Viktor Popkov es pintor y artista gráfico, autor de talentosas obras originales, muchas de las cuales se presentan en la Galería Tretyakov. Habiendo sobrevivido cuando era niño a una terrible guerra, en sus pinturas transmitió la dura realidad y el coraje interior que observó durante los años difíciles para el país. Hizo que el público simpatizara con sus héroes y los admirara, empatizara y admirara.
Infancia
Popkov Viktor Efimovich (1932 - 1974) nació en Moscú, en una familia de campesinos. Padre y madre, acostumbrados al trabajo duro desde pequeños, se trasladaban de un lugar a otro en busca de trabajo.
Viktor Popkov era el segundo hijo de una familia numerosa de cuatro hijos. La noticia de la muerte de su padre en la guerra llegó cuando el futuro pintor tenía nueve años y su hermano menor apenas unos meses. La madre, a petición de su amado marido, se dedicó por completo a los niños y nunca se casó. Pero ella puso a los niños en pie y les dio a todos una educación adecuada.
La familia Popkov era amigable, pero pobre. Los niños amaban a su madre y, al ver su arduo trabajo, trataron de escucharla en todo y no molestarla. Al darse cuenta de que estaban unidos por lazos de sangre inquebrantables, los chicos crecieron juntos casi sin peleas ni desacuerdos, siempre dispuestos a ayudarse mutuamente y brindarse el apoyo necesario.
La madre, Stepanida Ivanovna, adoraba a sus hijos y trataba de criarlos con severidad pero con ternura.
Esta infancia aparentemente feliz se vio ensombrecida por varias tragedias más (además de la muerte de su padre y la pobreza constante).
La muerte de su hermano menor, el favorito de todos, Tolya, dejó una huella imborrable en el alma de Viktor Popkov. Ni siquiera pudo asistir al funeral del bebé.
El segundo shock brillante e inolvidable ocurrió un poco más tarde, cuando un toro atacó a Vitya y lo derribó al suelo. El niño logró escapar gracias a la ayuda oportuna.
Pero, a pesar de todos los dolores, Viktor Popkov creció como un niño amable y amigable, generoso y sociable.
Primeros pasos en el camino creativo
En la escuela, el niño se distinguió por su especial diligencia y diligencia. Desde muy joven desarrolló el deseo de crear sobre papel. A Vita le gustaba observar el desarrollo del dibujo en los entonces “sedilki” (transmisiones), en las que gastaba todo su dinero de bolsillo, y también observar el trabajo de su vecino, un artista que pintaba con acuarelas, pero cuyo nombre, lamentablemente no lo sabemos.
Stepanida Ivanovna, que fue la primera en descubrir en su hijo el impulso de trabajar con un pincel, comenzó a alentar el deseo del niño de crear. Ella lo llevó a la escuela de arte y lo ayudó a ingresar en la Escuela Gráfica de Moscú, lo elogió sinceramente, lo inspiró a emprender proyectos creativos y le dio buenos consejos.
Y el niño escribía por todas partes y sobre todo. Sus primeros bocetos cubrieron una variedad de objetos y eventos: árboles, casas y personas.
Los profesores del taller de arte también reconocieron el talento del talentoso estudiante y le prestaron especial atención. En los breves bocetos del álbum personal del aspirante a artista se podía ver que su formación en el estudio de arte le había beneficiado: los bocetos de aficionados fueron reemplazados por obras significativas y de alta calidad, principalmente paisajes y naturalezas muertas.
La formación de la creatividad.
En 1852, Víctor ingresó en el Instituto Surikov de la Facultad de Gráfica. Y aunque esto no correspondía a los deseos del joven (quería estudiar en el departamento de pintura), esta situación tuvo un efecto beneficioso en su futura actividad creativa. Los conocimientos y habilidades adquiridos en el departamento de artes gráficas se reflejaron en su estilo singularmente refinado como pintor.
Ahora Viktor Efimovich Popkov, cuya biografía y creatividad revivieron activamente con su admisión a una institución de educación superior, comienza a crear enérgicamente. Trabaja en condiciones difíciles y aparentemente desfavorables: en un pequeño cuartel, donde viven con él otras cinco personas: su madre, su hermana menor y su hermano mayor con su esposa y su hijo. Hacinamiento, pobreza, desnutrición: los compañeros del maestro en aquella época.
A veces tenía que escribir en un pasillo sin calefacción, con otras botas de fieltro y comiendo sólo un trozo de pan y manteca. Pero esto no afectó el proceso creativo. Viktor Popkov trabajó desinteresadamente, con talento, confianza y regularidad. Su magnífico talento se notó casi instantáneamente; el talentoso estudiante primero recibió una beca mayor y, un poco más tarde, una beca Stalin, que donó casi hasta el último centavo para las necesidades de sus familiares.
