Для многих моделистов (как новичков, так и со стажем) постоянной головной болью является рисование глаз. Надеюсь, что приведённые ниже рекомендации помогут справиться с этой проблемой.
Сначала позвольте немного «лирики».
У занимающихся ВИМ, порой возникает вопрос: «А нужно ли вообще рисовать глаза»?
Из своего опыта могу сказать однозначно - ОБЯЗАТЕЛЬНО!
Если посмотреть внимательно на фигурки большинства серьёзных скульпторов, то можно увидеть, что на них всегда сделаны нормальные лица, с нормально открытыми глазами.
При этом нужно учесть, что даже прищуренные глаза нужно рисовать, а не заливать их жидкой чёрной краской, думая, что это очень похоже на прищур.
Вообще повторю то, что постоянно напоминаю художникам нашей студии:
«Без качественного лица не может быть качественной покраски фигурки, а без качественных глаз любое лицо смотрится убого»!
Теперь давайте потихоньку перейдём к практике.
Начнём с самого простого способа рисования глаз. Он позволяет достаточно быстро приобрести основные навыки, которые помогут в дальнейшем перейти к более сложным приёмам, позволяющим рисовать буквально «живые» глаза.
Итак, начнём.
(Сразу хочу пояснить - для большей простоты объяснения давайте пока тёмное пятно радужки и зрачка называть одним словом - «зрачок».
1. Заполняем разрез глаза полностью белым цветом.
2. Рисуем чёрной краской вертикальную линию, делящую глаз ровно пополам.
Здесь не нужно обязательно добиваться, чтобы эта линия не выходила за границы глаза (в дальнейшем я это поясню). В данном случае самое главное научиться проводить эту линию строго посередине - это самое главное!!!
Если сразу не получается - закрашивайте её белым и начинайте заново.
3. Придаём вертикальной линии некое подобие формы зрачка.
Здесь нужно заметить, что у спокойно стоящего человека зрачок, как правило, выглядит так:
Итак, что нам нужно сделать, чтобы наша вертикальная линия стала походить на зрачок?
Для этого проводим от её нижнего конца вверх две наклонные линии. Таким образом, получаем схематичное изображение зрачка (в виде перевёрнутого треугольника).
В завершении этой операции, заполняем внутреннюю часть треугольника чёрным цветом.
4. Как вы, наверное, заметили, проведённые линии выходят за границу глаза. В этом нет ничего страшного. В данном случае главное сосредоточиться на симметрии зрачка, а выход за границу мы сейчас легко исправим.
Любой нарисованный глаз (на фигурках любого размера) должен обязательно иметь линию ресниц. Именно ей мы сейчас и скроем сверху то, что нам не нужно.
Если при этом у вас не получается тонкая аккуратная линия одной толщины, не расстраивайтесь. Здесь можно применить маленькую хитрость - добейтесь, чтобы линия ресниц была ровной с нижней стороны (со стороны глаза). А верхняя граница её (в сторону брови) может быть какой угодно.
После этого берём теневой оттенок телесного цвета и закрашиваем им верхнюю неровную часть этой полосы, оставив лишь внизу тонкую линию - что и требовалось получить.
5. Теперь пришло время убрать часть зрачка, выступающую за нижнюю границу глаза. Для этого берём самый светлый оттенок телесного цвета и делаем им своеобразную «подводку», рисуя нижнее веко. Этим мы закрываем выступающую часть зрачка и немного уменьшаем размер самого глаза.
В итоге получаем глаз вполне приемлемый не только для масштаба 1:35, но и для более крупных фигурок.
И хотя этот способ не так уж сложен, но практика показывает, что не у всех получается рисовать треугольник «зрачка» подобным образом. Кому-то это может показаться очень сложным. В таком случае могу предложить несколько упрощённый вариант. Делается это так - одним мазком проводим наклонную широкую полосу
после этого, дабавляем к ней с другой стороны внахлёст такую же полосу, но с наклоном «навстречу», формируя таким образом треугольник.
В случае, если нарисовать и это не получается, то эту задачу можно ещё упростить, заменив треугольник на широкую полосу.
В этом случае, в п.2 делаем вот так:
После чего, начиная с п.4, продолжаем всё делать, как было указано ранее.
Разумеется, здесь зрачок уже будет слишком схематичным, но в качестве обучающего приёма, для начала, и это вполне подойдёт.
