(Tara Leaverin “Öz bədii üslubunuzu tapmaq: Praktik bələdçi” məqaləsinin tərcüməsi –
Bir çoxumuz üçün öz tanınan bədii üslubumuzu tapmaq böyük çətinlik yaradır. Bu, təkcə rəsm çəkməyə yeni başlayanlara deyil, həm də təcrübəli rəssamlara da aiddir.
Ola bilsin ki, siz müəllimlərinizin müxtəlif tənqidlərini xatırlayaraq və ya müxtəlif kurslardan alınan müxtəlif mümkün ideyaların və ilhamların çoxluğunda itib-batmadan, fırça kətana toxunmazdan əvvəl şübhə etməyə başlayırsınız. Və ya bəlkə hər ikisi birdən!
Təəccüblü deyil ki, öz stilinizi tapdığınız zaman özünüzü heyrətamiz hiss edəcəksiniz!
Bu gün görürəm öz üslubunuzu tapmaq və inkişaf etdirmək üçün bir neçə sadə yol.
Hər insanda var, sadəcə ona özünü ifadə etməsinə kömək etmək lazımdır. Biz bunu daimi məşq və məşq vasitəsilə inkişaf etdiririk, lakin şüursuz bir hissə də var, o da "əllər" vasitəsilə deyil, ürəkdən gəlir.
Bilirəm ki, bu fikir açıq görünür, amma məhz bu birləşmə bizə fərdi üslubumuzu inkişaf etdirməyə başlamağa imkan verir. Kənardan qəbul edilən bu fikir sizə yaradıcılığınızı araşdırmağa və üslubunuzu tapmağa haradan başlamaq barədə daha aydın fikir verir.
Aşağıda oxuduqlarınız bu mövzu ilə bağlı hərtərəfli məlumat üçün nəzərdə tutulmayıb. Bunlar öz yolunuzu tapmaq üçün yalnız başlanğıc nöqtələridir.
Ən son işinizi götürün, elə yerləşdirin ki, baxa biləsiniz. Yol boyu reaksiyalarınızı və müşahidələrinizi qeyd edərək suallara ardıcıl cavab verin. İstəsəniz, yazılı qeydlər edə bilərsiniz.
Biz xəzinə axtarışına çıxırıq!
Əsas xəzinə sizin öz yaradıcılığınızdır.
Ən çox nə çəkdiyinizi düşünün
- Sizi rəsm çəkməyə ən çox hansı mövzular və mövzular cəlb edir? Cavab verməkdə çətinlik çəkirsinizsə, cavab axtarmaq üçün rəsmlərinizə və əsərləri olan qovluqlara baxın.
Şəxsən mən hekayələrdə üstünlüklərimi, müəyyən bir mövzu üzərində nə qədər tez-tez işlədiyimi xatırlamağa çalışıram. Evin bir yerində dəftərdən bir kağız parçası var, orada bu məlumatları yazıram. Beləliklə, rəsmdə sevdiyim mövzu ilə bağlı suala cavab verməkdə çətinlik çəkəndə özümə və ya bu vərəqə baxıram.
Beləliklə, mən qayıq çəkməyi sevirəm! Həm də balıqlar, fiqurlar və ağaclar.
Sevimli mövzuların siyahısının bu mərhələdə tam və ya hərtərəfli olması lazım deyil. Başlanğıc nöqtəsinə sahib olmaq üçün onlardan bir neçəsini özünüz üçün vurğulamaq kifayətdir.
Ağaclar mövzusunda eksperimentlər və yaradıcılıq axtarışları olan əsərlər seçimi. Əsərləri birləşdirən ümumi xüsusiyyətləri görə bilərsiniz - qıvrımlı xətlər və kontur çəkmə.
Hansı rəngləri xoşlayırsınız?
- Standart rəng palitrası haqqında düşünün.
- Son işiniz təkrarlanan rəng seçimləri haqqında sizə nə deyə bilər?
Bu yaxınlarda mənim iş palitrama aqua, mavi, Nepal sarısı, flüoresan çəhrayı və ağ daxildir, bunun üçün Gesso akril astarından istifadə edirəm. Bu, mənə çoxlu tündlər, ortalar və işıqlandırmalar verir. Mən bu rənglərlə oynamaqdan həqiqətən həzz alıram, onlar mənim ehtiyac və ehtiyaclarıma mükəmməl uyğun gəlir.
Bəs sən?
Solda mənim fotoşəkilim, sağda onun əsasında çəkilmiş rəsm var. “Mənim” palitramdakı rənglərdən və eksperimental üsullardan istifadə etdim.
Stilinizin xüsusiyyətləri nələrdir?
- Nəyə üstünlük verirsiniz - qrafik xətlər və ya böyük rəng sahələri ilə işləmək?
- Fırça ilə işləyərkən qeyri-adi üsullardan istifadə etməyi xoşlayırsınız?
- Və ya bəlkə çiləmə üçün diş fırçasından istifadə etməməyi üstün tutursunuz?
- Siz sözdə naxışlar, dizaynlar yaratmağı sevirsiniz, yoxsa daha çox təxəyyül və əhatə dairəsi ilə işləməyi üstün tutursunuz?
Mənim üslubumun xüsusiyyətləri kontur xətləridir, çox vaxt qeyri-bərabər və bulanıq, bəzən rəngdə "çirkli" olur. Mən Egon Schiele-nin əsərlərindən ilham alıram. Mən də əsəbi rəng kontrastlarını və mürəkkəb, çevik dizaynları sevirəm.
Yaradıcılığınızdan məmnunluq hissi verən hansı texnikaları xüsusilə bəyəndiyinizi və onlara yaxın olduğunuzu təhlil edin. Onları inkişaf etdirin və gələcək işlərinizdə onlara əməl edin.
Qoz rəngli mürəkkəblə çəkilmiş balıq təsviri. Xətlərlə sınaq keçirin.
Hansı texnika və ya bədii materialı bəyənirsiniz?
- Sizdə onlardan bir neçəsi ola bilər. Ən çox nəyi bəyənirsiniz?
Yağlı pastellərlə işləməyi çox sevirəm. Ancaq ən çox akril ilə işləməyi və işimdə orta istifadə etməyi xoşlayıram. Bu mənə boyaların qurutma prosesini idarə etməyə və nəticə ilə oynamağa imkan verir. Hər şey tez quruyur və təmizləmək də asan olur.
Bir sevimli texnikanız varsa, bu o deməkdir ki, siz onun bütün imkanlarını araşdıra, bacarıqlarınızı və buna görə də ümumilikdə işinizi təkmilləşdirə bilərsiniz.
Bu iş üçün istinadlardan istifadə etməmişəm. Mənim sevimli materiallarımdan yalnız ikisi var - akril və yağlı pastel.
Sizi nə ruhlandırır?
Beləliklə, stilinizi axtararkən xüsusi diqqət yetirməli olduğunuz əsas məsələlərə nəzər saldıq. İndi bir az kənara çıxaq, başqa rəssamların işlərinə baxaq və onlardan özümüz üçün nə götürə biləcəyimizi düşünək.
Əvvəlki dörd suala cavab verdikdən sonra bunu etməyi məsləhət görürəm. Digər rəssamların işini nəzərdən keçirməyə və qiymətləndirməyə başlamazdan əvvəl ilk növbədə öz yaradıcılığınızı başa düşməlisiniz.
Əgər işinizin əsas xüsusiyyətlərini müəyyən etdiyinizə əminsinizsə, bu sizin üslubunuza və dünyaya baxışınıza bənzər digər rəssamların əsərlərini tapmağı asanlaşdırır. Onların işini qiymətləndirmək, işinizə, üslubunuza əlavə etmək istədiyiniz xüsusiyyətləri axtarmaq daha asan olacaq.
Vizual məlumatları toplamaq və paylaşmaq üçün nəzərdə tutulmuşdur. Fərqli şəkillər, fotoşəkillər və şəkillər dənizi var. Bir neçə əsas sual verin və nəticələrə baxın.
Siz öz şəxsi lövhənizi yarada bilərsiniz, orada sizi ruhlandıracaq və maraqlandıracaq hər şeyi toplayacaqsınız (Saxlayın!) - istər bir şəkildə maraqlı kompozisiya, istərsə də digərinin rəng palitrası, üçüncüdə rəssamın üslubu və ya süjet olsun. dörddə biri.
Lövhəmdə başqa rəssamların rəsmlərini yığmıram. Mənə ilham vermədikləri üçün bunu etmirəm. Mən sadəcə yaratmağa başladığım anda başqa rəssamların çəkdiklərindən azad olmaq, öz mövzularımı və həll yollarımı axtarmaq istəyirəm.
İstinad fotoşəkilləri (rəsm üçün foto mənbələri) bu işdə sizə qismən kömək edəcəkdir. Onlar sizə yaxşı xidmət edə bilər, ona görə də onları əlinizdə saxlayın və ya sizi ruhlandıran şəkilləri Pinterest lövhənizdə saxlayın.
Bundan əlavə, topladığınız fotoşəkillərə diqqətlə baxaraq, bu anda sizin üçün nəyin maraqlı olduğu və bundan sonra nə edəcəyiniz barədə ipuçlarını mütləq görəcəksiniz.
Bəli, Pinterest dovşan dəliyi kimidir! Özünüzü ondan qopara bilmirsinizsə, taymer təyin edin.
Solda Pinterest-dən bir şəkil, sağda bu fotodan ilhamlanan işim var.
Başlayan rəssamların səhvləri
Rəssamlığın üslubları və istiqamətləriÜslub və tendensiyaların sayı sonsuz deyilsə, çox böyükdür. İncəsənətdə üslubların aydın sərhədləri yoxdur, onlar rəvan şəkildə bir-birinə çevrilir və davamlı inkişaf, qarışma və qarşıdurma içərisindədirlər. Bir tarixi bədii üslub çərçivəsində həmişə yenisi yaranır, o da öz növbəsində digərinə keçir. Bir çox üslub eyni vaxtda mövcuddur və buna görə də "təmiz üslublar" ümumiyyətlə yoxdur.
Abstraksionizm (latınca abstractio - aradan qaldırma, yayındırma) - reallığa yaxın formaların təsvirindən imtina edən sənətdə bədii istiqamət.
Avanqard, avanqard (Fransız avanqardından - avanqard) - 20-ci əsrin incəsənətində bədii nümayişin yeni forma və vasitələrinin axtarışı, ənənələrin qiymətləndirilməməsi və ya tamamilə inkar edilməsi və ənənələrin mütləqləşdirilməsi ilə xarakterizə olunan bədii cərəyanların ümumi adı. yenilik.
Akademiklik (Fransız akademiyasından) - 16-19-cu əsrlər Avropa rəssamlığında bir istiqamət. Klassik sənətin zahiri formalarına doqmatik bağlılığa əsaslanırdı. İzləyicilər bu üslubu qədim antik dünya və İntibah dövrünün sənət forması üzərində əks etdirmə kimi xarakterizə etdilər. Akademiklik gözəllik normasını kompensasiya etməklə yanaşı, təbiət obrazının ideallaşdırıldığı qədim sənət ənənələrini tamamlayırdı. Annibale, Agostino və Lodovico Carracci bu üslubda yazıblar.
