La casa de Francisco Goya. Pinturas sombrías de Francisco Goya

En 1823, la casa de Goya, junto con las pinturas murales, pasó a ser propiedad de su nieto Mariano Goya, muy probablemente de esta manera Goya intentó salvar su propiedad de una posible confiscación tras la restauración de la monarquía absoluta y la represión por parte de Fernando VII. A 50 años de su creación Imágenes sombrías eran desconocidos para el gran público (salvo algunos especialistas, como los describe Charles Iriarte). En 1874, Salvador Martínez Cubells (Español) ruso a petición del banquero francés Frederic Emile d'Erlanger (Inglés) ruso Comenzó a transferir pinturas del yeso al lienzo. Este proceso tomó varios años. D'Erlanger pretendía vender los cuadros en la Exposición Universal de París, pero en 1881 los donó al Museo del Prado, donde se exponen hasta nuestros días.

"Imágenes oscuras" y su historia.

En febrero de 1819, Goya adquirió una finca a orillas del río Manzanares, cerca del Puente de Segovia. (Español) ruso , con vistas a las dehesas de San Isidro. Esperaba poder vivir allí con Leocardia Weiss, sin llamar la atención y evitando chismes, ya que ella estaba casada con el comerciante Isidoro Weiss. Leocardia, probablemente de una relación con el artista, tuvo una hija, Rosarita. Entre febrero y noviembre de 1819, antes de que Goya enferme gravemente, como lo demuestra el cuadro. Goya es atendido por el Dr. Arrieta (Español) ruso(1820)-, el artista comienza a pintar las paredes de su casa. Se sabe con certeza que Imágenes sombrías fueron pintadas sobre imágenes anteriores que Goya usó como base, como por ejemplo para duelo con palos (Español) ruso.

Si las pinturas originales eran similares en su estado de ánimo despreocupado a las obras del período aragonés, entonces se puede suponer que la decisión de Goya de pintar sobre ellas estuvo influenciada por episodios de enfermedad, tal vez junto con los turbulentos acontecimientos del Trienio Liberal. bosal (Español) ruso Me inclino a creer que los cuadros originales fueron pintados por Goya, y reutilizó sus materiales; sin embargo Glendinning (Español) ruso sugiere que las pinturas "ya decoraban las paredes de la Quinta del Sordo cuando se adquirió la finca". En cualquier caso, Goya pudo trabajar en pinturas en su villa a partir de 1820. La finalización de la obra no puede fecharse después de 1823, ya que en esa época Goya se trasladó a Burdeos y dejó la finca a su nieto Mariano, quizás temiendo represalias de las autoridades tras la caída de Riego. En 1830, Mariano de Goya traspasó sus propiedades a su padre, Javier de Goya.

Existía una teoría que atribuía la creación Imágenes sombrías Javier de Goya (hijo del artista); sin embargo, Bosal y Glendinning, los mayores investigadores de la obra de Goya, rechazaron esta teoría. Es difícil imaginar que los contemporáneos no conocieran un hecho tan inusual. La técnica del dibujo, la calidad de la pincelada, la representación grotesca de las personas, los temas inquietantes que también están presentes en obras anteriores y posteriores hacen infundada la atribución de autoría a Javier de Goya.

Antonio Brugada señaló la presencia de siete cuadros en el primer piso y ocho en el segundo, pero posteriormente sólo catorce acabaron en el Museo del Prado. Charles Iriarte, que visitó la finca posteriormente, también describe las pinturas ahora conocidas e indica que un gran trozo fue arrancado de la pared. Muchos historiadores del arte creen, basándose en la similitud de estilo y tema, que el cuadro decimoquinto es Cabezas en un paisaje(Nueva York, colección Stanley Moss).

