Nasib sejarah Italia abad pertengahan dalam banyak hal berbeda dengan nasib negara lain Eropa abad pertengahan. Sementara di banyak negara Eropa, pada berbagai tahap evolusi sistem feodal, sistem feodal sangatlah besar entitas negara, Italia, yang hampir sepanjang Abad Pertengahan menjadi arena perjuangan para penakluk asing, tidak mampu keluar dari keadaan fragmentasi feodal; tidak ada kekuatan sosial di negara ini yang dapat berbicara atas nama rakyat Italia secara keseluruhan.
Fitur lainnya evolusi sejarah Italia abad pertengahan adalah bahwa saingan utama dalam perjuangan politik internal di sini pada awalnya bukanlah tuan tanah feodal, melainkan negara-kota yang berkembang sebelum waktunya. Selanjutnya, ketika di banyak negara Eropa struktur sosial ekonominya masih bersifat abad pertengahan, kota-kota di Italia ini menjadi pusat terbentuknya hubungan sosial baru. Seperti yang ditunjukkan oleh Marx, “permulaan produksi kapitalis ditemukan secara sporadis di kota-kota terpencil di sekitar Mediterania pada awal abad ke-14 dan ke-15.” Perkembangan sejarah unik Italia menentukan ciri-ciri penting dari budaya artistiknya.
Pertama-tama, seni Italia tidak dibedakan berdasarkan tingkat kesatuan ideologis dan gaya yang menjadi ciri seni abad pertengahan di banyak negara Eropa lainnya. Tidak ada pusat yang berfungsi sebagai ibu kota seni. Roma, yang memainkan peran seperti itu di zaman kuno dan di masa depan, selama Renaisans Tinggi, bahkan tidak memiliki sekolah seni yang signifikan di Abad Pertengahan. Monumen arsitektur dan seni rupa di berbagai daerah di negara ini dibedakan berdasarkan ciri khas lokalnya dan didasarkan pada tradisi seni yang sangat berbeda. Namun, dengan rela mengasimilasi bentuk gaya tertentu, kembali ke seni Bizantium dan Arab Timur, atau seni negara-negara Eropa Barat, orang Italia jauh dari peniruan buta, memikirkan kembali bahasa dan struktur figuratif seni yang telah berkembang di negara-negara ini, untuk memecahkan masalah-masalah yang menjadi ciri tugas Italia.
Ciri lain dari budaya artistik Italia abad pertengahan adalah bahwa kecenderungan sekuler lebih menonjol di dalamnya dibandingkan budaya masyarakat Eropa lainnya pada Abad Pertengahan. Di wilayah Italia yang memainkan peran utama dalam bidang ekonomi dan budaya perkembangan negara, unit utama kehidupan sosial sejak awal bukanlah biara, bukan istana raja, dan bukan tanah milik bangsawan, tetapi komune kota. Hal ini menjelaskan kebebasan yang relatif lebih besar dari para master Italia dari dogma, normativitas, dan skolastisisme, yang selalu menang ketika gereja memegang teguh seni.
Keadaan yang sangat penting bagi perkembangan budaya seni Italia adalah hubungannya dengan tradisi kuno. Kita berbicara tidak hanya tentang kepatuhan eksternal terhadap zaman kuno, tentang semacam kutipan dari zaman kuno bentuk artistik, contohnya dapat ditemukan di karya individu Abad Pertengahan Italia. Yang lebih penting adalah kekerabatan batin dengan gambar-gambar seni kuno, yang - terlepas dari semua kekhususan bentuk bahasa artistik abad pertengahan - dapat dilihat di banyak monumen seni Italia. Dalam karya-karya arsitektur, hal ini tercermin dalam proporsionalitas skala dan proporsinya terhadap manusia, dalam keseimbangan konstruksi tektonik yang tenang, dalam arti proporsi yang melekat di dalamnya, mulai dari konsep komposisi umum hingga detail individualnya. dekorasi arsitektur. Dalam seni pahat, para ahli Italia mewarisi kealamian dan vitalitas gambar plastik mereka dari zaman kuno, dikombinasikan dengan rasa keindahan yang agung dan mulia, yang tetap menjadi kualitas yang khas. seni Italia selama berabad-abad.
Terakhir, salah satu ciri terpenting budaya Abad Pertengahan Italia adalah munculnya awal unsur-unsur pandangan dunia humanistik dan ekspresi estetika radikal dari faktor-faktor progresif yang dibawa oleh berkembangnya kehidupan perkotaan pada akhir Abad Pertengahan. Usia. Di Italia-lah pandangan dunia abad pertengahan pertama kali menjadi usang, dan bukan tanpa alasan Italia ditakdirkan untuk mengantarkan Renaisans. Revolusi kebudayaan terbesar ini disebabkan oleh awal munculnya hubungan kapitalis di Italia, dan dalam seni difasilitasi oleh kehadiran monumen-monumen kuno yang banyak terdapat di tanah Italia kuno.
Fragmentasi Italia menjadi beberapa wilayah yang independen mengakibatkan terpecahnya Italia menjadi beberapa sekolah seni lokal. Aliran-aliran ini tidak sepenuhnya terpisah, mereka sering berinteraksi satu sama lain, namun masing-masing aliran memiliki ciri-ciri orisinalitas yang mencolok, dan evolusinya sangat berbeda. Oleh karena itu, lebih baik mempelajari seni Italia di sekolah-sekolah tertentu.
Italia terkenal dengan tradisi budaya terkaya di dunia. Prestasi orang Italia di bidang seni, arsitektur, sastra, musik, dan sains turut mempengaruhi pengaruh besar untuk pengembangan kebudayaan di banyak negara lain.
Jauh sebelum munculnya peradaban Roma Kuno, kebudayaan suku Etruria di Tuscany dan Yunani di Italia selatan sudah berkembang. Setelah jatuhnya Kekaisaran Romawi di Italia, kebudayaan mengalami kemunduran, dan baru pada abad ke-11. tanda-tanda pertama kebangkitannya muncul. Ini mencapai puncak barunya pada abad ke-14. Selama Renaisans, orang Italia memainkan peran utama dalam sains dan seni Eropa. Pada saat itu, seniman dan pematung terkemuka seperti Leonardo da Vinci, Raphael dan Michelangelo, penulis Dante, Petrarch dan Boccaccio bekerja.
Literatur.
Sastra Italia terlambat muncul di kancah Eropa. Bahasa Latin digunakan sebagai bahasa sastra hingga abad ke-13. dan mempertahankan pentingnya sampai abad ke-16. Bahasa Italia lisan perlahan memperkuat posisinya dalam sastra. Asal Sastra Italia kembali ke tradisi lirik cinta istana, yang didirikan oleh aliran Sisilia dengan meniru model Provençal. Puisi ini berkembang di istana Frederick II di Palermo pada awal abad ke-13. Sekitar waktu yang sama di Umbria, di bawah pengaruh tulisan St. Fransiskus dari Assisi, puisi diciptakan tema keagamaan.
Namun, hanya di Tuscany fondasi bahasa sastra Italia diletakkan. Penyair Tuscan yang paling menonjol adalah penduduk asli Florence, Dante Alighieri, penulis Komedi Ilahi- satu dari mahakarya terhebat sastra dunia. Dia memainkan peran luar biasa dalam pengembangan sastra akhir Abad Pertengahan, yang berkontribusi besar pada transformasi dialek Tuscan menjadi bahasa sastra umum Italia. Mengikuti Dante, penulis lain dari awal Renaisans muncul - Francesco Petrarca, penulis puisi lirik dan soneta, dan Giovanni Boccaccio, yang mendapatkan ketenaran di seluruh dunia dengan kumpulan cerita pendeknya, The Decameron.
Dante, Petrarch dan Boccaccio telah menentukan perkembangan lebih lanjut sastra di Italia, dan pada abad ke-15. minat terhadap bahasa Latin untuk sementara dihidupkan kembali. Pada abad ke-16 diciptakan oleh dua penyair Italia terkemuka - Ludovico Ariosto, penulis puisi ksatria heroik Furious Roland, yang merupakan contoh High Renaissance, dan Torquato Tasso, penulis puisi Liberated Jerusalem, yang dijiwai dengan semangat Katolik militan. Pada abad ke-18 komedi klasik (Carlo Goldoni), tragedi (Vittorio Alfieri) dan puisi (Giuseppe Parini) sedang dihidupkan kembali. Pada abad ke-19 gerakan reformasi dan kemerdekaan mendorong perkembangan sastra. Alessandro Manzoni - penyair, penulis naskah drama, kritikus dan novelis - menjadi terkenal karena novel sejarahnya yang luar biasa, The Betrothed. Puisi Giacomo Leopardi dijiwai dengan perasaan cinta yang mendalam terhadap tanah airnya. Setelah penyatuan negara, Giosue Carducci menjadi tokoh utama sastra Italia. Pada tahun 1906, ia menjadi orang Italia pertama yang menerima Hadiah Nobel atas puisi, puisi, dan studinya dalam sejarah sastra Italia.
Lambat laun, fiksi Italia mulai berkembang menjadi hal baru genre sastra. Penulis Sisilia Giovanni Verga, penulis cerita tentang kehidupan petani dan nelayan di Italia Selatan, mendirikan aliran verismo (realisme). Kisahnya Rustic Honor menginspirasi komposer Pietro Mascagni untuk mengarang opera dengan nama yang sama. Grazia Deledda, yang menerima Hadiah Nobel Sastra pada tahun 1926, menulis lebih dari 30 novel dan beberapa kumpulan cerita tentang kehidupan masyarakat di kampung halamannya, Sardinia. Pada awal abad ke-20. penulis Gabriele D'Annunzio menonjol, yang dalam novelnya aliran sesat itu diagungkan kepribadian yang kuat dan masyarakat Italia dikritik.
Segera setelah Perang Dunia Pertama, Alfredo Panzini, seorang penulis humoris yang tajam dan mendalam, memperoleh ketenaran yang signifikan. Karya terbaiknya, Virtue Tales, mengungkap hasrat manusia dan masalah ekonomi masyarakat modern. Italo Svevo menjadi terkenal karena novelnya The Self-Knowledge of Zeno. Pada saat yang sama, penulis generasi tua sedang bekerja: Riccardo Bacchelli, penulis trilogi sejarah The Mill on the Po; Aldo Palazzeschi, yang menciptakan sindiran brilian dalam novel The Meterassi Sisters and the Code of Pearl á; Giovanni Papini, terkenal dengan bukunya The History of Christ, The Finished Man, serta sindiran intelektual Gog; dan Corrado Alvaro, yang menggambarkan kehidupan para petani Calabria.
Tokoh luar biasa dalam sastra Italia pada paruh pertama abad ke-20. adalah Benedetto Croce, filsuf, humanis dan kritikus. Di samping itu kegiatan ilmiah Croce adalah seorang politikus yang aktif menentang fasisme. Selama tahun-tahun kediktatoran fasis, banyak penulis Italia terpaksa beremigrasi; di antaranya adalah penulis sayap kiri Ignazio Silone. Ia menulis novel tentang kehidupan masyarakat yang mendiami daerah perbukitan dekat Roma (Fontamara, Bread and Wine) dan pamflet satir School for Dictators. Carlo Levi, seorang dokter, seniman dan penulis, diasingkan ke Italia Selatan, di mana ia menggambarkan kemiskinan kehidupan desa dalam novel Christ Stopped at Eboli.
Fasisme, perang dan gerakan perlawanan tercermin di Italia fiksi. Novel Alberto Moravia Indifferent menggambarkan kesesuaian masyarakat Italia pada masa pemerintahan fasisme. Topik ini juga dibahas dalam tulisannya pasca perang, misalnya dalam The Conformist. Paling karya terkenal Moravia - Dua Wanita, Wanita Romawi, Cinta Suami Istri, Dongeng Romawi dan Dongeng Romawi Baru. Seperti halnya dalam sinema, gerakan dominan dalam sastra pada periode pasca-Perang Dunia II adalah neorealisme, yang memainkan peran penting dalam kebangkitan novel di Italia. Novel Giuseppe Marotta (The Gold of Naples dan Saint Januarius Never Says No!) dan Vasco Pratolini (A Hero of Our Time dan The Tale of Poor Lovers) adalah contoh luar biasa dari neorealisme, yang masing-masing diciptakan di Naples dan Florence. Pada tahun 1960-an, penulis seperti Giorgio Bassani (The Garden of Finzi-Contini) dan Natalia Ginzburg (The Family Lexicon) terutama membahas isu-isu individu. Dalam karya-karya ini, neo-realisme memberi jalan kepada neo-avant-garde. Arah baru mulai terbentuk di bawah pengaruh yang kuat ide penulis Carlo Emilio Gadda.
