La obra principal de Proust fue la novela. "En busca del tiempo perdido"(1913-1927 – ya enfermo terminal), inv. consiste en 7 libros, unidos por la imagen del narrador Marsella recordando. Sin embargo, la novela no es una memoria ni una autobiografía. Proust no consideraba que su tarea resumiera su vida. Para el autor era importante transmitir cierta emoción al lector. estado de ánimo, para inculcar una actitud espiritual, para revelar la verdad que adquirió y realizó, formulada en el proceso de escritura de la novela. La novela puede considerarse un tipo de novela lírica. El lirismo proustiano surge del deseo de abrirse paso hacia la autenticidad de nuestra "I". El autor quiere inculcar en el lector la fe en la riqueza inagotable de la realidad interior, que debe ser liberada de los efectos destructivos del hábito y la pereza mental. El esfuerzo creativo de la conciencia es recompensado con la percepción, la adquisición por parte del individuo de su autenticidad.

Un escritor no debe inventar ni inventar nada. Su trabajo es similar a la traducción: debe traducir el libro de su alma a un lenguaje generalmente comprensible.

"En busca de ut.vr." Proust crea una singular flujo de novela, en el que el psicologismo de Stendhal se transforma en una técnica especial ("corriente de conciencia"), y el monólogo interno absorbe toda la estructura de la novela. Proust conoce y reconoce como verdadero sólo lo que recuerda, lo que entró en la esfera de su compleja conciencia e incluso de su subconsciencia. La verdadera existencia está dentro de la conciencia. la gente es lo primero "una persona que recuerda" La trama principal del libro es la historia del complejo "yo" del autor. Para Proust, “todo está en la conciencia, no en el objeto”.

Para Proust arte- la forma de vida más elevada, la única forma verdadera de existencia humana, que le permite encontrar el "tiempo perdido", y con él su verdadero "yo" y el significado de la vida.

¿Qué pasa en la novela? destrucción del carácter: la imagen del personaje queda privada de su integridad, de su núcleo semántico. Proust dudaba de la identidad del individuo. Él evalúa la personalidad como una cadena de representaciones secuenciales de varios "yo". Por lo tanto, la imagen de un personaje a menudo se construye como un conjunto de bocetos estáticos, superpuestos unos sobre otros. La imagen del personaje parece estar dividida en muchos componentes incompatibles. Esta construcción de la imagen ilustró el pensamiento de Proust sobre la subjetividad de nuestras ideas sobre la personalidad de otro, sobre la incomprensibilidad fundamental de su esencia. una persona no comprende mundo objetivo, pero sólo tu propia imagen del mundo.

13. Los principales temas y motivos de la novela de M. Proust "Hacia Swann"

El ciclo de novelas "En busca del tiempo perdido" (1905-1922) consta de siete libros. La primera novela incluida es “Hacia Swann (terminada en 1911). La novela colocó a Proust entre los "padres" del modernismo europeo. El modernismo de la novela se evidencia en la represión. mundo real impresiones subjetivas, mezcla de capas temporales, rechazo de la trama tradicional, destrucción del personaje, “corriente de conciencia” como escisión de sentimientos, predominio de bagatelas y detalles asociados al hecho de que Proust se aleja de la descripción de lo típico hacia lo típico. individual.

Resumen, para los que no han leído: En la primera parte, "Hacia Swann", el héroe Marcel, en cuyo nombre se cuenta la historia, recuerda su infancia en la ciudad de Combray, sobre todo de su madre, por la que siente una gran ternura, y de su hijo. del amigo de su abuelo, Charles Swann, un corredor de bolsa, que lleva una vida de alta sociedad a escondidas de sus vecinos. Marcel habla de dos rutas favoritas para sus paseos por Combray: hacia la finca del burgués Swann y hacia los aristócratas Guermantes. En Combray, Marcel recibe el primer conocimiento de la vida. En esto juegan un papel importante el profesor de música Vinteuil y el escritor Bergotte. Está fascinado por la duquesa de Guermantes, que no destaca en nada exteriormente, pero está rodeada del aura mítica de su origen elevado y antiguo. Fue entonces cuando nació el sueño de Marcel de convertirse en escritor. El niño admira a Gilberte, la hija de Swann, principalmente porque se comunica con el escritor Bergog. Mucho más tarde se entera de amor apasionado Swann a Odette de Crécy. La historia de la relación de Swann en el salón Verdurin con la bastante vulgar Odette, que le recuerda una de las imágenes de Botticelli, sobre los locos celos de Swann, sobre su repentino enfriamiento hacia Odette, en quien de repente vio a una persona muy común y completamente diferente del cuadro de Botticelli. , es, por así decirlo, “una novela dentro de una novela”, a juzgar por algunos de los acentos puestos en el texto, escrito por el héroe de Proust, Marcel. De la narración posterior se desprende que Odette, a quien Swann dejó de amar, se convirtió en su esposa, y el joven Marcel se enamoró de su hija Gilberte.

