Михаил Александрович Врубель — русский художник-постимпрессионист. Родился в Омске 5 марта 1856 года — умер в Санкт-Петербурге 1 апреля 1910 года. Для его живописи были характерны символизм и философия. В каждом образе читается дополнительный подтекст, который указывает на то, что в картине есть второе дно. Одно дело просто рассматривать красиво-написанную живопись, и совсем другое видеть в этом целое произведение, с очень глубокой мыслью. Именно таким художником и являлся Михаил Врубель.
Помимо философии в своих работах он применял совершенно необыкновенную технику, которая поражает ценителей искусства и до сей поры. Напряженные цвета, которые заставляют испытывать неоднозначные чувства, чёткая конструктивность рисунков, завуалированный трагизм. Всё это заставляет людей надолго останавливаться у картин Врубеля в музеях и ловить себя на мысли, что живопись — это прекрасно и волшебно.
Михаил Александрович Врубель родился в Омске в семье военного юриста. Учился в Академии Художеств. Его учителями были П. П. Чистяков, и М. Фортуни. Большое влияние на творчество и мировоззрение русского художника постимпрессиониста оказали прерафаэлиты, художники итальянского Возрождения, а также писатели Вильям Шекспир, Гёте, Лермонтов и другие. Стоит также сказать, что не меньший вклад в искусство художника внёс Абрамцевский кружок (сейчас музей в Абрамцеве). Именно здесь он написал одни из самых известных своих работ: Египтянка, Купава, Мизгирь, Волхова и т.д.
Одной из самых известных картин Михаила Врубеля стала работа под названием «Демон «. Кроме того, что оно наполнено необычайным по накалу трагизмом, какой-то запредельной романтикой, которая лежит за границей жизни, здесь Михаил Александрович применил весь свой опыт и мастерство живописи, что бы воплотить необычайную даже для того времени задумку — написать демона. Цветовой контраст достигает на этом полотне своей кульминации. Стоит сказать, что картина посвящена одному из произведений М. Ю. Лермонтова. Несомненно, художник Михаил Врубель стал ярчайшим и известнейшим живописцем, оставивший в искусстве русского авангарда очень яркий и неизгладимый след.
Лучшим украшением для любого дома является предмет искусства. Если вы не знаете, где купить картину недорого, то в этом вам поможет Бутик Картин. Живописные произведения на любой вкус.
Врубель (фотография)
Автопортрет
Царевна Волхова
Демон Поверженный
Девочка на фоне ковра
Фантастический пейзаж
Жемчужина
Пирующие римляне
Полёт Фауста и Мефистофеля
Как художник Врубель сформировался стремительно. В искусство он пришел уже взрослым, образованным человеком. Михаил Врубель не имел ни учеников, ни последователей, составивших школу. еще при жизни снискал себе успех, но к этому времени художник был уже безнадежно болен, и почести не были ему нужны. За ним на долгое время укрепилось представление как о человеке странном и неуравновешенном. Врубелю важно было жить творчеством, а не творить искусство. Он удивлял своих друзей нелепыми — с их точки зрения — выходками: мог в состоянии неуравновешенности записать прекрасную картину, над которой долго и упорно работал до этого, ничего не значащим изображением цирковой наездницы; в порыве гнева он разрывал прекрасные акварельные листы, выбрасывал великолепные наброски. Он ценил не столько результат, сколько сам творческий труд, процесс, момент художественного озарения. Широко образованный, знавший несколько европейских языков, всегда аккуратно и даже щегольски одетый, вежливый и тактичный, хотя иногда и способный взглянуть на собеседника свысока, Врубель при этом почти всю жизнь бедствовал, иногда оставаясь с пятью копейками в кармане или с трудом перебиваясь малым вознаграждением, получаемым за уроки рисования. Он болезненно ощущал несправедливость, но специально не искал успеха, его не интересовали художнические дела, он даже не ходил на выставки. Но при этом уязвленное самолюбие заставляло его подчас бросать обидные слова в лицо своим друзьям-художникам, которые прощали своего друга, истолковывая его слова как причуды больного гения. Из жизни своей Врубель сам творил легенду. Это черта, исконно присущая романтической личности. Он жаждал свершений, сильных впечатлений, больших событий. Внутренняя жизнь, полная конфликтов, потрясений, словно сотрясала его внешнюю жизнь. Круги, расходившиеся от его внутреннего напряжения, достигали не только всех обыденных обстоятельств бытия, но проникали в плоть каждого произведения. Рукой художника как бы водила его внутренняя боль, его душевная борьба. Движение руки становилось прямым выражением душевного движения.
В самом характере искусства Врубеля, в системе его художественного мышления можно найти многочисленные проявления романтической концепции художественного творчества. Врубель был едва ли не первым среди деятелей русской художественной культуры, кто начал движение к символизму. В конце XIX в. художественная культура России переживала период формирования нового стиля (в России он получил название «модерн»). Язык живописи в этом стиле приобрел ярко выраженные черты декоративности‚ твердую линейно-структурную основу и кроме этого подчинил свои открытия не только изображению, но и преображению натуры. В России Врубеля можно считать родоначальником этого стиля.
