Houd je van Japanse schilderkunst? Hoeveel weet jij over beroemde Japanse artiesten? Laten we in dit artikel eens kijken naar de beroemdste Japanse kunstenaars die hun werken in de ukiyo-e (浮世絵) stijl hebben gemaakt. Deze schilderstijl ontwikkelde zich vanuit de Edo-periode. De hiërogliefen die gebruikt zijn om deze stijl te schrijven 浮世絵 betekenen letterlijk “afbeeldingen (afbeeldingen) van een veranderende wereld”; je kunt meer lezen over deze richting van schilderen
Hishikawa Moronobu(菱川師宣, 1618-1694). Beschouwd als de grondlegger van het ukiyo-e-genre, hoewel hij in feite slechts de eerste meester is wiens leven bewaard is gebleven biografische informatie. Moronobu werd geboren in een familie van meesters in het verven van stoffen en borduren met goud- en zilverdraad. voor een lange tijd was bezig met het familievak, dus een onderscheidend kenmerk van zijn werk zijn de prachtig versierde kleding van schoonheden, die een prachtig artistiek effect geven.
Nadat hij naar Edo was verhuisd, studeerde hij eerst zelf schildertechnieken, daarna werd zijn studie voortgezet door de kunstenaar Kambun.
We hebben ons voornamelijk bereikt via de albums van Moronobu, waarin hij historische en historische gebeurtenissen weergeeft literaire onderwerpen en boeken met kimonopatronen. De meester werkte ook in het shunga-genre, en onder de individuele werken zijn er verschillende bewaard gebleven met afbeeldingen van mooie vrouwen. 
(鳥居清長, 1752-1815). De meester Seki (Sekiguchi) Shinsuke (Ishibei), erkend aan het einde van de 18e eeuw, droeg het pseudoniem Torii Kiyonaga, dat hij aannam toen hij Torii's ukiyo-e-school erfde van Torii Kiyomitsu na diens dood.
Kiyonaga werd geboren in de familie van boekhandelaar Shirakoya Ishibei. Het genre bijinga bracht hem de grootste bekendheid, al begon hij met yakusha-e. Onderwerpen voor gravures in het bijinga-genre zijn overgenomen het dagelijks leven: wandelingen, feestelijke processies, uitstapjes naar de natuur. Onder de vele werken van de kunstenaar bevindt zich de serie 'Wedstrijden van modieuze schoonheden uit leuke buurten", met afbeelding van Minami, een van de "leuke wijken" in het zuiden van Edo, "12 portretten van zuidelijke schoonheden", "10 soorten theewinkels." Onderscheidend kenmerk De master was een gedetailleerde studie van het achtergrondaanzicht en het gebruik van technieken die uit het Westen kwamen om licht en ruimte weer te geven.
Kiyonaga verwierf aanvankelijke bekendheid met de hervatting in 1782 van de serie ‘Fashion Samples: Models New as Spring Leaves’, begonnen door Koryusai in de jaren 1770 voor de uitgever Nishimurai Yohachi.
(喜多川歌麿, 1753-1806). Deze uitmuntende ukiyo-e-meester werd aanzienlijk beïnvloed door Torii Kiyonaga en de uitgever Tsutaya Juzaburo. Door de langdurige samenwerking met laatstgenoemde verschenen er vele albums, boeken met illustraties en series gravures.
Ondanks het feit dat Utamaro onderwerpen uit de levens van eenvoudige ambachtslieden nam en de natuur probeerde weer te geven ("The Book of Insects"), kreeg hij faam als kunstenaar van werken gewijd aan de geisha van de Yoshiwara-wijk ("Yoshiwara Green Houses Yearbook"). ”).
Utamaro heeft een hoog niveau bereikt in het uitdrukken van gemoedstoestanden op papier. Voor het eerst begon hij in Japanse houtsneden bustecomposities te gebruiken.
Het was de creativiteit van Utamaro die van invloed was Franse impressionisten en droeg bij aan de Europese belangstelling voor Japanse prenten.
(葛飾北斎, 1760-1849). Hokusai's echte naam is Tokitaro. Waarschijnlijk de meest bekende ukiyo-e-meester ter wereld. Gedurende zijn carrière gebruikte hij meer dan dertig pseudoniemen. Historici gebruiken vaak pseudoniemen om zijn werk te periodiseren.
Aanvankelijk werkte Hokusai als beeldhouwer, wiens werk werd beperkt door de bedoelingen van de kunstenaar. Dit feit woog zwaar op Hokusai en hij begon zichzelf als een onafhankelijke kunstenaar te zoeken.
In 1778 werd hij leerling bij de Katsukawa Shunsho-studio, die gespecialiseerd was in yakusha-e-prenten. Hokusai was zowel een getalenteerde als een zeer ijverige student die altijd respect toonde voor zijn leraar en daarom de speciale gunst van Shunsho genoot. De eerste dus zelfstandig werk Hokusai bevond zich in het yakusha-e-genre in de vorm van tweeluiken en drieluiken, en de populariteit van de student was gelijk aan de populariteit van de leraar. Op dat moment had de jonge meester zijn talent al zo ontwikkeld dat hij zich krap voelde binnen één school, en na de dood van zijn leraar verliet Hokusai de studio en bestudeerde de richtingen van andere scholen: Kano, Sotatsu (anders Koetsu), Rimpa, Tosa.
Tijdens deze periode ondervond de kunstenaar aanzienlijke financiële problemen. Maar tegelijkertijd vindt zijn vorming plaats als een meester, die het gebruikelijke beeld weigert dat de samenleving eiste en zijn eigen beeld zoekt. eigen stijl.
In 1795 zagen illustraties voor de poëtische bloemlezing “Keka Edo Murasaki” het levenslicht. Toen schilderde Hokusai surimono-schilderijen, die onmiddellijk aan populariteit begonnen te winnen, en veel kunstenaars begonnen ze te imiteren.
Vanaf deze periode begon Tokitaro zijn werken te signeren met de naam Hokusai, hoewel sommige van zijn werken werden gepubliceerd onder de pseudoniemen Tatsumasa, Tokitaro, Kako, Sorobek.
In 1800 begon de meester zichzelf Gakejin Hokusai te noemen, wat 'Gekke Hokusai van de schilderkunst' betekende.
Beroemde illustratiesreeksen zijn onder meer ‘36 uitzichten op de berg Fuji’, waarvan de meest opvallende ‘Victory Wind’ zijn. Clear Day" of "Red Fuji" en "The Great Wave off Kanagawa", "100 Views of Mount Fuji", uitgebracht in drie albums, "Hokusai's Manga" (北斎漫画), die de "encyclopedie van het Japanse volk" wordt genoemd . De kunstenaar heeft al zijn opvattingen over creativiteit en filosofie in "Manga" gestopt. "Manga" is de belangrijkste bron voor het bestuderen van het leven in Japan in die tijd, aangezien het er veel omvat culturele aspecten. Tijdens het leven van de kunstenaar werden in totaal twaalf nummers gepubliceerd, en nog drie na zijn dood:
* 1815 - II, III
* 1817 - VI, VII
* 1849 - XIII (na de dood van de kunstenaar)
De kunst van Hokusai heeft dit beïnvloed Europese bestemmingen, zoals Art Nouveau en het Franse impressionisme.
(河鍋暁斎, 1831 -1889). Gebruikte de pseudoniemen Seisei Kyosai, Shuransai, Baiga Dojin, en studeerde aan de Kano-school.
