Descripción del puesto de director artístico de una empresa de teatro y entretenimiento. Descripción del puesto del director artístico del teatro Director artístico de la producción.

ACERCA DE fundador, director artístico permanente y director en jefe del Teatro "On the Embankment" (ahora Institución Presupuestaria de Cultura del Estado de Moscú "Teatro Dramático Infantil "On the Embankment"), que lidera su historia creativa desde 1980, como comunidad de profesionales adultos y niños, adolescentes y jóvenes que trabajan juntos en espectáculos y en espectáculos, sobre la base de una cooperación, un codesarrollo y una cocreación abiertos, conscientes y responsables; autor de obras de teatro y director de más de 50 representaciones dramáticas del repertorio único del On the Embankment Theatre.

Fyodor Sukhov se graduó en el departamento de dirección de VTU. B.V. Shchukin en el Teatro Académico Estatal que lleva su nombre. E.B. Vakhtangov (1993, diploma con honores); Licenciado en Automatización y Telemecánica por el Instituto de Energía de Moscú (1984); Estudió en VGIK. S.A. Gerasimov en el curso de actuación y dirección de S. Gerasimov y T. Makarova, por invitación personal de los maestros (por el papel de A. Peshkov en la película educativa "Mis universidades" en el taller de M. Khutsiev).

Fyodor Sukhov - miembro de la Unión de Cinematógrafos de la Federación de Rusia (desde 1993); actor de teatro y cine: más de 10 papeles principales en 20 películas de directores como: S. Gerasimov, E. Urazbaev, G. Egiazarov, Yu Sorokin, K. Shakhnazarov y otros; Interpretó personajes históricos: el príncipe Vladimir el Bautista, el primer impresor Ivan Fedorov, Maxim Gorky, Maximilian Voloshin, el mariscal de la Unión Soviética K. Meretskov.

Títulos: laureado con el título “Maestro del año en Rusia”, trabajador honorario de educación general en Rusia.

El autor de la compleja metodología multinivel “4 teatros: teatro infantil, educativo, escénico y de autor” para niños (adolescentes, jóvenes) y adultos, que constituye la base de las actividades del Teatro “En el Terraplén” y sus programas están incluidos en el programa de la UNESCO "Observatorio de Educación Artística de los Estados miembros de la CEI".

Autor de proyectos socioculturales del Teatro “On the Embankment”: Proyecto de cine y teatro inclusivo “RÍO DE LA VIDA: Todavía me importa” con niños discapacitados (desde 2016 hasta la actualidad); Proyecto benéfico de teatro co-creativo “PAZ A TU HOGAR” para huérfanos, alumnos de orfanatos y familias de acogida (desde 2016 hasta la actualidad); Un proyecto teatral co-creativo abierto “TIGatoria”, que incluye una tradición, un conjunto de métodos, prácticas y actividades de investigación (TIG - Juegos Teatrales) en el espacio del teatro dramático infantil (desde 2000 hasta la actualidad).

Actividades internacionales: profesor de teatro de fama mundial: dirigió laboratorios de teatro originales y clases magistrales en 17 países, entre ellos: Austria, Alemania, Francia, Inglaterra, Irlanda, Finlandia, Croacia, Eslovaquia, Montenegro, Israel, Lituania, Letonia, Estonia y otros; dirección y labor teatral-pedagógica por invitación del Instituto de Teatro de la Universidad Nacional de Taiwán (Taiwán), puesta en escena de la obra “The Cherry Orchard Theatre” (Taipei, Taiwán); Dirigió 5 veces equipos de teatro infantil y juvenil rusos y fue líder de grupos internacionales en los Campamentos de Teatro EDERED (European Drama Encounters): en Alemania, Israel, Estonia, Croacia y Austria.

Premios: Certificado de Honor del Sindicato de Trabajadores del Teatro de Rusia “Por un fructífero trabajo teatral y pedagógico con artistas jóvenes”; Agradecimiento del Ministro de Cultura de la Federación de Rusia A.A. Avdeeva; laureado del concurso "Moscow Grant" en el campo de la ciencia y la tecnología en la educación; Agradecimiento del Jefe de la Casa Imperial Rusa “Por el servicio ejemplar a la Patria, los altos logros profesionales y la importante contribución personal al desarrollo de la ciencia, la cultura y el arte rusos”.

0.1. El documento entra en vigor desde el momento de su aprobación.

0.2. Desarrollador del documento: _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _.

0.3. El documento ha sido aprobado: _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ _.

0.4. La verificación periódica de este documento se realiza a intervalos no superiores a 3 años.

1. Disposiciones generales

1.1. El puesto "Director artístico de una empresa de teatro y entretenimiento" pertenece a la categoría "Profesionales".

1.2. Requisitos de calificación: completar la educación superior en el campo de formación correspondiente (maestría, especialista) y formación avanzada. Mínimo 5 años de experiencia laboral creativa.

