werd bovendien een haak uitgesneden, die aan de bovenrand van de riem haakte.

Sashi wordt meestal beschouwd als een van de vormen van netsuke, maar volgens sommige onderzoekers is het een aanpassing van het handvat van een zwaard, waaraan een zak met vuursteen en staal werd gehangen.

Een andere nauwe analogie met sasi is aanpassing obi-hasami, uitgevonden in China. Het is in principe vergelijkbaar met sashi, het heeft een haak aan de bovenkant, maar in plaats van een gat obi-hasami aan de onderkant bevindt zich een kleine ronde verdikking, waaraan een draagbaar voorwerp was vastgebonden.

De eerste netsuke-sashi zijn tot op de dag van vandaag in zeer kleine hoeveelheden bewaard gebleven. Bovendien zijn de eerste netsuke-sashi moeilijk te onderscheiden obi-hasami. Later, tijdens de periode van de ontwikkelde netsuke-kunst, werd de sashi-vorm waarschijnlijk als archaïsch ervaren en niet vaak gebruikt.

Sasi

Masker (面 Maine) - een kleine kopie van het Noo-masker. De grootste groep netsuke. De eigenschappen van het masker lijken sterk op het type katabori.

masker

Manju (饅頭) - deze netsuke waren gemaakt van ivoor en hadden de vorm van een cirkel. Soms werden manju gemaakt van twee halve cirkels. Soms bestaat het uit twee helften. Het beeld wordt gegeven door graveren, wat meestal gepaard gaat met zwart worden. Het kreeg zijn naam vanwege de gelijkenis met de ronde platte rijstwafel manju. Een van de unieke varianten van manju is een compositie die bestaat uit verschillende miniatuurtheatermaskers.

manju

Itaraku- deze netsuke waren gemaakt van riet of draad. Ze werden geweven in de vorm van dozen met pompoenen en andere vormen.

Ryusa(柳左） — Vormoptie manju. Het belangrijkste verschil tussen deze vorm en de gebruikelijke manju het feit dat het van binnen leeg is en één (bovenste) deel is gemaakt met behulp van de through-carving-techniek.

Wanneer Ryusa gemaakt uit twee afneembare helften, werd het materiaal meestal met behulp van een draaibank uit het midden geselecteerd. Deze vorm werd vooral vaak gebruikt in Edo, waar de beroemde beeldhouwer Ryusa woonde (werkte in de jaren 1780), naar wie het is vernoemd.

Er wordt aangenomen dat deze vorm, net als manju, bijzonder wijdverbreid raakte in verband met de aardbevingen in de Ansei-periode (1854-1860), en vooral met de aardbeving in Edo van 1855, toen veel netsuke werden vernietigd en er behoefte ontstond aan nieuwe producten. Gemak van productie Ryusa vergeleken met bijvoorbeeld katabori of kagamibut en beïnvloedde hun overheersende verspreiding op dit moment.

Ryusa

Kagamibuta (鏡蓋)- ook vergelijkbaar met manju, maar is een plat vat gemaakt van ivoor of ander bot, hoorn, zelden hout, bovenaan bedekt met een metalen deksel, waarop het grootste deel van het decoratieve ontwerp is geconcentreerd op basis van een breed scala aan technieken. De handtekening op zo’n netsuke is meestal die van de metaalsmid.

kagamibut

Natuurlijk had elk beeld zijn eigen doel.

Het beeldje van een wijze zorgde bijvoorbeeld voor doorzettingsvermogen, moed en standvastigheid Daruma ,

Daikoku met een zak magische rijst beloofde rijkdom,

en geluk geschonken Ebisu met een magische karper in zijn handen (men geloofde dat hoe moeilijk het ook is om een ​​karper met je blote handen te vangen, het zo moeilijk is om gemoedsrust en evenwicht te vinden).

Geluk en geluk, die altijd samengaan, werden geschonken door het dubbele getal: Daikoku En Ebisu .

Degenen die op zoek waren naar gezondheid en een lang leven droegen een beeldje van de god van het geluk Shawsin die ginseng en een magische perzik vasthield.

Degenen die een gekoesterd verlangen hadden, wendden zich tot de god van geluk, plezier en communicatie Hotei, hij was het die altijd zittend of staand werd afgebeeld, maar altijd glimlachend. Om het plan te vervullen, was het nodig om het beeldje driehonderd keer op de buik te aaien, terwijl je nadacht over wat gewenst was.

Reizigers namen het beeldje mee Futena, wat onderweg een goede wind en veel geluk beloofde. Hij werd afgebeeld als een man die een tas op zijn rug droeg en met een serene glimlach op zijn gezicht.

Samoerai gaf. standvastigheid, moed en moed

De koningin van de lucht, Sivanmu, gebruikte haar waaier om de wind van tegenspoed te verdrijven.

Creatieve mensen werden geholpen door een beeldje van een man die naar een schelp luisterde. Een grote verscheidenheid aan figuren, en dus hun doeleinden, maakten het mogelijk om te kiezen wat nodig was voor een specifieke situatie en dit te gebruiken om moeilijkheden op te lossen.

Maar deze kleine dingen zijn over de hele wereld niet alleen bekend als geluksamuletten. Feit is dat kleine maar zeer expressieve netsuke door veel echte kunstenaars zijn gemaakt, en dat deze beeldjes vervolgens meesterwerken van de wereldkunst zijn geworden.

Japanse netsuke: miniatuurfiguren

netsuke met een geheim

Ebisu met vis en mand.
Begin 20e eeuw, botsnijwerk

Shoushin met staf en perzik.
Eind 19e - begin 20e eeuw, botsnijwerk, schilderkunst

In ieder geval met een ventilator en een tas.
Eind 19e eeuw, botsnijwerk, schilderkunst

Jurojin met een boekrol.

Botsnijwerk, zwart worden.