In tegenstelling tot Hokusai was Kyosai behoorlijk brutaal, wat zijn breuk met de kunstenaar Tsuboyama Tozan veroorzaakte. Na school werd hij zelfstandig meester, hoewel hij soms nog wel vijf jaar naar school ging. In die tijd schilderde hij kyoga, de zogenaamde ‘gekke schilderijen’.
Tot de opmerkelijke graveerwerken behoren de Honderd Schilderijen van Kyosai. Als illustrator maakt Kyosai in samenwerking met andere kunstenaars beelden voor korte verhalen en romans.
Aan het einde van de 19e eeuw bezochten Europeanen Japan vaak. De kunstenaar kende er enkele, en verschillende van zijn werken bevinden zich nu in het British Museum.
(歌川広重, 1797-1858). Hij werkte onder het pseudoniem Ando Hiroshige (安藤広重) en staat bekend om zijn subtiele weergave van natuurlijke motieven en natuurverschijnselen. Hij schilderde zijn eerste schilderij, ‘Mount Fuji in the Snow’, dat nu op tienjarige leeftijd in het Suntory Museum in Tokio wordt bewaard. Onderwerpen vroege werken waren gebaseerd op echte gebeurtenissen op straat gebeurt. Zijn beroemde cycli: “100 Gezichten op Edo”, “36 Gezichten op de berg Fuji”, “53 Tokaido Stations”, “69 Kimokaido Stations”, “100 bekende soorten Ed." Monet en de Russische kunstenaar Bilibin werden beïnvloed grote invloed‘The 53 Stations of the Tokaido Road’, geschreven na een reis langs de East Coast Road, evenals ‘100 Views of Edo’. Uit de serie in het Kate-ga-genre van 25 gravures is het meest bekende het blad 'Mussen over een met sneeuw bedekte camelia'.
(歌川国貞, ook bekend als Utagawa Toyokuni III (三代歌川豊国)). Een van de meest uitmuntende artiesten ukiyo-e.
Hij besteedde speciale aandacht aan kabuki-acteurs en het theater zelf - dit is ongeveer 60% van alle werken. Ook bekend zijn werken in het bijinga-genre en portretten van sumoworstelaars. Het is bekend dat hij 20 tot 25 duizend plots heeft gemaakt, waaronder 35-40 duizend vellen. Hij wendde zich zelden tot landschappen en krijgers. Utagawa Kuniyoshi (歌川国芳, 1798 - 1861). Geboren in de familie van een zijdeverver. Kuniyoshi begon op tienjarige leeftijd te leren tekenen toen hij bij de kunstenaarsfamilie Kuninao woonde. Daarna bleef hij studeren bij Katsukawa Shun'ei, en op 13-jarige leeftijd ging hij naar de Tokuyoni-werkplaats om te studeren. De eerste jaren gaat het niet goed met de jonge kunstenaar. Maar nadat we van uitgeverij Kagaya Kichibei een bestelling hadden ontvangen voor vijf prenten voor de 108 Suikoden Heroes-serie, begon het goed te gaan. Hij creëert de rest van de personages in de serie en gaat vervolgens verder met anderen diverse banen, en vijftien jaar later staat hij op één lijn met Utagawa Hiroshige en Utagawa Kunisada.
Na het beeldverbod van 1842 theater scènes, acteurs, geisha's en courtisanes, Kuniyoshi schrijft zijn serie 'katten', maakt gravures uit een educatieve serie voor huisvrouwen en kinderen, toont nationale helden in de serie 'Tradities, moraal en fatsoen', en eind jaren 1840 - begin jaren 1850, na de versoepeling van de verboden, keerde de kunstenaar terug naar het thema kabuki.
(渓斎英泉, 1790-1848). Bekend om zijn werken in het bijinga-genre. Zijn beste werken omvatten portretten van het type okubi-e ("grote hoofden"), die worden beschouwd als voorbeelden van het kunstenaarschap van het Bunsei-tijdperk (1818-1830), toen het ukiyo-e-genre in verval was. De kunstenaar schilderde veel lyrische en erotische surimono, evenals een cyclus van landschappen "Negenenzestig Stations van Kisokaido", die hij niet kon voltooien en werd voltooid door Hiroshige.
Het nieuwe in de afbeelding van Bijinga was de sensualiteit ervan, die niet eerder bij andere kunstenaars te zien was. Uit zijn werken kunnen we de mode van die tijd begrijpen. Hij publiceerde ook biografieën van de Zevenenveertig Ronin en schreef verschillende andere boeken, waaronder The History of Ukiyo-e Prints (Ukiyo-e ruiko), met biografieën van kunstenaars. En in ‘Notes of a Nameless Elder’ beschreef hij zichzelf als een verdorven dronkaard en voormalig eigenaar een bordeel in Nedzu dat in de jaren 1830 tot de grond toe afbrandde.
Suzuki Harunobu (鈴木春信, 1724-1770). De echte naam van de kunstenaar is Hozumi Jirobei. Hij is de ontdekker van de polychrome druk van ukiyo-e. Hij bezocht de Kano School en studeerde schilderkunst. Vervolgens werd, onder invloed van Shigenaga Nishimura en Torii Kiyomitsu, houtsnededruk zijn hobby. Sinds het begin van de 18e eeuw werden er gravures in twee of drie kleuren gemaakt en Harunobu begon in tien kleuren te schilderen, waarbij hij drie planken gebruikte en drie kleuren combineerde: geel, blauw en rood.
Hij blonk uit in het weergeven van straatscènes en schilderijen in het shunga-genre. En vanaf de jaren 1760 was hij een van de eersten die Kabuki-acteurs speelde. Zijn werken beïnvloedden E. Manet en E. Degas.
(小原古邨, 1877 - 1945). Zijn echte naam is Matao Ohara. Afgebeelde scènes uit de Russisch-Japanse en Chinees-Japanse oorlogen. Nadat de fotografie echter verscheen, begon zijn werk slecht te verkopen en begon hij de kost te verdienen door les te geven aan een school voor schone kunsten in Tokio. In 1926, Ernest Felloza, curator van de afdeling Japanse kunst in het Boston Museum, overtuigde Ohara om terug te keren naar de schilderkunst, en de kunstenaar begon vogels en bloemen af te beelden, en zijn werken verkochten goed in het buitenland. 
(伊藤若冲, 1716 - 1800). Hij viel onder andere kunstenaars op door zijn excentriciteit en levensstijl, die bestond uit vriendschappen met veel culturele en culturele kunstenaars religieuze figuren van die tijd. Hij beeldde dieren, bloemen en vogels in een zeer exotische vorm af. Hij was zeer beroemd en accepteerde opdrachten voor het schilderen van schermen en tempelschilderijen.
(鳥居清信, 1664-1729). Eén van de belangrijkste vertegenwoordigers vroege periode ukiyo-e. Ondanks de grote invloed van zijn leraar Hishikawa Monorobu werd hij de grondlegger van het yakusha-e-genre in het weergeven van posters en posters en vond hij zijn eigen stijl uit. De acteurs werden in bijzondere poses als dappere helden afgebeeld en ingeschilderd 
een nobele oranje kleur, terwijl de schurken in blauwe kleuren waren getekend. Om passie uit te beelden, vond de kunstenaar een speciaal soort mimizugaki-tekening uit: dit zijn kronkelende lijnen met afwisselend dunne en dikke lijnen en gecombineerd met een grotesk beeld van de spieren van de ledematen.