Penulis Sisilia Leonardo Sciascia (Salt in the Wound, Mafia Vendetta, Death of an Inquisitor, The Egyptian Council, Blessing) memperoleh ketenaran internasional. Italo Calvino juga telah mendapatkan pengakuan internasional sebagai ahli dongeng modern dan ahli teori sastra (Jalan Menuju Sarang Laba-laba, Leluhur Kita, Cerita Rakyat Italia, Cosmicomix, Permulaan Waktu, Jika Seorang Pelancong di Malam Musim Dingin). Novel The Name of the Rose karya Umberto Eco menjadi buku terlaris di seluruh dunia pada awal tahun 1980-an. Di antara buku terlaris Italia sebelumnya, cerita Giovanni Guareschi tentang Don Camillo, seorang pastor paroki yang melawan walikota komunis setempat, menonjol. Pada tahun 1958, buku The Leopard karya Giuseppe Tomasi di Lampedusa menjadi yang pertama novel Italia, yang terjual 100 ribu kopi dalam satu tahun. Carlo Cassola dan Giorgio Bassani adalah penulis Italia yang paling banyak dibaca pada tahun 1960-an, dan pada tahun 1974 novel The Story karya Elsa Morante memecahkan semua rekor popularitas sebelumnya. Dino Budzati, Mario Soldati, Ottiero Ottieri, Beppe Fenoglio dan Pier Paolo Pasolini menjadi terkenal sebagai penulis novel, banyak penulis Italia dengan mudah mengatasi hambatan antara genre sastra dan antara sastra dan jurnalisme.
Penulis drama Italia terhebat pada akhir abad ke-19 dan awal abad ke-20. ada Luigi Pirandello, yang menerima Hadiah Nobel pada tahun 1934. Di antara drama terbaiknya adalah Enam Karakter Mencari Penulis, Henry IV, You're Right; semuanya terkait dengan konflik antara ilusi dan kenyataan dan dengan permasalahan zaman kita, yang pada dasarnya tidak dapat diselesaikan. Peru Sema Benelli memiliki The Mask of Brutai The Dinner of Ridicule - tragedi sejarah dalam syair kosong. Tristan dan Isolde oleh Ettore Moschino, Kastil Mimpi Fantastis oleh Enrico Butti, Orion dan GlaucoE. L. Morselli juga ditulis dalam syair kosong yang sangat ekspresif. Ketenaran Roberto Bracco sebagai penulis naskah dikaitkan dengan Little Saint-nya, salah satu mahakarya drama Italia modern. Banyak dramanya yang jelas-jelas bermotif feminis dan merupakan tragedi psikologis dan spiritual. Pengadilan Yesus oleh Diego Fabbri dipentaskan secara bertahap di seluruh Eropa. Sejak paruh kedua tahun 1950-an, dramawan Dario Fo dan Franca Rame juga meraih pengakuan internasional atas karya satir mereka yang brilian.
Puisi Italia, seperti seni Italia, pada awal abad ke-20. mengalami pengaruh futurisme - sebuah gerakan yang berusaha mencerminkan realitas baru kehidupan modern. Asal usulnya (1909) adalah penyair Filippo Tommaso Marinetti. Futurisme hanya menarik sedikit penyair Italia terkemuka, namun mempunyai pengaruh besar terhadap kehidupan spiritual negara tersebut. Namun, penyair terkemuka Italia abad ke-20. Salvatore Quasimodo tidak ada hubungannya dengan futurisme. Puisinya yang “hermetis” mewujudkan prinsip yang sangat individual dan dibedakan oleh keterampilan tinggi dan gaya elegan, yang mencerminkan lirik inspirasi puitis. Perwakilan Hermetikisme lain yang diakui dalam puisi adalah Giuseppe Ungaretti dan Eugenio Montale. Quasimodo merasa terhormat Penghargaan Nobel dalam bidang sastra pada tahun 1959, dan Montale pada tahun 1975. Penyair muda yang mendapat pengakuan setelah Perang Dunia II termasuk Pier Paolo Pasolini, Franco Fortini, Margherita Guidacci, Rocco Scotellaro, Andrea Zanotto, Antonio Rinaldi dan Michele Pierri
Seni.
Asal usul kehebatan seni Italia dimulai pada abad ke-14, pada karya seni lukis sekolah Florentine, perwakilan terbesarnya adalah Giotto di Bondone. Giotto memutuskan hubungan dengan gaya lukisan Bizantium yang mendominasi seni abad pertengahan Italia dan menghadirkan kehangatan dan emosi alami pada sosok-sosok yang digambarkan dalam lukisan dinding besarnya di Florence, Assisi, dan Ravenna. Prinsip naturalistik Giotto dan para pengikutnya dilanjutkan oleh Masaccio, yang menciptakan lukisan dinding realistis yang megah dengan rendering chiaroscuro yang luar biasa. Perwakilan terkemuka lainnya dari aliran Florentine pada awal Renaisans adalah pelukis Fra Angelico dan pematung serta perhiasan Lorenzo Ghiberti.
Pada awal abad ke-15. Florence telah menjadi pusat utama seni Italia. Paolo Uccello mencapai level tinggi penguasaan menyampaikan perspektif linier. Donatello, murid Ghiberti, menciptakan patung telanjang dan patung berkuda pertama yang berdiri bebas sejak zaman Romawi. Filippo Brunelleschi membawa gaya Renaisans ke dalam arsitektur, tulis Fra Filippo Lippi dan putranya Filippino lukisan anggun tentang topik keagamaan. Keterampilan grafis aliran seni lukis Florentine dikembangkan oleh seniman abad ke-15 seperti Domenico Ghirlandaio dan Sandro Botticelli.
Pada akhir abad ke-15 – awal abad ke-16. Tiga master luar biasa menonjol dalam seni Italia. Michelangelo Buonarotti, tokoh terbesar Renaisans, menjadi terkenal sebagai pematung (Pieta, David, Moses), pelukis yang melukis langit-langit Kapel Sistina, dan arsitek yang merancang kubah St. Louis. Petrus di Roma. Lukisan Leonardo da Vinci The Last Supper dan Mona Lisa termasuk di antara mahakarya seni lukis dunia. Raphael Santi dalam kanvasnya (Sistine Madonna, St. George and the Dragon, dll.) mewujudkan cita-cita Renaisans yang meneguhkan kehidupan.
Perkembangan seni di Venesia terjadi lebih lambat dibandingkan di Florence dan berlangsung lebih lama. Seniman Venesia Dibandingkan dengan lukisan Florentine, mereka kurang diasosiasikan dengan arah tertentu, namun di kanvas mereka orang dapat merasakan semangat kehidupan, kekayaan emosional dan kerusuhan warna, yang memastikan ketenaran mereka yang tidak pernah pudar. Titian, seniman terhebat Venesia, memperkaya lukisan secara signifikan dengan menggunakan guratan bebas dan terbuka serta kromatisme warna-warni terbaik. Pada abad ke-16 Selain Titian, lukisan Venesia didominasi oleh Giorgione, Palma Vecchio, Tintoretto, dan Paolo Veronese.
Master Italia terkemuka abad ke-17. adalah pematung dan arsitek Giovanni Lorenzo Bernini, yang menciptakan desain barisan tiang di alun-alun di depan Katedral St. Louis. Peter, serta banyak patung monumental di Roma. Caravaggio Carracci menciptakan arah baru yang penting dalam seni lukis. Lukisan Venesia mengalami masa pertumbuhan singkat pada abad ke-18, ketika pelukis lanskap Canaletto dan pencipta lukisan dekoratif dan lukisan dinding Giovanni Battista Tiepolo bekerja. Di antara seniman Italia abad 18-19. yang menonjol adalah pengukir Giovanni Battista Piranesi, yang mendapatkan ketenaran karena lukisannya tentang reruntuhan Roma kuno; pematung Antonio Canova, yang bekerja dengan gaya neoklasik; sekelompok pelukis Florentine, perwakilan dari tren demokrasi dalam lukisan Italia tahun 1860-1880-an - Macchiaioli.
Italia memberi dunia banyak pelukis berbakat, dan pada abad ke-20. Amedeo Modigliani menjadi terkenal karena sosok telanjangnya yang melankolis dengan ciri khas wajah oval memanjang dan mata berbentuk almond. Giorgio de Chirico dan Filippo de Pisis mengembangkan gerakan metafisik dan surealis dalam seni lukis yang mendapatkan popularitas setelah Perang Dunia Pertama. Banyak seniman Italia, termasuk Umberto Boccioni, Carlo Carra, Luigi Russolo, Giacomo Balla dan Gino Cerverini, tergabung dalam gerakan Futuris, yang menjadi mode pada tahun 1910-an–1930-an. Perwakilan dari gerakan ini sebagian mewarisi teknik Kubisme dan banyak menggunakan bentuk geometris beraturan.
Setelah Perang Dunia II, generasi seniman muda beralih ke seni abstrak untuk mencari jalan baru. Lucio Fontana, Alberto Burri dan Emilio Vedova memainkan peran penting dalam kebangkitan lukisan Italia pascaperang. Mereka meletakkan dasar bagi apa yang kemudian disebut “seni kemiskinan” (arte povere). Baru-baru ini, Sandro Chia, Mimmo Paladino, Enzo Cucchi dan Francesco Clemente telah mendapatkan pengakuan internasional.
Di antara pematung Italia kontemporer terkemuka, Alberto Giacometti kelahiran Swiss, yang dikenal karena karya-karyanya yang dibuat dengan terampil dari perunggu dan terakota, menonjol, Mirco Basaldella, yang menciptakan karya-karya monumental. komposisi abstrak di bidang metal, Giacomo Manzu dan Marino Marini. Dalam arsitektur, Pier Luigi Nervi paling terkenal karena penggunaan prinsip-prinsip teknik baru dalam pembangunan stadion, hanggar pesawat, dan pabrik.
Musik.
Mulai dari abad ke-4. IKLAN, ketika St. Ambrose memperkenalkan gaya Yunani ke Barat nyanyian gereja, Italia mulai memimpin dalam penciptaan dan pengembangan bentuk vokal baru. Di sinilah, berkat karya Pietro Casella, teman penyair besar Dante Alighieri, madrigal muncul. Bentuk ini mencapai perkembangan tertingginya pada abad ke-16. dalam madrigal liris dan emosional Luca Marenzio, mengingatkan pada karya disonan komposer Carlo Gesualdo di Venosa. Di bidang musik gereja, Renaissance Italia memberi dunia salah satu komposer terhebatnya, Giovanni Pierluigi de Palestrina, yang massa dan motetnya masih digunakan hingga saat ini sebagai contoh sempurna dari keunggulan musik.
Seni musik Italia mencapai titik tertinggi perkembangannya terutama dalam opera. Mungkin opera pertama adalah Daphne karya Jacopo Peri, yang ditulis pada tahun 1594. Bersama dengan opera lain karya Peri Euridice, opera ini menjadi pendorong karya Claudio Monteverdi yang agung, yang saat itu terkenal dengan madrigalnya yang terkenal. Di Orpheus, Monteverdi untuk pertama kalinya menciptakan drama musikal yang benar-benar modern. Sejak saat itu, opera menjadi bentuk seni musik yang dominan di Eropa selama lebih dari 100 tahun, dengan komposer Italia yang mengatur nadanya.
Opera Italia mencapai puncaknya pada abad ke-19. Komposer besar di awal abad ini adalah Gioachino Rossini yang menjadi terkenal Tukang Cukur Seville dan Semiramis, serta orang-orang sezamannya Gaetano Donizetti dan Vincenzo Bellini. Di pertengahan abad ke-19. kebangkitan baru dalam musik opera dimulai. Giuseppe Verdi mendemonstrasikan penguasaannya atas mahakarya dramatis seperti Rigoletto, La Traviata, Aida dan Otello. Pada akhir abad ke-19 – awal abad ke-20. realisme dalam opera mencapai tahap perkembangan tertinggi dalam karya Pietro Mascagni (La Honor Rusticana), Ruggero Leoncavallo (Pagliacci), Umberto Giordano (André Chénier) dan Giacomo Puccini (La Bohème, Tosca, Madama Butterfly). Meskipun orang Italia masih lebih menyukai opera-opera terkenal di masa lalu, popularitas karya-karya modern secara bertahap semakin meningkat. Di antara yang terbaik komposer opera abad ke-20 kami mencatat Ildebrando Pizzetti (Clytemnestra dan Iphigenia); Franco Alfano (Dokter Antonio Sakuntala); Pietro Canonica (Pengantin Korintus dan Medea); Luigi Dallapiccola (Tahanan) dan Goffredo Petrassi (Cordovano).