Okimono Bishamonten met pagode.
Botsnijwerk, 19e eeuw.

Jurojin, een van de zeven goden van het geluk

VERKOPER VAN DARUMA-POPPEN, YASUYUKI-MEESTER

Ivoor, snijwerk. Tweede helft van de 19e eeuw. Netsuke van de beroemde meester
Yasuyuki toont een karikaturaal tafereel dat typerend was voor Edo in die tijd. De boer kwam om handel te drijven
Edo vóór het nieuwe jaar met Daruma-poppen van eigen makelij.

NETSKU IN DE VORM VAN MANJU door meester KOYUSAI
Ivoor. Diameter ca. 3,5cm 4 cm.

NETSKE "GEISHA EN DEMON"
Ivoor. Hoogte ca. 4,2 cm. 19e eeuw
Een mooi voorbeeld van het werk van Masatsuge, Edo school. Zeldzaam verhaal

THEATERACTEUR MAAR IN DE ROL VAN EEN DEMON.
Ivoor. Goudlak, rode lak, zwart maken, goudinleg en
parelmoer. Hoogte ca. 3,8 cm. Begin 19e eeuw. Meester Sugoku (Hidetama)
Zeldzame netsuke

Kanu (Guan Yu) met een hellebaard, 19e eeuws, beensnijwerk

ACTEUR IN DE ROL VAN EEN WEREN-VOS.
Kersen (?), ivoor. Hoogte ca. 4 cm.
Eerste helft van de 19e eeuw. Gesigneerd: Hogyoku.

Netsuke "Jongen met een boek" (jongenstekening)

Netsuke-krab

MOEDER EN KIND. DAGELIJKSE SCÈNE.
Ivoor, getint,
gravure. Hoogte ca. 4,2 cm Tweede helft 19e eeuw. Meester Shosai.

EEN BLINDE MAN DIE EEN STEEN VERWIJDERT UIT EEN GET
Ivoor. Hoogte ca. 5,8 cm. Eerste helft 19e eeuw. Gesigneerd: Kogyoku.

MOEDER MET KIND
Ivoor. Hoogte ca. 4 cm. Tweede helft 19e eeuw.

TENAG-LANG-GEWAPEND EN OCTOPUS
Herten hoorn. Lengte 12 cm. Eind 18e - begin 19e eeuw. Gesigneerd: Beisai.

FUKUROKUJU, god van de gezondheid, wijsheid en een lang leven, HETE BADNEMER

Buxus, ivoor. Hoogte ca. 5,3 cm. Gesigneerd: Toyo.

Ze hebben een video gemaakt op basis van mijn post op YouTube! Delen) Bedankt voor het maken van een coole clip!!

Okimono (Japans 置き物, 置物, letterlijk "ding om tentoon te stellen"; "gesneden beeldje") is een werk van Japanse decoratieve en toegepaste kunst, een beeldje bedoeld voor interieurdecoratie.

Historisch gezien verwees de term okimono naar kleine sculpturen of decoratieve voorwerpen die in de tokonoma van een traditioneel Japans huis werden geplaatst.

In de traditionele Europese zin is een okimono een beeldje.

Een okimono is qua ontwerp, qua plots en vaak qua formaat vergelijkbaar met een netsuke, maar de okimono heeft geen gat voor een koord, dat wel te vinden is in een netsuke. Een voorbeeld van een traditionele okimono is een Daruma-beeldje.

In brede zin verwijst okimono naar alles wat op een plank wordt geplaatst om het interieur te versieren: botsnijwerk, poppen, bloemenvazen, enz.

Vaak lijken okimono qua plot, expressiemiddel en grootte dicht bij netsuke, maar in tegenstelling tot hen hebben ze geen gat voor een koord en kunnen ze voor puur decoratieve doeleinden worden gebruikt.

Okimono, als een soort miniatuursculptuur bedoeld voor huisdecoratie, raakte wijdverspreid rond de 16e eeuw, toen het ontwerp van een speciale nis (tokonoma) gebruikelijk werd in de huisarchitectuur, waarin een prachtige boekrol, ikebana of kleine beeldjes van Boeddha's en Bodhisattva's werden geplaatst.

In de loop van de tijd breidde het subject-thematische repertoire van miniatuursculpturen zich uit, en al in de gravures van het Edo-tijdperk (1603-1866) kun je beeldjes zien van heiligen, monniken, dieren uit de sexagesimale cyclus en de zeven godheden van geluk als okimonos. . Dergelijke beeldjes werden niet alleen gekocht om geluk aan te trekken, maar ook om een ​​pelgrimstocht naar een verre tempel te herdenken, als geschenk en gewoon voor interieurdecoratie.

Na de Meiji-revolutie (1866-1869) nam Japan, nadat het het pad van de modernisering was ingeslagen, deel aan de Wereldindustriële Tentoonstellingen. Op de Wereldtentoonstelling in Wenen waren onder de objecten die de prestaties van het land vertegenwoordigden, culturele tradities en ambachten okimono's gesneden uit ivoor. Gezien de omvang van de tentoonstellingshal hebben Japanse beeldhouwers de beeldjes vergroot. Dit is hoe het type okimono verscheen, dat een verzamelobject werd in het Westen.

De Meiji-hervormingen, waarbij Europese kleding als officiële kleding werd ingevoerd, maakten de productie van netsuke zinloos. Carvers wendde zich tot okimono, waarvoor na een reeks wereldtentoonstellingen de vraag op de kunstmarkten van Europa en de VS toenam. De belangstelling van Europeanen voor miniatuurbeeldhouwkunst stelde nieuwe eisen aan botsculpturen, nu bedoeld om Europese interieurs te versieren.

De afmetingen van okimono werden veel groter (van 20 tot 50 cm), hun oppervlak werd zorgvuldig verwerkt en het allerbelangrijkste: de Europese kijker moest worden aangesproken in een plastische taal die hij begreep. Zo ontstond het fenomeen Japans realisme, in lijn waarmee okimono-meesters werkten.