Вместе с Врубелем в русском искусстве утверждался новый тип художника — художника-универсала. Врубель писал картины и большие панно, расписывал стены храма и делал витражи, создавал иллюстрации и книжные знаки, занимался театральной декорацией и прикладным искусством, скульптурой и архитектурой, даже делал в Талашкине (имении княгини Тенишевой) эскизы гребешков и росписи на балалайках.
Голова демона (раскрашенный гипс) (1890)
Голва ливийского льва (горельеф маска) (1892)
Садко (эскиз блюда, майолика) (1899)
Михаил Александрович Врубель (1856-1910 гг.) родился в семье военного и провел свое детство в разных городах — в Омске, Астрахани, Петербурге, Саратове, Одессе. Окончив сначала классическую гимназию, 5 лет он проучился на юридическом факультете Петербургского университета и лишь потом — в 1880 г. — поступил в Академию художеств. В доакадемические годы в нем уже пробудился интерес к искусству, выявившись в некоторых рисунках, свидетельствующих о необычности его таланта. В Академии счастье улыбнулось Врубелю — он попал в поле зрения П.П.Чистякова, воспитавшего чуть ли не всех лучших живописцев последней трети XIX в. Между тем Врубелю не удалось окончить Академию. Он был призван А.В.Праховым, историком искусств и археологом, руководившим в то время росписью Владимирского собора‚ к деятельности в Киеве в качестве художника-монументалиста.
Пять лет (1884-1889 гг.) Врубель провел в Киеве, изредка выезжая оттуда, в частности в Италию. В Киеве Врубель ярко проявляет себя в монументальной и станковой живописи и в графике. Уже тогда складывается его образная и живописная система, уже тогда он открывает в себе тягу к символическим категориям, а в искусстве своем заковывает принцип нового стиля.
В академические годы творчество художника естественно разделилось на две линии — одна вела к академическим традиционным образам (например, «Пирующие римляне»), а другая стимулировала самостоятельное творчество: он рисовал акварелью портреты знакомых, писал акварельную композицию в собственной мастерской (он делил ее со своими друзьями Серовым и Дервизом). Затем начал писать картину, которую не закончил («Гамлет и Офелия») и к сюжету которой вернулся через пять лет.
Автопортрет (1882)
Пирующие римляне (1883)
Гамлет и Офелия (1884)
Больших успехов эти опыты не принесли. Зато в те годы вырабатывалась художническая позиция Врубеля. Вместе с друзьями он испытал сначала влияние Репина, пользовался его советами. Но его творческий темперамент не позволил ему остаться в рамках творческих установок, характерных для старших передвижников. В серьезной, вдумчивой работе акварелью над портретами и композициями Врубель искал то, что называл «любовной беседой с натурой». Эта позиция раскрыла перед художником новый путь.
Реальные плоды этот новый путь начал давать во время работы в Кирилловской церкви в Киеве, где Врубелю надлежало подновить старые фреоновые росписи XII в. и местами создать новые композиции; художник один на один встретился с огромными поверхностями стен и потолков. Он воспроизвел главную сцену своей росписи «Сошествие Святого Духа» на своде хор без картонов, по маленькому эскизу, действуя как старый мастер, неведомо откуда обретая уверенность и силу ренессансного художника. Врубеля волновал в то время византийский стиль; он видел его главную черту в соблюдении плоскости, на которой нанесено изображение, поэтому придавал особое значение рисунку, ритму складок, общей орнаментации поверхности. Он стремился проникнуть в существо старого стиля, но вместе с тем осовременивал своих героев. Лучше всего художник сумел интерпретировать средневековое наследие в сцене «Надгробный плач», где главным образным средством стали мягкие ритмы и плавные линии.
Богоматерь с младенцем. Кирилловская церковь. Киев (1885)
Сошествие Святого Духа
Вслед за первым монументальным опытом должен был последовать второй. В Киеве заканчивалось строительство большого Владимирского собора, который должен был быть расписан. Для этих росписей приглашаются уже опытные мастера — Виктор Васнецов и художники академического направления братья Сведомские и Нотарбинский. Врубель по предложению Прахова тоже начал работать над эскизами. Но они получились такими необычными, что испугали заказчиков. Единственное, что из эскизов Врубеля было осуществлено, это проекты его орнаментов, составленные из элементов органического мира цветов, листьев, птиц, женских ликов. Врубелевские орнаменты чрезвычайно типичны для стиля модерн — гнутые линии, переплетающиеся стебли растений, рассыпанные блестки павлиньих перьев.
Воскресение. Эскиз росписи Владимирского собора. Киев
Сам Врубель с большим вниманием относился к своим орнаментам, но гораздо большие надежды он возлагал на сюжетные композиции. Более всего он работал над двумя сюжетами — «Надгробный плач» и «Воскресение» (1887). Эскиз «Надгробный плач», выполненном черной акварелью, фиксирующий замершее, остановившееся движение Богоматери над телом Христа, очищенный от деталей, конкретных примет пространства и времени, этот эскиз воплощает вечную тему смерти. Трагическое чувство освобождается от перенапряжения. Фигуры словно парят в безвоздушном пространстве. Их бесплотность подчеркнута холодным светом, преображающим сцену.
Надгробный плач
Надгробный плач (вариант)
Интерес к мистическому свету, преображающему реальность, проявился во всем творчестве Врубеля 80-х гг. В Киеве складывается вся художественная система Врубеля. В графических автопортретах того времени, в рисунках, запечатлевающих обыденные сцены реальной жизни, свет действует как средство драматизации художественного образа. Иногда, как кажется, он имеет реальный источник, иногда, льется неведомо откуда, произвольно выхватывая предметы или части фигур.