Excursiones
Desde 1956, Viktor Popkov realiza largos viajes creativos por todo el país en busca de material original para sus obras y ángulos expresivos. Visitó sitios de construcción industriales asombrosos y grandiosos, se dio cuenta de la escala colosal de la obra, registró muchas escenas ordinarias y rutinarias, que luego "poetizó" y glorificó. A diferencia de sus compañeros de estudios, que buscaban lugares e imágenes pintorescas y brillantes, el aspirante a artista centró su visión en composiciones prosaicas y ordinarias. Se trata de un trabajador del hormigón que vierte agua en la solución, o de dos trabajadores con el telón de fondo de enormes ruedas de locomotora.
Víctor trabajó con energía, animación, como si temiera no llegar a tiempo, tratando de plasmar en el papel cada episodio de arduo trabajo. Una exposición estudiantil de bocetos, celebrada en uno de los viajes, estuvo repleta de muchas obras precisas y talentosas de Vitya Popkov.
En sus pinturas prevaleció un “estilo severo”, que se refleja en el laconismo de los detalles, el realismo de las imágenes y la sequedad de las sombras.
Fue gracias a los viajes creativos a las obras que Popkov Viktor Efimovich pudo convertirse en un artista popular, representando en sus lienzos a trabajadores comunes y corrientes durante su difícil y monótona ocupación.
“Constructores de la central hidroeléctrica de Bratsk”
Después de un viaje a la construcción de una central hidroeléctrica en la ciudad de Bratsk en 1960, apareció un maravilloso cuadro original "Constructores de Bratsk". El joven artista pasó mucho tiempo pensando en cada detalle del lienzo: fondo, color, disposición de las imágenes, ángulo.
No en vano el fondo del cuadro es negro, lo que centra la atención en las figuras pintadas y no en acontecimientos o incidentes. Lo principal para el artista era presentar correctamente a sus personajes y mostrar su fuerza, coraje y confianza en sí mismos. Los constructores de Bratsk son gente polvorienta y cansada del trabajo, pero son maravillosos por su arduo trabajo y su energía severa y contenida.
Es de destacar que en su forma original el lienzo representaba a trabajadores con tatuajes en las manos, ya que la mayoría de los trabajadores de la central hidroeléctrica de Bratsk eran prisioneros. Pero, al darse cuenta de que la dirección no puede permitir que la pintura se exponga de esta forma, Viktor Efimovich se quita los tatuajes del campo.
Desde entonces, el artista se ha hecho famoso. Fue querido por el pueblo y la crítica lo reconoció. Y Viktor Popkov, cuyas pinturas son compradas por la Galería Tretyakov y publicadas por un periódico importante, continúa trabajando fructíferamente y deleitando al público con nuevas obras originales, viviendo modestamente y apretado, casi pobremente.
La creatividad florece
El “tema del trabajo”, reflejado en otras coloridas pinturas del artista, no fue el único al que Viktor Efimovich Popkov recurrió durante su inspiración creativa.
"La brigada descansa" y "El puente en Arkhangelsk" están siendo reemplazadas por tramas morales y psicológicas de simples relaciones humanas. Popkov combina diferentes estilos artísticos y experimenta con efectos de color. Se trata de episodios cotidianos dramáticos que se reflejan en las pinturas "Pelea", "Divorcio", "Familia Bolotov", "Dos".
“Viudas de Mezen”
Popkov le dio una fama increíble a su ciclo "Mezen Widows" (finales de los años 60 y principios de los 70), en el que reflejaba el carácter individual y el destino trágico de una mujer en cada lienzo. Cada obra sorprende por su originalidad realista y su pintoresquismo rechoncho. Y aunque las pinturas "Esperando", "Vejez", "Sola" están llenas de dolor trágico y melancolía opresiva, todavía son necesarias para que la humanidad despierte humanidad y bondad en relación con el dolor y la soledad de las mujeres de la posguerra. .
El tema de los acontecimientos históricos ocupó un lugar importante en la obra del artista. Sus reveladores "Chekist" y "The Doorbell" expusieron la era de inexplicables represiones sangrientas, y "Father's Overcoat" y otros transmitieron una tristeza irresistible y dolorosa por aquellos que nunca regresarán de la distancia del frente.
Muerte trágica
Trabajando sobre temas históricos y poéticos, Viktor Popkov comienza su pintura legendaria "Lluvia de otoño", donde representa al gran Pushkin con el telón de fondo de elementos llorando. El artista vino a las montañas Pushkin para trabajar en el lienzo.
El 12 de noviembre, durante un viaje de negocios en la capital, Viktor Efimovich y sus amigos se acercan a un Volga estacionado para pedirle que los lleve al conductor. Pero el coche resultó ser un coche de colección. Debido a un reciente robo de alto perfil, los guardias, que habían recibido órdenes de disparar en caso de peligro, abrieron fuego. El artista resultó mortalmente herido.