Aksionizm (ingiliscə fəaliyyət sənətindən - hərəkət sənəti) - 1960-cı illərin avanqard sənətində yaranan baş verən, performans, hadisə, proses sənəti, nümayiş sənəti və bir sıra başqa formalar. Aksiyonizm ideologiyasına uyğun olaraq rəssam hadisə və prosesləri təşkil etməlidir. Aksionizm sənət və reallıq arasındakı sərhədi bulanıqlamağa çalışır.
İmperiya üslubu (Fransız imperiyasından - imperiya) - 19-cu əsrin əvvəllərində, Napoleon Bonapartın Birinci İmperiyası dövründə Fransada yaranan memarlıq və dekorativ sənət üslubu. İmperiya üslubu klassizmin inkişafının finalıdır. Əzəmət, incəlik, dəbdəbə, güc və hərbi gücü təcəssüm etdirmək üçün İmperiya üslubu qədim sənətə müraciət ilə xarakterizə olunur: qədim Misir dekorativ formaları (hərbi kuboklar, qanadlı sfenkslər...), Etrusk vazaları, Pompey rəsmləri, Yunan və Roma dekorasiyası , İntibah freskaları və ornamentləri. Bu üslubun əsas nümayəndəsi J.L. David ("Horatiin andı" (1784), "Brutus" (1789) rəsmləri) idi.
yeraltı (ingilis dilindən yeraltı - yeraltı, zindan) - müasir incəsənətdə kütləvi mədəniyyət və əsas cərəyanla ziddiyyət təşkil edən bir sıra bədii cərəyanlar. Yeraltı cəmiyyət tərəfindən qəbul edilmiş siyasi, əxlaqi və etik oriyentasiyaları və davranış növlərini rədd edir və pozur, gündəlik həyata antisosial davranışlar daxil edir. Sovet dövründə rejimin sərtliyi ilə demək olar ki, hər şey qeyri-rəsmi, yəni. Səlahiyyətlilər tərəfindən tanınmayan sənətin yeraltı olduğu ortaya çıxdı.
Art Nouveau (Fransız art nouveau, hərfi mənada - yeni sənət) bir çox ölkələrdə (Belçika, Fransa, İngiltərə, ABŞ və s.) yayılmış Art Nouveau üslubunun adıdır. Bu rəsm üslubunun ən məşhur rəssamı: Alphonse Mucha.
Art Deco (Fransız art deco-dan, dekorativdən qısaldılmış) - 20-ci əsrin ortalarında avanqard və neoklassizmin sintezini qeyd edən, konstruktivizmi əvəz edən sənət istiqaməti. Bu tendensiyanın fərqli xüsusiyyətləri: yorğunluq, həndəsi xətlər, lüks, qəşəng, bahalı materiallar (fil sümüyü, timsah dərisi). Bu cərəyanın ən məşhur rəssamı Tamara de Lempickadır (1898-1980).
Barokko (italyan dilindən barokko - qəribə, qəribə və ya Port. perola barroca - qeyri-düzgün formalı mirvari, bu sözün mənşəyi haqqında başqa fərziyyələr də var) - son İntibah dövrü sənətində bədii üslub. Bu üslubun fərqli xüsusiyyətləri: şişirdilmiş ölçülər, qırıq xətlər, dekorativ detalların bolluğu, ağırlıq və böyüklük.
İntibah və ya İntibah (Fransız renessansından, italyanca rinascimento) Avropa mədəniyyəti tarixində orta əsrlər mədəniyyətini əvəz edən və müasir dövr mədəniyyətini qabaqlayan dövrdür. Dövrün təxmini xronoloji çərçivəsi XIV-XVI əsrlərdir. İntibah dövrünün fərqli xüsusiyyəti mədəniyyətin dünyəvi təbiəti və onun antroposentrizmidir (yəni, ilk növbədə insana və onun fəaliyyətinə maraq). Qədim mədəniyyətə maraq yaranır, onun “dirçəlişi” sanki baş verir - bu termin belə yaranıb. Rəssamlar ənənəvi dini mövzularda şəkillər çəkərkən yeni bədii üsullardan istifadə etməyə başladılar: üçölçülü kompozisiya qurmaq, fonda mənzərədən istifadə etməklə, bu da onlara təsvirləri daha real və animasiya etməyə imkan verib. Bu, onların işlərini əvvəlki ikonoqrafik ənənədən kəskin şəkildə fərqləndirdi, təsvirdəki konvensiyalarla dolu idi. Bu dövrün ən məşhur rəssamları: Sandro Botticelli (1447-1515), Leonardo da Vinci (1452-1519), Rafael Santi (1483-1520), Mikelancelo Buonarroti (1475-1564), Titian (1477-1576), Antonio (1489 -1534), Hieronymus Bosch (1450-1516), Albrecht Durer (1471-1528).
Woodland (ingilis dilindən - meşə torpağı) qayaüstü rəsmlərin simvolizmindən, Şimali Amerika hindularının miflərindən və əfsanələrindən yaranan bir sənət üslubudur.
Qotika (italyanca gotico - qeyri-adi, barbar) mədəniyyətin demək olar ki, bütün sahələrini əhatə edən və Qərbi, Mərkəzi və qismən Şərqi Avropada 12-15-ci əsrlərdə inkişaf edən orta əsrlər incəsənətinin inkişaf dövrüdür. Gothic Romanesk mədəniyyətinin nailiyyətləri əsasında yaranan Avropa orta əsr sənətinin inkişafını tamamladı və İntibah dövründə orta əsrlər sənəti "barbar" sayılırdı. Qotika sənəti məqsəd baxımından kultik, mövzu baxımından dini idi. Bu, ən yüksək ilahi güclərə, əbədiyyətə və xristian dünyagörüşünə müraciət etdi. Qotika öz inkişafında Erkən Qotika, Heyday, Son Qotikaya bölünür.
İmpressionizm (Fransız təəssüratından - təəssürat) 19-cu əsrin ortalarında Fransada yaranan, əsas məqsədi keçici, dəyişkən təəssüratları çatdırmaq olan Avropa rəssamlığında bir istiqamətdir.
Kitsch, kitsch (alman dilindən kitsch - pis dad) kütləvi mədəniyyətin ən iyrənc hadisələrindən birini ifadə edən termindir, psevdo-sənətin sinonimidir, burada əsas diqqət xarici görünüşün ekstravaqantlığına, səsin ucalığına verilir. onun elementləri. Əslində kitç postmodernizmin bir növüdür. Kitsch elita üçün kütləvi sənətdir. Kitşə aid olan əsər yüksək bədii səviyyədə hazırlanmalı, füsunkar süjetə malik olmalıdır, lakin bu, yüksək mənada əsl sənət əsəri deyil, onun məharətlə saxtalaşdırılmasıdır. Kitsch dərin psixoloji konfliktləri ehtiva edə bilər, lakin əsl bədii kəşflər və aşkarlar yoxdur.
Klassizm (latınca classicus - nümunəvi) sənətdə bədii üslubdur, onun əsasını ideal estetik standart kimi qədim sənətin və İntibah dövrünün obrazlarına və formalarına müraciət təşkil edir, bir sıra qaydalara ciddi riayət etməyi tələb edir. və kanonlar.
Kosmizm (yunan dilindən kosmos - mütəşəkkil dünya, kosma - bəzək) Kosmos biliyi və insanın Dünya vətəndaşı kimi ideyasına əsaslanan bədii və fəlsəfi dünyagörüşü, eləcə də Makrokosmosa bənzər mikrokosmosdur. . Kosmizm Kainat haqqında astronomik biliklərlə əlaqələndirilir.
Kubizm (fransızca kubdan - kub) sadə həndəsi formalara parçalanmış reallıq obyektlərini təsvir edən sənətdə modernist cərəyandır.
Lettrizm (ingilis hərfindən - məktub, mesaj) modernizmdə şriftə bənzər şəkillərin, oxunmayan mətnlərin, eləcə də hərf və mətn əsasında kompozisiyaların istifadəsinə əsaslanan bir cərəyandır.
Metarealizm, metafizik realizm (yunan dilindən meta - arasında və gealis - maddi, real) sənətdə bir istiqamətdir, onun əsas ideyası fövqəlşüur, şeylərin fövqəlfiziki təbiətini ifadə etməkdir.
Minimalizm (ingiliscə minimal art - minimal sənət sözündən götürülmüşdür) yaradıcılıq prosesində istifadə olunan materialların minimal transformasiyasına, formaların sadəliyinə və vahidliyinə, monoxromuna, rəssamın yaradıcı özünü məhdudlaşdırmasına əsaslanan bədii hərəkatdır. Minimalizm subyektivliyin, təmsilçiliyin və illüziyanın rədd edilməsi ilə xarakterizə olunur. Klassik texnikadan və ənənəvi bədii materiallardan imtina edən minimalistlər sadə həndəsi formalı və neytral rəngli (qara, boz), kiçik həcmli sənaye və təbii materiallardan istifadə edir, sənaye istehsalının seriyalı, konveyer üsullarından istifadə edirlər.
Art Nouveau (fransızca moderne - ən yeni, müasir) - asimmetriya, ornamentasiya və dekorativlik prinsiplərinə əsaslanan bədii texnikalardan istifadə etməklə müxtəlif dövrlərin sənət xüsusiyyətlərinin yenidən şərh edildiyi və stilizə edildiyi sənətdə bədii üslubdur.
Neoplastisizm mücərrəd sənətin erkən növlərindən biridir. 1917-ci ildə holland rəssamı P. Mondrian və “Stil” assosiasiyasının üzvü olan digər rəssamlar tərəfindən yaradılmışdır. Neoplastisizm, yaradıcılarına görə, qara perpendikulyar xətlərlə aydın şəkildə ayrılmış və əsas spektrin yerli rənglərinə (ağ əlavə edilməklə) boyanmış böyük düzbucaqlı fiqurların ciddi balanslaşdırılmış birləşmələrində ifadə olunan "universal harmoniya" arzusu ilə xarakterizə olunur. və boz tonlar).
Primitivizm, sadəlövh sənət, sadəlövhlük - şəkilin qəsdən sadələşdirildiyi, formalarının xalq sənəti, uşaq və ya ibtidai insanın işi kimi primitivləşdirildiyi bir rəsm üslubu.
Op-art (ingilis dilindən optik sənət - optik sənət) təsviri sənətdə neo-avanqard istiqamətdir ki, burada məkan hərəkəti, formaların birləşməsi və "üzən" effektləri kəskin rəng və tonal kontrastlar, ritmik təzahürlər tətbiq etməklə əldə edilir. təkrarlar, spiral və qəfəs konfiqurasiyalarının kəsişməsi, qıvrılma xətləri.
Orientalizm (latınca oriens - şərq) Avropa incəsənətində Şərq və Hind-Çin mövzularından, simvolizmindən və motivlərindən istifadə edən cərəyandır.
Orfizm (Fransızca orphisme, Orp?ee dən - Orpheus) 1910-cu illərdə Fransız rəssamlığında cərəyandır. Bu ad 1912-ci ildə fransız şairi Apollinaire tərəfindən rəssam Robert Delaunayın rəsminə verilmişdir. Orfizm kubizm, futurizm və ekspressionizmlə əlaqələndirilir. Bu üslubda rəngkarlığın əsas xüsusiyyətləri estetika, plastika, ritm, siluetlərin və xətlərin zərifliyidir.
