მე-20 საუკუნის ხელოვნება ტრეტიაკოვის გალერეაში კრიმსკის ვალზე. ტრეტიაკოვის გალერეა ყირიმის ვალზე მე-20 საუკუნის გამოფენა ყირიმის ვალზე

მე-20 საუკუნის ხელოვნება

ზინაიდა ევგენიევნა სერებრიაკოვა. „ტუალეტის უკან. Ავტოპორტრეტი." 1909 წ

კუზმა სერგეევიჩ პეტროვ-ვოდკინი (1861–1939). Bathing the Red Horse 1912. ზეთი ტილოზე. 160x186

1912 წელს ხელოვნების სამყაროს გამოფენაზე გამოჩნდა კ. 1910-იანი წლების დასაწყისში, როდესაც ძველი იდეები ხელოვნების შესახებ მოძველდა და მხატვრულ გარემოში ძალადობრივი ტრიალი ხდებოდა, ნახატი „წითელი ცხენის ბანაობა“ ბევრს ეჩვენებოდა იდეად, რომელსაც შეეძლო ძველი და ახალი, „მარცხენა“ შერიგება. და „მართალი“, აკადემიკოსები და ხელოვნების სამყარო. მხატვარმა „აშენა“ მონუმენტური ნამუშევარი, მისცა მას „პროგრამულობა“, იპოვა მნიშვნელოვანი ფორმა, რომელსაც შეუძლია ღრმა და ტევადი შინაარსის გამოხატვა. ნახატი გახდა მხატვრული მთლიანობის მაგალითი, მხატვრული გადაწყვეტილების აბსოლუტური განსახიერება, რაც მე-20 საუკუნის დასაწყისში იშვიათი მოვლენა იყო რუსულ მხატვრობაში. იგი ორგანულად აერთიანებდა მრავალფეროვან ტრადიციას - ძველ რუსულ ხატებს და რენესანსის მონუმენტურ ნახატებს, დეკორატიულ ხელოვნებას, არტ ნუვოს სტილს და თითქმის კლასიკურ ქანდაკებას ფიგურების ინტერპრეტაციაში.

ნახატის სივრცე ისეა მოწყობილი, რომ მაღალი ჰორიზონტის ხაზის წყალობით, რომელიც მდებარეობს, როგორც იქნა, თავად კომპოზიციის გარეთ, ის მაღლა იწევს და ფაქტობრივად წინ მიიწევს მაყურებლისკენ, შემოიფარგლება ფაქტობრივი სიბრტყით. ტილო. ამავდროულად, სიღრმე არ ქრება: მაყურებელი ამას გრძნობს ფონის ფიგურების მასშტაბური შემცირების წყალობით.

ავტორი, როგორც ჩანს, პოლემიკას ეწევა იმპრესიონისტული ფერწერის ტექნიკით, რომლის შელოცვის ქვეშ იმყოფებოდა იმ დროს ბევრი მხატვარი, შორს რჩება ფორმის განხორციელების კუბისტური პრინციპისგან და არ არის დაინტერესებული ფუტურისტული ექსპერიმენტებით.

ამ სურათის კიდევ ერთი თვისება დამახასიათებელია პეტროვ-ვოდკინის მთელი ნამუშევრისთვის: იმისდა მიუხედავად, რომ ნაწარმოების სიუჟეტი მიზანმიმართულად ყოველდღიურია (ცხენის დაბანა), იგი არ შეიცავს მოთხრობას მოვლენის შესახებ. და მიუხედავად იმისა, რომ სიუჟეტი საკმაოდ აშკარაა, მხატვარი ახერხებს მის ამაღლებას გარკვეულ იდეალურ გამოსახულებამდე. ერთ-ერთი ტექნიკა, რომლითაც ის აღწევს თავის მიზანს, არის ფერის ინტერპრეტაცია, უპირველეს ყოვლისა, მთავარი ფიგურა (წითელი ცხენი). ამავდროულად, აქ არ არის „პლაკატი“ თავისი მიზანმიმართული მიმზიდველობით. პირიქით, არსებობს ძველი რუსული ხელოვნების ტრადიციები: წითელი ცხენი ხშირად გვხვდება ხატებზე (წითელი ლამაზია). ნახატის აშკარად იგრძნობა პათოსი, სულიერების გამოხატულება, როგორც ღრმად შინაგანი მდგომარეობა, აქცევს მას ეროვნული რუსული მსოფლმხედველობის განსახიერებას. დაზგური ნამუშევარი, თავისი შინაგანი მნიშვნელობის, სულიერი შინაარსისა და შემთხვევითი დეტალების არარსებობის გამო, მონუმენტურ ქმნილებად აღიქმება.

ევგენი ევგენიევიჩ ლანსერეი (1875–1946). იმპერატრიცა ელიზავეტა პეტროვნა ცარსკოე სელოში 1905 წ. ქაღალდი მუყაოზე, გუაში. 43.5x62

ხელოვნების სამყაროს მხატვრების უმცროსი თანამედროვე, ლანსერეი ოსტატურად ეუფლება "რეტროსპექტული მეოცნებეების" ფიგურულ ენას, განცალკევებულად და ამავე დროს ირონიულად აღადგენს "ოქროს" მე -18 საუკუნის სასამართლო ტილოს ცხოვრების სტილს. ელიზავეტა პეტროვნას გასასვლელი მისი თანხლებით მხატვრის მიერ ინტერპრეტირებულია, როგორც ერთგვარი თეატრალური წარმოდგენა, სადაც იმპერატორის დიდებული ფიგურა აღიქმება, როგორც სასახლის ფასადის გაგრძელება. კომპოზიცია ეფუძნება ბრწყინვალე სასამართლო პროცესის კონტრასტს, ბაროკოს არქიტექტურის უცნაურ ბრწყინვალებას და ჩვეულებრივი პარკის მიტოვებულ პარტერს. მხატვარი მოხიბლულია არქიტექტურული დეკორატიული ელემენტებისა და ტუალეტის დეტალების მოწოდებით. იმპერატრიცას მატარებელი აწეულ თეატრალურ ფარდას წააგავს, რომლის მიღმაც ჩვეული როლების შესასრულებლად ჩქარობენ სასამართლოს მსახიობები გაკვირვებულნი. სახეებისა და ფიგურების აურზაურში იმალება "ფარული პერსონაჟი" - ახალგაზრდა პატარა შავი, რომელიც გულმოდგინედ ატარებს იმპერიულ მატარებელს. არც ცნობისმოყვარე დეტალი იყო დამალული მხატვრის მზერას - დაუხურავი სნაფი ჯენტლმენის საყვარელი ხელებში. შაბლონებისა და ფერის ლაქების ციმციმი ქმნის წარსულის გაცოცხლებული მომენტის განცდას.

კონსტანტინე ანდრეევიჩ სომოვი (1869–1939). ქალბატონი ლურჯებში 1897–1900 წწ. ტილო, ზეთი. 103x103

"ქალბატონი ცისფერში" არის პორტრეტული ნახატი, რომელშიც გამოსახულია მხატვარი E. M. Martynova, ავტორის ახლო მეგობარი და მისი თანაკლასელი სამხატვრო აკადემიაში. ჩვენს თვალწინ არის უძველესი სტილიზებული პარკი და მე-18 საუკუნის მდიდრულ კაბაში გამოწყობილი ქალი თავისი რთული სულიერი სამყაროთი. მხატვრის მიერ შექმნილი რეტროსპექტიული პორტრეტი ახალი ფენომენია რუსულ ხელოვნებაში. სურათში შერწყმული „გალანტური ეპოქის“ დეტალები და ვერცხლის ხანის მონატრებული ქალბატონის დახვეწილი გარეგნობა საბოლოოდ გადმოსცემს რთული და წინააღმდეგობრივი ეპოქის სულს.

კომპოზიცია ეფუძნება გეგმების შედარებას და მათ კოლორისტულ გადაწყვეტას. სუსტი ქალის ფიგურა შესანიშნავად ჯდება ტილოს კვადრატულ ფორმატში, რაც პორტრეტს გარკვეულ წარმომადგენლობას ანიჭებს. ჰეროინის ჩაცმულობის ღრმა ცისფერი ფერის ციმციმი აჩენს წვრილად შეღებილი სახის მოლურჯო ჩრდილების გამჭვირვალობას, ღია მყიფე მხრებს და ხაზს უსვამს მისი ლამაზი ხელების ჟესტის ექსპრესიულობას. მოდელის მთელი პლასტიურობა მოგვაგონებს წარსული ეპოქის დიდ ოსტატებს. უძველესი პარკი აუზით და შორიდან წყვილი, რომელიც მუსიკას უკრავს, აშკარად ეწინააღმდეგება გამოსახული ადამიანის განწყობას. ეს არის უფრო პარკ-მოგონება, რომელშიც დრომ დადუმდა ყველა ფერი და ბუჩქის ფოთლები, რომელიც ლურჯი ფიგურის ფონია, უცნაური "უსიცოცხლო" ფერისაა (იგივე, როგორც ფოთლები ძველ გაცვეთილზე. გობელენები). აქ წარსულისა და აწმყოს დამაკავშირებელი რგოლი მამაკაცის ფიგურაა, რომლის გარეგნობაშიც გამოცნობენ სურათის ავტორს.

სომოვის შემოქმედებაში განსაკუთრებული ადგილი უკავია ე.მ. მარტინოვას პორტრეტს, ის აღარასდროს შექმნის რაიმეს ექვივალენტურ „ლურჯ ქალბატონს“ ამაღლებულობის, პოეზიის და გამოსახულების სიწმინდის თვალსაზრისით, ექსპრესიულობისა და მიღწეულის თვალსაზრისით; მხატვრული განსახიერების „აბსოლუტი“.