Japanse verhalen werden belichaamd in authentieke beeldjes die opvallend zorgvuldig waren gemodelleerd. De plastictradities die zich door de eeuwen heen in Europa ontwikkelden, werden decennialang beheerst door Japanse beeldhouwers.

In de 20e eeuw nam het aantal meestersnijders sterk af als gevolg van wereldoorlogen, economische crises en het verbod op de ivoorwinning. De hoge arbeidskosten (het duurde enkele maanden tot meerdere jaren om één beeldje te maken) maakten verkoop op de binnenlandse markt onmogelijk. Heroriëntatie uitsluitend op de export leidde tot een afname van het artistieke niveau van okimono: modellen werden herhaald, de plastische eigenschappen van objecten gingen achteruit.

Okimono zijn voornamelijk gemaakt van hout, ivoor, brons en zilver. Combinaties van deze materialen zijn gebruikelijk. Om een ​​groter decoratief effect te geven, gebruikten ambachtslieden inlegwerk met parelmoer, email, koraal en goudvernis. Het meest waardevol zijn voorwerpen gemaakt van ivoor, soms gekleurd met een theeoplossing en versierd met gegraveerde ontwerpen.

Okimono-beeldhouwers waren meestal netsuke-meesters en beeldhouwers die gespecialiseerd waren in het maken van beelden voor boeddhistische tempels. De introductie van Europese kleding als officiële kleding en de sluiting van veel boeddhistische kloosters brachten werkloze beeldhouwers in de gelederen van okimono-meesters. Ze introduceerden bekende onderwerpen, modellen, compositorische oplossingen en snijtechnieken in dit soort kunst. Aan de andere kant werd het aanbod aan onderwerpen bepaald door de vraag van Europese kopers.

Meest populaire verhalen:

1. Goden, karakters uit de Shinto-volksovertuigingen, fantastische wezens (Zeven Goden van Geluk, duivels, Tennaga en Ashinaga, enz.).
2. Karakters van de boeddhistische en Laotiaanse pantheons (Boeddha, Bodhisattva Canon, arhats, sennins).
3. Historische figuren (Bodhidharma, Confucius, Yoshitsune en Benkei, enz.).
4. Helden uit Japanse en Chinese sprookjes en legendes (Momotaro, Urashima Taro, Zhong Kui, enz.)
5. Boeren, vissers.
6. Muzikanten, acteurs, sarumawasis (apentrainers), kalligrafen, kunstenaars, dichters.
7. Oude mensen met kinderen, vrouwen met kinderen, spelende kinderen.
8. Dieren, vogels, insecten, zeefauna.
9. Groenten, fruit.

De bloei van decoratieve bottensculpturen wordt geassocieerd met de namen van vooraanstaande meesters die in het Meiji-tijdperk leiding gaven aan de school in Tokio. Onder hen zijn Asahi Gyokuzan (1843-1923) en Ishikawa Komei (1852-1913). Beiden waren afkomstig van professionele beeldhouwers en gaven les in beeldhouwen aan de Tokyo Academy of Arts, georganiseerd volgens Europese normen.

Ishikawa Komei kreeg de opdracht om leiding te geven aan de leiding van de botsculptuur onder een door de Japanse keizer opgerichte commissie. Komei had veel studenten en volgers; zijn bijdrage aan de ontwikkeling van de beeldhouwkunst en erkenning in zijn thuisland blijkt uit het feit dat zijn werken regelmatig werden tentoongesteld op wereldtentoonstellingen en in veel grotere hoeveelheden vergeleken met andere meesters. Morino Korin, Udagawa Kazuo, Ando Rokuzan, Asahi Meido en anderen namen ook actief deel aan de Wereldtentoonstellingen.

In het thuisland van okimono waren er geen significante museumcollecties. Sommige werken worden bewaard in het Tokyo National Museum, Shoto Gallery. Monsters van okimono bevinden zich in het Tokayama City Museum (provincie Hida) en in privécollecties. De meeste okimonocollecties werden buiten Japan gevormd.

Onder de Amerikaanse collecties zijn de collecties van benen okimono's in het Antropologisch Museum van de Universiteit van Missouri, een groep houten okimono's in de expositie van het University of Illinois Museum, en de privécollectie van industrieel HJ Haynes opmerkelijk.

Okimono wordt gepresenteerd in het Victoria and Albert Museum in Londen, in de collectie werken uit het Meiji-tijdperk van de grootste Britse verzamelaar Nasser D. Khalili. Onder de grote collecties okimono in Duitsland noteren experts de collecties van Otto en Rath Schneidmann, Kurt S. Erich.

Individuele exemplaren bevinden zich in collecties van oosterse kunst in musea in Oost-Europa: het Nationaal Museum in Krakau (Polen), de Staatshermitage (Rusland), het Museum voor Westerse en Oosterse Kunst. Bogdan en Varvara Khanenko (Kiev, Oekraïne), Kharkov Art Museum (Oekraïne), Museum van Oosterse Culturen (Zolochev, Oekraïne), Odessa Museum voor Westerse en Oosterse Kunst (Oekraïne).

Schommel
Okimono. Bot. begin 20e eeuw
Het gewone volk en de zoon van een samoerai spelen op een schommel. Hoewel de toekomstige samurai groter is dan alle anderen, kan hij niet spelen. Omdat het spel over zowel overwinningen als nederlagen gaat. Zowel lift-offs als landingen. Subtiele Japanse ironie. Om het spel in evenwicht te brengen en voort te zetten, klimt een dorpsjongen naar de kleine samoerai.

