Фрэнк стелла картины. Записи с меткой ‘Frank Stella’

Фрэнк Стелла (англ. Frank Stella ; род. 12 мая , Малден, Массачусетс) - американский художник, мастер постживописной абстракции (в духе Hard-edge painting или «стиля резкой грани»).

Биография

Родился в Молдене (шт. Массачусетс) 12 мая 1936 в семье гинеколога. Изучал живопись в академии Филлипс в Андовере (тот же штат; 1950-1954) и историю в Принстонском университете (1954-1958). По окончании учёбы жил преимущественно в Нью-Йорке, где поначалу зарабатывал на жизнь как чертежник и оформитель.

Творчество

Самобытный стиль Стеллы начал складываться к концу 1950-х годов в цикле «черных картин», поверхности которых заполнены черными полосами, отделенными друг от друга узкими белыми промежутками. Именно в данный период, варьируя компоновку этих полос, мастер сосредоточился на проблемах чистой, как бы абсолютно безличной визуальности. С 1959 пользовался активной поддержкой ведущего нью-йоркского галериста Л.Кастелли. Вскоре (с 1960) последовали серии «алюминиевых» и «медных» картин - с полосами, написанными красками соответствующих металлических оттенков. При этом мастер перешел от традиционных прямоугольных форматов к «фигурным холстам» в форме букв L, T или U. В 1971 обратился и к исторической теме (цикл Польские деревни, навеянный памятью о Холокосте), решая её с помощью фактурно-конструктивных беспредметных рельефов, напоминающих крыши деревянных синагог. В его сериях (лабиринтообразные Концентрические квадраты - с 1983, и др.) со временем возросла роль яркой полихромии. В середине 1970-х годов начал создавать особо крупные, прихотливо-криволинейные картины, расчерчивая их с помощью судостроительных лекал (цикл Экзотические птицы, с 1976); позднее придавал подобным композициям рельефность, вводя в них обрезки стальных труб и проволочной сетки. Отдал дань уважения конструктивизму, исполнив в 1982-1984 немало плоскостных (литографских) и рельефных вариаций по мотивам графики Эль Лисицкого.

Ранний «хардедж» с его четким геометризмом сменился в поздних вещах мастера (пространственно-трехмерная Серия волн, 1985-1989; и др.) более романтичной и биоморфной манерой. В ней ярко проступило типичное для постживописной абстракции этого периода размывание границ между живописью и декоративным искусством.

• 1936 год Фрэнк Стелла родился 12 мая в Молдене (Массачусетс).
• 1950-54 Изучал живопись в академии Филлипс в Андовере.
• 1954-58 Изучал историю в Принстонском университете.
• 1958 Переезжает в Нью-Йорк.
• 1959 Знакомство и начало сотрудничества с галеристом Лео Кастелли.
• 1959 Живопись Фрэнка Стеллы включена в экспозицию «Шестнадцать американцев» (Sixteen Americans) в Музее современного искусства в Нью-Йорке.
• 1958-60 Стелла создает серию «Черная живопись» (Black Paintings)
• 1960 Серия «Алюминиваевая живопись» (Aluminum Paintings)
• 1960-61 Серия «Медная живопись» (Copper Paintings)
• 1961 Стелла женится на Барбаре Роуз (Barbara Rose), которая позднее прославилась как арт-критик.
• 1965-67 Стелла экспериментирует с формой картин (создает работы неправильной многоугольной формы)
• 1967-71 Серия работ, созданных при помощи лекал.
• 1970 Ретроспектива художника в Музее современного искусства в Нью-Йорке.
• С середины 1970-х - «максималистская» живопись, которую Стелла назвал так за «скульптурные» качества.
• 1970-73 цикл «Польская деревня» с использованием рельефа из дерева.
• С середины 1980-х его рельефная живопись становится трехмерной со скульптурными формами. Для создания этих работ художник использует коллажи и макеты, которые затем увеличиваются и создаются при помощи ассистентов, резчиков по металлу, цифровых технологий.
• В 1990-х Стелла начинает делать отдельно стоящие скульптуры для общественных мест и создавать архитектурные проекты.
• В 1992-93, например, он создал план оформления Toronto’s Princess of Wales Theatre.
• Его проект 1993-го года для выставочного зала и сада в Дрездене не был реализован.
• В 2001, монументальная скульптура Фрэнка Стеллы была установлена около Национальной галереи искусств в Вашингтоне.
• Работы Стеллы были включены в несколько значительных выставок, посвященных искусству 1960-х. Его творчеству было посвящено несколько ретроспектив в США, Европе и Японии.
• На сегодняшний день художник живет и работает в Нью-Йорке.

