Императорский малый театр. Малый театр (Государственный академический театр России)

У входа в здание Малого театра установлен памятник писателю и драматургу , пьесы которого сформировали основу репертуара театра. Памятник установлен в 1929 году. Скульптор - Николай Андреев, архитектор - Ф. О. Шехтель. Памятник выполнен из бронзы и располагается на гранитном постаменте.

Историческая справка

Труппа театра была создана при Московском университете в 1756 году, сразу после Указа Императрицы Елизаветы Петровны, ознаменовавшего рождение профессионального театра в нашей стране: “Повелели мы ныне учредить Русский для представления комедий и трагедий театр...” Известный поэт и драматург М.М.Херасков возглавил Вольный русский театр при университете. Его артистами были учащиеся университетской гимназии.

На основе университетского был создан драматический Петровский театр. В эти годы его труппа пополнялась актерами крепостных театров. Но здание в 1805 году сгорело, и труппа осталась без сцены. Однако уже в следующем, 1806 году, в Москве была образована дирекция Императорских театров. На службу в нее и поступили артисты бывшего Петровского. Новая труппа Императорского Московского театра выступала на разных сценических площадках, пока, наконец, дирекция Императорских театров не приступила к осуществлению идеи архитектора Бове: строительству в Москве театрального центра.

В 1824 году Бове перестроил для театра особняк купца Варгина, и драматическая часть Московской труппы Императорского театра получила собственное здание на Петровской (ныне Театральной) площади и собственное название - Малый театр. “Московские ведомости” поместили объявление о первом спектакле в Малом: “Дирекция Императорского Московского театра чрез сие объявляет, что в следующий вторник 14 октября сего года будет дан на новом малом театре, в доме Варгина, на Петровской площади, для открытия онаго спектакль 1-й, а именно: новая увертюра сочин. А.Н.Верстовского, впоследствии во второй раз: Лилия Нарбонская, или Обет рыцаря, новое драматическое рыцарское представление-балет...

В литературе

Рядом со мной, у входа в , сидит единственный в Москве бронзовый домовладелец, в том же самом заячьем халатике, в котором он писал «Волки и овцы». На стене у входа я читаю афишу этой пьесы и переношусь в далекое прошлое.

К подъезду Малого театра , утопая железными шинами в несгребенном снегу и ныряя по ухабам, подползла облезлая допотопная театральная карета. На козлах качался кучер в линючем армяке и вихрастой, с вылезшей клочьями паклей шапке, с подвязанной щекой. Он чмокал, цыкал, дергал веревочными вожжами пару разномастных, никогда не чищенных «кабысдохов», из тех, о которых популярный в то время певец Паша Богатырев пел в концертах слезный романс:

Были когда-то и вы рысаками

И кучеров вы имели лихих…

Вся жизнь Островского — творческий поиск, приведший его к созданию уникального, нового театра. Это театр, в котором нет традиционного разделения на искусство для простонародного и образованного сословий, а персонажи — купцы, приказчики, свахи — перекочевали на сцену прямо из реальной действительности. Театр Островского стал воплощением модели национального мира.

Реалистическая драматургия его составила — и по сей день составляет — основу репертуара национального театра. Для эпохи, когда протекала литературно-театральная деятельность Островского, эта задача была поставлена самой жизнью. На подмостках театральных сцен по-прежнему в основном шли иностранные — переводные — пьесы, а репертуар из отечественных пьес был не только скуден и состоял в основном из мелодрам и водевилей, но и во многом заимствовал формы и персонажей зарубежной драматургии. Нужно было совершенно изменить театральный быт «образ театра» как таковой, он должен был стать местом приобщения человека с помощью простого и доступного для всех художественного языка к важнейшим проблемам жизни.

Эту задачу и взял на себя великий национальный драматург. Решение ее было связано не только с созданием репертуарных пьес, но и с реформированием самого театра. «Домом Островского » принято называть Малый театр в Москве. Этот театр открылся задолго до того, как туда пришел молодой драматург, на его сцене уже шли пьесы родоначальника русской реалистической драматургии Гоголя, но тем Малым театром, каким он вошел в историю и существует сегодня, он стал благодаря Островскому. Как же протекало это становление театра? Каким путем пришел к его созданию наш великий драматург?

Любовь к театру зародилась у Островского еще в юности. Он был не только завсегдатаем Малого театра, в котором тогда блистали Мочалов и Щепкин, но и с увлечением смотрел представления народного театра с Петрушкой, которые проходили на народных гуляниях у Девичьего и Новинского монастырей. Таким образом, приступая к созданию своих пьес, Островский был хорошо знаком с разными формами театра и сумел взять из каждой наилучшее.