Кроме того, если у фигурки глаза прищурены, то такой зрачок тоже будет смотреться вполне реалистично.
Всё вышесказанное относится к тому случаю, когда нужно показать взгляд «вперёд». Если же требуется направить взгляд нашей фигурки в сторону, то делается всё, то же самое, но вертикальная осевая линия зрачка сдвигается к одному из уголков глаза.
Возможно, новичкам этот метод покажется не самым лёгким, но можете поверить - совсем немного терпения и практики, и всё начнёт получаться буквально автоматически.
Как я сказал вначале, это один из самых простых способов, позволяющий быстро научиться рисовать глаза вполне приличного качества. Эффективность этого метода проверена на практике, т.к. я сам постоянно им пользуюсь при обучении художников.
В дальнейшем, я думаю, можно будет снова вернуться к этой теме и рассмотреть более сложные способы рисования глаз, но зато позволяющие добиваться максимального реализма.
Приходилось ли вам создавать Т.е. не рисовать картину с натуры, а придумывать свой сюжет, свою композицию по воображению?
Было? Тогда вы знаете, что когда мы сочиняем картину, перед нами встают две сложности.
Первая - что нарисовать? как сделать свою мысль понятной зрителю?
Вторая - как создать композицию, в которой всё гармонично? как нарисовать "красивую" картину?
Любой художник, прежде чем писать серьёзную картину, создаёт её эскиз. В этом эскизе он продумывает сюжет картины, размеры и соотношение объектов, расположение персонажей, освещение, что будет главным, а что - второстепенным, и, что немаловажно, как будет двигаться глаз зрителя по картине.
Создание картины - это долгий процесс, в котором по времени львиную долю занимает именно эскиз!
Стадии создания картины от поисковых эскизов к готовой акварели
Если вы упускаете эту стадию и сразу пытаетесь нарисовать что-то на большом холсте (листе), то вас, скорее всего, ждет разочарование. Какой бы великолепной ни была техника исполнения, картина может оказаться стереотипной, избитой, а то и вообще не гармоничной.
ТЕОРИЯ. КАК СОЗДАТЬ КРАСИВУЮ ГАРМОНИЧНУЮ КАРТИНУ?
Можно ли описать гармонию ? Не придуманное ли это понятие? Ведь что одному красиво, другому может быть НЕкрасиво, скучно, пресно, безобразно.
Как измерить гармонию?
История мирового искусства говорит, что это возможно. Существуют определённые законы, правила и принципы, которые позволяют нам создать гармоничное произведение. Они описаны в науке, названной композицией .
Что отвечает за гармонию в картине?
На мой взгляд, это как минимум четыре основных базовых элемента:
1. СООТВЕТСТВИЕ ВСЕХ ЭЛЕМЕНТОВ КАРТИНЫ ВАШЕЙ ИДЕЕ
Это означает, что что бы вы не взяли в картине: образы персонажей, их жесты и мимика, взаимосвязи между ними, тональное и цветовое решение картины, какие-то отдельные детали - всё это должно работать на раскрытие образа, раскрытие идеи картины.
В картине не должно быть ничего случайного, "инородного".
2. БАЛАНС
В картине всё должно находиться в композиционном равновесии.
Если картина асимметрична, то мы должны какими-то элементами восстанавливать баланс, чтобы в целом картина смотрелась уравновешенной и не вызывала внутреннего дисбаланса.
3. ЦВЕТОВАЯ ГАРМОНИЯ
Цвета, которые присутствуют в картине, должны быть созвучны друг с другом и соответствовать идее картины.
4. ЦЕЛЬНОСТЬ
Простым языком понятие цельности картины можно выразить как «ни убавить, ни прибавить...»
В картине не должно быть дробности, второстепенные элементы должны подчиняться главным и работать на общую идею и ясность восприятия.
Пожалуй, это самое сложное для объяснения понятие. Поэтому я расширю его.
Что составляет цельность картины?
Я выделила такие составляющие:
Ритм
Повторение элементов, цветовых пятен, линий, движений. Ритм обязательно должен быть в картине в любом качестве как некое структурирующее начало.
Композиционный центр.
Это фокусная точка, куда взгляд зрителя чаще всего возвращается, и именно в этом месте художник располагает смысловой центр, что непосредственно выражает идею. Очень важно для создания цельности, чтобы композиционный центр доминировал, а все остальные элементы ему подчинялись.