Ссылки

Wikimedia Foundation . 2010 .

• Фрэнк Сен-Леже
• Фрэнк Розенблатт

Смотреть что такое "Фрэнк Стелла" в других словарях:

Стелла, Фрэнк - Фрэнк Стелла (англ. Frank Stella, р. 1936) американский художник, минималист, живописец и скульптор. Биография 1936 год Фрэнк Стелла родился 12 мая в Молдене (Массачусетс). 1950 54 Изучал живопись в академии Филлипс в Андовере. 1954 58 … Википедия

Стелла (имя) - У этого термина существуют и другие значения, см. Стелла. Стелла латинское Род: женский Этимологическое значение: «звезда» Производ. формы: Элла Иноязычные аналоги: англ. Stella араб … Википедия

Стелла - (лат. звезда) женское имя. Содержание 1 Фамилия 2 Персонажи 3 Другое … Википедия

Стелла (Волшебная страна) - У этого термина существуют и другие значения, см. Стелла. Волшебница Стелла персонаж сказочного цикла А. М. Волкова о Волшебной стране. Действует в книгах «Волшебник Изумрудного города», «Семь подземных королей» и «Огненный бог… … Википедия

Стелла Фрэнк - … Википедия

Ван Хаттум, Фрэнк - Фрэнк ван Хаттум Общая информация … Википедия

АМЕРИКАНСКАЯ ЖИВОПИСЬ - Первые из дошедших до нас произведений американской живописи относятся к 16 в.; это зарисовки, сделанные участниками исследовательских экспедиций. Однако профессиональные художники появились в Америке только в начале 18 в.; единственным… … Энциклопедия Кольера

Постживописная абстракция - (англ. Post painterly Abstraction), хроматическая абстракция течение в живописи, зародившееся в Америке в 1950 е гг. Термин введен критиком Клементом Гринбергом для обозначения направления, представленного на курируемой им выставке… … Википедия

Живопись жёстких контуров - (Hard edge painting) живопись, которая содержит фигуры (часто, но не обязательно, геометрические) с резкими, чёткими контурами. Этот стиль связан с геометрической абстракцией, постживописной абстракцией и живописью цветового поля. Термин… … Википедия

Минимал арт - У этого термина существуют и другие значения, см. минимализм (значения). Минимал арт (англ. Minimal art), также Минимализм (англ. Minimalism), Искусство ABC (англ. ABC Art) художественное течение, возникшее в Нью Йорке в 1960 … Википедия

Фрэнк Стелла
Художник

Образование получил в элитной частной средней школе «Академия Филлипса» в Эндовере, где занимался борьбой и играл в лакросс. Один из учителей, художник-абстракционист Патрик Морган , познакомил Стеллу с модернистским искусством. Его сокурсниками были художник-минималист Карл Андре , с которым он позже работал в одной студии в Нью-Йорке, и Холлис Фрэмптон , сделавший впоследствии известные фотографии Стеллы за работой. В 1954-1958 годах изучал историю в Принстонском университете. Написал очерк, в котором сравнивал работы в технике дриппинга Джексона Поллока со средневековыми иллюминированными манускриптами. Дружил с критиком Майклом Фридом , с которым его объединял интерес к трудам Клемента Гринберга , теоретика американской абстрактной живописи. В январе 1958 года посетил галерею Лео Кастелли в Нью-Йорке, где увидел картины Джаспера Джонса с изображением флагов, полосы на которых подтолкнули Стеллу к созданию серии Черные картины .

Живет и работает в Нью-Йорке.

Сотрудничает с галереями Marianne Boesky , Нью-Йорк; Dominique Lеvy , Нью-Йорк — Лондон.

Влияние литературы и музыки на творчество Фрэнка Стеллы
Есть мнение, что самые известные работы Фрэнка Стеллы, включая серии Черные картины (1958-1960), Неправильный многоугольник (1965-1967) и Транспортир (1967-1971), — это «картины на тему живописи». Но музыка, литература и история также будоражили мысль художника, особенно в последние 30 лет.