ვიქტორ ელპიდიფოროვიჩ ბორისოვ-მუსატოვი (1870–1905 წწ). წყალსაცავი 1902–1903 წწ. ტილო, ზეთი. 177x216

ბორისოვ-მუსატოვის ნახატები უცვლელად შეიცავს ამაღელვებელ, აუხსნელ საიდუმლოს. მთავარი მოტივი, რომლის მეშვეობითაც მხატვარი აღმოაჩენს ფერების ნისლში ჩაფლულ სამყაროს, არის კეთილშობილური ბუდეები და დამპალი უძველესი მამულები. ბორისოვ-მუსატოვის კომპოზიციების გლუვი მუსიკალური რიტმები ისევ და ისევ ასახავს მის საყვარელ თემებს: პარკის კუთხეებს და ქალის ფიგურებს, რომლებიც თითქოს ძილის ნახევრად რეალურ სამყაროში მოხეტიალე ადამიანის სულების გამოსახულებებს წარმოადგენენ.

ნახატი "რეზერვუარი" შეიქმნა პრინცესა პროზოროვა-გოლიცინ ზუბრილოვკას ქონების პარკში მხატვრისთვის ყველაზე ბედნიერ დროს: ელენა ვლადიმეროვნა ალექსანდროვა დათანხმდა გახდეს მისი ცოლი. მისი და, ელენა ბორისოვა-მუსატოვა და პატარძალი მხატვრისთვის პოზირებდნენ, რომლებიც მარადიული ქალურობის გამოსახულებებს განასახიერებდნენ.

იმისდა მიუხედავად, რომ ტილო ბუნებიდან იყო დახატული - ნამდვილი პარკი აუზით და ნამდვილი ქალებით, ყველამ მასში სხვა რამ დაინახა, გარდა ამ სამყაროსა. ნახატის იდუმალი ნახევრად რეალობა და უდროობა სიზმრების სამყაროს სიმბოლისტური ხედვის ყველაზე პოეტურ გამოვლინებად იქცა. მხატვარი ასახავს წყალსაცავს, რომლის კონტურები რეალურად სრულყოფილ წრეს წარმოადგენდა, დიდი ოვალის სახით, მისი კიდეები ტილოს საზღვრებს სცილდება. მუსატოვისთვის ასე საყვარელ გეომეტრიულ ფორმას ეხმიანება ერთ-ერთი გმირის მსგავსი, მაგრამ პატარა ქვედაკაბა, რომელიც ლამაზ ოვალშია გამოსახული. მათი კომბინაცია მაშინვე ადგენს გარკვეულ მუსიკალურ რიტმს მთელი ნაწარმოებისთვის. კომპოზიციის თავისებური კონსტრუქცია - ჰორიზონტის ხაზის გამორიცხვა სურათიდან - მნიშვნელოვანი ტექნიკაა. მისი გამოყენებით მხატვარი შეგნებულად აახლოებს პირველ და მეორე გეგმებს ერთმანეთთან, რაც ტილოს უფრო ბრტყელს ხდის. წინა პლანზე მდებარე გმირები განლაგებულია აუზის ქვემოთ და თავად წყლის ზედაპირი, მშვიდი და ნათელი, როგორც ცა, სიტყვასიტყვით კიდია მათზე. შედეგი არის ნამდვილი სარკის ილუზია, აწეული და ვერტიკალურად მოთავსებული. ჩვეულებრივი პეიზაჟიდან იბადება სრულიად განსხვავებული გამოსახულება, ახალი რეალობა – რომელიც ძალიან დამახასიათებელი იყო სიმბოლისტი მხატვრებისთვის.

ფილიპ ანდრეევიჩ მალავინი (1869-1940). Whirlwind 1906. ზეთი ტილოზე. 223x410

თავის ნამუშევრებში მხატვარი თავისებურად მიუახლოვდა რუსული მხატვრობის ტრადიციულ ხალხურ თემას, ხაზს უსვამდა ქალის სურათებში მძლავრ ელემენტარულ პრინციპს, ანიჭებდა მათ მონუმენტურობას. მალიავინის თამამი ნახატი თავისი ჩვეულებრივი ფონით, დიდი ფიგურებით, არაღრმა სივრცით და უჩვეულოდ ხმაურიანი ფერით ხაზგასმულია დეკორატიული. თუმცა, მე-20 საუკუნის დასაწყისში, თანამედროვეები მას ერთგვარ გამოწვევად თვლიდნენ.

ნახატში "მორევი" გლეხი ქალები ცეკვავენ, როგორც "ძველი რუსული ეპოსის ზღაპრის გმირები". ისინი თავიანთ მრგვალ ცეკვაში აერთიანებენ ბუნების ელემენტებს. ფრიალო ტანსაცმელი ქმნის ფერადი შტრიხების სპონტანურ ნაკადებს, რომლებიც მოგვაგონებს ალის ცხელ ციმციმებს, წყლის ცივ ნაკადებს, ქარის მცხუნვარე სუნთქვას ან ყვავილებით დაფარულ მდელოებს. ნახატს განსაკუთრებული დინამიკა ანიჭებს ფუნჯის თავისუფალ მოძრაობებს, რომელიც შეესაბამება მორევის ცეკვის რიტმს. ი.ე.გრაბარმა მალიავინს ურჩია დაეხატა სპეციალური, გრძელვადიანი საღებავებით. შედეგად, ნახატმა დაიწყო ვულკანური ლავას მიმსგავსება და გამოჩნდა ერთგვარი მოძრავი მოზაიკის ეფექტი. ფორმები და ფერები ცურავს ერთმანეთზე და ქმნის შინაგან დაძაბულობას. ეს აძლიერებს ნახატის ექსპრესიულობას, რომელიც აგებულია სხვადასხვა სტილისტური ტენდენციების - იმპრესიონიზმისა და მოდერნიზმის კვეთაზე. ნამუშევარი შეიქმნა რუსეთის პირველი რევოლუციის დროს. მის სიუჟეტში, აყვავებულ წითელ ფერში, ჩანს როგორც სულიერი აღორძინების იმედი, ასევე განადგურების მძლავრი ძალების წინასწარმეტყველება.

ალექსანდრე ნიკოლაევიჩ ბენუა (1870–1960). მეფის გასეირნება 1906. ქაღალდი ტილოზე, აკვარელი, გუაში, ბრინჯაოს საღებავი, ვერცხლის საღებავი, გრაფიტის ფანქარი, კალამი, ფუნჯი. 48x62

A.N. Benois-ის სახელს უკავშირდება 1898 წელს მსოფლიო ხელოვნების ასოციაციის გაჩენა, რომლის ერთ-ერთი დამფუძნებელი და იდეოლოგიური ლიდერი იყო. ბენუა იყო მხატვარი, თეორეტიკოსი და ხელოვნების კრიტიკოსი, მან დაწერა მრავალი მონოგრაფია და კვლევა, რომელიც მიეძღვნა როგორც ფერწერის ცალკეულ ოსტატებს, ისე ზოგადად ხელოვნების ისტორიას. ბენუა მხატვრის ნამუშევარი ეძღვნება ძირითადად ორ თემას: "საფრანგეთი მზის მეფის ეპოქაში" და "სანქტ-პეტერბურგი მე -18 - მე -19 საუკუნეების დასაწყისში", რომლებიც განასახიერეს გარკვეული ტიპის ისტორიულ ფერწერაში. განსაკუთრებული „რეტროსპექტიული“ ხედვა წარსულზე. მხატვარი ამ თემებს ეხებოდა თავის ისტორიულ ნახატებსა და პეიზაჟურ ნამუშევრებში, რომლებიც შესრულებულია პეტერბურგში და მიმდებარე სასახლეებში, ასევე საფრანგეთში, ვერსალში, სადაც ხშირად სტუმრობდა დიდი ხნის განმავლობაში.

მეფის გასეირნების აღწერისას ავტორს არაფერი უგულებელყო: არც პარკის ხედები ბაღის არქიტექტურით (ისინი ცხოვრებიდან იყო დახატული), არც თეატრალური წარმოდგენები, რომლებიც ძველ დროში ძალიან მოდური იყო, არც ყოველდღიური სცენები, რომლებიც დახატულია ისტორიული მასალის ფრთხილად შესწავლით. . „მეფის გასეირნება“ ძალიან შთამბეჭდავი ნამუშევარია. მაყურებელი ხვდება ლუდოვიკო XIV-ს მისი გონების მეშვეობით. ვერსალში შემოდგომაა: ხეებმა და ბუჩქებმა ფოთოლცვენა, მათი შიშველი ტოტები მარტოსულად გამოიყურება ნაცრისფერ ცაში. წყალი მშვიდია. როგორც ჩანს, ვერაფერი შეაწუხებს წყნარ აუზს, რომლის სარკეში ასახულია როგორც შადრევნის სკულპტურული ჯგუფი, ისე მონარქისა და მისი გარემოცვის დეკორაციული მსვლელობა.

ლუი XIV-ის დროზე ფიქრისას ბენუა წერდა: „მე არ მქონდა განსაკუთრებული კულტი ლუი კატორცას პიროვნების მიმართ... მაგრამ ეპოქის ხანდაზმული დაღლილობა, გემოვნების დაქვეითების დასაწყისი, რომელმაც შეცვალა ახალგაზრდული ქედმაღლობა. უყურადღებობამ და დიდებული სილამაზის განცდამ უცებ აქცია ეს სამყარო ჩემი სამყარო.

იგორ ემანუილოვიჩ გრაბარი (1871–1960). ქრიზანთემები 1905. ტილო, ტემპერა, პასტელი. 98x98

I. E. Grabar არის რუსული მხატვრული კულტურის უნივერსალური ფიგურა: მხატვარი, ხელოვნების ისტორიკოსი, მასწავლებელი, რესტავრატორი, მუზეუმი და საზოგადო მოღვაწე. 1913 წლიდან 1925 წლამდე ის იყო ტრეტიაკოვის გალერეის დირექტორი და მუზეუმში შექმნა ახალი გამოფენა, მეცნიერულად დაფუძნებული და ყურადღებით გააზრებული კონცეფციით, რომელიც გახდა ერთგვარი მოდელი შემდგომი სამუზეუმო გამოფენებისთვის.