Een van de beste privécollecties okimono in Europa is van verzamelaar en filantroop Alexander Feldman (Kharkov, Oekraïne). In totaal bevat het meer dan 300 miniatuursculptuurwerken, waaronder zeer artistieke werken van uitmuntende Japanse beeldhouwers als Udagawa Kazuo, Ishikawa Komei, Morino Korin, Ando Rokuzan, Kanya Kuniharu en Chikaaki. Tot de pareltjes van deze collectie behoren de sculpturen “Mother Nursing Child” van Kazuo (1900-1910), “Flower Seller” van Komei (1900) en “Reiger” van Korin (1900).

Kazuo's werk werd tentoongesteld op verschillende internationale tentoonstellingen en kreeg terecht bekendheid als de 'Japanse Madonna'. In het beeld van de jonge moeder is een gelijkenis te zien met de beroemde Madonna Benois van Leonardo da Vinci. De meester heeft er verschillende versies van gemaakt - in brons (een van de kopieën bevindt zich in de collectie van Nasser D. Khalili), in hout en been. Het meest waardevolle is natuurlijk het uit ivoor gesneden model, dat de collectie van A. Feldman siert.

http://upload.wikimedia.org/wikipedia/ru/e/e8/Kazuo-mother.jpg

Maxim Gorky verzamelde ook okimono. Zijn thuiscollectie omvatte beeldjes van been en brons. Onder de okimono's van ivoor noemde de schrijver een beeldje van een oude man met een aap. Bronzen beeldhouwwerk werd vertegenwoordigd door beeldjes van Boeddha's.

Historisch gezien verwees de term okimono naar kleine sculpturen of decoratieve voorwerpen die in de tokonoma van een traditioneel Japans huis werden geplaatst. In brede zin verwijst okimono naar alles wat op een plank wordt geplaatst om het interieur te versieren: botsnijwerk, poppen, bloemenvazen, enz.

Een okimono is qua ontwerp, qua plots en vaak qua formaat vergelijkbaar met een netsuke, maar de okimono heeft geen gat voor een koord, dat wel aanwezig is in een netsuke.

Kazuo's werk werd tentoongesteld op verschillende internationale tentoonstellingen en kreeg terecht bekendheid als de 'Japanse Madonna'. In het beeld van de jonge moeder is een gelijkenis te zien met de beroemde Madonna Benois van Leonardo da Vinci. De meester heeft er verschillende versies van gemaakt - in brons (een van de kopieën bevindt zich in de collectie van Nasser D. Khalili), in hout en been. Het meest waardevolle is natuurlijk het uit ivoor gesneden model, dat de collectie van A. Feldman siert.

Legenden van Japan in beeldhouwkunst

Gevleugelde Tennin. Japan, Meiji-periode (1868-1912) Handtekening van een Gyokudo-meester.

Het zwanenmeisje-motief is wijdverbreid in de Japanse kunst. Ze wordt de "kraanvrouw" (tsuru nyo:bo), "hemelse vrouw" (tennin nyo:bo) of hagoromo ("gevederde mantel") genoemd.

Het beeld van Tennin is overal in Japan terug te vinden in sprookjes of lokale legendes waarin zwanen veranderen in mooie vrouwen.
Dit motief werd voor het eerst genoemd in verschillende beschrijvingen in de 8e eeuw en vond zijn klassieke belichaming in een toneelstuk van het Noo-theater.

Er is een andere versie van de legende: elke ochtend daalden zwanen (sirotori) uit de lucht en veranderden in mooie meisjes; ze verzamelden stenen en bouwden een dam, en vlogen 's avonds weg. Dit motief gaf de naam aan het gelijknamige dorp, Shirotori, dat nog steeds bestaat.

De ‘Zeven Goden van Geluk’ in de Japanse mythologie zijn goden die hoge deugden schenken en geluk brengen: Ebisu, Daikomu-ten, Hotei, Jurojin, Fukuroju, Bishamon-ten, Bensai-ten. De cultus van de ‘Zeven Goden van Geluk’ begon aan het begin van de 15e eeuw vorm te krijgen onder de stedelijke bevolking van Japan onder invloed van Shinto, Chinese en Indiase geloofsovertuigingen. De belangrijkste bron voor de zeven goden zijn de bekende karakters uit talrijke werken uit de Chinese literatuur en schilderkunst, ‘de zeven wijzen van het bamboebos’.

Godin Kannon. Meiji-periode (1868-1912)

De interpretatie van de ‘zeven goden van geluk’ laat duidelijk de karakteristieke Japanse interpretatie van het boeddhisme zien: de goden van het boeddhistische pantheon moeten zorgen voor ‘goede dingen in deze wereld’ (een lang leven, voorspoed). De vroegste afbeelding van de ‘zeven goden van geluk’ is van een boeddhistische monnik uit de 15e eeuw. Er wordt aangenomen dat wanneer een bepaald ritueel aan het begin van het jaar wordt uitgevoerd, de 'Zeven Goden van Geluk' een persoon het hele jaar van welvaart voorzien.

Figuur "Guan Yu (Kang Wu)". Japan, Meiji-periode (1868-1912)

Er is een legende dat hij in 1856 hielp bij het onderdrukken van de opstand onder leiding van Tai-ping Tianguo, waarbij hij voor regeringstroepen verscheen op een vuurspuwende draak. Het is niet verrassend dat afbeeldingen van Guan Yu dienden als unieke talismannen voor Chinese krijgers. Omdat moed en moed door veel mensen worden vereerd, werd Guan Yu in China vereerd door boeddhisten, taoïsten en confucianisten. De stadsmensen hingen zijn beelden op in hun winkels en winkels. Het beeld van een onverschrokken krijger in het populaire bewustzijn is veranderd in een symbool van een voorbidder. Legenden toegeschreven aan Guan Yu het vermogen om regen te brengen tijdens droogtes, overstromingen te stoppen, demonen tot bedaren te brengen en mensen tegen ziekten te beschermen. Ze zeggen dat hij aan het bed van de zieke kan verschijnen en magische genezende gouden pillen in de hand van de patiënt kan plaatsen.