Torii Kiyonobu is de grondlegger van de Torii-dynastie van kunstenaars. Zijn studenten waren Torii Kiyomasu, Torii Kiyoshige I en Torii Kiyomitsu.
Wie is je favoriete ukiyo-e-artiest?
De Japanse taal verschilt qua structuur van elke Europese taal, wat bepaalde leerproblemen kan veroorzaken. Maak je echter geen zorgen! Speciaal voor jou heb je een cursus ““ ontwikkeld, waar je je nu voor kunt inschrijven!
Als je denkt dat alle grote artiesten in het verleden liggen, dan heb je geen idee hoe fout je zit. In dit artikel leer je over de beroemdste en meest getalenteerde artiesten van onze tijd. En geloof me, hun werken zullen niet minder diep in je geheugen blijven hangen dan de werken van maestro's uit vroegere tijdperken.
Wojciech Babski
Wojciech Babski – modern Poolse kunstenaar. Hij voltooide zijn studie aan het Silezisch Polytechnisch Instituut, maar associeerde zich ermee. IN de laatste tijd trekt vooral vrouwen. Richt zich op het uiten van emoties, streeft ernaar zoveel mogelijk te ontvangen groter effect met eenvoudige middelen.
Houdt van kleur, maar gebruikt vaak tinten zwart en grijs om dit te bereiken beste ervaring. Niet bang om te experimenteren met verschillende nieuwe technieken. De laatste tijd wint hij steeds meer populariteit in het buitenland, vooral in Groot-Brittannië, waar hij met succes zijn werken verkoopt, die al in veel privécollecties te vinden zijn. Naast kunst is hij geïnteresseerd in kosmologie en filosofie. Luistert naar jazz. Woont en werkt momenteel in Katowice.
Warren Chang
Warren Chang - modern Amerikaanse kunstenaar. Geboren in 1957 en opgegroeid in Monterey, Californië, studeerde hij in 1981 cum laude af aan het Art Center College of Design in Pasadena, waar hij een BFA ontving. De daaropvolgende twintig jaar werkte hij als illustrator voor verschillende bedrijven in Californië en New York voordat hij in 2009 aan een carrière als professioneel kunstenaar begon.
Zijn realistische schilderijen kunnen worden onderverdeeld in twee hoofdcategorieën: biografische interieurschilderijen en schilderijen van mensen aan het werk. Zijn interesse in deze schilderstijl gaat terug tot het werk van de 16e-eeuwse kunstenaar Johannes Vermeer en strekt zich uit tot onderwerpen, zelfportretten, portretten van familieleden, vrienden, studenten, atelierinterieurs, klaslokalen en huizen. Zijn doel is om sfeer en emotie te creëren in zijn realistische schilderijen door de manipulatie van licht en het gebruik van gedempte kleuren.
Chang werd beroemd nadat hij was overgestapt op traditionele beeldende kunst. De afgelopen twaalf jaar heeft hij talloze prijzen en onderscheidingen verdiend, waarvan de meest prestigieuze de Master Signature is van de Oil Painters of America, de grootste olieverfschilderijgemeenschap in de Verenigde Staten. Slechts één op de 50 personen krijgt de kans om deze onderscheiding in ontvangst te nemen. Warren woont momenteel in Monterey en werkt in zijn studio, en hij geeft ook les (bekend als een getalenteerde leraar) aan de San Francisco Academy of Art.
Aurelio Bruni
Aurelio Bruni is een Italiaanse kunstenaar. Geboren in Blair, 15 oktober 1955. Hij behaalde een diploma in scenografie aan het Instituut voor Kunst in Spoleto. Als kunstenaar is hij autodidact, omdat hij zelfstandig “een huis van kennis bouwde” op de fundamenten die hij op school had gelegd. Hij begon op 19-jarige leeftijd met olieverf schilderen. Woont en werkt momenteel in Umbrië.
Bruni's vroege schilderijen zijn geworteld in het surrealisme, maar na verloop van tijd begint hij zich te concentreren op de nabijheid van lyrische romantiek en symboliek, waardoor deze combinatie wordt versterkt met de voortreffelijke verfijning en puurheid van zijn karakters. Geanimeerde en levenloze objecten krijgen gelijke waardigheid en zien er bijna hyperrealistisch uit, maar verschuilen zich tegelijkertijd niet achter een gordijn, maar laten je de essentie van je ziel zien. Veelzijdigheid en verfijning, sensualiteit en eenzaamheid, bedachtzaamheid en vruchtbaarheid zijn de geest van Aurelio Bruni, gevoed door de pracht van kunst en de harmonie van muziek.
Alexander Balos
Alkasander Balos is een hedendaagse Poolse kunstenaar, gespecialiseerd in olieverfschilderijen. Geboren in 1970 in Gliwice, Polen, maar sinds 1989 woont en werkt hij in de VS, in Shasta, Californië.
Als kind studeerde hij kunst onder leiding van zijn vader Jan, een autodidact kunstenaar en beeldhouwer, dus van jongs af aan artistieke activiteit kreeg volledige steun van beide ouders. In 1989, op achttienjarige leeftijd, verliet Balos Polen naar de Verenigde Staten, waar zijn onderwijzeres en parttime kunstenaar Cathy Gaggliardi Alkasander aanmoedigde om zich in te schrijven aan de kunstacademie. Balos ontving vervolgens een volledige studiebeurs voor de Universiteit van Milwaukee, Wisconsin, waar hij schilderkunst studeerde bij professor filosofie Harry Rosin.
Nadat hij in 1995 afstudeerde met een bachelordiploma, verhuisde Balos naar Chicago om te studeren aan de School of Fine Arts, waarvan de methoden gebaseerd zijn op het werk van Jacques-Louis David. Figuurlijk realisme en portret waren de meeste Balos' werken uit de jaren 90 en begin 2000. Tegenwoordig gebruikt Balos de menselijke figuur om de kenmerken en tekortkomingen van het menselijk bestaan te benadrukken, zonder oplossingen aan te dragen.
De onderwerpcomposities van zijn schilderijen zijn bedoeld om onafhankelijk door de kijker te worden geïnterpreteerd, alleen dan zullen de schilderijen hun ware tijdelijke en subjectieve betekenis krijgen. In 2005 verhuisde de kunstenaar naar Noord-Californië, sindsdien is het onderwerp van zijn werk aanzienlijk uitgebreid en omvat het nu vrijere schildermethoden, waaronder abstractie en verschillende multimediastijlen die ideeën en bestaansidealen helpen uitdrukken door middel van schilderen.
Alyssa-monniken
Alyssa Monks is een hedendaagse Amerikaanse kunstenaar. Geboren in 1977, in Ridgewood, New Jersey. Ik begon geïnteresseerd te raken in schilderen toen ik nog een kind was. Studeerde aan de New School in New York en Staats Universiteit Montclair en studeerde in 1999 af aan Boston College met een B.A. Tegelijkertijd studeerde ze schilderkunst aan de Lorenzo de' Medici Academie in Florence.
Daarna vervolgde ze haar studie in de masteropleiding aan de New York Academy of Art, op de afdeling Figuratieve Kunst, waar ze afstudeerde in 2001. Ze studeerde in 2006 af aan het Fullerton College. Ze gaf enige tijd lezingen aan universiteiten en onderwijsinstellingen in het hele land, en doceerde schilderkunst aan de New York Academy of Art, evenals aan Montclair State University en Lyme Academy of Art College.