Temas principales de Hacia Swann.
Una característica importante del psicologismo de la obra es precisamente que sentó las bases para un nuevo tipo de novela: la novela "la corriente de la conciencia". La arquitectura de la primera “novela fluida”, que recrea los recuerdos del protagonista Marcel sobre su infancia en Combray, sobre sus padres, sobre conocidos y amigos sociales, indica que Proust captura la fluidez de la vida y el pensamiento. Para el autor, la “duración” de la actividad mental humana es una forma de resucitar el pasado, cuando los hechos pasados ​​reconstruidos por la conciencia muchas veces adquieren mayor significado que el presente minuto a minuto, incidiendo sin duda en él. Proust descubre que la combinación de sensaciones (gustativas, táctiles, sensoriales), que el subconsciente almacena a nivel sensorial, y los recuerdos, dan el volumen del tiempo.

Proust no consideraba que su tarea resumiera su vida. Para el autor era importante transmitir al lector una cierta estado de ánimo emocional, para inculcar una cierta actitud espiritual, para revelar la verdad que adquirió y realizó, formulada en el proceso de escritura de la novela. El autor quiere inculcar en el lector la fe en la riqueza inagotable de la realidad interior, que debe ser liberada de los efectos destructivos del hábito y la pereza mental. El esfuerzo creativo de la conciencia se ve recompensado con la percepción, la adquisición por parte de una persona de su autenticidad. Así, en el libro “Hacia Swann”, el pequeño Marcel se acerca a comprender la esencia de su yo más profundo, describiendo el placer que sentía al contemplar los campanarios de Martinville.

El tema de la novela es: la relación entre hombre y artista en la estructura de una personalidad creativa. Simplemente niega la dependencia directa del talento cualidades personales artista. Los verdaderos artistas resultan no ser aristócratas brillantes, educados y sofisticados, como el barón de Charlus o Saint-Loup, sino el aparentemente anodino Vinteuil, el autor de una brillante frase musical, o el aparente sociedad secular Bergotte, vulgar y talentoso escritor. Según Proust, “el genio reside en la capacidad de reflexionar, y no en las propiedades del espectáculo reflejado”.

Arte- la forma de vida más elevada, la única forma verdadera de existencia humana, que le permite encontrar el “tiempo perdido”, y con él su verdadero “yo” y el significado del ser. “En busca del tiempo perdido” es una novela sobre una novela, o más precisamente sobre por qué se tarda tanto en escribir una novela, esta es la historia del descubrimiento de Marcel de su vocación como escritor.

l tema de amor– el amor se convierte en una experiencia puramente subjetiva, sin correlación alguna con su objeto; el amor está enteramente contenido en el amante, el objeto del amor es accidental e indiferente. Swann, inteligente, sutil y educado, se enamora de la muy limitada y vulgar Odette de Crecy cuando la descubre. apariencia Semejanza con Botticelli Séfora.

El aforismo de Chamfort es bastante aplicable al concepto de amor de Proust: “Hay que elegir: amar a las mujeres o conocerlas; no puede haber término medio. Modelo relación amorosa En la novela de Proust se construye sobre el paso del amor al conocimiento. Tan pronto como Swann y Marcel están a punto de conocer a sus seres queridos, experimentan una profunda decepción y el amor muere. Esta interpretación del amor está asociada con la posición epistemológica general de Proust, para quien amar y conocer son estados opuestos del alma. Sólo se puede amar lo que no se conoce, lo que está ausente en el presente, estando presente en el pasado o en el futuro, en la memoria o en la imaginación del amante. Para Proust, el amor es algo así como una enfermedad de la conciencia: es inseparable de los celos y el sufrimiento. El amor sólo puede vivir con miedo de perder a su amado. Al convertirse en la esposa de Swann, Odette pierde a sus ojos su antiguo atractivo.

En la novela de Proust sucede destrucción del carácter: la imagen del personaje queda privada de su integridad, de su núcleo semántico. Proust dudaba de la identidad del individuo. Él percibe la personalidad como una cadena de representaciones sucesivas de diferentes "yoes". Por lo tanto, la imagen de un personaje en particular a menudo se construye como un conjunto de bocetos estáticos, uno al lado del otro, superpuestos, que se complementan entre sí, corrigen, pero no forman una integridad basada en la constancia de propiedades psicológicas estables. del individuo. La imagen del personaje parece estar dividida en muchos componentes incompatibles. Así, por ejemplo, Swann es un visitante de salones aristocráticos, tal como aparece en la percepción de la infancia de Marcel, y Swann es el amante celoso de Odette, y luego visto a través de los ojos del Marcel maduro, un próspero hombre de familia que se congracia con la insignificante esposa de su esposa. huéspedes. Esta construcción de la imagen ilustró el pensamiento de Proust sobre la subjetividad de nuestras ideas sobre la personalidad de otro, sobre la incomprensibilidad fundamental de su esencia. Una persona no comprende el mundo objetivo, sino sólo su propia imagen del mundo.