გრაბარმა მიიღო ფრანგი ოსტატების ქვესტი, აქტიურად გამოიყენა დივიზიონიზმის ტექნიკა - ტილოზე საღებავების ცალკე გამოყენება. "ქრიზანთემები" მხატვრის ყველაზე სანახაობრივი ნატურმორტია. ყვავილების აყვავებული თაიგულები წარმოდგენილია კარგად განათებულ ოთახში, თითქოს ღია ცის ქვეშ. სივრცე სავსეა ჰაერით, რომელშიც ფანჯრების გარეთ მზის შუქის სითბო ინტერიერის სიგრილეს ერწყმის. ფერწერული ზედაპირი შედგება ფრაქციული რელიეფური შტრიხებისგან, რომლებიც გადმოსცემენ მსუბუქი ჰაერის გარემოს ვიბრაციას. ფერი იყოფა თბილ და ცივ ტონებად, აქედან გამომდინარეობს ყვითელი ქრიზანთემების მომწვანო ელფერი, სუფრის ზედაპირზე ყვითელი და ლურჯი, ვარდისფერი და მწვანე გრადაციების თამაში, ვაზის დედის მარგალიტის ციმციმი. ფერადი შტრიხების ციმციმი ქმნის ცვალებადი, მოძრავი ატმოსფეროს ეფექტს, რომელიც შთანთქავს ფერთა რეფლექსებს და ფარავს ოთახში არსებულ ობიექტებს. თუმცა, ეს ტექნიკა მხატვარს საშუალებას აძლევს ხელშესახებ ზუსტად გადმოსცეს საგნების ტექსტურა: შუშის გამჭვირვალობა, ძვირფასი ფაიფურის ჭურჭელი, სახამებლის სუფრის კაშკაშა სითეთრე, ქრიზანთემის სინაზე და ხავერდოვანი.

სერგეი ტიმოფეევიჩ კონენკოვი (1874–1971 წწ). Nike 1906. მარმარილო. 32x19x12

S.T. Konenkov არის მხატვარი, რომლის შემოქმედებაში დომინირებს ფართო ფიგურალური განზოგადებათა სიღრმე და სიბრძნე, გამბედაობა, ადამიანის სილამაზის და მისი კეთილშობილური იმპულსების განდიდება, თავისუფლების სურვილი. მარმარილოს თავი "Nike" კონენკოვის ერთ-ერთი საუკეთესო ნამუშევარია. ოსტატს შეეძლო გამოეხატა დროის დიდი იდეები და მნიშვნელოვანი მოვლენების სიმბოლიკა ნებისმიერი ჟანრისა და ზომის ნაწარმოებებში. ამრიგად, პატარა „ნაიკი“ იპყრობს თავისი გასხივოსნებული შთაგონებით. გამარჯვების იდეას მოქანდაკე განასახიერებს ძალიან ახალგაზრდა გოგონას გამოსახულებით, გამოხატული ეროვნული რუსული მახასიათებლებით. მოქანდაკის მოდელი იყო ტრეხგორნაიას ქარხნის მუშაკი. Nike-ის გამოსახულება, პორტრეტული ხასიათის დაკარგვის გარეშე, გადაიქცა სიხარულის, ფრენისა და ურღვევობის პოეტურ განსახიერებად. ბუნების ეს საოცარი, ჭეშმარიტად პოეტური გადახედვა კონენკოვის შემოქმედების ერთ-ერთი ყველაზე ძლიერი თვისებაა.

ოსტატის ბევრი საუკეთესო ნამუშევარი შესრულებულია მარმარილოში. ყველაზე ხშირად ეს არის ნამუშევრები, რომლებშიც, მოქანდაკის სიტყვებით, „ადამიანის ლამაზი ფორმები განასახიერებს ადამიანის ხასიათის საუკეთესო თვისებებს“.

ნატალია სერგეევნა გონჩაროვა (1881–1962). ავტოპორტრეტი ყვითელი შროშანებით 1907. ზეთი ტილოზე. 58.2x77

ნ. ტილო დახატულია ექსპრესიულად, სწრაფი შტრიხებით, რომლებიც მოგვაგონებს ვან გოგის ნახატებს. გამოსახულება კაშკაშა და ლირიკულია, ყვავილები მას განსაკუთრებულ პოეტურ თვისებას ანიჭებს - შროშანის თაიგული, რომელიც გონჩაროვს თავისთვის ეხუტება. იგი ასევე ემსახურება როგორც კოლორისტულ აქცენტს, ტილოს ზოგადი ფონზე გამორჩეული ნათელი წითელი ლაქა.

მიხაილ ფედოროვიჩ ლარიონოვი (1881–1964 წწ). გაზაფხული. სეზონები (ახალი პრიმიტიული) 1912. ზეთი ტილოზე. 118x142

1900-იანი წლების ბოლოს - 1910-იანი წლების რუსული ავანგარდული მოძრაობის ლიდერი, მ. გულუბრყვილო ბავშვის ნახატის მიბაძვით, მხატვარი ცდილობდა შეექმნა ისეთივე გულწრფელი და სპონტანური ნამუშევრები. სამყაროს ბავშვის თვალით შეხედვით, ლარიონოვმა დაწერა ნახატების ციკლი „სეზონები“, სადაც ყოველი სეზონი წარმოდგენილია ქალის ფიგურის მარტივი გამოსახულებით, რასაც მოჰყვება განზრახ დაუდევრად დაწერილი ახსნა. თუმცა, გეგმის განხორციელება არც თუ ისე ბავშვურად ღრმა აღმოჩნდა.

გაზაფხულს აკრავს მოუხერხებელი ფრთოსანი ანგელოზები, გაზაფხულის ჩიტს მოაქვს მას ყლორტი აყვავებული კვირტით; მარჯვნივ, ვერტიკალური ზოლით შემოღობილი, იზრდება იგივე ხე, რომელიც შეიძლება განიმარტოს, როგორც ბიბლიური ცოდნის ხე. სურათის ქვედა „რეგისტრის“ მარჯვენა მხარეს გამოსახულია მამრობითი და მდედრობითი სქესის პროფილები, ორივე მხრიდან ცოდნის ხის წინაშე - პრიმიტიული ადამისა და ევას გამოსახულებები, რომლებიც აშკარად განიცდიან სათუთი გრძნობების გაღვიძებას, ისევე როგორც თავად ბუნება. იღვიძებს და, შესაძლოა, უკვე გასინჯა აკრძალული ხილი. იმავე სივრცეში, ძალიან ქვევით, შეიძლება სხვა ბიბლიური ამბავი - „სამოთხიდან განდევნა“. იმავე ქვედა „რეგისტრის“ მარცხენა ველში მოყვება გაზაფხულის გულუბრყვილო აღწერა, თითქოს ბავშვის მიერ შესრულებული: „გაზაფხული ნათელია, მშვენიერი. კაშკაშა ფერებით, თეთრი ღრუბლებით”, რომელშიც, თუმცა, მხატვრის გარკვეული ეშმაკობა იგრძნობა. შემთხვევითი არ არის, რომ სათაურის ქვესათაურში ვკითხულობთ „ახალი პრიმიტივი“ და გონებრივად ვამთავრებთ „...მარადიულ თემაზე“.

ალექსანდრე იაკოვლევიჩ გოლოვინი (1863–1930). F. I. Chaliapin-ის პორტრეტი ჰოლოფერნესის როლში 1908. ტილო, ტემპერა, პასტელი. 163.5x212

"F.I. Chaliapin-ის პორტრეტი ჰოლოფერნესის როლში" არის მხატვრის და დეკორაციის ა. იას ერთ-ერთი საუკეთესო ნამუშევარი. იგი ასახავს მიზანსცენას A.N. Serov-ის ოპერიდან "Judith". ჩალიაპინ-ჰოლოფერნესი მდიდრულად მორთულ კარავში მდიდრულ საწოლზე იხრება, მარჯვენა ხელში ჭიქა უჭირავს და მარცხენათი ამპარტავანი ჟესტით წინ მიუთითებს. ტილოს კომპოზიცია აგებულია დაზგური მხატვრობის კანონების მიხედვით, ხოლო მოდელის კუთხე და საგნების თვითნებური განათება ნაწარმოებს ფრესკულ მხატვრობის ხასიათს ანიჭებს. ასურელი სამხედრო ლიდერის როლში ჩალიაპინის ფიგურა თითქმის ერწყმის ფონს, რაც მას ერთგვარ დეკორატიულ ნიმუშს ჰგავს. ტილო გაჟღენთილია ტალღის მსგავსი მოძრაობით, რაც მთავარი პლასტიკური მოტივია, რომელიც გამოხატავს აღმოსავლელი მეთაურის გამოსახულების მუსიკალური გადაწყვეტის ბუნებას. ნაწარმოების კოლორისტული ჟღერადობა უაღრესად მდიდარია. ამ თეატრალურ პორტრეტში გოლოვინი, მხატვრის კოსტუმისა და თავსაბურავის უხვად ნათელი ფერით, თითქოს ხაზს უსვამს დიდი რუსი მომღერლის ხმის სილამაზეს.

კონსტანტინე ალექსეევიჩ კოროვინი (1861-1939). ვარდები და იისფერი 1912. ზეთი ტილოზე. 73.2x92

K.A. Korovin-ის სახელს უკავშირდება რუსულ მხატვრობაში იმპრესიონიზმის გაჩენა. 1910-იან წლებში კოროვინი დაინტერესდა ნატურმორტებით, რაც განასახიერებდა მის ინოვაციურ ძიებას თეატრალური დეკორაციის სფეროში. ხშირად ხატავდა ვარდებს - მდიდრულ და ნაზს, ვნების და ყოფნის ხალისის სიმბოლოებს. აბსოლუტური შტრიხებით მხატვარი ქმნის თითოეული ყვავილის „პორტრეტს“ და მისი ვარდები ყვავის ტილოზე, რომლებიც თვალშისაცემია მათი ფერების უცვლელი სიახლით.