“Met behulp van filters als glas, vinyl, water en stoom vervorm ik menselijk lichaam. Met deze filters kunt u creëren grote gebieden abstract ontwerp, met eilanden van kleur die er doorheen gluren - delen van het menselijk lichaam.
Mijn schilderijen veranderen moderne uitstraling naar de reeds gevestigde, traditionele houdingen en gebaren van badende vrouwen. Ze zouden een oplettende kijker veel kunnen vertellen over ogenschijnlijk vanzelfsprekende dingen als de voordelen van zwemmen, dansen, enzovoort. Mijn personages worden vervormend tegen het glas van het doucheraam gedrukt eigen lichaam, in het besef dat ze daarmee de beruchte mannelijke blik op een naakte vrouw beïnvloeden. Dikke lagen verf worden gemengd om glas, stoom, water en vlees van ver te imiteren. Maar van dichtbij is het verbazingwekkend fysieke eigenschappen olieverf. Door te experimenteren met lagen verf en kleur, vind ik een punt waarop abstracte penseelstreken iets anders worden.
Toen ik voor het eerst het menselijk lichaam begon te schilderen, was ik er meteen door gefascineerd en zelfs geobsedeerd en vond dat ik mijn schilderijen zo realistisch mogelijk moest maken. Ik ‘beleedde’ het realisme totdat het zich begon te ontrafelen en tegenstrijdigheden op zichzelf begon bloot te leggen. Ik onderzoek nu de mogelijkheden en het potentieel van een schilderstijl waar representatieve schilderkunst en abstractie samenkomen – als beide stijlen op hetzelfde moment naast elkaar kunnen bestaan, zal ik dat doen.”
Antonio Finelli
Italiaanse kunstenaar – “ Tijdwaarnemer” – Antonio Finelli werd geboren op 23 februari 1985. Woont en werkt momenteel in Italië, tussen Rome en Campobasso. Zijn werken zijn tentoongesteld in verschillende galerijen in Italië en in het buitenland: Rome, Florence, Novara, Genua, Palermo, Istanbul, Ankara, New York, en zijn ook te vinden in particuliere en openbare collecties.
Potloodtekeningen “ Tijdwaarnemer"Antonio Finelli neemt ons mee op een eeuwige reis door innerlijke wereld de menselijke tijdelijkheid en de daarmee samenhangende nauwgezette analyse van deze wereld, met als belangrijkste element de passage door de tijd en de sporen die deze op de huid achterlaat.
Finelli schildert portretten van mensen van elke leeftijd, geslacht en nationaliteit, wier gezichtsuitdrukkingen de passage door de tijd aangeven, en de kunstenaar hoopt ook bewijs van de genadeloosheid van de tijd te vinden op de lichamen van zijn personages. Antonio definieert zijn werken door één ding: gemeenschappelijke naam: “Zelfportret”, omdat hij in zijn potloodtekeningen niet alleen een persoon afbeeldt, maar de kijker laat nadenken echte resultaten het verstrijken van de tijd binnen een persoon.
Flaminia Carloni
Flaminia Carloni is een 37-jarige Italiaanse kunstenaar, de dochter van een diplomaat. Ze heeft drie kinderen. Ze woonde twaalf jaar in Rome en drie jaar in Engeland en Frankrijk. Ze behaalde een diploma kunstgeschiedenis aan de BD School of Art. Daarna behaalde ze een diploma als kunstrestaurateur. Voordat ze haar roeping ontdekte en zich volledig aan de schilderkunst wijdde, werkte ze als journalist, colorist, ontwerper en actrice.
Flaminia's passie voor schilderen ontstond in haar kindertijd. Haar belangrijkste medium is olie, omdat ze ervan houdt om “coiffer la pate” te spelen en ook met het materiaal te spelen. Een soortgelijke techniek herkende ze in het werk van kunstenaar Pascal Torua. Flaminia is geïnspireerd door grote schilders als Balthus, Hopper en François Legrand, maar ook door verschillende artistieke stromingen: straatkunst, Chinees realisme, surrealisme en renaissancerealisme. Haar favoriete kunstenaar is Caravaggio. Haar droom is om de therapeutische kracht van kunst te ontdekken.
Dennis Chernov
Denis Chernov - getalenteerd Oekraïense kunstenaar, geboren in 1978 in Sambir, regio Lviv, Oekraïne. Nadat hij in 1998 afstudeerde aan de kunstschool van Charkov, bleef hij in Charkov, waar hij momenteel woont en werkt. Hij studeerde ook aan de Kharkov State Academy of Design and Arts, Department of Graphic Arts, waar hij afstudeerde in 2004.
Hij doet er regelmatig aan mee kunst tentoonstellingen, op op dit moment ruim zestig daarvan vonden plaats, zowel in Oekraïne als in het buitenland. De meeste werken van Denis Chernov worden bewaard in privécollecties in Oekraïne, Rusland, Italië, Engeland, Spanje, Griekenland, Frankrijk, de VS, Canada en Japan. Een deel van de werken werd verkocht bij Christie's.
Denis werkt met een breed scala aan grafische en schildertechnieken. Potloodtekeningen zijn een van zijn meest favoriete schildermethoden, een lijst met zijn onderwerpen potlood tekeningen is ook heel divers, hij schildert landschappen, portretten, naakten, genrecomposities, boekillustraties, literair en historische reconstructies en fantasieën.
Kunst en design
2702
01.02.18 09:02
De hedendaagse kunstscène in Japan is zeer divers en provocerend: als je naar de werken van meesters uit het Land van de Rijzende Zon kijkt, denk je dat je op een andere planeet bent aangekomen! De thuisbasis van vernieuwers die het landschap van de industrie op wereldschaal hebben veranderd. We presenteren u een lijst met 10 hedendaagse Japanse kunstenaars en hun creaties - van ongelooflijke wezens Takashi Murakami (die vandaag zijn verjaardag viert) naar het kleurrijke universum van Kusama.
Van futuristische werelden tot gestippelde sterrenbeelden: hedendaagse Japanse kunstenaars
Takashi Murakami: traditionalistisch en klassiek
Laten we beginnen met de held van de gelegenheid! Takashi Murakami is een van de meest iconische hedendaagse kunstenaars van Japan en werkt aan schilderijen, grootschalige sculpturen en modekleding. Murakami's stijl wordt beïnvloed door manga en anime. Hij is de oprichter van de Superflat-beweging, die de Japanse artistieke tradities en de naoorlogse cultuur van het land ondersteunt. Murakami promootte veel van zijn tijdgenoten, en we zullen vandaag ook een aantal van hen ontmoeten. “Subculturele” werken van Takashi Murakami worden gepresenteerd op de kunstmarkten van mode en kunst. Zijn provocerende My Lonesome Cowboy (1998) werd in 2008 in New York bij Sotheby's verkocht voor een recordbedrag van $ 15,2 miljoen. Murakami heeft samengewerkt met wereldberoemde merken Marc Jacobs, Louis Vuitton en Issey Miyake.