15. Poesía de P. Verlaine Paul Verlaine (1844-1896) - poeta francés, uno de los mayores simbolistas franceses. Aunque reconocido como un maestro del simbolismo, Verlaine todavía no era su líder y teórico, como S. Mallarmé. Más fuertemente que cualquiera de los simbolistas, Verlaine está asociado con el impresionismo. No buscó tanto crear símbolos como transmitir impresiones. La imagen poética de Verlaine suele construirse a partir de los detalles más cotidianos, de fragmentos de lo visto y percibido por la sutil impresionabilidad del poeta. La imagen simbólica de Verlaine carece del “satanismo” y el dramatismo de Baudelaire, así como de la grotesca nitidez, asociatividad y deformación de la imagen de A. Rimbaud.

En la primera colección de poesía de Verlaine "Poemas de Saturno" (1866) Se nota la influencia de la estética parnasiana y de Charles Baudelaire. La influencia parnasiana se refleja en la expresividad plástica de la imagen, en el cuidadoso acabado del verso, en la densidad material, la visibilidad y la tangibilidad del mundo. La colección aún conserva el equilibrio parnasiano de principios objetivos y subjetivos en la estructura. imagen poética. La tradición baudelaireana se siente en la tonalidad menor general de los poemas, en la sutileza de las sensaciones y la mayor sensibilidad, así como en el desarrollo del tema urbano (“Memoria del misterio del crepúsculo”, “Paseo sentimental”, “Otoño Canción"). Sin embargo, ya en esta colección se revelan los rasgos del estilo original de Verlaine: entonación melancólica, imagen matizada, musicalidad, revelada no sólo como una orquestación virtuosa del verso, sino sobre todo como la capacidad de transmitir los movimientos más sutiles, la “música” de el alma. La innovación de Verlaine radica en impartir una musicalidad y una sugestión sin precedentes a la palabra poética (insinuación, sugerencia, incitación), en enriquecer el ritmo del verso. Verlaine fue uno de los primeros en recurrir al “verso libre”. Nunca antes en la poesía francesa vida interior no se transmitió con tanta plenitud, con tanta variedad de matices, en su continua dinámica y fluidez.

Penalizaciones largas
violines de otoño
El llamado es persistente,
Me lastimaron el corazón
Los pensamientos están nublados
Monótono.

Estoy durmiendo, tengo frío.
Me sobresalto y palidezco
Al filo de la medianoche.
Se me ocurrirá algo.
Todo sin informe
Los ojos llorarán.

Saldré al campo.
el viento es libre
Atrevida, valiente.
Él te agarrará y te arrojará
Como si se dejara llevar
La hoja está amarillenta.

Traducción de Valery Bryusov

"Canción de otoño"- una de las obras maestras de Verlaine, en la que ya en una etapa temprana de creatividad poeta francés La originalidad de su talento quedó al descubierto. Como lo hicieron tantas veces los románticos franceses antes que él. Verlaine en “Autumn Song” crea un paisaje teñido de sentimientos héroe lírico. El estado de ánimo de melancolía, soledad, fatiga mental: estos son los motivos principales del poema de Verlaine.

en la coleccion "Celebraciones galantes" (1869) A menudo veía las obras de un aficionado y decadente, partidario de la teoría del "arte por el arte". La colección es una serie de elegantes paisajes, fotografías y bocetos que representan el exquisito entretenimiento de damas y caballeros del siglo XVIII. El poeta utiliza la técnica parnasiana de abordar no la naturaleza viva, sino su refracción a través del prisma del arte. Se inspira en las pinturas de Watteau, Fragonard y Greuze. ¿"Fiestas galantes"? una especie de intento del poeta de encontrar refugio en una época lejana, con la ayuda de la imaginación para disolverse en su fabuloso mundo teatral. ¿Los bocetos de la naturaleza adquieren el carácter de “paisajes del alma”, en los que las observaciones de la realidad son absorbidas por las impresiones subjetivas del poeta, disueltas en su percepción y subordinadas a la tarea? expresar los matices del estado mental del héroe lírico (poema “ Luz de la luna", "De paseo", "En silencio"). Esta actitud poética condujo a una intensificación de la tonalidad melancólica de la colección, a una mayor desmaterialización del mundo material y al fortalecimiento del principio subjetivo en la estructura de la imagen poética. Sin embargo tendencia general a la subjetivización mundo del arte todavía no conduce a desdibujar la línea entre lo real y lo imaginario, a debilitar los contornos del objeto.