Orfizm ustaları: Robert Delaunay, Sonia Turk-Delaunay, Frantisek Kupka, Francis Picabia, Vladimir Baranov-Rossinet, Fernand Léger, Morgan Russell.
Pop-art (ingilis dilindən - kəskin səs, yüngül pambıq) təsviri sənətdə neo-avanqard hərəkatdır, burada reallıq müasir şəhərləşmiş həyatın tipik obyektləri, kütləvi mədəniyyət nümunələri və insanları əhatə edən bütün süni maddi mühitdir. .
Postmodernizm (fransızca postmodernizmdən - modernizmdən sonra) ikinci dərəcəli reallığın gözəlliyinə qayıdış, povest, süjetə, melodiyaya, ikinci dərəcəli formaların harmoniyasına qayıdışda modernizmdən fərqlənən yeni bədii üslubdur. Postmodernizm müxtəlif dövrlərdən, bölgələrdən və subkulturalardan götürülmüş üslubların, obrazlı motivlərin və bədii texnikanın bir əsərdə birləşməsi ilə xarakterizə olunur.
Realizm (latınca gealis - maddi, real) incəsənətdə sosial, psixoloji və digər hadisələrin reallığa mümkün qədər yaxın təsviri ilə xarakterizə olunan istiqamətdir.
Rokoko (Fransız rokoko, rocaille sözündən götürülmüşdür) 18-ci əsrin əvvəllərində Fransada yaranmış sənət və memarlıq üslubudur. O, zərifliyi, yüngüllüyü, intim və nazlı xarakteri ilə seçilirdi. Ağır barokko üslubunu əvəz edən Rokoko həm onun inkişafının məntiqi nəticəsi, həm də bədii antipodu idi. Rokoko barokko üslubu ilə formaların tamlığı arzusu ilə birləşir, lakin barokko monumental təntənəliliyə meyl edirsə, o zaman rokoko lütf və yüngüllüyə üstünlük verir.
Simvolizm (fransızca symbolisme - işarə, müəyyən edən nişan) simvolların polisemantik və çoxşaxəli assosiativ estetikası vasitəsilə əsərin əsas ideyalarının təcəssümünə əsaslanan sənətdə bədii cərəyandır.
Sosialist realizmi, sosialist realizmi sosialist cəmiyyəti dövrü ilə müəyyən edilmiş dünya və insan haqqında sosialist-şüurlu konsepsiyanın estetik ifadəsi olan sənətdə bədii cərəyandır.
Hiperrealizm, superrealizm, fotorealizm (ingilis dilindən hiperrealizm - super realizm) - reallığın dəqiq foto reproduksiyasına əsaslanan sənət istiqaməti.
Sürrealizm (Fransız sürrealizmindən - üzərində + realizm) modernizmin istiqamətlərindən biridir, onun əsas ideyası şüuraltını ifadə etməkdir (arzu ilə reallığı birləşdirmək).
Transavantqard (latınca trans - vasitəsilə, vasitəsilə və fransız avanqard - avanqard) konseptualizmə və pop sənətinə reaksiya kimi yaranmış postmodernizmin müasir cərəyanlarından biridir. Trans-avanqard, kubizm, fovizm, futurizm, ekspressionizm və s. kimi avanqardda doğulmuş üslubların qarışmasını və çevrilməsini əhatə edir.
Ekspressionizm (fransızca ifadə - ekspressivlik sözündən götürülmüşdür) xarici aləmin obrazını yalnız müəllifin subyektiv hallarının ifadə vasitəsi kimi qəbul edən sənətdə modernist cərəyandır.
17-ci əsrdə rəsm janrlarının "yüksək" və "aşağı" bölünməsi tətbiq edildi. Birincisi tarixi, döyüş və mifoloji janrları əhatə edirdi. İkincisi, gündəlik həyatdan dünyəvi rəngkarlıq janrlarını, məsələn, gündəlik janr, natürmort, heyvan rəssamlığı, portret, çılpaq, mənzərəni əhatə edirdi.
Tarixi janr
Rəssamlıqda tarixi janr konkret obyekti və ya şəxsi deyil, keçmiş dövrlərin tarixində baş vermiş konkret anı və ya hadisəni təsvir edir. Əsas hissəyə daxildir rəsm janrları sənətdə. Portret, döyüş, məişət və mifoloji janrlar çox vaxt tarixi ilə sıx bağlıdır.
"Ermak tərəfindən Sibirin fəthi" (1891-1895)
Vasili Surikov
Rəssamlar Nikolas Poussin, Tintoretto, Eugene Delacroix, Peter Rubens, Vasili İvanoviç Surikov, Boris Mixayloviç Kustodiev və bir çox başqaları öz rəsmlərini tarixi janrda çəkiblər.
Mifoloji janr
Nağıllar, qədim əfsanə və miflər, folklor - bu mövzuların, qəhrəmanların və hadisələrin təsviri rəssamlığın mifoloji janrında öz yerini tapmışdır. Ola bilsin ki, bunu istənilən xalqın rəsmlərində ayırd etmək olar, çünki hər bir etnik qrupun tarixi əfsanə və adət-ənənələrlə doludur. Məsələn, Yunan mifologiyasının müharibə tanrısı Aresin və gözəllik ilahəsi Afroditanın gizli romantikası kimi bir süjeti Andrea Manteqna adlı italyan rəssamının "Parnassus" rəsmində təsvir edilmişdir.
"Parnassus" (1497)
Andrea Mantegna
Rəssamlıqda mifologiya nəhayət İntibah dövründə formalaşdı. Bu janrın nümayəndələri Andrea Manteqnadan başqa Rafael Santi, Giorgione, Lukas Kranaç, Sandro Botiçelli, Viktor Mixayloviç Vasnetsov və başqalarıdır.
Döyüş janrı
Döyüş rəsmləri hərbi həyatdan səhnələri təsvir edir. Çox vaxt müxtəlif hərbi kampaniyalar, eləcə də dəniz və quru döyüşləri təsvir olunur. Və bu döyüşlər çox vaxt real tarixdən götürüldüyü üçün döyüş və tarixi janrlar kəsişmə nöqtəsini burada tapır.
"Borodino döyüşü" panoramasının fraqmenti (1912)
Frans Rubo
Döyüş rəssamlığı İtaliya İntibahı dövründə rəssamlar Mikelancelo Buonarroti, Leonardo da Vinçi, daha sonra Teodor Geriko, Fransisko Qoya, Frans Alekseeviç Rubo, Mitrofan Borisoviç Grekov və bir çox başqa rəssamların əsərlərində formalaşmışdır.
Gündəlik janr
Rəssamlıqda məişət janrında istər şəhər, istərsə də kəndli həyatından asılı olmayaraq sadə insanların məişət, ictimai və ya şəxsi həyatından səhnələr təsvir olunur. Bir çox başqaları kimi rəsm janrları, gündəlik rəsmlər nadir hallarda öz formasında tapılır, portret və ya mənzərə janrının bir hissəsinə çevrilir.
"Musiqi Aləti Satıcısı" (1652)
Karel Fabricius
Gündəlik rəssamlığın mənşəyi 10-cu əsrdə Şərqdə baş vermiş və o, yalnız 17-18-ci əsrlərdə Avropa və Rusiyaya köçmüşdür. Yan Vermeer, Karel Fabricius və Qabriel Metsu, Mixail Şibanov və İvan Alekseeviç Ermenev o dövrün məişət rəsmlərinin ən məşhur rəssamlarıdır.
Animalistik janr
Animalistik janrın əsas obyektləri həm vəhşi, həm də ev heyvanları və quşları, ümumiyyətlə heyvanlar aləminin bütün nümayəndələridir. Əvvəlcə 8-ci əsrdə Çində göründüyü üçün heyvan rəsmləri Çin rəssamlığının janrlarının bir hissəsi idi. Avropada heyvan rəssamlığı yalnız İntibah dövründə formalaşmışdır - o dövrdə heyvanlar insani pislik və fəzilətlərin təcəssümü kimi təsvir edilmişdir.
"Çəmənlikdəki atlar" (1649)
Paulus Potter
Antonio Pisanello, Paulus Potter, Albrecht Durer, Frans Snayders, Albert Cuyp təsviri sənətdə heyvan rəngkarlığının əsas nümayəndələridir.
Natürmort
Natürmort janrı həyatda insanı əhatə edən əşyaları təsvir edir. Bunlar bir qrupda birləşdirilmiş cansız cisimlərdir. Belə əşyalar eyni cinsə aid ola bilər (məsələn, şəkildə yalnız meyvələr təsvir olunub) və ya bir-birinə bənzəməyən (meyvələr, qablar, musiqi alətləri, çiçəklər və s.) ola bilər.
"Səbətdəki çiçəklər, kəpənək və cırcırama" (1614)
Yaşlı Ambrosius Bosshart
Natürmort müstəqil bir janr kimi 17-ci əsrdə formalaşmışdır. Flamand və Hollandiya natürmort məktəbləri xüsusilə seçilir. Müxtəlif üslubların nümayəndələri öz rəsmlərini realizmdən kubizmə qədər bu janrda çəkirdilər. Ən məşhur natürmortlardan bəziləri rəssamlar Ambrosius Bosschaert the Elder, Albertus Jonah Brandt, Paul Sezanne, Vincent Van Gogh, Pierre Auguste Renoir, Willem Claes Heda tərəfindən çəkilmişdir.
Portret
Portret təsviri sənətdə ən geniş yayılmış rəsm janrlarından biridir. Rəssamlıqda portretin məqsədi insanı təsvir etməkdir, ancaq onun xarici görünüşünü deyil, həm də təsvir olunan insanın daxili hisslərini, əhval-ruhiyyəsini çatdırmaqdır.
Portretlər tək, cüt, qrup ola bilər, o cümlədən bəzən ayrıca janr kimi seçilən avtoportret də ola bilər. Və bütün zamanların ən məşhur portreti, bəlkə də, Leonardo da Vinçinin “Madam Liza del Cokondonun portreti” adlı və hamının “Mona Liza” kimi tanıdığı tablosudur.
"Mona Liza" (1503-1506)
Leonardo da Vinçi
İlk portretlər minlərlə il əvvəl Qədim Misirdə ortaya çıxdı - bunlar fironların şəkilləri idi. O vaxtdan bəri, bütün dövrlərin əksər sənətçiləri bu və ya digər şəkildə bu janrda özlərini sınadılar. Rəssamlığın portret və tarixi janrları da üst-üstə düşə bilər: böyük tarixi şəxsiyyətin obrazı tarixi janrın əsəri sayılacaq, baxmayaraq ki, eyni zamanda bu şəxsin zahiri görünüşünü və xarakterini portret kimi çatdıracaq.
Çılpaq
Çılpaq janrın məqsədi çılpaq insan bədənini təsvir etməkdir. İntibah dövrü bu rəsm növünün yaranması və inkişafı anı hesab olunur və o zaman rəssamlığın əsas obyekti çox vaxt dövrün gözəlliyini təcəssüm etdirən qadın bədəni olur.
"Kənd konserti" (1510)
Titian
Titian, Amedeo Modigliani, Antonio da Correggio, Giorgione, Pablo Picasso çılpaq rəsmlər çəkən ən məşhur rəssamlardır.