En su funeral, junto a su cuerpo sin vida se encontraba el cuadro inacabado “Lluvia de otoño”.
Vida personal
Popkov Viktor Efimovich estaba casado con su compañera de clase en la escuela gráfica Klara, una artista talentosa, una verdadera amiga de la vida. Con ella atravesaron la pobreza y las dificultades, vivieron en el mismo apartamento con su suegra y su suegro, trabajaron en la misma habitación y criaron a su hijo juntos.
Klara Ivanovna era una persona muy brillante y valiente, amaba devotamente a su marido, lo ayudó en momentos de depresión y abatimiento y le dio consejos prácticos.
Además de estas maravillosas cualidades espirituales, la mujer tenía un talento y una habilidad brillantes. Se convirtió en una popular maestra de libros para niños, trabajó con la editorial Malysh y participó activamente en exposiciones nacionales e internacionales.
"Fueron concebidos en incredulidad,
sobrevivimos incrédulos...
Negación. ¿Cómo vivir en negación?
¿Cómo ir negándote a ti mismo? ¿Cómo protegerte negándote a Ti, a Él y a ti mismo?”
Es difícil de creer, pero estas dolorosas preguntas se escuchan en el diario de un hombre que se convirtió en miembro de la Unión de Artistas de la URSS antes de cumplir los treinta años y que pintó cuadros grandiosos sobre el duro trabajo de los constructores de una nueva. Mundo sin Dios, un artista que fue bien recibido por la nomenklatura y la crítica soviéticas. Fue bienvenido hasta que el alma del artista sintió sed de otra profundidad y otro significado.
ilusión de deshielo
El artista moscovita Viktor Popkov. Foto de Evgeny Kassin y Vladimir Savostyanov /TASS Photo Chronicle/.
Viktor Popkov nunca logró vivir “a la ligera” ni trabajar “a la ligera”. Este desperdicio de uno mismo llegó al máximo desde la infancia: en la escuela, sobresalientes y en la familia el apodo de "cabezón", en el Instituto Surikov, cuando los compañeros hicieron tres o cuatro trabajos como diplomas, Popkov preparó trece, y cuando se convirtió en artista profesional, incluso en obras por encargo. En el trabajo me exprimí hasta la última gota.
La infancia de Popkov transcurrió en un apartamento comunal de una fábrica en la ciudad de Mytishchi, cerca de Moscú, no lejos de la estación Chelyuskinskaya del ferrocarril de Yaroslavl. Los padres, los antiguos habitantes del pueblo, se mudaron aquí en los años treinta. Vida difícil, necesidad: la madre crió a los niños sola: el padre murió al comienzo de la guerra. La madre de Popkov, Stepanida Ivanovna, recordó cómo Víctor, cuando era niño, al ver por primera vez a un artista en un caballete en la calle, inmediatamente comenzó a pedirle ser su alumno, y su madre, una mujer sencilla y analfabeta, confiaba a su hijo. El instinto interior no interfirió con su deseo y pronto estuvieron juntos. Mi amigo y yo entramos en el estudio de arte de una fábrica. El destino de Popkov es un caso de una vocación claramente expresada que se escuchó desde la infancia.
Entró en el arte a finales de los años cincuenta, durante el corto período del deshielo de Jruschov, cuando “después del largo y duro invierno estalinista” los optimistas esperaban reformas en la política: la liberalización del régimen, y en el arte hubo una afluencia de aire fresco, una deseo de ir más allá del realismo socialista estalinista osificado y aprobado oficialmente. El director del Teatro de Arte de Moscú, Leonid Leonidov, escribió en su diario allá por los años treinta: “¿Qué es el realismo? Esto es cierto. ¿Qué es el realismo socialista? Esta es la verdad que necesitamos." Sería más exacto señalar la verdad que las autoridades necesitaban y que fue afirmada sin rodeos por el art.
El Deshielo inspiró la ilusión de que se podía vivir y crear más libremente; luego, el culto a la personalidad de Stalin fue desacreditado y muchos artistas y científicos reprimidos bajo el régimen estalinista fueron rehabilitados. Fue posible leer a Ajmátova y Yesenin, que no se publicaron en los años treinta y cuarenta, para familiarizarse con las tendencias modernas de la pintura de Europa occidental; en una palabra, fue posible tocar la tradición cultural, cuyo acceso estaba bloqueado por estrictas normas. control ideológico durante los años del gobierno de Stalin.
Fue una época de romanticismo y optimismo social, cuando cientos de miles de hombres y mujeres jóvenes se propusieron desarrollar tierras vírgenes, a las impactantes obras de construcción del comunismo, con el acompañamiento de canciones inspiradoras como “El comunismo es la juventud del mundo, y debería ser construido por los jóvenes”.