Портрет старушки Кнорре за вязанием (1883)
Натюрморт. Ткани (1884)
Сальери всыпает яд в бокал Моцарта (1884)
Тогда же у Врубеля складываются и другие средства преображения реальности. Он тяготеет к орнаментальной структуре своих произведений, что проявляется как в живописи, так и в графике. Одной из первых полноценных и завершенных живописных работ Врубеля стала «Девочка на фоне персидского ковра» (1886). Ради красоты орнаментального начала Врубель прибегает к постановочности сцены. Моделью художника была выбрана дочь владельца антикварной лавки. Врубеля привлекла пестрота ковра, яркость платья, сама обстановка антикварной лавки с ее магической притягательностью старинных вещей.
Девочка на фоне персидского ковра (1886)
По-своему складывается орнаментализм в графике. Врубель сразу же начал рисовать своеобразно. В его задачу входило не только изображение предмета или фигуры, но и организация плоскости листа, сведение этих элементов в определенную структуру. Главным достижением этой структуры становилось ритмическое повторение определенных графических элементов — параллельных штрихов, заштрихованных плоскостей, запятых. Орнамент при этом не вступал в противоречие с предметным изображением.
В 80-е гг. Врубелю не так часто приходилось работать над картинами, выполненными масляными красками, то есть в той технике, в которой ему предстояло создать в будущем большинство своих шедевров. Но уже, тогда у него зародились замыслы будущих программных живописных произведений, уже тогда эти замыслы формировались мучительно и сложно. Он работает над образом Христа, многие годы вынашивает образ Демона, берется за картину о нем, пишет и неоднократно ее переделывает. Наконец, в конце десятилетия возвращается к «Гамлету и Офелии», делая при этом Гамлета родным братом своего пока еще не состоявшегося Демона. С такими мыслями он входит в самое значительное десятилетие своего творчества — в 90-е гг.
Гамлет и Офелия (1888)
С 1889 по 1902 гг. врубелевское творчество переживает высший расцвет, пору своей зрелости. Именно это время было отпущено судьбой для того, чтобы развернулся полностью талант художника. В 1902 г. пришла болезнь, и Врубель от активного творчества должен был отойти, хотя некоторые его графические работы достигали высокого совершенства. Именно в 90-е гг. проявился универсализм художника. Тогда же реализовалась тема Демона, почти всю жизнь сопровождавшая Врубеля.
Первый «Демон» был закончен в 1890 г. Он стал центральным произведением художника, собрав в себе все то, что уже было сделано прежде, и наметив пути вперед. Врубель позиционирует своего героя как выразителя демонического начала и вместе с тем подчеркивает сложность своего Демона -дух, соединяющий в себе мужской и женский облик. Врубелевский демонизм - это демонизм в смягченной форме, вне крайностей индивидуализма, с оттенком того всеобщего страдания за людей, которое красной нитью проходит через всю русскую культуру XIX в. В этой картине Врубель выступает как символист. Содержание его символа невозможно определить с исчерпывающей точностью. Он чрезвычайно сложен и многогранен. Его нельзя свести к каким-то определенным категориям — томлению или жажде красоты, к тоске или отверженности. Образ не может быть исчерпан, он остается открытым. «Демон» дает зрителю возможность теряться в догадках, расширяя в своем представлении содержание образа до беспредельности.
Демон сидящий (1890)
Это исчезновение конкретной единичности идеи, привязанности к определенному жизненному факту определяет установку художника на условный образ и художественный язык. Врубель отказывается от непосредственного восприятия натуры, от фиксации движения окружающего мира — он ищет нечто постоянное, не подверженное мгновенному изменению. Демон замер в позе ожидания и созерцания. Это состояние неподвижности может продлиться долго. Оно как бы входит в замысел художника, избавляет его от описания конкретных условий пространства и времени. Врубель не изображает, а создает, строит, конструирует. Он помещает фигуру в пространстве таким образом, что в картине создается равновесие между фигурой и окружением, между передним планом и глубиной. Мощный, словно вырубленный из твердого материала торс Демона располагается посередине. Он отделяет друг от друга равные части — огромные неземные цветы, занимающие справа всю плоскость картины, и небесное пространство, открывающееся слева — для Врубеля все части мира однородны. Художник работает широким мазком, часто он предпочитает мастихин кисти: мазок превращается в цветовую плоскость, цветовые пятна, ложащиеся на поверхность, уподобляются мозаичным камням. Общий красочный строй соответствует не реальному состоянию природы, а состоянию человеческой души: серые, лиловые, синие выражают меланхолию, душевное томление.
Голова демона
Голова демона на фоне гор
Демон и ангел с душой Тамары
Демон летящий
Демон летящий
Демон смотрящий
Демон у ворот монастыря
Демон у стен монастыря
Демон, смотрящий в долину
Демон, смотрящий на танец Тамары
Свидание Тамары и Демона
Тамара в гробу
Тамара и демон
Вслед за первым живописным «Демоном» в 1891-1892 гг. появилась серия рисунков к произведениям Лермонтова, и в частности к поэме «Демон». Лучшими рисунками к поэме оказались листы «Несется конь быстрее лани» и один из вариантов «Тамара в гробу». В последнем собралась вся нежность художника к человеческому существу, его сострадание. В первом рисунке, выполненном акварелью, всеми средствами подчеркнут стремительный бег коня с мертвым всадником в седле. Бегущие друг за другом: пятна акварели, граненые формы фигур, разрезающих воздух, вихрь мазков, — таков язык Врубеля в этом рисунке.
