Van “Het Laatste Avondmaal” tot “Calvarie”: Evangeliethema’s in de Russische en West-Europese beeldende kunst. Bijbelse thema's in de beeldende kunst

Bijbelse thema's V beeldende kunst.

Tuin van Eden. De ark van Noach.

Een bijzondere beeldtaal in de christelijke kunst van de Middeleeuwen.

Iconografie.

Een van de moeilijkste onderwerpen om te onderwijzen is beslist de Bijbel. Dit komt door het feit dat leraren zelf weinig over de Bijbel kunnen vertellen en niet altijd aan leerlingen kunnen uitleggen hoe ze deze of gene taak moeten voltooien. Als gevolg van het bestuderen van dit onderwerp moeten kinderen in lessen beeldende kunst kennis maken met de speciale beeldtaal “in de christelijke kunst van de Middeleeuwen, met schilderijen over Bijbelse thema’s in de kunst West-Europa en Rusland, met de kunst van het schilderen van Russische iconen en het uitvoeren van praktisch werk over bijbelse onderwerpen.

In tegenstelling tot de wereldleraar artistieke cultuur, kan een leraar beeldende kunst zich in een les niet beperken tot alleen een interessante show en verhaal, maar moet hij het kind leren een onafhankelijke compositie over het voorgestelde onderwerp te maken. Bijbelse onderwerpen kunnen moeilijk en saai voor je zijn moderne kinderen, omdat ze de plot van de foto slecht begrijpen. Om de tijd in de klas niet te verspillen aan gesprekken, nemen sommige leraren de eenvoudigste weg (zoals het hen lijkt), door kinderen te vragen een pictogram te tekenen, in de overtuiging dat elke leerling zo'n 'eenvoudige taak' aankan.

Een icoon is geen illustratie van de Bijbel; een icoon is een afbeelding geschilderd volgens canons (regels), waaraan de iconenschilder zich moet houden. Illustratie is de visie van de kunstenaar op de gebeurtenissen die in de Bijbel worden beschreven, zijn onafhankelijke keuze van plot, compositie en zijn eigen kijk op hoe de personages eruitzien. Bij het schilderen van iconen zijn de onderwerpen beperkt, compositie en verschijning Karakters zijn strikt gereguleerd. Door kinderen te vragen een icoon te schilderen als illustratie van de Bijbel, volgt de leraar niet het algemene schoolcurriculum. Trouwens, zelfs binnen Zondagscholen In kerken en in orthodoxe gymzalen schilderen kinderen tijdens lessen beeldende kunst geen gezichten op iconen, omdat ze hiervoor nog niet voldoende vaardigheden hebben. Bovendien mogen we niet vergeten dat kinderen op een scholengemeenschap niet alleen uit orthodoxe, maar ook uit islamitische en niet-gelovige gezinnen studeren, en dat een icoon een gebed is, alleen geschreven in de taal van kleuren. Kinderen uitnodigen om een ​​icoon te schilderen is hetzelfde als aanbieden om tijdens een literatuurles een gebed te leren of op te stellen.

De leerkracht kan kinderen interesseren voor de wereld van bijbelse schilderkunst en hen helpen de taal van de iconen te begrijpen door te praten over de symbolische taal van het iconenschilderen, hen kennis te laten maken met het werk van een iconenschilder en hen de kans te geven zichzelf uit te proberen in de rol van iconenschilder. ervaren vakman een ‘vaandeldrager’ die zelfstandig een compositie maakt voor een bepaald plot, of in de rol van een beginnende student in een team van iconenschilders.

Beginnende iconenschilders beeldden de details van de icoon af: heuvels, bomen, architectuur en dieren, met behulp van ‘copybooks’ (een schetstekening op papier in één of twee kleuren (zwart en roodbruin). Zonder hulp van een leraar alleen enkelen zullen praktisch werk aankunnen, en de taak van de leraar is ervoor te zorgen dat elk kind in een les beeldende kunst zich een echte kunstenaar kan voelen, in staat om schilderijen te maken over complexe thema's. Ter illustratie van de Bijbel, op de gemakkelijkste manier is om scènes te kiezen die niet uit het Nieuwe Testament komen, maar uit het Oude Testament, en een compositie maken met behulp van scènes die al bekend zijn bij het landschapsgenre van kinderen. Landschap kan de basis vormen van schilderijen.

“Schepping van de wereld”, “Tuin van Eden met de boom des levens”, “ Overstroming' en 'De vlucht van de Israëlieten uit Egypte door de Rode Zee.'

U kunt bijvoorbeeld illustraties uit de Bijbel laten zien beroemde zeeschilder I.K Aivazovski. Het hele derde kwartaal van het zesde leerjaar was gewijd aan het onderwerp 'Portret', en in het zevende leerjaar kun je een hele galerij met portretten van bijbelse personages maken. De Bijbel beschrijft gebeurtenissen die plaatsvinden in het oude Egypte (Jozef de Schone, Mozes). en Mesopotamië (de Toren van Babel), wat betekent dat kinderen de kennis die ze eerder hebben opgedaan in de geschiedenis- en beeldende kunstlessen op één manier kunnen gebruiken. praktische taak historische en bijbelse thema’s kunnen gecombineerd worden. Ter illustratie kunt u ook de gelijkenissen uit het evangelie gebruiken, met als voorbeeld de illustraties van de ‘Parabel van de verloren zoon’ van Rembrandt en Bosch, die verschillend van aard zijn. Kennismaking met bijbelse thema’s moet beginnen met een gesprek. In het geval dat de leraar zelf slecht georiënteerd is in bijbelse onderwerpen, zullen de gravures van G. Doré hem helpen bij het onderwijzen, aangezien boeken met zijn illustraties altijd korte uitleg voor elke gravure.

Kinderen mogen niet overbelast worden nieuwe informatie Daarom moet je tijdens een gesprek bekende plots laten zien als:

Verdrijving uit het paradijs>, "De zondvloed", "De toren van Babel", "De aankondiging", "Kerstmis", "Doopsel", "Transfiguratie", "De opwekking van Lazarus, . Hieronymus Bosch. " Verloren zoon» “Middag in Jeruzalem”, “Doornenkroon”, “Geseling”, “Jezus onder het gewicht van het kruis”, “Kruisiging”, “Kruisafneming”.

Bij het tentoonstellen van schilderijen met bijbelse thema's van West-Europese en Russische kunstenaars is het tonen noodzakelijk andere houding kunstenaars over hetzelfde onderwerp. Het zal voor de kinderen gemakkelijker zijn om de schilderijen te bespreken als de leraar reproducties van gravures van G. Dore op het bord laat staan. De schilderijen moeten beroemd zijn, zoals ‘De verschijning van Christus aan het volk’ van A. Ivanov, maar ook heel emotioneel, zoals ‘Calvary’ van N. Ge; "Aankondiging", "Rocky" en "Aankondiging" door Geliy Korzjev.

Dergelijke kunstwerken zullen kinderen nooit onverschillig laten. Als we het hebben over de Russische iconenschilderij, is het noodzakelijk om het verschil tussen een schilderij en een icoon uit te leggen, waarbij reproducties van iconen parallel worden getoond met reproducties van afbeeldingen en schilderijen. Als resultaat van het gesprek moet elke leerling begrijpen dat een schilderij een object van esthetisch plezier is, en dat een icoon zowel een object van esthetisch plezier als een object van gebedsvolle verering is.