1.3. Conoce y aplica en la práctica:
- legislación vigente en el ámbito de la cultura y el arte;
- los logros culturales y artísticos más importantes;
- metodología del proceso creativo;
- los conceptos básicos de escenografía, dirección, canto, coreografía, interpretación y ejecución musical;
- experiencia de instituciones culturales nacionales y mundiales;
- repertorio clásico y moderno;
- conceptos básicos de organización y gestión laboral, derechos de autor y legislación laboral;
- normativa laboral interna;
- normas y reglamentos de protección laboral, saneamiento industrial y protección contra incendios.

1.4. El director artístico de una empresa de teatro y entretenimiento es nombrado para el cargo y destituido del cargo por orden de la organización (empresa/institución).

1.5. El director artístico de una empresa de teatro y entretenimiento reporta directamente a _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ .

1.6. El director artístico de una empresa teatral y de entretenimiento dirige el trabajo de _ _ _ _ _ _ _ _ _ _ .

1.7. Durante su ausencia, el director artístico de una empresa teatral y de espectáculos es sustituido por una persona designada de acuerdo con el procedimiento establecido, quien adquiere los derechos correspondientes y es responsable del adecuado desempeño de las funciones que le sean asignadas.

2. Características del trabajo, tareas y responsabilidades laborales

2.1. Organiza toda la gama de actividades creativas y de producción de la empresa teatral y de entretenimiento.

2.2. Determina el concepto artístico y creativo general, las perspectivas de la actividad creativa en la política cultural general del Estado.

2.3. Elabora planes de repertorio, determina los plazos para su implementación y monitorea su cumplimiento.

2.4. Responsable de los resultados creativos y económicos de la empresa de teatro y entretenimiento.

2.5. Vela por la calidad artística del repertorio actual, contribuyendo a la formación y satisfacción de las necesidades de la población en las artes escénicas y musicales.

2.6. Implica liderar a los maestros en la colaboración creativa, trabaja con compositores y escritores para crear nuevas obras musicales y literarias, y mantiene un contacto constante con sindicatos creativos y los medios de comunicación.

2.7. Garantiza la dotación de personal cualificado y el uso de personal creativo.

2.8. Realiza labores educativas, determina el sistema, formas y procedimiento para mejorar las calificaciones profesionales de los trabajadores creativos.

2.9. Controla la disciplina creativa y laboral del personal artístico, hace propuestas de fijación de precios de artistas, incentivos y sanciones disciplinarias.

2.10. Conoce, comprende y aplica la normativa vigente relativa a sus actividades.

2.11. Conoce y cumple los requisitos de la normativa en materia de protección laboral y protección del medio ambiente, cumple con las normas, métodos y técnicas para el desempeño seguro del trabajo.

3. Derechos

3.1. El director artístico de una empresa de teatro y entretenimiento tiene derecho a tomar medidas para prevenir y eliminar casos de violaciones o inconsistencias.

3.2. El director artístico de una empresa teatral y de entretenimiento tiene derecho a recibir todas las garantías sociales previstas por la ley.

3.3. El director artístico de una empresa teatral y de entretenimiento tiene derecho a exigir asistencia en el desempeño de sus funciones oficiales y en el ejercicio de sus derechos.

3.4. El director artístico de una empresa de teatro y entretenimiento tiene derecho a exigir la creación de las condiciones organizativas y técnicas necesarias para el desempeño de las funciones oficiales y el suministro del equipo e inventario necesarios.

3.5. El director artístico de una empresa de teatro y entretenimiento tiene derecho a conocer los proyectos de documentos relacionados con sus actividades.

3.6. El director artístico de una empresa teatral y de entretenimiento tiene derecho a solicitar y recibir los documentos, materiales e información necesarios para el cumplimiento de sus funciones oficiales y órdenes de gestión.

3.7. El director artístico de una empresa teatral y de espectáculos tiene derecho a mejorar sus calificaciones profesionales.

3.8. El director artístico de una empresa teatral y de entretenimiento tiene derecho a denunciar todas las infracciones e inconsistencias identificadas en el curso de sus actividades y hacer propuestas para su eliminación.

3.9. El director artístico de una empresa de teatro y entretenimiento tiene derecho a familiarizarse con los documentos que definen los derechos y responsabilidades del cargo desempeñado y los criterios para evaluar la calidad del desempeño de las funciones oficiales.

4. Responsabilidad

4.1. El director artístico de una empresa de teatro y entretenimiento es responsable del incumplimiento o cumplimiento extemporáneo de las funciones asignadas en esta descripción de funciones y (o) de la no utilización de los derechos otorgados.

4.2. El director artístico de una empresa de teatro y entretenimiento es responsable del incumplimiento de la normativa laboral interna, protección laboral, medidas de seguridad, saneamiento industrial y protección contra incendios.

4.3. El director artístico de una empresa de teatro y entretenimiento es responsable de revelar información sobre la organización (empresa/institución) que sea un secreto comercial.

