Bodegón a lápiz de flores y sus diagramas. Clase magistral de dibujo “Bodegón decorativo” mediante la técnica del “dibujo decorativo”

Una naturaleza muerta dibujada a lápiz se ve muy hermosa y puede decorar casi cualquier interior. Entender cómo dibujar una naturaleza muerta, en general, no es nada difícil. Para ello, en primer lugar, conviene familiarizarse con las obras. pintores famosos a quien le encantaba pintar una variedad de naturalezas muertas. Por ejemplo, en pinturas antiguas No sólo se pueden ver jarrones, ramos y una variedad de frutas y verduras, sino también caza, una variedad de delicias culinarias y hermosos platos.
Antes de dibujar una naturaleza muerta, debes preparar:
1. Lápices multicolores en el conjunto;
2. Lápiz. Tanto un lápiz perfectamente afilado como un portaminas son perfectos;
3. Una banda elástica (un gancho también funcionará);
4. Una hoja de papel;
5. Forro. Se recomienda utilizar un delineador negro.

A los artistas siempre les ha gustado pintar naturalezas muertas. En sus lienzos representaban lujosos ramos de flores, Frutas exoticas, juego, vegetales frescos y platos muy elaborados. Hoy en día, las naturalezas muertas siguen siendo populares, pero dibujarlas no es tan fácil. El mejor lugar para comenzar es con una imagen. composiciones simples, que consta de tres o cuatro objetos diferentes.

Primero necesitas preparar:

Papel;
- lápiz;
- borrador;
- lápices de colores brillantes. Por ejemplo, las acuarelas funcionan bien.

Después de esto, puedes empezar a trabajar en la naturaleza muerta:

1. Marque el borde de la mesa con un lápiz y luego dibuje los contornos de dos manzanas, una pera y una taza;

2. Dibuja la fruta con más detalle. Dibuja una ramita de fresas formando un círculo;

5. Aplique otra capa de sombreado a la manzana, haciendo gradualmente su color más saturado y expresivo. Recuerda que una manzana, como una pera, debe tener un punto culminante, porque en este caso la luz incide sobre los objetos desde un lado. Oscurece adicionalmente las zonas de sombra con marrón y verde pantano;

La naturaleza muerta está completamente lista. Puedes complicar gradualmente la composición agregando nuevos elementos. Puedes colorear una naturaleza muerta no solo con lápices de colores, sino también con pinturas al óleo, acrílicas o acuarelas.

Bosquejo

Método de trabajo con gouache.

A los niños les encanta dibujar, especialmente con pinturas. Una de las pinturas para pintar más sencillas es el gouache. Base educación artística El niño dibuja naturalezas muertas, incluidas flores. Como dibujar flores pinturas gouaches?

Instrucciones

Luego procedemos a la trama de la imagen, que todos dibujan. los colores correctos. Aplica la pintura sin sombras, no olvides dejar zonas blancas. Fija el color de la fruta y de la jarra con el vaso. Difumina ligeramente el contraste de color y las manchas blancas para suavizar las transiciones y los bordes al dibujar. acuarela Recuerde que todos los objetos se influyen entre sí: sus colores parecen fluir entre sí. Las sombras tampoco son negras, han absorbido el color de los objetos y del entorno y tienen su propio color.

Mejorar algunos lugares con lavados, especialmente donde hay el color blanco. Realza el color de la fruta, realiza otras modificaciones en el dibujo con un pincel. pintura de acuarela. Dibuja los contornos de todos los objetos, pero no de forma nítida, sino para que se fusionen con los vecinos. Deja la imagen a un lado y mírala en unas pocas horas; definitivamente encontrarás lo que necesitas mejorar y corregir. La acuarela se puede corregir en cualquier momento. Después de un tiempo los ojos descansarán de los tuyos. naturaleza muerta Ah, verán todo de una manera nueva.

nota

A medida que la acuarela se seca, el color se vuelve más claro. La acuarela puede ser líquida o seca, ambas son buenas, pero la líquida en tubos se disuelve mejor en agua.

Consejo útil

Elija papel especial para acuarelas: no forma bolitas, por lo que las bolitas no estropearán su trabajo.

Fuentes:

• Cómo pintar una naturaleza muerta en acuarelas.