Teatro del Opera di Roma dan La Scala di Milan, tempat pertunjukan opera dipentaskan, telah mendapatkan ketenaran di seluruh dunia. Seperti banyak gedung opera di Italia, gedung-gedung tersebut disubsidi oleh negara. Musim opera yang luar biasa berlangsung di Naples, Palermo, Venesia, Florence, Bologna, dan Turin. Di musim panas, pertunjukan luar ruangan dipentaskan di Pemandian Caracalla di Roma, di arena Romawi kuno di Verona, di Kastil Sforza di Milan, di pulau itu. San Giorgio di Venesia dan di Teatro Mediterraneo di Naples. Italia telah memberikan banyak hal luar biasa kepada dunia penyanyi opera, termasuk tenor Enrico Caruso, Beniamino Gigli, Tito Schipa, Mario del Monaco, Carlo Bergonzi dan Luciano Pavarotti; bariton Antonio Scotti, Tito Gobbi dan Giuseppe Taddei; bass Ezio Pinza dan Cesare Siepi; soprano Adelina Patti, Amelita Galli-Curci, Renata Tibaldi, Renata Scotto dan Mirella Freni; mezzo-soprano Cecilia Bartoli.
Orang Italia menunjukkannya bakat musik tidak hanya di opera. Mereka bertindak sebagai inovator di bidang musik lainnya. Pada abad ke-11 biksu Guido D'Arezzo menemukan sistem notasi musik (termasuk tanda kunci), yang menjadi cikal bakal literasi musik modern. Perkembangan musik instrumental di Barat sangat difasilitasi oleh karya komposer Renaisans Andrea Gabrieli dan keponakannya Giovanni Gabrieli Pada abad ke-17, Girolamo Frescobaldi memperkaya musik organ Arcangelo Corelli dan Antonio Vivaldi adalah penciptanya genre musik konser grosso, Alessandro Scarlatti meletakkan dasar harmonik musik simfoni, dan putranya Domenico Scarlatti adalah salah satu pendiri permainan harpsichord virtuoso.
Secara modern kehidupan musik Konduktor Italia memainkan peran penting. Arturo Toscanini dan Victor de Sabata termasuk di antara konduktor terkemuka pada paruh pertama abad ke-20. Pada tahun 1992, tiga dari lima posisi konduktor paling bergengsi dipegang oleh orang Italia: Claudio Abbado di Berlin, Riccardo Caili di Amsterdam dan Riccardo Muti di Philadelphia. Puncak profesi ini dicapai oleh Carlo Maria Giulini (lahir 1914).
Periode Renaisans Tinggi mewakili puncak Renaisans, puncak dari seluruh kebudayaan besar ini. Jangkauan kronologisnya kecil dan hanya mencakup sekitar tiga dekade. Namun, bahkan secara kuantitatif - dalam arti banyaknya dan skala besar monumen seni yang dibuat pada saat ini, belum lagi tingkat artistik tertinggi dan signifikansi sejarah yang sangat besar, dekade-dekade ini dapat dikatakan bernilai abad-abad lainnya.
Dengan perubahan skala dunia, gagasan tentang skala manusia itu sendiri juga berubah: perbuatan nyata dan eksploitasi beraninya menegaskan, jika tidak melampaui, banyak prediksi para humanis, penilaian mereka terhadap kemampuannya. Benar, Italia hanya dapat berkontribusi secara spiritual pada “penemuan dunia” ini - implementasi yang sangat praktis dari tugas ini, serta redistribusi dunia ini, telah jatuh ke tangan negara-negara lain. Terlebih lagi, mungkin tidak ada negara Eropa lain yang mencapai hasil yang luar biasa penemuan geografis Konsekuensinya tidak separah yang terjadi di Italia. Namun pada saat yang sama, Italia, dari semua negara Eropa, ternyata yang paling siap mengungkapkan seluruh kompleksitas dan skala raksasa keberadaan sejarah pada era tertentu. Seni Italia pada zaman Renaisans Tinggi pertama-tama merupakan ekspresi artistik dari realitas sejarah Italia itu sendiri, namun, sebagai perwujudan tertinggi budaya pada masanya, ia juga merupakan ekspresi realitas sejarah dalam lingkup global yang lebih luas. Untuk mengatasi permasalahan yang ditimbulkan oleh zaman yang akan datang, tipe seniman itu sendiri harus diubah terlebih dahulu, karena pandangan seniman abad ke-15, dalam status sosial dan pandangan sosialnya, sebagian besar masih terkait dengan kelas perajin. , terlalu terbatas untuk ini. Para empu besar abad ke-16 memberi contoh seniman tipe baru - aktif kepribadian kreatif, bebas dari batasan serikat kecil sebelumnya, memiliki kesadaran diri artistik penuh dan mampu memaksa kekuatan untuk memperhitungkan diri mereka sendiri. Mereka adalah orang-orang yang berpengetahuan luas, memiliki keseluruhan pencapaian budaya pada masanya.
Perpaduan kondisi sulit pada periode sejarah ini berdampak pada pembentukan fondasi High Renaissance Italia, pembentukan persepsi figuratif senimannya, dan struktur visual karya-karyanya. Gambaran mereka berbeda dari periode sebelumnya - seni Quattrocento - terutama dalam skala yang lebih besar. Secara lahiriah, hal ini diwujudkan dalam kenyataan bahwa, seiring dengan semakin meluasnya distribusi karya-karya dalam bentuk besar dalam arsitektur, lukisan, dan patung dibandingkan pada abad ke-15, gambar-gambar dengan skala super-biasa juga muncul, contohnya adalah “David” karya Michelangelo. dan sosok nabi dan saudara kandungnya yang berukuran besar dalam lukisan di langit-langit Kapel Sistina. Skala ansambel arsitektur dan seni itu sendiri juga semakin besar (yang paling terkenal di antaranya adalah Belvedere karya Bramante, Stanzas Vatikan karya Raphael, Langit-langit Sistina Michelangelo) dan ukuran komposisi lukisan individu, lukisan dinding dan kuda-kuda, khususnya gambar altar. Namun pemahaman baru tentang skala tidak hanya dikaitkan dengan ukuran - bahkan lukisan kecil karya Leonardo dan Raphael dibedakan oleh visi yang berbeda dan “lebih besar”, ketika setiap gambar memiliki jejak keagungan khusus. Kualitas ini terkait erat dengan ciri penting lainnya dari seni Renaisans Tinggi - bahasa artistik yang umum. Kemampuan melihat hal yang pokok, pokok dalam segala hal, tanpa harus tunduk pada hal-hal khusus, tercermin baik dalam pemilihan topik maupun dalam konstruksi petak, dan dalam pengelompokan tokoh-tokoh yang jelas dan jelas, dalam gambaran umum eksternal dan internal para pahlawan. Karakteristik empirisme teliti dari banyak penganut Quattrocentist akhirnya diatasi; kesedihan mereka penelitian analitis alam dalam segala detailnya memberi jalan pada dorongan sintetik yang kuat, yang mengekstraksi esensinya dari fenomena realitas. Keinginan untuk sintesis, untuk generalisasi sudah tercermin dalam kenyataan bahwa dalam karya-karya para empu High Renaissance, berbeda dengan Quattrocento, tempat utama ditempati oleh gambaran kolektif dari cita-cita. orang yang luar biasa sempurna secara jasmani dan rohani. Namun para empu Renaisans paling tidak cenderung pada normativitas abstrak, untuk mengkontraskan ciptaan mereka dengan kenyataan nyata. Sebaliknya, idealitas gambaran dalam pemahamannya berarti ekspresi paling terkonsentrasi dari kualitas realitas itu sendiri. Belum lagi para pahlawan dengan tipe yang sangat dramatis - bahkan dalam gambar yang penuh dengan kejelasan yang harmonis, seseorang dapat merasakan kekuatan batin yang sangat besar dari seseorang, kesadaran yang tenang akan signifikansinya. Dikombinasikan dengan skala yang besar, kualitas-kualitas ini memberikan gambaran Renaisans Tinggi karakter yang benar-benar besar, tingkat efektivitas heroik yang tidak pernah dicapai oleh seni Renaisans awal maupun akhir.
Hanya mencakup sekitar tiga dekade, seni High Renaissance tetap sangat menarik cara besar. Konsentrasi khusus dari evolusinya, yang terkait dengan kejenuhan tahap sejarah ini dengan peristiwa-peristiwa yang sangat penting, yang menjelaskan kontras antara gambaran harmonis yang agak lebih intim pada awal periode yang sedang dipertimbangkan dan gambaran dramatis yang monumental, yang sudah ditandai. dengan cap konflik yang tidak terpecahkan, pada akhirnya. “Kepadatan” seni High Renaissance yang luar biasa tercermin dalam kenyataan bahwa tidak mungkin dalam seluruh sejarah seni kita dapat menemukan contoh lain ketika, dalam periode sejarah yang singkat, sejumlah seniman brilian bekerja secara bersamaan di satu Nusa. Cukuplah menyebut nama master seperti Leonardo da Vinci, Raphael dan Michelangelo di Florence dan Roma, seperti Giovanni Bellini, Giorgione dan Titian di Venesia. Di antara para master kecil kita menemukan nama-nama terkenal seperti pelukis Parma Correggio, Fra Bartolomeo dan Andrea del Sarto dari Florentine, Palma Vecchio dan Lorenzo Lotto dari Venesia, yang bekerja di Brescia Savoldo dan Moretto, belum lagi banyak pelukis kecil. Kreativitas sebagian besar master yang disebutkan terungkap seluruhnya atau sebagian besar selama periode yang ditinjau; beberapa dari mereka, dan terutama Michelangelo dan Titian, yang berumur sangat panjang, menangkap panggung artistik berikutnya - seni akhir Renaisans.
Seperti seni High Renaissance itu sendiri, teori seni masa ini merupakan rangkuman darinya dasar baru pencapaian abad ke-15 dan pada saat yang sama - lompatan kualitatif baru. Lokasi sentral Leonardo da Vinci menempati di sini. Ide-idenya, yang dituangkan dalam “Risalah tentang Lukisan” yang terkenal (bahan yang disiapkan terutama pada tahun 1498 dan segera tersebar luas dalam bentuk salinan), serta dalam banyak catatannya yang lain, adalah ensiklopedia sejati dari ide-ide teoretis dan praktis. pengetahuan pada masanya. Adapun para pendahulunya, bagi Leonardo seni dan sains tidak dapat dipisahkan - ini adalah dua sisi dari proses umum kognisi alam. “Dan sungguh,” katanya, “lukisan adalah ilmu pengetahuan dan putri sah alam, karena dihasilkan oleh alam.” Alam adalah “guru dari para guru”, dan pelukisnya haruslah putranya. Subyek lukisannya adalah keindahan ciptaan alam. Ciptaan alam yang paling sempurna adalah manusia, dan dalam catatan Leonardo sejumlah bagian dikhususkan untuk mempelajari tubuh manusia, doktrin proporsi, informasi tentang anatomi, di mana pengetahuan Leonardo sangat mendalam. Dia kemudian membangun hubungan antara gerakan tubuh, ekspresi wajah dan keadaan emosional orang. Leonardo menaruh banyak perhatian pada masalah chiaroscuro, pemodelan volumetrik, linier dan perspektif udara. Di bidang seni pahat, Michelangelo mengungkapkan gagasan mendalam mengenai hubungan antara gambar artistik dan material. Ia juga mengemukakan gagasan menggambar sebagai dasar pembentukan ketiga jenis seni plastik - patung, lukisan, dan arsitektur. Seperti sebelumnya, persoalan teori seni rupa masih erat kaitannya dengan gagasan humanistik. Pada dekade pertama abad ke-16 Perhatian khusus dalam bidang pemikiran humanistik, masalah manusia sempurna dikhususkan. Topik ini dipertimbangkan, di satu sisi, dalam kaitannya dengan pembentukan tipe orang yang terdiversifikasi secara fisik dan spiritual (seperti yang dikembangkan oleh Baldassare Castiglione dalam risalahnya tentang punggawa ideal), di sisi lain, dalam kaitannya dengan menganalisis norma-norma kecantikan yang diterapkan pada kecantikan fisik seseorang (sisi ini dikembangkan oleh Firenzuola dalam “Risalah tentang Kecantikan Wanita”).