Движение глаз по картине (пластика).
Художник может направить взгляд зрителя, заставить его двигаться по нужной траектории, от одного элемента картины к другому. Эта траектория движения глаза позволяет зрителю воспринимать картину ясно и цельно, "прочитать" её идею.
Обучение композиции - процесс не сиюминутный. Он требует и знания теории, и самостоятельной практики сочинения картин.
Основы композиции мы изучаем в онлайн Школе Изобразительного искусства на протяжении года.
Передать все эти знания в одном мастер-классе не получится.
Но я попытаюсь объяснить вам самые основы композиции и набросать схему ваших действий при создании эскиза картины.
И давайте сразу совместим теорию с практикой! Так будет понятнее.
ПРАКТИКА. СОЧИНяем КАРТИНу по шагам.
Чтобы разобраться в вопросах композиции, давайте пройдет весь путь вместе.
Я буду рассказывать вам о композиционных приёмах, а вы будете создавать картину, выбирая тот или иной способ.
Сочинять картину мы будем на примере... снеговика.
Шаг 1. ИДЕЯ
Прежде чем рисовать эскиз, следует задуматься о том, какова идея картины.
О чем она? Что будет изображено на картине?
В нашем случае для картинки со снеговиком я предлагаю вам составить список всего того, что может делать ваш снеговик, например, дарить подарки, рисовать, дирижировать, лежать, падать, скользить...
Не пытайтесь продумывать композицию и вспоминать конкретные картинки, просто "набросайте" десяток глаголов действия.
Остановите свой выбор на том варианте, который более откликается или же сделайте выбор вслепую!
Поиски идеи картины в эскизе Светланы Ланских
Шаг 2. ВЫБОР ФОРМАТА
У каждого формата есть свои особенности. Выбирая формат для своей картины, задумайтесь, какой из них лучше передает вашу идею?
Горизонтальный формат отображает движение вширь. Он хорош для изображения пейзажей с полями и лесами, объектов более протяжённых в длину, чем в высоту.
Вертикальный формат показывает нам высокое, подчёркивает движение вверх. И если горизонтальный показывает нам нечто материальное, то вертикальный намекает на возвышенное и духовное.
Квадратный формат. В нём пропорции равны, он замкнут сам на себя, никуда не спешит, не торопится или неподвижен. Выражает ощущение стабильности, уюта, покоя.
Продумайте, какой из этих форматов лучше передаст действие, которое вы определили глаголом в шаге 1.
Отделите этот формат на листе небольшим прямоугольничком размером около 10 см по одной стороне. Это удобный компактный вариант размера для эскиза.
Эскизы Галины Селивоненко
- Малый размер
Маленький объект и много фона.
Хорош, когда важно показать не сам объект, а движение в картине, то, что там проис-ходит, весь рассказ. В этом случае мы не можем подробно рассмотреть персонаж, и детальная прорисовка образа не важна, но важны поза, силуэт и цвет. Очень важен фон.
- Равнозначный с фоном
- Укрупнение, обрез
Очень сильно укрупняем персонажа, фон минимален.
Фактически мы обрезаем персонажа, и это должно быть чем-то обусловлено. Тут важны эмоции, мелкие детали, а фон совсем неважен, его можно задать абстрактными цветовыми пятнами.
Подумайте, какой вариант лучше подойдет для раскрытия идеи вашей истории?
Эскизы Надежды Кораблевой
Шаг 4. РАСПОЛОЖЕНИЕ ОБЪЕКТА НА КАРТИННОЙ ПЛОСКОСТИ
Персонажа вы можете расположить в разных частях картины. При этом восприниматься персонаж и сама картина уже будут по-разному.
Расположение в центре.
Самое элементарное и логическое - расположение в центре.
Наш взгляд сразу попадает в центр картины. Мы видим персонажа и ни на что не отвлекаемся.
На краю формата. Если мы ставим объект на край формата, то он сразу вываливается из нашего внимания, если в центре есть другой объект. Однако, если в центре пусто, а сам персонаж близок к раме, то это очень сильное положение, он буквально притягивает к себе внимание, потому что эти края стремятся войти в реальность, соприкасаются с ней.
Такой вариант хорош для стенгазет, но в целом такое положение следует избегать, его сложно уравновесить.
Квадранты. Запомните!