Иллюстрация «Князь Гвидон и Царевна-Лебедь» (1890-е)
Иллюстрация «Григорий Печорин на диване» (Роман М.Ю.Лермонтова «Герой нашего времени»)
Иллюстрация к поэме М.Ю.Лермонтова «Измаил-Бей»
Иллюстрация «Дуэль Печорина с Грушницким» (Роман М.Ю.Лермонтова «Герой нашего времени»)
Иллюстрация к стихотворению М.Ю.Лермонтова «Журналист, читатель и писатель»
Иллюстрация к стихотворению М.Ю.Лермонтова «Русалка» (» Русалка плыла по реке голубой, озаряема полной луной…»)
«Демон поверженный» (1902) — последнее законченное полотно Врубеля — завершает его «демониану». Герой художника гибнет — не в бессмысленной и холодной борьбе с жизнью и смертью, а в борьбе неравной. Это не борьба добра и зла. Это борьба с судьбой, угнетающей личность, в конце концов убивающей ее. Герой сопротивляется до конца. Образ его смерти — и реквием, и своеобразный гимн сопротивлению. В этом гимне что-то торжественное, возвышающее. Сам Врубель называл свою картину иконой. В «Демоне поверженном» вполне определенно выявлен тот принцип стиля модерн, который можно охарактеризовать как орнаментальность. Взор зрителя движется по поверхности картины (а не в глубину), постигая ритм повторяющихся линий и пятен, что типично для целого ряда картин и панно художника: для «Венеции» (1893), в которой мотив великолепного шествия дает повод для сопоставления на плоскости голов, фигур, роскошных одеяний, для «Богатыря» (1898), где растительные формы, фигуры богатыря и коня сплетаются в клубящемся ритме, для панно, посвященных Фаусту (1896), где ритмы организованы остроугольными формами, колючими и иглообразными, для ряда графических произведений. В «Демоне поверженном» соединяется реальное и фантастическое, реальность преодолевается деформацией фигуры. Поверженный герой изогнут, поломан; его тело утопает в фантастических перьях, напоминающих скорее бутафорию, чем живое проявление природы. Рядом с этим условным миром разломанной красоты в картине присутствуют совершенно реальные детали пейзажа — горные вершины писались художником по фотографии.
Демон поверженный (1902)
Демон летящий (1899)
Венеция (Декоративное панно) (1893)
Богатырь (Декоративное панно) (1898)
Полет Фауста и Мефистофеля (1896)
Гадалка (1895)
В иных случаях натурное начало преобладает, тогда фантастическое художник выискивает в самом объекте - например в пророчице, разгадывающей будущее людей («Гадалка» (1895). Но образный строй все равно остается метафорическим. Как паутиной времени, покрыт этот холст серовато-лиловым флером, сквозь который, как драгоценные камни, пробиваются сияющие внутренним светом предметы.
Панно «Испания» (1894), казалось бы, приближает нас к бытовой ситуации. Но художник не растворяет образы в бытовизме. Напротив он напрягает их. Этому напряжению соответствует и композиционная логика картины, в которой живописная плоскость борется со стремительным движением в глубину, выраженным преувеличенным сокращением предметов первого плана.
Испания (1894)
Врубелевские произведения озарены чем-то необычайным — даже тогда, когда художник не выбирает своим предметом заведомо возвышенные мотивы и ситуации. Картина «К ночи» (1900) может служить в этом отношении прекрасным примером. Художник обращается к сцене ночного, которая в сельской является обыденностью. Из этой сцены он извлекает нечто таинственное, почти мистическое. Горят прекрасные цветы чертополоха. Они зажигают ночной пейзаж причудливыми отблесками. Настороженно и тревожно переступают с ноги на ногу кони, пасущиеся неподалеку. Врубель одушевляет природу, он наделяет волей цветы, сообщая им способность чувствовать, воздействовать на людей своей завораживающей магией.
К ночи (1900)
Цветы были излюбленным объектом художника: он пристально вглядывался в сложную конструкцию цветка, создавая свои карандашные этюды. Цветы часто фигурируют и в картинах мастера. Иногда это «цветы зла», иногда образы неподвластной человеку стихии. В картине «Сирень» (1900) зритель особенно остро ощущает стихию цветения, рост куста, запах, идущий от цветов, дурманящий и терпкий. Загадочная фигура девушки, слоimg style=div style=laquo;Демоне поверженномp style= border=вно сросшейся с кустом сирени, усиливает идею слияния одушевленного и неодушевленного, переплетения форм того и другого. Из этих переплетений рождаются у Врубеля персонажи, весьма типичные для европейского символизма и модерна, — полулюди-полуживотные, полулюди-полурастения: «Царевна-Лебедь» (1900), пришедшая на холст из оперы Римскогtext-align: center;div style= 0text-align: center;о-Корсакова, две молодые женщины, словно вырастающие из спирали «Жемчужина» (1904), «Богатырь» с его огромным конем, растущим из земли, как травы и кусты. Все здесь подвержено метаморфозам. Одна из центральных картин, в которых эта тенденция проявилась особенно последовательно — «Пан» (1899). Превращая античного пана в русского лешего, Врубель изображает его с цевницей в руке, как бы вырастающего из земли, торчащего, как замшелый пень. Глаза его светятся, как звезды, уравновешивая своим сиянием свет, льющийся от месяца, половина серпа которого уже зашла за горизонт.