Recopilación "Buena canción" (1870) Incluye poemas dedicados a la amante de Verlaine, su prometida Mathilde Mothe, a quien conoció en 1869, cuando Mathilde tenía dieciséis años. A Verlaine le encantó esta colección suya más que otros libros, porque “La buena canción”, en sus palabras, fue “sobre todo, sincera y concebida de manera tan dulce, tierna y pura... escrita con tanta sencillez”. ¿De verdad, “Buena Canción”? la más alegre de las colecciones de poesía del poeta, que cuenta la historia del resurgimiento del héroe lírico bajo la influencia del amor. Para Verlaine, el amor no es tanto un sentimiento apasionado y doloroso como una tierna languidez. Verlaine prefiere la moderación y la castidad a la apasionada sensualidad de Baudelaire. En el poema “El sol apenas ha salido sobre los campos mojados...”, el poeta, creando una imagen del amanecer, temprano en la mañana, dirige su pensamiento a su amada: “Pero, ¿qué placer / le da esta vista a quien está? obsesionado / con un solo sueño y una sola imagen / Doncella - en todo su encanto / La melodiosa blancura de su alma y de su ropa, / Tan parecido al día que apenas comienza...”

El poema "Arte poético" (escrito en 1874, publicado en 1882) se convirtió en un manifiesto poético de letras impresionistas y simbolistas. El poeta pide la musicalidad como principio más importante nueva poesia(“De la musique avant toute chose”). Además, se entiende ampliamente que la musicalidad supera en la poesía todo lo que interfiere con la laxitud de la autoexpresión lírica: las leyes de la lógica y la sentido común, normas establecidas de versificación, énfasis en el virtuosismo y la certeza del significado, precisión del esquema. El poeta es un médium impulsado por la intuición, no por la lógica. La verdadera poesía es la expresión de lo inexpresable. Verlaine concluye su poema con la siguiente instrucción dirigida al poeta: “Que deje escapar tontamente / Todo lo que está en la oscuridad, obrando maravillas, / El amanecer lo conjurará... / Todo lo demás es literatura”.

La colección Sabiduría (1881) incluye poemas escritos por Verlaine en prisión y poco después de su liberación. La conversión de Verlaine tiene lugar en prisión. fe católica. En "Sabiduría", el poeta se vuelve hacia Dios, a menudo el segundo plano profundo de la imagen-símbolo no está ocupado por el alma humana, sino por Dios, el poeta pasa del "simbolismo humanista" al "religioso" (D. D. Oblomievsky). la colección “Wisdom” marcó la madurez del simbolismo de Verlaine.

16.La obra de A. Rimbaud. Poeta simbolista, considerado en Francia el fundador de la poesía francesa del siglo XX. Nacido en la familia de un capitán de infantería. Las primeras obras fueron escritas por Rimbaud en el Liceo, en 1862-1863. En 1869 logró publicar tres poemas sobre latín. Durante estos años, Rimbaud leyó mucho (Rabelais, Hugo, etc.) Comienza el primer período de su obra (1870-mayo de 1871, poemas “Ofelia”, “El baile del ahorcado”, “El mal”, “Durmiendo en el hueco” , etc.) . Ya en estas obras el poeta aparece como un simbolista, en quien imagen central como si brillara a través de todas las demás imágenes, dando a la obra unidad artística. Así, en el poema “Durmiendo en el hueco”, la muerte, la salida de mundo cruel donde unas personas matan a otras, resulta vida verdadera, fusionándose con la naturaleza En 1870, Rimbaud, de 16 años, hizo su primera “huida” a París, donde fue testigo Comuna de París, que estaba experimentando una agonía. Los actos heroicos de la lucha revolucionaria no dejaron indiferente al joven de mentalidad romántica ("Himno militar de París", "Las manos de Jeanne-Marie", etc.). Rimbaud nunca fue un poeta comprometido políticamente, pero le repugnaba la visión de los burgueses y burgueses que tanto lo odiaban recuperados del shock (“La orgía parisina, o París se repobla”), así como la hipocresía de la sociedad “respetable” ( “Los pobres en el templo”).

Teoría de la clarividencia. Al enterarse de la proclamación de la Comuna, Rimbaud dejó el liceo de Charleville y, al llegar a París, participó en acontecimientos revolucionarios. El sentimiento del colapso de la Comuna lo lleva a buscar una poesía que se adelante a la vida inerte. En mayo de 1871, Rimbaud había desarrollado el concepto de “poeta clarividente”. “El poeta se vuelve clarividente creando un desorden largo, interminable e inteligente por todos lados”, escribe. - Todas las formas de amor, sufrimiento, locura; se busca a sí mismo, experimenta todos los venenos sobre sí mismo para conservar sólo la quintaesencia. Una tortura indescriptible en la que necesita toda fe, toda fuerza sobrehumana, en la que se convierte entre todos los grandes enfermos, el gran criminal, el gran condenado - ¡y el Científico supremo! - porque lucha por lo desconocido.

La teoría de la "clarividencia" recibida. mayor desarrollo en el libro de ensayos y reflexiones de Rimbaud “Iluminación” (1872-1873). Este es uno de los documentos mas importantes Simbolismo francés.

