(タラ・リーバーの記事「自分の芸術的スタイルを見つける: 実践的なガイド」の翻訳 –
私たちの多くにとって、自分自身の認識できる芸術的スタイルを見つけることは非常に困難です。 そして、これは絵を描くのが初めての人だけでなく、経験豊富なアーティストにも影響します。
おそらく、先生からのさまざまな批判を思い出したり、さまざまなコースから受け取ったさまざまな考えられるアイデアやインスピレーションの膨大な数に迷ったりして、筆がキャンバスに触れる前から疑い始めているかもしれません。 あるいは、両方を同時に行うこともできます。
自分のスタイルを見つけたとき、素晴らしい気分になるのも不思議ではありません。
今日はわかりました 自分のスタイルを見つけて開発するためのいくつかの簡単な方法.
すべての人がそれを持っています。必要なのは、その人が自分自身を表現できるように手助けすることだけです。 私たちはそれを絶え間ない練習と訓練を通して培いますが、無意識の部分、つまり「手」を通してではなく心から来るものもあります。
この考え方は当然のことのように思えますが、この組み合わせによって、私たちは独自のスタイルの開発に取り組み始めることができます。 外部から受け取ったこのアイデアは、自分の創造性を探求し、自分のスタイルを見つけるところから始めるべきかについて、より明確なアイデアを与えてくれます。
以下に読む内容は、このトピックに関する包括的な情報を意図したものではありません。 これらは、あなたが自分の道を見つけるための出発点にすぎません。
最新の作品を、見やすいように置いてください。 質問に一貫して答え、途中での反応や観察に注意してください。 必要に応じて、メモを書くこともできます。
宝探しに出かけます！
一番の宝物はあなた自身の創造性です。
あなたが最も頻繁に描くものについて考えてみましょう
- あなたが絵を描くことに最も惹かれるテーマや主題は何ですか? 答えるのが難しい場合は、自分の絵や作品が入っているフォルダーを調べて答えを探してください。
個人的には、ストーリーの好みや、特定のトピックにどれくらいの頻度で取り組んでいるかを思い出すようにしています。 そして家のどこかに、この情報を書き留めたノートの紙があります。 そのため、絵を描く上で好きなトピックに関する質問に答えるのが難しいと感じたときは、自分自身またはこのシートの内側を見つめます。
なので、船を描くのが大好きなんです！ そして魚、人物、木々。
この段階では、お気に入りのトピックのリストが完全である必要はありません。 出発点としては、そのうちのいくつかを自分で強調するだけで十分です。
木をテーマにした実験と創造的な探求を込めた作品を集めました。 曲がりくねった線や輪郭線の描き方など、作品を繋ぐ共通点が見て取れます。
何色が好きですか？
- デフォルトのカラーパレットについて考えてみましょう。
- あなたの最新作では、繰り返される色の選択について何を教えてくれますか?
最近の私の作業用パレットには、アクア、ブルー、ネパールイエロー、蛍光ピンク、白が含まれており、これらにはジェッソアクリルプライマーを使用しています。 これにより、ダーク、ミッド、ハイライトの範囲が適切になります。 これらの色で遊ぶのが本当に楽しくて、現時点での私のニーズとニーズに完全に合っています。
そしてあなたはどうですか？
左が私の写真、右がそれを元に描いた絵です。 「私の」パレットの色と実験的なテクニックを使用しました。
あなたのスタイルの特徴は何ですか？
- グラフィックの線と大きな色の領域を扱うのどちらが好きですか?
- ブラシを使って作業するときに珍しいテクニックを使用するのは好きですか?
- それとも、スプレーするのに歯ブラシを使用したくないでしょうか?
- いわゆるパターンやデザインを作成するのが好きですか、それとも、より想像力と範囲を広げて仕事をすることを好みますか?
私のスタイルの特徴は輪郭線で、多くの場合不均一でぼやけていて、時には色が「汚い」です。 エゴン・シーレの作品からインスピレーションを受けています。 神経質な色のコントラストや洗練された柔軟なデザインも大好きです。
自分の創造性に満足感を与えてくれる、特に気に入っているテクニックやそれに近いテクニックを分析してください。 それらを発展させ、将来の作業でそれらを遵守してください。
ナッツ色のインクで描かれた魚の絵。 線を試してみましょう。
どのような技法や画材が好きですか?
- いくつかあるかもしれません。 何が一番好きですか？
私はオイルパステルを使うのが大好きです。 しかし、何よりも私はアクリルを使って作業し、その媒体を作品に使用するのが好きです。 これにより、絵の具の乾燥プロセスを制御し、結果を試すことができます。 すべてがすぐに乾くので、掃除も簡単です。
お気に入りのテクニックが 1 つあれば、その可能性をすべて探求し、スキルを向上させ、ひいては仕事全般を向上させることができることを意味します。
この作品では参考文献を使用しませんでした。 私のお気に入りの素材はアクリルとオイルパステルの 2 つだけです。
何があなたにインスピレーションを与えますか？
そこで、自分のスタイルを探すときに特に注意を払う必要がある主な問題について見てきました。 さて、少し話がそれて、他のアーティストの作品を見て、彼らから何を借りられるかを考えてみましょう。
前の 4 つの質問に答えた後でこれを行うことをお勧めします。 他のアーティストの作品を検討し、評価し始める前に、まず自分自身の創造性を理解する必要があります。
自分の作品の主な特徴を特定できたという自信がある場合は、自分のスタイルや世界観に似た他のアーティストの作品を見つけやすくなります。 彼らの仕事を評価し、自分の仕事やスタイルに追加したい機能を探すのが簡単になります。
視覚的な情報を収集して共有するように設計されています。 さまざまな写真、写真、画像の海があります。 いくつかの重要な質問をして、結果を見てください。
ある写真の興味深い構図、別の写真のカラーパレット、3 枚目のアーティストのスタイル、またはプロットなど、インスピレーションや興味を引くすべてのものを集めた (ピン留めしてください)、独自の個人用ボードを作成できます。 4分の1。
私の掲示板では他のアーティストの絵は集めていません。 彼らは私にインスピレーションを与えないので、私はこれをしません。 私はただ創作を始める瞬間に他のアーティストが描いたものから自由になって、自分自身の主題と解決策を探したいと思っています。
参考写真（描画用の写真ソース）は、これに部分的に役立ちます。 役に立つので、手元に置いておくか、インスピレーションを与えてくれる写真を Pinterest ボードに保存してください。
また、集めた写真をじっくり見ることで、今何が面白いのか、次に何をすればいいのかのヒントが必ず見えてきます。
そう、Pinterest はウサギの穴のようなものです。 どうしてもそれから抜け出せない場合は、タイマーをセットしてください。
左側は Pinterest の写真、右側はこの写真からインスピレーションを得た私の作品です。
初心者アーティストの間違い
絵画のスタイルと方向性スタイルやトレンドの数は、無限ではないにしても膨大です。 芸術のスタイルには明確な境界はなく、互いにスムーズに変化し、継続的に発展し、混合し、対立しています。 歴史的な芸術スタイルの枠組みの中で、常に新しい芸術スタイルが生まれ、それが次の芸術スタイルに受け継がれます。 多くのスタイルが同時に共存するため、「純粋なスタイル」は存在しません。
抽象主義 （ラテン語のabstractioから - 除去、気晴らし） - 現実に近い形の描写を放棄した芸術の芸術的方向性。
アバンギャルド、アバンギャルド （フランス語のアヴァンギャルド - 前衛から） - 20世紀の芸術における芸術運動の一般名。芸術的展示の新しい形式と手段の探求、伝統の過小評価または完全な否定、および芸術の絶対化によって特徴付けられます。革新。
アカデミズム （フランスのアカデミーより） - 16〜19世紀のヨーロッパ絵画の方向性。 それは古典芸術の外部形式への独断的な固執に基づいていました。 信奉者は、このスタイルを古代古代世界とルネッサンスの芸術形式の反映として特徴づけました。 アカデミズムは、美の規範を補いながら、自然のイメージを理想化した古代芸術の伝統を補完しました。 アンニーバレ、アゴスティーノ、ロドヴィコ・カラッチはこのスタイルで執筆しました。
アクション主義 （英語のアクション アート - アクションの芸術から） - ハプニング、パフォーマンス、イベント、プロセス アート、デモンストレーション アート、および 1960 年代の前衛芸術に現れたその他の形式。 アクション主義のイデオロギーに従って、アーティストはイベントとプロセスを組織する必要があります。 アクション主義は、芸術と現実の間の境界線を曖昧にしようとします。