Otra cuestión sin resolver es la ubicación original del cuadro. Dos viejos comiendo sopa (Español) ruso, del cual se desconoce si colgaba en el primer o segundo piso. Sin tener en cuenta este detalle, la ubicación original de las pinturas en Quinto del Sordo era la siguiente:

• Primer piso: Era una gran sala rectangular. Los muros largos tenían dos ventanas al lado de los muros cortos. De ellos colgaban dos grandes cuadros: Fiesta en San Isidro (Español) ruso a la derecha, visto desde la puerta principal, y Asamblea de brujas (Español) ruso izquierda. En la pared más corta, frente a la entrada en el centro, había una gran ventana, a la derecha de ella estaba Judit y Holofernes (Español) ruso, y a la izquierda Saturno devorando a su hijo (Español) ruso. Colgando cerca de la puerta Doña Leocardia Zorilla (Español) ruso(contra Saturno) Y dos viejos (Español) ruso o El viejo y el monje. contra Judit.
• Segunda planta: La habitación tenía las mismas dimensiones que el primer piso, pero en las paredes largas había una ventana en el centro, cada una de las cuales estaba rodeada por un cuadro a derecha e izquierda. En el lado derecho, más cerca de la entrada, había Visiones fantásticas o Asmodeo (Español) ruso Y (Español) ruso más lejos de la entrada. En el lado izquierdo estaban respectivamente Átropos o destino (Español) ruso Y duelo con palos (Español) ruso. En el lado más corto estaban mujeres riendo (Español) ruso Derecha y hombres leyendo (Español) ruso izquierda. En la pared más cercana a la entrada, a la derecha, estaba “Perro”, y a la izquierda había otro cuadro, presumiblemente “Cabezas en un paisaje”.

Existe una opinión generalizada entre los críticos de arte de que Imágenes sombrías Fueron creados por Goya en un estado de presión psicológica y social. Uno de los factores más importantes fue la conciencia del artista de la disminución de la fuerza física, que no pudo evitar sentir mientras convivía con Leocardia Weiss, una mujer mucho más joven que él, y también debido a una grave enfermedad en 1819, cuando se estaba muriendo, lo que se reflejó en la combinación de colores y el tema de la obra.

Por otro lado, Goya pintó estos cuadros en la década de 1820 (de los que, sin embargo, no hay constancia documental), y para entonces ya se había recuperado de su enfermedad. Representación satírica de escenas religiosas (romerías, procesiones, Inquisición) o disturbios civiles (p. ej. duelo con palos o en una supuesta descripción de una reunión o conspiración en hombres leyendo; También hay una interpretación política de la trama. Saturno: el estado devora a sus súbditos) es coherente con la inestabilidad política en España después de que los militares, liderados por Riego, exigieran al rey el cumplimiento de la constitución de 1812. El periodo 1820-1823 coincide cronológicamente con la finalización de la obra. Al parecer, los temas y la paleta de las pinturas fueron posibles en ausencia de censura política durante la restauración de la monarquía absoluta. Por otra parte, muchos personajes Imágenes sombrías(duelistas, monjes y monjas, inquisidores) representan el antiguo orden, que existía antes de los ideales de la Revolución Francesa.

Notas

Cuando se trata de pintura, la imaginación tiende a dibujar escenas pastorales y retratos majestuosos. Pero, de hecho, las bellas artes son multifacéticas. Sucedió que los pinceles de grandes artistas produjeron cuadros muy controvertidos que casi nadie querría colgar en su casa. En nuestra revisión de las 10 pinturas más terribles de artistas famosos.

1. El Gran Dragón Rojo y la Bestia del Mar. William Blake

William Blake es conocido hoy por sus grabados y poesía romántica, pero fue poco apreciado durante su vida. Los grabados e ilustraciones de Blake son clásicos del estilo romántico, pero hoy veremos una serie de acuarelas de Blake que representan el gran dragón rojo del Libro del Apocalipsis. Esta pintura representa un gran dragón rojo, la encarnación del diablo, de pie sobre una bestia de siete cabezas en el mar.