«О белизне кита». 1987. Из серии «Моби Дик» (1986-1997)
Эпический роман Германа Мелвилла вдохновил художника на создание серии Моби Дик , в которую входит его самая большая работа. Каждая картина в этой серии имеет то же название, что и главы в книге (например, О белизне кита — глава 42). Стелла когда-то сказал критику Джонатану Джонсу , что эта серия — дань уважения абстрактным экспрессионистам. «Это не столько оплата моего долга, сколько выражение восхищения поколением абстрактных экспрессионистов, с которыми я вырос и которыми больше всего восхищался и восхищаюсь», — объяснил он.

«Gobba, zoppa e collotorto» («Горбатая, хромая и с кривой шеей»). 1985. Из серии «Конусы и колонны» (1984-1987)
Куратор Уильям Рубин (1927-2006), организовавший две выставки Фрэнка Стеллы в Музее современного искусства в Нью-Йорке, в 1970 и 1987 годах, писал, что формы в серии Конусы и колонны складываются в картину, на которой «некие персонажи взаимодействуют между собой, рассказывая историю, более изобразительную, нежели созданную словами». Создание историй — важный аспект искусства Стеллы. Каждая работа в этой серии носит название одной из 200 итальянских народных сказок из книги Итало Кальвино , впервые изданных в 1956 году.

«GK. 144». 2013. Из серии «Скарлатти К» (с 2006)
Названия работ в серии Скарлатти К соответствуют названиям сонат композитора Доменико Скарлатти (1685-1757), пронумерованных американским музыковедом Ральфом Киркпатриком (1911-1984). Работы созданы с использованием технологии, когда на компьютере делается точная модель формы, которая затем печатается на 3D-принтере. В статье для каталога ретроспективной выставки в Музее Уитни куратор Майкл Аупинг цитирует слова Фрэнка Стеллы: «Виртуальное пространство не имеет основания. В этом его красота. Оно разрушает основание, поэтому вы можете исследовать все измерения и точки обзора».

Фрэнк Стелла разговорчив и держится непринужденно: он привык говорить о своем творчестве. Стелла, которому 79 лет, принадлежит к тому поколению художников, которые не боялись управлять восприятием своего искусства. Его самые знаменитые слова о собственных картинах — «вы видите то, что видите» — были произнесены им еще в 1964 году. «После этих слов в картинах не так уж много остается, ведь правда?» — спросил тогда интервьюер Брюс Глейзер . «Я не знаю, что еще там есть», — ответил Стелла. Художник по-прежнему прямолинеен и, хотя в его речи иногда сквозит чудаковатость, отвечает на вопросы сдержанно и взвешенно. Нынешние его работы не похожи на минимализм, лицом которого он был в 1960-х. Сейчас у художника мало забот. «Думаю, что самое приятное в моем возрасте — то, что вы все уже совершили, и теперь дело за другими», — говорит он.

По мнению художника, что нужно для того, чтобы устроить такую большую выставку?

Это огромная, но занятная работа, художник в нее всегда вступает постфактум. После того как организаторы скажут, что они хотят сделать, вы просто должны что-то подкорректировать или добавить то, чего не хватало. Мне не хочется вдаваться в подробности, но это была не моя идея устраивать ретроспективу. Поэтому, как только они решили строить хронологическую экспозицию — а мои работы охватывают период в 50 лет, — возникли проблемы.

Что бы вы предпочли устроить вместо ретроспективы?

Все говорят, что у меня были две ретроспективные выставки в MoMA в Нью-Йорке, но на самом деле это не так. Одна действительно состоялась в 1970 году, а другая — это работы, созданные в период 1970-1987 годов. Так что нынешний показ мог бы охватить работы с 1987 года и до наших дней. Думаю, что это бы прошло безболезненно. Но аргумент организаторов был таков: посетители в то время еще не родились. Вот так все и решилось. Но есть еще фактор Музея Уитни: он особенный. Выставка обречена на успех, потому что проходит по соседству с парком Хай-Лайн (новый парк в Нью-Йорке на месте железной дороги. — TANR ) и потому что новое здание музея действительно замечательное. Уитни переехал в даунтаун и расширился, хотя я в целом против всякого расширения. Когда вы стареете, вам хочется, чтобы вещи усыхали вместе с вами.