High Renaissance menyebabkan perubahan penting dalam keseimbangan sekolah seni lokal di Italia. Tempat lahirnya seni ini, tempat asal usulnya dan pembentukan fondasinya adalah Florence. Di sinilah seniman Leonardo, Michelangelo dan Raphael memulai perjalanan atau terbentuknya. Hal ini wajar saja, karena seni tingkat baru hanya dapat muncul di republik Italia yang paling maju. Namun pada pergantian abad ke-15 dan ke-16, Roma muncul sebagai pusat utama negara lainnya. Fakta bahwa para master terbaik Italia terkonsentrasi di Roma, dan fakta bahwa seni para master ini muncul di sini dalam kualitas baru tertentu, memiliki alasan spesifiknya sendiri. Dinyatakan di atas bahwa dalam kebijakan mereka, para penguasa Negara Kepausan tidak jauh berbeda dengan para penguasa sekuler tirani dan kerajaan Italia. Namun pada saat yang sama, Roma adalah ibu kota spiritual seluruh dunia Katolik. Harus diingat bahwa batas-batas dunia pada waktu itu jauh lebih luas dibandingkan kemudian, dan meluas ke hampir seluruh Eropa Barat dan Tengah, karena reformasi pada akhir abad ke-15 sejauh ini hanya berdampak pada beberapa negara saja. Harapan akan adanya respon yang berbeda dan lebih luas seharusnya membawa skala yang lebih besar ke dalam karya seniman yang bekerja di Roma dibandingkan skala monumen di pusat-pusat komunal di Italia. Oleh karena itu, betapapun monumentalnya bangunan kota dan istana keluarga terkaya di Florence atau Venesia, betapa megahnya katedral di kota-kota ini - Istana Kepausan di Vatikan dan kuil utama dunia Katolik - Santo Petrus Basilika - seharusnya menjadi lebih megah. Kita tidak banyak berbicara tentang ukuran masing-masing bangunan dan ansambel artistik, tetapi tentang perluasan gaya itu sendiri, tentang “skala internal” baru dari karya-karya Renaisans Romawi. Perubahan gaya ini terjadi di Roma secara lebih organik karena di sini, tidak seperti di tempat lain di Italia, tradisi kuno tetap mempertahankan keefektifannya. Reruntuhan bangunan kuno memenuhi kota; penggalian mengungkapkan monumen patung kuno kepada dunia. Tak perlu dikatakan lagi, mengingat meningkatnya kepekaan seniman Renaisans terhadap segala sesuatu yang kuno, semua karya penting mereka di Kota Abadi diciptakan dalam perbandingan internal dengan monumen seni kuno. Gagasan tentang struktur seperti Katedral St. Peter, hanya bisa muncul di kota di mana Pantheon dan Colosseum dilestarikan.
Namun, meskipun Roma adalah pusat agama Katolik dunia, karya seni yang diciptakan di sini selama Renaisans Tinggi paling tidak membawa gagasan keagamaan. Kebebasan seniman dari penindasan agama dijelaskan, selain faktor-faktor lain yang umum terjadi di seluruh era Renaisans, juga oleh fakta bahwa peran publik seni sangat luar biasa di Italia, dan oleh karena itu patronase itu sendiri pada saat itu merupakan salah satu bentuk perjuangan politik istana kepausan yang paling efektif untuk memperkuat otoritasnya. Pada dasarnya, Roma kepausanlah yang memberikan contoh pertama “perkembangan” negara secara luas dari sebuah budaya baru di bawah kondisi negara otoriter, dengan mengantisipasi dalam beberapa hal kebijakan artistik para raja dari negara-negara besar Eropa. Dari sinilah muncul fenomena aneh dan hampir paradoks: kepausanlah yang menyediakan kemampuan finansial dan organisasionalnya yang sangat besar untuk mengekspresikan ide-ide humanistik progresif, yang pada dasarnya membawa negasi terhadap klerikalisme reaksioner. Situasi ini tidak dapat bertahan lama. Kuatnya protes yang semakin besar dari strata demokrasi di Italia sendiri, gerakan reformasi di negara lain memaksa para penguasa spiritual Eropa untuk lebih jelas mendefinisikan posisi ideologis mereka, dan pada akhir tahun 20-an abad ke-16, Roma Kepausan menemukan dirinya sendiri. sebagai pemimpin reaksi politik dan spiritual. Oleh karena itu, kebijakan artistiknya direstrukturisasi, mulai sekarang semakin menentang cita-cita cemerlang Renaisans. Oleh karena itu, dengan memperhatikan pentingnya kontribusi Roma terhadap seni Renaisans Tinggi, perlu ditekankan sekali lagi bahwa sumber yang sama pentingnya bagi pembentukan ide-ide sosial progresif, lingkungan yang paling menguntungkan bagi kemunculannya, tetaplah Florence, yang mempertahankannya. posisi ini hingga tahun 1530 - tahun kematian tragis Republik Florentine. Hanya dalam kesatuan ganda Florence dan Roma, dalam kesadaran obyektif akan peran sebenarnya dari masing-masing pusat ini, kompleks dan sifatnya kontroversial Budaya Renaisans Tinggi di Italia Tengah.
Periode Renaisans akhir yang menggantikan Renaisans Tinggi membawa sejumlah perbedaan kualitatif yang penting dari tahap sebelumnya. Pertengahan dan paruh kedua abad ke-16 merupakan masa meningkatnya reaksi masyarakat. Kemunduran lebih lanjut perekonomian Italia di bawah kondisi dominasi asing, yang menyebar ke sebagian besar negara, disertai dengan likuidasi keuntungan sosial sebelumnya. Katolik Roma menanggapi gerakan reformasi yang terjadi di banyak negara Eropa dengan kontra-reformasi, yang berarti peningkatan tajam dalam penindasan terhadap gereja. Krisis jangka panjang tidak hanya mencengkeram negara bagian Italia Tengah, yang mengerang di bawah pengaruh lalim Italia dan asing, tetapi juga mempengaruhi Venesia, yang, meskipun sangat lemah, namun tetap mempertahankan kemerdekaan negara, sebagian besar kekayaan dan kemegahannya yang sangat besar. dari budayanya. Krisis ini juga berdampak buruk pada seni. Ideologi humanistik progresif, yang muncul atas dasar demokrasi republik perkotaan, di banyak pusat negara telah digantikan oleh budaya istana, yang pusat pembentukannya adalah istana penguasa kecil yang absolut. Namun bahkan dalam kondisi sulit ini, kekuatan artistik progresif yang mewakili garis seni Renaisans realistis pada periode ini sama sekali tidak hancur. Venesia menjadi pendukung utama mereka. Alasan yang sama yang memperpanjang Renaisans Tinggi di sini hingga akhir tahun 1530-an berkontribusi pada perkembangan seni Venesia pada akhir Renaisans yang bermanfaat. Nama-nama Titian (di akhir periode aktivitasnya), Veronese, Tintoretto, Bassano dan pelukis Bergamo dan Brescia menjadi saksi kebangkitan baru seni di bagian Italia Utara ini. Sebaliknya, Tuscany dan Negara Kepausan (termasuk, khususnya, Parma) adalah pusat utama dari garis lain yang pada dasarnya anti-Renaisans, yang diwakili oleh seni Mannerisme. Hilangnya cita-cita humanistik, penyimpangan dari kenyataan ke dunia pengalaman subjektif, ketergantungan pada kalangan pengadilan reaksioner menyebabkan fakta bahwa dalam seni tingkah laku perasaan ketidakharmonisan, kebingungan internal, ciri-ciri kesewenang-wenangan subjektivis mengemuka - kualitas yang segera merosot menjadi kekosongan tandus dari gambar-gambar yang megah dan sopan. Di atas massa umum para empu Italia Tengah yang tertekan oleh reaksi artistik, hanya satu sosok raksasa yang muncul - Michelangelo Buonarroti, yang sepanjang hidupnya setia pada cita-cita etis yang luhur. Setelah mempertahankan aktivitas kreatifnya sepenuhnya, ia mampu, dalam kondisi sejarah yang berbeda, menguraikan jalur baru dalam berbagai jenis seni plastik - dalam arsitektur, patung, lukisan, dan grafis. Miliknya kreativitas selanjutnya bersama dengan seni para empu Venesia, ini merupakan lapisan penting lainnya dari budaya artistik akhir Renaisans.
Kunci keberhasilan kreatif para empu progresif akhir Renaisans bukanlah ketaatan pada prinsip-prinsip yang dikembangkan selama periode seni Renaisans sebelumnya, tetapi penerapannya yang sangat kreatif sesuai dengan persyaratan tahap sejarah baru. Setelah melestarikan dasar pandangan dunia Renaisans - keyakinan pada manusia, pada signifikansi dan keindahannya, mereka dengan berani menyerbu dunia spiritualnya, mengungkapkannya dalam segala kompleksitas dan terkadang inkonsistensi. Dari gambaran individu mereka berpindah ke gambaran kolektif manusia; Mereka menunjukkan secara lebih luas dan rinci hubungan aktif antara para pahlawan dan lingkungan nyata di mana mereka bertindak. Realitas itu sendiri menerima perwujudan yang lebih spesifik dalam karya-karya mereka daripada dalam gambaran umum yang ideal dari para empu High Renaissance. Sesuai dengan tugas tersebut, mereka mengembangkan sarana artistik baru, solusi visual baru.
Kualitas seni akhir Renaisans inilah yang secara historis menjanjikan, karena mengandung rumusan awal dari banyak prinsip penting seni abad ke-17 berikutnya. Seni fase akhir Renaisans dengan demikian memiliki ciri-ciri tahap transisi antara dua era seni besar - Renaisans dan abad ke-17. Transitivitas ini adalah salah satu alasan mengapa istilah “Renaissance akhir” tidak tersebar luas dalam sains seperti istilah “Renaisans awal” dan “Renaisans Tinggi”. Selain itu, secara kronologis, akhir seluruh era Renaisans tidak dapat ditentukan dengan cukup jelas. Salah satu penyebabnya adalah pada paruh kedua abad ke-16 berkembang sejumlah arah yang saling bertentangan. Bahkan sebelum dekade terakhir abad ke-16 menyelesaikan pembangunannya jalur kreatif Perwakilan terbesar dari akhir Renaisans - dalam arsitektur Palladio, dan dalam lukisan Tintoretto - di Italia contoh pertama karya gaya baru yang lengkap diciptakan, yang dalam karakteristiknya sudah sejalan dengan tren utama zaman. abad ke-17. Pembangunan fasad Barok Gereja Gesu di Roma dimulai pada tahun 1575 (arsitek Giacomo della Porta), dan pada tahun 1590-an seni pendiri Akademi Bologna, Carracci bersaudara, telah berkembang. Perlu diingat bahwa pada dekade yang sama, para seniman Manneris melanjutkan aktivitasnya. Namun dengan segala kerumitan periode Renaisans akhir, yang dimulai pada tahun 1530-an dan berakhir pada akhir abad ini, masih cukup jelas bahwa tidak mungkin untuk mereduksinya hanya menjadi tahap transisi dan peralihan. Tidak diragukan lagi, seni Italia pada akhir Renaisans tidak memiliki arah umum yang sama, meskipun terdapat banyak aliran lokal dan bercabang-cabang, yang membedakan seni Renaisans awal dan Renaisans Tinggi. Pada periode inilah, untuk pertama kalinya dalam dunia seni rupa, terjadi antagonisme yang tajam antara gerakan progresif dan reaksioner dalam seni rupa dalam skala yang begitu besar. Namun dominasi Mannerisme dalam jangka panjang, maupun pembentukan awal fondasi Barok dan Akademisisme tidak boleh mengaburkan fakta bahwa selama fase akhir Renaisans, peran utama tetap berada pada garis progresif, yang diwakili oleh nama Michelangelo. Palladio dan Venesia yang agung dan merupakan bagian paling berharga dari warisan artistik Panggung ini. Dalam seni mereka, landasan humanistik Renaisans diungkapkan dengan cukup jelas - bahkan ketika ia muncul dalam pembiasan yang tragis - dan kesinambungan hubungannya dengan Renaisans Tinggi. Masa Renaisans akhir di Italia merupakan masa yang logis dan tidak dapat dipisahkan dari tahap-tahap sebelumnya, sebuah epilog megah dari keseluruhan zaman yang hebat Renaisans.