エンパイアスタイル （フランス帝国から - Empire） - 19世紀初頭、ナポレオン・ボナパルトの第一帝政時代にフランスで生まれた建築と装飾芸術のスタイル。 エンパイアスタイルは古典主義の発展の最終段階です。 威厳、洗練、豪華さ、権力、軍事力を体現するために、エンパイア スタイルは、古代エジプトの装飾形態 (軍事トロフィー、翼のあるスフィンクスなど)、エトルリアの花瓶、ポンペイの絵画、ギリシャやローマの装飾など、古代芸術へのアピールを特徴としています。 、ルネサンスのフレスコ画と装飾品。 このスタイルの主な代表者はJ.L.デイヴィッド（絵画「ホラティウスの誓い」（1784年）、「ブルータス」（1789年））でした。
地下 （英語のアンダーグラウンドから - 地下、地下牢） - 大衆文化や主流と対比される現代美術における多くの芸術運動。 アンダーグラウンドは、社会的に受け入れられている政治的、道徳的、倫理的な方向性や行動の種類を拒否および違反し、反社会的な行為を日常生活に持ち込んでいます。 ソビエト時代には、体制の厳しさのため、ほとんどすべてが非公式でした。 当局に認められず、芸術はアンダーグラウンドなものとなった。
アール・ヌーボー （フランス語のアールヌーボーから、文字通り - 新しい芸術）は、多くの国（ベルギー、フランス、イギリス、アメリカなど）で一般的なアールヌーボースタイルの名前です。 このスタイルの絵画の最も有名な芸術家：アルフォンス・ミュシャ。
アールデコ （フランスのアールデコから、decolatifの略） - 構成主義に取って代わられた、前衛主義と新古典主義の統合を特徴とする20世紀半ばの芸術の方向性。 このトレンドの特徴は、疲労感、幾何学的なライン、豪華さ、シック、高価な素材（アイボリー、ワニ皮）です。 この運動の最も有名な芸術家はタマラ・デ・レンピッカ（1898-1980）です。
バロック（イタリアのバロッコから - 奇妙な、奇妙な、またはポートから。ペロラ・バロッカ - 不規則な形の真珠、この言葉の起源については他の仮定があります） - ルネサンス後期の芸術における芸術スタイル。 このスタイルの特徴は、誇張されたサイズ、破線、豊富な装飾ディテール、重量感と巨大さです。
ルネサンス、またはルネサンス（フランス語のルネサンス、イタリア語のリナシメントに由来）は、中世の文化に取って代わり、近代の文化に先立ったヨーロッパ文化の歴史の時代です。 この時代のおおよその年代順の枠組みは、14 世紀から 16 世紀です。 ルネッサンスの際立った特徴は、文化の世俗的性質とその人間中心主義（つまり、まず第一に、人間とその活動に対する関心）です。 古代文化への関心が現れ、いわばその「復活」が起こり、これがこの用語の出現方法です。 伝統的な宗教的なテーマの絵を描く一方で、芸術家は新しい芸術的手法を使い始めました。背景に風景を使用して 3 次元の構成を構築することで、画像をより現実的で生き生きとしたものにすることができました。 これにより、彼らの作品は、イメージの中に慣例に満ちた以前の図像の伝統とは明確に区別されました。 この時代の最も有名な芸術家：サンドロ・ボッティチェリ（1447-1515）、レオナルド・ダ・ヴィンチ（1452-1519）、ラファエル・サンティ（1483-1520）、ミケランジェロ・ブオナローティ（1475-1564）、ティツィアーノ（1477-1576）、アントニオ・コレッジョ（1489年 - 1534年）、ヒエロニムス・ボス（1450年 - 1516年）、アルブレヒト・デューラー（1471年 - 1528年）。
ウッドランド（英語から-forest land）は、北米インディアンの岩絵、神話、伝説の象徴性に由来する芸術のスタイルです。
ゴシック様式（イタリア語の gotico から - 珍しい、野蛮な）は、中世芸術の発展の一時期であり、文化のほぼすべての分野をカバーし、12 世紀から 15 世紀にかけて西ヨーロッパ、中央ヨーロッパ、一部東ヨーロッパで発展しました。 ゴシックはロマネスク文化の成果を基礎としてヨーロッパ中世美術の発展を完成させましたが、ルネサンス期には中世美術は「野蛮」とみなされました。 ゴシック芸術は目的においてはカルト的であり、テーマにおいては宗教的でした。 それは最高の神の力、永遠、そしてキリスト教の世界観を扱っていました。 ゴシックの発展過程では、初期ゴシック、全盛期、後期ゴシックに分けられます。
印象派（フランスの印象 - 印象から）は、19世紀半ばにフランスで生まれたヨーロッパ絵画の方向性であり、その主な目的は、つかの間の、変化しやすい印象を伝えることでした。
キッチュ、キッチュ（ドイツ語のキッチュ - 悪趣味に由来）は、大衆文化の最も不快な現象の 1 つを示す用語であり、疑似芸術の同義語であり、主な注意は外観の贅沢、大音量に払われます。その要素。 本質的に、キッチュはポストモダニズムの一種です。 キッチュはエリートのための大衆芸術です。 キッチュに属する作品は、高い芸術的レベルで作られ、魅力的なプロットを持っていなければなりませんが、これは高度な意味での本物の芸術作品ではなく、その巧妙な偽物です。 キッチュには深い心理的葛藤が含まれているかもしれませんが、真の芸術的な発見や啓示はありません。
古典主義（ラテン語のclassicusに由来 - 模範的な）は、芸術における芸術的なスタイルであり、その基礎は、理想的な美的基準として、古代芸術とルネッサンスのイメージと形式に訴えることであり、多くの規則の厳格な順守を必要としました。そしてカノン。
宇宙主義（ギリシャ語のコスモス-組織された世界、コスマ-装飾に由来）は、宇宙の知識と世界市民としての人の考え、そして大宇宙に似た小宇宙に基づいた芸術的かつ哲学的な世界観です。 。 宇宙主義は、宇宙に関する天文学的な知識と関連付けられています。
キュビスム（フランス語の立方体 - 立方体に由来）は、現実のオブジェクトを単純な幾何学的形状に分解して描いた芸術におけるモダニズム運動です。
レトリズム（英語の手紙 - 手紙、メッセージに由来）は、フォントに似た画像、読めないテキスト、および文字とテキストに基づいた構成の使用に基づいたモダニズムの傾向です。
メタリアリズム、形而上学的リアリズム（ギリシャ語のメタ-間とゲアリス-物質、現実から）は芸術の方向性であり、その主なアイデアは超意識、物事の超物理的な性質を表現することです。
ミニマリズム（英語のミニマルアート - ミニマルアートに由来）は、創造的なプロセスで使用される素材の最小限の変化、形のシンプルさと均一性、モノクロ、アーティストの創造的な自制に基づいた芸術運動です。 ミニマリズムは、主観性、表現、幻想主義の拒否によって特徴付けられます。 ミニマリストは、古典的な技術や伝統的な芸術的素材を拒否し、シンプルな幾何学的形状と中間色 (黒、グレー) の工業用および天然素材を少量使用し、連続的なコンベア方式の工業生産を使用します。
アール ヌーボー (フランス語のモダーンに由来 - 最新、現代的) は、さまざまな時代の芸術の特徴が、非対称性と装飾性の原則に基づいた芸術的手法を使用して再解釈され、様式化される芸術スタイルです。
新造形主義は、抽象芸術の初期の種類の 1 つです。 1917 年にオランダの画家 P. モンドリアンと「スタイル」協会のメンバーであった他の芸術家によって作成されました。 作成者によれば、新造形主義は「普遍的な調和」を求める欲求によって特徴付けられており、大きな長方形の図形を厳密にバランスよく組み合わせて表現し、黒の垂直線で明確に区切られ、主要なスペクトルの局所的な色（白を加えたもの）で描かれています。とグレートーン)。
原始主義、素朴な芸術、素朴 - 絵が意図的に単純化され、その形式が民俗芸術、子供または原始人の作品のように原始的に作られている絵画のスタイル。
オプアート（英語のオプティカルアート - オプティカルアートに由来）は、美術におけるネオアヴァンギャルドの方向性であり、空間の動き、融合、形の「浮遊」の効果が、シャープな色と色調のコントラスト、リズミカルな表現を導入することによって実現されます。繰り返し、螺旋と格子の交差、蠢く線。
オリエンタリズム（ラテン語の oriens - 東に由来）は、東とインドシナのテーマ、象徴、モチーフを使用するヨーロッパ美術の運動です。
オルフィスム (フランス語 orphisme、Orp?ee - Orpheus に由来) は、1910 年代のフランス絵画の運動です。 この名前は、1912 年にフランスの詩人アポリネールによって芸術家ロベール ドロネーの絵に付けられました。 オルフィスムはキュビズム、未来派、表現主義と関連しています。 このスタイルの絵画の主な特徴は、美学、可塑性、リズム、シルエットとラインの優雅さです。
オフィズムのマスター: ロバート・ドロネー、ソニア・ターク＝ドロネー、フランティセク・クプカ、フランシス・ピカビア、ウラジミール・バラノフ＝ロシネット、フェルナン・レジェ、モーガン・ラッセル。
ポップアート（英語のポップに由来 - 突然の音、軽い綿）は、美術における新前衛運動であり、現実は現代の都市化された生活の典型的な対象であり、大衆文化の例と人間を取り巻く人工物質環境全体です。 。