Composición artística significa coubicación. Para que el artista pueda realizar su diseño artístico y lograr la máxima expresividad de su obra, utiliza principios compositivos especiales como puede construir un principiante. composición¿paisaje?

Todo aquel que bebe de la vida debe pasar por etapas diferentes complicaciones del trabajo. El proceso de aprender a dibujar en una determinada etapa está asociado con el dibujo de una naturaleza muerta (del francés Nature Morte, naturaleza muerta).

El mundo de la naturaleza y las cosas que rodean al hombre en La vida cotidiana, - un tesoro inagotable de formas y tonos de color. La sencillez y perfección plástica de los objetos cotidianos, la sofisticación y delicadeza de las flores, la estructura y jugosidad únicas de las frutas y verduras, y mucho más, siempre han sido objeto de atención de los artistas. Dibujos y pinturas en los que quedan plasmados. forma figurativa artículos para el hogar, herramientas, verduras, frutas, comida, caza, ramos de flores, etc., se llaman naturalezas muertas.

Las naturalezas muertas se pueden “ver” directamente en vida y “escenificar” específicamente para resolver diferentes tareas visuales. Ambos llaman la atención, por eso se le da tanto espacio a la naturaleza muerta. Bellas Artes que se convirtió por derecho un genero independiente. Una naturaleza muerta "vista" es una agrupación natural de objetos representados por el artista, y una "puesta en escena" se compone de objetos seleccionados deliberadamente y necesarios para realizar el plan específico del autor.

La imagen de una naturaleza muerta tiene su propio patrón y secuencia metodológica. Es completamente inadmisible, por ejemplo, inmediatamente después de comenzar a dibujar, comenzar a trabajar en detalles menores en detalle, si aún no se ha determinado la forma principal y no se ha decidido la idea tonal de la producción. Esto conduce inmediatamente a la fragmentación del dibujo, lo que resulta increíblemente difícil y a veces imposible de corregir para un dibujante sin experiencia. Además, esa prisa conduce a errores en las relaciones proporcionales y, por tanto, al fracaso, la falta de confianza en uno mismo y la decepción.

Recuerde que en la práctica visual existe un método probado de trabajo secuencial sobre dibujos, basado en el principio: de lo general a lo específico y de lo específico nuevamente a lo general enriquecido con detalles.

Arroz. 21

El trabajo en una naturaleza muerta comienza con la selección y colocación de ciertos objetos: en nuestra tarea, un modelo de yeso de un prisma y un jarrón de madera para lápices, pinceles, etc. (Figura 21). La selección de componentes de producción a gran escala debe estar lógicamente justificada, completa conexión semántica. Es recomendable elegir cosas que sean expresivas en forma y volumen.

Una vez escenificada la naturaleza muerta, tú eliges lugar específico, desde donde se ve claramente la producción (ya hemos hablado de los más distancia optima desde el dibujo hasta el objeto a escala real: debe tener aproximadamente tres veces el tamaño de la vida misma).

La expresividad y veracidad de una imagen de naturaleza muerta dependen de tu capacidad para observar, componer, construir un dibujo, modelarlo con tono, etc.

Antes de trabajar realmente en el dibujo, es aconsejable realizar uno o dos bocetos de la producción para encontrar una disposición racional y eficaz de la imagen sobre el papel. Es aconsejable realizar los bocetos rápidamente, partiendo de la primera impresión aún muy fresca de la producción, intentando transmitir en ellos características naturaleza, la relación y proporciones de la forma de cada objeto, la relación entre el área de la imagen y el área del formato de la hoja.

Una vez que hayas determinado la composición de la imagen en el boceto, puedes proceder a trabajar directamente en el formato. Dada la naturaleza de la producción, ya has elegido el formato: horizontal o vertical.

Arroz. 22

Ahora te enfrentas a la tarea de pasar por varias etapas para dibujar una naturaleza muerta. Tales etapas, es decir momentos individuales- etapas o pasos en el desarrollo de algo; al trabajar en un dibujo no suelen haber más de cuatro.

Indudablemente, etapa inicial cualquier imagen es su ubicación compositiva en una hoja de papel. Ya tienes un boceto, úsalo de forma no mecánica.