4.4. El director artístico de una empresa de teatro y entretenimiento es responsable del incumplimiento o cumplimiento inadecuado de los requisitos de los documentos normativos internos de la organización (empresa/institución) y de las órdenes legales de gestión.

4.5. El director artístico de una empresa teatral y de espectáculos es responsable de las infracciones cometidas en el ejercicio de sus actividades, dentro de los límites establecidos por la legislación administrativa, penal y civil vigente.

4.6. El director artístico de una empresa teatral y de entretenimiento es responsable de causar daños materiales a la organización (empresa/institución) dentro de los límites establecidos por la legislación administrativa, penal y civil vigente.

4.7. El director artístico de una empresa teatral y de entretenimiento es responsable del uso ilícito de los poderes oficiales otorgados, así como de su uso para fines personales.

Entre 2013 y 2017, al menos catorce salas celebraron más de 60 contratos por un valor total de más de 97 millones de rublos con sus propios directores, ya sean individuos o empresarios individuales. Los teatros contrataban a sus propios directores artísticos como actores y directores, y también les alquilaban espacios y utilería para las producciones.

Así, el director de la Ópera Helikon, Dmitry Bertman, recibió de su teatro una media de unos 440.000 rublos. por la puesta en escena de una función, el director del Teatro Pushkin, Evgeny Pisarev, - 480 mil rublos cada uno, el director del Teatro en el suroeste, Oleg Leushin - 180 mil rublos cada uno, el director del Centro Gogol, Kirill Serebrennikov - 345 mil rublos cada uno . Por actuar en sus teatros, Oleg Tabakov y Oleg Menshikov ganaron más de 600 mil por mes, Nadezhda Babkina, 520 mil por mes.

Yuri Kuklachev firmó dos contratos para el alquiler de locales con su propio hijo por 3,76 millones de rublos, y Pavel Slobodkin alquiló las instalaciones de su teatro y centro de conciertos durante dos años a una empresa en la que posee una participación del 50% por 38,6 millones de rublos. Al mismo tiempo, todos continuaron recibiendo el salario de directores artísticos de teatros estatales.

Por regla general, los acuerdos los firmaban en nombre del teatro los directores artísticos adjuntos. Es obvio que dependen de sus superiores inmediatos y no pueden tomar decisiones contrarias a sus intereses. Esto significa que esto no libera a los directores de teatro de conflictos de intereses.

Todos los contratos se celebran de forma no alternativa: con un único proveedor. El fundamento del contrato decía que los directores artísticos de los teatros son mejores que otros para poder montar representaciones y desempeñar papeles en ellas.

El empresario individual Evgeny Pisarev actúa en una obra dirigida por Evgeny Pisarev (foto del sitio web del Teatro Pushkin)

Además, es difícil verificar el hecho de la aprobación: hipotéticamente, los directores de teatro pueden aprobar transacciones en el departamento de cultura con carácter retroactivo después de recibir una solicitud de la fiscalía para proporcionar documentos sobre las transacciones.

Por ejemplo, la obra "Zona Verde" de Evgeny Marcelli se proyectó antes de la aprobación del Ministerio de Cultura de la Federación Rusa.

Director artistico

Llevo veinte años dirigiendo el Teatro Vakhtangov, pero es difícil hablar de mí como director artístico. Por tanto, me gustaría detenerme sólo en algunos aspectos generales de mis actividades.

Cuando me ofrecieron ocupar este puesto, lo pensé durante mucho tiempo, no fue fácil para mí, porque imaginaba la responsabilidad que impone este puesto, y experimenté un sentimiento de miedo completamente comprensible: ¿podré afrontarlo? Pero aun así estuvo de acuerdo, porque sabía que los vakhtangovitas no aceptarían al "varego". Además, como lo demostró la experiencia del Teatro de Arte de Moscú en aquella época, es imposible gestionar un teatro de forma colectiva. Sólo puede ser dirigido por una persona. Sólo una persona puede levantarlo. Y, después de sopesar todos los pros y los contras, esperaba poder mantener el prestigio y el nivel de nuestro teatro. Por lo tanto, asumí el cargo con la tarea principal por delante: preservar el Teatro Vakhtangov y no permitir que su personal se desintegre en grupos.

Para ello, formuló tres puntos de su programa. En primer lugar, atraer al teatro a directores famosos para que presenten representaciones individuales. En segundo lugar, la dependencia de una dramaturgia talentosa. Y en tercer lugar, como ya tenía experiencia en teatro y dirección cinematográfica, prometí no montar las obras yo mismo, porque lo sabía: tan pronto como el director artístico comienza a montar obras, inmediatamente se convierten en la característica dominante del repertorio. Pero no tengo un verdadero don de director. Si algo entiendo es sólo en la actuación.