ポストモダニズム（フランスのポストモダニズムから - モダニズム以降）は、二次的な現実、物語、プロットへの魅力、メロディー、二次的な形式のハーモニーの美しさへの回帰においてモダニズムとは異なる新しい芸術スタイルです。 ポストモダニズムは、さまざまな時代、地域、サブカルチャーから借用したスタイル、比喩的なモチーフ、芸術的テクニックを 1 つの作品内で組み合わせることが特徴です。
リアリズム（ラテン語のgealisから - 物質的な、現実的な）は、社会的、心理的、その他の現象を可能な限り現実に近づけて描写することを特徴とする芸術の方向性です。
ロココ (フランス語のロココ、ロカイユに由来) は、18 世紀初頭にフランスで生まれた美術および建築のスタイルです。 彼は優雅さ、軽やかさ、そして親密で軽薄な性格によって際立っていました。 重厚なバロックに取って代わられたロココは、その発展の論理的な結果であり、芸術的な対極でもありました。 ロココは形式の完全性を求めるという点でバロック様式と一体化していますが、バロックが記念碑的な荘厳さに惹かれるのであれば、ロココは優雅さと軽やかさを好みます。
シンボリズム（フランス語のsymbolismeから - 記号、識別マーク）は、シンボルの多義的かつ多面的な連想美学を通じて作品の主なアイデアを具現化することに基づいた芸術における芸術運動です。
社会主義リアリズム、社会主義リアリズムは、社会主義社会の時代によって決定された、社会主義を意識した世界と人間の概念の美的表現である芸術における芸術運動です。
ハイパーリアリズム、スーパーリアリズム、フォトリアリズム（英語のハイパーリアリズムから - スーパーリアリズム） - 現実の正確な写真再現に基づいた芸術の方向性。
シュルレアリスム（フランス語のシュルレアリスム-オーバー+リアリズムから）はモダニズムの方向性の1つであり、その主なアイデアは潜在意識を表現することです（夢と現実を組み合わせる）。
トランスアヴァンギャルド（ラテン語のtrans - through、through、フランス語のavantgarde - avant-garde）は、コンセプチュアリズムとポップアートへの反応として生じたポストモダニズムの現代トレンドの1つです。 トランス・アヴァンギャルドは、キュビスム、フォービズム、未来派、表現主義など、前衛で生まれたスタイルの混合と変容を包含します。
表現主義（フランス語の表現 - 表現力に由来）は、外界のイメージを作者の主観的な状態を表現する手段としてのみ考慮する芸術におけるモダニズム運動です。
17世紀には、絵画のジャンルを「高級」と「低級」に分けることが導入されました。 最初のものには、歴史、戦闘、神話のジャンルが含まれていました。 2 番目には、日常生活からの絵画のありふれたジャンル、たとえば、日常ジャンル、静物画、動物の絵、肖像画、ヌード、風景が含まれていました。
歴史ジャンル
絵画の歴史ジャンルは、特定の物体や人物を描くのではなく、過去の時代の歴史の中で起こった特定の瞬間や出来事を描きます。 メインに含まれております 絵画のジャンル芸術で。 肖像画、戦闘、日常、神話のジャンルは、多くの場合、歴史と密接に絡み合っています。
「エルマックによるシベリア征服」 (1891-1895)
ヴァシリー・スリコフ
ニコラ・プッサン、ティントレット、ウジェーヌ・ドラクロワ、ピーター・ルーベンス、ヴァシリー・イワノビッチ・スリコフ、ボリス・ミハイロヴィチ・クストーディエフなど多くのアーティストが歴史ジャンルの絵画を描きました。
神話のジャンル
物語、古代の伝説や神話、民間伝承など、これらの主題、英雄、出来事の描写は、絵画の神話ジャンルにその地位を確立しています。 おそらく、各民族の歴史には伝説や伝統がたくさんあるので、どんな人の絵でも区別できるでしょう。 たとえば、戦争の神アレスと美の女神アフロディーテの秘密のロマンスなどのギリシャ神話のプロットは、イタリアの芸術家アンドレア・マンテーニャによる絵画「パルナッソス」に描かれています。
「パルナッソス」(1497)
アンドレア・マンテーニャ
絵画における神話はルネサンス時代にようやく形成されました。 このジャンルの代表者には、アンドレア・マンテーニャに加えて、ラファエル・サンティ、ジョルジョーネ、ルーカス・クラナッハ、サンドロ・ボッティチェッリ、ヴィクトル・ミハイロヴィチ・ヴァスネツォフなどがいます。
バトルジャンル
戦闘画には軍隊生活の場面が描かれています。 ほとんどの場合、海や陸の戦いだけでなく、さまざまな軍事作戦が描かれます。 そして、これらの戦いは多くの場合、現実の歴史から取られているため、ここでは戦闘と歴史のジャンルが交差します。
パノラマ「ボロジノの戦い」の断片（1912年）
フランツ・ルボー
戦闘画は、イタリア ルネサンス期にミケランジェロ ブオナローティ、レオナルド ダ ヴィンチ、そしてテオドール ジェリコー、フランシスコ ゴヤ、フランツ アレクセーヴィチ ルーボー、ミトロファン ボリソヴィチ グレコフ、その他多くの画家の作品によって具体化されました。
日常ジャンル
都市生活であろうと農民生活であろうと、普通の人々の日常生活、公的生活、または私生活の場面が、絵画の日常ジャンルで描かれます。 他の多くの人たちと同じように 絵画のジャンル、日常の絵画はそれ自体の形で見つかることはほとんどなく、肖像画または風景のジャンルの一部になります。
『楽器売り』（1652年）
カレル・ファブリキウス
日常絵画の起源は10世紀に東洋で起こり、ヨーロッパとロシアに伝わったのは17～18世紀になってからです。 ヤン・フェルメール、カレル・ファブリキウスとガブリエル・メツ、ミハイル・シバノフ、イワン・アレクセーヴィチ・エルメネフは、この時代の日常絵画の最も有名な芸術家です。
動物的なジャンル
動物ジャンルの主な対象は、野生と家畜の両方の動物と鳥、そして一般に動物界のすべての代表です。 動物画は 8 世紀に中国で初めて登場して以来、当初は中国絵画のジャンルの一部でした。 ヨーロッパでは、動物の絵がルネサンス期にのみ形成されました。当時の動物は人間の悪徳と美徳の具現化として描かれていました。
「草原の馬」(1649)
パウルス・ポッター
アントニオ・ピサネッロ、パウルス・ポッター、アルブレヒト・デューラー、フランス・スナイダース、アルバート・カイプは、美術における動物絵画の主な代表者です。
静物
静物画のジャンルでは、人生の中で人の周囲にある物体が描かれます。 これらは、1 つのグループに結合された無生物です。 このようなオブジェクトは、同じ属に属する場合もあります (たとえば、果物のみが図に描かれている) 場合もあれば、異なる場合もあります (果物、食器、楽器、花など)。
「籠の中の花、蝶と蜻蛉」（1614年）
アンブロシウス・ボスハート・ザ・エルダー
独立したジャンルとしての静物画は 17 世紀に形を現しました。 フランドル派とオランダ人の静物画派は特に優れています。 写実主義からキュビズムまで、さまざまなスタイルの代表者がこのジャンルの絵画を描きました。 最も有名な静物画のいくつかは、アンブロシウス ボシャールト長老、アルベルトゥス ジョナ ブラント、ポール セザンヌ、フィンセント ファン ゴッホ、ピエール オーギュスト ルノワール、ウィレム クラエス ヘダなどの画家によって描かれました。
肖像画
肖像画は絵画のジャンルの 1 つであり、美術の中で最も一般的なものの 1 つです。 絵画における肖像画の目的は人物を描写することですが、その外見だけではなく、描かれている人物の内面の感情や気分を伝えることも目的としています。
ポートレートには、単体、ペア、グループのほか、セルフポートレートがあり、別のジャンルとして区別されることもあります。 そして、史上最も有名な肖像画は、おそらく、誰もが「モナ・リザ」として知っているレオナルド・ダ・ヴィンチの「リサ・デル・ジョコンド夫人の肖像」と呼ばれる絵画でしょう。
「モナ・リザ」 (1503-1506)
レオナルド・ダ・ヴィンチ
最初の肖像画は数千年前の古代エジプトに登場しました。これらはファラオの肖像画でした。 それ以来、古今東西のほとんどのアーティストが何らかの形でこのジャンルに挑戦してきました。 肖像画と歴史的絵画ジャンルは重複することもあります。歴史上の偉大な人物のイメージは歴史的ジャンルの作品とみなされますが、同時に肖像画としてその人物の外見と性格を伝えます。
ヌード
ヌード ジャンルの目的は、裸の人体を描くことです。 ルネサンス時代はこのタイプの絵画の出現と発展の瞬間と考えられており、当時の絵画の主な対象は、時代の美しさを体現する女性の体になることが最も多かったです。
「田舎の音楽会」（1510年）
ティツィアーノ
ティツィアーノ、アメデオ モディリアーニ、アントニオ ダ コレッジョ、ジョルジョーネ、パブロ ピカソは、ヌード画を描いた最も有名な芸術家です。
景色
風景ジャンルの主なテーマは、都市、田舎、荒野などの自然、環境です。 最初の風景は古代、宮殿や寺院を描いたり、ミニチュアやアイコンを作成したりするときに現れました。 風景は 16 世紀に独立したジャンルとして出現し始め、それ以来最も人気のあるジャンルの 1 つになりました。 絵画のジャンル.