Но вы убедили кураторов не показывать работы в хронологическом порядке?

Да, и добиться этого было нелегко. Но выставка не совсем лишена временной последовательности, там довольно часто можно понять, что предшествовало работе или, наоборот, что было сделано на эту же тему позднее. Идея в том, чтобы продемонстрировать некоторые связи. Например, картины серии Неправильный многоугольник (1965-1966) имеют нечто общее с картинами серии Польская деревня (1970-1974). Они не такие уж разные. А когда выстраиваете все в строгом хронологическом порядке, то это выглядит искусственно. Это было бы возможно, наверное, в обычной галерее. Но Уитни — это открытое пространство, поэтому, когда вы выгораживаете зал и помещаете в него работы по периодам, вы теряете ощущение потока. Нужна глубина, нужно движение. Сделать такое непросто, но это здорово выглядит. Вы не оказываетесь замурованными в помещении — я имею в виду, что, выйдя из лифта, не будете сплошь окружены черными картинами!

Ваши работы очень сильно изменились за полвека, со времен «Черных картин» (1958-1960). Тем не менее куратор Майкл Аупинг в каталожной статье утверждает, что все ваше творчество — это один способ видения. Вы согласны с этим?

Не могу поручиться. О художниках всегда говорят, что у них есть стиль или манера. Вы можете следить за его рукой и видеть, как он мыслит. Думаю, это относится и ко мне. Но главное обо мне — это то, что даже в ранних работах для меня всегда была очень важна структура. Те работы стремились к самоорганизации, и я чувствую, что это подспудно присутствует во всем, что бы я ни делал. Я действительно не способен отказаться от структуры. Не знаю, захотите ли вы назвать это изобразительной связностью, но, чем бы это ни было, оно есть всегда.

Вас интересует красота?

Вопрос неверный, потому что она — данность. Я имею в виду, что никто не задается целью (хотя люди говорят, что они это делают) создавать плохие и уродливые картины. Я думаю, что существует внутреннее чувство, может быть, это что-то вроде вкуса. Мне кажется, что цвет в моих картинах всегда один и тот же. Это часть стиля. В своем роде ваш стиль с вами всегда, независимо от того, как сильно вы меняете композицию.

Вы все еще интересуетесь вопросами живописи?

Это то, что я знаю. Это то, с чего я начинал. Это то, что я до сих пор люблю. Я думаю, что проблемы скульптуры и архитектуры несколько отличаются, но живописная скульптура всегда была. И может быть, сейчас больше живописной архитектуры, чем раньше. В общем, я не знаю, что еще сказать.

В названиях ваших произведений есть отсылки к литературе и истории. Как вы их придумываете?

Трудно сказать. Иногда названия попадают в цель, а иногда проходят по касательной. Нет смысла на этом зацикливаться. Я не должен быть иллюстративным. Серия Моби Дик была поворотным моментом. Я сам все еще напуган Моби Диком , но эти картины по сути искривленные поверхности. Картины как будто начали двигаться, и роман движется: в них влага, волны и движение. Я говорил много раз: абстракция может содержать в себе многое. В каком-то смысле она может рассказать историю, даже если это изобразительная история.

Вы очень быстро работаете. Например, ваша серия «Польская деревня» включает более сотни работ. Как вам удается поддерживать такой темп?

Мне не кажется, что это так уж быстро. Честно говоря, я не думаю об этом. Я только знаю, что детали все замедляют. Но у меня всегда есть план. Вплоть до недавнего времени — последние лет 20 — я всегда делал подготовительные рисунки ко всем своим работам.

У вас когда-нибудь были кризисы?

Да, я знаю, все хотят, чтобы были кризисы. Ну конечно, бывают, но не знаю, заслуживают ли они называться «кризисами». Я бы назвал это плохим настроением или топтанием на месте, когда вы чувствуете, что нет движения. Но этим ничего не поделаешь.

Но вы не назовете себя романтиком?

В конце концов, если вы не романтик, вам не стоит создавать картины. На самом деле я не знаю и не слышал ни о какой аналитической художественной деятельности.

Фрэнк Стелла (англ. Frank Stella; род. 12 мая 1936, Малден, Массачусетс) - американский художник, мастер постживописной абстракции (в духе Hard-edge painting или «стиля резкой грани»).