Эра нового реалистического театра, возглавленного Островским, началась именно в Москве. 14 января 1853 г. в Малом театре в бенефис Л.П. Косицкой, которую называли Мочаловым в юбке, состоялась премьера комедии Островского «Не в свои сани не садись ».

Персонажи — «живые люди» — требовали, чтобы сыграны они были совершенно по-новому. Этому Островский уделял первостепенное внимание, работая непосредственно с актерами. Известно, что драматург был выдающимся чтецом своих пьес, причем делал это не просто как актер, а как режиссер, стремившийся подчеркнуть сущность характеров, манеру героев, их речевое своеобразие.

Стараниями Островского труппа Малого театра заметно улучшилась, но драматург все же не был удовлетворен. «Мы хотим писать для всего народа, — заявлял Островский. — Стены Малого театра узки для национального искусства». С 1869 года Островский шлет в Петербург в дирекцию императорских театров записки о необходимости коренных театральных реформ, но они остаются без ответа. Тогда он задумал создать частный народный театр и в феврале 1882 года получил на это разрешение. Казалось, драматург был уже близок к осуществлению своей заветной мечты. Он начал готовить список будущих пайщиков русского театра, разрабатывал репертуар, намечал состав труппы. Но неожиданная отмена правительственной театральной монополии на театры и начавшийся после этого коммерческий бум вокруг открытия новых театров помешали Островскому довести дело до конца. После того, как ему в 1884 году назначили государственную пенсию, он счел неудобным работать в частном театре и снова обратился в дирекцию императорских театров со своими предложениями. Вся эта затянувшаяся история тягостно действовала на Островского. Таков был горький парадокс жизни: гений отечественной драматургии, создатель ее не имел театра для серьезной, квалифицированной постановки своих пьес.

Но благодаря хлопотам брата Михаила Николаевича, который занимал высокий пост министра государственных имуществ, дело удалось сдвинуть с мертвой точки. В октябре 1884 года он едет в Петербург, где ему предложили стать художественным руководителем московских императорских театров. Наконец, мечта автора «Грозы » начала сбываться. Так знаменитый драматург, которому уже перевалило за 60 лет, взялся за трудное, но столь необходимое для всех дело.

14 декабря 1885 года он вернулся в Москву. Его встречала вся труппа Малого театра. Началась напряженная театральная деятельность Островского. Создается репертуарный совет, приглашаются новые актеры, составляется учебный план театральной школы, за лучшие пьесы Островский хочет учредить государственные премии. Но силы его тают. Дни его уже были сочтены: 2 июня 1886 года ушел из жизни великий национальный драматург, страстный театральный деятель, создатель национального театра. Не все задуманные реформы русского театра ему удалось осуществить до конца. Но основание его было заложено прочно. Заслуги драматурга современники оценили очень высоко.

И ныне кажется, что сам Островский, памятник которому поставлен у входа в его родной Малый театр, как будто внимательно смотрит на свое главное творение и своим живым присутствием помогает тем, кто сейчас играет на прославленной сцене или же приходит — как и 150 лет назад — на спектакли, где вновь и вновь звучит яркое, живое слово драматурга.

Старейший русский театр - Московский Малый - до революции носивший титул «императорский», на протяжении всей своей истории верой и правдой служил и служит народу.

В этом театре гуманное и гражданское реалистическое искусство всегда было согрето теплом человеческого сердца. Замечательные творческие традиции не только бережно охранялись мастерами Малого театра и передавались из поколения в поколение, но и постоянно развивались.

Реализм Малого театра, основанный на верности жизненной правде, всегда был лишен мелкой детализации, дробности. Его реализм был и остается реализмом крупных и ярких форм. Стиль Малого театра складывался на классической русской литературе, на ее колоритных сценических характерах. При этом, исследуя нравственные и социальные истоки того или иного жизненного явления, театр не увлекался психологической детализацией характеров, а шел по пути создания обобщенных социальных портретов. В искусстве Малого театра издавна присутствуют две художественные струи - бытовая и романтическая, которые, видоизменяясь соответственно той или иной эпохе, ее требованиям, составляют существо его стиля.

Театр всегда находился в центре общественной жизни страны. С первых дней своего существования Малый театр стал выразителем самых прогрессивных тенденций русской общественной мысли.

«Конечно, подцензурный императорский театр не мог делать этого совершенно открыто, но то-то и удивительно,- писал А. В. Луначарский,- что этот театр, по имени «императорский», всегда и всеми учитывался как контримператорский. Русская либеральная и радикальная общественность отвоевала у двора Малый театр, оккупировала его. Она в такой полноте подчинила его себе, что надо удивляться, как сравнительно мало сказался на его судьбах компромисс, заключенный за его кулисами оппозиционной общественностью с Министерством двора.