それは、ピーター・ルーベンス、アレクセイ・コンドラチェヴィチ・サブラソフ、エドゥアール・マネから始まり、アイザック・イリイチ・レヴィタン、ピエト・モンドリアン、パブロ・ピカソ、ジョルジュ・ブラック、そして21世紀の多くの現代芸術家に至るまで、多くの画家の作品に存在しています。
『黄金の秋』（1895年）
アイザック・レヴィタン
風景画の中でも、海や都市の風景などのジャンルに分けることができます。
ヴェドゥタ
ヴェドゥタは風景であり、その目的は都市の外観を描写し、その美しさと風味を伝えることです。 その後、産業の発展に伴い、都市景観は産業景観へと変化していきます。
「サンマルコ広場」（1730年）
カナレット
カナレット、ピーテル・ブリューゲル、フョードル・ヤコヴレヴィチ・アレクセーエフ、シルベスター・フェオドシエヴィチ・シチェドリンの作品を知ることで、都市の風景を鑑賞することができます。
マリーナ
海の風景、またはマリーナは、海の要素の性質、その雄大さを描写します。 世界で最も有名な海洋画家はおそらくイワン・コンスタンティノヴィチ・アイヴァゾフスキーでしょう。彼の絵画「第九の波」はロシア絵画の傑作と言えます。 マリーナの全盛期は、景観そのものの発展と同時に起こりました。
「嵐の中の帆船」(1886)
ジェームズ・バターズワース
葛飾北斎、ジェームズ・エドワード・バターズワース、アレクセイ・ペトロヴィッチ・ボゴリュボフ、レフ・フェリクソヴィッチ・ラゴリオ、ラファエル・モンレオン・トーレスも海の風景で有名です。
芸術における絵画ジャンルがどのように発生し発展したかについてさらに詳しく知りたい場合は、次のビデオをご覧ください。
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絵画はおそらく最も古い芸術形式です。 原始の時代でも、私たちの祖先は洞窟の壁に人や動物の像を描きました。 これらは最初の塗装例です。 それ以来、この種の芸術は常に人間の生活の伴侶であり続けています。 今日の絵画の例は数多くあり、多様です。 私たちはこのタイプのアートを可能な限りカバーし、その中の主なジャンル、スタイル、トレンド、テクニックについて話します。
塗装技術
まずは基本的な塗装テクニックを見ていきましょう。 最も一般的なものの 1 つは、 油。 油性塗料を使用した技法です。 これらのペイントはストロークで適用されます。 彼らの助けを借りて、さまざまな色合いを作成できるだけでなく、必要な画像を最大限のリアリズムで伝えることができます。
テンペラ- もう一つの人気のあるテクニック。 エマルジョン塗料を使用する場合の話です。 これらの絵の具の結合剤は卵または水です。
ガッシュ- グラフィックスで広く使用されている技術。 ガッシュ絵の具は粘着性のベースで作られています。 ボール紙、紙、骨、絹などの加工に使用できます。 画像は耐久性があり、線は鮮明です。 パステル- 乾いた鉛筆で描く技法なので、表面はザラザラしている必要があります。 そしてもちろん、水彩画についても言及する価値があります。 この塗料は通常水で希釈します。 この技術を使用すると、柔らかくて薄いペイントの層が得られます。 特に人気 もちろん、ペイントで最も頻繁に使用される主なテクニックのみをリストしました。 他にもあります。
絵は通常何に描かれますか? 最も人気のある絵画はキャンバスに描かれたものです。 フレームに張り付けるか、ボール紙に貼り付けます。 過去には木の板が頻繁に使用されていたことに注意してください。 今日では、キャンバスに絵を描くことだけが人気ではなく、他の平らな素材を使用してイメージを作成することもできます。
塗装の種類
イーゼルと記念碑的な絵画の 2 つの主なタイプがあります。 後者は建築に関係するものです。 このタイプには、建物の天井や壁をペイントしたり、モザイクやその他の素材で作られた画像、ステンドグラスの窓などで装飾したりすることが含まれます。 イーゼル絵画は特定の建物に関連付けられていません。 場所から場所へ移動することができます。 イーゼル絵画にはさまざまな種類（ジャンルとも呼ばれます）があります。 それらをさらに詳しく見てみましょう。
絵画のジャンル
「ジャンル」という言葉の語源はフランス語です。 「属」、「種」と訳されます。 つまり、ジャンルの名前の下には、ある種のコンテンツがあり、その名前を発音することで、その写真が何についてのものであるか、その中に何が見つかるか（人間、自然、動物、物体など）を理解します。
肖像画
絵画の最も古いジャンルは肖像画です。 これは、他の誰にも似ていない、自分自身だけに似ている人のイメージです。 つまり、肖像画とは、私たち一人ひとりが個性的な顔を持っているので、その個人の姿を絵画に描いたものなのです。 このジャンルの絵画には独自の種類があります。 肖像画は全身、胸までの長さ、または片方の顔だけを描くこともできます。 芸術家は他の人からコピーすることなく、たとえば「一般的な人物」を作成できるため、人物のすべての画像が肖像画であるわけではないことに注意してください。 しかし、人類の特定の代表を描くとき、彼は特に肖像画に取り組みます。 言うまでもなく、このジャンルの絵画の例は数多くあります。 しかし、以下に示されている肖像画は、我が国のほぼすべての居住者に知られています。 私たちはキプレンスキーによって1827年に作成されたA.S.プーシキンのイメージについて話しています。
このジャンルに自画像を追加することもできます。 この場合、アーティストは自分自身を描いています。 カップルの肖像画があり、写真にはペアで人々が写っています。 そして、人々のグループが描かれている場合のグループポートレート。 儀式用の肖像画にも注目できますが、その一種は馬術的なもので、最も厳粛なものの 1 つです。 昔はとても人気がありましたが、今ではこのような作品は少なくなりました。 ただし、次に説明するジャンルはいつでも関連します。 私たちは何について話していますか？ これは、絵画を特徴づけるときにまだ名前を付けていないジャンルを検討することで推測できます。 静物画もそのひとつです。 これは、絵画について引き続き見ていきたいと思います。
静物
この言葉もフランス語由来で、「死んだ自然」を意味しますが、より正確には「無生物の自然」という意味になります。 静物画は無生物のイメージです。 それらは非常に多様です。 静物画には「生きた自然」も描かれていることに注意してください。花びらの上で静かに佇む蝶、美しい花、鳥、そして時には自然の贈り物の中に人間の姿が見えることもあります。 ただし、この場合、生き物のイメージはアーティストにとって最も重要なものではないため、これは依然として静物画になります。
景色
ランドスケープもフランス語で「田舎の景色」を意味します。 それはドイツの「風景」の概念に似ています。 風景は、多様性に富んだ自然のイメージです。 このジャンルには、建築風景と、一言で「マリーナ」と呼ばれる非常に人気のある海の風景が加わり、そこで活動するアーティストは海洋画家と呼ばれます。 I.K.アイヴァゾフスキーの作品には、海景のジャンルの絵画の多くの例が見られます。 そのうちの1つは1873年の「レインボー」です。
この絵は油絵で描かれているため、実行するのは困難です。 しかし、水彩で風景を描くことはまったく難しいことではないので、学校の絵の授業では、この課題が私たち一人一人に与えられました。
動物的なジャンル
次のジャンルは動物的です。 ここではすべてがシンプルです - これは自然の中の鳥や動物の自然環境のイメージです。
日常ジャンル
日常ジャンルは、人生の場面、日常生活、面白い「事件」、家庭生活、そして普通の環境にいる普通の人々の物語を描いたものです。 または、ストーリーを使わずに、日常の活動や出来事を記録するだけでも構いません。 このような絵画は風俗画と呼ばれることもあります。 例として、ファン ゴッホによる上記の作品 (1885 年) を見てみましょう。
歴史ジャンル
絵画のテーマはさまざまですが、歴史的なジャンルは別個に際立っています。 これは歴史上の英雄や出来事を描いたものです。 戦闘ジャンルもそれに隣接しており、戦争と戦闘のエピソードが描かれています。
宗教と神話のジャンル
神話のジャンルでは、神や英雄に関する古代や古代の物語をテーマに絵画作品が書かれています。 この画像は世俗的な性質のものであり、この点で、アイコンに示されている神の画像とは異なることに注意する必要があります。 ところで、宗教画はイコンだけではありません。 宗教的なテーマについて書かれたさまざまな作品が集められています。
ジャンルの衝突