Aquí se da el lugar principal a la determinación de todo el ancho y la altura total de los objetos a la vez para limitar el campo de la imagen, las posiciones de cada uno de los cuerpos entre sí y el plano en el que se colocan se delinean inmediatamente con líneas claras;

En la siguiente etapa de dibujar una naturaleza muerta, es necesario aclarar el lugar de cada uno de los dos objetos en la imagen y determinar sus relaciones proporcionales. Durante este período de trabajo, identifique también la base constructiva del formulario. Aquí, basar la solución a todos los problemas en esta etapa de la imagen en un análisis cuidadoso de la producción. Por ahora construye la forma solo con líneas, viendo tu dibujo como un “marco”, pero sigue una cierta medida para que no luzcan del mismo grosor en todas partes (Fig. 22).

Realizar la tercera etapa del trabajo como un mayor refinamiento de la forma de los cuerpos que tienen volumen y relieve. Estos signos de los objetos sólo se perciben en condiciones de luz y sombra. Por lo tanto, no sólo debes esbozar gran luz y una gran sombra, pero también para definir con trazos ligeros todas las gradaciones principales (arreglos graduales) del claroscuro. Estos patrones de distribución de luz, medios tonos, sombras propias y caídas se han discutido más de una vez en el libro de texto y usted los conoce. Sólo hay que observar atentamente in situ y comparar en papel cuánto es más oscuro o más claro un objeto que otro. Además, no te olvides también de la diferencia en el patrón. técnicas Trabajar con lápiz para identificar diferencias en las texturas de los objetos que ya se encuentran en esta etapa del dibujo. Todo en conjunto y considerado desde la perspectiva de la construcción en perspectiva, el volumen y relieve de las formas, las soluciones tonales, la materialidad te lleva a última etapa trabajar en un dibujo de naturaleza muerta (Fig. 23).

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La etapa final prevé el proceso de finalización del trabajo: una generalización de toda la estructura lineal y tonal de la imagen. Si el primer plano y el fondo están dibujados en detalle, ambos cuerpos de la producción destruyen la percepción integral de la imagen, no hay transiciones suaves en el modelado de la forma con el tono, entonces es necesario mejorar dicha imagen, lo cual es un generalización. En este caso, es necesario suavizar el fondo, destruir límites claros en él (para crear la impresión de profundidad), "acercar" un objeto al primer plano y "alejar" otro, en algún lugar de en el lugar correcto aclarar, en otros casos, por el contrario, espesar el tono y así lograr la integridad del cuadro (Fig. 24).

Todas las etapas del trabajo en un dibujo de naturaleza muerta no son etapas de la imagen separadas entre sí. Aquí tiene lugar un proceso coherente, lógicamente condicionado por la unidad y la indivisibilidad, cuyo resultado debe ser un tono correctamente compuesto, correctamente construido, moderadamente elaborado, expresivo. dibujo educativo naturaleza muerta.

Ahora veamos con gran detalle cómo se lleva a cabo el proceso de creación de un dibujo de naturaleza muerta hecho de yeso. cuerpo geométrico- un prisma hexagonal y un jarrón de madera para guardar herramientas de dibujo.

Una vez elegido el formato, se determina en qué tamaño se imprimirá la imagen en papel, sobre todo porque en los bocetos preliminares se buscan relaciones proporcionales entre la imagen y el formato. Las proporciones están entretejidas en la percepción visual de acuerdo con la estructura del ojo y los principios de su funcionamiento. Cada persona que dibuja determina las proporciones de las cantidades y, no se sorprenda, distingue entre ellas la proporción de la “sección áurea”. En el entorno se ve que un jarrón colocado verticalmente parece más preferible que un prisma inclinado hacia él. Esto significa que en tu dibujo prestarás atención al jarrón. Atención especial, y comenzará a asociarle la ubicación de la imagen en el papel. Se ubicará en el dibujo únicamente en relación con las proporciones de la “sección áurea”.

tal personaje percepción visual confirmado por numerosos experimentos realizados en diferente tiempo en varios países alrededor del mundo.