Rustig Ashima en haar surrealistische universum
Chicho Ashima is lid van het kunstproductiebedrijf Kaikai Kiki en de Superflat-beweging (beide opgericht door Takashi Murakami) en staat bekend om haar fantastische stadsgezichten en vreemde popwezens. De kunstenaar creëert surrealistische dromen bewoond door demonen, geesten en jonge schoonheden, afgebeeld tegen de achtergrond van de bizarre natuur. Haar werken zijn meestal grootschalig en gedrukt op papier, leer en plastic. In 2006 nam deze hedendaagse Japanse kunstenaar deel aan Art on the Underground in Londen. Ze creëerde 17 opeenvolgende bogen voor het platform - het magische landschap veranderde geleidelijk van dag naar nacht, van stedelijk naar landelijk. Dit wonder bloeide op bij het metrostation Gloucester Road.
Chiharu Shima en de eindeloze draden
Een andere kunstenaar, Chiharu Shiota, werkt aan grootschalige visuele installaties voor specifieke herkenningspunten. Ze werd geboren in Osaka, maar woont nu in Duitsland - in Berlijn. Centrale thema's haar werk is vergetelheid en herinnering, dromen en realiteit, verleden en heden, en ook de confrontatie van angst. Het meest beroemde werken Chiharu Shiota - ondoordringbare netwerken van zwarte draad, die veel huishoudelijke en persoonlijke voorwerpen bedekken - zoals oude stoelen, een trouwjurk, een verbrande piano. In de zomer van 2014 bond Shiota gedoneerde schoenen en laarzen (waarvan er meer dan 300 waren) met strengen rood garen aan elkaar en hing ze aan haken. Chiharu's eerste tentoonstelling in de Duitse hoofdstad vond plaats tijdens de Berlin Art Week in 2016 en veroorzaakte sensatie.
Hé Arakawa: overal, nergens
Hei Arakawa laat zich inspireren door staten van verandering, perioden van instabiliteit en elementen van risico, en zijn installaties symboliseren vaak thema's als vriendschap en teamwerk. Het credo van de hedendaagse Japanse kunstenaar wordt bepaald door het performatieve, onbepaalde ‘overal, maar nergens’. Zijn creaties duiken op onverwachte plekken op. In 2013 waren Arakawa's werken te zien op de Biënnale van Venetië en in de tentoonstelling van de Japanse hedendaagse kunst in het Mori Art Museum (Tokio). De installatie Hawaiian Presence (2014) was een samenwerking met de New Yorkse kunstenaar Carissa Rodriguez en was opgenomen in de Whitney Biënnale. Ook in 2014 boden Arakawa en zijn broer Tomu, optredend als duo genaamd United Brothers, bezoekers van Frieze London hun “werk” “The This Soup Taste Ambivalent” aan met “radioactieve” Fukushima daikon-wortelgroenten.
Koki Tanaka: relaties en herhalingen
In 2015 werd Koki Tanaka erkend als “Artiest van het Jaar”. Tanaka onderzoekt de gedeelde ervaring van creativiteit en verbeeldingskracht, moedigt uitwisseling tussen projectdeelnemers aan en pleit voor nieuwe samenwerkingsregels. De installatie ervan in het Japanse paviljoen op de Biënnale van Venetië in 2013 bestond uit video's van objecten die de ruimte transformeerden in een platform voor artistieke uitwisseling. De installaties van Koki Tanaka (niet te verwarren met zijn volledige naamgenoot, acteur) illustreren de relatie tussen objecten en acties. Zo bevat de video opnames van eenvoudige gebaren uitgevoerd met gewone voorwerpen (een mes dat groenten snijdt, bier dat in een glas wordt gegoten , een paraplu openen). Er gebeurt niets noemenswaardigs, behalve obsessieve herhaling en aandacht voor tot in de kleinste details laat de kijker het wereldse waarderen.
Mariko Mori en gestroomlijnde vormen
Een andere hedendaagse Japanse kunstenaar, Mariko Mori, ‘tovert’ multimedia-objecten, waarbij hij video’s, foto’s en objecten combineert. Ze kenmerkt zich door een minimalistische futuristische visie en strakke surrealistische vormen. Een terugkerend thema in Mori's werk is de combinatie van de westerse legende met de westerse cultuur. In 2010 richtte Mariko de Fau Foundation op, een educatieve cultuurorganisatie non-profit organisatie, waarvoor ze een serie van haar kunstinstallaties maakte ter ere van de zes bewoonde continenten. Recentelijk werd de permanente installatie van de Stichting, "Ring: One with Nature", geplaatst boven een pittoreske waterval in Resende, nabij Rio de Janeiro.
Ryoji Ikeda: geluids- en videosynthese
Ryoji Ikeda is een nieuwe mediakunstenaar en componist wiens werk voornamelijk gaat over geluid in verschillende ‘rauwe’ staten, van sinusgolven tot ruis met behulp van frequenties aan de rand van het menselijk gehoor. Zijn meeslepende installaties omvatten computergegenereerde geluiden die visueel worden omgezet in videoprojecties of digitale patronen. De audiovisuele kunst van Ikeda maakt gebruik van schaal, licht, schaduw, volume, elektronische klanken en ritme. De beroemde testfaciliteit van de kunstenaar bestaat uit vijf projectoren die een ruimte van 28 meter lang en 8 meter breed verlichten. De opstelling zet gegevens (tekst, geluiden, foto's en films) om in streepjescodes en binaire patronen van enen en nullen.
Tatsuo Miyajima en LED-tellers
De hedendaagse Japanse beeldhouwer en installatiekunstenaar Tatsuo Miyajima maakt in zijn kunst gebruik van elektrische circuits, video's, computers en andere gadgets. De kernconcepten van Miyajima zijn geïnspireerd door humanistische ideeën en boeddhistische leringen. De LED-tellers in zijn installaties knipperen continu in herhaling van 1 tot 9, symboliseren de reis van leven naar dood, maar vermijden de finaliteit die wordt weergegeven door 0 (nul komt nooit voor in Tatsuo's werk). De alomtegenwoordige getallen in rasters, torens en diagrammen drukken Miyajima's interesse uit in ideeën over continuïteit, eeuwigheid, verbinding en de stroom van tijd en ruimte. Onlangs werd Miyajima's 'Arrow of Time' getoond tijdens de openingstentoonstelling 'Unfinished Thoughts Visible in New York'.
Nara Yoshimoto en de boze kinderen
Nara Yoshimoto maakt schilderijen, sculpturen en tekeningen van kinderen en honden; onderwerpen die de gevoelens van verveling en frustratie uit de kindertijd weerspiegelen, en de felle onafhankelijkheid die peuters van nature hebben. De esthetiek van Yoshimoto's werk doet denken aan traditionele boekillustraties, een mengeling van rusteloze spanning en de liefde van de kunstenaar voor punkrock. In 2011 de eerste persoonlijke tentoonstelling Yoshimoto getiteld "Yoshitomo Nara: Nobody's Fool", die de twintigjarige carrière van de hedendaagse Japanse kunstenaar beslaat. De exposities waren nauw verbonden met de jeugdsubculturen van de wereld, hun vervreemding en protest.
Yayoi Kusama en de ruimte groeien uit tot vreemde vormen
Verbazingwekkend creatieve biografie Kusama's Yayoi beslaat zeven decennia. Gedurende deze tijd slaagde de geweldige Japanse vrouw erin de gebieden schilderkunst, grafiek, collage, beeldhouwkunst, film, graveren, omgevingskunst, installatie, maar ook literatuur, mode en kledingontwerp te bestuderen. Kusama ontwikkelde een zeer onderscheidende stijl van dot art die haar handelsmerk is geworden. De illusoire visioenen in het werk van de 88-jarige Kusama – waarin de wereld bedekt lijkt te zijn met uitgestrekte, bizarre vormen – zijn het resultaat van hallucinaties die ze sinds haar kindertijd heeft ervaren. Kamers met kleurrijke stippen en 'oneindig'-spiegels die hun clusters reflecteren, zijn herkenbaar en kunnen met niets anders worden verward.