ジャンルの内容が豊富であればあるほど、その「仲間」の数も多くなります。 ジャンルが融合することもあるので、どのジャンルの枠にも収まらない絵も存在します。 芸術には、一般的（技術、ジャンル、スタイル）と個別的（個別の特定の作品）の両方があります。 別の写真にも共通点があります。 したがって、多くの芸術家が同じジャンルを持っていても、そこに描かれる絵は決して似ていません。 絵画の文化にはそのような特徴があります。
スタイル
スタイルは絵画の視覚的認識の側面です。 1 人のアーティストの作品、または特定の時代、運動、流派、地域のアーティストの作品を組み合わせることができます。
学術絵画と写実主義
学術絵画は特別な方向性であり、その形成はヨーロッパの芸術アカデミーの活動に関連しています。 それは 16 世紀にボローニャ アカデミーに登場し、人々はそこからルネサンスの巨匠を模倣しようとしました。 16 世紀以降、絵画の指導方法は、正式なパターンに従って規則や規則を厳守することに基づいて行われるようになりました。 パリの芸術はヨーロッパで最も影響力のある芸術の一つと考えられていました。 彼女は、17 世紀にフランスを席巻した古典主義の美学を推進しました。 パリアカデミー？ 教育の体系化に貢献したことで、古典的な方向性のルールが徐々に教義に変わっていきました。 したがって、学術絵画は特別な方向になりました。 19 世紀におけるアカデミズムの最も顕著な表現のいくつかは、J. L. ジェローム、アレクサンドル カバンネル、J. アングルの作品でした。 古典的な規範が現実的な規範に置き換えられたのは、19 世紀から 20 世紀の変わり目になってからです。 20世紀初頭にアカデミーにおける基本的な教育方法となり、独断的な体系となったのはリアリズムでした。
バロック
バロックは、貴族主義、コントラスト、ダイナミックなイメージ、豊かさ、緊張感、ドラマ、贅沢、現実と幻想の融合を描く際のシンプルなディテールを特徴とする芸術のスタイルと時代です。 このスタイルは 1600 年にイタリアで登場し、ヨーロッパ全土に広がりました。 カラヴァッジョとルーベンスはその最も著名な代表者です。 バロックはよく表現主義と比較されますが、後者とは異なり、あまり反発的な効果はありません。 今日のこのスタイルの絵画は、線の複雑さと装飾の豊富さが特徴です。
キュービズム
キュビズムは、20世紀に現れた前衛芸術運動です。 その作者はパブロ・ピカソです。 キュビズムはヨーロッパの彫刻と絵画に真の革命をもたらし、建築、文学、音楽においても同様の運動の創造を促しました。 このスタイルの絵画は、抽象的な形をした、壊れたオブジェクトを再結合することによって特徴付けられます。 それらを描く際には、多くの視点が使用されます。
表現主義
表現主義は、20 世紀前半にドイツに現れた現代美術のもう 1 つの重要な運動です。 当初は詩と絵画のみを対象としていましたが、その後芸術の他の分野にも広がりました。
表現主義者は世界を主観的に描写し、より大きな感情的効果を生み出すために現実を歪めます。 彼らの目標は、視聴者に考えさせることです。 表現主義における表現はイメージよりも優先されます。 多くの作品が苦痛、痛み、苦しみ、叫びのモチーフを特徴としていることに注目してください（上で紹介したエドヴァルド・ムンクの作品は「叫び」と呼ばれています）。 表現主義の芸術家は物質的な現実にはまったく興味がありません。彼らの絵画は深い意味と感情的な経験に満ちています。
印象派
印象派は、スタジオではなく主に外光 (屋外) で作業することを目的とした絵画のスタイルです。 その名前は、下の写真に示されているクロード・モネの絵画「印象、日の出」に由来しています。
「印象」は英語でimpressionです。 印象派の絵画は主に芸術家の光の感覚を伝えます。 このスタイルでの絵画の主な特徴は次のとおりです。 かろうじて見える、細いストローク。 正確に伝わる照明の変化（時間の経過の影響に注目が集まることが多い）。 オープンな構成。 シンプルな共通の目標。 人間の経験と認識の重要な要素としての動き。 印象派などの運動の最も著名な代表者は、エドガー・ドガ、クロード・モネ、ピエール・ルノワールです。
モダニズム
次の方向性はモダニズムです。モダニズムは、19 世紀後半から 20 世紀初頭にさまざまな芸術分野で一連の傾向として始まりました。 パリの「拒絶された人々のサロン」は 1863 年にオープンしました。 公式サロンへの入場を許可されなかったアーティストがここで展示しました。 この日は、芸術における独立した運動としてモダニズムが出現した日と考えることができます。 そうでなければ、モダニズムは「もう一つの芸術」と呼ばれることもあります。 彼の目標は、他の人とは違うユニークな絵画を作成することです。 作品の最大の特徴は作者の独特な世界観です。
芸術家たちは作品の中でリアリズムの価値観に反抗しました。 自己認識はこの方向性の顕著な特徴です。 これは多くの場合、形式の実験や抽象化の傾向につながります。 モダニズムの代表者は、使用される素材と作業プロセスに特別な注意を払っています。 その最も著名な代表者の中には、ヘンリー・マティス (1908 年の彼の作品「赤い部屋」が上に示されています) とパブロ・ピカソが考えられています。
新古典主義
新古典主義は、18 世紀半ばから 19 世紀末まで北ヨーロッパの絵画の主要な方向でした。 古代ルネサンスや古典主義の時代への回帰が特徴です。 建築、芸術、文化の観点から見ると、浅薄で大げさな芸術スタイルとして認識されていたロココへの反応として、新古典主義が登場しました。 新古典主義の芸術家は、教会法についての十分な知識のおかげで、規範を作品に導入しようとしました。 ただし、古典的なモチーフやテーマを単純に再現することは避けました。 新古典主義の芸術家は、自分たちの絵画を伝統の枠組みの中に配置し、このジャンルの熟練を実証しようとしました。 この点における新古典主義は、即興演奏や自己表現が美徳とされるモダニズムとは真っ向から対立します。 最も有名な代表者には、ニコラ プッサンやラファエロが含まれます。
ポップアート
最後に検討する方向性はポップアートです。 英国では前世紀の 50 年代半ばに、アメリカでは 50 年代後半に登場しました。 ポップアートは、当時支配的だった抽象表現主義の考えへの反応として生まれたと考えられています。 この方向性について言えば、2009 年に彼の絵画の 1 つである「8 つのエルヴィス」が 1 億ドルで落札されたことに触れないことはできません。
この記事では、20 世紀の主なアート スタイルについて簡単に説明します。 アーティストとデザイナーの両方にとって、知っておくと役立ちます。
モダニズム（フランス語モダンモダンより）
芸術における、19 世紀後半に新しい形の創造性の形で確立された芸術的傾向の総称。そこではもはや自然や伝統の精神に従うことではなく、自由な視線が広まっていました。個人的な印象、内なる観念、または神秘的な夢に従って、自分の裁量で目に見える世界を自由に変えることができるマスターのようなものでした（これらの傾向は主にロマン主義の系譜を引き継いでいました）。 その最も重要で、しばしば活発に相互作用していた方向性は、印象主義、象徴主義、モダニズムであった。ソビエトの批評では、「モダニズム」の概念は、社会主義リアリズムの規範に対応しない 20 世紀の芸術のすべての運動に非歴史的に適用された。
抽象主義「ゼロ・フォームズ」の記号の下にある芸術、非客観的芸術）は、20世紀前半の芸術において形成された芸術的方向性であり、目に見える現実の世界の形式の再現を完全に放棄しています。 抽象芸術の創始者は次のように考えられています。 V. カンディンスキー、P. モンドリアンとK・マレーヴィッチ。 V. カンディンスキーは、印象派と「野生の」汚れを客観性の兆候から解放し、独自のタイプの抽象絵画を作成しました。 ピエト・モンドリアンは、セザンヌやキュビスムによって始められた自然の幾何学的な様式化を通じて、自らの非客観性に到達しました。 抽象主義を中心とした20世紀のモダニズム運動は、伝統的な原則から完全に逸脱し、リアリズムを否定しますが、同時に芸術の枠組みの中に留まり続けます。 芸術の歴史は、抽象芸術の出現により革命を経験しました。 しかし、この革命は偶然に起こったのではなく、ごく自然に、そしてプラトンによって予言されていました。 晩年の著作『フィレブス』の中で、彼は目に見える物の模倣や模倣から独立した、線、面、空間形態そのものの美しさについて書きました。 プラトンによれば、この種の幾何学的な美しさは、自然の「不規則な」形の美しさとは異なり、相対的なものではなく、無条件で絶対的なものです。