El psicólogo alemán Gustav Fechner llevó a cabo en 1876 una serie de experimentos, mostrando a hombres y mujeres, niños y niñas, así como a niños, figuras de varios rectángulos dibujadas en papel, pidiéndoles que eligieran solo uno de ellos, pero dando la impresión más agradable. sobre cada tema. Todos eligieron un rectángulo que mostraba la proporción de sus dos lados en la proporción de la “proporción áurea” (Fig. 25). Experimentos de otro tipo fueron demostrados a los estudiantes por el neurofisiólogo estadounidense Warren McCulloch en los años 40 de nuestro siglo, cuando pidió a varios voluntarios de entre los futuros especialistas que le dieran a un objeto oblongo la forma deseada. Los estudiantes trabajaron por un tiempo y luego devolvieron los artículos al profesor. En casi todos ellos las marcas estaban hechas exactamente en la región de la “sección áurea”, aunque los jóvenes no sabían absolutamente nada al respecto”. proporción divina" McCulloch tardó dos años en confirmar este fenómeno, ya que él personalmente no creía que todas las personas eligieran esta proporción o la establecieran en el trabajo amateur en la realización de todo tipo de artesanías.

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Fenómeno interesante observado cuando los espectadores visitan museos y exposiciones Artes visuales. Muchas personas que no se han dibujado a sí mismas pueden percibir con asombrosa precisión incluso las más mínimas imprecisiones en la representación de los objetos en imágenes gráficas y en pinturas pintorescas. Probablemente sean signos del sentido estético de una persona, que “no está de acuerdo” con la destrucción de la armonía de formas y proporciones. ¿No es con tal exigencia de un sentido de belleza que se asocia el fenómeno de la “proporción áurea” (siempre que esta proporción no se llame “divina”, “áurea”, “sección áurea”, “número áureo”) ? No es en vano, al parecer, en todos los siglos de la civilización humana” proporción áurea"fue elevado al rango de principio estético fundamental.

Para ti fundamentos compositivos La construcción de un dibujo de naturaleza muerta no debería ser un obstáculo, porque una persona está dotada de la capacidad de ver claramente el entorno que lo rodea dentro de un campo de visión clara (en un ángulo de 36°). Son los valores proporcionales dentro del campo de visión clara los que los ojos distinguen claramente, y tu tarea es reconocerlos para poder construir correctamente el dibujo. El caso es que una persona que dibuja ve el mundo objetivo de la misma forma que alguien que no dibuja. Sin embargo, si adopta un punto de vista arbitrario para construir un dibujo, se producirá una distorsión. Es necesario recordar que en la construcción de una imagen todo es interdependiente: el punto de vista, el campo de visión clara y la distancia a los objetos de la imagen. Esto significa que en el proceso de composición de la imagen, es necesario seleccionar una parte del espacio cerrado (hoja de papel), que incluiría objetos de naturaleza muerta y parte. ambiente(fondo). Los objetos de la imagen no deben ser ni demasiado grandes ni demasiado pequeños. De lo contrario, la imagen grande “sale” del formato y la pequeña “se hunde” en él. Para evitar que esto suceda, intente considerar la hoja de papel y las dimensiones de la imagen como un todo. solución composicional dibujo de naturaleza muerta.

Después de organizar el plano del papel, es necesario dibujar los objetos tal como los ve el ojo y tal como existen en la realidad. Para ello, se aclaran los cambios de perspectiva en la forma del jarrón y el prisma y, al mismo tiempo, se intenta comprender inmediatamente su estructura objetiva, el diseño y se analizan las condiciones de iluminación. El claroscuro en los objetos se distribuye según las mismas leyes con las que te familiarizaste al dibujar modelos de yeso de cuerpos geométricos.

Cada dibujo es al mismo tiempo un nuevo conocimiento. mundo objetivo, que va acompañado de la adquisición de conocimientos, experiencia, nuevas habilidades y motricidad de los movimientos de las manos. Habiendo colocado el dibujo en un plano y, por ahora, transfiriendo los límites de la forma de cada uno de los dos objetos con líneas ligeras y delineando el volumen del jarrón y el prisma con los mismos trazos ligeros, continúas tu trabajo, pasando a la próxima etapa. Ahora continúas refinando aún más los rasgos característicos de la forma, comparando todo el tiempo el dibujo con la naturaleza. Luego se comienza a trabajar con relaciones que implican determinar las proporciones correctas, la relación entre los planos espaciales, los detalles y el todo.

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El método de trabajo a través de las relaciones permite al dibujante adquirir conocimientos y habilidades en la medida que influyen en el desarrollo de una persona como artista profesional.