Достаточно хоть немного перелистать все то, что писалось о Малом театре с самого возникновения русской критики, с Полевого и Белинского… чтобы увидать, как исключительно ценила Малый театр вся прогрессивная часть общества».

Сюда приходили не только наслаждаться настоящим искусством, сюда приходили учиться. Малый театр так и называли вторым Московским университетом.

«Трудно измерить, учесть и представить в конкретных данных,- писал А. М. Горький, - то глубокое духовное влияние, которое оказывает Малый театр. Вместе с Московским университетом ему принадлежит крупная, выдающаяся роль в истории умственного развития русского общества».

Жадно впитывала здесь свободолюбивые мысли студенческая молодежь галерки, купчик из «страны Замоскворечье» пытался приобщиться к культуре, разночинная интеллигенция, профессора Московского университета, литераторы, артисты - все искали и находили в искусстве Малого театра ответы на волновавшие вопросы.

«Малый театр лучше всяких школ подействовал на мое духовное развитие. Он научил меня смотреть и видеть прекрасное… Малый театр стал тем рычагом, который управлял духовной, интеллектуальной стороной нашей жизни»,- писал К. С. Станиславский.

Павел Степанович Мочалов (1800-1848), сын актера С. Ф. Мочалова, дебютирует на сцене московского театра в 1817 году. Среди первых его ролей можно назвать две из отечественного репертуара начала века: роль Полиника в пьесе В. Озерова «Эдип в Афинах» и роль Лиодора в сентиментальной драме Н. Ильина «Лиза, или Торжество благодарности».

Понять Мочалова невозможно без уяснения принципов того эстетического направления, самым ярким выразителем которого он был в театре. Человек романтической, а значит, трагической судьбы, человек, не знающий счастья, покоя, гармонии. Невозможно отделить личную, частную жизнь Мочалова от его жизни в искусстве. Творчество Мочалова автобиографично - это пример романтического жизнетворчества. В отличие от Каратыгина, он не стремился к «объективности», не отстранял, не прятал своего мироощущения в процессе создания образа. Искусство Мочалова крайне субъективно, но личность этого гениального художника вмещала в себя не только его интимные переживания, эмоциональный опыт частной жизни, - он воплощал судьбу человека романтической эпохи в целом.

Каждая роль Мочалова была не только театральным явлением, которое оценивалось с точки зрения эстетических законов. Любой его сценический персонаж был для публики откровением человека, который на все образы «налагал печать душевного внутреннего трагизма». Зрители были увлечены не только силой его создания, но и личностью самого художника. Он переносил на сцену «свои восторги, болезненно-мечтательные муки, свои лихорадочные увлечения, и обаяние натуры электрическим током входило в зрителей, и мы плакали, безумно радовались с нашим трагиком». При этом Мочалов как актер нутра, переживания, актер-лирик, стихийно, интуитивно постигающий роль, «проникал в истину». И сила мочаловских «минут вдохновения» заставляла зрителей забывать «часы скуки» его же собственной игры. Актер-романтик, он был импровизатором, воспринимая жизнь как вечное, незавершенное движение, обновление форм и идей. Поэтому особенное настроение, психологические нюансы, приемы рождались на спектакле часто спонтанно. Он никогда не фиксировал мизансцены, жесты, интонации. Каждый раз на сцене Мочалов проживал свой образ по-новому. Особые сценические «эффекты» и «трюки» часто рождались сиюминутно, как органическое выражение душевно-психологического состояния. В его ролях не было, конечно, классической завершенности, абсолютной гармонии. Но была экспрессия, эмоциональная насыщенность, «исповедальная» искренность. В искусстве Мочалова дышала сама жизнь, царила красота «страсти и страдания». Важно, что, воспринимая жизнь дуалистически, актер переносил на сцену обостренное чувство неразрешимых противоречий и потому выстраивал рисунок роли на диссонансах, оппозициях и контрастах: от статики к бешеной динамике, от покоя к взрыву страстей, от крика к шепоту, «раздирающему душу». Мочалов всегда постигал своего героя в движении, развитии. Его интересовал не результат, а процесс, путь познания, проживания. И при этом он никогда не играл банальных, заурядных персонажей. Все его персонажи - странные, сложные, необыкновенные люди (и злодеи, и герои). Важно было выстраивать внутреннюю партитуру, психологический контрапункт. Но всегда, кого бы ни играл Мочалов, он говорил о своих современниках, ибо играл свою душу. Именно Мочалов утверждает один из основных законов русской актерской школы - сценическое переживание.