2. Estudio del retrato de Inocencio X de Velázquez. Francis Bacon

Francis Bacon fue uno de los artistas más influyentes del siglo XX. Sus pinturas, sorprendentes por su audacia y oscuridad, se venden por millones de dólares. Durante su vida, Bacon a menudo pintó sus propias interpretaciones del retrato del Papa Inocencio X. En la obra original de Velázquez, el Papa Inocencio X mira pensativamente desde el lienzo y Bacon lo representó gritando.

3. Dante y Virgilio en el infierno. Adolphe William Bouguereau

El infierno de Dante, con sus representaciones de terribles torturas, ha inspirado a artistas desde la publicación de esta obra. Bouguereau es mejor conocido por sus representaciones realistas de escenas clásicas, pero en esta pintura representó el círculo del infierno donde los impostores luchan continuamente para robarse la identidad de los demás mordiéndose.

4. Muerte de Marat. Edvard Munch

Edvard Munch es el artista más famoso de Noruega. Su famoso cuadro "El grito", que personifica la melancolía, está firmemente arraigado en la conciencia de cualquier persona que se preocupe por el arte. Marat fue uno de los principales líderes políticos de la Revolución Francesa. Como Marat padecía una enfermedad de la piel, pasaba la mayor parte del día en el baño, donde trabajaba en sus obras. Fue allí donde Marat fue asesinado por Charlotte Corday. Más de un artista ha representado la muerte de Marat, pero el cuadro de Munch es especialmente realista y cruel.

5. Cabezas cortadas. Théodore Géricault

La obra más famosa de Géricault es "La balsa de la Medusa", un enorme cuadro de estilo romántico. Antes de crear obras importantes, Géricault pintó pinturas de “calentamiento” como “Cabezas cortadas”, para las que utilizó miembros reales y cabezas cortadas. El artista sacó material similar de las morgues.

6. Tentación de San Antonio. Matthias Grunewald

Grunewald solía pintar imágenes religiosas en estilo medieval, aunque vivió durante el Renacimiento. San Antonio pasó por varias pruebas de su fe mientras vivía en el desierto. Según una leyenda, San Antonio fue asesinado por demonios que vivían en una cueva, pero luego renació y los destruyó. Esta pintura representa a San Antonio, que fue atacado por demonios.

7. Naturaleza muerta de máscaras. Emil Nolde

Emil Nolde fue uno de los primeros artistas expresionistas, aunque su fama pronto fue eclipsada por otros expresionistas como Munch. La esencia de este movimiento es la distorsión de la realidad para mostrar un punto de vista subjetivo. Esta pintura fue realizada por el artista después de investigar máscaras en el Museo de Berlín.

8. Saturno devorando a su hijo. francisco goya

En los mitos romanos, que se basan en gran medida en la mitología griega, el padre de los dioses devoraba a sus propios hijos para que nunca lo destronaran. Fue este acto de matar niños lo que Goya representó. La pintura no estaba destinada al público, sino que fue pintada en la pared de la casa del artista junto con varias otras pinturas oscuras, conocidas colectivamente como "Pintura Negra".

9. Judit y Holofernes. Caravaggio

En el Antiguo Testamento hay una historia sobre la valiente viuda Judit. Judea fue atacada por un ejército dirigido por el general Holofernes. Judit abandonó las murallas de la ciudad y se dirigió al campamento del ejército que asediaba la ciudad. Allí sedujo a Holofernes con la ayuda de su belleza. Cuando el comandante durmió borracho por la noche, Judith le cortó la cabeza. Esta escena es bastante popular entre los artistas, pero la versión de Caravaggio es especialmente espeluznante.