Entonces, las primeras etapas de tu dibujo: resolver los problemas de diseño, delinear la silueta general de la naturaleza muerta, resaltar ambos objetos y mostrar las proporciones, al mismo tiempo sentir la conexión de las formas, su correspondencia con la estructura general de la imagen. Cuando se trabaja con relaciones, el dibujo se aclara comparando y contrastando, es decir, comparando la imagen con el todo y las partes entre sí. En la misma etapa del dibujo, debes comenzar a identificar el volumen y el relieve de las formas de los objetos en la imagen, trabajando en ellos según el principio, de lo general a lo específico. Sólo así podrás ver siempre el todo: en estructura, proporciones y tono.

Cuando tenga confianza en la fidelidad del dibujo y en la exactitud de las relaciones de tonos claros previstas, puede pasar con seguridad a modelar la forma con un tono gradualmente saturado de densidad.

En este etapa importante trabajo - transferencia representación verdadera de una naturaleza muerta, como la ve nuestro ojo y cómo existe en el espacio, es necesario ver la naturaleza completa todo el tiempo, es decir, al tocar con un lápiz tal o cual lugar del dibujo, no perder de vista todo el escenario y todo el dibujo en su conjunto. Recuerde siempre que está acumulando conocimientos, habilidades y habilidades de forma gradual y constante y trabaje en la naturaleza muerta en consecuencia. Las relaciones tonales en la naturaleza no se pueden transmitir con precisión en un dibujo debido a la discrepancia entre la luz original y la blancura del papel. Sólo pueden transmitirse siguiendo relaciones de luz y sombra que sean proporcionales a la naturaleza, y usted sabe que la calidad del patrón tonal depende de dicha transmisión.

Durante el modelado del dibujo en tono, cuando se realiza todo el trabajo desde lo general a lo específico, inevitablemente llega un momento asociado a un gran deseo de asumir la elaboración final de una u otra parte de la imagen, lo cual es muy Atractivo en producción. Aquí es donde se llega a los detalles, siguiendo los principios del dibujo.

En la práctica, tanto la educación como la dibujo creativo Hay dos a menudo en contacto entre sí. manera técnica Tonos de lápiz sobre papel: sombreado y sombreado.

La eclosión, a diferencia del sombreado, tiene sus propias características distintivas. Un dibujante experimentado sólo puede lograr la transferencia de todas las propiedades tonales y materiales de la naturaleza. Al mismo tiempo, utiliza una variedad de trazos a lo largo del trazo de un lápiz sobre papel: rectos y curvos, cortos y largos, superpuestos entre sí en varias capas. En consecuencia, el sombreado debe entenderse como técnicas de aplicación de tono con trazos. La dirección del sombreado en un dibujo es muy importante. Con el uso de trazos dirigidos de acuerdo con la forma del objeto, se puede lograr volumen y, a la inversa, con trazos aplicados al azar, la forma se destruye y la imagen se cubre con manchas informes.

Los maestros del dibujo solían utilizar el sombreado, una técnica que consiste en frotar una capa de lápiz, aplicada plana con una mina, sobre la superficie del papel para obtener un tono suave y sólido utilizando sombreado o hisopos de papel y, muy a menudo, algodón. Ilya Efimovich Repin utilizó esta técnica con bastante frecuencia y eficacia.

En el proceso de trabajo relacionado con la transferencia de las relaciones de luz y sombra, se determinan los lugares más claros y más oscuros del escenario a gran escala y, siguiéndolos como pautas tonales, van ganando gradualmente la apertura necesaria. Y todo el tiempo necesitas comparar y comparar el dibujo con la naturaleza nuevamente. Para ello, incluso puedes alejarte un poco del dibujo para que puedas ver tu trabajo desde un punto de vista algo lejano. Existe otra técnica de comparación: mirar el dibujo en el espejo, medio vuelto hacia la imagen. El espejo también debe reflejar el objeto natural. Esta comparación puede ayudarle a detectar errores de tono y eliminarlos. La técnica del espejo también es eficaz porque te permite ver tu trabajo desde un ángulo inesperado. Cada pintor no sólo se acostumbra a su imagen, sino que muchas veces, por inexperiencia y aún por ineptitud, deja de notar errores graves en el dibujo, por no hablar del tono. Una mirada tan inesperada le ayudará a ver de inmediato tal o cual defecto, al que resultó difícil prestar atención debido a la incapacidad de mirar críticamente su propio dibujo.