Popkov, junto con otros artistas, también fue a sitios de construcción de alto impacto: la central hidroeléctrica de Irkutsk, la central hidroeléctrica de Bratsk, hizo interminables estudios, bocetos, "buscó la vida". En las tierras vírgenes pintó varios cuadros de la serie “Gente de las tierras vírgenes”. Las primeras obras de Popkov "Primavera en el depósito" (1958), "Trabajar" (1958), la serie "Transporte" (1958) eran totalmente consistentes con las pautas ideológicas oficiales de la época: anunciar en el arte las grandes victorias del comunismo. , para glorificar a los trabajadores - constructores nueva vida. Para él no había conformismo interno en esto, no había tentaciones intelectuales o morales. "El artista está llamado a escribir sobre los grandes fenómenos de la vida": esta fórmula está en el diario de Popkov, luego admiró sinceramente la grandiosa escala de los proyectos de construcción, buscó "glorificar" la energía del trabajo, la juventud, y en ese momento él Él mismo tenía las "alas" de la juventud, era entusiasta y abría nuevas tendencias en la sociedad.
Pan para la bandera
En 1961, Popkov pintó el cuadro "Constructores de la central hidroeléctrica de Bratsk", que se convirtió en una obra canónica del llamado "estilo severo", uno de cuyos fundadores fue el propio Viktor Popkov. Los artistas del estilo duro generalmente estaban incluidos en el sistema de "producción" artística soviética, pero representaban a los trabajadores, el trabajo cotidiano de manera más "severa", vital, sin el patetismo del realismo socialista con su agitación declarativa.
En el cuadro “Central hidroeléctrica de Bratsk”, en primer plano, con el telón de fondo de un cielo negro, como contra una cortina negra, los trabajadores están parados en fila: comedidos, valientes y tenaces. El cielo es una "cortina", figuras frontales y "icónicas" de los trabajadores; esta imagen puede leerse como "Su Majestad la clase trabajadora a la vanguardia de la historia", e incluso entonces el deseo del joven Popkov de alejarse de lo prosaico. , la vida cotidiana de la escena del género se vuelve obvia hacia una generalización semántica, el deseo no tanto de dibujar como de “comprender la vida con un pincel en la mano”.
El artista Eduard Bragovsky, a quien Popkov le mostró la “central hidroeléctrica de Bratsk”, recordó: “Se enojó terriblemente cuando vio que nadie lo elogiaba, que éramos indiferentes. "Qué imagen tan maravillosa, ¿pero estás en silencio?" - Popkov se sintió ofendido”. En el contexto de los descubrimientos de la pintura europea moderna, la pintura de Popkov les pareció obsoleta a algunos hermanos "progresistas" del taller, tanto estilística como temáticamente. La vulnerabilidad de Popkov sólo demuestra que puso mucho más alma en su trabajo de lo que normalmente se requiere para los artículos ordinarios hechos a medida.
La Galería Tretyakov comprará el cuadro, Popkov comenzará a viajar a exposiciones internacionales y experimentará el ascenso de la fama cuando "le dieron cualquier acuerdo según cualquier letra". Para él eran importantes las publicaciones sobre él en periódicos y programas de radio: el éxito le dio la confianza necesaria y extendió sus alas. Popkov no tenía ni treinta años cuando se convirtió en miembro de la Unión de Artistas de la URSS y pronto fue invitado al Comité de los Premios Lenin y Estatales. Un despegue profesional temprano prometía grandes perspectivas. Pero a mediados de la década de 1960, el “deshielo” se había desvanecido. Casi todas las conquistas realizadas por la cultura soviética durante el breve período del deshielo sufrieron graves desgracias. Comenzó la retirada. Las autoridades, incluida la parte ortodoxa y oficial de la dirección de la Unión de Artistas, intentaron cortar de raíz todo tipo de "búsquedas creativas sin sentido".
Pero Popkov ya no podía vivir sin darse cuenta de las profundas contradicciones de la sociedad, no podía existir en el marco de una burocracia predecible y próspera en todos los aspectos. Sus pensamientos en ese momento eran tristes: “O dibujarás una bandera y recibirás un salario hoy, le comprarás pan a tu madre, o no recibirás nada, pero harás lo que quieras”. No pasó a la clandestinidad, no pasó a formar parte del underground artístico, pero dejó de ser un "verdadero creyente" y las puertas al establecimiento de la cultura soviética estaban medio cerradas para él.
¿De qué hablan las viudas?
Durante algún tiempo recurre a temas líricos, a obras de cámara y psicológicas: "La familia Bolotov", "Dos", "Tres artistas", en ellas la vida privada de una persona sencilla y corriente. Este deseo de intimidad refleja el vacío, la fatiga de la retórica y la ideología soviéticas, que estaba perdiendo su relleno interno; esta es una característica de la época, muchos artistas, cineastas y escritores se alejaron de los "grandes temas". Sin embargo, el valor y la energía de Popkov no le permitieron permanecer en este nicho por mucho tiempo. “Ser libre y libre en el diseño, ser creador, hooligan, lo que sea, pero escuchar tus impulsos y confiar en ellos”.