未来主義- 1910 年代の芸術における文学および芸術運動。 未来の芸術のプロトタイプの役割を自らに割り当てた未来主義は、その主なプログラムとして文化的な固定観念を破壊するという考えを提唱し、その代わりに現在と未来の主な兆候としてのテクノロジーと卑劣さへの謝罪を提示した。 。 未来派の重要な芸術的アイデアは、現代生活のペースの主な兆候としての動きの速度の造形的表現の探求でした。 ロシア版の未来主義はキュボ未来主義と呼ばれ、フランスのキュビスムの造形原理と未来主義のヨーロッパの一般的な美的インスタレーションの組み合わせに基づいていました。 アーティストたちは、交差、変化、衝突、形の流入を利用して、現代人、つまり都市生活者の印象の断片的な多様性を表現しようとしました。
キュービズム- 「ルネサンス以来、最も完全で根本的な芸術革命」（J. ゴールディング）。 アーティスト: ピカソ・パブロ、ジョルジュ・ブラック、フェルナン・レジェ ロベール・ドロネー、フアン・グリ、グレーズ・メッツィンガー。 キュビズム - (フランス語の cubisme、cube - cube から) 20 世紀の第 1 四半期の芸術の方向性。 キュビスムの可塑的言語は、幾何学的平面上の物体の変形と分解、つまり形状の可塑的変化に基づいていました。 多くのロシアの芸術家はキュビスムに魅了され、その原則を他の現代芸術トレンド、つまり未来派や原始主義のテクニックと組み合わせることがよくありました。 ロシアの土壌におけるキュビスムの解釈の特定のバージョンは、キュボフューチャリズムになりました。
純粋主義- (フランス語 purisme、ラテン語 purus - 純粋に由来) 1910 年代後半から 20 年代のフランス絵画における運動。 主な代表者はアーティストです A.オザンファンそして建築家 S.E.ジャンヌレ (ル・コルビュジエ)。 1910年代のキュビズムやその他の前衛的な運動の装飾的傾向と、彼らが受け入れた自然の変形を拒否し、純粋主義者たちは、あたかも詳細を「浄化」したかのように、安定した簡潔なオブジェクトの形式を、合理主義的に秩序だったものとして、自然の描写に移そうと努めました。 「主要な」要素。 純粋主義者の作品は、平坦性、軽いシルエットの滑らかなリズム、そして同様の物体（水差し、グラスなど）の輪郭を特徴としています。 イーゼル形式で開発されることなく、大幅に再考された純粋主義の芸術的原則は、主にル・コルビュジエの建物などの近代建築に部分的に反映されました。
セレリアリズム- 1924 年にフランスで起こり、1969 年に正式にその存在を終了した、文学、絵画、映画における国際的な運動。 それは現代人の意識形成に大きく貢献しました。 この運動の中心人物は、 アンドレ・ブルトン- 作家、運動のリーダー、そしてイデオロギーの触発者、 ルイ・アラゴン- シュルレアリスムの創始者の一人で、後に奇妙な方法で共産主義の歌手に転身した。 サルバドール・ダリ- 芸術家、理論家、詩人、脚本家、「シュルレアリスムは私だ!」という言葉でこの運動の本質を定義した、非常にシュールな映画製作者 ルイス・ブニュエル、 アーティスト ジョアン・ミロ- ブルトンや世界中の多くの芸術家がそれを呼んだように、「シュルレアリスムの帽子にある最も美しい羽根」。
フォービズム（フランス語の「レ・フォーヴ - 野生（動物）」より） 初期の絵画における地元の方向性。 XX世紀 F.という名前は、パリの若い芸術家のグループに嘲笑的に割り当てられました（ A. マティス、A. ドラン、M. ヴラマンク、A. マルケ、E.O. フリーズ、J. ブラック、A.Sh. マンゲン、K. ヴァン ドンゲン）は、1905 年に最初の展示会を開催した後、1905 年から 1907 年にかけて多くの展示会に共同参加しました。この名前はグループ自体に採用され、その地位をしっかりと確立しました。 しかし、この運動には明確に策定されたプログラム、マニフェスト、または独自の理論はなく、長くは続かず、芸術の歴史に顕著な足跡を残しました。 当時の参加者は、非常に明るいオープンカラーのみを使用して芸術的なイメージを作成したいという願望によって団結していました。 ポスト印象派の芸術的成果の発展 ( セザンヌ、ゴーギャン、ゴッホ）、印象派の時代からフランスの芸術界で人気のある中世美術（ステンドグラス、ロマネスク美術）と日本の彫刻のいくつかの正式な技術に依存し、フォーヴィストは絵画の色彩の可能性を最大限に活用しようとしました。
表現主義（フランス語の表現-表現力から）-20世紀の最初の3分の1、主にドイツでの西ヨーロッパ美術におけるモダニズム運動。第一次世界大戦前夜の特定の歴史的時期に現れました。 表現主義のイデオロギー的基盤は、醜い世界、人間の世界からの疎外の増大、ホームレスの感覚、崩壊、そしてヨーロッパ文化がしっかりと拠り所にあると思われる原則の崩壊に対する個人主義的な抗議でした。 表現主義者は神秘主義と悲観主義への親和性を特徴としています。 表現主義に特徴的な芸術的手法：幻想的な空間の拒否、オブジェクトのフラットな解釈への欲求、オブジェクトの変形、鋭くカラフルな不協和音への愛、終末論的なドラマを含む特別なカラーリング。 アーティストは創造性を感情を表現する方法として認識していました。
至上主義（ラテン語の supremus から - 最高の、最も高い、最初の、最後の、極端な、ポーランド語の supremacja - 優越性、至高性を経て） 20 世紀の最初の 3 分の 1 の前衛芸術の方向性、その創造者、主な代表者、理論家。ロシアの芸術家だった カジミール・マレーヴィチ。 この用語自体はシュプレマティズムの本質を反映していません。 実際、マレーヴィチの理解では、これは評価上の特徴です。 シュプレマティズムは、芸術外のすべてからの解放の道、非客観的なものを芸術の本質として究極的に特定する道を歩む、芸術の発展の最高段階です。 この意味で、マレーヴィチは原始的な装飾芸術を至上主義（または「至上主義」）であると考えました。 彼は最初にこの用語を、ペトログラードの未来派展覧会「ゼロ」で展示された、白地に有名な「黒い正方形」、「黒い十字架」などを含む、幾何学的な抽象を描いた大きな絵画群（39 枚以上）に適用しました。 1915 年の「10」 g. シュプレマティズムという名前の由来となったのは、これらおよび同様の幾何学的抽象でしたが、マレーヴィチ自身は 20 年代の作品の多くをシュプレマティズムに帰したものであり、外見上は特定の物体、特に人物像がいくつか含まれていましたが、保存されていました。 「至上主義の精神」。 そして実際、マレーヴィチのその後の理論的発展は、シュプレマティズムを（少なくともマレーヴィチ自身によって）幾何学的な抽象化のみに還元する根拠を与えてはいないが、もちろんそれらはシュプレマティズムの核心、本質、さらには（白黒と白黒）を構成している。白人至上主義）は、絵画を芸術の形式として一般にその存在の限界、つまり絵画的なゼロに持ち込み、それを超えるともはや絵画自体が存在しません。 この道は、世紀後半にも、筆、絵の具、キャンバスを放棄する芸術活動の多くの傾向によって継続されました。
ロシア アバンギャルド 1910 年代はかなり複雑な状況を示しています。 スタイルやトレンドの急速な変化、それぞれが独自の創造性の概念を宣言した多数のアーティストのグループや団体が特徴です。 今世紀初頭に同様のことがヨーロッパ絵画でも起こりました。 しかし、スタイルの混合、トレンドと方向性の「混乱」は、新しい形式への動きがより一貫していた西洋では知られていませんでした。 若い世代の巨匠の多くは、スタイルからスタイルへ、舞台から舞台へ、印象派からモダニズムへ、そして原始主義、キュビスム、または表現主義へと、多くの段階を経て驚異的なスピードで移行しましたが、これはフランスやドイツの絵画の巨匠にとってはまったく異例でした。 。 ロシア絵画で発展した状況は主にこの国の革命前の雰囲気によるものでした。 それは、ヨーロッパの芸術全般に内在する多くの矛盾を悪化させました。 ロシアの芸術家はヨーロッパのモデルから学び、さまざまな流派や芸術運動に精通していました。 このように、芸術生活におけるロシア独特の「爆発」は歴史的な役割を果たした。 1913年までに、新たなフロンティアと地平に到達したのはロシア芸術でした。 非客観性というまったく新しい現象が現れました。フランスのキュビストがそれを超えることを敢えてしなかった一線です。 カンディンスキー V.V.、ラリオノフ M.F.、マレーヴィチ K.S.、フィロノフ P.N.、タトリン V.E. など、次々とこの一線を越えていきます。