Mənzərə
Landşaft janrının əsas mövzusu təbiət, ətraf mühit - şəhər, kənd və ya səhradır. İlk mənzərələr qədim dövrlərdə saray və məbədlərin rənglənməsi, miniatür və ikonaların yaradılması zamanı yaranmışdır. Mənzərə 16-cı əsrdə müstəqil bir janr kimi meydana çıxmağa başladı və o vaxtdan bəri ən populyar janrlardan birinə çevrildi. rəsm janrları.
Peter Rubens, Aleksey Kondratyeviç Savrasov, Eduard Manetdən başlayaraq, İsaak İliç Levitan, Piet Mondrian, Pablo Pikasso, Georges Braque ilə davam edən və 21-ci əsrin bir çox müasir rəssamlarına qədər bir çox rəssamın əsərlərində mövcuddur.
"Qızıl payız" (1895)
İsaak Levitan
Mənzərə rəsmləri arasında dəniz və şəhər mənzərələri kimi janrları ayırd etmək olar.
Veduta
Veduta bir mənzərədir, məqsədi şəhər ərazisinin görünüşünü təsvir etmək və onun gözəlliyini və ləzzətini çatdırmaqdır. Daha sonra sənayenin inkişafı ilə şəhər landşaftı sənaye mənzərəsinə çevrilir.
"Müqəddəs Mark meydanı" (1730)
Canaletto
Canaletto, Pieter Bruegel, Fyodor Yakovlevich Alekseev, Sylvester Feodosievich Shchedrin əsərləri ilə tanış olmaqla şəhər mənzərələrini qiymətləndirə bilərsiniz.
Marina
Dəniz mənzərəsi və ya marina dəniz elementinin təbiətini, onun əzəmətini təsvir edir. Dünyanın ən məşhur dəniz rəssamı bəlkə də İvan Konstantinoviç Aivazovskidir, onun "Doqquzuncu dalğa" rəsmini rus rəssamlığının şah əsəri adlandırmaq olar. Marinanın çiçəklənməsi landşaftın inkişafı ilə eyni vaxtda baş verdi.
"Fırtınada yelkənli qayıq" (1886)
James Buttersworth
Katsushika Hokusai, James Edward Buttersworth, Aleksey Petroviç Bogolyubov, Lev Feliksoviç Laqorio və Rafael Monleon Torres də dəniz mənzərələri ilə məşhurdur.
İncəsənətdə rəsm janrlarının necə yarandığı və inkişafı haqqında daha çox öyrənmək istəyirsinizsə, aşağıdakı videoya baxın:
Özünüz üçün götürün və dostlarınıza deyin!
Veb saytımızda da oxuyun:
daha çox göstər
Rəssamlıq bəlkə də sənətin ən qədim növüdür. Hələ ibtidai dövrdə əcdadlarımız mağaraların divarlarında insan və heyvanların təsvirlərini çəkiblər. Bunlar rəssamlığın ilk nümunələridir. O vaxtdan bəri bu sənət növü həmişə insan həyatının yoldaşı olaraq qalır. Bu gün rəsm nümunələri çoxsaylı və müxtəlifdir. Çalışacağıq ki, bu sənət növünü mümkün qədər əhatə edək, ondakı əsas janrlar, üslublar, cərəyanlar və texnikalardan danışaq.
Rəsm texnikaları
Əvvəlcə əsas rəsm üsullarına nəzər salaq. Ən çox yayılmışlardan biri yağ. Bu yağ əsaslı boyalardan istifadə edən bir texnikadır. Bu boyalar vuruşlarla tətbiq olunur. Onların köməyi ilə müxtəlif müxtəlif çalarlar yarada, həmçinin lazımi təsvirləri maksimum realizmlə çatdıra bilərsiniz.
Tempera- başqa bir məşhur texnika. Emulsiya boyaları istifadə edildikdə bu barədə danışırıq. Bu boyalardakı bağlayıcı yumurta və ya sudur.
Quaş- qrafikada geniş istifadə olunan texnika. Gouache boyası yapışqan baza ilə hazırlanır. Karton, kağız, sümük və ya ipək üzərində işləmək üçün istifadə edilə bilər. Şəkil davamlıdır və xətlər kəskindir. Pastel- Bu quru karandaşlarla çəkilmə texnikasıdır və səthi kobud olmalıdır. Və təbii ki, akvarelləri qeyd etməyə dəyər. Bu boya adətən su ilə seyreltilir. Bu texnikadan istifadə edərək yumşaq və nazik bir boya təbəqəsi əldə edilir. Xüsusilə məşhur Əlbəttə ki, biz yalnız rəsmdə ən çox istifadə olunan əsas texnikaları sadaladıq. Başqaları da var.
Rəsmlər adətən nəyə çəkilir? Ən məşhur rəsm kətan üzərindədir. Çərçivəyə uzanır və ya kartona yapışdırılır. Qeyd edək ki, əvvəllər taxta taxtalar kifayət qədər tez-tez istifadə olunurdu. Bu gün yalnız kətan üzərində rəsm məşhur deyil, şəkillər yaratmaq üçün hər hansı digər düz materiallardan istifadə edilə bilər.
Rəsm növləri
Bunun 2 əsas növü var: molbert və monumental rəngkarlıq. Sonuncu memarlıq ilə bağlıdır. Bu növə binaların tavan və divarlarının rənglənməsi, onların mozaika və ya digər materiallardan hazırlanmış təsvirlərlə bəzədilməsi, vitraj pəncərələri və s. Dəzgah boyası xüsusi bir bina ilə əlaqəli deyil. Yerdən yerə köçürülə bilər. Dəzgah rəngkarlığının bir çox növləri var (başqa cür janrlar adlanır). Gəlin onlara daha ətraflı baxaq.
Rəssamlıq janrları
"Janr" sözü fransız mənşəlidir. "cins", "növ" kimi tərcümə olunur. Yəni janr adı altında hansısa növ məzmun var və onun adını tələffüz etməklə biz şəklin nə haqqında olduğunu, onda nə tapacağımızı anlayırıq: insanlar, təbiət, heyvanlar, əşyalar və s.
Portret
Rəssamlığın ən qədim janrı portretdir. Bu, başqa heç kimə bənzəməyən, yalnız özünə bənzəyən bir insanın obrazıdır. Başqa sözlə desək, hər birimizin fərdi siması olduğu üçün portret fərdi görünüşün rəsmində təsvirdir. Bu rəsm janrının öz növləri var. Portret tam uzunluqda, büst uzunluğunda ola bilər və ya yalnız bir üz rənglənə bilər. Qeyd edək ki, hər bir insan obrazı portret deyil, çünki rəssam onu heç kimdən kopyalamadan, məsələn, “ümumi insan” yarada bilər. Halbuki o, bəşər övladının konkret nümayəndəsini təsvir edəndə konkret olaraq portret üzərində işləyir. Söz yox ki, bu janrda çoxlu rəssamlıq nümunələri var. Ancaq aşağıda təqdim olunan portret ölkəmizin demək olar ki, hər bir sakininə məlumdur. Söhbət 1827-ci ildə Kiprenskinin yaratdığı A. S. Puşkin obrazından gedir.
Bu janra avtoportret də əlavə edə bilərsiniz. Bu halda rəssam özünü təsvir edir. Şəkildə insanları cüt-cüt göstərəndə bir cüt portret var; və bir qrup insan təsvir edildikdə, qrup portreti. Ən təntənəli növlərindən biri atçılıq olan mərasim portretini də qeyd etmək olar. Əvvəllər çox məşhur idi, amma indi belə əsərlərə az rast gəlinir. Bununla belə, haqqında danışacağımız növbəti janr hər an aktualdır. Biz nədən danışırıq? Rəssamlığı xarakterizə edərkən hələ adlarını çəkmədiyimiz janrlardan keçməklə bunu təxmin etmək olar. Natürmort da onlardan biridir. Rəsmə baxmağa davam edərək, indi danışacağımız şey budur.
Natürmort
Bu söz həm də fransız mənşəlidir, mənası “ölü təbiət” deməkdir, baxmayaraq ki, mənası daha dəqiq “cansız təbiət” olardı. Natürmort cansız cisimlərin təsviridir. Onlar çox müxtəlifdir. Qeyd edək ki, natürmortlarda “canlı təbiət” də təsvir oluna bilər: ləçəklərdə sakit kəpənəklər, gözəl çiçəklər, quşlar və bəzən təbiətin hədiyyələri arasında insanı görmək olar. Ancaq bu, hələ də natürmort olacaq, çünki bu vəziyyətdə sənətçi üçün canlının təsviri ən vacib şey deyil.
Mənzərə
Landşaft "ölkəyə baxış" mənasını verən başqa bir fransız sözüdür. Almanların "mənzərə" anlayışına bənzəyir. Landşaft müxtəlifliyi ilə təbiətin təsviridir. Bu janra aşağıdakı növlər qoşulur: memarlıq mənzərəsi və çox vaxt bir sözlə “marina” adlandırılan çox məşhur dəniz mənzərəsi və orada işləyən rəssamlara dəniz rəssamları deyilir. Dəniz mənzərəsi janrında çoxsaylı rəsm nümunələrinə İ.K.Aivazovskinin əsərlərində rast gəlmək olar. Onlardan biri də 1873-cü ilə aid “Göy qurşağı”dır.
Bu rəsm yağlı boya ilə çəkilib və icrası çətindir. Ancaq akvareldə mənzərə yaratmaq heç də çətin deyil, buna görə də məktəb rəsm dərslərində bu tapşırıq hər birimizə verilirdi.
Animalistik janr
Növbəti janr heyvani xarakter daşıyır. Burada hər şey sadədir - bu, təbiətdəki, onların təbii mühitindəki quşların və heyvanların təsviridir.
Gündəlik janr
Gündəlik janr həyatdan, məişətdən, gülməli “hadisələrdən”, məişət həyatından və adi mühitdə adi insanların hekayələrindən ibarət səhnələrin təsviridir. Və ya hekayələr olmadan edə bilərsiniz - sadəcə gündəlik fəaliyyətləri və işləri ələ keçirin. Bu cür rəsmləri bəzən janr rəssamlığı da adlandırırlar. Nümunə olaraq Van Qoqun yuxarıdakı əsərini (1885) götürək.
Tarixi janr
Rəssamlığın mövzuları müxtəlifdir, lakin tarixi janr ayrıca seçilir. Bu, tarixi qəhrəmanların və hadisələrin təsviridir. Döyüş janrı ona bitişikdir, müharibə və döyüş epizodlarını təqdim edir.
Dini və mifoloji janr
Mifoloji janrda allahlar və qəhrəmanlar haqqında qədim və qədim nağılların mövzularında rəsm əsərləri yazılır. Qeyd edək ki, təsvir dünyəvi xarakter daşıyır və bununla da ikonada təqdim olunan tanrıların təsvirlərindən fərqlənir. Yeri gəlmişkən, dini rəsm təkcə ikonalardan ibarət deyil. Dini mövzularda yazılmış müxtəlif əsərləri bir araya gətirir.