Praktisch werk over het thema “Tuin van Eden”, “De Ark van Noach”. "Toren van Babel".

Voordat je begint met uitbeelden, moet je met de jongens de gebeurtenis bespreken die ter illustratie is gekozen, en het volgende zal je helpen over de Bijbel te praten interessante wetenschappen, zoals bijbelse geschiedenis, bijbelse archeologie, bijbelse geografie, bijbelse geologie.

Praktisch werk over het onderwerp "Illustraties van de Bijbel" kan worden gedaan met behulp van details van een iconografisch landschap. De leraar legt de werkfasen “stap voor stap” uit op het bord. Om te voorkomen dat kinderen elke streek van de leraar herhalen en hun eigen individuele compositie maken, is het beter voor de leraar om geen verven te gebruiken om te laten zien, maar om alleen met krijt en water op het bord te tekenen. Het water droogt snel, de kinderen hebben tijd om te begrijpen hoe ze moeten tekenen en met streken moeten werken, maar tegelijkertijd kopiëren ze niet elke streek van de leraar van het bord. Als gevolg hiervan kan het blijken interessante composities, gemaakt door beginnende iconenschilders.

Het pad van Christus vanaf de kindertijd begint met zware testen. Echter, in de handen van de zorgzame Maria en bewaakt door Jozef met Gods hulp Hij is gered. Het idee van vervolging en redding - de belangrijkste onderwerpen Voor Christendom. Jezus werd gezonden om de mensheid te redden uit liefde voor de mensheid. De betekenis hiervan belangrijke gebeurtenis stelde kunstenaars in staat de Vlucht naar Egypte te heroverwegen en deze in nieuwe stemmingen weer te geven.

De hoofdpersonen in deze scène zijn de Maagd Maria die op een ezel rijdt, het Kind dat ze in haar armen houdt, en Jozef, die meestal de ezel leidt. Typisch beweegt de stoet op het schilderij van links naar rechts. Oorsprong van iconografie ezel schilderij zijn in miniatuur en mozaïek. Een van de vroegste unieke Europese afbeeldingen van de vlucht naar Egypte is een miniatuur uit een Engels manuscript (1260-80 n.Chr.). Nationale Bibliotheek St. Mark, Venetië), gemaakt in de stad Chichester. De miniatuur lijkt op een glas-in-loodraam. Het schilderij is gemaakt met lokale kleuren, de kleuren zijn verzadigd. De compositie wordt gedomineerd door graphics, duidelijke lijnen en nee kleine details. De Moeder Gods houdt de ingebakerde Baby vast, zittend op een ezel, wat bijzondere aandacht verdient. Naast Jozef is een jonge man afgebeeld die erachter loopt. Er wordt aangenomen dat dit Jacob de Kleine is, de oudste zoon van Jozef, die later 'broer van de Heer' werd genoemd. De gouden achtergrond en de koninklijke kroon transporteren de actie naar een andere hemelse wereld, waar geen tijd, onnodige details en aards leven bestaan. In termen van algemene sfeer, gratie, eenvoud en naïeve manier van schilderen is de miniatuur een uitstekend voorbeeld van Engelse middeleeuwse kunst.

De traditionele elegantie van de Parijse miniatuur wordt onthuld in het getijdenboek van maarschalk Boucicault (1405-08, 275x190, Musée Jacquemart-André, Parijs), dat werd gemaakt voor Jean II Le Mengres, maarschalk Boucicault en zijn vrouw Antoinette. Fijne en elegante bloemendecoratie begeleidt alle pagina's van het manuscript. De ontsnapping vindt plaats tegen de achtergrond van het dagelijkse plattelandsleven. Het middelpunt van de compositie zijn de hoofdpersonen, vergezeld van vier engelen. Achter de heg ontvouwt zich een complex landschap met bergen, kastelen, huizen en een meer. De compositie culmineert in een enorme stralende zon tegen een diepblauwe lucht. Verzadigd echte leven, waartegen de gebeurtenis zich afspeelt, is gevuld symbolische beelden. Een herder met een kudde op een berghelling verwijst ons naar de “goede herder” en zijn kudde, d.w.z. naar het beeld van Christus en christenen. Een andere bewoner klimt met bagage de helling op en herinnert zich de geestelijke klim van elke christen. De bijzondere helderheid en verfijning van kleur, complexe kleuren met overgangen, elegantie van lijnen en complexiteit van ruimte stellen ons in staat deze miniatuur te vergelijken met een kostbaar sieraad.
Afb. 2

Volgens de apocriefen beelden kunstenaars soms de overvallers uit die de Heilige Familie ontmoetten op weg naar Egypte. Een van hen herkende de Verlosser in het Kind van buitengewone schoonheid en redde het gezin van een aanval. Waarschijnlijk werd deze overvaller samen met Christus aan het kruis gehangen - een van de twee - en bekeerde hij zich vóór zijn dood. Een voorbeeld is een miniatuur uit het getijdenboek “La Flora” (1483-98, Nationale Bibliotheek van Napels), gemaakt door de Nederlandse meester Simon Marmion (1425-1489), bekend als de “prins der miniaturen”. De kunstenaar staat er vrij en ongebruikelijk voor internationale gotiek bouwt een compositie op. Hij plaatst het onderwerp in een uitgesneden houten lijst en benadrukt de figuren van Onze Lieve Vrouw en Jozef dicht bij de lijst. De figuren worden fragmentarisch gepresenteerd, zoals op een foto, en de kijker ziet alleen de ogen en de achterkant van de ezel. Kunstenaars begonnen deze kadreringstechniek op grote schaal te gebruiken na de uitvinding van de camera. Met deze originele techniek verlegt Simon de nadruk naar de personages, waardoor de scène intiemer wordt en dichter bij de kijker staat. De compositie is opgebouwd in een cirkel, waardoor de eenheid wordt benadrukt, maar tegelijkertijd wordt de harmonieus ingeschreven ingebakerde Baby onmerkbaar de hoofdpersoon en het middelpunt. Ondanks de aanwezigheid van overvallers op de achtergrond, heeft Maria een zachte glimlach en een vriendelijke blik op haar gezicht. Deze miniatuur fascineert en trekt aan met de schoonheid van eenvoud en harmonie.

De vlucht naar Egypte in de beeldende kunst is verdeeld in drie plots: vlucht, rust onderweg en terugkeer uit Egypte. Een van de eerste voorbeelden van het weergeven van de plot van een vakantie op weg naar Egypte in schildersezelschilderij is een fragment van het beroemde Grabov-altaar (1379-83, tempera op hout, 80x57, Hamburg Kunsthalle). Deze grootse opdracht werd uitgevoerd door de kunstenaar Meester Bertram (1340-1415) uit Westfalen voor de Sint-Pieterskerk in Hamburg. De oprichting van het altaar valt samen met het begin van de bloei van de schilderkunst in Noord-Duitsland. De rijke katholieke ordes bestelden uniek mooie kunstwerken voor de kloosters, waardoor er bijzonder prachtige en prachtige kunstwerken ontstonden ceremonies erediensten.