ნატურმორტი ვარდებით, იასამნისფერი იისფერის პატარა თაიგული, წითელი ფორთოხალი, შაქრის თასი და ყავის ქვაბი გამოსახულია ღია ფანჯრის ფონზე, რომელიც გადაჰყურებს საღამოს პარიზის ბულვარს. ქუჩა ფარნების გაურკვეველი შუქით გარდაიქმნება შუქების მოჩვენებით ციმციმად; ნატურმორტი ოთახის შიგნიდან ანათებს და არაბუნებრივად კაშკაშა ჩანს. სინათლე თითქოს ქმნის რეალობის გარდაქმნის ჯადოსნურ თამაშს.

ნიკოლაი პეტროვიჩ კრიმოვი (1884–1958). მოსკოვის პეიზაჟი. ცისარტყელა 1908. ზეთი ტილოზე. 59x69

ახალგაზრდა ნიკოლაი კრიმოვის პირველივე ნახატებმა აჩვენა, რომ ქალაქის მკვიდრი შევიდა რუსულ ლანდშაფტის მხატვრობაში, შეეძლო დაენახა მსოფლიოს სილამაზე ქალაქის სახლებსა და ფერად სახურავებს შორის, შეეგრძნო ბუნების საიდუმლო ცხოვრება აურზაურსა და ხმაურში. ქალაქი. ტილო „მოსკოვის პეიზაჟი. ცისარტყელა" კრიმოვის შემოქმედებაში განსაკუთრებულ ადგილს იკავებს. იგი აერთიანებს სამყაროს სიმბოლისტურ ხედვას და მხატვრის იმპრესიონისტურ ძიებას: ცისარტყელა სიტყვასიტყვით არის მოწყობილი ფერებში, ხოლო თავად პეიზაჟი მთლიანობაში წარმოადგენს მისტიკურ შესაბამისობას ზეციურ და მიწიერ სამყაროებს შორის სიმბოლისტის თვალში.

სამყაროს გამოსახულება თითქოს მყიფე და სათამაშოა, თითქოს ბავშვის თვალით ჩანს. ცისარტყელა ფარავს სივრცეს, მისი ფრაგმენტები სრიალებს სახურავებზე და ანათებს ფანჯრებს; ბავშვი მოედნის ბილიკზე დარბის ბორბალით ხელში - ცისარტყელის სათამაშო „პროტოტიპი“. ამ ფერად სამყაროში ავტორმა თავისი ინიციალები მაღაზიის აბრაზე დამალა.

ნახატი განასახიერებს ტრანსფორმირებული სამყაროს ტრიუმფს, სადაც ცისარტყელას სინათლე აღწევს არსებობის ყველა ნაწილს. კრიმოვის ფერწერული სტილი ხელს უწყობს ზედაპირის სიკაშკაშეს. რელიეფური შტრიხები ქმნის ძვირფასი, მოლურჯო მაჟოლიკის მინანქრის ეფექტს ტილოს ზედაპირზე.

პაველ ვარფოლომეევიჩ კუზნეცოვი (1878–1968). საღამო სტეპში 1912. ზეთი ტილოზე. 96.7x105.1

"ლურჯი ვარდის" ერთ-ერთმა წამყვანმა ოსტატმა, პ.ვ. კუზნეცოვმა, იმოგზაურა მთელ შუა აზიაში 1912-1913 წლებში, მოგზაურობიდან შემოიტანა მოგონებები აღმოსავლეთის ხალხების ცხოვრებისა და ნამუშევრების შესახებ, რომლებიც ასახავდა მის ნანახს. ნახატში "საღამო სტეპში" მხატვარმა ასახა სცენა ყირგიზ მომთაბარეების ცხოვრებიდან. ქალები ყოველდღიური საქმიანობით არიან დაკავებულნი, ცხვარი მშვიდად ძოვს, ირგვლივ სიმშვიდე და სიმშვიდეა გავრცელებული.

მოსვენებული ბუნება და ადამიანი ჰარმონიულ ერთობაშია. კომპოზიციაში ზედმეტი დეტალები არ არის: მხოლოდ მიწა, ცა, წვრილი ხეები, რამდენიმე ცხვარი და ორი ქალის ფიგურა, რბილი შუქით მოცული; აქ არ არის კონკრეტული ტოპოგრაფიული ან ეთნიკური მახასიათებლები, რის წყალობითაც გამოსახულის საზღვრები ფართოვდება უნივერსალურ მასშტაბებამდე. სივრცე უახლოვდება კონვენციას, ფართო შტრიხები თითქოს გადმოსცემს მის სიმშვიდეს და სუნთქვას.

ვასილი ვასილიევიჩ კანდინსკი (1866-1944). იმპროვიზაცია 7 1910. ზეთი ტილოზე. 97x131

ვ.ვ.კანდინსკი ითვლება აბსტრაქტული მხატვრობის ერთ-ერთ ფუძემდებლად. იგი ახალი ხელოვნების გზას ხედავდა სამყაროს გარეგანი ფორმების შინაგანი შინაარსის გადმოცემის სურვილში და ამის შედეგად მისი რეალისტური წარმოდგენის უარყოფაში. თავის შემოქმედებაში მხატვარი ცდილობდა პირადი გრძნობების გადმოცემას არა ობიექტური ფორმების დახმარებით (ამა თუ იმ შეთქმულების საშუალებით), არამედ მხოლოდ ფერწერული საშუალებებით. მაგალითად, ფიგურული ხელოვნების ჩვეულებრივი ჟანრების ნაცვლად გამოიყენა შთაბეჭდილება, იმპროვიზაცია და კომპოზიცია.

იმპროვიზაცია არის შინაგანი პროცესების გამოხატულება, რომელიც ხდება მოულოდნელად, ძირითადად არაცნობიერად. „იმპროვიზაცია 7“ კანდინსკის ერთ-ერთი ადრეული ნამუშევარია. ობიექტური სამყარო აქ იშლება სიბრტყეებისა და ხაზების მოძრაობაში, ფერებში კომპლექსურად ჰარმონიზებული.

კაზიმირ სევერინოვიჩ მალევიჩი (1878–1935). მხატვრის M.V. Matyushin პორტრეტი 1913. ზეთი ტილოზე. 106.5x106.7

1913 წლისთვის რუს ფუტურისტებს შორის გამოჩნდა მხატვრული მოძრაობა - კუბო-ფუტურიზმი. მისი შემქმნელები ცდილობდნენ ფუტურიზმისა და კუბიზმის იდეების სინთეზირებას. ფუტურიზმის მთავარი ამოცანა მოძრაობის გრძნობის გადმოცემაა.

მალევიჩმა შეადგინა მატიუშინის პორტრეტი სხვადასხვა გეომეტრიული სიბრტყეებიდან, რაც ერთი შეხედვით მას პიკასოსა და ბრაკის კუბისტური ნამუშევრების სტილს ამსგავსებს. მაგრამ ასევე არის მნიშვნელოვანი განსხვავება: კუბიზმის დამფუძნებლები ძირითადად მონოქრომული ტექნიკით ხატავდნენ, ხოლო მალევიჩი აქტიურად იყენებს მდიდარ ფერთა სქემას. ნახატის კიდევ ერთი თვისება: მიუხედავად ყველა აბსტრაქტულისა, ტილოზე რეალისტური დეტალებია მიმოფანტული. ასე, მაგალითად, შუბლის ის ნაწილი შუაში დავარცხნილი თმით, ზუსტად იმეორებს მატიუშინის ვარცხნილობას, მისი ნაცნობი ადამიანების ჩვენებით. ეს არის ალბათ ერთადერთი დეტალი, რომელიც მიუთითებს იმაზე, რომ ეს არის პორტრეტი. მატიუშინი არა მხოლოდ მხატვარი, არამედ კომპოზიტორიც იყო, ამიტომ ძნელი მისახვედრი არ არის, რომ სურათს დიაგონალზე გამყოფი თეთრი ოთხკუთხედების ხაზი არის ფორტეპიანოს კლავიატურა (და შავი კლავიშების გარეშე - მინიშნება მიხაილ ვასილიევიჩ მატიუშინის მუსიკალური სისტემის ორიგინალურობაზე. ).

სტანისლავ იულიანოვიჩ ჟუკოვსკი (1875–1944). მხიარული მაისი 1912. ზეთი ტილოზე. 95.3x131.2

ჟუკოვსკიმ, პოლონური წარმოშობის რუსი მხატვარი, ნახატზე „მხიარული მაისი“ ასახავდა აგარაკის ინტერიერს, რომლის ღია ფანჯრიდან შემოდის თბილი მზიანი მაისის დღე, რომელიც გარდაქმნის მთელ ოთახს თამაშით. მსუბუქი. ნამუშევარი აგრძელებს რომანტიკული ეპოქის ინტერიერის მხატვრობის ტრადიციებს, უპირველეს ყოვლისა, ა.გ. ვენეციანოვის სკოლას. მზით სავსე ინტერიერი იმპრესიონიზმის გავლენით იყო მოხატული, რომლის რუსული ვერსია ლირიკული ნოტით ხასიათდება.

ძველი ხის კედლები, იმპერიის სკამები ლურჯი პერანგით მოთავსებული მათ გასწვრივ ფანჯრის ღიობებს შორის და ამ სახლის მცხოვრებთა პორტრეტები, რომლებიც დიდი ხანია გარდაცვლილები არიან, ბევრის თქმა შეუძლია. ინტერიერი ღრმა ნოსტალგიის მოტივით არის სავსე. აქ ყველაფერი წარსულს სუნთქავს, მაგრამ მაისში ყველგან გავრცელებული მხიარული შუქი აფერხებს უმნიშვნელო ნოტებს და თანდათან აცოცხლებს ამ ინტერიერს. განათებულ ფანჯრის რაფაზე ლურჯი ყვავილები სიმბოლოა განახლებისა, რომელიც მოვიდა ძველ სახლში, რომელიც დამახასიათებელია ყველა ბუნებით.