Правый нижний угол весит больше, чем левый верхний. Мы должны больше нагружать левую сторону, чтобы создать равновесную картину. В левую часть мы ставим более тяжёлые объекты и двигаем их больше к верхней части, которая для нас более лёгкая.
Золотое сечение.
Ещё один выигрышный вариант – расположение объекта на линии золотого сечения. Персонаж на линии золотого сечения воспринимается нами как главный, он гармоничен и уместен.
Помните о балансе в асимметрии! Смещая объект от центра, думайте, как его уравновесить.
Эскизы Антонины Нужных
Прежде, чем вы разместите своего снеговика, подумайте ещё вот о чём:
Подсказка! ПРИЕМ, КАК ПЕРЕДАТЬ ДВИЖЕНИЕ В КАРТИНЕ
Миниатюра - это вид живописи, возникновение которого неразрывно связано с появлением , а в последствие и полноценных книг. Данная техника является прообразом современной иллюстрации.
Большинство читателей решит, что миниатюра названа так по причине своих небольших размеров. На самом деле название произошло от латинского слова minium. Так назывались красные краски, которые использовались при оформлении первых рукописей. Рисунки действительно имели очень небольшие размеры. При этом художники стремились прорисовать на них каждую деталь с максимальной точностью.
Фрагмент персидской миниатюры, 17 век
Сегодня в живописи понятие «миниатюра» применяется по отношению к произведениям искусства малых форм, не только в живописи, но и в скульптуре и графике.
Древние художники рисовали миниатюры тоненькими кистями или птичьими перышками. Что изображали на маленьких рисунках? То, о чем было написано в книгах. Исторические события, героические личности, библейские сюжеты и многое другое. В 18 веке, с появлением , появился и его миниатюрный вариант - маленькие изображения на пластинках из различных материалов.
Историки выделяют несколько школ миниатюрной живописи. Они относятся к разным частям света и имеют свои характерные черты. В Древней Руси рукописи украшали прекрасными миниатюрами, а страницы покрывали позолотой. В Западно-Европейском искусстве расцвет миниатюры приходится на 13-15 века. На рисунках мастеров кроме религиозной тематики - сюжеты сражений и сцены из светской жизни.
Индийская миниатюра
Настоящими мастерами в этом виде живописи стали восточные художники. Шедеврами искусства являются миниатюры Персии, творчество художников из Индии и Монгольской империи.
Специалисты делят миниатюры на несколько видов.
Портретная миниатюра - изображения небольшого формата получили большую популярность в 18 веке. Портреты маленьких размеров можно было совмещать с ювелирными украшениями, брать с собою в военные походы и путешествия, хранить в заветном месте.
Портретная миниатюра
Иллюминирование - техника Средневековья, использовавшаяся для росписи религиозных рукописей. Отличается разнообразием колоритов, за счет использования особых красок.
Миниатюры - это как "наброски перед набросками". Они помогают полноценно представить финальный результат, предоставляя достаточно возможностей для экспериментов. В сегодняшнем уроке из серии "Цифровая живопись от А до Я" мы раскроем преимущества этих крошечных шедевров.
Что представляют собой миниатюры?
Миниатюры - это небольшие предварительные наброски, которые обычно обрамляются рамкой и представляют собой снимок идеи будущего рисунка. Традиционные художники всегда использовали их для планирования своей работы, поэтому не удивительно, что миниатюры перекочевали в сферу цифровой живописи.
Зачем можно использовать миниатюры?
Была ли у вас ситуация, когда в голове полно идей, но их не получается собрать воедино?
При помощи набросков в Photoshop можно выработать идеальную композицию перед началом рисования. Это может стать важным шагом в вашем путешествии по миру живописи, ведь с получением нового опыта вы стараетесь подготовить рисунок, чтобы избежать типичных ошибок новичков.
А главная ошибка новичков - отсутствие подготовки. Как видите, хорошие рисунки не падают с неба. За каждым шедевром есть длинный список заметок, миниатюр и даже небольших исследований, чтобы идеально нарисовать каждую деталь.
Виды миниатюр
Создание миниатюр - довольно прямолинейный процесс. Вот несколько разных методов, которые вы можете попробовать сами:
Заметки и исследования
Собственно говоря, я всегда больше пишу, чем рисую. Все мои миниатюры сопровождаются ассоциативными словами, которые помогают прояснить мое видение лучше, чем визуальная интерпретация. Я называю цвета, которые хочу использовать, пишу прилагательные для описания рисунка и делаю много заметок о важных деталях, которые могу забыть. После того, как у меня есть общая идея, я чувствую себя достаточно комфортно, чтобы начать рисовать.