Царевна-Лебедь (1900)
Жемчужина (1904)
Даже в портрете Врубель подвергает модель разного рода уподоблениям. Портрет жены Н.И.Забелы-Врубель (1898), казалось бы, целиком построен на передаче первого впечатления от натуры. Он написан легко, пленэрно. Но, создавая образ женщины, полный обаяния и красоты, живописец и здесь уподобляет ее фигуру и голову какому-то цветку, распускающему свои пышные лепестки навстречу солнечному свету.
Портрет артистки Н. И. Забелы-Врубель, жены художника, в летнем туалете Empire, исполненном по замыслу художника (1898)
Чаще всего, создавая портрет, Врубель подходил к модели с уже заранее сложившейся идеей, вкладывал в эту модель собственные черты. Это чувствуется в портретах 1897 г. — К.Д.Арцыбушева, С.И.Мамонтова. В характере последнего художник подчеркнул демонизм, мятущуюся страсть. Интересно живописно-пластическое решение, с помощью которого художник воплотил свои идеи. Он словно сжал пространством фигуру Мамонтова, пригвоздил ее к плоскости. Намеренно выделив белое пятно манишки, художник «поставил» его на острие треугольника, тем самым заставив шататься и придав композиции неустойчивый, динамический характер. Чередование света и тени еще более усилило эту динамику. Рядом с портретом Мамонтова можно поставить последнее произведение Врубеля - графическое изображение Валерия Брюсова (1906), нарисованное углем и сангиной. Созданный художником образ ярко выражает представление мастера о поэте как о пророке и носителе истины. В портрете достигнута необычайная конструктивность рисунка.
Портрет К.Д.Арцыбушева (1897)
Портрет Саввы Мамонтова (1897)
Портрет Т.С. Любатович в роли Кармен (1895)
Царевна Волхова (Н.И. Забела) (1897)
Дама в лиловом. Портрет Н.И. Забелы Врубель (1900-е)
С 1903 г. Врубель занимается только графикой: в больницах невозможно было писать красками, а краткие промежутки между лечениями также не способствовали этим занятиям. Поздние рисунки относятся к разным жанрам. Через окно лечебницы художник рисовал пейзажи. Больные, санитары позировали ему, и тогда возникали портреты-зарисовки. Иногда получались целые сцены — играющие в шахматы, беседующие. Часто художник изображал окружающие предметы, и тогда возникали натюрморты: графин, стакан, простыня, платок и т.д. Врубель видит простые предметы как некую одушевленную плоть вещей. При этом не прибегает ни к деформации предметного мира, метафора возникает сама собой. При взгляде на смятую простыню или висящее платье, формы которого прослежены с невероятной тщательностью, возникают ассоциации, смысл которых выходит далеко за пределы самого предмета. Чувствуется желание художника постичь сокровенную суть самых простых вещей, узнать их первородное естество.
Кровать (1903-1904)
Кампанулы (1904-1905)
В это же время в графике создаются и образы иного характера: Врубель обращается к теме пророка. Начинается это с попытки сделать иллюстрации к «Пророку» А.С.Пушкина еще в 90-х гг. Затем эта тема как бы отчленяется, приобретая самостоятельность. «Пророк» заменяет «Демона».
Одна из вершин творчества Врубеля — его поздние графические автопортреты, выполненные в 1904-1905 гг. Когда не было моделей, он рисовал себя. В этих рисунках была заключена целая программа. Автопортреты не лишены известной доли самолюбования. Но если внимательно приглядеться, можно заметить, что в каждом автопортрете содержится немой вопрос или упрек, недоумение перед лицом неразрешимых жизненных проблем, боль, скрытое отчаяние или мужественное смирение. Все эти чувства скрыты некоей формой отчуждения. Но стоит лишь проникнуть сквозь него в глубину, как перед глазами раскроется потрясающий документ трудной судьбы и трагического конца. В поздних рисунках Врубеля рядом с конструктивными элементами выступают некоторые признаки экспрессионизма.
Хождение по водам (Эскиз стенной живописи) (1891)
Венеция. Мост Вздохов (1894)
Принцесса Греза (Декоративное панно) (1896)
Шестикрылый серафим (1904)
Как истинный художник «нового стиля» Врубель постоянно стремился к воплощению красоты. Он возвышал повседневность — в обыденности привычного он не находил мотивов для своего творчества. Отсюда отрицание бытового жанра, к которому почти никогда не обращался художник, интерес к Демону и Пророку, Фаусту и Гамлету. Среди «моделей» художника мы находим прекрасные, извечно ценные предметы — ковры, раковины, великолепные платья, редкие цветы — азалии или компанулы. Культ красоты был своего рода религией для многих людей того поколения. Художник-творец упивался этой красотой, поднимаясь к вершинам творческого экстаза. И падения с этих вершин были сопряжены с отчаянием, тоской и меланхолией. Жизнь художника проходила между этими двумя крайностями. Красота нередко оказывалась эфемерной; падение отрезвляло, но от этой трезвости хотелось воспарить еще выше. В конце жизни Врубель упрекал себя за то, что где-то преступал нравственную границу. Но сам по себе этот укор был свидетелем истинной нравственности художника.