→
seni Italia Arsitektur.- Italia. seni berasal dari monumen abad pertama Kekristenan dan kenangan seni dunia kuno. Keberagaman arsitektur romantik, yang mendahului Gotik, diekspresikan dalam pelestarian bentuk basilika Kristen kuno (Katedral di Pisa, S. Mignaso di Florence) dan dalam penggunaan bentuk Bizantium (Katedral St. Mark di Venesia, di bentuk salib Yunani dengan lima kubah). Selain itu, dekorasi yang tadinya hanya digunakan di dalam candi dipindahkan ke bagian luar, ke dinding dan tiang. Ke arah ini sudah ada pada abad ke-11. Ada sebuah sekolah yang berasal dari Tuscany. Perang Salib membawa pada perkenalan dengan peradaban cemerlang Timur, dan saat ini bentuk arsitektur Timur merambah ke Barat, misalnya. lengkungan runcing dan berbentuk tapal kuda, kolom-kolom yang bentuknya lebih ramping, dll. Dengan demikian, gaya Gotik didahului oleh gaya “transisi”. Basilika Kristen kuno tetap menjadi tipe kanonik dalam arsitektur keagamaan di Barat selama lima ratus tahun, namun mengalami sejumlah modifikasi. Basilika tertua yang bertahan hingga zaman modern adalah Katedral St. Paul di Roma, dibangun pada tahun 386. Monumen ini murni Bizantium. gaya - Gereja St. Vitaliy di Ravenna, dibangun pada masa pemerintahan Ostrogoth. Gotik gaya ini muncul di Italia dengan berkembangnya ordo pengemis dan berpindah ke sini dari Jerman. Orang Italia, yang menyebut gaya ini Gotik, menunjukkan asal usulnya yang biadab. Faktanya, meskipun lengkungan runcing sudah digunakan dalam gaya Moor, lengkungan ini dikembangkan di Jerman, dan sebelum berpindah ke. Italia, gaya Gotik telah menyebar dan memantapkan dirinya di Utara. Arsitek Italia tidak mempedulikan kemurnian yang baru dan hanya menggunakannya sebagai alat bantu. Ini pertama kali digunakan dalam pembangunan gereja di atas makam Fransiskus dari Assisi di tanah kelahirannya di Assisi. Saat ini, gereja biara Fransiskan dan Dominika didirikan di hampir setiap kota di Italia. Katedral Padua adalah contoh menarik dari keinginan untuk menggabungkan sistem Gotik dengan kubah Bizantium favorit, seperti Katedral St. Petersburg Yunani. Stempel di Venesia. Dengan cara yang sama mereka muncul pada abad ke-13. katedral-katedral Florentine yang megah, yang ingin dijadikan oleh Republik sebagai yang paling megah dari semua yang ada; katedral di Milan, semuanya terbuat dari marmer putih dan juga berukuran sangat besar; katedral di Sienna, Orvieto dan beberapa bangunan sekuler lainnya: di Florence - Palazzo Vecchio dan Loggia de Lanzi; di Venesia - istana Doge dan Cà-d "oro; di Sienna Palazzo publico, dll. Pada abad ke-15, awal Renaisans melanda seluruh Italia, dan pandangan baru yang berani dan cerah tentang kehidupan dan alam tercermin terutama di arsitektur. Gaya Gotik memberi jalan kepada Gaya Renaisans. Kembalinya ke model kuno ditemukan oleh penerjemah yang tak ada bandingannya pada arsitek Filippo Bruneleschi, yang, kebetulan, menciptakan kubah terkenal Katedral Florence. 1. Kolom inti gereja di Alost. 2. Gereja Katolik di Dresden. 3. Kolom inti Kota Palas di Paris. 4. Cartouche ala Louis XV. 5. Paviliun Trianon di Versailles. 6. Cartouche dari Istana Louvre. 7. Ornamen. 8. Galeri di Dresden. 9. Ornamen. Pada periode awal Renaisans, ordo Korintus menikmati preferensi khusus, namun ibu kotanya bervariasi dari waktu ke waktu. Arsitektur istana berkembang dari arsitektur kastil abad pertengahan - aneh dan mewah, sesuai dengan karakter unik dan luasnya kehidupan feodal. Dalam kebanyakan kasus, arcade dengan kolom Korintus yang ramping digunakan. Buka galeri dibawa secara bebas pada kolom atau pilar yang sama. Semua karya masa ini bercap awet muda. Kebebasan berimajinasi, yang menghilangkan penindasan ketakutan mistik, terutama tercermin dalam dekorasi dekoratif, dalam berbagai karya arsitektur kecil, seperti misalnya. batu nisan, altar, mimbar. Di mana-mana bebas menggunakan motif klasik. Florence adalah "tempat lahirnya seni rupa". Di sini, lebih dari di mana pun, kesempurnaan dalam semua seni dicapai. Jalanan dan alun-alun menarik perhatian Anda hampir di setiap langkah. Seni berkembang tidak hanya di kota itu sendiri, tetapi juga di kastil dan biara yang tersebar di perbukitan dan lembah di luar tembok kota. Bangunan megah Florence adalah Katedral St. Maria del Fiore, dibangun selama 176 tahun. Di atasnya terdapat kubah Bruneleschi yang disebutkan di atas. Kubahnya berbentuk segi delapan dan diameternya melebihi diameter kubah St. Petra. Katedral ini didekorasi dengan karya pahatan yang megah: Bandanelli, Donatello, Ghiberti, dll. Gereja Santa Croce di Florentine yang indah berfungsi sebagai jajaran Florentine yang agung. Dante, Michelangelo, Galileo, Machiavelli dan banyak lainnya beristirahat di sini. Periode pertama Renaisans menciptakan banyak istana. Florence dihiasi dengan istana Borghese dan Strozzi, seolah diukir dari satu batu; istana Medici, Tornabuoni (sekarang Corsi), dll. Istana Strozzi, mungkin yang paling indah dari semuanya, terkenal karena fasadnya yang bergaya Florentine dan halamannya yang luas, dihiasi dengan barisan tiang yang megah. Terakhir, kita melihat ekspresi penuh gaya Renaisans di Palazzo Pitti, yang dibangun menurut desain Bruneleschi. Di Siena - Istana Piccolomini, di Pavia - Certosa yang terkenal. 1. Istana Pesaro di Venesia. 2. Ibukota Certosa dekat Pavia. 3. Karangan bunga buah - Sansovino. 4. Ibukota Certosa dekat Pavia. 5. Halaman Istana Borghese di Roma. Arsitek paling terkenal yang permulaannya berasal dari abad ini, meskipun sebagian berasal dari abad ke-16, adalah Michelozzo, Alberti, Giuliano dan Antonio de Sangallo, Rossellino, Giuliano dan Benedetto da Maiano, Simone Cronacca dan lain-lain. Lombardy perlahan-lahan mengembangkan gayanya sendiri dan mencapai kebesaran yang khas di bawah kedaulatan keluarga Sforza, di bawah pengaruh Bramante, dari Urbino. Gaya Venesia Hal ini dibedakan bukan karena kehebatannya, melainkan karena campuran pengaruh aslinya dari Timur, Italia selatan, Gotik, dan Bizantium. Gaya ini bercirikan ornamen mewah dan pilihan material yang kaya, misalnya. marmer warna-warni, dll., dan keindahan detailnya sebagai imbalan atas ukuran kolosal dan kemegahan Florentine dan bangunan lainnya. Akhir abad ke-15 dan awal abad ke-16. ditandai dalam arsitektur oleh aktivitas Bramante. Dia adalah salah satu yang pertama master terkenal, yang menarik Paus Julius II ke Roma dari seluruh Italia; Pemukiman kembali Bramante ke istana paus menandai awal berkembangnya era Renaisans. Roma menjadi pusat segala seni. Abad Julius II adalah abad Pericles untuk I. seni. Ini adalah zaman keemasan, yang pada semua ciptaannya terdapat jejak klasik, karena legenda-legenda kuno pada masa ini dipelajari secara menyeluruh dan tidak hanya dijadikan sebagai model seni, tetapi masuk ke dalam kehidupan itu sendiri. Kecemerlangan Renaisans diwujudkan dalam arsitektur sekuler, di istana-istana dengan proporsi yang menakjubkan, dalam ornamen yang kaya, di serambi, barisan tiang, di batu nisan yang didirikan oleh paus dan pejabat tinggi selama hidup mereka, dll. Bramante memiliki Istana Cancellena, dengan halaman yang dikelilingi oleh tiang-tiang. Menurut rencananya, Katedral St. Petra dalam wujud baru. Konstruksi ini berlanjut di bawah arahan Raphael dan Peruzzi dan akhirnya dimahkotai dengan kubah terkenal - ciptaan Michelangelo. Di dalam, katedral ini memukau, berapa pun ukurannya, dengan pilaster, dekorasi mosaik, dan cahaya yang berlimpah; dari luar menarik perhatian dengan keindahan bentuk kubahnya. Bramante memberikan gaya Bruneleschi yang keras, benar, dan tegas. Tata gaya sambil mempertahankan ekspresi cerah perasaan modern dan memahami keindahan bentuk, bersama dengan begitu juga lebih jauh dalam arti kebangkitan semangat kuno dan, menjauh dari fantasi dekoratif yang berlebihan, dengan kebenaran dan kesederhanaannya, arsitektur ini paling mendekati arsitektur Roma kuno di era kemakmurannya. Bramante juga memiliki rencana untuk Casa Santa, di Loretto. Penerus Bramante, Balthazar Peruzzi (1481-1536), pembangun Vila Farnese (Farnesina), adalah pengikut ketat sang guru. Lebih jauh lagi, Raphael, seorang pelukis brilian, juga meninggalkan jejaknya di bidang arsitektur; dia menyelesaikan loge Vatikan dan menyusun, meskipun dia tidak punya waktu untuk menyelesaikannya, rencananya sendiri untuk Katedral St. Louis. Petra. Terakhir, Michelangelo menciptakan kubah besar katedral ini. Sepanjang abad ke-16. Karya seninya mempunyai karakter kebangsawanan klasik dan keindahan yang sederhana. Pertengahan abad ini adalah periode perkembangan arsitektur tertinggi di Roma. Selama setengah abad berikutnya, arsitektur masih mempertahankan cap keagungan dan kesempurnaan dalam hal keteraturan bentuk, namun menjelang akhir abad ini arsitektur menjadi kurang berani, dan pada saat yang sama terjadi penurunan orisinalitas dan kekuatan kreatif. Keinginan untuk menjaga rasa proporsional dan ketatnya proporsi serta untuk menyelamatkan rasa dari kemunduran dan pembusukan ditemukan dalam sebuah risalah yang ditulis oleh arsitek Vignola (lihat artikel terkait). Namun, I. arsitek abad ke-16. menjadi legislator Eropa. Aplikasi Luas dan gaya Andrea Palladio sedang dikembangkan hampir di seluruh Eropa, berkat pemahamannya yang mendalam tentang model-model kuno, kejelasan dan kebenaran bentuk serta keagungan gaya yang penuh kesederhanaan dan keagungan. Penerus Palladio terus bekerja ke arah yang sama dan telah lama berjuang dengan masuknya gaya baru. Barok. Yang terakhir, pada dasarnya mewakili distorsi dalam arti berlebihan dan kebingungan bentuk dan ornamen, selama abad ke-17. namun berlaku di seluruh Eropa. Ini dimulai di Italia Atas. Florentines Ammanati, Vasari (siswa Michelangelo ke arah ini) dan Venetian Scamozzi memberinya semacam kehebatan dan untuk waktu yang singkat mencapai waktu terbaiknya. Pada abad ke-18 mereka berusaha melepaskan diri dari sikap berlebihan tersebut dan kembali ke model klasik, namun hal ini terhambat oleh menurunnya kreativitas, kemiskinan dan dinginnya imajinasi dan perasaan. Pada saat itu pengaruh Perancis dan Inggris semakin meningkat, dimana terjadi pembaharuan. Klasisisme terus berkembang di negara-negara tersebut, berakhir pada awal abad ke-19. Di Italia, bersamaan dengan gerakan ini, pengaruh Renaisans ditemukan lebih kuat dibandingkan di negara lain. Pada saat yang sama, gaya Gotik tidak kehilangan penganutnya, dan Katedral Milan berakhir dengan gaya ini pada tahun 1813, oleh arsitek Amati dan Zanoia. Perkembangan yang tepat seni di abad ini terhambat oleh fragmentasi Italia menjadi kepemilikan kecil dan dominasi orang asing. Dengan