Janrların toqquşması
Janrın məzmunu nə qədər zəngindirsə, onun “yoldaşları” bir o qədər çox görünür. Janrlar birləşə bilər, ona görə də onların heç birinin çərçivəsinə yerləşdirilə bilməyən rəsm var. Sənətdə həm ümumi (texnika, janr, üslub), həm də fərdi (ayrıca götürülən konkret əsər) var. Ayrı bir şəkil də ortaq bir şeyi ehtiva edir. Buna görə də, bir çox rəssamlar eyni janra sahib ola bilər, lakin orada çəkilən rəsmlər heç vaxt oxşar olmur. Rəssamlıq mədəniyyəti belə xüsusiyyətlərə malikdir.
Stil
Stil rəsmlərin vizual qavranılmasının bir aspektidir. O, bir rəssamın əsərlərini və ya müəyyən dövr, hərəkat, məktəb və ya məhəllə rəssamlarının əsərlərini birləşdirə bilər.
Akademik rəssamlıq və realizm
Akademik rəssamlıq xüsusi bir istiqamətdir, onun formalaşması Avropa rəssamlıq akademiyalarının fəaliyyəti ilə bağlıdır. 16-cı əsrdə insanların İntibah ustalarını təqlid etməyə çalışdığı Boloniya Akademiyasında meydana çıxdı. 16-cı əsrdən etibarən rəsm sənətinin öyrədilməsi üsulları qaydalara və qaydalara ciddi riayət etməyə, formal nümunələrə əməl etməyə əsaslanmağa başladı. Parisdə sənət Avropanın ən nüfuzlu sənətlərindən biri hesab olunurdu. O, 17-ci əsrdə Fransada hökmranlıq edən klassikliyin estetikasını təbliğ edirdi. Paris Akademiyası? Təhsilin sistemləşdirilməsinə töhfə verərək, tədricən klassik istiqamətin qaydalarını doqmaya çevirdi. Beləliklə, akademik rəngkarlıq xüsusi bir istiqamətə çevrildi. 19-cu əsrdə akademikliyin ən görkəmli təzahürlərindən bəziləri J. L. Jerom, Aleksandr Kabannel və J. İnqresin əsərləri idi. Klassik qanunlar yalnız 19-20-ci əsrlərin qovşağında real olanlarla əvəz olundu. Məhz realizm 20-ci əsrin əvvəllərində akademiyalarda əsas tədris metoduna çevrilmiş və doqmatik sistemə çevrilmişdir.
Barokko
Barokko aristokratiya, kontrast, dinamik obrazlar, bolluğu, gərginliyi, dramatikliyi, dəbdəbəni təsvir edərkən sadə detallar, reallıq və illüziya ilə səciyyələnən sənət üslubu və dövrüdür. Bu üslub 1600-cü ildə İtaliyada meydana çıxdı və bütün Avropaya yayıldı. Caravaggio və Rubens onun ən görkəmli nümayəndələridir. Barok tez-tez ekspressionizmlə müqayisə edilir, lakin sonuncudan fərqli olaraq çox iyrənc təsirlərə malik deyil. Bu üslubun rəsmləri bu gün xətlərin mürəkkəbliyi və bəzəklərin bolluğu ilə xarakterizə olunur.
kubizm
Kubizm 20-ci əsrdə ortaya çıxan avanqard sənət cərəyanıdır. Onun yaradıcısı Pablo Pikassodur. Kubizm Avropada heykəltəraşlıq və rəssamlıqda əsl inqilab etdi, memarlıq, ədəbiyyat və musiqidə oxşar hərəkətlərin yaranmasına ilham verdi. Bu üslubda sənət rəssamlığı mücərrəd bir formaya malik olan rekombinasiya edilmiş, qırıq obyektlərlə xarakterizə olunur. Onları təsvir edərkən bir çox baxış nöqtələrindən istifadə olunur.
Ekspressionizm
Ekspressionizm 20-ci əsrin birinci yarısında Almaniyada meydana çıxan müasir incəsənətin digər mühüm cərəyanıdır. Əvvəlcə yalnız poeziya və rəssamlığı əhatə etdi, sonra sənətin digər sahələrinə yayıldı.
Ekspressionistlər dünyanı subyektiv şəkildə təsvir edir, daha böyük emosional təsir yaratmaq üçün reallığı təhrif edirlər. Onların məqsədi tamaşaçını düşündürməkdir. Ekspressionizmdə ifadə obrazdan üstündür. Qeyd etmək olar ki, bir çox əsərlər əzab, ağrı, əzab, fəryad motivləri ilə səciyyələnir (yuxarıda təqdim olunan Edvard Munkun əsəri “Qışqırıq” adlanır). Ekspressionist rəssamları heç də maddi reallıq maraqlandırmır, onların rəsmləri dərin məna və emosional təcrübələrlə doludur.
İmpressionizm
İmpressionizm, ilk növbədə studiyada deyil, plenerdə (açıq havada) işləməyə yönəlmiş bir rəsm üslubudur. O, adını Klod Monenin aşağıdakı fotoşəkildə göstərilən "Təəssürat, Günəşin doğuşu" tablosuna borcludur.
İngilis dilində "təəssürat" sözü təəssüratdır. İmpressionist rəsmlər ilk növbədə rəssamın işıq hissini çatdırır. Bu üslubda rəsmin əsas xüsusiyyətləri aşağıdakılardır: çətin görünən, nazik vuruşlar; işıqlandırmada dəyişikliklər, dəqiq çatdırılır (diqqət tez-tez vaxtın keçməsinin təsirinə yönəldilir); açıq kompozisiya; sadə ümumi məqsəd; hərəkət insan təcrübəsinin və qavrayışının əsas elementi kimi. İmpressionizm kimi hərəkatın ən görkəmli nümayəndələri Edqar Deqa, Klod Monet, Pierre Renuardır.
Modernizm
Növbəti istiqamət 19-cu əsrin sonu və 20-ci əsrin əvvəllərində incəsənətin müxtəlif sahələrində cərəyanların məcmusu kimi yaranmış modernizmdir. Parisdə “Rədd edilənlərin salonu” 1863-cü ildə açılıb. Rəsmləri rəsmi salona buraxılmayan rəssamlar burada sərgilənirdilər. Bu tarixi incəsənətdə ayrıca bir cərəyan kimi modernizmin meydana çıxdığı tarix hesab etmək olar. Əks halda, modernizm bəzən “başqa sənət” adlanır. Onun məqsədi digərlərindən fərqli olaraq unikal rəsmlər yaratmaqdır. Əsərlərin əsas xüsusiyyəti müəllifin dünyaya xüsusi baxışıdır.
Rəssamlar öz əsərlərində realizm dəyərlərinə qarşı üsyan edirdilər. Özünüdərk bu istiqamətin diqqətəlayiq xüsusiyyətidir. Bu, tez-tez forma ilə eksperimentlərə, eləcə də abstraksiya meylinə səbəb olur. Modernizmin nümayəndələri istifadə olunan materiallara və iş prosesinə xüsusi diqqət yetirirlər. Onun ən görkəmli nümayəndələrindən bəziləri Henry Matisse (onun 1908-ci il “Qırmızı otaq” əsəri yuxarıda təqdim olunur) və Pablo Pikasso hesab olunur.
Neoklassizm
18-ci əsrin ortalarından 19-cu əsrin sonuna qədər Şimali Avropada rəssamlığın əsas istiqaməti neoklassizm olmuşdur. Qədim İntibah dövrünün xüsusiyyətlərinə və hətta klassisizm dövrlərinə qayıdış ilə xarakterizə olunur. Memarlıq, bədii və mədəniyyət baxımından neoklassizm dayaz və iddialı bir sənət üslubu kimi qəbul edilən Rokokoya cavab olaraq ortaya çıxdı. Neoklassik rəssamlar kilsə qanunlarını yaxşı bilmələri sayəsində əsərlərində kanonları tətbiq etməyə çalışırdılar. Bununla belə, onlar sadəcə olaraq klassik motivləri və mövzuları təkrarlamaqdan çəkindilər. Neoklassik rəssamlar öz rəsmlərini ənənə çərçivəsində yerləşdirməyə və bununla da janrda ustalıqlarını nümayiş etdirməyə çalışmışlar. Bu baxımdan neoklassizm bilavasitə modernizmə qarşıdır, burada improvizasiya və özünüifadə fəzilət sayılır. Onun ən məşhur nümayəndələri Nikolas Pussin və Rafaeldir.
Pop Art
Nəzərə alacağımız son istiqamət pop-artdır. Keçən əsrin 50-ci illərinin ortalarında İngiltərədə, Amerikada isə 50-ci illərin sonlarında meydana çıxdı. Pop-artın o dövrdə üstünlük təşkil edən mücərrəd ekspressionizm ideyalarına reaksiya kimi yarandığı güman edilir. Bu istiqamətdən söz düşmüşkən, 2009-cu ildə onun tablolarından biri olan “Səkkiz Elvis” 100 milyon dollara satılıb.
Bu məqalə 20-ci əsrin əsas sənət üslublarının qısa təsvirini təqdim edir. Həm rəssamlar, həm də dizaynerlər üçün bilmək faydalı olacaq.
Modernizm (fransızca moderne modern)
incəsənətdə, 19-cu əsrin ikinci yarısında özünü yeni yaradıcılıq formaları şəklində formalaşdıran bədii cərəyanların kollektiv adıdır, burada artıq üstünlük təşkil edən təbiət və ənənə ruhuna deyil, daha çox azadlığa tabe idi. şəxsi təəssüratlara, daxili ideyalara və ya mistik bir yuxuya (bu cərəyanlar əsasən romantizm xəttini davam etdirirdi) ardınca görünən dünyanı öz mülahizəsinə görə dəyişdirməkdə sərbəst olan bir ustanın baxışı. Onun ən əhəmiyyətli, tez-tez fəal qarşılıqlı təsir göstərən istiqamətləri impressionizm, simvolizm və modernizm idi.Sovet tənqidində “modernizm” anlayışı tarixən XX əsrin sosialist realizminin qanunlarına uyğun gəlməyən bütün incəsənət cərəyanlarına tətbiq edilirdi.
Abstraksionizm(“sıfır formalar işarəsi altında sənət”, qeyri-obyektiv sənət) 20-ci əsrin birinci yarısında sənətdə formalaşmış, real görünən dünyanın formalarının reproduksiyasından tamamilə imtina edən bədii istiqamətdir. Abstrakt sənətin baniləri hesab olunur V. Kandinsky, P. Mondrian və K. Maleviç. V. Kandinski impressionist və “vəhşi” ləkələri istənilən obyektivlik əlamətlərindən azad edərək özünəməxsus mücərrəd rəsm növünü yaratmışdır. Piet Mondrian qeyri-obyektivliyinə Sezan və Kubistlərin təşəbbüsü ilə təbiətin həndəsi stilizasiyası vasitəsilə gəldi. 20-ci əsrin abstraksionizmə yönəlmiş modernist cərəyanları realizmi inkar edərək ənənəvi prinsiplərdən tamamilə uzaqlaşır, eyni zamanda sənət çərçivəsində qalır. İncəsənət tarixi mücərrəd sənətin yaranması ilə bir inqilab yaşadı. Amma bu inqilab təsadüfən deyil, tamamilə təbii olaraq yaranıb və Platon tərəfindən proqnozlaşdırılıb! O, özünün son əsəri Philebusda hər hansı mimesisdən görünən obyektlərin hər hansı təqlidindən asılı olmayaraq, xətlərin, səthlərin və məkan formalarının özlüyündə gözəlliyi haqqında yazırdı. Bu cür həndəsi gözəllik, təbii "qaydasız" formaların gözəlliyindən fərqli olaraq, Platona görə, nisbi deyil, qeyd-şərtsiz, mütləqdir.