キュボ未来主義 20世紀初頭のロシア・アヴァンギャルド（絵画と詩）における地域的な方向性。 美術では、絵画の発見、キュビズム、未来主義、ロシアの新原始主義の再考に基づいて立方未来主義が生まれました。 主な作品は 1911 年から 1915 年にかけて制作されました。 キューボ未来派の最も特徴的な絵画は K. マレーヴィチの筆によるもので、ブルリューク、プニ、ゴンチャロワ、ロザノワ、ポポワ、ウダルツォワ、エクステルによっても描かれました。 マレーヴィチの最初の立方体未来主義の作品は、1913 年の有名な展覧会で展示されました。 ラリオノフのレイイズムもデビュー作となった「ターゲット」。 外観上、立方体未来派の作品は、同時期に作成された F. レジェの作品を反映しており、円筒形、円錐形、フラスコ形、貝殻形の中空の体積のある色付きの形で構成される半客観的な作品であり、多くの場合金属光沢を持っています。 マレーヴィチの最初の同様の作品ではすでに、機械の世界の自然なリズムから純粋に機械的なリズムへの移行の傾向が顕著です（「大工」、1912年、「グラインダー」、1912年、「クリューンの肖像」、1913年） 。
新生物主義- 抽象芸術の初期の種類の 1 つ。 1917 年にオランダの画家 P. モンドリアンと「スタイル」協会のメンバーであった他の芸術家によって作成されました。 作成者によれば、新造形主義は「普遍的な調和」を求める欲求によって特徴付けられており、大きな長方形の図形を厳密にバランスよく組み合わせて表現し、黒の垂直線で明確に区切られ、主要なスペクトルの局所的な色（白を加えたもの）で描かれています。とグレートーン)。 新造形主義 (Nouvelle plastique) この用語は 20 世紀にオランダで登場しました。 ピエト・モンドリアン彼らのために彼のプラスチック概念を定義し、システムとして構築され、1917年にライデンで設立されたグループと雑誌「スタイル」（「デ・スティジ」）によって擁護されました。新造形主義の主な特徴は、表現手段の厳密な使用でした。 フォームを構築するために、新造形主義では水平線と垂直線のみが許可されます。 線は直角に交差することが第一原則です。 1920 年頃、これに 2 番目のものが追加されました。これは、ブラシストロークを削除し、平面を強調することにより、色を赤、青、黄色に制限しました。 白と黒だけを加えた純粋な三原色。 この厳密さの助けを借りて、新造形主義は普遍主義を達成するために個別性を超え、それによって新しい世界像を創造することを意図しました。
正式な「洗礼」 オルフィスム批評家のロジャー・アラードは、サロンに関する報告書の中で次のように書いています。「...将来の歴史家のために、1913年に新しいオルフィズム学派が誕生したことを記しておきます...」(「ラ・コート」) 」 1913年3月19日パリ）。 別の批評家アンドレ・ヴァルノーも同様の意見を述べ、「1913年のサロンは、オルフェック派の新しい学派の誕生によって特徴付けられた」（「コモディア」パリ、1913年3月18日）と述べた。 ついに ギョーム・アポリネール彼は誇りを持っていないわけではないが、こう叫んでこの声明を強調した。「これはオルフィズムだ。 私が予測したこの方向が現れたのはこれが初めてである」（1913年3月18日の「モンジョワ！」パリ付録）。 まさに、この言葉が生まれたのは、 アポリネール（オルフェウス崇拝としてのオルフィズム）そして、1912 年 10 月に行われた現代絵画についての講義中に初めて公に述べられました。彼はどういう意味でしたか? どうやら本人も知らなかったようだ。 さらに、この新しい方向性の境界をどのように定義すればよいのかもわかりませんでした。 実際、今日まで広がっている混乱は、もちろん相互に関連する 2 つの問題をアポリネールが無意識のうちに混同したことが原因ですが、それらを結び付けようとする前に、それらの違いを強調するべきでした。 一方で、創造 ドロネー完全に色彩に基づいた絵画的表現手段、そしてその一方で、いくつかの異なる方向性の出現によるキュビズムの拡大。 1912年の夏の終わりにマリー・ローランサンと別れた後、アポリネールはドロネー家に身を寄せ、グラン・オーギュスタン通りの工房で友好的な理解で彼を受け入れた。 ちょうどこの夏、ロバート・ドロネーと彼の妻は、色のコントラストの構築的かつ時空間的な性質のみに基づいて、後に彼が絵画の「破壊的な時代」と呼んだ時期につながる、深遠な美的進化を経験しました。
ポストモダニズム（ポストモダン、ポストアヴァンギャルド） -
（ラテン語のポスト「後」とモダニズムから）は、1960年代に特に明確になり、モダニズムと前衛の立場の根本的な修正を特徴とする芸術的傾向の総称です。
抽象表現主義戦後（20 世紀の 40 年代後半から 50 年代）の抽象芸術の発展段階。 この用語自体は 20 年代にドイツの美術評論家によって導入されました。 E・フォン・シドー (E. von Sydow) 表現主義芸術の特定の側面に言及します。 1929年、アメリカ人のバーはカンディンスキーの初期の作品を特徴付けるためにそれを使用し、1947年にはそれらの作品を「抽象表現主義」と呼びました。 ウィレム・デ・クーニングそして ポロック。 それ以来、抽象表現主義の概念は、50 年代に急速に発展した、かなり広範で文体的にも技術的にも多彩な抽象絵画 (およびその後の彫刻) の分野の背後に統合されました。 アメリカ、ヨーロッパ、そして世界中で。 抽象表現主義の直接の祖先は初期のものであると考えられています。 カンディンスキー、表現主義者、オルフィスト、部分的にはダダイスト、そして精神的自動化の原理を持つシュルレアリスム。 抽象表現主義の哲学的および美的基礎は主に、戦後に流行した実存主義の哲学でした。
既製(英語のレディメイド - レディ) この用語は、アーティストによって初めて美術史辞典に導入されました。 マルセル・デュシャン実用的な使用の対象である作品を、通常の機能環境から切り離し、何の変更も加えずに美術作品として美術展に展示するものを指定すること。 既製品は、物事と物性に対する新しい見方を肯定しました。 功利的な機能を果たすことをやめ、芸術空間の文脈に組み込まれた、つまり非功利的な熟考の対象となった物体は、伝統的な芸術にも知られていなかったいくつかの新しい意味と連想的な動きを明らかにし始めました。あるいは日常の功利的な存在領域へ。 美学と功利主義の相対性の問題が深刻に浮上している。 初めての既製品 デュシャン最も悪名高いのは彼の既製品です。 スチール製の「自転車の車輪」（1913 年）、「ボトル乾燥機」（1914 年）、「噴水」（1917 年） - これが普通の小便器の指定方法です。
ポップアート。第二次世界大戦後、アメリカは、自分たちにとって特に重要ではない商品を買うのに十分なお金を稼ぐ人々からなる大規模な社会階級を発展させました。 たとえば、商品の消費、つまりコカ・コーラやリーバイスのジーンズは、この社会の重要な属性になります。 特定の製品を使用する人は、その人が特定の社会階級に属していることを示します。 大衆文化が形成されつつあった。 物事は象徴、固定観念になった。 ポップアートでは必然的にステレオタイプやシンボルが使用されます。 ポップアート（ポップアート）は、デュシャンの創造原則に基づいた新しいアメリカ人の創造的探求を具体化しました。 これ： ジャスパー・ジョーンズ、K・オルデンバーグ、アンディ・ウォーホル、 その他。 ポップアートは大衆文化としての重要性を獲得しているため、それがアメリカで形成され、芸術運動となったのは驚くべきことではありません。 彼らの志を同じくする人々: ハーメルトン R、トーンチャイナ権威として選ばれた クルト・シュヴィータース。 ポップアートは、オブジェクトの本質を説明するゲームのような錯覚を持った作品が特徴です。 例: パイ K.オルデンバーグ、さまざまなバリエーションで描かれています。 アーティストはパイを描くのではなく、幻想を払拭し、人が実際に見ているものを示すかもしれません。 R. ラウシェンバーグも独創的で、さまざまな写真をキャンバスに貼り付け、輪郭を描き、ある種のぬいぐるみを作品に取り付けました。 彼の有名な作品の一つはハリネズミのぬいぐるみです。 ケネディの写真を使った彼の絵画もよく知られている。