Symbool van het jaar:) Bronzen tijger. Japan, Taisho-periode (1912-1926)

Lamp met de afbeelding van een draak en irissen. Japan, Meiji-periode (1868-1912) Handtekening van de meester Miyao Eisuke.

In Japanse legenden en mythen vertegenwoordigt de draak krachtige goddelijke krachten.
Als een draak met het nodige respect en respect wordt behandeld, kan hij iemand genereus bedanken, aangezien draken als fabelachtig rijk worden beschouwd. In de legende van de Drakenkoning ontvangt een jonge samurai bijvoorbeeld, als beloning voor het redden van de drakendochter, een gouden taart, die, hoe vaak je hem ook afbreekt, nooit kleiner wordt.

In Japan versieren afbeeldingen van draken boeddhistische tempels en fonteinen voor wassingen vóór de eredienst.
De draak, als personage uit de Japanse volksmythologie en folklore, heeft in de Japanse cultuur twee beeldbetekenissen: aan de ene kant is het een van de incarnaties van de watergod, en aan de andere kant is het een volledig onafhankelijke, zeer gerespecteerde godheid die een grote rol speelt in de Japanse cultuur.

Irisbloemen worden vooral vereerd in Japan.

Er zijn veel gebruiken en rituelen aan verbonden. In de middeleeuwen droegen ambtenaren bijvoorbeeld pruiken gemaakt van irisbladeren, en gebruikten kinderen bundels irissen als zweep en streden ze om te zien wie hen het hardst kon slaan. Aan sake werden ook gemalen bladeren toegevoegd om een ​​ritueel drankje te creëren. De Japanners geloven dat een ketting met irisbladeren verkoudheid voorkomt en reinigt van zonden. Tot op de dag van vandaag worden irisbloemen gebruikt om kapsels, outfits, huishoudelijke artikelen en interieurs te versieren.
Aan deze oude plant is een speciale feestdag gewijd: het Irisfestival (Shobu no sekku), dat op 5 mei wordt gevierd. Een andere naam voor deze dag is Jongensdag (Tango no sekku). De relatie hier is eenvoudig. De bladeren van de iris zijn zwaardvormig, dun en plat, wat doet denken aan het lemmet van een koud wapen. Daarom verpersoonlijkt de iris in Japan de geest van de samoerai en symboliseert succes en gezondheid, en amuletten gemaakt van iris beschermen jongens - toekomstige krijgers - tegen ziekten en schenken hen moed.

Sculptuur van keizer Jimmu. Japan, Meiji-periode (1868-1912) Handtekening van Meester Kisetsu.

De eerste keizer Jimmu wordt vooral in Japan vereerd; veel tempels zijn aan hem gewijd.
De geschiedenis van zijn verschijning is geworteld in de oude Japanse mythe over de oorsprong van de wereld. Jimmu Tenno (hemelse soeverein) (660-585 v.Chr.) - de eerste keizer van Japan, de voorouder van alle Japanners. De keizer van Japan wordt beschouwd als de vertegenwoordiger van de zonnegod Amaterasu op aarde, en alleen via hem wordt de verbinding tussen mensen en de goden gerealiseerd.

'Jongens met zakken vol rijkdom en bamboetakken.' Japan, Meiji-periode (1868-1912). Miyao-workshops.

De sculpturen stellen twee symmetrisch gepositioneerde Chinese jongens voor met grote tassen op hun rug en bamboetakken in hun handen. Het beeld van jongens in de Chinese en Japanse symboliek heeft een welwillende betekenis voor de eigenaar: ze willen dat je gezonde nakomelingen krijgt. Afbeeldingen van big bags betekenen rijkdom. Bamboe is een symbool van flexibiliteit en een lang leven.

Vaas met afbeelding van karpers. Japan, Taisho-periode (1912-1926).

In de Japanse mythologie zijn karpers de personificatie van kracht en doorzettingsvermogen bij het bereiken van een doel en symboliseren ze moed en uithoudingsvermogen, doorzettingsvermogen en doorzettingsvermogen. Deze perceptie van het beeld van een karper is te wijten aan het feit dat hij doelbewust de stroomversnellingen van de rivier overwint om zijn monding te bereiken.
Net als deze vis die tegen de stroom in beweegt en de waterval opklimt, moeten de mensen de obstakels in het leven overwinnen en naam maken. Daarom zijn items met karperafbeeldingen geschikt voor degenen die graag een sterk karakter en kwaliteiten als moed en geduld willen hebben.

Lao Tzu op een buffel. Japan, Late Edo-periode (1600-1868).

Lao Tzu (Oud kind, wijze oude man) is een oude Chinese filosoof uit de 6e tot 5e eeuw voor Christus. e., een van de grondleggers van de beweging van het taoïsme, auteur van de verhandeling “Tao Te Ching” (Canon van de Weg en Genade, een andere naam is “Drie Karren” - geschreven op bamboe bezette drie karren)

Hotei met een tas en een staf. Japan, Meiji-periode (1868-1912) Handtekening van Meester Kasetsu.

In de oude Japanse mythologie is Hotei de god van geluk, overvloed en zorgeloos leven, die ook de beschermer van kinderen is. In de 17e eeuw werd hij in Japan heilig verklaard en werd hij een van de zeven goden van het geluk. Er wordt aangenomen dat het het lot van mensen vooraf bepaalt en helpt bij de vervulling van gekoesterde verlangens.
Het prototype van Hotei is een Chinese boeddhistische monnik genaamd Qi-Tsi uit de 9e-10e eeuw, die beroemd werd vanwege het voorspellen van gelukstekens en werd beschouwd als de aardse incarnatie van Maitreya. Hij had een ongewoon uiterlijk (klein postuur, grote vooruitstekende buik) en onderscheidde zich door zijn eigenaardige gedrag (hij liep halfnaakt door kloosters met een linnen zak op zijn rug). De legende zegt dat waar hij verscheen, geluk, gezondheid en voorspoed naar mensen kwamen. Het was gebruikelijk om Hotei af te beelden als een lachende dikke man met een geschoren hoofd in een kloostergewaad en met een enorme tas. Als iemand vroeg wat er in de tas zat, antwoordde hij: “Ik heb de hele wereld daarin.” Zijn oorlellen hebben een langwerpige vorm. Hotei loopt altijd op blote voeten en zijn dikke buik is geenszins het gevolg van overmatige voedselconsumptie, maar de belichaming van zijn qi, zijn onontkoombare vitaliteit.