Voor ons liggen beelden die verrassend ontroerend zijn in hun eenvoud, een naïeve, oprechte interpretatie van de scène. De compositie beweegt zich in een cirkel van het kindje en zijn wijzende vinger naar het gezicht van Maria, die haar hoofd buigt, dan naar de grijsharige Jozef met een rode, warme muts, die brood afbijt en dan naar de ezel, die gras kauwt en weer naar het kindje. Zo wordt de cirkel gesloten. De compositie geeft een gevoel van samenhang en eenheid. De kunstenaar introduceert landschapselementen: rotsen en bomen, maar over het algemeen blijft de achtergrond neutraal, wat ons herinnert aan de traditie om evangelieverhalen buiten tijd en ruimte, in de eeuwigheid, weer te geven. De kunstenaar streeft ernaar realistische beelden te creëren. De jonge, onberispelijke, bedachtzame Maagd Maria, de zorgzame Jozef en de voedende, heldere, sterke Baby creëren een algemene sfeer van onderwerping en acceptatie. De Moeder Gods draagt ​​een groene maforia met een rode voering en is gekroond met een dunne opengewerkte halo. Joseph is gekleed in groene, graskleurige kleding. De kleur van de altaartekens is lokaal, maar helpt de vorm, het volume en de kenmerken van de objecten over te brengen. Meester Bertram heeft een enorme stap voorwaarts gemaakt vergeleken met schilderij XIII - begin van de XIV eeuw. Hij portretteert op een nieuwe, meer realistische manier menselijke figuur, introduceert veel realistische (zij het naïef geïnterpreteerde) details in het beeld. Terwijl hij een persoon afbeeldt, kan de kunstenaar zijn spirituele wereld nog niet overbrengen. De weerspiegeling van de werkelijkheid is eerder beschrijvend van aard. Maar de interesse van de kunstenaar in de omringende wereld, in mensen, in de nauwkeurige weergave van objecten, dieren en vogels onthult aan zijn volgelingen de schoonheid van de omringende wereld.

Vervolg en ontwikkeld realistische richting in de schilderkunst, de Vlaamse kunstenaar Melchior Bruderlam (ca. 1350-1410). Hij schilderde twee grote altaardeuren voor het cartesiaanse klooster van Chanmol bij Dijon (1393-99, tempera op hout, 167x125, Stedelijk Museum voor Schone Kunsten, Dijon). De rechterflap toont de aflevering van de Vlucht naar Egypte. De invloed van de Italiaanse school is zichtbaar in de ontwikkeling van de ruimte en het modelleren van figuren. De compositie is diagonaal naar boven opgebouwd en staat symbool voor spirituele opstijging, het begin van het pad van de Heer. Hoewel het perspectief nog niet volledig ontwikkeld is, gebruikt de schilder licht en schaduw om een ​​gevoel van diepte te creëren. Aan de voet van de rots staat een omvergeworpen gouden oorlogszuchtig heidens afgodsbeeld met een gebroken speer. Dit detail is ontleend aan de boodschappen van de profeten. Bijvoorbeeld in Zacharia: “Op die dag zal ik de namen van de afgoden uit het land vernietigen” (Zach. 13:2). De Heilige Familie stopte bij een kleine bron. Het beeld van Jozef zit vol naturalistische details. Hij heeft een haakneus en dikke wenkbrauwen met een grijze baard. Joseph is gekleed in een rood overhemd, vastgebonden met een leren riem in de taille. Zijn portemonnee zit in zijn riem en op zijn linkerschouder zit een stok met een mantel eroverheen geworpen en een kleine pot. Leren laarzen zijn versleten lange weg. We zien Jozef in profiel, stoppend om water te drinken.

Maria zit met het Kind op een ezel. Zorgvuldig wikkelde ze haar diepblauwe maforium om de ingebakerde Jezus. Haar dunne, sierlijke armen zijn om Hem heen geslagen, wangen tegen wangen gedrukt, en hun blikken zijn op elkaar gericht, vertrouwend en open blik Een baby, zoals elk kind, en de blik van de moeder gevuld met stille en tedere, kalme liefde.

Sinds de oprichting van het Dijon-altaar is de werkelijkheid een constant thema geworden Vlaamse kunstenaars. Kunstenaars zullen ernaar streven om vast te leggen persoonlijkheidskenmerken, zal zich richten op de materialiteit van de cijfers en de details van het dagelijks leven. Dit is het begin van een van de belangrijkste revoluties in de geschiedenis van de beeldende kunst.
Voortzetting noordelijke tradities, maar al uit de renaissanceperiode is een fragment van het veelluik ‘De zeven smarten van Onze-Lieve-Vrouw’ van Albrecht Dürer (1471-1528). Dit altaar werd in april 1496 in opdracht van Frederik III voor zijn paleiskerk in Wittenberg gemaakt, maar ontstond rond 1500. Vlucht naar Egypte (olie op hout, 63x45,5, Dresden Gallery) is gebouwd volgens de reeds gevestigde klassieke traditie: de Maagd en het Kind zitten op een ezel, Jozef is een eenvoudige timmerman. Maria houdt met de ene hand de vrijliggende, goudharige Christus vast en met de andere de teugels. Haar ogen zijn neergeslagen, haar blik is serieus. Het witte, schilderachtig ontwikkelende bord doet denken aan de zuiverheid en puurheid van de Maagd. De dieren die in dit plot aanwezig zijn, verwijzen ons naar de geboorte van Christus. Jezus is vrij recent geboren en er zijn al beproevingen op komst. De kunstenaar brengt de serieus bewuste inhoud van het schilderij over.

Het landschap is op naturalistische wijze geschilderd, de details van de afbeeldingen zijn de baard van Jozef, de huid en vacht van een ezel, zelfs de stenen op de weg die een christologisch symbool dragen. “De steen die de bouwers hebben afgewezen, is de kop van de hoek geworden” (Matteüs 21:42). Jezus Christus werd het Hoofd van de kerk en verenigde joden en heidenen met één geloof. Net zoals een steen die schuin in een gebouw is geplaatst tegelijkertijd de ene en de andere muur ondersteunt, zo verenigde Christus iedereen met één geloof.

Tegen het einde van de 15e eeuw begonnen Maria en het Kind de schilderijen met dit onderwerp te domineren, waardoor het dichter bij het beeld van de Madonna en het Kind kwam. Jozef wordt hier gegeven ondergeschikte rol. Dit is de iconografie gekozen door Gerard David (1460-1523) in het schilderij Rust tijdens de vlucht naar Egypte (1500, olieverf op hout, 42x42, Nationale Galerij, Washington). Het vierkante formaat versterkt het belang van de twee centrale figuren. Christus strekt zijn handen uit naar een druiventros, die Zijn bestemming, opoffering en toekomstige verlossing symboliseert. “Ik ben de ware Wijnstok, en Mijn Vader is de wijnbouwer” (Johannes 15:1).
De compositie is symmetrisch: Jozef, die fruit uit een boom klopt, wordt in evenwicht gehouden door een rustende ezel. Het gras op de voorgrond betrekt de kijker actief bij deze scène. Het doek valt in schilderachtige plooien op de grond en stenen. De fijnste transparante stoffen benadrukken het fragiele en delicate beeld van de baby. In dit werk creëerde Gerard David een verrassend zachte sfeer, zong en poëtiseerde hij de natuur en gebruikte hij harmonieus een voortreffelijk palet van blauwtinten.