ბორის მიხაილოვიჩ კუსტოდიევი (1878–1927). Maslenitsa 1916. ტემპერა ტილოზე. 61x123

მხატვრის, გრაფიკოსისა და თეატრის მხატვრის ბ.მ. კუსტოდიევის ტილოები ზამთრის დღესასწაულებისა და არდადეგების თემაზე სავსეა სიხარულითა და მხიარულებით. მათ შორის ცენტრალური ადგილი ეკუთვნის რუსი მასლენიცას გამოსახულებას ცხენოსნობით, მუშტების ჩხუბითა და ჯიხურებით. მხატვრისთვის ეს დღესასწაული კარნავალს ჰგავს, რომელშიც ყველაფერი დეკორატიული და ლამაზია: დადიან ფერად შალებში და ბეწვის ხალათებში მდიდრულად გამოწყობილი ადამიანები; ცხენები დარბიან, მორთული ლენტებით, ზარებითა და ქაღალდის ყვავილებით; და თვით ბუნებაც კი, როგორც ჩანს, ჩაიცვა თავისი საუკეთესო სამოსი.

მასლენიცასა და სხვა ხალხურ ფესტივალებს მიძღვნილ მრავალ ნახატში კუსტოდიევისთვის მნიშვნელოვანი იყო ემოციების თავბრუდამხვევი ქარიშხლის ხაზგასმა. ალბათ ამიტომაა, რომ მათში მოძრაობის მთავარი მოტივი ყოველთვის უკონტროლოდ მრბოლელი ტროიკა იყო. ამ ნამუშევრების დინამიკა ეფუძნება თეატრალური და დეკორატიული ხელოვნების კომპოზიციურ ტექნიკას: სინათლისა და ჩრდილის კონტრასტული თამაში, „სცენების“ გამოყენება. ეს ტილოები იმდენად დეკორატიულია მათი ფერითა და შემადგენლობით, რომ წააგავს უჩვეულო მოხატულ ყუთებს. მით უფრო გასაკვირია ის ფაქტი, რომ ოსტატის ნამუშევრების უმეტესობა მეხსიერებით არის დაწერილი და წარმოადგენს მთლიანი რუსეთის განზოგადებულ სურათებს. მათი გმირები ყოველგვარი ნეგატიურისგან იწმინდება: კეთილები, პოეტები, ღირსებით აღსავსე და ცოცხალი, კანონებსა და ტრადიციებს პატივს სცემენ. და იქმნება უნებლიე განცდა, რომ პატრიარქალური სამყაროს გზა აუცილებლად წარსულს ჩაბარდა.

რობერტ რაფაილოვიჩ ფალკი (1886–1958). წითელი ავეჯი 1920 წელი. ზეთი ტილოზე. 105x123

რ.რ. ფალკი იყო მხატვარი, მხატვარი, თეატრის მხატვარი და ისეთი ასოციაციების წევრი, როგორიცაა "ხელოვნების სამყარო", "ჯეკი ბრილიანტები", მოგვიანებით OMH და AHRR. ამ მხატვრის ტილოები გამოირჩევა ლამაზად გადმოცემული ფორმის მოცულობით. ზოგიერთ ნამუშევარში ოსტატმა შემოიტანა მკვეთრი დეფორმაცია, რამაც საშუალება მისცა ხაზი გაუსვა სურათზე შიდა დაძაბულობას.

ეს ასევე შეიძლება აღინიშნოს ნახატში "წითელი ავეჯი": იმისდა მიუხედავად, რომ მასში არ არის პერსონაჟები, ფორმების ცვლა და ფერის გამოხატულება იმდენად გაჯერებულია ემოციებით, რომ მაყურებელს უნებურად უჩნდება შეშფოთებული წინათგრძნობის განცდა. შთაბეჭდილებას აძლიერებს ტემპერამენტული, თუნდაც „აღელვებული“ წერის მანერა, რომელიც ხაზს უსვამს ოთახში მდებარე საგნების და მათგან ჩამოვარდნილი ჩრდილების მიერ წარმოქმნილი რიტმის დაძაბულობას. სკამები მაღალი ზურგით და დივანით წითელ გადასაფარებლებშია „გამოწყობილი“. ისინი მალავენ ავეჯის ნამდვილ ფორმებს და აძლევენ მას გაურკვეველ კონტურებს. კომპოზიციის ცენტრში არის მაგიდა, რომლის ზედაპირზე ერთგვარი ბრძოლა მიმდინარეობს: შავი და თეთრი ფერები ერთმანეთს ეჯახება - როგორც აბსოლუტური წინააღმდეგობის და ამავე დროს სამყაროს მარადიული ერთიანობის გამოსახულება.

დავით პეტროვიჩ შტერენბერგი (1881–1948). ანისკა 1926. ზეთი ტილოზე. 125x197

დ.პ.შტერენბერგი იყო დაზგური მხატვართა საზოგადოების ერთ-ერთი აქტიური ორგანიზატორი და წევრი. ოსტატის ნამუშევრებს ახასიათებს გამოსახულების ექსპრესიული სიმკვეთრე, ლაკონური კომპოზიცია, ნახატის ზოგადი და სიცხადე და სივრცის მიზანმიმართულად ბრტყელი აგება.

ამასთან, მხატვრის გმირი არ არის მხიარული სპორტსმენი, რომელიც ბედნიერია ცხოვრებით, არამედ გლეხი გოგონა, რომლის გონებაში სამუდამოდ არის დაცული 1920-იანი წლების შიმშილის მეხსიერება. ის მაგიდასთან დგას, მასზე არის თეფში შავი პურის ქერქით. სუფრა აბსოლუტურად ცარიელია, ეს არის შიშველი ველი მხოლოდ ერთი სიმბოლური საგნით - პურით. შტერენბერგი უარს ამბობს რეალობის დეტალურ რეპროდუცირებაზე, ქმნის პირობით მოჩვენებით ლურჯ-ყავისფერ სივრცეს.

ფერთა და კომპოზიციის იშვიათი, მაგრამ ზუსტად დაკალიბრებული საშუალებების გამოყენებით, შტერენბერგი აღადგენს ეპოქის ტრაგედიას.

სერგეი ალექსეევიჩ ლუჩიშკინი (1902-1989 წწ). ბურთი გაფრინდა 1926. ზეთი ტილოზე. 69x106

ს.ა. ლუჩიშკინი საბჭოთა მხატვარია, რომელიც შეუერთდა რუსული ავანგარდის პოსტრევოლუციურ „მეორე ტალღას“ და მონაწილეობა მიიღო 1920-იანი წლების უამრავ ყველაზე რადიკალურ მხატვრულ ექსპერიმენტში. სასცენო და მხიარული, ჩვეულებრივ, ძალიან დრამატული შინაარსი განასხვავებს ოსტატის საუკეთესო დაზგური ნამუშევრებს.

რეალობის სურათი, რომელიც ავტორმა შექმნა ნახატში "ბურთი გაფრინდა" ეწინააღმდეგება 1920-იანი წლების ოფიციალურ საბჭოთა ხელოვნებას. მხატვარი ასახავდა მაღალ შენობებს, თითქოს მათ შორის სივრცეს ახშობდა. ცარიელ ეზოში, ფონზე, გალავნით შემოზღუდული, პატარა გოგონა დგას. ის უყურებს ბურთს, რომელიც მიფრინავს გაუთავებელ ცარიელ სივრცეში. ფანჯრებზე ასახულია მაღალსართულიანი შენობების მცხოვრებთა ყოველდღიური ცხოვრების სცენები. მხატვარი არ აჩვენებს საბჭოთა ხალხის ნათელ, ბედნიერ მომავალს, არამედ მოგვითხრობს რეალურ, რომანტიული ყოველდღიურობისგან შორს. ტრაგიკული ნიშნები ჩნდება გარეგანი გულუბრყვილობით: თვითმკვლელის ჩამოკიდებული ფიგურა ოსტატის ყველაზე ცნობილი ნახატის კუთხეში.

მარკ ზახაროვიჩ შაგალი (1887-1985). ქალაქზე 1914–1918 წწ. ტილო, ზეთი. 141x197

მაღალის ჩვეულებრივთან შეთავსების უნარი მე-20 საუკუნის მხატვრული ავანგარდის ერთ-ერთი ყველაზე ცნობილი წარმომადგენლის, M.Z. Chagall-ის შემოქმედების ინდივიდუალური ხარისხია. ნახატზე "ქალაქის ზემოთ" გამოსახულია ორი შეყვარებული - მხატვარი და მისი საყვარელი ბელა, რომლებიც ვიტებსკის თავზე ადვილად, მოხდენილი და ბუნებრივად მიდიან, თითქოს უბრალოდ პარკის ბილიკებზე სეირნობდნენ. სიყვარული, ბედნიერება და ყოველდღიურ ქალაქში ფრენა ისეთივე ბუნებრივია, როგორც ერთმანეთის ხელში აყვანა - ეს არის იდეა, რომელსაც გმირები ამტკიცებენ.