Jurojin en erfgenaam van de Chinese troon. Japan, 1937. Gezamenlijk werk van meesters Takeyuki en Ryozan.

Er wordt aangenomen dat het prototype van de Japanse godheid Jurojin de Chinese grondlegger van het taoïsme was - Laozi. Meestal wordt hij afgebeeld als een oude man met een lange witte baard. De attributen van de Jurojin-godheid omvatten meestal een staf, een boekrol, een Ruyi-staaf en langlevende dieren zoals herten, schildpadden en ooievaar. Er wordt aangenomen dat de Jurojin-rol informatie bevat over alle wezens die op aarde leven en de geheimen van een lang leven en onsterfelijkheid. De Ruyi Wand is de toverstok van wensvervulling en gelukkige voortekenen. Vanuit het Chinees kan 'ruyi' worden vertaald als 'wat je maar wilt'. Er wordt aangenomen dat het geluk brengt en wensen vervult. Ruyi's toverstok heeft vaak de vorm van een Lingji-paddenstoel.
In deze compositie wordt Jurojin afgebeeld met een staf en een boekrol. Ruyi's hengel is in de handen van de jongen. Uit de hiërogliefen die op de boekrol zijn gegraveerd (letterlijk: Rol voor de Chinese 'Zoon van de hemel'), kan worden geoordeeld dat deze rol bedoeld was om de jonge keizer te trainen. Uit het patroon op de kleding en de pet van de jongen blijkt ook dat voor ons de jonge keizer van China staat, wiens mentor de godheid Jurojin is.

Confucius. Japan, Meiji-periode (1868-1912). Satsuma-workshops.

Confucius (551-479 v.Chr.) werd geboren in China, in de provincie Shandong. De belangrijkste opvattingen van de filosoof zijn uiteengezet in het boek "Conversations and Judgments" ("Lun Yu"), dat een verslag is van de uitspraken en gesprekken van Confucius met zijn naaste studenten en volgers. Toen het confucianisme de dominante doctrine in China werd (na 136 v.Chr.), werd de filosoof uitgeroepen tot ‘de leraar van 10.000 generaties’, en werd zijn cultus officieel gesteund tot 1911 (het begin van de burgerlijke Xinhai-revolutie).

Wierookbrander met afbeelding van Kirin en feniksen. Japan, Meiji-periode (1868-1912)

In de Japanse mythologie is de Kirin een wezen met de kop van een draak, het lichaam van een hert en vleugels, met de hoeven van een paard, één hoorn op zijn kop en een huid in vijf kleuren. Volgens de legende is de Kirin een goedaardig dier dat nooit op levende planten stapt en niets dat leeft schaadt. Daarom bevordert het beeld van Kirin gunstige gebeurtenissen in het leven.
Volgens de Chinese legende verscheen Kirin aan het bed van de moeder van Confucius toen ze op het punt stond te bevallen van haar beroemde zoon. De Chinezen geloven dat Kirin-afbeeldingen in het huis dienen om de eigenaren van het huis te beschermen tegen de invloed van externe negatieve krachten. Kirin beschermt de eigenaar en neemt alle negatieve energie weg die van buitenaf komt.
De Phoenix is ​​een universeel symbool van onsterfelijkheid in alle wereldmythologieën, een symbool van wedergeboorte in vuur. Volgens de legende bouwt de feniks, wanneer hij de dood voelt naderen, een nest van wierookhout en harsen, dat hij vervolgens blootstelt aan de verschroeiende zonnestralen totdat hij in de vlammen tot as verbrandt. Dan ontstaat er een nieuwe feniks uit zijn overblijfselen. Deze ‘vuurvogel’ symboliseert de goddelijkheid van koninklijke macht, adel en uniciteit. Volgens de traditie is de feniks in Japan een symbool van de zon en een symbool van de keizer.

Okimono Hotei. Satsuma-workshops. Japan, Meiji-periode (1868-1912)

Setsubun-vakantie. Japan, Meiji-periode (1868-1912) Handtekening van de meester Gyokushu.

De meester herschept het tafereel van de Setsubun-feestdag - een van de oudste feestdagen van het land, die in Japan wordt gevierd in de nacht van 3 op 4 februari. Op deze avond wordt in huizen de Mame-maki-ceremonie (‘bonenwerpen’) gehouden.
Meestal wordt dit eervolle ritueel uitgevoerd door de eigenaar van het huis, waarbij hij zegt: 'Oni wa soto - fuku wa uchi', wat 'duivels eruit, geluk in huis' betekent. De bonen worden vervolgens verzameld en gegeten als ritueel voedsel om allerlei ziekten af ​​te weren. Er wordt aangenomen dat je net zoveel bonen moet eten als je oud bent, en nog één om het komende jaar gezond en succesvol te kunnen zijn in het bedrijfsleven.

Origineel bericht en opmerkingen op

Netsuke(Japanse) netsuke, netsuke) is een klein symbolisch snijwerk. Het is voornamelijk gemaakt van ivoor of hout. In de oudheid gebruikten de Japanners netsuke om sleutels en een portemonnee aan de riem van een kimono te bevestigen, maar netsuke diende ook als kledingversiering.