Futurizm- 1910-cu illərin incəsənətində ədəbi-bədii hərəkat. Özünə gələcəyin sənətinin prototipi rolunu təyin edən futurizm özünün əsas proqramı kimi mədəni stereotiplərin məhv edilməsi ideyasını irəli sürdü, əvəzində indinin və gələcəyin əsas əlamətləri kimi texnologiya və urbanizasiya üçün üzr istəməyi təklif etdi. . Futurizmin mühüm bədii ideyası müasir həyatın tempinin əsas əlaməti kimi hərəkət sürətinin plastik ifadəsinin axtarışı idi. Futurizmin rus versiyası kibofuturizm adlanırdı və fransız kubizminin plastik prinsipləri ilə futurizmin Avropa ümumi estetik prinsiplərinin birləşməsinə əsaslanırdı. Rəssamlar kəsişmələrdən, yerdəyişmələrdən, toqquşmalardan və formaların axınlarından istifadə edərək müasir insanın, şəhər sakininin parçalanmış çoxillik təəssüratlarını ifadə etməyə çalışıblar.
kubizm- “intibahdan bəri ən mükəmməl və radikal bədii inqilab” (C. Qoldinq). Rəssamlar: Pikasso Pablo, Georges Braque, Fernand Léger Robert Delaunay, Juan Gris, Gleizes Metzinger. Kubizm - (fransızca cubisme, kubdan - kub) 20-ci əsrin birinci rübü incəsənətində istiqamət. Kubizmin plastik dili həndəsi müstəvilərdə cisimlərin deformasiyasına və parçalanmasına, formanın plastik yerdəyişməsinə əsaslanırdı. Bir çox rus rəssamı kubizmə heyran oldu, tez-tez onun prinsiplərini digər müasir bədii cərəyanların - futurizm və primitivizmin texnikaları ilə birləşdirdi. Rus torpağında kubizmin təfsirinin xüsusi bir versiyası kubofuturizmə çevrildi.
Pürizm- (Fransız purisme, latınca purus - təmiz) 1910-cu illərin sonu-20-ci illərin fransız rəssamlığında hərəkət. Əsas nümayəndələr rəssamdır A. Ozanfan və memar S. E. Jeanneret (Le Corbusier). Kubizmin və 1910-cu illərin digər avanqard cərəyanlarının dekorativ meyllərini və qəbul etdikləri təbiətin deformasiyasını rədd edərək, puristlər sabit və lakonik obyekt formalarının, sanki detallardan “təmizlənmiş” kimi, rasional şəkildə nizamlanmış şəkildə “təsvirə” köçürülməsinə çalışırdılar. əsas” elementlər. Puristlərin əsərləri düzlük, yüngül siluetlərin hamar ritmi və oxşar obyektlərin (küp, stəkan və s.) konturları ilə xarakterizə olunur. Dəzgah formalarında inkişaf etdirilmədən, puizmin əhəmiyyətli dərəcədə yenidən düşünülmüş bədii prinsipləri qismən müasir memarlıqda, əsasən Le Corbusierin binalarında əks olundu.
Serrealizm- ədəbiyyat, rəssamlıq və kinoda 1924-cü ildə Fransada yaranmış və 1969-cu ildə rəsmi olaraq öz mövcudluğuna son qoymuş kosmopolit hərəkat. Müasir insanın şüurunun formalaşmasına əhəmiyyətli dərəcədə kömək etdi. Hərəkatın əsas fiqurları bunlardır Andre Breton- hərəkatın yazıçısı, lideri və ideoloji ilhamçısı; Lui Araqon- sonradan qəribə bir şəkildə kommunizm müğənnisinə çevrilən sürrealizmin banilərindən biri, Salvador Dali- hərəkatın mahiyyətini “Sürrealizm mənəm!” sözləri ilə müəyyən edən rəssam, nəzəriyyəçi, şair, ssenarist, yüksək surrealist kinorejissor. Luis Buñuel, rəssam Joan Miro- Breton və dünyanın bir çox digər sənətçiləri bunu "sürrealizm papağındakı ən gözəl lələk" adlandırdılar.
Fovizm(Fransızcadan les fauves - vəhşi (heyvanlar)) Erkən rəsmdə yerli istiqamət. XX əsr F. adı istehza ilə bir qrup gənc Paris rəssamına verildi ( A. Matisse, A. Derain, M. Vlaminck, A. Marche, E.O. Friez, J. Braque, A.Ş. Mangen, K. van Dongen), 1905-ci ildə ilk sərgisindən sonra 1905-1907-ci illərdə bir sıra sərgilərdə birgə iştirak etmiş. Hərəkatın aydın şəkildə tərtib edilmiş proqramı, manifesti və ya öz nəzəriyyəsi yox idi və uzun sürmədi, lakin sənət tarixində nəzərəçarpacaq iz buraxdı. Həmin illərdə onun iştirakçılarını yalnız son dərəcə parlaq açıq rəngin köməyi ilə bədii obrazlar yaratmaq istəyi birləşdirirdi. Post-impressionistlərin bədii nailiyyətlərinin inkişafı ( Cezanne, Gauguin, Van Gogh), impressionistlər dövründən Fransanın bədii dairələrində məşhur olan orta əsr sənətinin bəzi formal texnikalarına (vitray, Romanesk sənəti) və yapon qravüralarına əsaslanaraq, fauvistlər rəngkarlığın rəng imkanlarından maksimum istifadə etməyə çalışırdılar.
Ekspressionizm(fransızca ifadədən - ifadəlilik) - Qərbi Avropa incəsənətində, əsasən Almaniyada, 20-ci əsrin birinci üçdə birində müəyyən tarixi dövrdə - Birinci Dünya Müharibəsi ərəfəsində meydana çıxan modernist cərəyan. Ekspressionizmin ideoloji əsasını çirkin dünyaya, insanın dünyadan getdikcə daha çox yadlaşmasına, evsizlik hissi, çöküş və Avropa mədəniyyətinin bu qədər möhkəm dayandığı o prinsiplərin dağılmasına qarşı fərdi etiraz təşkil edirdi. Ekspressionistlər mistisizm və pessimizmə yaxınlıq ilə xarakterizə olunur. Ekspressionizm üçün xarakterik olan bədii üsullar: illüziya məkanının rədd edilməsi, obyektlərin düz təfsiri istəyi, obyektlərin deformasiyası, kəskin rəngli dissonansların sevgisi, apokaliptik dram ehtiva edən xüsusi rəngləmə. Rəssamlar yaradıcılığı duyğuları ifadə etmək üsulu kimi qəbul edirdilər.
Suprematizm(Latın dilindən supremus - ən yüksək, ən yüksək; birinci; sonuncu, həddindən artıq, görünür, polyak supremacja vasitəsilə - üstünlük, alilik) Yaradıcısı, əsas nümayəndəsi və nəzəriyyəçisi olan 20-ci əsrin ilk üçdə birində avanqard sənət istiqaməti. rus rəssamı idi Kazimir Maleviç. Termin özü Suprematizmin mahiyyətini əks etdirmir. Əslində, Maleviçin anlayışında bu, qiymətləndirici xüsusiyyətdir. Suprematizm hər hansı bir sənətin mahiyyəti kimi qeyri-obyektivin son identifikasiyası yolunda, qeyri-bədii hər şeydən qurtulma yolunda sənətin inkişafının ən yüksək mərhələsidir. Bu mənada Maleviç ibtidai ornamental sənəti suprematist (və ya “supremasist”) hesab edirdi. O, bu termini ilk dəfə Petroqrad futurist sərgisində nümayiş etdirilən ağ fonda məşhur “Qara kvadrat”, “Qara xaç” və s. daxil olmaqla həndəsi abstraksiyaları əks etdirən (39 və ya daha çox) rəsmlərinin böyük bir qrupuna tətbiq etdi. 1915-ci ildə on”. Məhz bu və buna bənzər həndəsi abstraksiyalar Suprematizm adının yaranmasına səbəb oldu, baxmayaraq ki, Maleviç özü 20-ci illərin bir çox əsərlərini ona aid etsə də, zahiri olaraq müəyyən obyektlərin bəzi formalarını, xüsusən də insan fiqurlarını ehtiva edir, lakin saxlanılır. "Suprematist ruh". Və əslində, Maleviçin sonrakı nəzəri inkişafı suprematizmi (ən azı Maleviçin özü tərəfindən) yalnız həndəsi abstraksiyalara endirməyə əsas vermir, baxmayaraq ki, onlar təbii ki, onun əsasını, mahiyyətini və hətta (ağ-qara və ağ-qara) təşkil edir. ağ suprematizm) rəssamlığı ümumiyyətlə sənət forması kimi mövcudluğunun son həddinə, yəni təsviri sıfıra çatdırır, ondan kənarda artıq rəsm yoxdur. Bu yol əsrin ikinci yarısında fırçaları, boyaları və kətanları tərk edən sənət fəaliyyətində çoxsaylı cərəyanlar tərəfindən davam etdirildi.
rus avanqard 1910-cu illər kifayət qədər mürəkkəb mənzərə təqdim edir. Üslub və cərəyanların sürətlə dəyişməsi, hər biri öz yaradıcılıq konsepsiyasını elan edən çoxlu sayda rəssam qrupları və birlikləri ilə xarakterizə olunur. Bənzər bir şey əsrin əvvəllərində Avropa rəssamlığında baş verdi. Lakin üslubların qarışığı, cərəyanların və istiqamətlərin “qarışıqlığı” yeni formalara doğru hərəkətin daha ardıcıl olduğu Qərbə məlum deyildi. Gənc nəslin bir çox ustaları üslubdan üsluba, səhnədən səhnəyə, impressionizmdən modernizmə, daha sonra primitivizmə, kubizmə və ya ekspressionizmə fövqəladə sürətlə keçdi, bir çox mərhələlərdən keçdi ki, bu da fransız və ya alman rəssamlığı ustaları üçün tamamilə qeyri-adi idi. . Rus rəssamlığında yaranan vəziyyət daha çox ölkədə inqilabdan əvvəlki atmosferlə bağlı idi. Bütövlükdə bütün Avropa sənətinə xas olan bir çox ziddiyyətləri daha da ağırlaşdırdı, çünki Rus rəssamları Avropa modellərindən dərs alır, müxtəlif məktəblərə və bədii cərəyanlara yaxşı bələd idilər. Beləliklə, bədii həyatında özünəməxsus rus “partlayışı” tarixi rol oynadı. 1913-cü ilə qədər yeni sərhədlərə və üfüqlərə çatan rus sənəti idi. Tamamilə yeni qeyri-obyektivlik fenomeni meydana çıxdı - fransız kubistlərinin keçməyə cəsarət etmədiyi bir xətt. Bir-birinin ardınca bu xətti keçirlər: Kandinsky V.V., Larionov M.F., Malevich K.S., Filonov P.N., Tatlin V.E.