La última etapa del trabajo en un dibujo de naturaleza muerta está relacionada con la capacidad del dibujante para completar la imagen, es decir. alinee la imagen con la impresión visual general con una percepción perfecta de la producción a gran escala.

1. ¿Qué es la naturaleza muerta?
2. ¿Cuántas etapas de la pintura de una naturaleza muerta hay que pasar?
3. ¿Qué entiendes por el término "diseño"? ¿Qué papel juega el diseño en un dibujo?
4. ¿Por qué una producción a gran escala debería percibirse no en partes, sino en su conjunto?
5. ¿Qué significa aplicar trazos a una forma?
6. ¿Cuál es la secuencia metodológica del trabajo sobre una naturaleza muerta?
7. ¿Cómo entendemos el término “generalización de un dibujo”?

Clase magistral sobre dibujo de bodegones para estudiantes. escuela primaria

I a) Chicos, todos ustedes, por supuesto, han estado en museos, galerías de arte, miró las obras de los artistas. Todos son diferentes. Creo que puedes decir fácilmente cómo se puede llamar una imagen así. (es decir, género) (mostrando paisajes), ¿y éste? (mostrando retrato). Aquí hay otro trabajo. ¿Que muestra? ¿Cómo deberíamos llamarlo (género)? (Naturaleza muerta).
Si tienes dificultades para responder o continuar la conversación, puedes utilizar el poema de A. Kushner:

Si ves en la imagen
río dibujado
O abeto y escarcha blanca,
O un jardín y nubes,
O una llanura nevada
O un campo y una choza,
Imagen requerida
Se llama PAISAJE.

Si ves lo que hay en la imagen.
¿Alguno de nosotros está mirando?
O un príncipe con una capa vieja,
O un campanario en bata,
Piloto o bailarina,
O Kolka, tu vecina,
Imagen requerida
Se llama RETRATO.

Si ves en la imagen
Taza de café en la mesa
O zumo de frutas en una jarra grande,
O una rosa en cristal,
O un jarrón de bronce,
O una pera, o un pastel,
O todos los elementos a la vez,
Entonces esto es una naturaleza muerta.

Entonces, te hablaremos de la naturaleza muerta. El poema que escuchaste es algo divertido, pero si lo recuerdas, siempre sabrás qué se puede representar en una naturaleza muerta.
¿Qué podría ser? (Los niños nombran lo que se puede representar en una naturaleza muerta).
Quiero mostrarles obras maravillosas de varios artistas (por ejemplo: P. Klas “Pipas y brasero”, A.A. Deineka “Phloxes y claveles”, B. Ast “Naturaleza muerta con frutas”, etc.). Todos ellos pertenecen al género de los bodegones.

P. Klas “Tuberías y brasero”

¿Por qué crees? Después de todo, ¿las imágenes son todas diferentes? ¿Quizás hay algo que los une? (Se representan los objetos y cosas que nos rodean).

b) Pero cada imagen tiene su propio carácter, características únicas. (Mostrando dos ramos: Y. Heisum, Zori N.).