ამ შაგალის ნახატს უცნაური ბედი ეწეოდა. როგორც სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეის საკუთრება, იგი გახდა მხატვრის, ალბათ, ყველაზე პოპულარული ნამუშევარი პოსტსაბჭოთა სივრცეში. ამის მიზეზი დიდწილად განპირობებული იყო მისი სანახავად ხელმისაწვდომობით, განსხვავებით შაგალის იმ ნამუშევრებისგან, რომლებიც საიმედოდ იყო დაფარული ცნობისმოყვარე თვალებისგან რკინის ფარდით. ოსტატის მიერ ასე საგულდაგულოდ მოხატული პატარა სახლებისა და გახეხილი ღობეების სამყაროში ჩაძირვით იწყებ საკუთარ თავს იმის ფიქრით, რომ აღმოჩნდი ჩაგალის ახალგაზრდობის ვიტებსკში - ქალაქში, რომელიც, სამწუხაროდ, აღარ არსებობს. „ვატლები და სახურავები, ხის სახლები და ღობეები და ყველაფერი, რაც შემდგომ იხსნება მათ უკან, აღფრთოვანებული ვარ. კონკრეტულად რა - შეგიძლიათ ნახოთ ჩემს ნახატში "ქალაქის ზემოთ". და შემიძლია გითხრათ. სახლებისა და ჯიხურების ჯაჭვი, ფანჯრები, კარიბჭეები, ქათმები, ბორტგახსნილი პატარა ქარხანა, ეკლესია, ნაზი ბორცვი (მიტოვებული სასაფლაო). ყველაფერი თვალსაჩინოა, თუ სხვენის ფანჯრიდან იყურებით, იატაკზე ჩამომჯდარი“, ეს არის ციტატა ავტობიოგრაფიიდან „ჩემი ცხოვრება“, რომელიც ჩაგალმა დაწერა რუსეთიდან წასვლის შემდეგ.

მარტიროს სერგეევიჩ სარიანი (1880–1972 წწ). მთები. სომხეთი 1923. ზეთი ტილოზე. 66x68

მ.ს სარიანი მე-20 საუკუნის სომხური მხატვრობის უდიდესი ოსტატია, რომელმაც განაგრძო სიმბოლიზმის ტრადიციები. მხატვრის 1920-იანი წლების ნახატში „მთები. სომხეთი“ წარმოადგენს სომხეთის კოლექტიური იმიჯს და არა რომელიმე ცალკეული ადგილის კონკრეტულ გამოსახულებებს. მათი სიკაშკაშით და ემოციურობით, ეს ნამუშევრები ახლოსაა სარიანის რევოლუციამდელ ნამუშევრებთან, ამ უკანასკნელისგან განსხვავდება მხოლოდ მათი დიდი მონუმენტალიზმით. თითქმის ოთხი ათეული წლის განმავლობაში იმოგზაურა სომხეთის ყველა ყველაზე ღირსშესანიშნავ ადგილას, ბევრი მუშაობდა ბუნებაში, მხატვარმა შექმნა უამრავი მრავალფეროვანი პეიზაჟი. 1920-იანი წლების ბოლოს შეიცვალა სარიანის მუშაობის მეთოდი ლანდშაფტის სფეროში. სწრაფად გაშრობის ტემპერა საღებავების ნაცვლად მუშაობს ზეთის საღებავებით, რაც შესაძლებელს ხდის პეიზაჟების დახატვას პირდაპირ ცხოვრებიდან და არა მეხსიერებიდან, როგორც ადრე.

პიოტრ პეტროვიჩ კონჩალოვსკი (1867–1956 წწ). V. E. Meyerhold-ის პორტრეტი 1938. ზეთი ტილოზე. 211x233

მასობრივი რეპრესიების პერიოდში, მეიერჰოლდის დაპატიმრებამდე და სიკვდილამდე ცოტა ხნით ადრე, პ.პ. კონჩალოვსკიმ შექმნა ამ გამოჩენილი თეატრის მოღვაწის პორტრეტი. რეჟისორ-რეფორმატორისთვის ვსევოლოდ ემილიევიჩ მეიერჰოლდისთვის 1938 წელი დრამატულად დაიწყო: 7 იანვარს ხელოვნების კომიტეტმა მიიღო დადგენილება მეიერჰოლდის სახელობის სახელმწიფო თეატრის (GOSTIM) ლიკვიდაციის შესახებ.

ინდივიდსა და გარემომცველ რეალობას შორის კონფლიქტის ხაზგასასმელად, რეჟისორის პორტრეტის შექმნისას მხატვარმა გამოიყენა რთული კომპოზიციური გადაწყვეტა. ერთი შეხედვით ჩანს, რომ ტილოზე გამოსახულია მეოცნებე, რომლის ოცნებები განსახიერებულია ფერადი ნიმუშებით, რომლებიც ფარავს მთელ კედელს და დივანს იატაკამდე. მაგრამ, უფრო ახლოს რომ დავაკვირდებით, შეიძლება გამოიკვეთოს მოდელის მტკივნეული აპათია, განშორება მის გარშემო მყოფი სამყაროსგან. ორნამენტებით მჭიდროდ დაფარული კაშკაშა ხალიჩის და რეჟისორის მონოქრომული ფიგურის ერთმანეთზე შეჯვარებით, რომელიც ილუზორიულად აღმოჩნდება ნიმუშების უცნაურ მრუდეებში ჩახლართული, კონჩალოვსკი ქმნის განსაკუთრებულ ემოციურ დაძაბულობას, რომელიც ავლენს შინაარსს. სურათი.

ილია ივანოვიჩ მაშკოვი (1881–1944). მოსკოვის საკვები 1924. ზეთი ტილოზე. 129x145

სამხატვრო ასოციაციის "ჯეკ ბრილიანტების" ერთ-ერთმა დამფუძნებელმა ი.ი. მაშკოვმა ასე ისაუბრა თავის ნახატზე: "მინდოდა დამემტკიცებინა, რომ ჩვენი საბჭოთა ფერწერული ხელოვნება უნდა იყოს შეხამებული ჩვენს დროს და იყოს გასაგები, დამაჯერებელი და გასაგები ყველასთვის. სამუშაო პირი. ამ უბრალო სიუჟეტში მინდოდა რეალისტური ხელოვნების ჩვენება. ნატურმორტი "პური" არის ჩვენი მოსკოვის ჩვეულებრივი საცხობი თავის დროზე... და კომპოზიცია არის ერთგვარი უყურადღებო, უხერხული, მაგრამ ჩვენი, მოსკოვი, ადგილობრივი და არა პარიზული... პური ჩვენი დედა რუსეთია... ძვირფასო, პური. , საორკესტრო, ორღანი, საგუნდო“. მხატვარი კი არაკეთილსინდისიერია, ის დუმს, რომ თავისი ნატურმორტი მეხსიერებით დახატა.

ამ ნამუშევრის გამოფენაზე გამოჩენისთანავე იგი საბჭოთა მხატვრობის კლასიკად იქნა აღიარებული. ოფიციალური საბჭოთა კრიტიკა აღნიშნავდა ნატურმორტის შესაბამისობას სოციალისტური რეალიზმის მხატვრობის ამოცანებთან: მართლაც, ქვეყანაში შიმშილობაა, მაგრამ ხელოვნებაში საოცარი სიმრავლეა! მიუხედავად ამისა, ამ ნამუშევარმა გამოავლინა მხატვრის არაჩვეულებრივი საჩუქარი ფერწერისთვის: დინამიური კომპოზიცია, ფერის სიმდიდრე - ყველა ეს თვისება დამახასიათებელი იყო "ჯეკ ბრილიანტის" მხატვრებისთვის.

ვერა იგნატიევნა მუხინა (1889–1953 წწ.). იულია 1925. ხე. სიმაღლე 180

მე-20 საუკუნის გამოჩენილი ოსტატის ვ.ი.მუხინას ქანდაკება 2006 წელს შეიძინა სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეის კოლექციისთვის. ნამუშევარი უკვე წარმოდგენილია მუზეუმის მუდმივ გამოფენაში კრიმსკი ვალზე. ნამუშევრის სახელწოდება ბალერინა პოდგურსკაიას სახელს უკავშირდება, რომელიც მოდელი იყო. ავტორმა განასახიერა რთული მხატვრული კონცეფცია სპირალურ მოძრაობაში წარმოდგენილ ფიგურაში. ეს არის ხის ქანდაკების იშვიათი ნიმუში, რომელმაც შეინარჩუნა ხელნაკეთი ოსტატობის უნიკალურობა. რუსმა ხელოვნებათმცოდნე ა.ვ.ბაკუშინსკიმ მას უწოდა "ნამდვილად მრგვალი ქანდაკება".

ვერა იგნატიევნას ძალიან უყვარდა ეს ნამუშევარი და ბოლო დღეებამდე ინახავდა თავის სახელოსნოში. 1989 წელს სკულპტურა "ჯულია" შეიტანეს V.I. Mukhina-ს პერსონალურ გამოფენაში, რომელიც მოეწყო გალერეის კედლებში მისი ასი წლისთავისთვის. მოგვიანებით, პლასტიკური შედევრი იყო მისი ვაჟის ვ.ა. ზამკოვის ოჯახში, რომელმაც სიკვდილის შემდეგ ანდერძით გადასცა ნამუშევარი სახელმწიფო ტრეტიაკოვის გალერეის კოლექციაში.

სარა დმიტრიევნა ლებედევა (1892–1967 წწ). გოგონა პეპელა 1936. ბრინჯაო. სიმაღლე 215

"გოგონა პეპელა" არის ლანდშაფტის სკულპტურის ბრინჯაოს ჩამოსხმა, რომელიც განკუთვნილია მოსკოვის კულტურისა და დასვენების ცენტრალური პარკის გასაფორმებლად (პარკში იყო ცემენტის შეუნარჩუნებელი ვერსია). ქანდაკების პლასტიურობა გადმოსცემს გოგონას ფრთხილად მოძრაობას, რომელიც ცდილობს არ შეაშინოს პეპელა, რომელიც ხელზე დაეშვა. ამ ნამუშევარში, ისევე როგორც მის ყველა ნამუშევარში, მოქანდაკე და მხატვარი სარა ლებედევა გვევლინება როგორც დახვეწილი ფსიქოლოგი, რომელიც ამჩნევს მისი მოდელის ემოციურ მდგომარეობას, ცდილობს „შეაჩეროს მომენტი“ და დაიჭიროს პეპელა.