Kubofuturizm 20-ci əsrin əvvəllərində rus avanqardında (rəsm və poeziyada) yerli istiqamət. Təsviri sənətdə kub-futurizm təsviri tapıntıların, kubizmin, futurizmin və rus neoprimitivizminin yenidən nəzərdən keçirilməsi əsasında yaranmışdır. Əsas əsərlər 1911-1915-ci illərdə yaradılmışdır. Kubo-Futurizmin ən xarakterik rəsmləri K.Maleviçin fırçasından yaranıb və həmçinin Burlyuk, Puni, Qonçarova, Rozanova, Popova, Udaltsova, Ekster tərəfindən çəkilib. Maleviçin ilk kub-futurist əsərləri 1913-cü ilin məşhur sərgisində nümayiş etdirildi. Larionovun rayizminin də debüt etdiyi "Hədəf". Xarici görünüşünə görə kub-futurist əsərlər F.Légerin eyni vaxtda yaradılmış kompozisiyaları ilə səsləşir və silindrik, konus, kolba, qabıqvari içi boş həcmli rəngli formalardan ibarət, çox vaxt metal parıltıya malik olan yarımobyektiv kompozisiyalardır. Artıq Maleviçin ilk oxşar əsərlərində təbii ritmdən maşın dünyasının sırf mexaniki ritmlərinə keçid tendensiyası nəzərə çarpır (“Dülgər”, 1912, “Təmizləyici”, 1912, “Klyun portreti”, 1913) .
Neoplastiklik- abstrakt sənətin erkən növlərindən biri. 1917-ci ildə holland rəssamı P. Mondrian və “Stil” assosiasiyasının üzvü olan digər rəssamlar tərəfindən yaradılmışdır. Neoplastisizm, yaradıcılarına görə, qara perpendikulyar xətlərlə aydın şəkildə ayrılmış və əsas spektrin yerli rənglərinə (ağ əlavə edilməklə) boyanmış böyük düzbucaqlı fiqurların ciddi balanslaşdırılmış birləşmələrində ifadə olunan "universal harmoniya" arzusu ilə xarakterizə olunur. və boz tonlar). Neo-plastikizm (Nouvelle plastique) Bu termin 20-ci əsrdə Hollandiyada ortaya çıxdı. Piet Mondrian 1917-ci ildə Leydendə yaradılmış “Style” (“De Stiji”) qrupu və jurnalı tərəfindən sistemə salınmış və müdafiə etdiyi plastik konseptlərini onlar üçün müəyyən etmişdir. Neoplastikliyin əsas xüsusiyyəti ifadəli vasitələrdən ciddi şəkildə istifadə olunması idi. Forma qurmaq üçün neoplastiklik yalnız üfüqi və şaquli xətlərə imkan verir. Düz bucaq altında kəsişən xətlər birinci prinsipdir. Təxminən 1920-ci ildə ona ikincisi əlavə edildi ki, bu da fırça vuruşunu aradan qaldırmaq və təyyarəni vurğulamaqla rəngləri qırmızı, mavi və sarı ilə məhdudlaşdırır, yəni. yalnız ağ və qara əlavə edilə bilən üç təmiz əsas rəng. Bu sərtliyin köməyi ilə neoplastiklik universalizmə nail olmaq və bununla da dünyanın yeni mənzərəsini yaratmaq üçün fərdilikdən kənara çıxmaq niyyətində idi.
Rəsmi "vəftiz" orfizm 1913-cü ildə Müstəqillər Salonunda baş verdi. Beləliklə, tənqidçi Rocer Allard Salon haqqında məruzəsində yazırdı: “...gələcək tarixçilər üçün qeyd edək ki, 1913-cü ildə orfizmin yeni məktəbi yarandı...” (“La Cote”). Paris, 19 mart 1913). Onu başqa bir tənqidçi Andre Varnaud da səsləndirdi: “1913-cü il salonu Orfik məktəbinin yeni məktəbinin yaranması ilə əlamətdar oldu” (“Comoedia” Paris, 18 mart 1913). Nəhayət Guillaume Apollinaire Bu ifadəni qürursuz deyil, qışqırmaqla gücləndirdi: “Bu, Orfizmdir. Mənim proqnozlaşdırdığım bu istiqamət ilk dəfədir meydana çıxır” (“Montjoie!” Paris əlavəsi 18 mart 1913-cü il). Həqiqətən, bu termin icad edilmişdir Apollinaire(Orfizm Orfeyin kultu kimi) və ilk dəfə 1912-ci ilin oktyabrında müasir rəsm mövzusunda verilən mühazirə zamanı ictimaiyyətə açıqlandı. O nə demək istəyirdi? Deyəsən, özü də bunu bilmirdi. Üstəlik, bu yeni istiqamətin sərhədlərini necə müəyyənləşdirəcəyimi bilmirdim. Əslində, bu günə qədər hökm sürən çaşqınlıq Apollinerin bilmədən bir-biri ilə əlaqəli olan iki problemi qarışdırması ilə əlaqədar idi, əlbəttə ki, lakin onları birləşdirməyə çalışmazdan əvvəl onların fərqlərini vurğulamalı idi. Bir tərəfdən yaradılış Delaunay tamamilə rəngə əsaslanan təsvirli ifadə vasitələri və digər tərəfdən bir neçə fərqli istiqamətin meydana çıxması ilə əlaqədar kubizmin genişlənməsi. 1912-ci ilin yayının sonunda Marie Laurencin ilə ayrıldıqdan sonra Apollinaire, Grand-Augustin küçəsindəki emalatxanasında onu mehriban anlayışla qəbul edən Delaunay ailəsinə sığındı. Məhz bu yay Robert Delaunay və həyat yoldaşı, yalnız rəng kontrastlarının konstruktiv və məkan-zaman keyfiyyətlərinə əsaslanaraq, sonradan rəsm sənətinin “dağıdıcı dövrü” adlandırdığı dövrə aparan dərin estetik təkamül yaşadılar.
Postmodernizm (postmodern, post-avanqard) -
(Latın postundan "sonra" və modernizmdən), 1960-cı illərdə xüsusilə aydınlaşan və modernizm və avanqard mövqeyinin köklü şəkildə yenidən nəzərdən keçirilməsi ilə xarakterizə olunan bədii cərəyanların ümumi adı.
Abstrakt ekspressionizm müharibədən sonrakı (XX əsrin 40-cı illərinin sonu - XX əsrin 50-ci illəri) mücərrəd sənətin inkişafı mərhələsi. Termin özü 20-ci illərdə bir alman sənətşünası tərəfindən təqdim edilmişdir E. von Sydow (E. von Sydow) ekspressionist sənətin müəyyən aspektlərinə istinad etmək. 1929-cu ildə Amerikalı Barr bundan Kandinskinin ilk əsərlərini xarakterizə etmək üçün istifadə etdi və 1947-ci ildə əsərləri "mücərrəd ekspressionist" adlandırdı. Willem de Kooning Və Pollock. O vaxtdan bəri mücərrəd ekspressionizm anlayışı 50-ci illərdə sürətlə inkişaf edən mücərrəd rəngkarlığın (və daha sonra heykəltəraşlığın) kifayət qədər geniş, stilistik və texniki cəhətdən rəngarəng sahəsinin arxasında möhkəmlənmişdir. ABŞ-da, Avropada və sonra bütün dünyada. Abstrakt ekspressionizmin birbaşa əcdadları erkən hesab olunur Kandinski, ekspressionistlər, orfistlər, qismən dadaistlər və sürrealistlər psixi avtomatizm prinsipi ilə. Mücərrəd ekspressionizmin fəlsəfi və estetik əsasını daha çox müharibədən sonrakı dövrdə məşhur olan ekzistensializm fəlsəfəsi təşkil edirdi.
Hazır(İngilis dili hazır - hazır) Termin ilk dəfə sənət tarixi leksikonuna rəssam tərəfindən daxil edilmişdir. Marsel Duchamp utilitar istifadə obyekti olan, normal fəaliyyət göstərdiyi mühitdən çıxarılan və heç bir dəyişiklik edilmədən rəsm sərgisində nümayiş etdirilən əsərlərini sənət əsəri kimi təyin etmək. Hazır məhsullar şeylərə və şeylərə yeni baxışı təsdiqlədi. Utilitar funksiyalarını yerinə yetirməyi dayandıran və sənət məkanının kontekstinə daxil olan, yəni qeyri-utilitar təfəkkürün obyektinə çevrilən obyekt nə ənənəvi sənətə məlum olmayan bəzi yeni mənalar və assosiativ hərəkətlər üzə çıxarmağa başladı. ya da mövcudluğun gündəlik utilitar sferasına. Estetik və utilitarın nisbiliyi problemi kəskin şəkildə ortaya çıxdı. İlk Hazır Duchamp 1913-cü ildə Nyu-Yorkda sərgiləndi. Ən məşhurları onun hazır məhsullarıdır. polad "Velosiped çarxı" (1913), "Şüşə qurutma maşını" (1914), "Fəvvarə" (1917) - adi bir pisuar belə təyin edildi.
Pop Art.İkinci Dünya Müharibəsindən sonra Amerika, onlar üçün xüsusilə vacib olmayan malları almaq üçün kifayət qədər pul qazanan insanların böyük bir sosial təbəqəsini inkişaf etdirdi. Məsələn, malların istehlakı: Coca Cola və ya Levi's jeans bu cəmiyyətin mühüm atributuna çevrilir. Bu və ya digər məhsuldan istifadə edən şəxs özünün müəyyən sosial təbəqəyə aid olduğunu göstərir. İndi kütləvi mədəniyyət formalaşmaqda idi. Əşyalar simvollara, stereotiplərə çevrildi. Pop-art mütləq stereotiplərdən və simvollardan istifadə edir. Pop sənəti(pop-art) Duchampın yaradıcılıq prinsiplərinə əsaslanan yeni amerikalıların yaradıcılıq axtarışlarını təcəssüm etdirirdi. Bu: Jasper Johns, K. Oldenburg, Andy Warhol, və qeyriləri. Pop sənəti kütləvi mədəniyyətin əhəmiyyətini qazanır, ona görə də onun Amerikada formalaşması və sənət hərəkatına çevrilməsi təəccüblü deyil. Onların həmfikirləri: Hamelton R, Ton Çin səlahiyyəti olaraq seçilmişdir Kurt Schwieters. Pop sənəti obyektin mahiyyətini izah edən illüziya əsəri ilə xarakterizə olunur. Məsələn: pasta K. Oldenburq, müxtəlif variantlarda təsvir edilmişdir. Rəssam tortu təsvir etməyə bilər, əksinə illüziyaları dağıtır və insanın həqiqətən nə gördüyünü göstərir. R.Rauşenberq də orijinaldır: o, kətana müxtəlif fotoşəkilləri yapışdırıb, onların konturlarını çəkib və əsərə bir növ dolma yapışdırıb. Onun məşhur əsərlərindən biri doldurulmuş kirpidir. Kenedinin fotoşəkillərindən istifadə etdiyi rəsmləri də məşhurdur.