10. Jardín de las delicias terrenales. Jerónimo El Bosco

Por lo general, a Hieronymus Bosch se le asocia con pinturas fantásticas y religiosas. "El Jardín de las Delicias" es un tríptico. Los tres paneles del cuadro representan respectivamente el Jardín del Edén y la creación de la humanidad, el Jardín de las delicias terrenales y el Castigo por los pecados que ocurren en el jardín terrenal. Las obras de Bosch son algunas de las más espantosas y, al mismo tiempo, más bellas de la historia del arte occidental.

18 de octubre de 2012

Saturno devorando a sus hijos

1821-1823; 146x83cm

Prado, Madrid

Goya pasó los años antes de emigrar a Francia, cerca de Madrid, a orillas del Manzanares, en una casa llamada "Casa de los Sordos". Entre las creaciones posteriores del maestro se encuentran pinturas murales de esta casa, retratos, varios cuadros para iglesias y la serie gráfica "Disparates" (traducida como absurdo, locura).

En las pinturas realizadas con la técnica del óleo en las paredes de la “Casa de los Sordos” se ven con mayor frecuencia imágenes fantásticas y monstruosas generadas por la imaginación morbosa del anciano artista, que no sólo es sordo, sino que también comienza a enloquecer. ciego, para quien el mundo entero se ha convertido en oscuras y trágicas pesadillas.

Sin embargo, actualmente se ha establecido una conexión entre las pinturas y los acontecimientos políticos de aquellos años, aunque el elemento de fantasía claramente expresado hace que en realidad sea difícil discernir la dependencia de lo representado de los acontecimientos reales. El verdadero significado de estas obras está encriptado y estrechamente relacionado con las creencias populares, pero lo trágico y grotesco en estos llamados “Lienzos Negros” se lleva al límite...

Dos ancianas comiendo sopa

1821-1823; 53x85cm
pintura mural transferida a lienzo
Prado, Madrid

La paleta del maestro en esta época se compone principalmente de negro, gris, ocre y marrón; sólo que a veces intercala inesperadamente manchas blancas o rojo sangre en este color bastante sombrío. A finales del siglo XIX, los “Lienzos Negros” serán trasladados de las paredes de la “Casa de los Sordos” al lienzo. La casa en sí, en la que, por cierto, nunca se creó el Museo Goya, fue finalmente destruida en 1910. Hoy en su lugar hay una estación de metro que lleva el nombre del artista: “Goya”...

En el famoso "Saturno devorando a sus hijos", el dios caníbal, que se asemeja a un ave de presa con ojos saltones, está representado en el momento más aterrador, su boca abierta evoca asociaciones con las puertas del infierno, detrás de las cuales sus hijos mueren uno tras otro. en terrible agonía...

Lucha ("Dos extraños")

1820-1823; 123x266cm
pintura mural transferida a lienzo
Prado, Madrid

Rubens abordó el mismo tema en 1636, pero lo presentó de forma completamente diferente, aunque utilizando una composición similar. Rubens hace que el espectador perciba Saturno un tanto distante, como desde fuera. Goya nos hace partícipes involuntarios de una fiesta infernal, del mismo modo que nos invita a unirnos a dos viejas brujas que comen (“Dos ancianas comiendo sopa”).

¿Estás acostumbrado a recibir placer estético y placer de las obras de arte? Pero el mundo de la pintura no sólo puede sorprenderte, sino también asustarte. A lo largo de los siglos, grandes artistas han creado pinturas excepcionales que pondrán los pelos de punta a los espectadores.

¿Te sientes incómodo cuando ves Scream? ¿O hay otra “historia de terror” dibujada que quedó grabada en tu memoria? Artifex He seleccionado para ti 10 cuadros que definitivamente no deberías mirar antes de acostarte.

10. Caravaggio, “Judit y Holofernes”, 1599

La parte superior comienza con una pintura realista de un maestro italiano basada en el “Libro de Judit” del Antiguo Testamento. La leyenda de una niña que, por el bien de su pueblo, entró en el campamento enemigo, se ganó la confianza del comandante Holofernes y le cortó la cabeza por la noche, ha preocupado durante mucho tiempo a los artistas de toda Europa. Normalmente se la representaba con una cabeza cortada en la mano en medio de un campamento enemigo, pero Caravaggio decidió reflejar el momento mismo del asesinato. Gracias a esta decisión, el artista transmitió no solo la atmósfera de derramamiento de sangre, sino también las emociones del asesino y de la víctima.