A lo largo de estos veinte años nuestro teatro ha sido juzgado de otra manera. En la difícil década posterior a la perestroika, algunos decían que el teatro estaba arruinado, otros sólo se quejaban de que su antigua gloria se había desvanecido. Sin embargo, al principio sobrevivimos cuando, junto con el colapso

La URSS perdió mucho de lo que era soviético, y luego el teatro cobró vida y ahora se está desarrollando activamente, y en esto veo en parte mi mérito.

Hubo un tiempo en el que, hasta cierto punto, compartíamos el destino de todos los teatros: con una fuerte caída de la prensa ideológica, era como si nos golpeara una enfermedad como un cajón. De hecho, durante décadas todo estuvo estrictamente regulado, a veces simplemente aflojaban un poco la válvula y de repente declaraban total libertad. ¿No fue un cambio brusco de presión?... Y tuvimos que vivir de una manera nueva en condiciones de economía de mercado que eran inusuales para nosotros.

La destrucción de la estética del arte asociativo resultó ser un gran desastre para el teatro. El idioma esopo de repente resultó innecesario en nuestro país. Y "La paz de Brest-Litovsk" de Shatrov, que se proyectó con entradas agotadas incluso en el extranjero, comenzó a proyectarse en nuestros teatros en salas medio vacías y tuvo que ser eliminada del repertorio. El público también reaccionó con frialdad ante la relevante obra “Los idus de marzo”, basada en Wilder.

¿Qué podemos decir si incluso en Taganka, donde se representaron actuaciones feroces y civiles, todo también se volvió “normal y genial” debido a la repentina disminución de la atención del público? Y el luchador de teatro Yuri Lyubimov pareció detenerse desconcertado: ¿con quién debería pelear? Durante algún tiempo también perdió la voz. Esta extraña época de cambios requirió nuevos colores y palabras de los cines. Y se hizo cada vez más difícil encontrarlos.

La gente visitaba los cines con mucha menos frecuencia, sobre todo porque los precios de las entradas eran inasequibles para una sociedad empobrecida. Por supuesto, la gente perdió mucho, pero el teatro no sufrió menos, privado de pensamientos, experiencias y sentimientos comunes con el público. Simplemente no podía seguir el ritmo de la vida cuando los acontecimientos caían como piedras sobre los confundidos ciudadanos de Rusia. ¿Era posible sorprenderlos con una representación teatral cuando la vida misma sorprendía y conmocionaba a cada hora? Por tanto, más de uno de nuestros teatros se encuentra ante una encrucijada: ¿qué dirección elegir ahora en su trabajo, dónde buscar puntos de contacto con el público? Pero no quería llegar a ningún extremo para perseguirlo, perder la cara, hundirme al nivel del sector de servicios o incluso connivencia abierta con la incivilidad. ¡Pero había un gran deseo de preservar los valores eternos del arte en el teatro en nuevas condiciones!

Y alrededor se crearon muchos teatros comerciales que vivían y viven, esencialmente, por el rublo. En general, allí no se ha representado ni una sola actuación importante ni se ha formado a ningún actor. ¡Porque es rentable llevar allí a profesionales ya reconocidos, y van porque pagan bien! Humanamente hablando, puedes entenderlos: quién no quiere ganar más dinero y más rápido. Pero los actores famosos no pueden permanecer mucho tiempo en un mismo lugar; De ahí el hackwork, la caída del nivel de actuación, la sorpresa del espectador periférico: ¿adónde se fue el talentoso actor del mismo nombre? Y trabajó en alguna baratija francesa. Al final esto fue, es y será. ¡Y que así sea, al menos para que se conserve un fondo gris para una representación nítida de verdaderos descubrimientos teatrales en primer plano!

A pesar de todas las dificultades que tuvimos que soportar en el pasado, todavía no experimentamos plenamente lo que es una crisis espiritual. Puedes burlarte de esto todo lo que quieras, pero todavía tenemos mucha gente educada, aunque hubo una época en la que la educación no estaba de moda. ¿Cuánto valió esta pequeña frase: “¿Por qué eres tan pobre si eres tan inteligente?” Pero nuestro público -y esto lo notan todos- sigue siendo el más sofisticado en lo que respecta al arte, ya sea teatro, música o pintura. Y no quiero que este nivel baje en absoluto. Pero hay motivos de preocupación.

Mira lo que está pasando en nuestro escenario. ¿Quién es el ídolo de la juventud, el héroe, por así decirlo, de nuestro tiempo? Felipe Kirkorov. Tiene un mar de fans y admiradores. Es muy elogiado. Lo imitan y lo envidian. Sí, no está exento de talento y belleza. Pero no envidian tanto esto como su riqueza. De hecho: prácticamente vuela en su propio avión, y su Lincoln está cargado en él, porque sólo en el Lincoln el ídolo puede entrar en Krasnoyarsk o en alguna otra ciudad. Pero incluso esto no es tan malo, porque Kirkorov es al menos reconocible, tiene una individualidad. Sin embargo, las nuevas modas de la cultura de masas se han dejado engañar por una especie de “fábricas de estrellas” que producen artistas sin rostro y que cambian por lotes en la composición de grupos vocales precoces sin perjudicar su programa comercial. Sin embargo, no hay nada particularmente dañino en ello si consideramos la cuestión desde la perspectiva de la cultura.