De Italiaanse school vult het perceel met een plechtige sfeer, een ideaal landschap, lichte open grote pure kleuren, idealistische beelden, verfijnde vormen en lijnen. Palla Strozzi gaf opdracht aan Gentile da Fabriano (ca. 1370 - 1427) voor een groot altaar van de Aanbidding der Wijzen voor de kerk van Santa Trinita in Florence. De centrale predella vertegenwoordigt de vlucht naar Egypte (1423, tempera op hout, 32x110, Galleria degli Uffizi, Firenze). Kunsthistoricus Viktor Lazarev schreef over dit werk: “In zijn altaarstuk, het mooiste en meest feestelijke schilderij van het vroege Quattrocento, beeldde Gentile de feodale wereld af die het historische toneel in al zijn pracht en praal verliet, met al zijn uiterlijke verschijningsvormen. aantrekkelijke kenmerken, in de uitstraling van zijn ‘ridderlijke romantiek’. Het altaarbeeld is geschilderd in pure kleuren, glanzend als juwelen, en de decorativiteit wordt versterkt door hier en daar met goud doorspekt. De levendigheid van de compositie, de zorgvuldig ontworpen, delicate tekening, de edelheid en expressiviteit van de figuren en de frisheid van de kleuren zijn inherent aan dit werk. Met de delicatesse van zijn modellering van gezichten, de zachte bleekheid van hun anjer en het vermogen om ze te bezielen met een gevoel van vroomheid, doet Gentile denken aan Fra Beato Angelico. Het schilderij combineert de belangstelling voor details die kenmerkend zijn voor de Noord-Europese gotiek, decorativiteit en zachte sentimentaliteit die kenmerkend zijn voor de Umbrische school.

Ook Fra Beato Angelico (1400-1455) hield zich met dit onderwerp bezig toen hij de deuren schilderde van de kast voor het opbergen van zilveren gebruiksvoorwerpen en de kapel van de Madonna Annunziata (1451-1453, tempera op hout, 38,5x37, San Marco Museum, Florence) . De werken van deze Italiaanse renaissancekunstenaar van de Dominicaanse monnik, bijgenaamd "Angelic", zijn begiftigd met een bijzondere uitstraling, licht en zuiverheid. Mary plaatste de Baby, die op een pop leek, zorgvuldig op haar wang. Fra Angelico versterkt het ruimtegevoel dankzij actieve verlichting aan de linkerkant. Het creëert ook volumineuze, ruimtelijke halo’s. Het gestileerde landschap, de elegante kleding en afbeeldingen, de harmonie van warm goud en edelblauw zetten dit werk in lijn beste werken artiest.

Het genie van Caravaggio werkte buiten het raamwerk en de tradities. "Rust tijdens de vlucht naar Egypte" (1596-97, olieverf op doek, 133,5x166,5, Doria Pamphili Gallery, Rome) werd geschreven in opdracht van monseigneur Fantino Petriniani. Caravaggio's realisme dringt allereerst door tot de essentie van de dingen. Dit is niet alleen een imitatie van de natuur, het is een diep begrip van de menselijke psychologie. Hij wist het karakter van licht en vorm nauwkeurig over te brengen. Verander de werkelijkheid in drama.

Caravaggio gebruikt een onverwachte artistieke techniek. De perfecte figuur van een goudharige engel die viool speelt, verdeelt de compositie in twee delen. De mooie boodschapper staat met zijn rug naar ons toe, zijn figuur gevangen door het licht, speciale aandacht Het sneeuwwitte ontwikkelingsgordijn neemt het over. De blik van de engel is gericht op de partituur die Jozef vasthoudt. Het muziekboek bevat regels uit het motet "Quam pulchra es et quam decora" van de Vlaamse componist Noel Baldwin. Het motet is geïnspireerd op Salomo's Hooglied, en het vers vertaalt: "Hoe mooi zijt gij, hoe bevallig, geliefd door uw schoonheid." Geweldig beeld Jozef is gemaakt door Caravaggio. De echtgenoot van de Maagd Maria op blote voeten en met grijze baard kijkt zo inzichtelijk, levendig, diep en zielvol naar de engel. Jozefs hele wezen luistert gehoorzaam, hij houdt op verantwoorde wijze de aantekeningen vast. Zijn benen zijn weggestopt, wat duidt op innerlijke kalmte. De boodschap van Jozef brengt subtiele en gevoelige gehoorzaamheid over.

Rechterkant Het schilderij vertelt het verhaal van Moeder en Kind. Ze ervaren nogal aardse gevoelens: vermoeidheid van een lange en vermoeiende reis. Nu worden ze opgenomen in rust, erin opgelost. De dommelende Maria boog zich over Jezus heen, die in zalige rust de benen opgetrokken had en zalig glimlachte in zijn slaap. Mogelijk zijn de door Caravaggio afgebeelde reizigers onder ons. De regels van N. Zabolotsky zijn precies geschikt voor dit werk:

“Ik droomde dat ik een baby was
In een dunne capsule van lijkwaden
Joodse kolonist
Naar een ver land gebracht.

Voor de bende van Herodes
Wij beefden. Maar hier
In een wit huis met een veranda
Zoek een schuilplaats voor jezelf.

De ezel graasde bij de olijfboom,
Ik dartelde in het zand.
Moeder en Jozef zijn blij
In de verte waren ze druk bezig.

Ik sta vaak in de schaduw van de Sfinx
De heldere Nijl rustte ook,
Als een bolle lens
Weerkaatste de stralen van de sterren.

En in dit schemerige licht,
In dit regenboogvuur
Geesten, engelen en kinderen
Ze zongen voor mij op pijpen"

Interesse in religieuze onderwerpen in Europese schilderkunst vervaagt na verloop van tijd. Tegen het einde XIX begin In de twintigste eeuw wordt de plot van de Vlucht naar Egypte steeds minder gebruikelijk. De accenten en hobby’s van kunstenaars veranderen. Ze zijn op zoek naar nieuwe artistieke technieken, ideeën, politieke invloeden.

Een prachtig voorbeeld veranderingen in bewustzijn en smaak worden geïllustreerd door het werk van de Ierse kunstenaar Solomon Delaunay (1727-ca. 1784) “Landscape with the Flight into Egypt” (1772, klein, koper, 48x61, privé collectie). De gebeurtenis lost op in een prachtig perspectieflandschap. De Heilige Familie zijn kleine figuren van reizigers die onderweg zijn. De hoofdpersoon wordt de natuur met zijn grote afstanden. Het plot lijkt naar de achtergrond te verdwijnen.

Kunstenaars creëren niet langer zulke subtiele, oprechte religieuze werken als in het tijdperk van de internationale gotiek, renaissance en barok, omdat het bewustzijn van de mensheid onherroepelijk is veranderd. En doe een beroep op deze unieke monumenten van voorbije tijdperken tilt alleen maar de sluier op van een ander wereldbeeld dat verdwenen is.

Ljoebov Panfilova

Smirnov V.L.

Iedereen die kennis maakt met het werk van oude Europese meesters zal onvermijdelijk tegenkomen dat dezelfde plots en beelden vele malen worden herhaald.