Для Мочалова была характерна неровность игры: он мог одну и ту же сцену сегодня сыграть гениально, а завтра - провалить (процесс этот был непредсказуем). Для него не свойственна целостность, законченность, завершенность образа. Но, по мнению современников, иногда вдохновения актеру хватало на целую роль. Мочалов был целомудренным актером и не умел на сцене лгать. Этим во многом объясняется неровность игры Мочалова: там, где роль не совпадала сегодня с его душевным движением, он не играл на штампах, шел «мимо», как будто бы внутренне пропускал ее. Но были спектакли, где Мочалов напряженно искал необходимую мизансцену, продумывал рисунок роли, адекватный внутреннему состоянию. Белинский в грандиозной статье «"Гамлет", драма Шекспира, Мочалов в роли Гамлета» дает примеры того, как Мочалов сознательно менял структуру сцены в стремлении к истинной театральной выразительности и внутренней правде шекспировского образа. Марков вслед за Григорьевым в пух и прах разбивает легенду о том, что Мочалов никогда не изучал роль. Актер ввел даже такое понятие, как «театральный ум», стремился «понять характер лица». Конечно, Мочалов владел профессией и работал над ролью. Правда, «работа» эта была особенной, совершалась, по всей видимости, в сфере подсознания, в воображении и непосредственно в процессе сценического творчества. Художественный образ захватывал его целиком: духовно, душевно, физиологически. Постоянное существование внутри образа, в атмосфере влияния художественного материала часто не требовало сценического репетиционного процесса. Абсолютно все отмечали совершенное владение голосом - гибким, подвижным, огромного диапазона. Но при этом Мочалов часто игнорировал детали формы, не обращал внимания на грим, костюм и логически продуманный пластический прием, внешние подробности. Однако в творческой биографии вдохновенного актера нутра были, по мнению Григорьева, роли, «до конца осознанные и до конца созданные». Критик называет всего четыре работы: Гамлет, Ричард III, Мейнау и Бидерман в мелодраме Н. Полевого «Смерть или честь», они были до конца продуманы, внутренне проработаны, оформлены и представляли собой целостный, гармоничный художественный мир.

Но как бы то ни было искусство Мочалова захватывало зал целиком и было понятно всем, вне зависимости от культурного уровня, социального и возрастного критерия. И купцы, которые иногда даже не понимали, «про что» Мочалов играет, вопили: «Браво, Мо-чалов!» Было нечто гипнотическое в его творчестве. Он точно уловил звук «лопнувшей струны» этого времени и проникал в сокровенные глубины внутренней жизни человека.

Основной темой творчества актера, которая прошла сквозь весь его путь, была тема человека потерянного поколения, тема лишнего человека. А это в определенном смысле мифологема русской жизни. Мочалов за тридцать лет сыграл множество ролей. Среди них: Фердинанд («Коварство и любовь» Шиллера, 1822), Карл Моор («Разбойники» Шиллера, 1829), Чацкий (1831), Ричард III (1835), Гамлет (1837), Отелло (1837), Кин («Кин, или Гений и беспутство» А. Дюма, 1837), Лир (1839). В общественном сознании поколения 30-40-х годов, вероятно, наиболее принципиальна была роль Гамлета - как «исповедь» современного человека. Но через всю жизнь Мочалов пронес не только образ шекспировского философа, но и байронического Мейнау. Именно в этой роли зрители увидели великого трагика в последний раз - в Воронеже в феврале 1848 года.

Василий Андреевич Каратыгин (1802-1853) - крупнейший актер Александринского театра, великий трагик второй четверти XIX века. Всей своей жизнью и творчеством был противоположен искусству и личности Мочалова. Он был не похож на «человека среднего роста, без искусства держать себя хорошо на сцене, с дурными привычками, с небольшим голосом и говорящий, как и все люди?». Каратыгин - актер «героической» фактуры, «исполинского» роста, «величественного органа». Это человек крайне замкнутой жизни, сконцентрированный на своем творчестве. Московский трагик, испытывая бесконечную внутреннюю боль и душевный надлом, «пропивал» свой талант. Петербургский - устроил в своем доме своеобразный репетиционный зал с зеркалами и домашнюю жизнь подчинил театру. Мочалов - самородок, интуитивист. Каратыгин - человек истинной культуры, театральный переводчик, актер, умеющий напряженно работать над пьесой, ролью. У одного дар «природный», божественный, у другого - талант, «воспитанный» постоянным изучением искусства, школа. Мочалов - «душа»; Каратыгин - «воля»; один - стихия, другой - рацио. Белинский назвал Мочалова актером «плебеем», Каратыгина - «аристократом». Наверное, в этом есть доля истины. И в восприятии каратыгинского творчества как стиля, адекватного ампиру императорской николаевской России, - тоже. Каратыгин был первым актером Российской империи. Актер действительно выражал время, но, в отличие от Мочалова, другой его облик. Каждая эстетическая индивидуальность создает свой слепок эпохи, пишет свой портрет времени. У Мочалова - повышенная экспрессивность, неистовость эмоций, варварский энтузиазм, исключительность событий. У Каратыгина - торжество формы, композиции, выразительность осанки, монументальность, гармония классической трагедииОба актерских портрета фиксируют реальную картину, но видят ее авторы по-разному. Это собственно и составляет истинный интерес искусства и истории театра.