Entiendo que todo esto es publicidad, impactante. Sin embargo, si nuestro Teatro Vakhtangov quisiera publicitar alguna de sus representaciones, no habría encontrado ni una centésima parte de los fondos gastados por el mundo del espectáculo en la promoción de sus favoritas. Además, me parece que el teatro no aprenderá a publicitarse en absoluto. Es anticuado, como si estuviera vestido con ropas antiguas que restringen el movimiento. Le da vergüenza hablar de sí mismo y mantiene su dignidad.

Parece que mediante los esfuerzos conjuntos de las estructuras públicas y privadas el país podrá salir de la crisis económica general. Pero cada teatro busca una salida a sus problemas casi solo. Este es un camino difícil, pero el que camina puede dominar el camino.

Cuando Evgeny Rubenovich Simonov nos dejó, no rompió vínculos con el Teatro Vakhtangov. El nombre de este director pasó a la historia del teatro, que yo, como todos los vakhtangovitas, honro sagradamente, con todas nuestras victorias, derrotas, ganancias y pérdidas. Y no lo reescribiremos, “adaptando” el pasado al alineamiento favorable del presente. Evgeny Simonov dedicó sus últimos años a la creación del Teatro que lleva el nombre de su padre, considerando su deber filial perpetuar su memoria. Y el teatro existe desde hace muchos años. Está ubicado en las calles Arbat, muy cerca de nosotros, y hoy está dirigido por uno de los actores principales del Teatro Vakhtangov, Vyacheslav Shalevich. Y juntos resolvemos muchos problemas de nuestra existencia actual: el Teatro Vakhtangov, la Escuela de Teatro Shchukin, el Teatro Ruben Simonov, actores y directores de todas las generaciones de estudiantes de Vakhtangov.

Todavía estamos buscando. Buscamos en los preciosos almacenes de los clásicos rusos, en el drama moderno. Nuestro objetivo es defender el teatro como templo de la cultura. Captar la atracción emocional del espectador es la clave del éxito. Y hoy todos los teatros buscan esa acción escénica, quizás muy simple, que atraiga a las salas a personas ansiosas por comprender quiénes somos hoy, qué necesitamos para sentir nuestra altura humana, nuestra necesidad en la vida. Creo que la literatura, el teatro y el arte en general son necesarios por sí mismos para aumentar, aumentar la bondad en el mundo. Para que las personas puedan extraer de esta fuente de verdad y justicia, fe y amor tanto como puedan.

Cuando piensas en lo más importante en el arte del teatro, comprendes que es la habilidad, la profesionalidad, un oído que escucha los tiempos de hoy, una voz que puede hablar de los tiempos.

En primer lugar, el director debe tener esta habilidad. Al crear una actuación, se convierte en todo: actor, artista, diseñador musical, mago, creador, mentiroso, soñador: ¡todo! Finalmente, lanza la obra y ésta vive por sí sola, independientemente de su creador.

El problema actual de la dirección es que ha surgido una especie de "hamaca", un hundimiento entre la cohorte de grandes expertos en teatro de los años 20 y 30 del siglo pasado: Stanislavsky, Nemirovich-Danchenko, Vakhtangov, Meyerhold, Tairov, sus alumnos Ruben Simonov, Zavadsky, Okhlopkov, Akimov, Lobanov, Tovstonogov y directores modernos.

La generación de “maestros” no ha crecido, lo que tiene un impacto significativo en el campo del director. Siento que este reproche mío es injusto: formar un director a partir de una persona que no tiene ningún don natural para ello es lo mismo que intentar enseñar a alguien a convertirse en un gran escritor. Georgy Aleksandrovich Tovstonogov afirmó sin rodeos: “El director no puede nombrar un sucesor, porque esto es artísticamente imposible”. ¿Y no debería conocer todas las direcciones de la dirección?

Los directores modernos, en su mayoría, no crecieron de forma natural a través de una “maduración gradual”, sino que desarrollaron sus músculos. Los “deportistas” bailan mucho, son enérgicos, hábiles, no se les puede reprochar que no conozcan su trabajo, pero la falta de escuela afecta su trabajo. En las producciones actuales falta gravemente la comprensión filosófica del tema, la espiritualidad y el convincente "equipamiento vital", que estuvo presente en las actuaciones de directores famosos del pasado reciente, que partieron de la esencia profunda del arte teatral.