berakhirnya kekuasaan Austria, aktivitas arsitektur semakin meningkat. Sejak tahun 1865, Milan telah dihiasi dengan banyak bangunan, termasuk Galeri Victor Emmanuel yang megah dengan bangunan-bangunan di dekatnya yang didirikan oleh Giuseppe Mengoni, pemakaman yang indah, dll. Di Turin, Palazzo Carignano, Istana Industri (pembangun Carrera), dan sebuah sinagoga megah (Antonelli) sedang dibangun. Di Florence - Palazzo Fenni dan lainnya. Bologna didekorasi dengan Piazza Cavour, Istana Silvani yang indah, dalam gaya Renaisans, dan Bank Nasional. Banyak restorasi yang menginspirasi seniman baru dengan semangat kehebatan masa lalu. Pada saat yang sama, meluasnya perkembangan industri, khususnya di Genoa, menyebabkan pembangunan pelabuhan, istana industri dan gedung-gedung. Di sini, Roman Street, Galeri Mazzini, Corso Solferino, dan Campo Santo yang sangat megah membangkitkan kekaguman. Di Naples, kawasan pejalan kaki tepi laut didekorasi dengan mewah dengan bangunan-bangunan. Menyusul pendudukan Roma oleh raja-raja Italia. pasukan, demam konstruksi melanda kota abadi; jalan-jalan baru sedang dibangun, akses ke Tiber dari Corso, ada monumen Victor Emmanuel di Capitol; Di sisi timur Santa Maria Maggiore, sebuah kota baru muncul, dengan jalan-jalan yang diatur sesuai dengan semua aturan arsitektur terbaru, dan dengan gedung-gedung megah, seperti Istana Kehakiman, gedung Kementerian Keuangan, Klinik Podesta, Teater Drama, Bank Nasional, Akuarium, gereja, dll. Patung. Setelah berkembangnya seni Kristen, I. patung dari abad ke-6. mengalami kemunduran, bukannya kemajuan. Seniman membatasi diri pada seni ukir Gading, membuat perhiasan emas dan perak, dll. Di Roma, seni mosaik marmer telah dilestarikan sejak zaman kuno, dan digunakan untuk menghiasi dinding, lantai, kolom, dll. Secara umum, awal era 1000 tahun adalah ditandai dengan menurunnya ciri cita rasa, pemahaman dan teknologi pada masa sebelumnya. Semuanya harus dibeli terlebih dahulu. Kemunduran ini dibuktikan dengan monumen-monumen yang bertahan sejak masa ini - fasad katedral di Modena dan Ferrara, biara pembaptisan di Parma dan Pisa. Di mana-mana kita menemukan gambaran sosok yang tidak bergerak, mati rasa, pose yang tidak wajar, ciri wajah tanpa ekspresi, lipatan pakaian yang tidak wajar, dan lain-lain. Baru pada pertengahan abad ke-13. kebangkitan seni di Tuscany terlihat jelas. Niccolo Pisano adalah orang pertama yang menunjukkan keinginan akan kebenaran dan vitalitas dalam gambar. Mempelajari monumen kuno sekaligus mengamati fenomena alam, ia mencapai hasil yang luar biasa pada masa itu, dan memberikan dorongan bagi perkembangan seni patung. Contoh karyanya ada di Baptistery Pisa. Putranya, Andrea Pisano, bahkan melangkah lebih jauh dari ayahnya; pintu besi ruang pembaptisannya di Florence dapat dianggap sebagai karya yang sejak lama tidak ada bandingannya. Dia membawa moderasi, cita rasa dan kesederhanaan pada keinginan ayahnya akan realisme kasar. Kajian tentang alam melalui observasi dan pengalaman menjadi benang penuntun seluruh aliran seniman pada abad ke-14, dan atas dasar ini pada abad ke-15. satu baris tumbuh talenta utama, menciptakan banyak karya patung. Monumen terkenal pada periode ini tetap menjadi pintu ruang pembaptisan Florentine, karya Ghiberti, sebuah karya dengan gaya yang sangat ekspresif, yang dikembangkan lebih lanjut oleh Donatello. Lucca della Robia, tanpa menyimpang dari alam, memperkenalkan ke dalam karyanya kenaifan dan kelembutan ideal para pendahulu dan gurunya. Mulai saat ini, ada dua tren yang terlihat: beberapa mengikuti arahan aliran Donatello yang sangat naturalistik, yang lain mendekati della Robia. Dalam seni pahat dan lukisan, seperti halnya dalam arsitektur, Tuscany dan khususnya Florence adalah tempat lahirnya Renaisans. Alasannya harus dilihat dari kenyataan bahwa Florence, dalam perjuangan kepausan dan kaisar untuk menguasai Italia, telah mempertahankan kemerdekaan republik demokratis sejak awal Abad Pertengahan. Alam Tuscany yang indah dan melimpah berkontribusi pada pembangunan dan pengayaan negara. Kebebasan dan kekayaan berjalan beriringan di dalamnya, dan warga terkaya(Medici dan lain-lain) menjadi pelindung ilmu pengetahuan dan seni. Di sini terjadi revolusi damai Renaisans dalam diri kaum humanis. Tapi sains mendahului seni. Dari dialek Tuscany, Dante menciptakan bahasa nasional, segar dan ekspresif. Semangat yang terbangun untuk penelitian menyebabkan pemulihan hubungan dengan alam, dan karya-karya humanis meninggalkan jejak dunia pagan kuno di seluruh era. Di Florence, aspirasi kreatif Michelangelo dimulai, yang berpuncak pada pusat seni baru, di Roma, di bawah naungan dan perlindungan Paus Julius II dan Leo X. Faktanya, pada abad ke-14 dan bahkan abad ke-15, patung hampir secara eksklusif dikhususkan untuk seni patung. ke gambaran gereja, dan hanya dengan kebangkitan sastra klasik I. seni membebaskan diri dari eksklusivitas ini dan mulai mengambil subjek sejarah atau diambil dari alegori dan mitologi. Petrarch, yang dipenuhi dengan hasrat terhadap alam, telah memenuhi lingkungan sekitar Florence dengan seluruh dunia makhluk mitos diciptakan oleh imajinasinya dalam roh dunia kuno. Gambarannya merupakan ekspresi simpati dan aspirasi masa kini, namun jauh dari alam sekitar. Ide-ide baru tercermin dalam seni pahat. Karya Giovanni Rustici, Andrea dan Jacopo Sansovino dari Ferrara, Antonio Bociarelli dari Modena dan Giovanni da Nolli membentuk transisi ke arah baru. Akhirnya, pada akhir abad ke-15, Michelangelo Florentine berkuasa atas semua orang. Beliau memberikan gambaran paling sempurna tentang tubuh manusia dengan segala keindahan, keanekaragaman dan kekuatannya. Renaisans terkadang disebut era “penemuan manusia”. Kehidupan batin, jiwa, karakter seseorang, menjadi tujuan utama reproduksi, tetapi ekspresinya memerlukan teknik yang didasarkan pada pengetahuan yang akurat. Oleh karena itu, para jenius abad ini, seperti Michelangelo dan Leonardo da Vinci, rela meninggalkan pahat dan kuas demi pisau anatomi dan dalam keheningan biara, di bawah naungan orang-orang yang kuat dan mulia, bertentangan dengan takhayul yang berlaku, the pembedahan mayat dimulai. Ilmu pengetahuan berutang banyak karya kepada seniman di bidang ini dan bidang terkait lainnya. Dengan demikian, Leonardo da Vinci meninggalkan penelitian tentang penerbangan burung, dll. Matematika dan astronomi juga termasuk dalam lingkaran studi, memberikan dasar bagi keberhasilan arsitektur, teknik, serta seni dan mekanik militer. Orang-orang zaman dahulu melihat tubuh yang hidup di mana-mana dan selalu; Pada masa Renaisans, keindahan tubuh kembali muncul sebagai elemen terpenting dalam seni, namun mata seniman sudah terhambat oleh pakaian. Pada saat yang sama, gagasan Kekristenan mengarah pada pemahaman tentang keindahan yang berbeda, yang dicari dan ditemukan dalam wajah Madonna, Juru Selamat, dalam gambaran alkitabiah, dan dalam penderitaan para martir. Patung marmer yang indah dikenal sebagai Pieta, - sebuah monumen untuk tinggalnya Michelangelo di Roma dan, pada saat yang sama, sebuah monumen untuk zaman tersebut. Perawan Suci duduk di atas batu; di atas lututnya terdapat tubuh Kristus yang tak bernyawa, diambil dari salib; dia mendukungnya dengan tangannya. Seluruh Roma kagum dengan pekerjaan ini. Menurut Vasari, bahkan pematung kuno pun tidak mencapai kesempurnaan seperti itu. Gips tubuh Juruselamat dikirim ke berbagai sekolah dan akademi. Karya Michelangelo lainnya, patung Daud kolosal dari marmer, disebut "Il Gigante" dan selama tiga abad menghiasi Piazza Oignoria. Pada tahun 1873 diganti dengan perunggu, dan marmer asli dipindahkan ke akademi. Selanjutnya dari karya Michelangelo, patung-patung terkenal “Budak”, “Musa”, “Malam” dan patung-patung lain di makam Medici serta banyak tokoh yang masih menghiasi gedung dan gereja di Roma, Florence, Bologna dan kota-kota lain. Pendahulu Michelangelo telah membuka jalan bagi kebebasan memilih subjek, dan pada abad ke-16. yang tersisa hanyalah mengikuti jejak pionir Pisano dan khususnya Donatello. Dalam arah ini, karya-karya orang sezaman Michelangelo - Rustici, Andrea dan Jacopo Sansovino - menarik. Yang terakhir memiliki patung raksasa Mars dan Neptunus di tangga raksasa di Istana Doge di Venesia. Murid-murid Michelangelo dan penerus terbaiknya adalah Hugo della Porta, Benvenuto Cellini, Tribolo dan lain-lain. Saingannya di antara orang-orang sezamannya, Baccio Bandinelli, tanpa disadari berada di bawah pengaruhnya. Pada abad ke-17 sensualitas yang sangat berkembang dan keinginan untuk pamer memaksa seniman untuk menyimpang dari hukum plastisitas, dan sebagian besar dari mereka jatuh ke dalam tingkah laku dan kecanggihan. Postur tubuh menjadi tidak wajar dan lamban; ada rasa kecerdikan dan kekangan dalam fitur-fiturnya; dekorasi yang berlebihan menggantikan kesederhanaan, tetapi pada saat yang sama kekayaan imajinasi, kontur yang ringan, dan kecanggihan dekorasi sering kali terungkap. Karya-karya luar biasa pada abad ini adalah milik Alessandro Algardi, dari Bologna, dan Lorenzo Bernini, dari Naples. Keduanya sekaligus arsitek terkenal. Yang pertama milik relief di Roma: “Kembalinya Attila”, di Katedral St. Petersburg. Petra; yang kedua, dalam serangkaian banyak karya, adalah sekelompok St. Teresa di Santa Maria della Vittoria. Kekurangan gaya baru ini terutama terlihat jelas pada patung Sammartino, Corradini dan Queirolo di Kapel S. Maria della Pieta de Sangri, di Naples. Kurangnya cita rasa dalam karya-karya ini dipadukan dengan kesempurnaan teknis. Pengecualian terhadap kebejatan rasa secara umum adalah St. Cecilia di gereja dengan nama yang sama di Roma, karya Stefano Maderno, dan St. Andrew di Katedral St. Petra, karya Fiammingo. Pada pertengahan abad ke-18. kembali ke pola lama. Antonio Canova dari Venesia adalah orang pertama yang melakukan restorasi operasi plastik. Pengaruhnya dan Thorvaldsen menyebar ke seluruh Italia, dan dengan demikian muncullah dua aliran. Yang pertama adalah Baruggi dari Imola, Finelli dari Carrara, Tadolini dan Finelli dari Romawi; yang kedua - Pietro Tenerani paling penting dari Carrara, yang pada gilirannya mendirikan banyak sekolah. Lebih mandiri, meski tidak lepas dari pengaruh Canova, adalah Lorenzo Bartolini dari Tuscany, yang dalam karyanya menggabungkan studi ketat tentang alam dan zaman kuno. Pematung paling berbakat di zaman modern meliputi: Lombard Tantardini (1879), Vela, Tabaqui dan Monteverdi, yang gayanya dibedakan oleh kejujurannya yang luar biasa nyata. Lukisan.