Каратыгин из культурной актерской семьи, сын знаменитой актрисы начала века А. Д. Каратыгиной; женился на А. М. Колосовой, которая, как Каратыгина Вторая, навсегда осталась его партнершей; брат, Петр Андреевич Каратыгин, актер, драматург-водевилист и блистательный театральный педагог, один из воспитателей А. Е. Мартынова.

Молодой трагик, близкий кругу российской интеллигенции, воспитанник П. А. Катенина, дебютирует на петербургской сцене в 1820 году в роли Фингала («Фингал» В. Озерова). Каратыгин, как и Мочалов, прослужит чуть более тридцати лет русскому театру, и как это ни парадоксально, но и он в середине 40-х годов на время уйдет из театра - правда, по своему желанию, «в отпуск». Мочалов со временем неуклонно терял своего зрителя, а Каратыгин закончил свой путь на пике славы. С 1841-го по 1844 год, за три года, он сыграл около трехсот спектаклей: для лидера Александринки, актера такого уровня и положения - это очень много.

Для понимания своеобразия искусства Каратыгина важно учитывать классицистские корни его творческого мировоззрения. Художественное мышление актера, формирующееся на стыке стилистических эпох, в период их радикального столкновения, трудно определить однозначно. Романтические веяния, естественно, повлияли на феномен Каратыгина-художника: строй его игры, эстетические приемы (контраст, например), темы, сюжеты. И все же можно говорить о том, что Каратыгин был чужд романтическому мировидению, базовым ориентирам этого стилистического мышления. Актер обладал целостным сознанием, в своем искусстве он стремился к уравновешенности и гармонии. У Мочалова была потребность души прожить судьбу современника, человека странного, расшатанного внешними противоречиями и внутренним самоанализом. Для Каратыгина в эпоху своеобразного «застоя» принципиальным становится понятие героического, подвига, идеала. Актер не находит идеального начала в современнике и противостоит заурядности эпохи, а одновременно репертуарному «хламу», созданием на сцене героического, исторического, цельного образа.

Метод творчества есть выражение и психофизики актера, и зерна его личности. Герой актера-романтика вечно растерзан в борьбе с миром и самим собой. Нервная, часто неровная игра лирического художника полностью противоречила эстетике Каратыгина. Ему был чужд пафос субъективности романтиков, их неспокойное, нестройное творчество. Сам Каратыгин в создании роли «отрекался» от собственной личности, как будто прятал ее от публичного изучения. «Объективное» творчество позволяло ему переселяться в жизнь разных героев, не наделяя их интимными переживаниями, психологией, душевным опытом, и оставаться внутренне здоровым и цельным. Не принимая стихийного творчества, наития и «артистического восторга», Каратыгин исследует образ рационально, логически, интеллектуально. Это последовательное, систематизированное выстраивание партитуры роли, внимание к жесту, мимике, ритму, костюму. При этом неправильно было бы думать, что актер условного театра не испытывает вдохновения и наслаждения игры. Это не означает, что Каратыгина не интересует сфера чувств и переживаний персонажа, что актер игнорирует эмоциональную сторону образа. Но психологическая и эмоциональная структура персонажа у Каратыгина выражается средствами формального театра (по словам Белинского, это «европейский формализм на русской сцене»). Но способ воздействия актера на публику, природа зрительского восприятия на спектаклях Мочалова и Каратыгина, конечно, различны. Романтикам важно изобразить героя в процессе движения, становления. Для Каратыгина - результат развития страстей является предметом сценического исследования: персонажи трагика были подобны «превосходной античной статуе».

И все же «классическая» школа Каратыгина уходила в прошлое. Отвлеченные от реальной жизни, величавые, торжественные и эффектные герои Каратыгина к 40-м годам XIX века воспринимались архаически. Интенсивное развитие реализма, появление первых произведений натуральной школы - все эти процессы не прошли мимо актера. Каратыгин, как умный и чуткий художник, не застыл в той форме, которая сложилась в 20-30-е годы, а эволюционировал и приблизился к «веяниям времени». И хотя он никогда не сыграл в со-временном реалистическом репертуаре и принадлежал все-таки второй четверти XIX века, тем не менее его искусство последних лет становится все ближе к жизни, все проще, глубже, психологичнее. Интересно, что после отпуска, передышки и одновременно подведения итогов прошлого и обдумывания планов на будущее, актер выступает на сцене с такими произведениями, как «Евгений Онегин», «Медный всадник» Пушкина, выходит в роли гоголевского Тараса Бульбы, переделывает старые роли.