Alle oude meesters hebben de Madonna en het Kind talloze keren afgebeeld, heilige familie, de scène van de Aankondiging of dergelijke episoden uit het leven van Christus zoals de vlucht naar Egypte, rust op weg naar Egypte, scènes van het lijden van de Heer Jezus Christus: kruisiging, kruisafneming, klaagzang, graflegging, enz.

Bijna alle artiesten verschillende landen afgebeeld Sint-Sebastiaan, Maria Magdalena, David, Sint-Hiëronymus. Deze constantheid van onderwerpen en beelden, kenmerkend voor de kunst van alle West-Europese landen, wordt deels verklaard door het feit dat de belangrijkste afnemers van kunstwerken kloosters en kerken waren. De gewone mensen waren ook diep religieus, en het was voor kunstenaars gemakkelijker om met hen te communiceren in de taal van bijbelse beelden en verhalen die hen bekend waren. Door gebeurtenissen uit het Oude en Nieuwe Testament af te beelden, probeerden de oude meesters daarin het ethische en morele principe te benadrukken dat dichter bij hun persoonlijke gevoelens stond en vooral leerzaam werd voor hun gelovige kijker.

Laten we eens naar enkele verhalen kijken.

Christus en de discipelen in Emmaüs

Waarom trok dit onderwerp zulke grote kunstenaars als Titiaan, Caravaggio, Velazquez en Rembrandt aan? Caravaggio en Rembrandt wendden zich in verschillende perioden meer dan eens tot hem creatief pad. Hetzelfde onderwerp werd afgebeeld door andere, minder bekende kunstenaars, zoals de Spanjaard Pedro Orrento of de Italiaanse kunstenaar Jacopo Bassano, maar ook door een aantal andere oude meesters.

De plot is eenvoudig. Na zijn opstanding uit de dood verscheen Jezus Christus aan twee van zijn discipelen die van Jeruzalem naar Emmaüs liepen en de gebeurtenissen bespraken laatste dagen: executie, begrafenis van Jezus Christus en zijn onbegrijpelijke verdwijning uit het graf. Toen Christus zich onderweg bij hen voegde en geïnteresseerd raakte in hun gesprek, herkenden ze hem niet, vertelden hem alle gebeurtenissen van de laatste dagen, en hij legde hen in reactie uit dat al deze gebeurtenissen al door de profeten waren voorspeld. Toen ze bij Emmaüs kwamen, nodigden de discipelen Jezus Christus met hen uit. Tijdens het diner “werd Hij door hen herkend bij het breken van het brood” (Lukas 24:35), maar op dat moment werd Christus onzichtbaar.

Kunstenaars kozen er meestal voor om het moment af te beelden waarop Christus het brood brak en de discipelen hem plotseling herkenden. Caravaggio en Rembrandt tonen in hun schilderijen de schok van de studenten die hun leraar herkenden in de metgezel: de Heer Jezus Christus. Waarom deze schok? De studenten tenslotte voor een lange tijd reisde met Christus, luisterde naar zijn preken en kende uiteraard de voorspellingen van de oudtestamentische profeten over de Messias, over zijn doodstraf en de opstanding drie dagen later. En Christus verscheen na zijn opstanding aan hen in dezelfde menselijke vorm die zij voorheen hadden gekend. Waar komt de schok dan vandaan? Waarom konden ze Hem niet meteen herkennen? Bovendien gaven ze zelf toe hoe blij ze waren, hoe hun hart zich verheugde toen ze met hun metgezel praatten en naar hem luisterden. Dit was tenslotte een teken voor hen!

Het hele punt is dat deze foto's ons de grote beperkingen laten zien, de ontoereikendheid van onze kennis die we door dagelijkse levenservaring verwerven. Het Evangelie leert ons dat ware kennis van de essentie der dingen door geloof wordt gegeven.

Gedurende zijn hele leven ziet een persoon om zich heen dezelfde objecten van de omringende wereld, bestaande volgens onveranderlijke wetten; observeert dezelfde natuurverschijnselen; ja, ikzelf menselijk leven In wezen verloopt het op uniforme wijze: een mens wordt geboren, groeit, leert, werkt, voedt kinderen op, wordt oud en sterft. En deze gebruikelijke, onveranderlijke beweging van de hele wereldorde, plus ijdele alledaagse en vaak onbeduidende zorgen, stompt iemands spirituele oog af, en hij ziet alleen de eentonige beweging van dode materie om zich heen, en gelooft daarom alleen wat bekend is. Thomas geloofde pas in de opstanding van Christus toen hij Zijn wonden aanraakte. Hierop antwoordde Jezus hem: “Omdat u Mij hebt gezien, hebt u geloofd; gezegend zijn zij die het niet hebben gezien en toch hebben geloofd” (Johannes 20:29). Mensen zien niet langer het wonderbaarlijke in wat hen omringt, ze zien God niet meer in elke schepping. Ondertussen omringen ons voortdurend wonderen. Is het geen wonder dat uit een klein boomzaadje, zoals een pijnboom, een pijnboom groeit? Is de geboorte van de mens geen wonder? En als mensen daarvoor zijn verschijning omringende dingen weten niet hoe ze hun verborgen essentie, hun geheim moeten onderscheiden, dan is er in hun relaties met elkaar nog meer bijziendheid en frivoliteit.

De meesten zien alleen de verschijning van een ander, zonder door te dringen tot zijn diepe essentie. Toen bijvoorbeeld aan de buurman van Lomonosov werd gevraagd wat voor soort persoon hij was, antwoordde ze: "Hij was een slechte man. Zijn vrouw kwam voortdurend naar mij toe voor een koekenpan." Deze vrouw vermoedde niet eens dat haar buurvrouw een groot wetenschapper was. Op dezelfde manier herkenden de discipelen van Christus na zijn opstanding God niet in hem, omdat ze wisten dat Christus dood en begraven was. Maar mensen herrijzen niet. Tijdens het aardse leven van Jezus Christus beschouwden zij Hem inderdaad, ondanks de vele wonderen die Hij voor hun ogen deed, als een grote profeet, als een volksleider die zijn volk en het hele land zou redden van hun vijanden, en helemaal niet de vleesgeworden God. . Daarom zei Jezus tegen hen: “O dwazen en traag van hart, die alles geloven wat de profeten hebben gesproken!” (Lukas 24:25).

In één woord: vanwege het zwakke geloof, of zelfs de volledige afwezigheid ervan, herkenden de metgezellen van Christus hem niet.

In Rembrandts schilderij "Christus bij Emmaüs" staat een ladder bij de tafel. De trap is een symbool van de opstijging naar de hemel, naar God, een symbool van spirituele verbetering. Traptreden - treden spirituele groei. Elke stap betekende de verwerving van een aantal spirituele kwaliteit. De ladder ligt op de grond en kan niet worden beklommen, wat een stop betekent in de geestelijke groei van de discipelen van Christus, een verbreking van de communicatie met God en een gebrek aan geloof.