- Lukisan sendiri didahului oleh mosaik di Italia. Ini telah menyebar luas sejak abad ke-11, berkat kunjungan para master Bizantium. Pada abad ke-13 lemahnya upaya kreativitas mandiri terlihat, dan pada akhir abad ini Cimabue sudah mengungkapkan beberapa kreativitas individu. Di dalam sosok dan kepalanya terdapat tanda-tanda kehidupan dan gerakan; beberapa variasi dimasukkan ke dalam pakaian, tetapi komposisinya umumnya tidak menyimpang dari gaya primitif. Giotto di Bondone dianggap sebagai pendiri gaya hidup yang lebih banyak. Dia memperluas jangkauan tugas seni dan, meninggalkan kekekalan hierarkis di bidang bentuk, menemukan caranya sendiri dalam mengekspresikan kehidupan, yang melaluinya dia memulai jalur realistis baru. Selain itu, dalam karyanya terlihat kemampuan menggunakan alegori dan prinsip ide-ide sejarah dan potret. Ia juga melakukan perubahan teknik pengecatan, sehingga lukisan mendapat manfaat pencahayaan, menjadi lebih terang, lebih ramah, berbeda dengan lukisan-lukisan sebelumnya yang berwarna gelap dan berwatak suram. Kegiatan Giotto tidak terbatas di Florence, tetapi menyebar ke seluruh Italia. Pengaruhnya terhadap orang-orang sezamannya sangat besar. Gaya dan tingkah lakunya tercermin pada hampir semua seniman abad ke-14. Banyak orang sezaman dan muridnya membawa individualitas mereka sendiri ke dalam seni, dan lukisan tidak lagi hanya meniru apa yang mendahuluinya. Sekolah bermunculan arah yang berbeda. Di antara murid-murid Giotto, Taddeo Gaddi menempati urutan pertama. Di antara mereka yang pengaruhnya jelas sangat dipengaruhi, Orcagna dan lainnya menonjol, di antaranya Lorenzo Monaco, perwakilan terakhir dari sekolah Giotto, berdiri pada pergantian abad ke-15. Abad ini mengungkapkan keinginan untuk menyelaraskan bentuk dengan alam dan kesempurnaan teknis. Langkah pertama ke arah ini diambil oleh Uccello di Florence. Dia diikuti oleh: Masaccio, yang, melalui studi yang cermat tentang alam dan teknik chiaroscuro baru, menghindari sudut gambar sebelumnya dan memperkenalkan keberhasilan dalam lukisan juga dalam hal komposisi; Fra Filippo Lippi, yang mengupayakan penggambaran yang jujur fenomena kehidupan, dan Fra Angelico da Fiesole, yang karyanya mencerminkan kehidupan spiritual. Penggambaran perasaan keagamaan yang mendalam pada ciri-ciri tokoh yang diwakilinya menjadi kebutuhan ideal zaman ini. Alih-alih aspirasi spiritual tersebut, keinginan untuk sedekat mungkin dengan alam terus mendominasi dalam seni lukis. Mengenal seni lukis Flanders merupakan semacam aliran khususnya mengenai teknik seni. Begitulah indahnya karya-karya Sandro Botticelli, Filippino Lippi dan lain-lain tercipta. Keberhasilan aliran Florentine dalam mengejar realisme sejati, ketika seni menjadi cerminan langsung dari kehidupan nyata tanah air dan zamannya, secara khusus diungkapkan dengan jelas dalam karya Benozo Gozoli dan Domenico Ghirlandaio. Sejalan dengan sekolah Florentine, sibuk dengan gambar-gambar dari St. Kitab Suci dan alat bantu utamanya adalah potret, pakaian dan sebagian lanskap, muncul aliran di mana tubuh dan anatominya menjadi subjek perkembangan. Luca Signorelli diakui sebagai yang paling bahagia dalam arah ini. Banyak orang, yang mencari contoh rasa yang ketat dan sempurna, kembali ke zaman klasik. Seniman paduan Francesco Squarchione, melakukan perjalanan melalui Italia dan Yunani, mengumpulkan sisa-sisa dan sampel karya kuno dan kemudian membuka sekolah di Padua, menarik banyak siswa. Andrea Mantegna berasal dari sekolah ini. Ia dengan tekun mempelajari anatomi, perspektif, karya-karya orang dahulu, seni menata pakaian, dan menggunakan berbagai atribut. Karya-karyanya menunjukkan pemahaman yang benar tentang alam dan keinginan akan kesetiaan sejarah. Terakhir, Pietro Perugino, kepala sekolah Umbria, dengan seluruh galaksi peniru dan siswa yang kurang lebih dekat dengannya, menutup periode kedua berkembangnya seni di Italia. Transmisi aneh dari suasana keagamaan yang naif, kemurnian yang tidak wajar, dan kejernihan spiritual diteruskan ke generasi seniman berikutnya dan tercermin dalam kejeniusan Raphael. Pada saat yang sama, Perugino sudah memasukkan unsur antik ke dalam gambarnya. Para martirnya dan pahlawan Kekristenan lainnya adalah pahlawan Yunani dan Roma, dan bukan pahlawan Abad Pertengahan. "Nabi" Perugino sedemikian rupa sehingga patut dipertanyakan apakah dia pernah membuka Alkitab. Jadi, awal abad ke-16. ditandai dengan pesatnya perkembangan seni lukis, berkat banyaknya bakat dan munculnya sekolah-sekolah di Tuscany, Umbria, Bologna, Ferrara, Padua, Venesia, dll. Namun seni rupa masih jauh dari kesempurnaan, kelengkapan teknik, dan keutuhan seni. presentasi. Perkembangan ini mencapai puncaknya dengan terbentuknya sebuah pusat di Roma, di bawah naungan Paus Julius II dan Paus Leo X, berkat upaya sejumlah tuan yang brilian. Leonardo da Vinci, dengan Perjamuan Terakhir dan karya lainnya, meletakkan fondasinya era baru. Dia diikuti oleh Michelangelo dan Raphael. Ketiga jenius ini dibedakan berdasarkan keserbagunaan, pemahaman tentang alam, animasi yang mendalam, dan kebenaran gambar, berdasarkan pengetahuan akurat dan pengamatan langsung. Mereka mencapai kesempurnaan dalam menggambarkan tubuh dalam berbagai putaran dan pose, tanpa kehilangan kedalaman dan kenaifan perasaan religius. Persaingan antara Raphael dan Michelangelo menandai suatu periode dalam sejarah seni rupa yang dikenang di seluruh dunia. Michelangelo menukar pahatnya dengan kuas atas perintah Julius II. Dia memutuskan untuk menghargai dirinya sendiri dengan mencurahkan seluruh energi dan ruang lingkup desainnya ke dalam karya ini, memanfaatkan dana Paus dan ruang yang tersedia di dinding dan langit-langit Kapel Sistina. Lukisan-lukisan dinding yang ia ciptakan di sini benar-benar menjadi titik awal arah seni baru. Mengacu pada rincian artikel lain (Michelangelo, Kapel Sistina), kami hanya mencatat bahwa lukisan fresco (dimulai pada abad ke-14) sejak itu mendapat perkembangan luas. Karena lembab, lukisan-lukisan itu segera menjadi pucat, hilang, atau ternoda. Hanya energi dan keingintahuan Michelangelo yang tak kenal lelah yang menemukan cara untuk menghadapi rintangan dan membuka jalan ke sini juga. jalan baru untuk seni. Tapi Raphael paling menonjol di zaman Renaisans. Kecintaan pada bentuk tubuh terancam berubah menjadi nafsu yang membara, menjadi pemujaan sensualitas yang kasar. Kebijaksanaan bawaan dan bakat cerdik membantu Raphael mencapai rasa proporsional yang luar biasa dalam hal ini. Dia menciptakan tipe-tipe yang puncaknya adalah kesempurnaan fisik kemuliaan moral. Ketat dan gambar bersih Madonna adalah subjek favoritnya. Pemujaan terhadap keindahan menemukan kepuasan penuh dalam plot ini; Simbolisme Katolik memberi jalan kepada cita-cita perempuan dan ibu. Ciri penting Renaisans adalah rasa individualitas yang sangat berkembang. Sifat ini terungkap dalam potret. Yang terakhir ini juga merambah ke lukisan-lukisan yang mengandung muatan religius dan sejarah. Dalam lukisan "Kebangkitan Kristus", dilukis untuk gereja Fransiskan dan sekarang Galeri Vatikan, Raphael, dengan menyamar sebagai dua penjaga tidur, menggambarkan dirinya dan Perugino. Dalam lukisan dinding yang menggambarkan Agama (Disputa), pada orang-orang yang paling dekat dengan altar, asyik mendiskusikan dogma-dogma, kita dapat mengenali potret Dante, Savonarola dan Bramante. Kekuatan gereja tetap menjadi gagasan dominan dan diwujudkan dalam lukisan dan lukisan dinding. Di sisi lain, lukisan-lukisan tersebut menjadi saksi ketergantungan seorang jenius pada konsep dan tren pada masanya. Jadi, di lukisan dinding utama, yang menjadi asal nama aula di Vatikan, Raphael menggambarkan “Pengusiran Heliodorus dari Kuil” (bab ke-3, 2 kitab Makabe) di Yerusalem. Musuh merampok kuil; Yehuwa mengusir mereka; orang-orang melihat dengan ketakutan dan kegembiraan pada keajaiban itu, tetapi di antara kerumunan muncul, yang membuat takjub penonton, Julius II, yang dibawa oleh para drabants ke dalam kuil. Jelas sekali, gambar itu dilukis dengan tujuan untuk memuliakan Paus Julius II, kemenangannya atas Prancis dan pembebasannya yang hampir secara ajaib dari penawanan di Bologna pada tahun 1509. Raphael diikuti oleh orang-orang sezaman dan murid-muridnya, yang namanya membentuk, bisa dikatakan, Bima Sakti dari kejayaan I. art. Correggio menjadi terkenal karena penguasaannya dalam chiaroscuro. Dia menggunakan cat dengan keterampilan luar biasa, mereproduksi nada paling halus dan terutama menghadirkan keanggunan dan keindahan yang unik pada penggambaran tubuh. Di Venesia, Titian mencapai ekspresi karakter yang kuat, dan pewarnaannya bagi sebagian besar seniman menjadi cita-cita vitalitas dan kehangatan yang tidak dapat dicapai. Pelukis Renaisans terkenal lainnya adalah Fra Bartolomeo dan Andrea del Sarto di Florence, Palma Vecchio di Venesia, Luini di Milan. Di antara murid-murid Raphael, Giulio Romano menempati posisi pertama. Di antara murid-murid Michelangelo, yang utama adalah Danielo da Volterra. Correggio menemukan peniru dirinya yang layak dalam diri Parmigianino. Fra Sebastiano del Piombo - Saingan Michelangelo dalam seni lukis - murid terbaik pendahulu Titian, Giorgione. Titian sendiri mempunyai murid yang sedikit, namun banyak penirunya, seperti misalnya Bonifacio Veneziano dan Buonvicino. Dimulai dengan setengah XVI V. Kemunduran I. lukisan sudah terlihat, dan semakin jauh, semakin kuat jadinya. Masa kejayaan diikuti oleh periode peniruan. Ciri-ciri Kepribadian ahli kejeniusan diubah oleh para penirunya menjadi impotensi dan tingkah laku; Dengan demikian, pesona naif kecantikan wanita L. da Vinci merosot menjadi manis dan imut. Banyak master terkenal, dengan segala kesempurnaan teknik mereka dan pendekatan sampel yang sukses, kurang memiliki rasa proporsional - syarat pertama untuk keindahan dan martabat yang serius. Sekolah Venesia paling lama mempertahankan yang terakhir. Di antara para master, ia menonjol pada paruh kedua abad ke-16. Tintoretto dan Paolo Veronese. Invasi ide-ide Protestan baru dan perjuangan melawan Katolik membawa keraguan ke dalam pikiran dan hati dan dalam banyak hal melemahkan keyakinan lama yang naif dan cita-cita keindahan. Mereka yang tetap setia pada pandangan mereka sebelumnya mulai menyimpang dari prinsip dan menjadi berlebihan. Sebuah monumen bagi upaya era ini untuk menciptakan kembali cita-cita lama masih berupa beberapa gambaran yang bersifat keras, dalam gaya yang sangat religius: Mater dolorosa, Kristus yang dimahkotai duri, dll. Baroccio dan orang lain setelahnya, misalnya. Cigoli, Allori, da Empoli dari Florentine berusaha menahan kejatuhan tersebut, namun tidak mencapai tujuan, meski meninggalkan