No puedo juzgar a todos, hablo según mis propias observaciones como director artístico del teatro. Por lo que nos aportan los jóvenes directores, lo veo: son profesionales “cerebrales”, fríamente calculadores. Esto no es culpa suya: viven en una época en la que en el teatro se han roto viejos conceptos y categorías familiares, y en la vida cotidiana una persona no siempre siente tierra firme bajo sus pies. Aquí, como dicen, no hay tiempo para la comprensión espiritual y la mirada al cielo, aquí muchos están pensando en cómo desenvolverse en este mundo extravagante, a qué aferrarse en este “movimiento browniano”, en el caos que se avecina. en. Y los directores llevan precisamente este caos al teatro. Y la comprensión espiritual de la belleza requiere paz y ocio creativo. Pero en la búsqueda de cosas materiales, ni lo uno ni lo otro existen hoy para nadie. Desafortunadamente, las necesidades del público también han cambiado: después de haber hecho recados, el público moderno sólo quiere de cualquier acción escénica una cosa: la oportunidad de desahogarse. Aquí está el programa de entrevistas “A la barrera” de televisión. Está dirigido por el periodista más talentoso Vladimir Solovyov, que manipula hábilmente las acciones de los políticos más influyentes del país y simplemente de personajes famosos. Son sus actores. ¿Pero qué decide su transferencia? ¡Nada! Todo esto son palabras vacías, gritos de títeres que insisten en que tienen razón, pero ninguno escucha a nadie. Hasta cierto punto, esto es beneficioso para los participantes de los programas de entrevistas, ya que de esta manera atraen la atención del público. ¿Qué obtiene el espectador? Cansancio, un aburrido cuento antes de dormir, una dosis de una especie de pastilla para dormir y, al mismo tiempo, un dopaje de acción lenta que, tras unas horas de descanso, puede volver a precipitarse en el ajetreo de los negocios. Ahora hablemos del hecho de que los directores son sacerdotes de la belleza...

La imagen es la misma en el drama moderno: parece haber muchas obras, pero todas hablan de lo mismo: lo mal que nos sentimos hoy y lo bueno que será si hacemos esto y aquello. ¡Esto es algo que no sorprenderá al espectador!

En este sentido, por alguna razón recordé la obra "La polonesa de Oginsky" de Roman Vikgyuk. Mostró un colapso general. ¿Y qué me reveló esta actuación? ¿Que el mundo se ha vuelto loco? Eso ya lo se. ¿Que la gente se convierte en bestias por la tentación? Muchas veces he visto que esto suceda en mi vida. ¿Que no saben adónde ir? A veces yo mismo siento esto. Entonces, ¿por qué tal actuación si no me dicen una salida? ¿Si ni siquiera hay un hueco en él? ¡Pero siguen echando sal en mis heridas! ¿Para qué?

El teatro real no es una droga sedante, pero tampoco es una droga psicotrópica para agitar las almas deformadas. Yo diría que es un ejemplo de un mundo más normal, más inteligente y más completo que el que muchas veces queda fuera del umbral del auditorio. ¿Un mundo ideal? Es muy posible, ya que el arte casi siempre es una lucha por el ideal.

Sí, el teatro debería ser moderno, pero el espectador y el actor necesitan más figuras y colisiones que contengan valores atemporales. Y siguen siendo valores porque siempre tienen algo en común con lo que ocurre hoy. Pero también un recordatorio de que la vida no se trata sólo del tipo de cambio del dólar y de los informes operativos de la policía. Sin embargo, al estar en el caldero hirviente de la vida cotidiana, no siempre somos capaces de captar la esencia de lo que está sucediendo y, por lo tanto, no podemos responder nosotros mismos a las preguntas que nos plantea la realidad. Entonces los clásicos vienen al rescate. Contiene riquezas espirituales eternas: respuestas a las preguntas de la existencia humana, lo que significa que brinda apoyo a todos los que viven hoy.

¡Es imposible imaginar lo que haríamos hoy sin Ostrovsky, Gogol, Dostoievski, Chéjov, Shakespeare! Pero hoy no puedes simplemente tocar clásicos. Debe leerse de nuevo en cada nueva era, en cada nuevo momento. Después de todo, todo cambia constantemente. Algo muere y nace en la sociedad. Una persona, su actitud y sus gustos cambian. La estética se actualiza. Y la actuación debería encajar orgánicamente en nuestro “mundo loco, loco, loco”. No se puede ser complaciente con una taza de té con mermelada, con el telón de fondo de una Zamoskvorechye de madera pintada del siglo XIX, cuando detrás de su muro se construyen rascacielos de vidrio y hormigón.

Pero hay algo que une ambos escenarios: el reconocimiento de las pasiones humanas y la inmutabilidad de los valores morales, que en todos los siglos permite al teatro beber y extraer de un pozo verdaderamente sin fondo de dramaturgia de todos los tiempos y pueblos.

Amor... No importa cuánto hablemos o escribamos sobre ello, no importa cuán profundamente lo experimentemos nosotros mismos, sigue siendo un sentimiento misterioso, íntimo e incomprensible. No existe una definición de amor que se ajuste a todas las ocasiones. Ella siempre es un descubrimiento. Es difícil predecir qué acción inspirará o empujará a una persona a realizar. Sí, casi todos los clásicos son historias de amor. Y ninguno de ellos es igual al otro. Parafraseando al poeta, podemos decir: el amor es la única noticia que es siempre nueva...