9. Bouguereau, “Dante y Virgilio en el infierno”, 1850

Al artista francés del siglo XIX, Adolphe William Bouguereau, le gustaba mucho el poema de Dante La Divina Comedia. El artista representó una escena de la canción XXX de la parte del poema llamada “Infierno”. En el octavo círculo del inframundo, los personajes principales observan cómo dos almas condenadas atormentan a un engañador. Bouguereau trabajó durante mucho tiempo en la paleta de colores del cuadro y estudió los límites estéticos del hombre. La pintura, según el plan del artista, debía transmitir el miedo y el horror de lo que está sucediendo en el mundo subterráneo. En el Salón de 1850, esta obra causó disgusto entre el público.

El famoso tríptico aún guarda muchos misterios para los investigadores. Ninguna de las interpretaciones de la obra que existen hoy en día se consideran exhaustivas. El tríptico mostró la plenitud de la imaginación y la habilidad del artista. Está dedicado al pecado de la sensualidad y las tres partes reflejan la idea principal del Bosco hasta el más mínimo detalle. Las puertas exteriores del tríptico representan una imagen serena del universo, pero cuando las abres, te sumerges en una atmósfera de caos loco.

7. Munch, “La muerte de Marat”, 1907

No confundas este cuadro con la majestuosa obra del mismo nombre, que se convirtió en una especie de símbolo de la Revolución Francesa. Edvard Munch escribió su cuadro 114 años después de David, y se centró no en la figura del publicista revolucionario, sino en el momento de su asesinato. Con su estilo inimitable, el autor de El grito retrata a Charlotte Corday desnuda momentos después de matar brutalmente a puñaladas a Marat. Golpes contundentes y mucha sangre complementan el efecto aterrador de la imagen.

6. Blake "El gran dragón rojo y el monstruo marino", 1806-1809

Se le considera merecidamente uno de los artistas y grabadores ingleses más misteriosos. Este pintor fue atormentado por fantasmas y visiones desde pequeño, y posteriormente los representó en sus obras. Blake dedicó una serie de pinturas al Dragón Rojo del Apocalipsis de Juan Evangelista. En esta imagen, el dragón personifica a Satanás, elevándose sobre otro demonio: un monstruo marino. La naturaleza épica y la elaboración detallada de los monstruos no sólo asustan, sino que también causan admiración.

5. Bacon, “Estudio del retrato de Inocencio X Velázquez”, 1953

La obra es una reinvención del "Retrato del Papa Inocencio X". El clásico del expresionismo inglés pintó alrededor de 40 cuadros similares, incluidos en la serie “Screaming Dads”. El artista cambió el color de la ropa de papá de rojo a morado y pintó todo el lienzo en colores oscuros. Gracias a la técnica del maestro, la obra no evoca asociaciones con el retrato original de Velázquez, pero produce una impresión aterradora y deprimente.

4. Dalí, “El rostro de la guerra”, 1940

Este cuadro del famoso artista español puede provocar un ataque de pánico en el espectador. Salvador Dalí no sólo juega con los símbolos, sino también con la transmisión de estados de ánimo. El diseño de una cabeza envuelta en serpientes, cráneos cada vez más pequeños en las cuencas de los ojos de lo que una vez fue un hombre, simboliza el ciclo interminable de la muerte. En la esquina inferior derecha el artista “dejó” la huella de su mano. Y los tonos desérticos y amarillos típicos de la obra de Dalí le dan a esta imagen un toque de locura paranoica.