En 1966 emprendió un viaje creativo al Norte, a Mezen, y allí inició el famoso “Ciclo Mezen”. Cuadro “Recuerdos. Viudas" es uno de los temas centrales del ciclo.
Mientras alquilaba una habitación en la casa de una de las ancianas en un pueblo a orillas del río Mezen, Popkov presenció las reuniones del pueblo: “Un día sus amigas vinieron a ver a la casera donde yo vivía. Se sentaron durante mucho tiempo, recordaron el pasado, bebieron puré, comieron pan plano, bacalao aromático y, poco a poco, olvidándose de mí, volvieron por completo a aquella época lejana en la que la vida apenas comenzaba para ellos”. Detrás de la escena cotidiana y prosaica, Popkov descubrió lo más profundo del destino de estas mujeres del pueblo: “¿Cómo puede ser esto? ¿Por qué están solos? ¿Dónde están sus maridos e hijos? ¿Dónde está la felicidad a la que tenían todo el derecho? Y sólo yo, una persona cualquiera, soy el único testigo de la maldita y solitaria suerte de su mujer. Toda su vida, toda su juventud flotaba ahora ante mis ojos”. Después de esta reunión, a Popkov se le ocurrió un tema para un nuevo cuadro.
El gran lienzo representa a cinco ancianas del pueblo; en su imagen no hay nada de abuelas acogedoras y hogareñas, con un nieto de pelo rizado cerca y una jarra de leche sobre la mesa. Aquí ocurre lo contrario: las siluetas de las figuras están claramente delineadas, las figuras parecen talladas en madera, los pliegues de la ropa son grandes y las líneas son rectas. La anciana delgada en primer plano parece haberse bajado del tablero de iconos, resucitando antiguas imágenes iconográficas de santos mártires. No hay detalles vanos de la vida cotidiana, y la imagen misma surge de la narración ilustrativa, del límite de la existencia a una estructura poética, a un símbolo: Popkov fue el primero en introducir este nivel de símbolo, la parábola, en el arte soviético de la Décadas de 1960 y 1970.
La pintura "Viudas" es un recuerdo de la guerra, y estas cinco mujeres, como diferentes hipóstasis de un alma, una trágica imagen generalizada de la suerte de una viuda, cuántas de ellas, ancianas solitarias, lloraron a sus maridos muertos en toda la tierra rusa. . Detrás de ellas hay una vida ocupada con una vida cotidiana dura, Popkov destaca las manos de las mujeres trabajadoras, desproporcionadamente grandes: son así para transportar calderas y sacos de hierro fundido. Sus hijos fueron esparcidos por todo el mundo y ellos mismos tuvieron que vivir sus vidas en una aldea triste y solitaria en el desierto del norte. El color gris intenso y áspero de la habitación corresponde al estilo de vida del Norte. Cada una de las ancianas se sumergió en sí misma, recordando lo que la había afligido y alegrado su alma a lo largo de los años. Pero no es el dolor y el recuerdo del pasado lo que marca el tono de todo el panorama. Popkov eleva la nota de dolor a una alta afirmación de la vida, llenando la imagen de rojo, con todos sus "jugos": escarlata, carmesí, fuego. “En el Norte, el paisaje y el pueblo tienen colores muy sobrios, y si aparece una flor o un vestido rojo, parecen significativos y su impacto es muy expresivo” (V. Popkov). Y este color rojo en los trajes de las ancianas, como un destello, se convierte en la base para la percepción de la imagen; de lo contrario, suena todo el tema de la imagen... "Tragedia alegre" es la expresión favorita de Popkov. “Para mí, la escena que representé en la imagen no tiene nada que ver con el llanto, la desesperanza o la melancolía. Las viudas, habiendo regresado mentalmente a una época joven y feliz, quieren recuperar fuerzas del pasado para hoy y mañana. Esta es una afirmación de vida, aunque trágica en su manifestación”.
Viudas, quemadas por la experiencia de la guerra, la separación, la muerte: el color rojo las une en un todo único, aquí está el espíritu de hermandad. Detrás de la severidad y severidad de estas imágenes, el rojo disonante suena como el color de la vida, se revela la fuerza interior oculta de estas mujeres, no es casualidad que en el centro de la composición haya una anciana recta, como internamente enderezada. que no ha perdido la fe.