In Japan verscheen de eerste netsuke in de tweede helft van de 16e - begin 17e eeuw.

Netsuke-sashi met afbeelding van Jezus Christus, ivoor, 17e eeuw

Netsuke werd gebruikt als hanger aan de traditionele Japanse kleding van kimono en kosode ( 帯鉗 ), die geen zakken had.

Kleine dingen zoals een tabakszakje of een sleutel werden in speciale containers (genaamd sagemono) geplaatst 下げ物 ). De containers konden de vorm aannemen van zakjes of kleine rieten manden, maar het populairst waren dozen (inro), die werden gesloten met een kraal die langs een koord (ojime) schoof.

Netsuke houdt inro op obi

Inro werden met een koord aan de riem van de kimono (obi) vastgemaakt. Het werd in een ring vastgebonden, dubbelgevouwen en door de riem gehaald. Netsuke werd aan het ene uiteinde van de resulterende lus vastgemaakt. De koordknoop zat verborgen in een van de twee hemotoshi

(紐解) — netsuke-gaten verbonden door een doorvoerklep. Netsuke diende dus zowel als een soort tegengewicht en als elegante decoratie voor kleding.

Netsuke bevestigd aan inro, gravure door Katsushika Hokusai

netsuke aan de rechterkant

Sommige mensen stellen netsuke gelijk aan okimono, maar dit mag niet worden gedaan. Netsuke en okimono lijken erg op elkaar, maar zijn qua doel en symboliek totaal verschillende figuren.

Okimono-Dit zijn beeldjes die worden gebruikt voor interieurontwerp en decoratie. Deze figuren kunnen van elk materiaal zijn gemaakt en hebben, in tegenstelling tot netsuke, geen enkele invloed op het lot van een persoon.

Sinds de oudheid hebben netsuke gevarieerd in typologie en vorm. Ditzelfde verschil tussen netsuke is tot op de dag van vandaag bewaard gebleven.

Figuren en soorten netsuke

Katabori (形彫) - dit is voor velen het bekendste en bekendste type netsuke. Kleine uitgesneden figuren die dieren en mensen voorstellen, groepen met meerdere figuren. Dit type was populair in de 18e - 19e eeuw.

katabori

Anabori (穴彫) - subgroep van katabori. Deze netsuke zijn gemaakt van een schaal, waarbinnen verhaallijnen zijn ontstaan.

anabori

Sasi (差) - deze vorm van netsuke is een van de oudste vormen. Deze netsuke zijn gemaakt in de vorm van een staaf met een oogje voor een koord. Ze konden van verschillende materialen zijn gemaakt, maar waren voornamelijk van hout. De methode om dit type netsuke te gebruiken was anders dan die van andere.

Als katabori, manji en anderen als tegenwicht werden gebruikt, werd de sashi zo in de riem gestopt dat het gat aan de onderkant zat, en een portemonnee, sleutels, etc. hingen aan een koord dat er doorheen ging Aan het bovenste uiteinde werd bovendien een haak uitgesneden, die aan de bovenrand van de riem haakte.

Sashi wordt meestal beschouwd als een van de vormen van netsuke, maar volgens sommige onderzoekers is het een aanpassing van het handvat van een zwaard, waaraan een zak met vuursteen en staal werd gehangen.

Een andere nauwe analogie met sasi is aanpassing obi-hasami, uitgevonden in China. Het is in principe vergelijkbaar met sashi, het heeft een haak aan de bovenkant, maar in plaats van een gat obi-hasami aan de onderkant bevindt zich een kleine ronde verdikking, waaraan een draagbaar voorwerp was vastgebonden.

De eerste netsuke-sashi zijn tot op de dag van vandaag in zeer kleine hoeveelheden bewaard gebleven. Bovendien zijn de eerste netsuke-sashi moeilijk te onderscheiden obi-hasami. Later, tijdens de periode van de ontwikkelde netsuke-kunst, werd de sashi-vorm waarschijnlijk als archaïsch ervaren en niet vaak gebruikt.

Sasi

Masker (Japanse 面 mannen) - een kleine kopie van het Noo-masker. De grootste groep netsuke. De eigenschappen van het masker lijken sterk op het type katabori.

masker

Manju (饅頭) - deze netsuke waren gemaakt van ivoor en hadden de vorm van een cirkel. Soms werden manju gemaakt van twee halve cirkels. Soms bestaat het uit twee helften. Het beeld wordt gegeven door graveren, wat meestal gepaard gaat met zwart worden. Het kreeg zijn naam vanwege de gelijkenis met de ronde platte rijstwafel manju. Een van de unieke varianten van manju is een compositie die bestaat uit verschillende miniatuurtheatermaskers.

manju

Itaraku- deze netsuke waren gemaakt van riet of draad. Ze werden geweven in de vorm van dozen met pompoenen en andere vormen.

Ryusa(柳左) Vorm optie manju. Het belangrijkste verschil tussen deze vorm en de gebruikelijke manju het feit dat het van binnen leeg is en één (bovenste) deel is gemaakt met behulp van de through-carving-techniek.

Wanneer Ryusa gemaakt uit twee afneembare helften, werd het materiaal meestal met behulp van een draaibank uit het midden geselecteerd. Deze vorm werd vooral vaak gebruikt in Edo, waar de beroemde beeldhouwer Ryusa woonde (werkte in de jaren 1780), naar wie het is vernoemd.

Er wordt aangenomen dat deze vorm, net als manju, bijzonder wijdverbreid raakte in verband met de aardbevingen in de Ansei-periode (1854-1860), en vooral met de aardbeving in Edo van 1855, toen veel netsuke werden vernietigd en er behoefte ontstond aan nieuwe producten. Gemak van productie Ryusa vergeleken met bijvoorbeeld katabori of kagamibut en beïnvloedde hun overheersende verspreiding op dit moment.