Los clásicos también son siempre nuevos. Pero no siempre sucede que lo recojas, y aquí está, ¡el pez dorado del éxito! Y discutimos hasta quedarnos roncos en el teatro sobre qué incluir en el repertorio actual. El director sugiere El inspector general o La gaviota de Chéjov. Me parece que se ha convertido en una especie de moda obsesiva interpretar siempre a Chéjov y Gogol a tu manera. Es como si todos los teatros intentaran encontrar en Chéjov algo que nadie ha encontrado antes. Sí, tanto Chéjov como Gógol son grandes conocedores del hombre, pero yo tengo miedo de la moda, que en el repertorio teatral se está volviendo tan obligatoriamente indispensable como los vaqueros.

Érase una vez, cuando me convertí en director artístico, me propuse la tarea de abrir de par en par las puertas del Teatro Vakhtangov a dramas nuevos y relevantes y a clásicos agudos y de sonido moderno. Para ello fue necesario invitar tanto a directores serios y conocidos como a directores jóvenes, pero ya interesantes, que prometieron revelarse a su manera. En esto trabajé y hubo éxitos en el camino, aunque nadie me aseguró contra el fracaso. Sólo los éxitos y los fracasos son normales en la búsqueda creativa. Es imposible enumerar a todos los que invité. Sin embargo, mencionaré que Robert Sturua, Pyotr Fomenko, Arkady Kats, Roman Viktyuk, Vladimir Mirzoev, Vyacheslav Shalevich, Sergei Yashin, Alexander Gorban nos revelaron sus planes de dirección. Bajo su liderazgo, actuaciones como "La paz de Brest-Litovsk", "Lecciones del maestro", "Idus de marzo", "Culpable sin culpa", "Alibaba y los cuarenta ladrones", "Persiguiendo dos liebres", " Se representaron Dedicatoria a Eva”, “Cyrano de Bergerac”, “Por la iguana” y muchas otras. Pero, por supuesto, no todo lo que se hizo se coronó con los laureles de un gran éxito de audiencia. Sin embargo, estas representaciones son etapas en la formación de nuestro teatro en los años difíciles, cuando en Rusia todos nuestros compatriotas buscaban su propio, a menudo nuevo, lugar bajo el sol.

Pero esto, por así decirlo, es la parte creativa de las preocupaciones del director artístico, se basa en una base económica y depende en parte de las relaciones interpersonales en la compañía, y también hay que pensar en esto. Estos problemas se agravaron enormemente en los años 90 del siglo pasado y, probablemente, la forma más fácil para mí sería dejarlos de lado y adoptar una posición cómoda y algo distante. Pero debo admitir que hasta el día de hoy me siento responsable de la causa a la que he servido toda mi vida: el teatro.

En un momento, la euforia de la perestroika terminó y resultó que, junto con cierta independencia administrativa, los teatros adquirieron una serie de problemas, pero no dominaron los mecanismos para resolverlos. Y tuve que hacer muchas cosas yo mismo.

Nuestros accesorios estaban desgastados, el equipamiento escénico estaba obsoleto y en una situación financiera desastrosa (es bien sabido lo que estaba pasando en la economía en esa época), el teatro no tenía los medios para eliminar este agujero. Esto significa que debemos acudir a los funcionarios, a los patrones, cuyos nombres siempre han sido legión. Todavía tenemos más jefes que trabajadores. Hubo mucho, pero se hizo aún más. Dondequiera que vayas, hay muchos comités, parlamentos y departamentos. Sería bueno introducir uniformes para los funcionarios; entonces nos convertiríamos absolutamente en la Rusia del "palo" de Nikolaev, tal como la describían en la época soviética. ¡Solo entonces nunca soñamos con lo que tenemos ahora! Caminar por los altos cargos es similar a los círculos del infierno de Dante: no es un hecho que te asignarán lo que necesitas, pero definitivamente sufrirás humillación. Y hay que irse para que su trabajo no se detenga, para que las mejores tradiciones del arte teatral y de la cultura nacional en general, que en muchos sentidos ya están en decadencia, no vivan por mucho tiempo.

Así que fui. Por ejemplo, cerca de nuestro teatro en Arbat hubo durante mucho tiempo una casa en ruinas que no se podía restaurar y no pertenecía a nadie. Nosotros, como el aire, necesitábamos un segundo escenario para actividades experimentales en el teatro, ampliar el repertorio y, finalmente, dar trabajo a toda la compañía. Pero no fue posible conseguir terrenos en el barrio con la inscripción "para gestión total" para atraer inversores y constructores. Sólo hubo una respuesta a nuestras peticiones y motivos: “sin fondos, no hay oportunidades”. Y todo podría terminar con el hecho de que algún hombre de negocios inteligente o la omnipresente mafia pusieran sus garras en estas ruinas y apareciera otro casino en medio de Arbat. Después de todo, en la Rusia postsoviética sucedió que incluso bajo el letrero teatral se abrieron tiendas dudosas con el fin de obtener ganancias, y por esto los nuevos empresarios se olvidaron fácilmente de la verdadera importancia de las artes escénicas para la sociedad. Sin embargo, el Teatro Vakhtangov logró demostrar que tenía razón y nos asignaron el terreno.