Referenties

De plot van "Esther vóór Artaxerxes" weerspiegelt bijbels verhaal, waarin wordt verteld hoe de vrouw van de Perzische koning Artaxerxes Esther, wier Joodse afkomst de koning niet kende, zonder uitnodiging in de beste kleren in al de pracht van haar schoonheid naar de heerser kwam om hem te vragen het Joodse volk niet uit te roeien . De koning zat op de troon en keek dreigend naar zijn vrouw, die ongevraagd aan hem durfde te verschijnen. Esther verloor het bewustzijn van angst, de koning snelde naar haar toe en raakte haar aan met zijn staf, wat haar immuniteit en genade van de koning betekende. Toen de koningin vertelde over haar afkomst uit gevangengenomen Joden die door de Babylonische koning Nebukadnezar uit hun thuisland waren hervestigd en haar verzoek om gratie voor het Joodse volk uitte, ondertekende Artaxerxes niet alleen een decreet dat Joden in het hele uitgestrekte koninkrijk gratie verleende, maar hen ook toestond om af te rekenen met hun vijanden. De Joden waren blij en doodden vijfenzeventigduizend mensen, waarbij hele gezinnen omkwamen. Ter nagedachtenis aan de prestatie van Esther, die haar volk redde, werd de feestdag Poeriem ingesteld.

Esther vóór Artaxerxes.
A. P. Ryabushkin. 1887 Papier op doek, olieverf. 107x221 cm
Russisch Staatsmuseum, Sint-Petersburg
Inv. nummer: Ж-1826
Toelating: In 1930 vanaf de Academie van Beeldende Kunsten
Kunst catalogus

In 1887 maakte Rjaboesjkin een schets over het bijbelse thema ‘Esther voor Artaxerxes’, die ‘een sensatie veroorzaakte’. Dit werk getuigde van de zoektocht naar “historische nauwkeurigheid in de weergave van decors en kostuums”, de wens om “de geaccepteerde theatraliteit bij de ontwikkeling van mise-en-scènes en beelden te vermijden.” A. Rostislavov deelde in zijn boek over de kunstenaar zijn indrukken van dit werk, achtergelaten in de fondsen van de Academie. Hij schreef: “En opeens een heel bijzondere, hele compositie op zichzelf, levend, oriëntaals heldere kleuren, een serieus ontwikkeld perspectief vanuit een oorspronkelijk ingenomen gezichtspunt, volledig nieuwe en oorspronkelijk bedachte poses van de figuren, zonder de doorgaans conventionele uitsteeksel van de belangrijkste naar voren te komen. Bijzonder opvallend waren de realistische figuur van Artaxerxes en de volledig nieuw ontworpen kostuums, die nog nooit in academische schetsen waren gezien. Alles was moedig, behendig en levendig getekend. ... Mensen verdrongen zich voor de schets, de studenten bewonderden ... De levende hartslag van een echte kunstenaar klopte in Rjaboesjkin, voor wie stereotypen ondraaglijk zijn en die met zijn technieken overtuigend wist te handelen. Aksenova G.V. "Helderziend en liefhebber van de waarheid van vorige levens": A.P. Ryabushkin

Esther vóór Artaxerxes.
Onbekende artiest.
Chabarovsk kunstmuseum
Regionale collectie van het Khabarovsk-gebied

Esther vóór Artaxerxes.
Anton Pavlovitsj Losenko (1737-1773). Begin jaren 1760.
gogol.ru

Tobius en Aartsengel Rafaël

De avonturen van Tobias (of Tobius) en zijn metgezel en voogd – de aartsengel Rafaël – worden verteld in het boek Tobit. Het boek Tobit is een van de zogenaamde ‘deuterocanonieke’ boeken van het Oude Testament, dat wil zeggen die boeken die niet in de Hebreeuwse tekst van de Bijbel voorkomen, maar die in de Septuaginta (de Griekse vertaling van het Oude Testament) staan. gemaakt in de 3e eeuw voor Christus). Orthodoxe Kerk plaatst ze niet op één lijn met de canonieke boeken van het Oude Testament, maar erkent ze als opbouwend en nuttig.

Het verhaal begint in Nineve, tijdens de verdrijving van de Joden naar Assyrië in de 8e eeuw. BC, waar Tobit, een vrome Jood, woonde met zijn vrouw Anna en hun zoon. Hij zorgde voor zijn medestamleden die in nood verkeerden, en zorgde voor de juiste begrafenis van degenen die door toedoen van de koning om het leven kwamen. Hiervoor werd hij op brute wijze vervolgd, zijn bezittingen werden in beslag genomen en hij en zijn gezin besloten te vluchten.

Op een dag, toen hij in de tuin ging liggen rusten (dat wil zeggen buiten het huis, aangezien hij volgens de Joodse wet ‘onrein’ was, aangezien hij op die dag een van de doden begroef), vielen er mussenuitwerpselen op zijn ogen, waardoor zijn ogen ontstonden en hij blind werd. Omdat hij voelde dat de dood nabij was, beval Tobit zijn zoon Tobiah om naar Media te gaan om daar wat geld te halen (ooit deponeerde hij 10 talenten zilver bij de Israëliër Gabael, die in Ragah of Media woonde).

Tobias ging allereerst op zoek naar een metgezel voor zijn reis en ontmoette de aartsengel Rafaël, die ermee instemde hem te vergezellen. (Tobias zag de engel aan voor een gewone sterveling. Onderscheidend kenmerk engel - vleugels - waren een laatchristelijke conventie, ontleend aan het oude Romeinse beeld van de gevleugelde godin van de overwinning.)

Nadat ze de zegen van de blinde Tobit hadden ontvangen, vertrok het echtpaar op reis, betreurd door Anna, de moeder van Tobia. De hond van de jongeman volgde hen op de hielen. Toen Tobias de rivier de Tigris had bereikt, ging hij naar het water om zich te wassen, toen plotseling een grote vis die hem wilde verslinden. Op instructies van Raphael greep hij haar en stripte haar, waarbij hij haar hart, lever en gal scheidde. De Aartsengel legde uit dat roken gemaakt van zijn gebakken hart en lever demonen verdrijft, en dat de gal van deze vis doornen geneest.

Bij aankomst op zijn bestemming verzamelde Tobiah het geld; vervolgens gingen ze op advies van een engel naar een familielid, wiens dochter, Sara, de bruid van Tobia werd. Maar Sarah werd helaas betoverd door een demon, wat al de doodsoorzaak van zeven van haar was vorige echtgenoten. Niettemin vond de bruiloft van Tobias en Sarah plaats, zij het niet zonder angsten. De demon werd met succes uitgedreven met behulp van de lever en het hart van een gevangen vis, die in een wierookvat werd geplaatst en gerookt. Toen sprak het echtpaar in hun slaapkamer een dankgebed uit.

Toen ze terugkeerden naar Nineve, gebruikte Tobia gal om het gezichtsvermogen van zijn vader te herstellen. Toen Tobias hem een ​​beloning aanbood voor alles wat hij voor hem had gedaan, openbaarde de Aartsengel zich, en vader en zoon vielen voor hem op hun knieën. Hoewel dit verhaal in de vorm waarin het tot ons is gekomen dateert uit de 2e eeuw. BC d.w.z. het bevat elementen uit verre folklore - Assyrisch en Perzisch. Te midden van volksverhalen Europa heeft er ook die er op lijken, bijvoorbeeld Andersens ‘The Road Companion’. Kunstenaars illustreerden de meeste afleveringen, vooral "Tobiah and the Angel" - beide verkleed als pelgrims en vergezeld van een hond.