Ryusa

Kagamibuta (鏡蓋)- ook vergelijkbaar met manju, maar is een plat vat gemaakt van ivoor of ander bot, hoorn, zelden hout, bovenaan bedekt met een metalen deksel, waarop het grootste deel van het decoratieve ontwerp is geconcentreerd op basis van een breed scala aan technieken. De handtekening op zo’n netsuke is meestal die van de metaalsmid.

kagamibut

************************************

Natuurlijk had elk beeld zijn eigen doel.

Het beeldje van een wijze zorgde bijvoorbeeld voor doorzettingsvermogen, moed en standvastigheid Daruma,

Daikoku met een zak magische rijst beloofde rijkdom,

en geluk geschonken Ebisu met een magische karper in zijn handen (men geloofde dat hoe moeilijk het ook is om een ​​karper met je blote handen te vangen, het zo moeilijk is om gemoedsrust en evenwicht te vinden).

Geluk en geluk, die altijd samengaan, werden geschonken door het dubbele getal: Daikoku En Ebisu.

Degenen die op zoek waren naar gezondheid en een lang leven droegen een beeldje van de god van het geluk Shawsin die ginseng en een magische perzik vasthield.

Degenen die een gekoesterd verlangen hadden, wendden zich tot de god van geluk, plezier en communicatie Hotei, hij was het die altijd zittend of staand werd afgebeeld, maar altijd glimlachend. Om het plan te vervullen, was het nodig om het beeldje driehonderd keer op de buik te aaien, terwijl je nadacht over wat gewenst was.

Reizigers namen het beeldje mee Futena, wat onderweg een goede wind en veel geluk beloofde. Hij werd afgebeeld als een man die een tas op zijn rug droeg en met een serene glimlach op zijn gezicht.

Samoerai gaf. standvastigheid, moed en moed

De koningin van de lucht, Sivanmu, gebruikte haar waaier om de wind van tegenspoed te verdrijven.

Creatieve mensen werden geholpen door een beeldje van een man die naar een schelp luisterde. Een grote verscheidenheid aan figuren, en dus hun doeleinden, maakten het mogelijk om te kiezen wat nodig was voor een specifieke situatie en dit te gebruiken om moeilijkheden op te lossen.

Maar deze kleine dingen zijn over de hele wereld niet alleen bekend als geluksamuletten. Feit is dat kleine maar zeer expressieve netsuke door veel echte kunstenaars zijn gemaakt, en dat deze beeldjes vervolgens meesterwerken van de wereldkunst zijn geworden.

Japanse netsuke: miniatuurfiguren

Twee samoerai.

"Jongen tekent de godin van het geluk Ame no Uzume."
Denk aan "Krosh's vakantie". Ik heb van hen over netsuke geleerd, d.w.z. uit boek en film)

demon

netsuke met een geheim

Ebisu met vis en mand. Begin 20e eeuw, botsnijwerk

Shoushin met staf en perzik. Eind 19e - begin 20e eeuw, botsnijwerk, schilderkunst

In ieder geval met een ventilator en een tas. Eind 19e eeuw, botsnijwerk, schilderkunst

Jurojin met een boekrol. Botsnijwerk, zwart worden.

Okimono Bishamonten met pagode. Botsnijwerk, 19e eeuw.

Jurojin, een van de zeven goden van het geluk

VERKOPER VAN DARUMA-POPPEN, YASUYUKI-MEESTER

Ivoor, snijwerk. Tweede helft van de 19e eeuw. Netsuke van de beroemde meester
Yasuyuki toont een karikaturaal tafereel dat typerend was voor Edo in die tijd. De boer kwam om handel te drijven
Edo vóór het nieuwe jaar met Daruma-poppen van eigen makelij.

NETSKU IN DE VORM VAN MANJU door meester KOYUSAI. Ivoor. Diameter ca. 3,5cm 4 cm.

Zoals bij mannen gebeurt, werd erotiek verwelkomd)

NETSKE "GEISHA EN DEMON"
Ivoor. Hoogte ca. 4,2 cm. 19e eeuw. Een uitstekend voorbeeld van het werk van Masatsuge, Edo-school. Zeldzaam verhaal

THEATERACTEUR MAAR IN DE ROL VAN EEN DEMON.
Ivoor. Goudlak, rode lak, zwart maken, goudinleg en
parelmoer. Hoogte ca. 3,8 cm. Begin 19e eeuw. Meester Sugoku (Hidetama) Zeldzame netsuke

Kanu (Guan Yu) met een hellebaard, 19e eeuws, beensnijwerk

ACTEUR IN DE ROL VAN EEN WEREN-VOS.
Kersen (?), ivoor. Hoogte ca. 4 cm. Eerste helft 19e eeuw. Gesigneerd: Hogyoku.

Netsuke-krab

Dobbelstenen spelers

Dans op het Oogstfeest - Japanse kenmerkende ivoren netsuke, van Tadamori

MOEDER EN KIND. DAGELIJKSE SCÈNE.

Ivoor, toning, gravure. Hoogte ca. 4,2 cm Tweede helft 19e eeuw. Meester Shosai.

EEN BLINDE MAN DIE EEN STEEN VERWIJDERT UIT EEN GET

Ivoor. Hoogte ca. 5,8 cm. Eerste helft 19e eeuw. Gesigneerd: Kogyoku.

Zwangere vrouw.

MOEDER MET KIND. Ivoor. Hoogte ca. 4 cm. Tweede helft 19e eeuw.

FUKUROKUJU, god van de gezondheid, wijsheid en een lang leven, HETE BADNEMER
Buxus, ivoor. Hoogte ca. 5,3 cm. Gesigneerd: Toyo.

Bedankt jaap, die een coole video heeft gemaakt!!

Ik hoop dat je het interessant vond!!) Kapochka Kapa

Gebruikte materialen - wiki,