Primitivizm (Sadəlövh sənət). Bu anlayış bir neçə mənada işlənir və əslində anlayışla eynidir "ibtidai sənət". Fərqli dillərdə və müxtəlif elm adamları tərəfindən bu anlayışlar ən çox bədii mədəniyyətdəki hadisələrin eyni diapazonunu təyin etmək üçün istifadə olunur. Rus dilində (bəzilərində olduğu kimi) "ibtidai" termini bir qədər mənfi məna daşıyır. Ona görə də konsepsiya üzərində dayanmaq daha məqsədəuyğundur Sadə sənət. Geniş mənada, bu, sadəliyi (və ya sadələşdirilməsi), aydınlığı və obrazlı və ifadəli dilin formal kortəbiiliyi ilə xarakterizə olunan təsviri sənəti ifadə edir, onun köməyi ilə sivilizasiya konvensiyaları ilə yüklənməmiş dünyaya xüsusi bir baxış ifadə edilir. Konsepsiya son əsrlərin müasir Avropa mədəniyyətində meydana çıxdı və buna görə də özünü inkişafın ən yüksək mərhələsi hesab edən bu mədəniyyətin peşəkar mövqelərini və ideyalarını əks etdirir. Bu mövqelərdən sadəlövh sənətə qədim xalqların (Misir və ya qədim yunan sivilizasiyalarından əvvəl) arxaik sənəti də daxildir, məsələn, ibtidai sənət; mədəni və sivilizasiya inkişafında ləngimiş xalqların sənəti (Afrika, Okeaniyanın yerli əhalisi, Amerika hinduları); geniş miqyasda həvəskar və qeyri-peşəkar sənət (məsələn, Kataloniyanın məşhur orta əsr freskaları və ya Avropadan ilk Amerika köçkünlərinin qeyri-peşəkar sənəti); "beynəlxalq qotika" adlanan bir çox əsər; xalq sənəti; nəhayət, 20-ci əsrin peşəkar sənət təhsili almamış, lakin bədii yaradıcılıq hədiyyəsini hiss edən və onun müstəqil şəkildə sənətdə həyata keçirilməsinə həsr olunmuş istedadlı primitivist rəssamların sənəti. Onlardan bəziləri (Fransız A. Russo, C. Bombois, gürcü N. Pirosmanişvili, xorvat I. Generalich, Amerika A.M. Robertson və s.) dünya incəsənəti xəzinəsinə daxil olan əsl bədii şedevrlər yaratmışdır.Sadəlövh sənət dünyaya baxışında və bədii təqdimetmə üsullarında bir tərəfdən uşaq sənətinə, digər tərəfdən də uşaq sənətinə bir qədər yaxındır. ruhi xəstələrin yaradıcılığı, digər tərəfdən. Lakin mahiyyət etibarilə hər ikisindən fərqlənir. Dünyagörüşündə uşaq sənətinə ən yaxın olan Okeaniya və Afrikanın arxaik xalqlarının və aborigenlərinin sadəlövh sənətidir. Onun uşaq sənətindən əsas fərqi dərin müqəddəsliyi, ənənəviliyi və kanonikliyidir.
Net sənət(Net Art - ingilis dilindən net - şəbəkə, art - sənət) Kompüter şəbəkələrində, xüsusən də İnternetdə inkişaf edən ən yeni sənət növü, müasir sənət təcrübələri. Onun Rusiyadakı tədqiqatçıları, həm də onun inkişafına töhfə verən O.Lyalina, A.Şulqin hesab edirlər ki, Net incəsənətin mahiyyəti internetdə ünsiyyət və yaradıcılıq məkanlarının yaradılmasından keçir, hər kəsə tam onlayn mövcudluq azadlığını təmin edir. Buna görə də Net sənətinin mahiyyəti. təmsil deyil, ünsiyyət və onun unikal sənət vahidi elektron mesajdır. 80-90-cı illərdə meydana çıxan Net incəsənətin inkişafında ən azı üç mərhələ var. XX əsr Birincisi, İnternet sənətkarlarının kompüter klaviaturasında tapılan hərflərdən və nişanlardan şəkillər yaratması idi. İkincisi, yeraltı sənətçilər və sadəcə yaradıcılıqlarından bir şey göstərmək istəyən hər kəs İnternetə gəldikdə başladı.
OP-ART(ingiliscə Op-art - optik sənətin qısaldılmış variantı - optik sənət) - düz və məkan fiqurlarının qavranılmasının xüsusiyyətlərinə əsaslanan müxtəlif vizual illüziyalardan istifadə edərək 20-ci əsrin ikinci yarısının bədii hərəkəti. Hərəkat texnizmin (modernizm) rasionalist xəttini davam etdirir. Nümayəndəsi olan "həndəsi" abstraksionizmə qayıdır V. Vasarely(1930-1997-ci illərdə Fransada işləyib) - op-artın banisi. Op sənətinin imkanları sənaye qrafikasında, afişalarda və dizayn sənətində müəyyən tətbiq tapdı. Op-art (optik sənət) istiqaməti 50-ci illərdə abstraksionizm çərçivəsində yaranmışdır, baxmayaraq ki, bu dəfə fərqli çeşiddə - həndəsi abstraksiyada idi. Onun hərəkat kimi yayılması 60-cı illərə təsadüf edir. XX əsr
Qraffiti(qraffiti - arxeologiyada hər hansı bir səthdə cızılmış hər hansı rəsm və ya hərflər, italyan qraffiaresindən tutmuş cızıqlara qədər) Subkulturanın əsərləri belə təyin olunur ki, bunlar əsasən ictimai binaların, tikililərin, nəqliyyat vasitələrinin divarlarında böyük formatlı təsvirlər, müxtəlif növ sprey tabancalarından, aerozol sprey boya qutularından istifadə etməklə hazırlanır. Beləliklə, "sprey sənəti" üçün başqa bir ad - Sprey-art. Onun mənşəyi qraffitinin kütləvi görünüşü ilə əlaqələndirilir. 70-ci illərdə Nyu-York metrosunun vaqonlarında, sonra isə ictimai binaların divarlarında və mağaza jaluzlarında. Qraffitinin ilk müəllifləri. Əsasən etnik azlıqlardan olan gənc işsiz rəssamlar, ilk növbədə Puerto-Rikalılar idi, buna görə də ilk Graffiti Latın Amerikası xalq sənətinin bəzi üslub xüsusiyyətlərini göstərirdi və bunun üçün nəzərdə tutulmayan səthlərdə görünmə faktı ilə onların müəllifləri hüquqların məhrum edilmiş mövqeyinə etiraz etdilər. 80-ci illərin əvvəllərində. Q.-nın demək olar ki, peşəkar ustalarının bütöv bir tendensiyası formalaşdı.Onların əvvəllər təxəllüsü ilə gizlədilmiş əsl adları məlum oldu ( Qəza, NOC 167, FUTURA 2000, LEE, GÖRÜNÜŞ, DAZE). Onlardan bəziləri texnikasını kətana köçürdü və Nyu Yorkdakı qalereyalarda sərgiləməyə başladı və tezliklə Avropada qraffiti peyda oldu.
HİPERREALİZM(hiperrealizm - ingilis), və ya fotorealizm (fotorealizm - ingilis) - bədii. fotoqrafiya və reallığın reproduksiyasına əsaslanan rəsm və heykəltəraşlıq hərəkatı. İstər öz praktikasında, istərsə də naturalizm və praqmatizmə yönəlik estetik oriyentasiyalarına görə hiperrealizm pop sənətinə yaxındır. Onları ilk növbədə obrazlılığa qayıdış birləşdirir. O, nəinki təsviri pozan, həm də sənətin maddi reallaşması prinsipini şübhə altına alan konseptualizmə antiteza kimi çıxış edir. anlayış.
Torpaq sənəti(ingilis torpaq sənətindən - torpaq sənəti), sonuncu üçüncü sənətdə bir istiqamətXXc., əsas bədii material və obyekt kimi real mənzərədən istifadəyə əsaslanır. Rəssamlar xəndəklər qazır, qəribə daş qalaqları yaradır, qayaları rəngləyir, işləri üçün adətən boş yerləri - təmiz və vəhşi mənzərələri seçir və bununla da sanki sənəti təbiətə qaytarmağa çalışırlar. Onun sayəsində<первобытному>Görünüşünə görə, bu cür bir çox hərəkət və obyekt arxeologiyaya, eləcə də foto-sənətə yaxındır, çünki ictimaiyyətin əksəriyyəti onları yalnız bir sıra fotoşəkillərdə düşünə bilər. Deyəsən, rus dilində daha bir barbarlıqla barışmalı olacağıq. Bu terminin təsadüf olub olmadığını bilmirəm<лэнд-арт>sonunda ortaya çıxdı 60-lar, inkişaf etmiş cəmiyyətlərdə tələbələrin üsyankar ruhunun öz qüvvələrini formalaşmış dəyərləri devirməyə yönəltdiyi bir vaxtda.
MINIMALİZM(minimal art - ingiliscə: minimal art) - rəssam. yaradıcılıq prosesində istifadə olunan materialların minimal transformasiyası, formaların sadəliyi və vahidliyi, monoxrom, yaradıcılıqdan irəli gələn axın. rəssamın özünü məhdudlaşdırması. Minimalizm subyektivliyin, təmsilçiliyin və illüziyanın rədd edilməsi ilə xarakterizə olunur. Klassikdən imtina yaradıcılıq və ənənə üsulları. rəssam materiallar, minimalistlər sadə həndəsi formalı sənaye və təbii materiallardan istifadə edirlər. formalar və neytral rənglər (qara, boz), kiçik həcmli, seriyalı, sənaye istehsalının konveyer üsullarından istifadə olunur. Minimalist yaradıcılıq konsepsiyasındakı artefakt onun istehsal prosesinin əvvəlcədən müəyyən edilmiş nəticəsidir. Rəssamlıq və heykəltəraşlıqda özünün tam inkişafını almış minimalizm geniş mənada sənət iqtisadiyyatı kimi şərh olunur. deməkdir, incəsənətin başqa növlərində, ilk növbədə teatr və kinoda tətbiq tapmışdır.
Minimalizm ABŞ-da zolaqda yaranıb. mərtəbə. 60-lar Onun mənşəyi konstruktivizm, suprematizm, dadaizm, mücərrəd sənət, formalist amerdir. 50-ci illərdən rəssamlıq, pop-art. Birbaşa minimalizmin sələfi. amerikalıdır rəssam F. Stella 1959-60-cı illərdə nizamlı düz xətlərin üstünlük təşkil etdiyi "Qara rəsmlər" seriyasını təqdim edən . İlk minimalist əsərlər 1962-63-cü illərdə ortaya çıxdı."Minimalizm" termini. yaradıcılığın təhlili ilə bağlı təqdim edən R.Volheymə aiddir M. Duchamp və sənətçinin mühitə müdaxiləsini minimuma endirən pop sənətçiləri. Onun sinonimləri “sərin sənət”, “ABC sənəti”, “seriyalı sənət”, “ilkin strukturlar”, “bir proses kimi sənət”, “sistematik”dir. rəsm". Ən çox təmsil olunan minimalistlər arasındadır K. Andre, M. Bochner, U. De Ma-ria, D. Flavin. S. Le Witt, R. Mangold, B. Murden, R. Morris, R. Ryman. Onları artefaktı ətraf mühitə uyğunlaşdırmaq, materialların təbii teksturası ilə oynamaq istəyi birləşdirir. D. Zhad onu “xüsusi” kimi müəyyən edir. obyekt”, klassikdən fərqlidir. plastik işləri incəsənət Müstəqil olaraq, işıqlandırma minimalist sənət yaratmaq üsulu kimi rol oynayır. vəziyyətlər, orijinal məkan həlləri; Əsərlərin yaradılmasında kompüter üsullarından istifadə edilir.