Y aquí Popkov expresó algo de "lo principal". Intuitivamente, a través del tacto, aborda el tema de la humilde aceptación cristiana y de llevar su cruz. Aceptando humildemente y con dignidad su parte de viuda, la soledad, todas las dificultades de la vida cotidiana que tuvo que soportar, el alma se llena espiritualmente; de ahí la fuerza interior de estas ancianas, de ahí la "tragedia gozosa". Que en la esquina haya un retrato de Karl Marx en lugar de un ícono, un detalle confiable: “un dibujo de mi amante, que dejó a su marido su convicción, su pureza de fe en el partido, expresada en lo sagrado y caro retratos de Marx y Lenin en los rincones de la choza” (V. Popkov). Estos retratos de líderes capturan una época contradictoria, pero toda la estructura de la vida interior de estas mujeres del pueblo no se remonta a las normas del partido leninista, sino a siglos. -antiguos orígenes religiosos rusos.
En aquel momento, escribir algo así, de significado multidimensional y con connotaciones simbólicas, era un desafío. La película fue recibida de manera ambigua; a Popkov se le reprochó ser demasiado sombrío y desesperado, sin captar toda la profundidad del concepto.
Para Popkov, "Las viudas" es un tema personal; ante sus ojos está el destino de su madre, que al comienzo de la guerra seguía siendo viuda. Según los recuerdos de los amigos de Popkov, su madre era una persona que personificaba la mansedumbre y la humildad. Stepanida Ivanovna era muy piadosa, trabajó durante muchos años en la iglesia como campanera, era pequeña, seca e inculcó bondad y tranquilidad en su hijo. Él acude a ella antes de empezar un nuevo trabajo: “Mamá, bendita sea”.
"Donde cantan y no gimen"
En 1970, Popkov completó el cuadro "Madre e hijo", donde se representa a sí mismo y a su madre. En la imagen hay tarde, silencio total en la habitación, una lámpara con pantalla reflejada en la ventana; el hijo yace enfermo y escucha a su madre leer la Biblia frente al icono. Muchos historiadores del arte han notado que en la imagen del hijo hay una referencia a la imagen icónica del "Salvador no hecho por manos", aquí hay un posible eco con el tema eterno de la Madre de Dios y el Niño: el tema de amor maternal sacrificial y de petición orante por el hijo que está destinado a llevar su cruz. En la imagen, la madre reza, el hijo escucha atentamente su oración y el alma está acostumbrada a la palabra Divina, imbuida de ella. La pantalla roja de la lámpara, el eco del rojo en la ropa y las cosas crean la tensión interna de la imagen: aquí hay una comprensión concentrada del Significado.
Popkov no era una persona de la iglesia, pero había una conexión espiritual, "raíz" con su madre, que obviamente lo alimentó; visualmente en la imagen, esta unidad se ve reforzada nuevamente por la combinación de colores: la combinación de blanco y rojo en la imagen. de madre e hijo. Quizás esta especial cercanía con su madre creyente fue la fuente del hecho de que en la obra de Popkov el subtexto cristiano comienza a sonar cada vez más plenamente, lo que, sin embargo, brilla más que se expresa claramente. Pero creo que lo principal aquí fue su propio deseo constante de "morder la vida, aprender, comprender las leyes básicas de nuestra existencia".
En sus obras la trama casi desaparece, aparece un estado de ánimo y una escucha muy sutiles. Popkov escribió que en sus pinturas quería “expresar algo confuso, espiritualmente intangible, junto con lo concreto”.
Escribe “Silencio”, “Primero de Mayo”, “En la Catedral” (1974). Este último, curiosamente, lo concibió durante un viaje a Alemania y lo terminó en Rusia. En la imagen, los rayos oblicuos del sol iluminaban el templo, y todo a su alrededor estaba en los reflejos dorados y transparentes de todo, transformándose en oro celestial. En el icónico autorretrato "El abrigo del padre", se representa a sí mismo probándose un abrigo de soldado, planteando simbólicamente la pregunta a sus contemporáneos: ¿la hazaña militar de sus padres es capaz de su generación? ¿Tiene suficiente fuerza interior, integridad y coraje? “Lluvias de otoño. Pushkin" - Popkov trabajó en esta cosa absolutamente asombrosa en Mikhailovsky, y parece como si escribiera todo tal como era, desde la vida: Pushkin vio, sintió estas distancias rusas, el espacio, la inmensidad de los campos, miró el cielo gris. en el que se derrite la eterna tristeza otoñal, inhaló este aire cuando “inhaló el frío otoñal”. Aquí hay una sola imagen, del poeta y de Rusia, la tierra que generosamente alimentó a Pushkin con poder poético.
No se trata de temas directamente religiosos, pero en ellos Popkov toca algo inevitablemente importante, “existente” en la vida interior de cada persona.