Однако, не все художники одинаковы. Вам может понадобится нарисовать 3 миниатюры или 30 перед тем, как перейти к следующему шагу. Совет новичкам - просто поэкспериментируйте, пока не найдете подходящий для себя процесс. Делайте множество легко понятных заметок и перечитывайте их, чтобы не потерять идею.
Свобода vs. детали
Я видел множество различных миниатюр, начиная от тщательно прорисованных прекрасных набросков и заканчивая "палочными человечками" и "куриными набросками". Они все работают и у каждого из них есть свои преимущества. Каждый раз, когда вы рисуете без деталей, вы оставляете пространство для дальнейшего творчества. Это позволяет быстро зарисовать все идеи, не тратя времени на тонкую прорисовку.
Однако, детализированные миниатюры отлично помогают подметить все детали. Это заставляет полностью все проработать перед переходом к финальному наброску.
Лучший способ узнать, какой из видов миниатюр подходит вам больше - прислушаться к себе. Нужно добавить больше деталей? Вы знаете, что делать.
Контуры и формы
Как должно выглядеть негативное пространство? Где иерархия этого рисунка? Как глаза будут двигаться по композиции? Перед завершением наброска нужно ответить на все эти вопросы.
Иногда лучшее, что можно сделать - просто нарисовать основные контуры. Хотите нарисовать прекрасный пейзаж? Включите в свою миниатюру простые формы, например, треугольники для деревьев или квадраты для зданий. Хотя это звучит глупо, но в итоге вы удивитесь, как прояснилось ваше видение.
Цвета и значения
Как уже упоминалось ранее, миниатюры отлично подходят для изучения. Поэтому не стоит забывать об экспериментах с цветом и схемой освещения. Если разобраться с этим на раннем этапе работы, удастся избежать разочарования в финальном результате.
Из-за своего безграничного потенциала Photoshop часто может показаться слишком сложным для новичков. Работая с миниатюрами, вы можете сконцентрироваться на определенной цветовой схеме и не отвлекаться на все лишнее.
Основные настройки: как рисовать миниатюры
Создать свой шаблон для миниатюр очень просто. Однако, можете также скачать готовый файл (https://cms-assets.tutsplus.com/uploads/users/346/posts/23900/attachment/psdtuts_thumbnail_template.psd).
Используйте инструмент Прямоугольник (Rectangle Tool), чтобы создать несколько прямоугольных фигур в портретном или альбомном формате. Объедините все слои с фигурами и закрепите их.
Создавайте новые слои и посвящайте их определенному концепту. Теперь начинайте делать наброски! После этого сохраните файл в формате .psd , чтобы использовать его для будущих рисунков.
Получаем максимум пользы от миниатюр
Это было довольно просто, не так ли? Теперь рассмотрим несколько советов по более эффективному использованию миниатюр.
Не перестарайтесь
Помните, это просто миниатюра. Маленький набросок. Он не должен быть слишком сложным или детализированным. Если вы видите, что уже на этом этапе перегружены и не знаете, что делать дальше, успокойтесь и подойдите к этому проще. Хорошие идеи требуют большого количества экспериментов, поэтому научитесь принимать мелкие недоработки, даже если рисуете "палочного человечка".
Думайте шире
Иногда рамки не помогают, а пустой белый лист убивает желание рисовать. Попробуйте изменить способ работы с композицией. Если у вас каждый раз получаются одинаковые композиции, отучите себя от этой привычки еще на этапе создания миниатюр. Используйте круги вместо прямоугольников, поиграйте с перспективой или цветом, чтобы изменить свое отношение к идее.
Знайте, как выбирать лучшую миниатюру
Вы сделали несколько миниатюр. Что дальше? Выберите рисунок, лучше всего отображающий историю. Не ленитесь и тщательно выбирайте набросок. Для получения максимального результата изучите все миниатюры, особое внимание уделяя тем, на которых останавливается взгляд. Просто прислушайтесь к себе и узнаете, что лучше выбрать.
Выводы
Все это кажется лишней работой, но рисование миниатюр поможет вам добиться успехов в создании потрясающих рисунков. Благодаря обширному планированию художники узнают, что работает, а что - нет.