Japanse klassieke schilderkunst heeft een lange en interessant verhaal. De beeldende kunst van Japan wordt gepresenteerd in verschillende stijlen en genres, die elk op hun eigen manier uniek zijn. Oude geschilderde beeldjes en geometrische motieven gevonden op bronzen dotaku-klokken en aardewerkscherven dateren uit 300 na Christus.
Boeddhistische oriëntatie van kunst
De kunst van het muurschilderingen was in de 6e eeuw vrij goed ontwikkeld in Japan; vooral afbeeldingen met het thema boeddhistische filosofie waren populair. In die tijd werden er in het land grote tempels gebouwd en de muren waren overal versierd met fresco's die waren geschilderd op basis van scènes uit boeddhistische mythen en legenden. Oude voorbeelden van muurschilderingen worden nog steeds bewaard in de Horyuji-tempel nabij de Japanse stad Nara. Horyuji-muurschilderingen tonen scènes uit het leven van Boeddha en andere goden. De artistieke stijl van deze muurschilderingen ligt zeer dicht bij het picturale concept dat populair was in China tijdens de Song-dynastie.
De schilderstijl van de Tang-dynastie werd vooral populair in het midden van de Nara-periode. De fresco's die in het Takamatsuzuka-graf zijn ontdekt, dateren uit deze periode rond de 7e eeuw na Christus. De artistieke techniek, gevormd onder invloed van de Tang-dynastie, vormde vervolgens de basis van het schildergenre kara-e. Dit genre behield zijn populariteit tot het verschijnen van de eerste werken in de Yamato-e-stijl. De meeste fresco's en pittoreske meesterwerken horen bij de borstel onbekende auteurs Tegenwoordig worden veel van de werken uit die periode bewaard in de schatkamer van Sesoin.
De groeiende invloed van nieuwe boeddhistische scholen zoals Tendai had een grote invloed religieuze oriëntatie Japanse beeldende kunst in de 8e en 9e eeuw. In de 10e eeuw, waarin een bijzondere vooruitgang plaatsvond in het Japanse boeddhisme, verscheen het genre raigozu, ‘welkomstschilderijen’, die de aankomst van de Boeddha in het Westerse Paradijs uitbeeldden. Vroege voorbeelden van raigozu, die dateren uit 1053, zijn te zien in de Bedo-in-tempel, die bewaard blijft in de stad Uji, in de prefectuur Kyoto.
Veranderende stijlen
Halverwege de Heian-periode werd de Chinese kara-e-stijl vervangen door het Yamato-e-genre, dat lange tijd een van de meest populaire en gewilde genres van de Japanse schilderkunst werd. Nieuw pittoreske stijl voornamelijk gebruikt bij het schilderen van kamerschermen en schuifdeuren. Na verloop van tijd verhuisde yamato-e ook naar horizontale emakimono-rollen. Kunstenaars die in het emaki-genre werkten, probeerden in hun werken alle emotionaliteit van de gekozen plot over te brengen. De Genji Monogatari-rol bestond uit verschillende aan elkaar geregen afleveringen, waarbij kunstenaars uit die tijd snelle penseelstreken en heldere, expressieve kleuren gebruikten.
E-maki is een van de oudste en meest uitmuntende voorbeelden Otoko-e, een genre waarin mannelijke portretten worden afgebeeld. Vrouwenportretten gemarkeerd in apart genre onna-uh. Tussen deze genres zijn, net als tussen mannen en vrouwen, behoorlijk grote verschillen zichtbaar. De onna-e-stijl is kleurrijk weergegeven in het ontwerp van The Tale of Genji, waarbij de hoofdthema's van de tekeningen romantische onderwerpen en scènes uit het hofleven zijn. Heren stijl otoko-e is overwegend artistiek beeld historische veldslagen en andere belangrijke gebeurtenissen in het leven van het rijk.
De klassieke Japanse kunstacademie is een vruchtbare voedingsbodem geworden voor de ontwikkeling en promotie van de ideeën van de hedendaagse kunst in Japan, waarin de invloed van popcultuur en anime duidelijk zichtbaar is. Een van de beroemdste Japanse kunstenaars van onze tijd kan Takashi Murakami worden genoemd, wiens werk is gewijd aan het weergeven van scènes uit het Japanse leven in de naoorlogse periode en het concept van maximale fusie. beeldende kunst en mainstream.
Van beroemde Japanse kunstenaars klassieke school we kunnen het volgende noemen.
Gespannen Xubun
Syubun werkte aan het begin van de 15e eeuw en besteedde veel tijd aan het bestuderen van de werken van Chinese meesters uit de Song-dynastie. Deze man stond aan de oorsprong van het Japans visueel genre. Shubun wordt beschouwd als de grondlegger van de sumi-e-stijl, het schilderen met monochrome inkt. Hij heeft veel moeite gedaan om het nieuwe genre populair te maken en er een van de leidende gebieden van de Japanse schilderkunst van te maken. Er waren veel studenten van Syubun, die dat later ook werden beroemde artiesten, waaronder Sesshu en de oprichter van de beroemde kunstacademie, Kano Masanobu. Veel landschappen werden toegeschreven aan Xubun, maar zijn beroemdste werk wordt traditioneel beschouwd als ‘Lezen in een bamboebos’.
Ogata Korin (1658-1716)
Ogata Korin is een van de grote artiesten in de geschiedenis van de Japanse schilderkunst, de grondlegger en een van de helderste vertegenwoordigers artistieke stijl rimpa. Korine stapte moedig af van traditionele stereotypen in zijn werken en vormde zijn eigen stijl, waarvan de belangrijkste kenmerken kleine vormen en een helder impressionisme van de plot waren. Korin staat bekend om zijn bijzondere vaardigheid in het weergeven van de natuur en het werken met abstracte kleurcomposities. “Plum Blossom Red and White” is een van de beroemdste werken van Ogata Korin; zijn schilderijen “Chrysanthemums”, “Waves of Matsushima” en een aantal andere zijn ook bekend.
Hasegawa Tohaku (1539-1610)
Tohaku is de grondlegger van de Japanse kunstschool Hasegawa. De vroege periode van Tohaku's werk wordt gekenmerkt door de invloed van de beroemde school van de Japanse schilderkunst 
Kano, maar na verloop van tijd vormde de kunstenaar zijn eigen unieke stijl. Tohaku's werk werd grotendeels beïnvloed door de werken erkende meester Sesshu, Hosegawa beschouwde zichzelf zelfs als de vijfde opvolger van deze grote meester. Hasegawa Tohaku's schilderij "Pines" ontvangen wereldfaam, zijn werken "Maple", "Pines and Flowering Plants" en anderen zijn ook bekend.
Kano Eitoku (1543-1590)
De Kano-schoolstijl domineerde ongeveer vier eeuwen lang de beeldende kunst van Japan, en Kano Eitoku is misschien wel een van de beroemdste en meest prominente vertegenwoordigers van deze kunstacademie. Eitoku kreeg de voorkeur van de autoriteiten, het beschermheerschap van aristocraten en rijke beschermheren kon niet anders dan bijdragen aan de versterking van zijn school en de populariteit van zijn werken, ongetwijfeld zeer getalenteerde kunstenaar. Het Cypress-schuifscherm met acht panelen, geschilderd door Eitoku Kano, is een waar meesterwerk en een lichtend voorbeeld van de reikwijdte en kracht van de Monoyama-stijl. Andere werken van de meester zien er niet minder interessant uit, zoals 'Vogels en bomen van de vier seizoenen', ' Chinese leeuwen", "De kluizenaars en de fee" en vele anderen.