En 1972 se completó la “Capilla Norte”. El cuadro sufrió una terrible batalla con los funcionarios del departamento cultural de la exposición, quienes exigieron que lo retiraran. Popkov en su conjunto en esos años era presentado como algo casual, débil, poco característico de él; Casi no se le permitió asistir a exposiciones republicanas y de toda la Unión. Surgieron curiosidades: no querían incluir el famoso "Abrigo del padre" de Popkov en la exposición del Manege, alegando que Popkov se representaba allí con botas importadas. Los principales lugares donde podía exponer eran exposiciones de otoño y primavera a pequeña escala, e incluso allí le costó mucho mantener su trabajo en exhibición: “Popkov obtuvo muchísimo. Aterrador. De alguna manera muy cruel. Lucharon celosamente contra lo que llamaban arte formalista”. Popkov buscó todo el tiempo, experimentó, pero lo más importante, "llevaba consigo todo lo que estaba vivo, cariñoso, atrevido, para comprender los secretos del alma humana", recordó el artista Igor Obrosov.
Se defendió la “Capilla del Norte”. En la imagen hay una figura de un niño congelado en el portal de entrada a la capilla. Él mira hacia adentro con fascinación, como si un “rayo del cielo” tocara el alma, y ella se quedó helada por el sentimiento de asombro que la invadió ante el misterio y la belleza del paisaje celestial. El espectador ve solo una parte de las pinturas del templo: tres ángeles, que eclipsan a todos los que entran con su manto, pintados en un color escarlata brillante y alegre en contraste con el azul plateado de las distancias del norte.
Popkov había estado fascinado por el arte ruso antiguo durante mucho tiempo y en 1964 incluso hizo un viaje especial al monasterio medieval de Ferapontovo, decorado con frescos de Dionisio, para hacer bocetos de los frescos. Parece que de la contemplación de la imagen visible de la Belleza celestial hay sólo un paso a la comprensión de la vida invisible, a la dimensión sagrada, al descubrimiento de la fuente misma de esta Belleza. El propio Popkov, como el niño del cuadro, se encontraba en el umbral de este descubrimiento. Mirar, escuchar este misterio ya es participación. El poeta Nikolai Tryapkin, contemporáneo de Popkov, recordando su juventud, escribió:
No me dejes honrar a los santos y, mirando a la iglesia,
no bautizado
Pero cuando el ruidoso cobre llamó desde el campanario,
Entré al vestíbulo y me quedé humildemente en la puerta,
Y miró hacia las profundidades, un tercio sumergido en la oscuridad.
El alma se congeló y la vela tembló.
Y los coros atronadores derribaron ola tras ola.
Y me pareció que había entrado en el límite del Universo.
Y esa eternidad misma encendió fuegos ante mí.
¡Tan en sintonía con el tono del cuadro de Popkov! Parece que en esta obra emblemática prevé una salida al impasse espiritual en el que se encontraba su generación: se trata de personas que se formaron en una era atea, que los privó de la fe, de la experiencia mística del ser, caminaron por la vida. como al tacto, en el camino, sintiendo dolorosamente su aislamiento de la luz: “Muéstrame la región donde hay luz de las lámparas, muéstrame el lugar que estaba buscando, donde cantan y no gimen, donde el suelo no rueda”, resollaba Vladimir Vysotsky ante el micrófono en aquellos años.
Como un gatillo amartillado
No es casualidad que imágenes similares nazcan en la poesía, la pintura y el cine de esta época: en la canción de Vysotsky: "Las imágenes en la esquina también están sesgadas", en la película "Silencio" de Popkov: iglesias en ruinas con una cúpula agujereada, en La película de Shukshin "Kalina Krasnaya" ": un templo inundado. En todo hay una especie de vida "dislocada", una trágica ruptura de cimientos centenarios, abandono de Dios y ... un anhelo desesperado por alguna otra Verdad de otro mundo. Estas voces de la época contienen toda la complejidad de la autodeterminación interna de la generación de los años 1960 y 1970.
La mayor parte de la intelectualidad de su generación existía por inercia, bajo la protección del reconocimiento estatal y las simples leyes del oportunismo, pero aquellos que al menos de alguna manera pensaban, y además tenían un talento de Dios, a menudo se emborrachaban, se acercaban al "borde". ”, no poder, no saber preservarse de uno mismo, de las pasiones y del tiempo impío. En 1966, en el último momento, el suegro de Popkov lo sacó del círculo. Ataque de desesperación. Entonces sucedieron muchas cosas: peleas con su esposa debido a sus borracheras, vergüenza sin fin y obstáculos por parte de los funcionarios en relación con su trabajo.
Popkov era en general una persona desesperada y engreída, siempre aguda e inesperada. “Todo su trabajo se basó en los nervios. Así era en la vida” (artista Igor Popov). Muchos de sus amigos recuerdan su comportamiento imprudente: “Anunciaron subir al tren. No quedaban más de tres minutos. La moneda de Vitya cae entre la plataforma y el carruaje. Baja, coge una moneda y vuelve a subir”, o cuando “en invierno, separado de un grupo de amigos, baja del puente al río y camina sobre el hielo apenas helado”.