Echemos un vistazo más de cerca a nuestros ramos. Parecería que no hay nada más sencillo que dibujar un ramo de flores, pero qué diferente lo hicieron los artistas. Para que te resulte más fácil ver esto, leeré dos descripciones y determinarás cuál se ajusta a la primera imagen y cuál se ajusta a la segunda.
- Imagínate que ya no estamos en el aula. Nos transportaron a la habitación donde se encuentran nuestros jarrones de flores. Fresca mañana de verano. Flores recién cortadas, que huelen a la frescura de la mañana, se sumergen en el agua fría... El sol juega con sus rayos desobedientes sobre los pétalos de las flores...
- Crepúsculo. Una vieja lámpara ilumina los capullos ligeramente caídos. La humedad que da vida se está acabando. Pero en algún lugar profundo la vida todavía está luchando...
¿Por qué distribuiste las descripciones de esta manera? (Los niños comparten sus pensamientos e impresiones).
¡Bien hecho! Ya ves lo bien que entiendes ya los bodegones.
V) Dígame, ¿por qué el artista necesitaba representar objetos comunes en la imagen: un vaso, una manzana, una jarra vieja?
En sus pinturas, el artista transmite no sólo los objetos, sino también sus sentimientos, la belleza de cosas a veces poco atractivas, para que otras personas aprendan a mirarlas y admirarlas.
II. A) Ya hemos dicho que la naturaleza muerta es un género de bellas artes y que los artistas que trabajan en este género suelen representar frutas, ramos de flores, varios artículos etc. Pero las naturalezas muertas como las que vemos ahora no siempre existieron.
Anteriormente, las naturalezas muertas no se pintaban en absoluto, porque... Los objetos del mundo circundante no despertaron mucho interés. Sin embargo, mientras exploraba el mundo, una persona descubrió por sí misma muchas cosas nuevas, misteriosas e interesantes; las cosas más comunes le revelaron sus lados inusuales;
La naturaleza muerta, tal como la vemos ahora, no surgió de inmediato. Al principio era sólo elementos individuales pinturas.
La naturaleza muerta alcanza su punto máximo en las obras. artistas holandeses siglo 17
b) Los holandeses llamaron a sus obras “ vida tranquila" Y efectivamente, este título sienta muy bien a estos cuadros. (P. Klas “Desayuno con pescado”) o mejor dicho, la vida se congela, se detiene por un momento.

Mire más de cerca, el agua en el vaso, el rayo de luz, el aroma del limón, el tintineo de los platos volcados parecen haberse congelado por un momento. Pero en un momento, los rayos de luz volverán a deslizarse por la pared, recorriendo con su mirada invisible los vasos, los platos pulidos hasta brillar, y la “vida tranquila” seguirá su curso.
Es interesante que los nombres de las naturalezas muertas sean aproximadamente los mismos: "Desayuno", "Postre", "Pescado", etc.
Hubo momentos en que la naturaleza muerta era tratada con desdén y llamada “naturaleza muerta”. Sin embargo, la “vida tranquila” de las cosas, misteriosa, oculta a las miradas indiscretas, interesó más a los artistas. Los artistas comenzaron a pintar naturalezas muertas. diferentes paises, incluida Rusia.
V) A principios del siglo pasado, las naturalezas muertas fueron pintadas por I.I. Mashkov. Desde pequeño le encantaba dibujar, aunque a muchos les parecía inútil. Mashkov se dedicaba a dibujar carteles para tiendas, tiendas minoristas. Nunca estudió esto en ninguna parte, y cuando un día un profesor de arte le preguntó a un chico de 18 años si quería aprender a dibujar, Mashkov respondió: "¿Es esto realmente lo que enseñan?" Después de eso, Mashkov tomó decisivamente el camino del futuro artista.
Les mostraré uno de sus bodegones “Piñas y Plátanos”.

Mire más de cerca, lo principal aquí no es una simple imagen de objetos. Imaginemos cómo nos sentiríamos si estas frutas estuvieran sobre la mesa frente a nosotros. Toquemos la piel de la piña y sintamos el aroma de un jugoso trozo recién cortado. Prestemos atención a cómo el artista representa un vaso de cristal, un plato...
(Como resultado de la comparación, se puede observar que las naturalezas muertas consideradas, holandesas y rusas, que difieren en el momento de la pintura, son fáciles de percibir y emocionales. Los artistas, maestros en su oficio, supieron transmitir la belleza. del mundo material al espectador).

III. Entonces, hoy nos familiarizamos con otro género de bellas artes (pintura). ¿Con la cual? (Naturaleza muerta).
¿Qué novedades hemos aprendido?
- Cómo anteriormente artistas llamado naturaleza muerta?
– ¿Por qué empezaste a pintar bodegones? (repetir)
– ¿Nos gustaron los bodegones y por qué?
(Las naturalezas muertas brindan la oportunidad de sumergirse en la historia, de ver cómo vivía la gente en un país en particular en diferentes épocas. Una naturaleza muerta nos habla de los sentimientos del artista, nos ayuda a ver lo que tal vez no se note en la vida cotidiana).

Instrucciones.
Entonces, hoy aprenderemos a dibujar una naturaleza muerta. Necesitamos intentar completar nuestro trabajo al final de la lección. Necesitaremos álbumes lapices simples, pinturas y lápices de acuarela.