История миниатюр восходит к средним векам, когда художники при помощи акварели создавали изысканные портреты на пергаменте или слоновой кости. Они тщательно прорабатывали мельчайшие детали, используя различные техники рисования, такие как штриховка или точечное нанесение красок («стипплинг» или «тычковый» метод), чтобы создать множественные слои цвета на рисунках размером менее чем 15 на 12 сантиметров.
Многие миниатюристы и сегодня предпочитают традиционные техники рисования, но выбор материалов для работы в наши дни гораздо шире: масляные краски, акварель, акрил - и это лишь малая часть. Пергаментная бумага до сих пор используется в качестве поверхности для рисования, но всё больше художников выбирают более современные материалы, такие как искусственная слоновая кость, гладкий картон или бумага, тонкие деревянные дощечки.
Я же собираюсь научить вас рисовать собственные миниатюры акриловыми красками. Их преимущество в том, что они легко смешиваются и обладают насыщенным цветом, кроме того, они идеальны для начинающих: любые ошибки и огрехи можно просто закрасить.
Создание миниатюры требует твёрдой руки и огромного терпения. Важно также, чтобы вы были знакомы с консистенцией красок, так что потренируйтесь рисовать тонкие прямые линии на обороте какой-нибудь старой фотографии, прежде чем приступать к работе.
1. Наметьте контуры
Для рисования прекрасно подойдёт небольшая дощечка из древесного волокна (ДВП средней плотности), покрытая пятью слоями белого акрилового грунта Гессо и отшлифованная до гладкости. Я использовал дощечку размерами 7,5 на 9,5 сантиметров, грунтованную акриловым Гессо марки Daler Rowney.
Используя кальку или рисуя от руки, на подготовленной поверхности наметьте контуры основных объектов вашего будущего рисунка. Вы можете взять мой набросок или создать собственный. Не стоит прорисовывать все цветы и другие мелкие детали на этом этапе: потом вы перекроете их краской, и изображение получится нечётким.
2. Нарисуйте небо, деревья и изгороди
Качество кисточек очень важно, особенно когда вы работаете с мелкими деталями. Именно поэтому я предпочитаю пользоваться кисточками Pro Arte Connoisseur, которые состоят из смеси соболиного меха и синтетического волокна и отлично держат форму. Для создания зернистой текстуры я использую старую щетинистую кисть для масла - она как нельзя лучше подходит для стипплинга.
Акриловые краски Daler Rowney System 3 идеальны для рисования миниатюр. У них кремовая текстура и они не потеряют насыщенности, даже если вы разбавите их водой для прорисовки мелких деталей. Кроме того, они быстро сохнут и подходят для лессировки и работы в технике сухой кисти.
Используя круглую кисть №4, возьмите немного краски цвета Титановый белый (Titanium White) и капельку Ультрамариновой (Ultramarine). Добавьте совсем немного воды, смешайте краски до однородной кремовой консистенции, а затем нанесите на область, где должно быть небо.
Для рисования деревьев на заднем плане используйте старую щетинистую кисть, чтобы добиться нужной текстуры. Возьмите немного чистого Травяного зелёного (Sap Green) и немного чёрного на кончик кисти. Потренируйтесь, нанося краску точечно на тренировочную поверхность (идеально подойдёт обратная сторона старой фотографии), пока не получите желаемый цвет и текстуру, а затем нанесите на саму миниатюру.
Чтобы подчеркнуть игру света на листьях, чистой сухой кистью возьмите немного Лимонно-жёлтого (Lemon Yellow), Травяного зелёного (Sap Green) и самую каплю белого и осторожными одиночными прикосновениями нанесите на кроны деревьев и кустов. Вы также можете нанести несколько штрихов голубым или Жёлтой охрой (Yellow Ochre), если хотите добавить разнообразия в тени и полутона. Придайте чёткости листве при помощи тонкой кисти №000.
3. Нарисуйте траву
Воспользуйтесь полудюймовой плоской кистью и смешайте Лимонно-жёлтый (Lemon Yellow) и немного Травяного зелёного (Sap Green) с добавлением воды, чтобы получить водянистую полупрозрачную краску для лужаек. Чтобы рисовать скатерть возьмите кисть №2, немного воды и добавьте каплю чёрного к Лимонно-жёлтому (Lemon Yellow) для прорисовки складок скатерти.