De 'grote vis' werd beschouwd als een krokodil wiens lever en hart in de oude magie werden gebruikt als talisman om demonen af ​​te weren. Wanneer Tobia wordt getoond terwijl hij een vis tevoorschijn haalt, wordt deze afgebeeld als niet groter dan een forel. De genezing van Tobits blindheid wordt meestal gepresenteerd als een soort zalving, hoewel Rembrandt en anderen dat ook doen noordelijke kunstenaars, die na hem schreef, tonen een staaroperatie. Dit wordt verklaard door het gebruik van het woord in de Nederlandse Bijbel om te verwijzen naar "witheid" in de ogen van Tobit.

Het concept van een beschermengel was gebruikelijk in het Italië van de Renaissance, en het complot van Tobias werd door de familie gebruikt om de reis van hun zoon te documenteren; in dit geval wordt Tobias afgebeeld als de zoon van een gezin.

De genezing van Tobits blindheid was het onderwerp van schilderijen die werden gemaakt in opdracht van slachtoffers van deze ziekte, in de hoop dat hun zicht zou worden hersteld. bij jou in de buurt.ru

Tobius met een engel.
Anton Pavlovitsj Losenko. 1759 Olieverf op doek, 105x135.
, Moskou. Inventarisnr. 15173.
Ontvangen in 1931 van het Russisch Staatsmuseum.
bij jou in de buurt.ru

Terugkeer van Tobia (Tobia).
N. N. Ge. Tussen 1864 en 1867

Tobius met een engel.
Borovikovsky Vladimir Loekich (1757 - 1825). Hout, olie. 12x9 cm
Staat Tretjakovgalerij

Tobius en Aartsengel Rafaël.
V.L. Borovikovsky. Hout, olie. 282 x 72
Icon. Noordelijke deur van de iconostase. Niet klaar
Ontvangen: in 1906 van de Trinity Church op de Smolensk-begraafplaats (Sint-Petersburg)
Russisch Staatsmuseum
Inv. Nr. Ж-3188

Catalogus 138-145. Iconostase van de kapel van Sint-Michiel de Aartsengel van de Drie-eenheidskerk op de Smolensk-begraafplaats in Sint-Petersburg. 1824-1825.
Houten kerk op naam van Levengevende Drie-eenheid op de Smolensk-begraafplaats in Sint-Petersburg werd in de eerste helft van de jaren 1820 gebouwd op de plaats van een houten kerk in de naam van Sint-Michaël de Aartsengel, waar een houten kerk in de naam van Smolensk-pictogram Moeder van God (1756-1792). Trinity Church had drie kapellen: de belangrijkste - in de naam van de Heilige Drie-eenheid; de tweede - in de naam van de Heilige Aartsengel Michaël; de derde (onder de bogen) - in de naam van de heiligen. martelaren Sergius en Bacchus. De iconen en gravures van de iconostase, bedoeld door de Borovikovskys als geschenk aan de kerk in aanbouw, werden op kosten van de kunstenaar uitgevoerd. Het werk begon in 1824, maar vier van de zes iconen bleven onvoltooid en bevonden zich na de dood van de kunstenaar in zijn atelier.
http://www.tez-rus.net/ViewGood36678.html

Ruth

Ruth (Hebreeuws: Ruth) is de beroemde bijbelse rechtvaardige vrouw, naar wie het “Boek Ruth” is vernoemd. Haar leven gaat terug tot de laatste jaren van de roerige periode van de Rechters. Ze was van oorsprong Moabitisch, raakte gehecht aan haar man (een Jood uit Bethlehem) en wilde na zijn dood geen afstand doen van haar schoonmoeder Naomi (Naomi), accepteerde haar religie en vestigde zich met haar in Bethlehem. De gerechtigheid en schoonheid van de jonge Ruth waren de reden dat zij de vrouw werd van de edele Boaz (Boaz) en de overgrootmoeder (voormoeder) van koning David werd.

Ruth zit bij de boom.
Favorski Vladimir Andrejevitsj. Frontispice voor het boek Ruth. 1924
Staat Tretjakovgalerij, Moskou
www.artsait.ru

Ontmoeting van Ruth en Boaz.
Marc Chagall. 1957-1959
www.artsait.ru

Simson en Delila

Simson is een held uit de legenden van het Oude Testament (Rechters 13-16), begiftigd met ongekende fysieke kracht; de twaalfde van de ‘rechters van Israël’, wiens kracht in zijn haar ligt. De schuldige van Simsons dood is zijn geliefde, de Filistijn Delila uit de Sorekvallei. Omgekocht door de 'heren van de Filistijnen', ontdekt ze na verschillende mislukte pogingen eindelijk zijn geheim en knipt het haar van de held af, waardoor hij van zijn kracht wordt beroofd.

Simson lest zijn dorst met het kaakbeen van een ezel. (Simson lest zijn dorst met water dat uit de kaak stroomt waarmee hij de Filistijnen sloeg)
Tsjernov Ivan Potapovich. 1800 Olieverf op doek. 215 x 158,8.
Gebaseerd op een bijbelverhaal.
Voor dit schilderij kreeg de kunstenaar in 1800 de titel van academicus.
Ontvangen in 1931 van het Russisch Staatsmuseum (voorheen het Museum van de Academie van Beeldende Kunsten). Inventarisnr. 15164.
Staat Tretjakovgalerij
http://www.tez-rus.net/ViewGood22172.html
Sinds 2011 is het schilderij voor het eerst te zien in de permanente tentoonstelling van de Tretjakovgalerij

Simson vernietigt de Filistijnse tempel.
Zavjalov Fedor Semenovitsj. 1836

Simson en Delila.
Kivsjenko Alexey Danilovich. 1876 ​​Olieverf op doek. 145 x 199,5.
Staatskunstmuseum van Tsjoevasjië, Tsjeboksary

Simson, vastgebonden door de Filistijnen nadat hij zijn haar had verloren.
P.D. Baskakov. 1849 Olieverf op doek. 133 x 164
Oude Testament. Boek Richteren, 16, 19-20
Rechtsonder signatuur en datum: P. Baskakov 1849
Ontvangen: in 1940 uit de collectie van Yu E. Kulbis via de financiële afdeling van het Dzerzhinsky-district (Leningrad). Inv. Nr. Ж-8659
Russisch Staatsmuseum
Voor dit schilderij ontving Baskakov in 1849 een zilveren medaille van de eerste waardigheid. Datzelfde jaar tentoongesteld op de jaarlijkse academische tentoonstelling.

Bijbelse onderwerpen in de moderne schilderkunst: van Chagall tot Roitburd

De Bijbel, als boek van alle tijden, wordt vaak een bron van inspiratie voor schrijvers, kunstenaars en muzikanten. De relevantie van de vragen die in de Bijbel worden gesteld, heeft geen ruimtelijke of temporele referenties. Meesters uit verschillende landen en tijdperken hebben zich tot de Bijbel gewend en blijven dat doen. Vertegenwoordigers hedendaagse kunst nemen ook bijbelse beelden over en presenteren deze in een nieuw licht. Door de plots van de Bijbel op hun eigen manier te heroverwegen en te interpreteren, benadrukken de auteurs niet altijd de waarde en betekenis van religie - vaak ontkennen de werken van kunstenaars de heilige verbonden.