ნიკოლაი კონსტანტინოვიჩ ისტომინი (1886 (1887)-1942). უნივერსიტეტები 1933. ზეთი ტილოზე. 125.5x141.5

ისტომინი, რომელმაც მიიღო სამხატვრო განათლება მიუნხენში, მაკოვეცისა და ოთხი ხელოვნების ასოციაციების წევრი, მათი ლიკვიდაციის შემდეგ 1930-იანი წლების დასაწყისში, შეუერთდა რევოლუციური რუსეთის მხატვართა ასოციაციას. ნახატში „ვუზოვკი“ მხატვარი ეხება ახალგაზრდობის, სოციალიზმის მომავალი მშენებლების თემას, რაც აქტუალური იყო სტალინის ეპოქის ხელოვნებისთვის. მაგრამ ამ ნაწარმოების გადაწყვეტას, როგორც ფერწერულობის, ისე შინაარსის თვალსაზრისით, ნაკლებად აქვს საერთო იმ წლების თემატური ნახატების პლაკატის ოპტიმიზმთან. მასში ვლინდება ისტომინისათვის დამახასიათებელი ფერწერის ხერხები, რომლებიც განვითარდა შემოქმედების ადრეულ პერიოდში ფოვიზმის გავლენით.

მყუდრო ოთახი დიდი კვადრატული ფანჯრით მუქ მწვანე კედელში, მის უკან მოვარდისფრო-მარგალიტისფერია (შიგნიდან ღრმა, ძლიერი ფერისგან განსხვავებით) ზამთრის ქალაქი. სინათლის ფონზე ორი შავებში ჩაცმული გოგონას მოხდენილი სილუეტია, კითხვით დაკავებული. ნაწარმოების გმირები ერთმანეთს ტყუპი დებივით ჰგვანან. ერთი შეხედვით ეს ყოველდღიური ჟანრია, მაგრამ ამ დიდი, ფართოდ და თამამად დახატული ტილოს მნიშვნელობა აშკარად არ არის სიუჟეტის დეტალებში, არც გოგონების გმირებში და არც მათ საქმიანობაში. ეს სურათი, თავისი სიუჟეტით ჩვეულებრივი, თითქოს ღია ფანჯარაა სხვა, დიდი ხნის წარსულში და თითქოს ჩაძირავს მაყურებელს 1930-იანი წლების სულიერ ატმოსფეროში. ნახატი მკაცრი, თითქმის გრაფიკული ფერთა სქემით გამოირჩევა ლირიკულობით და მკვეთრად გამოირჩევა ამ პერიოდის ხელოვნების პომპეზურ ნიმუშებს შორის.

პაველ დიმიტრიევიჩ კორინი (1892-1967). ალექსანდრე ნევსკი. ტრიპტიხის ცენტრალური ნაწილი 1951. ზეთი ტილოზე. 72.5x101

მხატვარმა შექმნა ტილო, რომელიც ადიდებდა რუსულ იარაღს ქვეყნისთვის რთულ პერიოდში, დიდი სამამულო ომის დროს. ტრიპტიხის ცენტრალურ სურათზე გამოსახულია პრინცი ალექსანდრე იაროსლავიჩი, რომელმაც მიიღო მეტსახელი ნევსკი 1240 წელს ნევის ბრძოლაში შვედებზე გამარჯვებისთვის და 1549 წელს რუსეთის მართლმადიდებლური ეკლესიის მიერ წმინდანად შერაცხული. პრინცი მაყურებელს მიზანმიმართულად ეჩვენება მამაცი მეთაური. ჯავშნით შემოსილი ფართო მხრებიანი მეომარი, რომელსაც წინ უჭირავს დიდი ხმალი, დგას გაუთავებელი რუსული ტერიტორიების ფონზე და ფხიზლად იცავს მშობლიურ მიწებს. ალექსანდრე ნევსკი განასახიერებს რუსი ხალხის სიმამაცეს და გამბედაობას, რომელიც მზად არის იბრძოლოს სისხლის ბოლო წვეთამდე თავისი თავისუფლებისა და დამოუკიდებლობისთვის. ”მინდოდა, - იხსენებს მხატვარი, - გადმომეცა რუსი კაცის ხასიათი, განმესახიერებინა გამბედაობის სული, რაც ერის განუყოფელი თვისებაა, რომელიც მოუწოდებდა რუს ხალხს ბრძოლებში სასიკვდილოდ ებრძოლათ და გადაადგილება. წინ. ბედისადმი დაუმორჩილებლობის სული, რომლის ნება და გამძლეობა ჟღერს „იგორის კამპანიის ზღაპრში“, პუშკინის პირველ ლექსებში და ჩვენს გულებში.

ნახატის საფუძველზე მოგვიანებით მოზაიკა გაკეთდა მოსკოვის მეტროს კომსომოლსკაია-კოლცევაიას სადგურისთვის.

იური (გეორგი) ივანოვიჩ პიმენოვი (1903–1977 წწ). ახალი მოსკოვი 1937. ზეთი ტილოზე. 140x170

1930-იანი წლების შუა პერიოდიდან პიმენოვი, დაზგური მხატვრების საზოგადოების ერთ-ერთი დამფუძნებელი, მუშაობდა მოსკოვის შესახებ ნახატების სერიაზე, რომელთა შორის განსაკუთრებით პოპულარული გახდა ტილო "ახალი მოსკოვი". მხატვრები გულწრფელი ენთუზიაზმით მუშაობდნენ ახალი საბჭოთა მითოლოგიის შესაქმნელად, რომელიც სხვა ფორმებს მოითხოვდა. ნახატი "ახალი მოსკოვი" სრულად შეესაბამება დროის სულისკვეთებას. კომპოზიცია შექმნილია კამერის ობიექტივით გადაღებული ჩარჩოს სახით. ავტორი ყურადღებას ამახვილებს მანქანის მამოძრავებელ ქალის ფიგურაზე, რომელიც 1930-იანი წლებისთვის უპრეცედენტო მოვლენა იყო. მაყურებელი თითქოს მის უკან ზის და ღია მანქანიდან უყურებს მოსკოვის ახალ დილას. ახლად აღმართული გოსპლანის შენობის მონოლითური ნაწილი, თავისუფალი გამზირი და სკვერების უკიდეგანო, ახლახან გახსნილი მეტროს ალისფერი ასო - ეს ყველაფერი განახლებული მოსკოვია. ფერი, თამაში მრავალ ფერებთან და ტონებთან, მოძრავი შტრიხებით გადმოსცემს მანქანის მოძრაობას და მსუბუქი ჰაერის გარემოს ვიბრაციას. ფერწერის იმპრესიონისტული სტილი ნაწარმოებს სიახლეს და ელეგანტურობას ანიჭებს - სწორედ ასე უნდა აღიქმებოდეს ახალი დედაქალაქი და მასთან ერთად ახალი საბჭოთა ცხოვრება. თუმცა, წელი, რომელშიც ეს ნახატი შეიქმნა, აშკარად ეწინააღმდეგება "ნათელი გზის" ოპტიმისტურ თემას.

ალექსანდრე მიხაილოვიჩ გერასიმოვი (1881–1963 წწ). ბალერინა O.V. Lepeshinskaya პორტრეტი 1939. ზეთი ტილოზე. 157x200

მხატვრის არაჩვეულებრივი ნიჭი, ხალისიანი, მხატვრობის ხალისიანი სტილი - ეს ყველაფერი, როდესაც ა.მ. გერასიმოვი ავიდა სოციალისტური რეალიზმის კარიერულ კიბეზე, შეიძინა საზეიმო ბრწყინვალება. გერასიმოვმა შექმნა საბჭოთა სახელმწიფოს და საბჭოთა კავშირის კომუნისტური პარტიის გამოჩენილი მოღვაწეების, საბჭოთა არმიის სამხედრო ლიდერების, საბჭოთა მეცნიერების, ლიტერატურის, თეატრისა და სახვითი ხელოვნების წარმომადგენლების პორტრეტების მთელი გალერეა. პარტიის ოფიციალური სახეების ფონზე, მხატვარმა გამოსავალი აღმოაჩინა შემოქმედებითი ინტელიგენციის პორტრეტებში (ბალერინა ო. ვ. ლეპეშინსკაია, უძველესი მხატვრების ი. ნ. პავლოვის, ვ. ნ. ბაკშეევის, ვ. კ. ბიალინიცკი-ბირულის, ვ. ნ. მეშკოვის და სხვების ჯგუფური პორტრეტი). .

უნაკლო ტექნიკის მქონე ლეპეშინსკაიამ შეძლო ბალეტის სცენაზე შექმნილ ყველა გამოსახულებაში საკუთარი, ცოცხალი, ცქრიალა ხასიათის ასახვა. მხატვარი ბალერინას რეპეტიციის მომენტში იჭერს. ჰეროინი წამიერად გაიყინა მაყურებლის წინაშე ტიპიური საცეკვაო ნაბიჯით - ის დგას პოინტის ფეხსაცმელზე, ხელები ტუტუზე აქვს, თავი ოდნავ გვერდზე აქვს გადახრილი, თითქოს ემზადებოდა მისი შემდეგი გარეგნობისთვის. სარეპეტიციო დარბაზის შუაში. კიდევ ერთი მომენტი - და ბალერინა გააგრძელებს ცეკვას. თვალები უბრწყინავს, ინსპირაციით და პროფესიის სიყვარულით არის სავსე. ფილმში ტრადიციული წარმოდგენა შერწყმულია შემოქმედებითი საქმიანობის ახლებურ სახესთან. ბალერინას ცხოვრებაში ცეკვა მისი არსებობის უმაღლესი აზრია.