karya yang indah dalam warna dan desain. Suku Caracci di Bologna adalah yang paling sukses dalam upaya kebangkitan seni. Lodovico Caracci mendasarkan aspirasinya di satu sisi, studi langsung tentang alam, di sisi lain, pada upaya untuk menggabungkan keunggulan dari berbagai ahli; Dari Raphael ia meminjam seni komposisi dan ekspresi, dari Michelangelo - menggambar dan bergerak, dari Correggio - seni chiaroscuro, dari Titian - teknik melukis dan kuas. Ia mendirikan Akademi Seni Lukis, yang melatih banyak master terkenal: Domenichino, Guido Reni, Tvercino, dll. Seiring dengan sekolah ini dan sekolah serupa lainnya, ada arah paralel murni naturalistik, yang mengakui alam sebagai satu-satunya dasar seni. Kepala naturalis adalah Amerighi da Caravaggio. Berkat wawasannya yang halus dan pelaksanaannya yang luar biasa, ia menciptakan karya-karya yang luar biasa vital dan ekspresif. Beberapa lukisannya memberikan kesan yang menjijikkan, karena sesuai dengan prinsip kesetiaan terhadap alam, ia tidak menyimpang dari penggambaran fenomena yang jelek sekalipun. Walaupun begitu, dia mendapat banyak pengikut di Itali, termasuk Ribeira, Bartolommeo Manfredi (Mantua), Stanzioni dan Baccaro (Naples), Bernardo Strozzi (Genoa) dan Domenico Feti (Roma). Dari paruh abad ke-17. dan sampai pertengahan abad ke-18. seni terus bergerak tak terkendali di sepanjang jalur degenerasi. Di antara banyak seniman saat ini, yang mencoba menghidupkan kembali tradisi semangat keagamaan yang telah punah, ada sekelompok kecil yang menonjol, cara selanjutnya, dibuat oleh Caravaggio. Ketua kelompok ini adalah Salvator Rosa. Para seniman masa ini, tanpa mencapai kehebatan mereka sebelumnya, secara individu memiliki kualitas tertentu. Monumen terbaik kali ini - lukisan dinding karya L. Giordano di Istana Medici-Riccardi, di Florence (1632), dan karya Tiepolo, di Palazzo Labia, di Venesia. Karya-karya, juga tak tertandingi, milik kuas Grimaldi, Canaletto dan muridnya Francesco Guardi. Kemudian, dari bidang genre, meski tidak pernah tersebar secara signifikan di Italia, lukisan pertempuran Aniello Falcone dan Kerkvozzi sangat luar biasa. - Giovanni Benedetto Castiglione melukis pemandangan indah dengan figur manusia dan hewan. Mario de Fiori - bunga; tetapi tidak satu pun dari seniman-seniman ini yang mencapai kesempurnaan para master sekolah Belanda. Dari para pelukis sejarah abad ke-18. Battoni sendiri yang menonjol, tapi dia tidak meninggalkan apapun yang akan tetap menjadi monumen selamanya. Para seniman abad ke-19 tidak begitu penting. Beberapa dari mereka mengambil contoh mantan eklektisisme dari sekolah Caravaggio dan yang lain. Perwakilan kelompok ini, Vincenzo Camuccini, di Roma, adalah yang luar biasa. Yang lain mencari dukungan di sekolah David Prancis, seperti Andrea Appiani di Milan dan Pietro Benvenutto di Florence. Beberapa, seperti Francesco Cochetti (1804-1875), menganut aliran Jerman, yang pada awal abad ini memperkenalkan gerakan romantis ke Roma. Pusat seni di Italia tetaplah Roma, Milan, Venesia, Napoli, dan masing-masing titik ini mengembangkan aliran lukisan sejarah atau gerejanya sendiri yang kurang lebih unik. pengaruh Jerman dimulai terutama oleh ahli cat air terkenal Karl Werner, di Venesia. Pengaruh ini memunculkan banyak karya seniman genre, di antaranya Giacomo Favreto, Alessandro Zezzos, Ettore, Tito Conti, Antonio, Rotta, Egisto, Lancheroto, Luigi Mion mencapai ketenaran. Di seluruh Italia mereka bergabung dengan Angelo dell'Eca (Bianca Verona) dan orang Austria Eugene Blaas dan Caecil von Gaonen. Lansekap dikembangkan oleh Gulielmo Ciardi, Fraggiacomo, Bezzi, Laurenti, Mainella, yang terkenal dengan produktivitasnya, dan lain-lain. Lukisan mendapat perkembangan lebih mandiri di Naples, dalam karya Domenico Morelli dan dua Palizzi, perwakilan realisme dalam seni, yang berkarya. banyak di Timur. Generasi muda menonjol terutama dengan kesegaran warnanya, terutama dari segi genre, seringkali dengan arahan Perancis; tempat utama di sini adalah milik Alberto Passini, yang bekerja di Paris. Di antara orang Milan, Filippo Carcano menonjol karena kekuatan ekspresi dan kesegaran warnanya. Leonardo Bazzaro, Adolfo Feragutti, P. Marianni dan G. Sartori. Mereka berkerabat dengan Turinians, dipimpin oleh Gastaldi; selain dia, orang dapat menunjuk ke Enrico Gamba, Mosso, Viotti, Deleani, Quadroni dan lain-lain. G. Segantini dari Milan mengungguli yang lain dalam penguasaan efek pencahayaan dan kedalaman konten. Secara umum, lukisan I. modern dibedakan oleh kesempurnaan tekniknya, terkadang hingga merugikan isinya; tetapi arahnya tampaknya berubah, dan sedikit demi sedikit keinginan untuk memikirkan topik secara mendalam dan untuk menyampaikan esensi batin dari objek dan fenomena menjadi nyata di dalamnya.
Koleksi lukisan Italia adalah salah satu bagian terpenting dari galeri seni museum: koleksi ini mencakup lebih dari lima ratus lima puluh karya dan secara kronologis mencakup seluruh periode perkembangan salah satu sekolah seni lukis terkemuka di Eropa. Dari jumlah tersebut, tidak lebih dari dua ratus yang dipresentasikan dalam pameran permanen, dan yang disimpan di gudang museum masih sedikit diketahui baik oleh masyarakat umum maupun para ahli.
Lukisan Italia memiliki tempat khusus dalam sejarah Museum Negara Seni Rupa dinamai A.S. Pushkin, sejak bersamanya pembentukan galeri seninya dimulai. Pendiri museum, Ivan Vladimirovich Tsvetaev, yang berencana membuat museum cetakan karya patung klasik di Universitas Moskow, bahkan sebelum pembukaannya sampai pada kesimpulan bahwa karya asli, terutama lukisan, harus disertakan dalam pameran. Titik balik terakhir dalam pandangannya terjadi pada akhir tahun 1900-an, ketika museum ditawari koleksi karya asli yang berharga. Diantaranya adalah koleksi diplomat M.S., yang terdiri dari monumen unik lukisan Italia abad 14-15. Shchekin, yang meletakkan dasar bagi koleksi lukisan. Pada tahun 1924 Galeri kesenian Museum ini memperoleh status bagian independen.
Lukisan Italia awal, abad VIII-XIV.
Selama Abad Pertengahan, seni lukis Italia berkembang erat dengan seni Byzantium, tetapi secara bertahap, sejak paruh kedua abad ke-13, jenis seni baru terbentuk di sini, yang dalam kaitannya dengan istilah “proto-Renaisans” adalah sering digunakan, yaitu “pra-renaisans”.
DENGAN tradisi Bizantium terkait adalah tiga fragmen mosaik yang pernah menghiasi Basilika Santo Petrus kuno di Roma, serta dua ikon monumental paruh kedua abad ke-13, yang dibuat di bengkel di Florence dan Pisa.
Pada abad ke-14 terjadi proses terbentuknya seni lukis Italia yang bersifat sangat nasional. fenomena seni. Sekolah-sekolah lokal utama sedang dibentuk, terutama sekolah Florentine dan Venesia, yang akan mempertahankan posisi terdepan mereka di abad-abad berikutnya. Sekolah Siena, salah satu sekolah terkemuka di abad ke-14, terwakili dalam koleksi museum dengan cara yang sangat beragam. Tanda tangan “Penyaliban” dari Segni di Bonaventura, asisten Duccio yang agung, adalah salah satu monumen yang luar biasa, begitu pula pintunya yang menggambarkan Maria Magdalena dan St. Agustinus, bagian dari komposisi altar yang tidak dapat dipertahankan yang dibuat oleh Simone Martini, seorang ahli seni yang luar biasa. paruh pertama abad ke-14.
Lukisan Renaisans Italia, abad XV-XVI.
Lukisan Italia abad ke-15 hingga awal abad ke-16 mengenalkan kita pada era terbentuknya dan berkembangnya seni Renaisans. Basis ideologis budaya Renaisans Italia adalah humanisme, dan salah satu komponen terpentingnya adalah penemuan dan pengembangan kreatif mendalam dari warisan kuno. Seni pada masa itu menegaskan gagasan tentang takdir tinggi manusia. Dalam karyanya, para seniman menggambarkan Dunia, dengan mengandalkan pencapaian ilmiah, mereka mengembangkan dasar-dasar perspektif linier, mempelajari anatomi manusia dan hukum pencahayaan.
Terkemuka Pusat Kebudayaan Pada masa Renaisans Awal (abad XV) ada Florence. Sandro Botticelli, salah satu master terkemuka pada masa itu, memiliki “Annunciation”, yang penuh dengan emosi batin, berasal dari periode akhir karyanya.
Gagasan luhur tentang seseorang diwujudkan dalam lukisan “Potret Seorang Pemuda dalam Gambar Santo Sebastian” karya Boltraffio, salah satu murid Milan Leonardo da Vinci.
Selama masa Renaisans, sekolah Venesia mengalami perkembangan yang cemerlang, diwakili dalam koleksi museum oleh karya-karya Jacopo Palma the Elder, Titian, Paris Bordone, Savoldo, Veronese, Jacopo Palma the Younger dan lain-lain.
Lukisan Italia abad 17-18
Sekitar tahun 1600, dua arah dibentuk di Roma - Caravaggisme dan Akademikisme, yang sangat menentukan perkembangan lebih lanjut tidak hanya Italia, tetapi seluruh lukisan Eropa waktu berikutnya. Caravaggio dan para pengikutnya menyatakan seruan terhadap kenyataan sebagai prinsip utama, sementara perwakilan akademisi Bolognese, yang dipimpin oleh Carracci bersaudara, menegaskan kanon tidak dapat diganggu gugat. seni klasik, diperkaya dengan latihan menggambar kehidupan.
Contoh mencolok dari Caravaggisme adalah lukisan “The Crowning with Thorns” karya Tommaso Salini, serta “The Fruit Seller” dari lingkaran Bartolomeo Manfredi.
Akademisi Bolognese diwakili dalam koleksi museum oleh karya-karya perwakilan terkemuka gerakan ini - Guido Reni, Simone Cantarini, Guercino, Luca Ferrari dan master lainnya.
Di Itali Utara, di mana lukisan berkembang dengan caranya sendiri, Bernardo Strozzi dan Domenico Fetti bekerja.
Abad ke-17 dalam seni rupa Italia biasa disebut era Barok. Eksponennya yang paling cemerlang adalah Pietro da Cortona dari Romawi dan Luca Giordano dari Neapolitan. Gaya Barok memberikan dorongan yang kuat bagi berkembangnya lukisan lanskap, still life, dan genre.
Kecenderungan inovatif dalam seni lukis pada pergantian abad 17-18 terutama diungkapkan dengan jelas oleh Giuseppe Maria Crespi dan Alessandro Magnasco.
Periode yak terakhir dalam perkembangan seni rupa Italia dikaitkan dengan Venesia, yang pada abad ke-18 melahirkan seluruh galaksi pelukis brilian, seperti Giambattista Tiepolo, Sebastiano Ricci, Crosato, Pittoni, Canaletto, Bellotto, Francesco Guardi.
Lukisan Italia abad 19-20
Selama periode ini, Italia kehilangan posisi terdepan dalam seni rupa dan arsitektur Eropa, yang telah dipertahankannya selama empat abad.
Bagian ini dibuka dengan lukisan “Napoleon di Tahta” karya neoklasik terkenal Milan, Andrea Appiani. Giovanni Migliara dan Ippolito Caffi bekerja dalam genre lanskap perkotaan. Yang sangat menarik adalah sekelompok lukisan karya Giacinto Gigante, seorang ahli lanskap Neapolitan yang terkenal, yang diakuisisi oleh museum mulai pertengahan 1980-an.