Для русского театра, для становления национальной актерской школы чрезвычайно важно осмыслить и усвоить уроки Каратыгина. Вся жизнь его была утверждением простой истины, что без труда нет актерской профессии, что искусство есть постоянный процесс изучения своих собственных средств и каждодневная работа над ролью. Каратыгин доказал, что театральное искусство требует не только мастерства и школы, воли, мужества. Но и подлинной культуры личности сценического художника. С другой стороны, Каратыгин своим творчеством подтверждал, что театр - это зрелище, что форма не пуста, а содержательна и эмоционально наполнена, что условный театр воздействует не только визуально, но пробуждает в зрителе стихию чувств, сопереживание и т. д. И поэтому зрители рыдали от «формального» по своей природе актера Каратыгина, и публика навсегда уносила с собой образ Гамлета, Лира, Кина, Людовика XI (в пьесе И. Ауфенберга «Заколдованный дом») или Велизария (в пьесе Э. Шенка), а зал разрывался от аплодисментов и любви к своему трагику на протяжении тридцати лет. Белинский писал, увидев Каратыгина-Велизария на колеснице, этого «лавровенчанного старца-героя, с его седою бородою, в царственно-скромном величии, - священный восторг мощно охватил все существо мое и трепетно потряс его... Театр задрожал от взрыва рукоплесканий». До конца жизни оставаясь художником формального театра, целостного, героического, идеального мышления, Каратыгин доказал, что искусство представления не менее значительно, чем искусство переживания, оно просто говорит правду на другом языке.

Александри́нский театр (он же Российский государственный академический театр драмы им. А. С. Пушкина ) - петербургский театр, один из старейших драматических театров России, сохранившихся до нашего времени .

Российская культура славится своими актерами, режиссерами, авторами. Гордостью театрального искусства считается Малый театр на Ордынке, который к тому же имеет богатую историю.

Рождение театра

Императрица Екатерина Петровна, так любившая театральное искусство, в 1756 году издала указ, благодаря которому в Санкт-Петербурге был учрежден российский театр. В то же время в Москве открылся театр, актерами которого были студенты. Уже в 1759 году созданный в Москве публичный русский театр был передан в ведение Московскому университету. Управлял им директор университета, драматург, поэт Херасков. Существование заведения было недолгим, но именно на его основе позже сформировалась постоянная московская актерская труппа.

Театр конца XVIII и начала XIX века

На протяжении нескольких десятилетий московская труппа, которая включала в себя актеров, певцов, танцовщиков, музыкантов, существовала благодаря поддержке частных предпринимателей. Дольше других антрепренером был М. Е. Медокс. В 1780 году он выстроил большой театр под названием Петровский, который расположился на Петровской площади. С 1806 года вся труппа стала существовать за казенный счет, она была включена в систему императорских театров. Незадолго до этого момента в Петровском театре случился пожар, труппа стала работать то в доме Пашкова, который приспособили под театр, то у Арбатских ворот, то на Знаменке в доме Апраксина. Только в сезон 1824-1825 годов императорская труппа обрела свой постоянный дом - имя которому Малый театр. Дом купца Варгина был перестроен , здесь 14 октября состоялась первое представление.

История

В 1914 году архитектор Спирин создал проект, по которому «Кино-Палас» на перестроили в театр Струйского. по большей части посещало население Замоскворечья. В скором времени его преобразовали в Театр миниатюр. После революции 1917 года театр национализировали большевики. На сцене выступали самые разные труппы, которые представляли спектакли многих направлений. В 1922 году здесь образовали театр Замоскворецкого совета. Через три года он получил название Ленсовета. Только в 1943 году, во время войны, здесь образовался филиал Малого театра на Ордынке. Первый спектакль состоялся 1 января 1944 года по пьесе Островского «На бойком месте». Первая премьера прошла 25 января 1944 года, это был спектакль «Инженер Сергеев».

Название театра

Из истории видно, что Малый театр на Ордынке стал так называться исключительно из-за своих размеров. Здание было невелико в сравнении с соседним Большим театром, который предназначался для оперных и балетных спектаклей. В скором времени название «Малый», как и «Большой», превратилось в имя собственное. Теперь эти названия во всем мире звучат именно на русском языке. Репертуар Малого театра на Ордынке состоял из спектаклей, поставленных по произведениям великих русских классиков: Пушкина, Гоголя, Грибоедова, Тургенева, Островского. Также зрителю представлялись постановки по Шекспиру и Шиллеру. Из всех зарубежных авторов им отдавалось наибольшее предпочтение. Наряду с серьезными спектаклями сцена Малого театра на Ордынке завлекала зрителей легким репертуаром, это были мелодрамы, водевили.