También hubo dificultades con las giras. Incluso sucedió que, debido a problemas económicos, durante dos o tres temporadas bajas de verano, Moscú se quedó sin grupos de teatro invitados; simplemente no había nada a qué invitarlos. En aquel entonces, incluso viajar de San Petersburgo a Moscú planteaba problemas considerables. Además, el país estaba realmente amenazado por la pérdida de un espacio teatral cultural único. Además, las compañías de la capital también se encontraron con serias dificultades a la hora de organizar sus viajes creativos a la periferia. Salimos de la situación lo mejor que pudimos. ¡Y salimos! A principios de 2002, los miembros de Vakhtangov se fueron de gira con toda su fuerza a Kiev y ofrecieron actuaciones en el Teatro Lesya Ukrainka. Esto significa que el empleo de la compañía en las producciones fue pleno.

Cómo mantener ocupados a todos los actores en las obras, brindarles oportunidades de crecimiento creativo y ganancias decentes: esta es una conversación especial. El problema no es exclusivo de los teatros Vakhtangov; es universal para todos los teatros. Si bien no había dinero, hasta que aprendimos cómo ganarlo, las compañías de teatro que se habían creado a lo largo de los años comenzaron a parecerse a acorazados enormes y torpes. Por un lado, vinieron actores jóvenes que aún no tenían suficiente experiencia para llevar el repertorio, pero ya necesitaban que se les diera una perspectiva. Por otro lado, había muchos jubilados que jugaban cada vez menos por motivos de salud, pero no podían ser despedidos bajo ninguna circunstancia: las pensiones eran escasas y quitarle un papel en otra producción a una persona honrada, su viejo compañero de escena, significa ponerlo en escena al borde de la medio-hambruna. Por lo tanto, tanto como pude, luché por mantener el precario equilibrio entre la generación mayor de actores y los jóvenes, por así decirlo, apoyé creativamente a los mayores, sin dejar de orientar el teatro hacia sangre joven y fresca. Y aquí está el resultado: en los últimos veinte años, en el escenario de Vakhtangov han crecido verdaderos maestros: A. Dubrovskaya, M. Aronova, E. Sotnikova, N. Grishaeva, S. Makovetsky, M. Sukhanov, V. Simonov, E. Knyazev, A. .Zavyalov, puede enumerar más nombres. Muchos de ellos son conocidos en el extranjero como excelentes profesionales, son invitados a colaborar en diversos decorados de teatro y cine y aparecen constantemente en nuestra compañía. Pero mis viejos amigos actores todavía se sienten honrados: a través del ejemplo de muchísimos papeles maravillosamente interpretados, han conseguido sustitutos dignos para ellos mismos, ese es su mérito. Y luego, poco a poco, chicos muy jóvenes, recién graduados de la escuela de teatro, comienzan a darse a conocer... Y todos los actores de nuestro teatro tienen su propia voz creativa, tienen derecho a decirle al espectador algo importante desde el escenario.

Uno de los grandes tiene una declaración maravillosa sobre la diferencia entre las habilidades de oratoria de Cicerón y Demóstenes. Cuando Marco Tulio Cicerón pronunció un discurso, el Senado romano se llenó de alegría: “¡Dios, cómo habla!” Y cuando Demóstenes pronunció un discurso a los griegos, los atenienses gritaron: "¡Guerra a Filipo el Grande!"

Lo mismo puede decirse de las diferencias en el arte tanto de dirigir como de actuar. El arte en general tiene muchas caras y eso es lo que lo hace interesante. El arte es ilimitado y eso es lo que lo hace hermoso. El arte es omnisciente y eso es lo maravilloso que tiene.

Hoy en día, el arte sigue buscando caminos, como en una mina bloqueada, hacia las personas, hacia la luz, y a menudo los encuentra con la ayuda de los clásicos. Y también un clásico: un bastón en la mano de un viajero cansado que deambula por la vida.

Si era necesario, en años difíciles confiábamos en él, pero también incluíamos en nuestro repertorio obras de autores contemporáneos. Ambas obras podrían estar agotadas o no.

Pero es importante que con su ayuda sobreviviera el Teatro Vakhtangov. También sobrevivió gracias a su increíble y brillante escuela de actuación. Durante veinte años conservé nuestras tradiciones lo mejor que pude y ahora, mirando hacia atrás, puedo afirmar con satisfacción: en mi parte del camino lo logré. Quizás porque percibía como mío el éxito de cualquier director, de cualquier actor de nuestro teatro. Y no vi ningún beneficio para mí más que el éxito del teatro.