3. Goya, “Saturno devorando a su hijo”, 1819-1823

Algunos grabados pueden asustar incluso a un adulto. Entre ellos, la interpretación más espeluznante de la trama de la mitología griega antigua, donde el titán Cronos devora a sus hijos por temor a ser derrocado por uno de ellos. Goya representó la locura en el rostro del ya feo monstruo, lo que espesa aún más la atmósfera de horror de lo que está sucediendo. Esta obra “decoraba” la pared de su “Casa de los Sordos”, pero difícilmente alguien más quisiera pasar junto a una pintura así en su casa por la noche.

2. Curry, manteca de cerdo Gallowgate, 1995

El artista Ken Curry nació en Inglaterra en 1960. Sus lienzos oscuros reflejan los procesos que tienen lugar en el mundo moderno. Las pinturas de Curry afectan la psique del espectador, creando un sentimiento de desesperanza y miedo, pero al mismo tiempo lo empujan a pensar. El inquietante autorretrato del artista es fruto de sus pensamientos sobre cuestiones metafísicas relacionadas con la decadencia de la sociedad moderna y la conciencia humana.

1. Rapp, "La pérdida de la mente para importar", 1973

Incluso al echar un vistazo rápido a un cuadro del artista austriaco Otto Rapp, uno quiere apartar la vista inmediatamente. Una cabeza humana en descomposición en una jaula, una lengua intacta en su interior: tal "naturaleza muerta" tensa no solo la psique del público, sino que también causa un malestar puramente fisiológico. Se puede adivinar qué significado le dio el artista a la obra, pero es bastante obvio: ¡esta es una imagen realmente aterradora! Y si alguien sueña con una trama similar por la noche, entonces debe "agradecer" la técnica magistral de Rapp por la pesadilla.

Y “Dos viejos comiendo sopa” es muy similar en atmósfera y expresión a “Los comedores de patatas” de Van Gogh.

Has elegido muy buenas citas para acompañar los impresionantes murales. Me gustan mucho.

Escribir directamente en la pared es fantástico. Tuve una experiencia así, un sentimiento increíble.

Julia Ría:
22 de noviembre de 2011 a las 12:20

Comparado con Van Gogh. Sí, los mismos colores sombríos, la misma atmósfera de asfixia e impotencia o algo así... De todos estos cuadros me gusta “El Perro”, una atmósfera tan extraña la creó Goya.

No lo recuerdo, ¿has leído este libro sobre Goya de Feuchtwanger? Termina justo en el lugar donde el artista decidió pintar las paredes de su casa. Debería haber habido una segunda parte, pero... la vida del escritor se truncó, ¡qué injusto!

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22 de noviembre de 2011 a las 13:47

La perra tiene una mirada tan lamentable, hay tanta soledad y resentimiento en ella, y frente a ella hay una sombra apenas visible (pero tal vez sean las proyecciones de la pared), a la que mira con la pregunta: “ ¿Por qué me dejaste?"...

No recuerdo si he leído Goya de Feuchtwanger, pero eso no me impedirá leer este libro cuando me apetezca.

Estas últimas obras de Goya son puro expresionismo. Estaba muy adelantado a su tiempo.

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24 de noviembre de 2011 a las 18:07

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25 de noviembre de 2011 a las 11:30

Durante mucho tiempo no acepté y rechacé el arte conceptual, diversas representaciones, acciones, sucesos y cosas por el estilo salvajes y repulsivas. En Rusia se ha adoptado el término "arte contemporáneo", pero en el resto del mundo no lo saben.))

Como ejemplo, las travesuras escandalosas del artista ruso más famoso, el hombre perro Oleg Kulik. Me gusta mucho una de sus viejas obras "Russian Eclipse", donde está desnudo con una pancarta roja en la mano.))

Me tomó mucho tiempo, leyendo literatura y artículos relevantes sobre arte contemporáneo, comenzar a convencerme de que todo tiene un lugar en el arte. Y no se puede negar nada.