原始主義（ナイーブアート）。 この概念はさまざまな意味で使用されますが、実際には次の概念と同じです。 「原始芸術」。 これらの概念は、さまざまな言語で、さまざまな科学者によって、芸術文化における同じ範囲の現象を指すために最もよく使用されます。 ロシア語では（他の言語と同様に）、「原始的」という用語はやや否定的な意味を持ちます。 したがって、この概念に注目する方が適切です。 素朴な芸術。 最も広い意味では、これは、比喩的および表現的言語の単純さ（または単純化）、明快さ、および形式的な自発性を特徴とする美術を指し、その助けを借りて、文明の慣習に悩まされることなく、世界の特別なビジョンが表現されます。 この概念は、ここ数世紀の近代ヨーロッパ文化に現れたものであり、それ自体が発展の最高段階であると考えられていたこの文化の専門的立場と考え方を反映しています。 これらの立場から、ナイーブ芸術には、古代の人々（エジプト文明や古代ギリシャ文明以前）の古風な芸術、たとえば原始芸術も含まれます。 文化的・文明的発展が遅れた人々（アフリカ、オセアニア、アメリカン・インディアンの先住民族）の芸術。 広範囲にわたるアマチュアおよび非専門的な芸術（たとえば、カタルーニャの有名な中世のフレスコ画や、ヨーロッパからの最初のアメリカ人入植者の非専門的な芸術）。 いわゆる「国際ゴシック」の作品が多数。 民俗芸術。 最後に、20世紀の才能ある原始主義芸術家たちの芸術です。彼らは専門的な美術教育を受けていませんでしたが、芸術的創造性の賜物を感じ、それを芸術に独立して実装することに専念しました。 その一部（フランス語） A. ルソー、C. ボンボワ、 ジョージア語 N. ピロスマニシュビリ、クロアチア語 I. ジェネラリヒ, アメリカ人 午前。 ロバートソンなど) 世界芸術の宝庫に含まれる真の芸術的傑作を生み出したナイーブ・アートは、その世界観とその芸術的表現方法において、一方では子供の芸術に近いものでもあります。一方、精神障害者の創造性。 ただし、本質的には両方とは異なります。 世界観において児童芸術に最も近いのは、オセアニアやアフリカの古民族や原住民の素朴な芸術です。 子供向けの芸術との根本的な違いは、その深い神聖さ、伝統主義、規範性にあります。
ネットアート(ネット アート - 英語のネット - ネットワーク、アート - アートから) コンピューター ネットワーク、特にインターネット上で発展する最新のタイプのアート、現代美術の実践。 同じくその開発に貢献しているロシアの研究者、O. リャリナ、A. シュルギンは、ネット アートの本質は、インターネット上でのコミュニケーションと創造的な空間の創造にあり、すべての人にオンラインでの存在の完全な自由を提供することにあると信じています。 したがって、ネットアートの真髄。 表現ではなくコミュニケーションであり、そのユニークなアートユニットは電子メッセージです。 80 年代から 90 年代に出現したネット アートの発展には、少なくとも 3 つの段階があります。 XX世紀 1 つ目は、意欲的なインターネット アーティストがコンピューターのキーボードにある文字やアイコンから絵を作成したときです。 2 つ目は、アンダーグラウンド アーティストや、自分の創造性を見せたい人がインターネットにやって来たときに始まりました。
オプアート（英語のオプアート - オプティカルアートの短縮版 - オプティカルアート） - 平面および空間図形の知覚の特殊性に基づいたさまざまな視覚的錯覚を使用した、20世紀後半の芸術運動。 この運動は合理主義的な技術主義（モダニズム）の路線を継承しています。 いわゆる「幾何学的な」抽象主義に戻ります。その代表的なものは V. ヴァザルリ（1930年から1997年まで彼はフランスで働いていました） - オプアートの創始者。 オプ アートの可能性は、工業用グラフィック、ポスター、デザイン アートに応用されています。 オプアート (光学芸術) の方向性は 50 年代に抽象主義の中で始まりましたが、今回は幾何学的な抽象化という異なる種類のものでした。 運動としての広がりは 60 年代にまで遡ります。 XX世紀
落書き（落書き - 考古学において、イタリアの落書き - スクラッチに至るまで、あらゆる表面にひっかかれた絵や文字）さまざまな種類のスプレーガン、エアゾールスプレー塗料缶を使用して作成されます。 したがって、「スプレー アート」の別名はスプレー アートです。 その起源は、落書きの大量出現に関連しています。 70年代に ニューヨークの地下鉄の車内、そして公共の建物の壁や店舗のシャッターにも。 グラフィティの最初の作者。 主にプエルトリコ人といった少数民族出身の若い失業者アーティストがほとんどであったため、最初のグラフィティはラテンアメリカの民俗芸術の文体的特徴を示しており、意図されていない表面に表示されるというまさにその事実によって、作者たちは権利を剥奪された彼らの立場に対して抗議した。 80年代の初めまでに。 これまで偽名で隠されていた彼らの本名が知られるようになり、ほぼプロのGのマスターの全体的な傾向が形成されました。 クラッシュ、NOC 167、フューチュラ 2000、リー、シーン、デイズ）。 彼らの中にはその技術をキャンバスに移し、ニューヨークのギャラリーで展示を始めた人もいました。すぐにグラフィティはヨーロッパに現れました。
ハイパーリアリズム（ハイパーリアリズム - 英語）、またはフォトリアリズム（フォトリアリズム - 英語） - 芸術的。 写真と現実の再現に基づいた絵画と彫刻の運動。 ハイパーリアリズムは、実践においても、自然主義と実用主義への美的方向性においても、ポップアートに近いものです。 それらは主に比喩性への回帰によって統一されています。 それは、表現を打ち破っただけでなく、芸術の物質的な実現の原理そのものに疑問を投げかけた概念主義に対するアンチテーゼとして機能します。 コンセプト
ランドアート（英語の土地芸術 - 土の芸術から）、最後の 3 分の 1 の芸術の方向性XXc. 現実の風景を主要な芸術素材およびオブジェクトとして使用することに基づいています。 芸術家たちは溝を掘り、奇妙な石の山を作り、岩に絵の具を塗り、普段は人のいない場所、つまり手付かずの自然の風景を作品の場所に選び、それによってあたかも芸術を自然に戻そうとしているかのようにします。 彼のおかげで<первобытному>外見上、この種の多くの行為や物体は考古学や写真芸術に近いものです。なぜなら、大多数の大衆はそれらを一連の写真でしか考えることができないからです。 私たちはロシア語におけるまたしても野蛮な行為と折り合いをつけなければならないようだ。 この言葉が偶然なのかどうかはわかりませんが、<лэнд-арт>最後に登場した 60年代、 先進社会では学生たちの反抗的な精神が確立された価値観を打破する方向に力を向けていた時代。
ミニマリズムミニマルアート（ミニマルアート、英語:minimal art） - アーティスト。 創造的なプロセスで使用される素材の最小限の変形、形のシンプルさと均一性、モノクロ、創造性から生まれる流れ。 アーティストの自粛。 ミニマリズムは、主観性、表現、幻想主義の拒否によって特徴付けられます。 古典を拒否する 創造性と伝統の技術。 アーティスト ミニマリストは、シンプルな幾何学的形状の工業用素材や天然素材を使用します。 形状と中間色 (黒、灰色)、少量、シリアル、コンベア方式の工業生産が使用されます。 創造性のミニマリスト概念における成果物は、その生産プロセスのあらかじめ決定された結果です。 絵画と彫刻において最も完全な発展を遂げたミニマリズムは、広義の芸術経済として解釈されます。 これは、他の形式の芸術、主に演劇や映画に応用できることを意味します。
ミニマリズムはトランスジェンダーのアメリカで生まれました。 床。 60年代 その起源は、構成主義、至上主義、ダダイズム、抽象芸術、形式主義的なアメールにあります。 50年代の絵画、ポップアート。 直接 ミニマリズムの先駆け。 アメリカ人です アーティスト F.ステラ彼は 1959 年から 1960 年にかけて、秩序ある直線が主流となった一連の「黒い絵画」を発表しました。 最初のミニマリスト作品は 1962 年から 1963 年にかけて登場しました。「ミニマリズム」という用語。 R. Wolheim の著作で、彼は創造性の分析に関連してそれを紹介しています。 M.デュシャンそしてアーティストによる環境への介入を最小限に抑えるポップアーティスト。 同義語は、「クールアート」、「ABCアート」、「シリアルアート」、「一次構造」、「プロセスとしてのアート」、「体系的」などです。 絵画"。 代表的なミニマリストには以下のような人がいます。 K. アンドレ、M. ボクナー、U. デ マリア、D. フラビン。 S. ル・ウィット、R. マンゴールド、B. マーデン、R. モリス、R. ライマン。 彼らは、アーティファクトを環境に適合させたい、素材の自然な質感を遊びたいという願望によって団結しています。 D.ザッドそれを「特定のもの」と定義します。 オブジェクト」は、古典的なものとは異なります。 プラスチックの作品 芸術 照明は独立して、ミニマリズム アートを作成する方法としての役割を果たします。 状況、独自の空間ソリューション。 作品の制作にはコンピューターによる手法が用いられます。