Katsushika Hokusai (1760-1849)
Hokusai is de grootste meester van het genre ukiyo-e (Japanse houtsnede). Hokusai's werk heeft wereldwijde erkenning gekregen, zijn bekendheid in andere landen is niet te vergelijken met de populariteit van de meeste Aziatische kunstenaars, zijn werk “The Great Wave off Kanagawa” is een soort visitekaartje Japanse beeldende kunst op de wereldkunstscène. Op jezelf creatief pad Hokusai gebruikte meer dan dertig pseudoniemen; na zestig wijdde de kunstenaar zich volledig aan de kunst, en deze keer werd deze als de meest beschouwd vruchtbare periode zijn creativiteit. Hokusai's werken beïnvloedden het werk van westerse meesters van het impressionisme en de postimpressionistische periode, waaronder het werk van Renoir, Monet en van Gogh.
Het is onwaarschijnlijk dat Yayoi Kusama een antwoord kan geven op wat de basis vormde van haar carrière als kunstenaar. Ze is 87 jaar oud en haar kunst wordt over de hele wereld erkend. Binnenkort zijn er grote tentoonstellingen van haar werk in de VS en Japan, maar ze heeft nog niet alles aan de wereld verteld. “Het is nog onderweg. Ik ga dit in de toekomst creëren", zegt Kusama. Ze wordt de meest succesvolle artiest van Japan genoemd. Bovendien is ze de duurste levende kunstenaar: in 2014 werd haar schilderij ‘White No. 28’ verkocht voor $ 7,1 miljoen.
Kusama woont in Tokio en verblijft al bijna veertig jaar vrijwillig in een psychiatrisch ziekenhuis. Eén keer per dag verlaat ze de muren om te schilderen. Ze staat om drie uur 's ochtends op, kan niet slapen en wil haar tijd productief op het werk besteden. "Ik ben nu oud, maar ik ga nog steeds creëren meer werk en de beste werken. Meer dan ik in het verleden heb gedaan. Mijn hoofd zit vol met beelden”, zegt ze.
(Totaal 17 foto's)
Yayoi Kusama op een tentoonstelling van zijn werk in Londen in 1985. Foto: NILS JORGENSEN/REX/Shutterstock
Van negen tot zes werkt Kusama vanuit een rolstoel in zijn drie verdiepingen tellende studio. Ze kan lopen, maar is te zwak. Een vrouw werkt op canvas dat op tafels ligt of aan de vloer is bevestigd. Het atelier staat vol met nieuwe schilderijen, heldere werken bezaaid met kleine vlekjes. De kunstenares noemt dit 'zelfstillegging': een eindeloze herhaling die het lawaai in haar hoofd overstemt.
Vóór de Praemium Imperiale-kunstprijzen 2006 in Tokio. Foto: Sutton-Hibbert/REX/Shutterstock
Aan de overkant van de straat wordt binnenkort een nieuwe galerie geopend en ten noorden van Tokio wordt een nieuw museum voor haar kunst gebouwd. Daarnaast openen er twee grote tentoonstellingen van haar werk. "Yayoi Kusama: oneindige spiegels", een overzichtstentoonstelling van haar 65-jarige carrière, opende op 23 februari in het Hirshhorn Museum in Washington en loopt tot en met 14 mei, voordat ze naar Seattle, Los Angeles, Toronto en Cleveland reist. De tentoonstelling omvat 60 schilderijen van Kusama.
Haar stippen bedekken alles, van Louis Vuitton-jurken tot bussen in haar geboortestad. Kusama's werk wordt regelmatig voor miljoenen dollars verkocht en is over de hele wereld te vinden, van New York tot Amsterdam. Tentoonstellingen van de werken van de Japanse kunstenaar zijn zo populair dat maatregelen nodig zijn om drukte en rellen te voorkomen. In de Hirshhorn worden bijvoorbeeld voor een bepaalde tijd kaartjes voor de tentoonstelling verkocht om op de een of andere manier de bezoekersstroom te reguleren.
Presentatie van het gezamenlijke ontwerp van Louis Vuitton en Yayoi Kusama in New York in 2012. Foto: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock
Maar Kusama heeft nog steeds goedkeuring van buitenaf nodig. Toen haar in een interview werd gevraagd of ze haar doel om tientallen jaren geleden rijk en beroemd te worden had bereikt, zei ze verrast: “Toen ik klein was, was het voor mij heel moeilijk om mijn moeder ervan te overtuigen dat ik kunstenaar wilde worden. Is het echt waar dat ik rijk en beroemd ben?
Kusama werd in 1929 geboren in Matsumoto, in de bergen van centraal Japan, in een rijke en conservatieve familie die zaailingen verkocht. Maar het was geen gelukkig huis. Haar moeder verachtte haar vreemdgaande echtgenoot en stuurde de kleine Kusama om hem te bespioneren. Het meisje zag haar vader met andere vrouwen, en dit bezorgde haar een levenslange afkeer van seks.
Louis Vuitton-boetieketalage ontworpen door Kusama in 2012. Foto: Joe Schildhorn/BFA/REX/Shutterstock
Als kind begon ze visuele en auditieve hallucinaties te ervaren. De eerste keer dat ze de pompoen zag, stelde ze zich voor dat hij tegen haar praatte. De toekomstige kunstenaar ging om met de visioenen door herhalende patronen te creëren om de gedachten in haar hoofd te overstemmen. Zelfs op zo’n jonge leeftijd werd kunst voor haar een soort therapie, die ze later ‘kunstgeneeskunde’ zou noemen.
Werk van Yayoi Kusama te zien in het Whitney Museum of Contemporary Art in 2012. Foto: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock
Kusama's moeder was fel gekant tegen de wens van haar dochter om kunstenaar te worden en stond erop dat het meisje zou volgen traditionele manier. ‘Ze liet me niet tekenen. Ze wilde dat ik ging trouwen”, zei de kunstenaar in een interview. - Ze heeft mijn werk weggegooid. Ik wilde mezelf voor een trein werpen. Elke dag had ik ruzie met mijn moeder, en daardoor werd mijn geest beschadigd.”
In 1948, na het einde van de oorlog, ging Kusama naar Kyoto om de traditionele Japanse nihonga-schilderkunst met strikte regels te bestuderen. Ze haatte dit soort kunst.
Een van de exposities van de Yayoi Kusama-tentoonstelling in het Whitney Museum of Contemporary Art in 2012. Foto: Billy Farrell Agency/REX/Shutterstock
Toen Kusama in Matsumoto woonde, vond ze een boek van Georgia O'Keeffe en was verbaasd over de schilderijen ervan. Het meisje ging naar de Amerikaanse ambassade in Tokio om in het telefoonboek daar een artikel over O’Keefe te zoeken en haar adres te achterhalen. Kusama schreef haar een brief en stuurde haar enkele tekeningen, en tot haar verbazing antwoordde de Amerikaanse kunstenaar haar.