17 марта 1856 года в Омске родился русский художник Михаил Александрович Врубель, работавший практически во всех видах и жанрах изобразительного искусства: живописи, графике, декоративной скульптуре и театральном искусстве.
В 1880—1890-е годы творческие искания Врубеля не находили поддержки Академии художеств и критиков искусства. «Своим» сделали Врубеля художники и критики, объединившиеся позднее вокруг журнала «Мир искусства», его работы стали постоянно выставлять на экспозициях мирискусников и дягилевских ретроспективах, и в начале ХХ века живопись Врубеля стала органической частью русского модерна. «За известность на художественном поприще» 28 ноября 1905 года ему было присуждено звание академика живописи — как раз к моменту полного прекращения художественной активности.
Богоматерь с младенцем, 1884
Слева: законченный вариант. Справа: эскиз итальянским карандашом, 1884 год
Икона была создана в 1884—1885 годах для оформления одноярусного мраморного иконостаса Кирилловской церкви в Киеве. Именно эта работа сделала Врубеля известным широкой публике и послужила отправной вехой в его последующей карьере художника и декоратора. Несмотря на то, что образ выполнен согласно всем канонам православной иконографии, критики отмечают его выразительность и необычность.
Искусствоведы, критики и художники единогласно признали успех не только образа Богоматери, но и других работ, выполненных Врубелем в Кирилловской церкви. Так, например, известный коллекционер П. М. Третьяков хвалил эту работу Врубеля, специально приезжал в Киев её посмотреть и сокрушался, что не может приобрести для своей коллекции, а критик и галерист С. К. Маковский считал, что дебютная работа Врубеля в Кирилловской церкви является «высочайшим достижением Врубеля», и подчёркивал, что достижение это «глубоко национальное», отвергая обвинения Врубеля в «нерусском (польском) происхождении» и «эстетическом космополитизме», и искусствовед и критик А. Н. Бенуа также отмечал мастерство Врубеля и подчёркивал, что в сравнении с работами Врубеля в Кирилловской церкви фрески В. М. Васнецова «кажутся поверхностными иллюстрациями».
Девочка на фоне персидского ковра, 1886
На картине изображена девочка-подросток, одетая в розовое атласное платье, на фоне персидского ковра, руки девочки положены ладонями на розу и богато инкрустированный кинжал — традиционные эмблемы любви и смерти. На шее девочки — жемчужное ожерелье, пальцы рук унизаны перстнями.
К нашему времени краски картины заметно потемнели. Врубель часто торопился в работе и нарушал технологию, используя ретушные лаки, которые быстро высушивали поверхность картины. В настоящее время картина экспонируется в собрании Киевского музея русского искусства.
Демон летящий, 1899
Это незаконченная картина Михаила Врубеля, написанная в 1899 году и являющаяся частью серии иллюстраций к поэме Михаила Лермонтова «Демон». Он не закончил работу по неизвестной причине.
Демон поверженный, 1902
В 1900 году Врубель опять обращается к теме «Демона». Ещё не окончив полотно «Демон летящий», в 1901 году художник начал писать предварительные эскизы к картине «Демон поверженный». Врубель в целом был здоров, хотя окружающие отмечали его раздражительность. Несмотря на в основном отрицательные отзывы критики того времени, его популярность среди ценителей живописи росла.
Картина выполнена на холсте маслом. Фоном ее является горная местность в алом закате. Композиция подчёркивает стеснённость фигуры демона, будто бы зажатого между верхней и нижней перекладинами рамы. Картина написана в индивидуальном стиле Врубеля с эффектом кристаллических граней, что делает его картины более похожими на витражи или панно. Такого эффекта художник добился с помощью плоских мазков, выполненных мастихином.
Демон сидящий, 1890
Демон — образ силы человеческого духа, внутренней борьбы, сомнений. Трагически сцепив руки, он сидит с печальными, направленными вдаль огромными глазами, в окружении невиданных цветов. Фоном картины является горная местность в алом закате. Композиция подчёркивает стеснённость фигуры демона, будто бы зажатого между верхней и нижней перекладинами рамы.
В 1891 году Врубель написал тридцать иллюстраций к юбилейному изданию сочинений Лермонтова под редакцией Кончаловского. Большая часть работ относилась к поэме Лермонтова «Демон», о которой мы уже упоминали выше. Эскиз это картины был создан в 1890 году, хранится в Государственной Третьяковской галерее.
Пан, 1899
На картине изображён Пан — персонаж древнегреческой мифологии. Однако, он изображён на фоне типичного северо-российского пейзажа (равнина, кривая берёза, лес, река), что роднит его с образом лешего
Картина написана в 1899 году, относится к так называемому «Сказочному циклу» и считается его вершиной. Написана во время пребывания художника и его жены в имении княгини Марии Тенишевой (село Хотылево, Орловская губерния ). Поначалу Врубель начал писать портрет жены на фоне лесного пейзажа, однако не окончил его и буквально за несколько дней написал на том же холсте новую картину. Источником вдохновения для Врубеля послужил рассказ Анатоля Франса «Святой сатир».