Rimbaud creía que el poeta logra la clarividencia a través del insomnio, recurriendo, si es necesario, al alcohol y las drogas. Buscó expresar lo inexpresable, penetrar en lo que llamó “la alquimia de las palabras”.

La teoría de la “clarividencia” fue realizada por dos obras famosas Rimbaud: “El barco borracho” y “Las vocales”.

"Barco borracho"

Este gran poema está construido como un meta extendido.

la ventaja de un barco poeta, abandonado sin tripulación y arrastrado por una tormenta y el oleaje del océano hacia tierras desconocidas. El final del poema está lleno de profunda decepción: el barco está cansado de la libertad y de la inmensidad del océano, desfigurado por pontones con presos (los participantes de la Comuna de París fueron exiliados a trabajos forzados en Nueva Caledonia):

¡He estado llorando durante demasiado tiempo! Que amarga es mi juventud,

¡Qué despiadada es la luna, qué negro es el sol!

Que mi quilla se rompa sobre las rocas submarinas,

Me ahogaría y me tumbaría en el fondo arenoso.

Bueno, si Europa, que así sea,

Como un charco helado, sucio y poco profundo,

Deja que el niño triste se agache y gire.

Tu propio barco de papel con ala de polilla.

Estoy cansado del oleaje de esta lenta humedad,

Velas de caravanas, días sin hogar,

Cansado de intercambiar banderas arrogantes

¡Y en los terribles pontones de los presos hay luces!

Las primeras oleadas de movimientos modernistas surgieron incluso antes de la Primera Guerra Mundial, en particular el surgimiento de la novela modernista. Allá por los años 80 del siglo XIX. Surgió una crisis de la novela, pero no fue una crisis de la novela como género, sino una crisis de la novela clásica de Balzac. “La novela es una epopeya de la vida privada”, Hegel. Al asociar el surgimiento de la novela con la sociedad burguesa, el individuo quedó liberado de dogmas y cadenas.

El cambio de siglo es una crisis de la cultura burguesa y, en consecuencia, una crisis de la forma novelesca.

La novela tradicional se caracteriza por:

racionalidad

culto a la razón; “Ten el coraje de usar tu propia mente” - Kant

culto a la acumulación

cientificismo - culto a la ciencia

Estos valores se reflejaron en la novela clásica de trama lineal (un episodio se sucede a otro, secuencia cronológica, relaciones de causa y efecto). La trama imita la lógica de la vida. Descriptividad – Balzac, Flaubert. Creación de un tipo de personaje (el realismo se caracteriza por un personaje típico en una situación típica), el principio del determinismo.

En los años 80 se produce un giro hacia el irracionalismo, el misticismo, la pasión por la magia, la adivinación, etc.

Pérdida de la fe en la razón, aumento del interés por la religión. Confusión, vergüenza. El resurgimiento del catolicismo, un intento de encontrar apoyo, un retorno a la religión.

Una novela ya no es una forma muy unida con una trama clara y relaciones de causa y efecto. Ahora es una forma fluida, la novela modernista.

Marcel Proust se encuentra en los orígenes de la novela modernista. Berdyaev creía que Proust era el único escritor brillante de Francia. La novela de la corriente de la conciencia es una forma de novela modernista.

El término "corriente de conciencia" fue utilizado por primera vez por el psiquiatra estadounidense Williams James.

"Toda nuestra existencia es una secuencia continua de sensaciones".

Henri Berkson es un importante filósofo francés cuyas ideas influyeron en Proust. Intuición, fluidez, duración, continuidad en la variabilidad. Proust llevó la idea de fluidez a la realidad interior, mundo interior persona.

En literatura, la “corriente de conciencia” es una técnica en la literatura, una especie de monólogo interno. La corriente de la conciencia se transmite por medios especiales: fluidez, espontaneidad, incoherencia de los procesos, complejidad infinita de la psique.

Proust no fue el primero en utilizar el monólogo interno. Antes que él, Stendhal también lo hizo en “Rojo y negro”. Pero en Stendhal, el monólogo interno de Julien Sorel comenta los acontecimientos;

Proust se guió por Dostoievski, su psicologismo (escribió notas sobre Dostoievski y Tolstoi). La psique humana es compleja, infinitamente profunda y móvil.

El trabajo del escritor es imitar la incoherencia del flujo de la conciencia. Una idea diferente del hombre es la “continuidad en la variabilidad”, de ahí una nueva novela.

"En busca del tiempo perdido" - 1913-1927. – 7 libros

Libro 1 – “Hacia Svan”

Durante 14 años trabajó en un fresco de la psique humana. personaje principal-Marcel.

La novela comienza con una escena de despertar; este motivo no es casual. El motivo del sueño y el despertar ya era conocido; fue utilizado en particular por Richard Wagner (Tenhäuser, Parzival, los héroes de Wagner). Este es un símbolo del despertar espiritual del héroe, comienza el autoconocimiento.

El tema principal de la novela es el descubrimiento de sí mismo por parte del hombre.