“Ik kon mijn geluk niet geloven! Ze was zo aardig dat ze reageerde op de plotselinge uitbarsting van gevoelens van de bescheidenen Japanse meisjes, die ze nog nooit in haar leven had ontmoet of zelfs maar van had gehoord”, schreef de kunstenaar in haar autobiografie “Infinity Net.”
Yayoi Kusama in haar Louis Vuitton-boetieketalage in New York in 2012. Foto: Nils Jorgensen/REX/Shutterstock
Ondanks O'Keeffe's waarschuwingen dat het leven erg moeilijk was voor jonge kunstenaars in de Verenigde Staten, om nog maar te zwijgen van alleenstaande jonge meisjes in Japan, was Kusama niet te stoppen. In 1957 slaagde ze erin een paspoort en visum te verkrijgen. Ze naaide dollars in haar jurken om de strenge naoorlogse valutacontroles te omzeilen.
De eerste stop was Seattle, waar ze een tentoonstelling hield in een kleine galerie. Toen ging Kusama naar New York, waar ze bitter teleurgesteld was. “In tegenstelling tot het naoorlogse Matsumoto was New York in alle opzichten een kwaadaardige en gewelddadige plek. Het bleek te stressvol voor mij en al snel raakte ik verwikkeld in een neurose.” Tot overmaat van ramp bevond Kusama zich in volledige armoede. Een oude deur deed dienst als bed en ze viste vissenkoppen en rotte groenten uit vuilnisbakken om er soep van te maken.
Installatie Infinity Mirror Room - Love Forever (“Kamer met oneindige spiegels - love forever”). Foto: Tony Kyriacou/REX/Shutterstock
Deze moeilijke situatie was voor Kusama aanleiding om zich nog meer in zijn werk te verdiepen. Ze begon haar eerste schilderijen te maken in de Infinity Net-serie, waarbij ze enorme doeken bedekte (een ervan was 10 meter hoog) met betoverende golven van kleine lussen die nooit leken te eindigen. De kunstenaar omschreef ze zelf als volgt: “Witte netwerken die zwarte stippen van de stille dood omhullen tegen de achtergrond van de hopeloze duisternis van het niets.”
Installatie van Yayoi Kusama bij de opening van het nieuwe gebouw van het Garage Museum of Contemporary Art in het Gorky Park in Moskou in 2015. Foto: David X Prutting/BFA.com/REX/Shutterstock
Deze obsessief-compulsieve herhaling hielp de neurose te verdrijven, maar hielp niet altijd. Kusama leed voortdurend aan psychoses en belandde in een ziekenhuis in New York. Omdat ze ambitieus en doelbewust was en met plezier de rol aanvaardde van een exotische Aziatische vrouw in een kimono, sloot ze zich aan bij de menigte invloedrijke mensen in de kunst en communiceerde ze met zulke mensen. erkende kunstenaars, zoals Mark Rothko en Andy Warhol. Kusama zei later dat Warhol haar werk imiteerde.
Kusama kreeg al snel enige bekendheid en exposeerde in drukke galerijen. Bovendien werd de bekendheid van de kunstenaar schandalig.
In de jaren zestig, terwijl Kusama geobsedeerd was door stippen, begon ze evenementen in New York City te organiseren, waarbij ze mensen aanmoedigde zich uit te kleden in plaatsen als Central Park en de Brooklyn Bridge en hun lichaam met stippen te beschilderen.
Voorvertoning op Art Basel in Hong Kong in 2013. Foto: Billy Farrell/BFA/REX/Shutterstock
Tientallen jaren vóór de Occupy Wall Street-beweging organiseerde Kusama een happening in het financiële district van New York, waarin ze verklaarde dat ze 'de mannen van Wall Street met stippen wilde vernietigen'. Rond deze tijd begon ze te bedekken diverse artikelen- een stoel, een boot, een kinderwagen - met fallisch uitziende uitsteeksels. “Ik begon penissen te maken om mijn gevoelens van afkeer van seks te genezen”, schreef de kunstenaar, waarin hij beschreef hoe dit gebeurde creatief proces geleidelijk het verschrikkelijke veranderen in iets vertrouwds.
Installatie "Passing Winter" in de Tate Gallery in Londen. Foto: James Gourley/REX/Shutterstock
Kusama is nooit getrouwd, hoewel ze tien jaar lang een huwelijksachtige relatie had met kunstenaar Joseph Cornell toen ze in New York woonde. “Ik hield niet van seks en hij was impotent, dus we pasten heel goed bij elkaar”, zei ze in een interview met Art Magazine.
Kusama werd steeds bekender vanwege haar capriolen: ze bood aan om met de Amerikaanse president Richard Nixon naar bed te gaan als hij de oorlog in Vietnam zou beëindigen. ‘Laten we elkaar versieren met stippen’, schreef ze hem in een brief. De belangstelling voor haar kunst zelf vervaagde, ze raakte uit de gratie en de geldproblemen begonnen opnieuw.
Yayoi Kusama tijdens een overzichtstentoonstelling van haar werk in het Whitney Museum of Modern Art in New York in 2012. Foto: Steve Eichner/Penske Media/REX/Shutterstock
Het nieuws over Kusama's escapades bereikte Japan. Ze werd een 'nationale ramp' genoemd en haar moeder zei dat het beter zou zijn als haar dochter in haar kindertijd aan de ziekte zou overlijden. Begin jaren zeventig keerde Kusama, verarmd en mislukt, terug naar Japan. Ze meldde zich aan in een psychiatrisch ziekenhuis, waar ze nog steeds woont, en raakte in de artistieke vergetelheid.
In 1989 organiseerde het Center for Contemporary Art in New York een overzichtstentoonstelling van haar werk. Dit was het begin, zij het langzaam, van een heropleving van de belangstelling voor Kusama's kunst. Ze vulde een spiegelkamer met pompoenen voor een installatie die te zien was Biënnale van Venetië in 1993 en in 1998 vond het plaats grote tentoonstelling in het MoMa Museum of Modern Art in New York. Hier organiseerde ze ooit een happening.
Bij de tentoonstelling My Eternal Soul in het National Art Center in Tokyo, februari 2017. Foto: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock
Yayoi Kusama is de afgelopen jaren uitgegroeid tot een internationaal fenomeen. De Tate Modern Gallery in Londen en het Whitney Museum in New York hielden grote retrospectieven die enorme menigten bezoekers trokken, en het iconische stippenpatroon werd zeer herkenbaar.
Bij de tentoonstelling My Eternal Soul in het National Art Center in Tokyo, februari 2017. Foto: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock
De kunstenaar heeft geen plannen om te stoppen met werken, maar begint na te denken over haar sterfelijkheid. “Ik weet niet hoe lang ik kan overleven, zelfs na de dood. Er is een toekomstige generatie die in mijn voetsporen treedt. Het is voor mij een eer als mensen met plezier naar mijn werk kijken en geraakt worden door mijn kunst.”
Bij de tentoonstelling My Eternal Soul in het National Art Center in Tokyo, februari 2017. Foto: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock
Ondanks de commercialisering van haar kunst denkt Kusama na over het graf in Matsumoto - niet in de familiecrypte, ze heeft het toch van haar ouders geërfd - en hoe je er geen heiligdom van kunt maken. ‘Maar ik ga nog niet dood. Ik denk dat ik nog twintig jaar zal leven”, zegt ze.
Bij de tentoonstelling My Eternal Soul in het National Art Center in Tokyo, februari 2017. Foto: Masatoshi Okauchi/REX/Shutterstock