Heilige kunst, als je het zo kunt noemen, is een esthetische heroverweging van bijbelverhalen, belichaamd op canvas. In de context van het postmodernisme kan de Bijbel een van de meest geciteerde bronnen worden genoemd.

Creativiteit is doordrenkt van bijbelse thema's Marc Chagall. De kunstenaar creëerde een fundamentele reeks werken, waaronder 17 doeken in blauwe en smaragdgroene tinten, verenigd door bijbelse thema's. Chagall probeert de beelden die in het heilige boek zijn ingebed te ontcijferen, zoekt naar inspiratie tussen de regels en zet ideologische ontdekkingen om in schilderijen. Chagalls begrip van de heiligheid van de kwestie loopt duidelijk door het canvas heen. De kunstenaar ontsnapt aan de realiteit in een levendige en emotionele taal en nodigt kijkers uit om zich te storten in een veelzijdige superrealiteit, een verbinding met God te voelen en hogere machten. Naast de "Bijbelse Boodschap" liet Chagall aan zijn nakomelingen een reeks illustraties na - litho's voor Oude Testament. De beelden op zijn doeken vloeien in elkaar over en negeren ruimtelijke beperkingen.

Het Spaanse genie wendde zich vaak tot bijbelse beelden Salvador Dali. Zijn God was overal, en de kunstenaar zelf bevond zich voortdurend op de grens tussen de realiteit en de werkelijkheid magische wereld onderbewustzijn. Trouwens, de naam Salvador zelf wordt vertaald als "Verlosser". Beroemd schilderij‘Christus van Sint-Jan van het Kruis’ weerspiegelt het standpunt van de auteur over de formule van het universum, waarin de gekruisigde Jezus boven alles uitstijgt en de belichaming is van metafysische schoonheid. “Aanvankelijk wilde ik niet alle attributen van de kruisiging weergeven: spijkers, doornenkroon, enz. - en verander het bloed in rode anjers in de armen en benen, waarbij drie jasmijnbloemen in de wond aan de zijkant vallen. Maar het was pas tot het einde dat mijn beslissing werd veranderd door het tweede visioen ( ca. droom), misschien vanwege het Spaanse spreekwoord dat zegt: “te veel Christus, te veel bloed.” Mijn esthetische ambities zijn dat het canvas het tegenovergestelde is van alle gemaakte Christusbeelden hedendaagse kunstenaars, die een expressionistische stijl gebruikte en emoties opriep door lelijkheid”, beschreef Dali de geschiedenis van het ontstaan ​​van het schilderij. Niet minder beroemd is zijn ‘Laatste Avondmaal’. “Daarin (ca. werk) belichaamt Dali's filosofische, religieuze en esthetische credo. Hier is lucht en licht, en constructie, en droom, en realiteit, en hoop, en twijfel”, schrijft kunsttheoreticus Evgenia Zavadskaya. In dit werk verschijnt Christus in drie vormen: God de vader, God de zoon en God de heilige geest. Elk van hen wordt geleidelijk aan de kijker onthuld - van Jezus die aan tafel zit, via onderdompeling in water tot de torso die in de lucht oprijst.

Het schilderij van de grootste kunstenaar is algemeen bekend Russische moderniteit Ilja Glazoenov"Terugkeer van de verloren zoon" Het diepe en gevarieerde beeld vestigt de aandacht van het publiek op een serieuze kwestie: de terugkeer van de mensheid naar de spirituele principes, idealen en religieuze richtlijnen. De auteur vertrekt van het bijbelse plot, maar beperkt zich daar niet toe, en brengt de initiële gegevens over naar huidige sociaal-culturele coördinaten. Het schilderij, geschilderd in 1978, zag er uitdagend en onthullend uit voor de Sovjetcontext. Daarom is het van bijzonder belang voor kunstcritici en het publiek. De verloren zoon wordt naakt tot aan zijn middel afgebeeld, alleen gekleed in een spijkerbroek. De actie speelt zich af tegen de achtergrond van het vuile dagelijkse leven - eettafel met onafgemaakte glazen wijn, twee grote varkens op de voorgrond, voorovergebogen jonge man, waaruit prikkeldraad zich uitstrekt. Als we afstand nemen van de details en in abstracte concepten spreken, besteedt ieder van ons veel energie aan het proberen te ontsnappen aan de essentie, en dan komt er een periode van lange en moeilijke terugkeer naar deze essentie. Een ander werk van Glazunov, ‘The Raising of Lazarus’, is zelfs nog eclectischer en gelaagder. Jezus wordt afgebeeld tegen de achtergrond van gebouwen met meerdere verdiepingen die een bijeenkomst houden met een poster ‘Glasnost. Perestroika" en de brandende tempel.

De duurste Oekraïense kunstenaar Alexander Roitburd werd populair vanwege de extravagantie en het provocerende karakter van zijn projecten. Eén ervan heet “Roitburd vs Caravaggio”. “Bijbelse onderwerpen staan ​​centraal in het werk van Caravaggio. Heilige verhalen, oud en mythologisch, bevatten altijd symboliek en hiërarchie. De kunstenaar werkte met archetypen, iets wat we nu in de kunst missen. Daarom was het voor mij interessant om Caravaggio te citeren. Maar naïeve, oprechte werken met mythologische heilige onderwerpen zijn voor mij als kunstenaar al enigszins vreemd”, aldus de auteur in een interview. Als we deze kwestie bekijken vanuit het standpunt van het postmodernisme, kunnen we zeggen dat Roytubrd een citaat citeert, terwijl de primaire bron is: bijbelse verhalen. Tegelijkertijd verklaart hij dat er geen persoonlijke gehechtheid is aan welke religie dan ook. Hij bouwt een dialoog op tussen culturen, heroverweegt en herschikt beelden - personages komen in nieuwe situaties terecht en breken met de gebruikelijke brongegevens.

Op zijn beurt een van de meest lieve artiesten Rusland Konstantin Choedjakov maakt ook vaak gebruik van offertes. Vaak is de voornaamste bron de Heilige Schrift. Bijvoorbeeld het grootschalige werk “Deisis. Anticipatie" - hij creëert zijn eigen iconostase. De fotografische precisie van het beeld versterkt het magische effect: donkere tinten en nauwkeurig uitgedrukte sfeer van de beelden. In “The Presence” vind je Jezus Christus, de Moeder van God, de heilige apostelen, Alexander de Grote, Nicolaas II en andere even belangrijke personages. “Ik heb ongeveer 100.000 fragmenten van de menselijke gezichten van onze tijdgenoten als palet gebruikt”, zegt de kunstenaar over de totstandkoming van het werk. In een gesprek over de plaats van religieuze thema's in zijn werk zegt Khudyakov: “Ik ken de maat der dingen, ik weet wat goed en wat slecht is, en ik wil niemand beledigen. Ik gedraag me correct tegenover de kerk en doe geen kerkelijke dingen; ik schilder afbeeldingen over religieuze thema’s.”

Hedendaagse kunst is in het algemeen bevorderlijk voor shockeren, maar als de kunstenaar zich daartoe wendt Heilig boek Als citatiebron moet hij zich duidelijk bewust zijn van de grenzen van wat is toegestaan.