No he entendido nada mejor, pero a veces todavía me interesa lo que sucede en el arte conceptual (intelectual). Lea las declaraciones de Oleg Kulik, son dignas de ello. He aquí, por ejemplo, uno de sus pensamientos:

“Todos son buenos, pero mienten, pero el artista no miente, pero es un egoísta codicioso y arrogante. La persona promedio también tiene todas estas cualidades, pero en el mundo moderno es indecente demostrarlas. Lo más terrible en el mundo de la persona promedio no es la bomba atómica, ni la pobreza, sino lo que tus vecinos dirán de ti. El artista no tiene miedo de esto”.

Aquí hay otra cosa que realmente me gustó:

"El arte que existe para la venta ya no es arte".

Por eso siento aversión y rechazo hacia el arte comercial, las pinturas en venta. Pero he estado luchando con bastante éxito contra esta "ira justa" durante mucho tiempo.))

Yul, ¿qué es lo que te repugna?

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25 de noviembre de 2011 a las 16:16

Y, sin embargo, no entiendo muy bien a qué te refieres con arte comercial. ¿Qué se vende en principio o qué se retrata deliberadamente para satisfacer el gusto del público?

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25 de noviembre de 2011 a las 17:37

¿Cómo puedo estar en contra de todo lo que está en venta? Yo mismo he vendido más de una docena de cuadros. Además, al final todo acaba en el mercado del arte.

Por supuesto, me refiero a lo que se sortea específicamente para la venta. Es decir, saber de antemano qué comprará el público. A su gusto. Pero lo entiendo desde hace mucho tiempo. Después de todo, la gente necesita vivir de algo. ¿Por qué no de pinturas?

Olya, para mí es importante la intención del artista. Primordial. Esto es lo que marca la diferencia entre las obras. Por eso a una pintura la llamamos arte, pero no a la otra.

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25 de noviembre de 2011 a las 18:13

Ahora está claro: a veces me parece que estás en contra de vender.

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26 de noviembre de 2011 a las 12:57 p.m.

¡Por supuesto que no! Estoy a favor. Y me alegro mucho cuando los artistas logran vivir de su arte. Eso es una gran rareza.

En este asunto, es importante entender cuál es el objetivo y cuál es el medio.))

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1 de diciembre de 2011 a las 13:57

Sí, sí, si primero piensas sólo en el dinero, se pierde la espiritualidad y el significado. Pero la presencia de ingresos no niega la presencia de significado. Estas cosas no siempre son claras para todos. Especialmente en nuestro país, en Rusia. El maestro debe ser pobre; esto está en la mente de muchos, y si el maestro es rico, entonces esto ya no es arte. El mismo Goya recibía mucho dinero por sus retratos y era pintor de corte, de lo que estaba orgulloso. Pero él no se extralimitó.

La frase: “Lo peor en el mundo para una persona promedio no es la bomba atómica, ni la pobreza, sino lo que tus vecinos dirán de ti” - ¡increíble! Sencillo pero preciso. ¿Qué dirán de ti tus vecinos, compañeros y transeúntes? Estoy disgustado por todo esto (sin embargo, ay, yo también lo tengo).

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1 de diciembre de 2011 a las 15:20

¡Por supuesto que no lo niega! La gente está confundida acerca de los conceptos, eso es absolutamente cierto. Y hasta qué punto, no puedo entenderlo. Por ejemplo, la mayoría de la gente cree que cualquier pintura es arte. Automáticamente. Si todos los atributos están ahí: un lienzo cubierto de pinturas, un marco, entonces es arte. ¿Qué otra cosa? Esto nunca deja de sorprenderme. Julia, ¿por qué se aplica la palabra arte a cualquier cuadro? ¿Tienes una versión?

Este “qué dirán de ti” me resulta dolorosamente familiar. Como siempre no me importó, mis padres experimentaron al máximo las consecuencias de mi indiferencia.))