Proust creía que una persona se compone de muchos "yoes". La categoría de carácter para los realistas es un conjunto individual de cualidades psicológicas que distinguen a una persona de otra. Son cualidades estables, aunque los héroes pueden evolucionar. La evolución está determinada por la influencia del medio ambiente. Está determinado por causas externas, el medio ambiente.

Para los modernistas, esto no está condicionado por nada, una persona no está dada, no está condicionada, es algo autosuficiente, en desarrollo. El motivo de muchas personas pequeñas está dentro de nosotros.

La innovación de Proust radica en el hecho de que el objeto de la narrativa es el mundo interior del individuo.

Por ejemplo, “Rojo y negro” de Stendhal es psicológico. novela realista– El mundo interior de Julien Sorel es importante, pero el conflicto se debió a razones externas, las colisiones se debieron al tiempo (“Crónica de los años 30”). En Proust, la realidad interior se convierte en el centro.

Una novela impresionista es una demostración de los matices y sentimientos más sutiles de Marcel. Lunacharsky fue uno de los primeros en escribir una nota sobre Proust, donde destacó el dominio del análisis psicológico.

Toda la trama es lenta.

“Una novela rota por la parálisis” - Jules Renard.

Los fallos cronológicos son muy comunes. Algunos acontecimientos que ocurrieron anteriormente en la vida de Marcel se describen mucho más adelante.

El título original de la novela era “Interrupciones del corazón/Sentimientos”.

Muchos puntos que son insignificantes para el lector se describen con gran detalle. La relación de Marcel con Gilberte, su primer amor, se desarrolló en los Campos Elíseos. Pero luego desaparece durante muchos libros, apareciendo sólo en el último, y conocemos su historia.

Proust no pudo publicar su novela “Hacia Swann” durante mucho tiempo; al final lo hizo por su cuenta. Uno de los críticos llamó a Proust grafómano, escribió que ya estaba en la página 700, pero aún no entendía de qué se trataba esta novela y por qué el escritor la escribía.

Esto no es una memoria ni una autobiografía. Hay motivos para hablar de la autobigrafía de la novela, porque Marcel en la novela relata hechos que en realidad coinciden con la vida de Proust. Por ejemplo, Proust padecía asma grave. Cuando era niño, se cayó en los Campos Elíseos, se rompió la nariz y esto provocó su primer ataque. El héroe de la novela también sufre de asma. Proust adoraba a su madre y sufrió su muerte en 1905; la novela también contiene un motivo de afecto, amor por su madre (el episodio en el que el pequeño Marcel no puede dormir hasta que llega su madre).

Todo esto es una generalización artística, no una autobiografía.

Problemas:

La búsqueda del hombre de sí mismo

Cuestiones estéticas. ¿Qué es la literatura? ¿Cómo se crea una novela?

A la novela de Proust a menudo se la llama "una novela sobre una novela". La literatura reflexiona sobre el mundo, sobre la vida, sobre sus propias leyes.

El tema lo establece el hecho de que Marcel quiere ser escritor, está buscando viaje del escritor, tiene una vocación, un impulso de escribir una novela.

Pero duda de que él, mental y físicamente débil, pueda crear una obra; no cree en la presencia del talento;

Su padre no lo apoya; cree que necesita aprender algo serio. Todo esto genera dudas en Marcel.

¿Por qué me toma tanto tiempo escribir una novela?

Sociedad, vida social. Proust fue incluido en la sociedad. Rusticize: haga cumplidos floridos, fue agradable hablar con él. La enfermedad me obligó a retirarme, a alejarme de todo. incluso el ruido o los olores desencadenaban ataques. Mandó tapizar los apartamentos con material insonorizado (corcho) y trabajó en una novela.

Enfermedad. La abuela en la novela le pregunta al niño cuándo tomará el libro, él se refiere a problemas de salud.

Aquí el narrador y el autor no coinciden.

Pasión, amor. La relación de Marcel con Gilberte. ENúltimo libro

Seguirá creando una novela.

El tema de la memoria y la creatividad están conectados. El talento literario es la memoria, la capacidad de recordar. Proust creía que existen 2 tipos de memoria:

La memoria voluntaria es cuando hacemos un esfuerzo mental consciente para recordar algo en nuestra memoria. Marcel quiere describir la casa de tía Léonie en Combray, donde pasaba mucho tiempo jugando y leyendo solo. Pero no logra, no puede recordar, crear una imagen que resulta descolorida y muerta, es decir, Este recuerdo es impotente, no ayuda a encontrar tiempo. La memoria espontánea es la base.

creatividad literaria

. Proust narra varias veces en la novela episodios con este tipo de recuerdos.

El episodio más famoso fue el de la madelenka (una galleta esponjosa). Recuerda Combray cuando bebe té con galletas, como antes tomaba té con la misma magdalena en casa de su tía. Otro episodio en el que Marcel quiere recordar Venecia, a donde fue con su madre cuando ella aún estaba viva. Tropecé con una piedra y lo recordé.