Биография

Родился в Молдене (шт. Массачусетс) 12 мая 1936 в семье гинеколога. Изучал живопись в академии Филлипс в Андовере (тот же штат; 1950-1954) и историю в Принстонском университете (1954-1958). По окончании учёбы жил преимущественно в Нью-Йорке, где поначалу зарабатывал на жизнь как чертежник и оформитель.

Творчество

Самобытный стиль Стеллы начал складываться к концу 1950-х годов в цикле «черных картин», поверхности которых заполнены черными полосами, отделенными друг от друга узкими белыми промежутками. Именно в данный период, варьируя компоновку этих полос, мастер сосредоточился на проблемах чистой, как бы абсолютно безличной визуальности. С 1959 пользовался активной поддержкой ведущего нью-йоркского галериста Л.Кастелли. Вскоре (с 1960) последовали серии «алюминиевых» и «медных» картин - с полосами, написанными красками соответствующих металлических оттенков. При этом мастер перешел от традиционных прямоугольных форматов к «фигурным холстам» в форме букв L, T или U. В 1971 обратился и к исторической теме (цикл Польские деревни, навеянный памятью о Холокосте), решая её с помощью фактурно-конструктивных беспредметных рельефов, напоминающих крыши деревянных синагог. В его сериях (лабиринтообразные Концентрические квадраты - с 1983, и др.) со временем возросла роль яркой полихромии. В середине 1970-х годов начал создавать особо крупные, прихотливо-криволинейные картины, расчерчивая их с помощью судостроительных лекал (цикл Экзотические птицы, с 1976); позднее придавал подобным композициям рельефность, вводя в них обрезки стальных труб и проволочной сетки. Отдал дань уважения конструктивизму, исполнив в 1982-1984 немало плоскостных (литографских) и рельефных вариаций по мотивам графики Эль Лисицкого.

Ранний «хардедж» с его четким геометризмом сменился в поздних вещах мастера (пространственно-трехмерная Серия волн, 1985-1989; и др.) более романтичной и биоморфной манерой. В ней ярко проступило типичное для постживописной абстракции этого периода размывание границ между живописью и декоративным искусством.

Признание

В 2009 Фрэнка Стелла наградили Национальной медалью США в области искусств. В 2011 он получил премию Международного центра скульптуры за жизненное достижение.

) - американский художник, мастер постживописной абстракции (в духе Hard-edge painting или «стиля резкой грани»).

Биография

Родился в Молдене (шт. Массачусетс) 12 мая 1936 в семье гинеколога. Изучал живопись в академии Филлипс в Андовере (тот же штат; 1950-1954) и историю в Принстонском университете (1954-1958). По окончании учёбы жил преимущественно в Нью-Йорке, где поначалу зарабатывал на жизнь как чертежник и оформитель.

Творчество

Самобытный стиль Стеллы начал складываться к концу 1950-х годов в цикле «черных картин», поверхности которых заполнены черными полосами, отделенными друг от друга узкими белыми промежутками. Именно в данный период, варьируя компоновку этих полос, мастер сосредоточился на проблемах чистой, как бы абсолютно безличной визуальности. С 1959 пользовался активной поддержкой ведущего нью-йоркского галериста Л.Кастелли. Вскоре (с 1960) последовали серии «алюминиевых» и «медных» картин - с полосами, написанными красками соответствующих металлических оттенков. При этом мастер перешел от традиционных прямоугольных форматов к «фигурным холстам» в форме букв L, T или U. В 1971 обратился и к исторической теме (цикл Польские деревни, навеянный памятью о Холокосте), решая её с помощью фактурно-конструктивных беспредметных рельефов, напоминающих крыши деревянных синагог. В его сериях (лабиринтообразные Концентрические квадраты - с 1983, и др.) со временем возросла роль яркой полихромии. В середине 1970-х годов начал создавать особо крупные, прихотливо-криволинейные картины, расчерчивая их с помощью судостроительных лекал (цикл Экзотические птицы, с 1976); позднее придавал подобным композициям рельефность, вводя в них обрезки стальных труб и проволочной сетки. Отдал дань уважения конструктивизму, исполнив в 1982-1984 немало плоскостных (литографских) и рельефных вариаций по мотивам графики Эля Лисицкого.