Когда краска высохнет, возьмите кисть №4 и лессируйте всю поверхность скатерти полупрозрачной смесью жёлтой краски с водой, используйте белый для световых пятен.
4. Нанесите тёмный фоновый тон
Возьмите кисть №4 и смешайте Травяной зелёный (Sap Green) и Марсианский чёрный (Mars Black) с добавлением небольшого количества воды, а затем нарисуйте тёмно-зелёный фон для цветов на переднем плане. Воспользуйтесь карандашом, чтобы обозначить контуры цветочных горшков и самих цветов, затем возьмите кисть №000 с белой краской и каплей воды и осторожно обозначьте контуры цветов, листьев и горшков.
Из-за тёмного фона белый цвет будет казаться тускловатым, поэтому повторно пройдитесь по тем участкам, которые хотите выделить или сделать светлее, не трогая при этом затенённые участки. Так вы сможете добиться нужного вам контраста (кстати, остальные цветы и растения в саду вы тоже можете сделать белыми).
5. Придайте насыщенности
Когда белая краска высохнет, возьмите кисточку №0, чтобы смешать чистые цвета (без добавления белого) и проверьте консистенцию краски перед нанесением. Используйте Травяной зелёный (Sap Green), разбавленный водой, чтобы лессировать кроны деревьев, и добавьте немного жёлтого к зелёной краске, когда будете рисовать листья герани.
Для роз возьмите краску цвета Кармазин (Crimson), для цветов герани - Кадмий красный (Cadmium Red), а для цветочных горшков - Жжёную сиену (Burnt Sienna) с добавлением Жёлтой охры (Yellow Ochre). Чтобы сделать цвета насыщеннее, лессируйте те участки, которые посчитаете нужным. Аналогично могут быть прорисованы и кроны деревьев на заднем плане.
Для теней на траве возьмите Травяной зелёный (Sap Green) с добавлением чёрного и кисточку №4. Финальная лессировка жёлтым и зелёным по всей поверхности лужайки поможет сделать цвета более яркими и насыщенными.
6. Добавьте деталей
Стулья я рисовал при помощи тонкой кисточки №000 белой краской с добавлением воды для однородной консистенции; затем чёрной краской я обозначил контуры. Белым я выделил кувшин и стаканы, а для апельсинового сока использовал смесь жёлтого и Кадмия красного (Cadmium Red).
Чёрным цветом прорисуйте силуэт кота, а для его шерсти используйте Жёлтую охру (Yellow Ochre), белую и чёрные краски. Для внутреннего дворика возьмите разбавленную водой смесь Жжёной сиены (Burnt Sienna) и чёрного, после нанесения краски промокните поверхность тканью, чтобы получить зернистую текстуру.
7. Нарисуйте внутренний дворик и мальву
Чтобы выделить отдельные кирпичи и нарисовать траву возьмите кисточку №000 со смесью Травяного зелёного (Sap Green) и чёрного. Для теней используйте кисть №2 и краску цвета Жжёная сиена (Burnt Sienna) смешанную с чёрной краской. Чтобы сделать картину интереснее, можете добавить опавшие лепестки и мелкие камушки.
Прорисуйте очертания цветов мальвы на переднем плане белым при помощи кисти №000. Затем смешайте белый с Жёлтой охрой (Yellow Ochre) и чёрным для лепестков. Осторожно лессируйте смесью Кармазина (Crimson) с водой или же оставьте цветы белыми и добавьте лёгкий мазок жёлтого в сердцевину цветка. Листья мальвы осторожно раскрасьте смесью зелёного и чёрного и выделите контуры белым и жёлтым. В конце лессируйте листья и стебли зелёным.
Наметьте контуры лейки чёрным и используйте различные оттенки серого для заливки. Чтобы завершить работу, аккуратно нарисуйте несколько листьев или высокую траву на переднем плане.
8. Залакируйте и вставьте в рамку
Профессиональный сатин марки Winsor & Newton или блестящий лак надёжно защитит вашу работу после высыхания. Я предпочитаю пользоваться лаком-спреем, чтобы не оставалось следов от кисточки, и при нанесении держу баллончик примерно в 25 сантиметрах от рисунка, осторожно распрыскивая лак маленькими порциями в четыре или пять подходов, чтобы добиться нужного результата. Дождитесь полного высыхания лака.
Теперь вы можете вставить вашу миниатюру в рамку без стекла.