მიხაილ ვასილიევიჩ ნესტეროვი (1862–1942). მოქანდაკის V. I. Mukhina პორტრეტი 1940. ზეთი ტილოზე. 75x80

ნახატზე გამოსახულია ვერა მუხინა, საბჭოთა მოქანდაკე, მრავალი ცნობილი ნამუშევრის ავტორი, მათ შორის ცნობილი ჯგუფის „მუშა და კოლმეურნე ქალი“, წარმოდგენილი პარიზში მსოფლიო გამოფენაზე 1937 წელს. ვერა იგნატიევნა მომავლის პროტოტიპს ბოლო დამატებებს აკეთებს. ქანდაკება. ცალ ხელში თიხის პატარა ნაჭერი უჭირავს, მეორეთი კი ერთ-ერთი გმირის მოცულობას უმატებს. აქ პირდაპირ არის აღბეჭდილი შემოქმედების აქტი, მომენტი, როდესაც ნამდვილი ხელოვნების ნიმუში იბადება უფორმო თიხის ნაჭერიდან.

ნამუშევრის კომპოზიციური ცენტრია კაშკაშა წითელი გულსაბნევი, რომელსაც უჭირავს თეთრი ბლუზის საყელო. ნესტეროვი მუხინას კონცენტრაციას უპირისპირებს სწრაფ დინამიზმსა და სასოწარკვეთილ იმპულსს, რომელსაც იგი თავის შემოქმედებაში გადმოსცემს. ამ ემოციური კონტრასტის წყალობით, "მოქანდაკის პორტრეტი V.I. Mukhina" იღებს განსაკუთრებულ ექსპრესიულობას და აქტიურ შინაგან ცხოვრებას, რითაც ავლენს თავად ვერა იგნატიევნას რთულ ხასიათს.

ტაირ თეიმურაზოვიჩ სალახოვი (დაიბადა 1928 წელს). კომპოზიტორის კარა კარაევის პორტრეტი 1960. ზეთი ტილოზე. 121x203

გამოჩენილი აზერბაიჯანელი კომპოზიტორის კარა გარაევის პორტრეტში მხატვარი ცდილობდა ეჩვენებინა მუსიკის დაბადების რთული პროცესი. კონცენტრირებული პოზა, მაყურებლისგან ფსიქოლოგიური თვალსაზრისით დახურული, საუბრობს შინაგან ხმაზე უკიდურეს კონცენტრაციაზე. შემოქმედებითი პროცესი შეიძლება იყოს ინტენსიური და ხანგრძლივი, რომლის დროსაც გარეგანი ცხოვრება თითქოს იყინება საკუთარ თავში ჩაძირული ადამიანისთვის, ან გაჭიანურდება უზომოდ დიდხანს ერთ ნოტზე, სანამ გამოსავალი არ მოიძებნება. ამიტომაა ასე უსასრულო გრძელი შავი ფორტეპიანო, რომლის წინააღმდეგაც კომპოზიტორის მჯდომარე ფიგურა გამოსახულია? ამ მუსიკალური ინსტრუმენტის გამოსახულება ადგენს კომპოზიციის გაზომილ რიტმს და ემსახურება აუცილებელ კონტრასტს თეთრ ჯემპერში გამოწყობილი გმირისთვის. მხატვარმა კარაევის ფიგურისა და ინტერიერის ხისტი კონტურები თითქმის გრაფიკულ დიზაინამდე მოაქვს. კომპოზიტორის შინაგანი არტისტულობა, მისი ნიჭი და შემოქმედებითი დაძაბულობა ფერთა სისტემით ვლინდება.

გრიგორი ივანოვიჩ კეპინოვი (გრიგორ ოვანესოვიჩ კეპინიანი) (1886–1966 წწ). ქალის ტანი 1934–1946 წწ. მარმარილო. სიმაღლე 71

ცნობილი საბჭოთა მოქანდაკე გ.ი.კეპინოვი, რომელიც სწავლობდა ჟიულიენის პარიზის აკადემიაში, თავის მოვალეობად მიიჩნია ქანდაკებაში აკადემიური ტრადიციების შენარჩუნება. მან დახატა მრავალი თანამედროვე ადამიანის პორტრეტი.

მარმარილოს "ქალის ტორსი" ქალის სილამაზის მშვენიერი სკულპტურული განსახიერებაა, მაგრამ მისი კლასიკური გაგებისგან განსხვავებით, ეს არის გმირული სილამაზე, რომელიც შეესაბამება ეპოქის იდეალებს. ულამაზესი შიშველი სხეული დაძაბულია, ქვის ბლოკიდან ფიგურის გათავისუფლების მოძრაობა მიქელანჯელოს დაუმთავრებელ ნამუშევრებს მოგვაგონებს.

ოლეგ კონსტანტინოვიჩ კომოვი (1932–1994 წწ). მინა 1958. ბრინჯაო. სიმაღლე 60

ბრინჯაოს სკულპტურული კომპოზიცია "მინა" შექმნა ო.კ.კომოვმა მოსკოვის ხელოვნების ინსტიტუტის დამთავრებამდე ერთი წლით ადრე. V. I. სურიკოვა. ავტორის სტილი განისაზღვრება, როგორც მკაცრი სტილი (ან მკაცრი რეალიზმი), რომელიც წარმოიშვა უპირველეს ყოვლისა 1950-იანი წლების ბოლოს - 1960-იანი წლების დასაწყისის მხატვრობაში და პოეტურია ჩვეულებრივი ადამიანების ყოველდღიურ ცხოვრებაზე, მათ ძალასა და ნებაზე. მკაცრი სტილი ხასიათდებოდა მონუმენტური გამოსახულების სურვილით, რაც ასევე ვლინდება კომოვის სკულპტურულ კომპოზიციაში.

მისი გმირი არის უბრალო ახალგაზრდა მუშა, რომლის ძლიერი ხელებით - ისევე როგორც მილიონობით ადამიანის ხელით - შენდება ქვეყანა. სასტიკმა ცხოვრებამ და რთულმა სამუშაომ გადააჭარბა მადლსა და სისუსტეს. "ბარბაროსობა" არ არის მოდაში: შრომა საპატიოა. მუშის პოზის მშვიდი თავდაჯერებულობა ეწინააღმდეგება მინის არასტაბილურ მდგომარეობას და მთელი კომპოზიცია ამ დაპირისპირებების ერთიანობის შთაბეჭდილებას ტოვებს.

სივრცე ხდება ამ სამუშაოს ერთ-ერთი წამყვანი კომპონენტი. მისი ურთიერთობა ქალის ფიგურასთან რთული და ორაზროვანია. ჰეროინის ფართო ხელის ჟესტი ღიაა გარე სამყაროსთვის, აქტიურად ურთიერთქმედებს მასთან, მაგრამ მისი სივრცე შემოიფარგლება იმ შუშის კონტურებით, რომლებშიც ის არის ჩაკეცილი, თითქოს ჩარჩოში. მინა არის პრიზმა, რომლის მეშვეობითაც იგი აღიქვამს სამყაროს, მაგრამ ასევე უხილავი კედელი მასა და ამ სამყაროს შორის.

არკადი ალექსეევიჩ პლასტოვი (1893-1972). 1954 წლის გაზაფხული. ზეთი ტილოზე. 123x210

მოსკოვის მხატვრობის სკოლის ერთ-ერთმა გამოჩენილმა წარმომადგენელმა ა.ა. პლასტოვმა განაგრძო თავის შემოქმედებაში ვ.ა. სეროვის, ა.ე. არქიპოვისა და რუსი მხატვართა კავშირის ოსტატების ტრადიციები. გლეხური თემის ერთგულება, სადაც „ადამიანის ხორცს მთელი თავისი მხურვალებითა და სიმართლით გამოიჩენდა“, „დიდ“ ნახატში ორგანული ფერი და შთაბეჭდილების სპონტანურობა დამახასიათებელია მხატვრის 1940-1950-იანი წლების ნამუშევრებისთვის.

ნახატში "გაზაფხული" მხატვარმა მოახერხა ქალის სილამაზის, ფიზიკური და სულიერი იდეალის დაფიქსირება, რომელიც ცხოვრობს ყველა ადამიანის წარმოსახვაში და, როგორც წესი, არ პოულობს განსახიერებას რეალურ ცხოვრებაში. სიცივე, დამწერლობის გარკვეული განცალკევება, ბავშვის შემაშფოთებელი გამოსახულება, სიუჟეტის სიმარტივე და ბუნებრიობა ათავსებს ამ ნაწარმოებს წმინდა აღფრთოვანებისა და უბიწო სიყვარულის კვარცხლბეკზე, რომელიც მიუწვდომელია სენსორული აღქმისთვის. პლასტოვმა ნამუშევარს უწოდა "გაზაფხული" (და არა "ძველ აბაზანაში"), რითაც ხაზს უსვამს მის მეტაფორულ ბუნებას და აღძრავს ამ სიტყვასთან დაკავშირებული მსოფლიო ხელოვნების სურათების მთელ ასოციაციურ სერიას.

XX-XXI საუკუნეები 1922 წ. ბენიტო მუსოლინის "მარში რომში", ეს დუცე ("ლიდერი") რომს აქცევს იტალიური ფაშიზმის ცენტრად. Via dei Fori Imperiali-ის მთავარი ქუჩა აშენდა 1943 წელს. მოკავშირეთა თვითმფრინავების მიერ რომის გამანადგურებელი დაბომბვის შემდეგ, მუსოლინი სამსახურმა დააკავა

XX-XXI სს 1912 წ. იტალიამ დაიპყრო როდოსი, შემდეგ კი დანარჩენი დოდეკანის კუნძულები. ლოზანის ხელშეკრულება უზრუნველყოფს იტალიის ბატონობას კუნძულზე. გერმანია იკავებს როდოსს და 1944 წელს ასახლებს ყველა როდოსელ ებრაელს კუნძულიდან. ბერძნული ჯარები