Proust creía que encontraremos o no el tiempo, que seremos capaces de resucitar el tiempo perdido, que encontraremos el objeto del que depende nuestra vida, es una cuestión de azar.

Proust construye asociaciones del pasado (un episodio de los recuerdos) y de la realidad (un objeto que ayuda a recordar este episodio). Esta conexión resucita el tiempo perdido. Proust escribió que quería describir la vida auténtica, y sólo lo que recordamos es auténtico. “Todo está en la conciencia, no en el objeto”, Proust. Ésta es la ley de la subjetividad del mundo interior.

Estudia las leyes de percepción del yo interior.

Éste es el significado de la literatura: sacar a la luz, despertar lo que, al parecer, ya ha muerto en la mente de Marcel. Marcel Proust murió a la edad de 51 años, la causa de la muerte fue neumonía, enfermó en un evento social, rechazó ayuda médica y murió en 1922.: los héroes no están en armonía, no hay finales felices. El amor es un sentimiento doloroso, unido a los celos (“La fugitiva” / “La desaparecida Albertine”). Al comienzo de la novela, ella lo abandona. Toda la novela es un análisis de sentimientos y emociones que fueron inesperados para él, porque... Pensé que todo había terminado. El amor es un sentimiento subjetivo.

Así describe Swann su amor por Odette. Svan es un hombre de familia respetable, aceptado en la sociedad, visita al Conde de París, un esteta, persona educada, escribiendo un libro sobre artista holandés. Se enamora de Odette de Cressy. Ella pertenece a una sociedad diferente, un semi-monde, una querida cocotte, esencialmente.

Swann, al regresar de la recepción, recuerda que Odette no le gustaba. Pero entonces surge el amor: en un encuentro le pareció que ella se parecía a la Sínfora de Sandro Botticelli. Entonces se da cuenta de que él no es el único hombre en su vida. Mirándola, celos, pasión.

El comienzo de la pasión es la asociación. No se trata de Odette. Ella es la misma persona vulgar, Swann tenía esta asociación. No se trata de los méritos y deméritos de los seres queridos, se trata de quienes aman.

Características del estilo de Proust a nivel micro:

Construcción de la frase de Proust. Es complejo, fluido, hinchado. Leemos hasta el final y olvidamos el principio, pero la claridad no se pierde.

Descripción de un objeto + reflexión sobre este objeto, interpretación en la conciencia subjetiva de Marcel.

La novela modernista es una reacción a la naturalista.

Literatura alemana del siglo XX. Alemania, Austria: manual de entrenamiento Leonova Eva Alexandrovna

Escuela de "corriente de conciencia"

Escuela de "corriente de conciencia"

El concepto de “corriente de conciencia” fue acuñado por el famoso filósofo y psicólogo estadounidense William James. En la undécima sección de su libro “Fundamentos de la psicología” (1874-1890), el científico afirmó: “Nunca se describe la conciencia fragmentada en pedazos. Expresiones como “cadena” o “fila” no describen la conciencia tal como se presenta a sí misma. No hay nada en él que pueda conectarse: fluye... La metáfora “río” o “corriente” siempre representa la conciencia de manera más natural. Por lo tanto, permítanos en el futuro, cuando hablemos de ello, llamarlo “corriente de pensamiento”, “corriente de conciencia”, “corriente de vida subjetiva”.

Los juicios de W. James fueron aceptados por los escritores. diferentes paises: James Joyce, Virginia Woolf (Inglaterra), Marcel Proust (Francia), William Faulkner, Gertrude Stein (Estados Unidos), Alfred Döblin (Alemania), etc. El desarrollo particularmente notable de la escuela de la “corriente de conciencia” se produjo en el siglo XX. Años 30 del siglo XX V.

En la crítica literaria, la "corriente de conciencia" se distingue como un elemento separado. técnica artística en una serie de otras técnicas y como una forma de género literario (en tales casos dicen: una novela de "corriente de conciencia").

Como recurso artístico, la "corriente de conciencia" a menudo se identifica con el monólogo interno, que se utilizó en el pasado. literatura XIX V.; Se mencionó por primera vez, según investigadores estadounidenses, en la novela de A. Dumas "Veinte años después", y en la literatura rusa, en la reseña de N.G. Chernyshevsky sobre las obras de L. Tolstoi "Infancia y adolescencia" e "Historias de guerra" ("Sovremennik", 1856, núm. 12). El monólogo interno lo utilizan Stendhal, L. Tolstoy, F.M. Dostoievski, E. Hemingway, T. Dreiser, O. Huxley, G. Grass y muchos otros autores de los siglos XIX y XX.