Театр во время войны

Во время Второй мировой войны Малый Театр на Ордынке принимал активное участие в борьбе против фашистских захватчиков. Театральная труппа внесла свою лепту в великую победу. Артисты входили в фронтовые бригады, выступали перед солдатами в госпиталях, В 1943 году был даже сформирован Фронтовой филиал. Перед коллективом ставилась одна задача - художественное обслуживание бойцов Советской Армии. В общей сложности Малым театром и его Фронтовым филиалом было дано более 2700 концертов и спектаклей. Все средства, скопленные коллективом, были направлены на строительство эскадрильи самолетов, которая была передана в действующую армию. В 1944-1945 годах эта эскадрилья успешно громила фашистов в небе

Малый театр нашего времени

Кому-то покажется мистическим тот факт, что коллектив театра верит в то, что скромное, строгое здание сохраняет ауру старых, давно ушедших великих артистов. Духи оберегают и сохраняют театр в самые трудные времена. Сохранили они его в дни послереволюционного беспредела в начале XX века, помогли не пропасть в лихие военные годы. Несмотря на стремительные жизненные изменения, кризисы, нестабильность, театр существует всегда.

В 1995 году Малый театр на Ордынке открыл после ремонта сцену. Спектакли по сей день идут на обеих сценах. На сегодняшний день репертуар труппы по-прежнему богат классическими произведениями. Основу составляют пьесы Островского. В труппу Малого входят известные народные артисты Быстрицкая, Каюров, Коршунов, Марцевич, Муравьева, Клюев, Невзоров, Бочкарев, Клюквин, Потапов и многие другие. В труппе задействовано более ста артистов. В целом Малый театр насчитывает более 700 человек. Театр имеет свой оркестр, где работают музыканты самого высокого класса. Труппа часто дает спектакли в других странах и городах. В гастрольную географию входят такие страны, как Финляндия, Италия, Франция, Германия, Израиль, Япония, Греция, Кипр, Болгария, Венгрия, Монголия и многие другие. По указу Президента России Малый театр получил статус национального достояния.

Чем отличается Малый театр от Большого? Наверное, немало людей задаются этим вопросом. Главное отличие заключается в жанрах. Большой - это театр оперы и балета. Малый - драматический.

История

Большой театр отличается от Малого театра датой основания. Принято считать, что он был открыт в 1776 году. Труппа Малого театра ведёт свой отчёт с 1756 г. Он был первым публичным увеселительным учреждением такого рода в России. Вскоре на базе Малого драматического театра появилась оперная труппа. В неё вошли в основном студенты Московского универститета, где давалось хорошее музыкальное образование.

Таким образом, нынешние Малый и Большой театры составили единую труппу - оперно-драматическую. В состав её входили и крепостные артисты, и приглашённые звёзды из-за границы. В сезоне 1824-1825 гг. труппа была разделена на два самостоятельных коллектива - драматический и оперный. Каждая из них обрела своё отдельное здание.

Таким образом, в Москве появилось два храма искусств - Большой театр и Малый. Разница в названиях изначально означала размеры зданий, в которых они располагаются. Помещение Малого театра гораздо меньше, чем Большого. Но вскоре их названия превратились из определений, указывающих на площадь зданий, в имена собственные. Теперь слова "большой" и "малый" принято писать с большой буквы. И на иностранные языки они не переводятся. Во всех странах мира названия этих театров звучат только на русском языке - "Большой" и "Малый".

Репертуарные планы

Большой театр отличается от Малого театра репертуаром. В нём идут исключительно музыкальные спектакли - опера и балет. В Малом театре показывают только драматические постановки.

Репертуар Большого театра включает следующие постановки:

• "Чародейка" (опера).
• "Эсмеральда" (балет).
• "Билли Бадд" (опера).
• "Гамлет" (балет).
• "Сомнамбула" (опера).
• "Чиполлино" (балет).
• "Дитя и волшебство" (опера).
• "Дама с камелиями" (балет).
• "Роделинда" (опера).
• "Идиот" (опера).
• "Квартира" (балет).
• "Пиковая дама" (опера).
• "Легенда о любви" (балет).
• "История Кая и Герды" (опера).
• "Герой нашего времени" (балет).
• "Лебединое озеро" (балет) и так далее.