Портрет К. Д. Арцыбушева, 1897
О портрете Константина Дмитриевича Арцыбушева, написанном Михаилом Александровичем Врубелем, можно сказать, что это портрет русского интеллигента времени становления в России капитализма.
Герой портрета — человек новой формации, новой промышленно развивающейся России, страны, в которой начинают цениться не только благородство происхождения, но и ум, талант и активная гражданская позиция. Поэтому и художественные средства выбраны Врубелем соответственные. Ничего внешнего, бросающегося в глаза. Арцыбушев сидит за столом с разложенными книгами в своём кабинете. За спиной этажерка тоже с книгами и деловыми бумагами. Красный цвет бабочки седеющего Арцыбушева и чуть сборенного ковра на полу разряжают монотонность серо-зелёных оттенков картины. Это традиционный реалистический портрет, герой которого не позирует, а наоборот, находится в состоянии задумчивости, в удобной позе, в комфортной и привычной для него обстановке. Но этот портрет не был бы врубелевским, если бы в образе Арцыбушева не чувствовалась внутренняя динамика, подобная скрученной пружине. Резковатый наклон головы, изломанный разворот плеч, мрачный взгляд из-под широких бровей — мысли героя далеки от созерцательности. Во время создания портрета Арцыбушева Врубель уже придумал своего «Демона».
Принцесса Грёза, 1896
Врубелевское панно «Принцесса Грёза» именуют самым известным панно Москвы. Оно создано на сюжет драмы в стихах Эдмона Ростана «La Princesse lointaine», в русском переводе Т. Л. Щепкиной-Куперник получившей название «Принцесса Грёза». Премьера пьесы на русской сцене состоялась в январе 1896 года в Санкт-Петербурге. Романтическая история о возвышенном стремлении к любви и совершенной красоте, созерцание которой достигается ценой смерти, имела оглушительный успех у публики.
Живописное панно ныне экспонируется в зале Врубеля в Третьяковской галерее.
Царевна-Лебедь, 1900
Царевна с полотна Врубеля таинственна и загадочна, лицо её печально. Изображена Царевна-Лебедь на фоне спускающихся над морем сумерек, узкой полоски заката на горизонте и далёкого города (фоном послужили декорации к спектаклю — город Леденец, выполненные художником).
Картина посвященная персонажу оперы Римского-Корсакова «Сказка о царе Салтане» (по роману Пушкина). А. П. Иванов говорил об этой картине: «Не сама ли то Дева-Обида, что, по слову древней поэмы, «плещет лебедиными крылами на синем море» перед днями великих бедствий?», имея в виду персонаж из «Слова о полку Игореве». Александр Блок также очень любил эту картину и всегда держал её репродукцию в кабинете в Шахматове. Ею навеяно большое стихотворение с подзаголовком «Врубелю».
История жизни гения живописи и художественного мастерства Михаила Врубеля полна трагедии. Талант, ярко проявляющийся во всем, чего касался художник, одновременно являлся проклятием мастера. Врубель вошел в историю под именем мастерского портретиста, умельца декоративно-прикладного искусства. Неординарная личность художника проявлялась во всем с ним связанным. Михаил Врубель по праву находится среди величайших живописцев мира.
Годы жизни Врубеля Михаила Александровича
17 марта 1856. Омск. В семье штабного адъютанта рождается второй ребенок (сын Михаил). Слабый, болезненный ребенок, рано потерявший мать: она умерла после продолжительной чахотки. Вместе с отцом и сестрой, Анной, Михаил все детство переезжал: Астрахань, Харьков, Саратов. Маленький Миша рано увлекся рисованием, питал интерес к музыке и театру. Казалось, судьба гения была предопределена с ранних лет. Ярко поразила юного Врубеля копия работы Микеланджело – «Страшный Суд». Увидев изображение, подросток позже воспроизвел его детально (по памяти).
11-летний Михаил поступил в гимназию Петербурга, увлекшись естествознанием, языками. Три года спустя, он вынуждено переехал вслед за семьей в Одессу. Биография художника пестрит частой сменой географии. Понемногу будущий мастер осваивал живопись (это упоминалось в письмах сестре), первоначально копируя маслом знаменитые полотна русских художников. Но куда сильнее его увлекал театр.
Закончив гимназию, Михаил отправляется обратно в Петербург. Ему предначертана карьера юриста «по семейной традиции», о художественном поприще молодой человек даже не думал. Студенческие годы – период богемной жизни творца. Он сильно увлекается философией, эстетикой, изучает труды Канта, Гегеля. Михаил пробует себя на поприще иллюстраций к художественным произведениям: детальные, скрупулезные графические работы в эстетике романтизма.
1880 год. Переворот в жизни Врубеля. Окончив университет без особых заслуг, он поступает в Академию художеств (сначала вольнослушателем, затем – полноправным студентом). Одновременно с этим Михаил начинает частные занятия в мастерской известного живописца исторического жанра, Павла Чистякова, знакомится с художником Серовым. У Врубеля возникает родство взглядов на искусство и эстетику с этими людьми.