La "corriente de conciencia", a diferencia del monólogo interno con su lógica, coherencia y relaciones de causa y efecto, se caracteriza por características tales como la brusquedad del pensamiento, capas y cambios temporales, una tendencia a la falta de lógica, la subjetividad, la falta de especificidad, falta consciente de dirección. Pensamientos, asociaciones, impresiones, recuerdos parecen interrumpirse entre sí, conectados según el principio del azar y la inadvertencia, como ocurre con la conciencia y el subconsciente en la vida natural de una persona. Cerca de la "corriente de conciencia" se encuentran las técnicas de "análisis interno" (similar a un monólogo interno, pero marcado por la falta de lógica), "impresión sensorial" (implica la brusquedad no solo de pensamientos, frases, sino también de palabras individuales), disonancia, etc. Bajo la técnica del “flujo”, la conciencia generalmente se entiende como la totalidad de todas estas técnicas.

Recordemos el episodio de la novela de Alfred Döblin “Berlín, Alexanderplatz” (1929), cuando la policía, junto con un personaje involucrado en el asesinato de Mizzi, busca el cuerpo de la desafortunada mujer; en la corriente de conciencia de este héroe, el hojalatero Karl, todo está entrelazado y confuso: “Conducen por un camino familiar. Bueno para ir. Mejor aún, salta del auto. ¿Dónde está? Bastardos, tenéis las manos atadas, no se puede hacer nada. Y tienen los enrejados con ellos. Así que no se puede hacer nada, se mire como se mire. Están conduciendo, la carretera vuela hacia ellos. Mizzi, eres más querida para mí que todos los demás, te doy ciento veinte días... Siéntate en mi regazo. Qué buena chica era, y este sinvergüenza, este Reinhold, camina sobre cadáveres. Bueno, ¡solo espera! Recuerda Mizzi... Te arrancaré la lengua de un mordisco... ¡Cómo sabía besar! El conductor preguntó entonces hacia dónde ir: ¿a la derecha o a la izquierda? Yo digo: ¡no importa dónde! Eres mi querida, querida niña..."

U otro de los muchos episodios, esta vez con la participación del protagonista Franz Biberkopf: “Mira: dos fotografías una al lado de la otra. ¿Qué es esto? Franz se quedó completamente helado. Este soy yo. ¿Pero por qué estoy aquí, por el asunto de Stralauerstrasse? Qué horror, soy yo, y a mi lado está Reinhold, y arriba está el titular: “Asesinato en Freienwald…” ¡Mizzi! ¿Quién es? ¿Yo?... Silencio, ratones, gato en el tejado... ¿Pero qué es esto? (la novela está citada en la traducción de G. Zuckau).

“La técnica y la técnica del flujo de conciencia habían diferentes escritores diferente contenido y significado... – escribe N.S. Pavlova (quien señaló con razón que la traducción existente no ofrece una imagen completa de la técnica narrativa de Döblin, incluido su flujo de conciencia). – Para Döblin, la corriente de conciencia tiene oculta su propia relevancia. El significado específicamente Döblin de esta técnica se reduce a la capacidad de mostrar la fricción de las capas internas y externas de la realidad, es decir, la misma introducción (bohren) de vida en la conciencia humana” (1, 123). No es casualidad que Döblin en relación con su propio método creativo Estaba decididamente descontento con la palabra "describir". “En una novela hay que superponer, acumular, enrollar, empujar” (schichten, h?ufen, w?lzen, schieben) (2, 447).

A veces se utiliza la técnica de la “corriente de conciencia” como remedio universal representaciones de la realidad, la única forma posible de transmitir la vida mental y psicológica de un personaje. En este caso ya estamos hablando de forma de género– sobre la novela “corriente de conciencia”. A diferencia de una novela tradicional, según el crítico literario estadounidense M. Friedman, “fluye sin parar, con facilidad, trabajando de forma espontánea, con reminiscencias y premoniciones”, prestando mucha atención a la conciencia y al subconsciente del personaje.

Se consideran ejemplos clásicos de la novela "la corriente de la conciencia" las novelas de J. Joyce "Ulises" (1922) y "Finnegans Wake" (1939), y "El sonido y la furia" de W. Faulkner (1929). Gran lugar ocupa la "corriente de conciencia" en la novela de varios volúmenes de M. Proust "En busca del tiempo perdido", en la que el escritor trabajó desde 1905 hasta 1922; sin embargo, aquí la narrativa asociativa está más cerca de monólogo interno, V. en mayor medida(con algunas excepciones) es lógico, además, como en A. Döblin, en la novela de M. Proust otros se hacen sentir direcciones artísticas, principalmente impresionismo y realismo (para Döblin: naturalismo, realismo, simbolismo, expresionismo, futurismo, así como “ teatro épico"B. Brecht y otros).

Cómo se utiliza también la técnica de la “corriente de conciencia” en literatura realista, y en la vanguardia, por ejemplo, en la rama "psicológica" de un movimiento como la "nueva novela".

Fuentes

1. Pavlova N.S. Tipología de la novela alemana: 1900-1945. M., 1982.

2. D?blin A. Die Vertreibung der Gespenster. Berlín, 1968.