Репертуар Малого театра включает спектакли:

• "Бесприданница".
• "Царь Борис".
• "Васса Железнова".
• "Усилия любви".
• "Власть тьмы".
• "Театр императрицы".
• "День на день не приходится".
• "Снежная Королева."
• "Дети солнца".
• "Сердце не камень".
• "Жизнь и любовь господина Мольера".
• "Ревизор".
• "Маскарад".
• "Почти всё о любви".
• "Наследники Рабурдена" и другие спектакли.

Труппы

Большой театр отличается от Малого театра тем, что в его труппе работают оперные певцы, артисты балета и музыканты. Это обусловлено его спецификой. В Малом театре служат драматические актёры. Ещё одно отличие в количестве артистов. В Большом театре огромная труппа. В Малом - актёров гораздо меньше.

Труппа ГАБТ:

• Мария Гаврилова.
• Елена Новак.
• Вадим Тихонов.
• Евгения Образщцова.
• Константин Шушаков.
• Вячеслав Почапский.
• Анна Волкова.
• Денис Родькин.
• Виктория Богоявленская.
• Ольга Дробышева.
• Анастасия Горячева.
• Дмитрий Гришин.
• Ирина Васильева.
• Андрей Денисов.
• Вячеслав Лопатин.
• Ольга Кульчинская.
• Ирина Долженко.
• Марат Гали.
• Анна Леонова.
• Игорь Головатенко.
• Михаил Казаков.
• Симоне Альбергини.
• Денис Медведев.
• Анна Гребцова.
• Александр Казарез.
• Юлия Степанова и многие другие.

Труппа Малого театра:

• Людмила Суворкина.
• Владимир Бочкарёв.
• Аксиния Пустыльникова.
• Борис Клюев.
• Алексей Кудинович.
• Аполлинария Муравьёва.
• Лилия Юдина.
• Филипп Марцевич.
• Юрий Ильин.
• Любовь Ещенко.
• Инесса Рахвалова и другие.

Руководители

Большой театр отличается от Малого театра и руководством. Ими управляют совершенно разные люди.

Генеральным директором ГАБТ является Владимир Урин. В 1971 году он окончил режиссёрский факультет Ленинградского института культуры. В 1975 г. - театроведческий факультет ГИТИСа.

Карьеру В. Урин начал в городе Кирове. Там он возглавлял ТЮЗ. В 1981 г. Владимир переехал в Москву. В столице он возглавил Кабинет кукольных и детских театров. Он был организатором конгрессов, фестивалей, семинаров, творческих лабораторий и различных проектов.

В 1995 году стал гендиректором Музыкального театра имени К. С. Станиславского. С 1997 г. является завкафедрой менеджмента и продюсирования в Школе-студии МХАТ. ГАБТ возглавил в 2013 году.

Генеральный директор Малого театра - Тамара Михайлова. В 1981 году она окончила Московский авиационный институт. С 1980 г. работала инженером в разных НИИ. В 2008 году и по сей день Тамара Анатольевна является проректором по организационно-творческой работе в Щепкинском училище. Благодаря ей были отремонтированы фасады и внутрення отделка помещений учебного заведения, была приведена в порядок документация и успешно прошла аудиторская проверка.

В 2009 году Т. Михайлова была удостоена благодарности от Президента России за заслуги в сфере подготовки специалистов в области театрального искусства.

Пост генерального директора Малого театра Тамара Анатольевна заняла в 2010 году.

Здания

Большой и Малый театр отличия имеют также в архитектуре зданий. Внешне они совершенно непохожи друг на друга. Хотя к ним обоим приложил руку московский архитектор А. Бове. Здание Большого театра было построено в 1824 году. В пятидесятые годы 19-го века оно сгорело. Восстанавливал его архитектор Кавос. Он несколько изменил его внешний вид. Были изменены кровля и портик. Четырёхскатное покрытие архитектор заменил двускатным. Художественные достоинства фасада ГАБТ несколько снизились после переделок, внесённых Кавосом.

Здание Малого театра изначально было жилым домом. Принадлежало оно купцу В. Варгину. Проект здания был создан А. Элькинским. Фасад спроектировал А. Бове. В 1824 году В. Варгин сдал свой дом в наём императорскому театру (Малому). Через десять с небольшим лет здание было перестроено и внутри, и снаружи по проекту архитектора К. Тона. В 1914 году театр сгорел. Восстановлен он был в 40-е годы 20-го века архитектором А. Великановым.

Адреса

Ещё одно отличие Большого театра от Малого - это адреса. Хотя они и располагаются рядом.

Адрес ГАБТ: Театральная площадь, дом № 1. Ближайшая станция метро - "Охотный ряд". Адрес Малого проезд, дом № 1, строение 1. Ближайшая станция метро - также "Охотный ряд".