Психологический портрет Михаила Врубеля меняется под влиянием Серова: художник мечется между строгой аскезой и разгульной жизнью. Академию он не заканчивает. Его ждет новый переезд в Киев. Творчество приобретает сильные религиозные мотивы. Из Киева он отправляется в Москву: сначала временно, но, как оказалось, надолго. Здесь Михаилу суждено провести последние здоровые годы жизни. Встречает свою жену и музу, Надежду Забелу.
Забела, популярная в то время оперная певица, поражает Михаила настолько, что он зовет ее замуж практически в самом начале знакомства. Венчаются возлюбленные скоропостижно: через полгода общения. Михаилу 40, Надежде – 28.
Именно отношения с Надеждой открывают новый этап жизни и творчества Врубеля: он работает над театральными костюмами и декорациями для выступлений жены, вдохновленный ее образами.
1902. Врубелю ставят первый диагноз. Сумасшествие художника из-за сифилиса развивается стремительно (так же, как и его творчество). Надежда, забрав сына, бежит от мужа. Он отправляется за ней. Госпитализация, тяжелейшая депрессия – творец угасал. Мания величия сменялась периодами бредового самоуничижения. Надежда вернулась к нему. Горе поразило семью Врубелей в 1903 году. Смерть сына Саввы окончательно подкосила художника.
Лето 1904. Незначительное улучшение состояния Михаила давало надежду на выздоровление. Уже в 1905 году болезнь вернулась с утроенной силой. В начале 1906-го Врубель стал жаловаться на ухудшение зрения. Он успел написать последнюю картину («Видение пророка Иезекииля»), прежде чем ослеп навсегда. Умер гениальный художник 14 апреля 1910 года.
Творчество художника Врубеля
Художественному пространству творца всегда сопутствовала двойственность: сочетание реализма, романтизма создавали нечто уникальное. Яркая неоднозначность творческой натуры Врубеля откровенно проявлялась в его работах. Он испробовал себя во многих жанрах: классическая живопись, иконопись, фресковая роспись, театральные декорации, декоративная скульптура, прикладное искусство.
Символизм Михаила Врубеля – «новый русский Ренессанс». Мастер стремился к творцам эпохи Возрождения, сочетая в произведениях острую религиозность, многогранную образность, скрывающую под собой авторское «Я» во всей его беспокойности. Посетив Италию, Михаил Александрович увлекся готическим искусством, стремился передать своими работами великолепие витражей той эпохи. Серьезное влияние на колористическую палитру творчества художника оказали итальянские мастера раннего Ренессанса.
На заре карьеры художник работал над росписями соборов, церквей, однако его эскизы нередко вызывали у заказчиков вопросы и претензии. Стилистические решения Врубеля шли вразрез с канонической традицией православной художественности. Слишком экспрессивными, наполненными неподдельной скорбью, истинными эмоциями показались акварельные эскизы Михаила настоятелям Владимирского собора.
Произведения Врубеля Михаила Александровича московского периода его жизни – самые яркие, в полной мере демонстрирующие гениальность творца. Его живопись приобретает узнаваемые черты. Нельзя забывать о центральной теме творческих исканий художника – образе Демона, ставшего олицетворением сложных душевых переживаний Михаила.
Картины Михаила Врубеля с названиями
«Царевна Лебедь», 1900
«Демон и Тамара», 1891
«Демон летящий», 1899
«Принцесса Греза», 1896
«Снегурочка», 1890
«Сирень», 1900
«Цветы в синей вазе», 1886
Декоративное панно «Философия» была создана Михаилом Александровичем Врубелем в 1899 году. Панно передает аллегорическую сцену, на которой изображена девушка. Ее обнаженное тело прикрыто материей бронзового цвета, демонстрируя обнаженную грудь. Рыжие волосы девушки […]
Была нарисована художником приблизительно в 1904 -1905 гг. Для ее создания использовался обычный лист бумаги, акварель, уголь и карандаш. Зритель может открыто наблюдать печальный взгляд пророка. Врубелю удалось передать в изображении всю […]
Михаил Врубель выполнил эту работу по заказу для оформления и декорации интерьера. Примечательная структура живописного и красочного панно, задача которого будет решить заполнение всего потолочного пространства. В этой картине особенно выделяются характерные […]
Потрясающая работа Михаила Александровича Врубеля «Сошествие Святого духа на апостолов» украшает цилиндрический свод Кирилловской церкви, расположенной в Киеве. Произведение относится к первым работам живописца. Согласно Евангелию, к апостолам пришел Святой дух в […]
Портрет с натуры был написан в 1898 году. При написании шедевра использовались масляные краски. Супруга одета в пышное платье, украшенное желтым широким поясом, голову украшает кисейная шляпка. В руках Надежда Ивановна держит […]
Керамическая скульптура «Египтянка» была создана художником М. А. Врубелем в 1891-1896 годах, когда он только начал увлекаться изготовлением изделий из этого материала. Творец изобразил прекрасное по своей пластике женское лицо – красивое […]
Михаил Александрович Врубель – художник со сложной судьбой. Жизнь его напоминает драму. Успешный молодой человек, во время обучения на юридическом факультете университета увлекшийся богемным образом жизни, к счастью, нашел в себе талант […]
Михаил Врубель один из тех русских художников, который стал отцом русского модерна. Именно элементы модерна, мастер использовал для создания уникального шедевра «Суд Париса». Врубель применял более точные линии, орнаменты, имеющие скрытый и […]