“Siempre fue como un gatillo amartillado, un resorte comprimido, listo para ser liberado en cualquier momento”, recuerda el crítico de arte Grigory Anisimov.
Su reacción ante la entrada de las tropas soviéticas en Checoslovaquia en 1968 fue indicativa. Popkov luego se cortó el pelo en señal de protesta, ya sea en serio o en broma. Cuando le pidieron que trabajara para la KGB, “cortésmente” declinó: “Bueno, estaría encantado de servir, ¡pero bebo!”. Fue uno de los pocos que levantó la mano y apoyó la nominación de Solzhenitsyn al Premio Lenin, aunque votar por él en ese momento requirió algo de coraje. Siempre adoptó una posición muy independiente en relación con la parte más reaccionaria de la dirección de la Academia de las Artes y de la Unión de Artistas. El artista Max Birshtein recordó una escena expresiva: “En la Sala de las Columnas de la Casa de los Sindicatos, el congreso de la Unión de Artistas estaba terminando sus trabajos. Vitya, mis amigos y yo nos quedamos en el vestíbulo y hablamos. Se escuchó la transmisión. El Presidente dice que nos acercamos a la evaluación de las actividades del Consejo anterior. Hay una propuesta para reconocer el trabajo como bueno y hay una propuesta para reconocer el trabajo como satisfactorio. Cuando oímos esto, Vitya ya no estaba con nosotros. Al igual que Gagarin, galopa por la alfombra roja con sus credenciales en alto. El Presidium está confundido. Víctor sube al podio con paso enérgico: “Propongo que el trabajo se considere insatisfactorio”. Él fue el único que habló de ello abiertamente. Recuerdo su reacción ultrarrápida cuando, tras una conversación amistosa, quizás vacía, se encontró instantáneamente en el podio”.
Muchos notaron que en el último año de su vida siempre hubo algún tipo de ansiedad que se cernía sobre él, como si tuviera el presentimiento de que algo trágico se acercaba. Max Birshtein recordó que poco antes de su muerte, Popkov trajo una pila de discos atados con una cinta y dijo: "Por favor, pongan esto en mi funeral".
Viktor Popkov murió al intentar detener el coche para llegar a casa. Se acercó accidentalmente a un vehículo de transporte de efectivo, lo confundieron con un ladrón y le dispararon a quemarropa. La despedida tuvo lugar en la Casa de los Artistas de Kuznetsky Most. Los cuadros “Lluvias de otoño. Pushkin" y "La abuela Anisya era una buena persona": el último trabajo importante de Popkov, que logró completar antes de su muerte. Casualmente o no, esta imagen es el resultado de los pensamientos del autor sobre la muerte, sobre el significado de la existencia humana. Resultó que me escribí un réquiem.
"Ahora llévalo"
La imagen se revela gradualmente al espectador. Al principio parece la escena de un funeral de pueblo, pero poco a poco se va revelando la escala completa del plan: aquí está la grandeza de la tierra y el significado y la grandeza de cada vida humana, aunque desconocida para todos, de la abuela del pueblo Anisya. .
Un roble grande y poderoso como un árbol de la vida, entre su follaje carmesí, de repente brillan hojas verdes; El mismo motivo semántico se repite en la representación de personas: el grupo de jóvenes está separado compositivamente y cromáticamente de la multitud de ancianas vestidas de negro. Aquí está el eterno ciclo terrenal del marchitamiento de la vida y su nueva concepción, en el que están incluidos tanto la naturaleza como el hombre. En primer plano hay un niño que todavía no puede comprender la esencia de lo que está sucediendo, está de espaldas a la tumba y de cara al espectador: la vida continúa. La tierra montañosa en primer plano, iluminada por el amarillo sol otoñal, está sembrada de hojas carmesí, y esta "exuberante decadencia de la naturaleza" es un movimiento de la vida a la muerte. El tema del otoño es tradicional en el arte mundial: es una nota de tristeza, elegía, anticipación de la despedida y el momento de la cosecha, tanto en el sentido terrenal como simbólicamente espiritual: el momento de recoger lo sembrado. A pesar de la tragedia de lo que está sucediendo, el color del lienzo, resonante, ámbar dorado, le da a toda la obra una cierta iluminación. La abuela Anisya era una “buena persona”, y por eso su vida está coronada por la plenitud, es fructífera. La realidad cotidiana se reconoce en la ropa, los tipos y los monumentos del cementerio. El funeral tiene lugar en un pequeño pueblo del norte y al mismo tiempo en el contexto más amplio, en un mundo enorme. No es casualidad que Popkov, a vista de pájaro, decida pintar "Granny Anisya" como un icono de color... "Rostros, como en los iconos - ocre, modelado, espacios" - para cambiar a un lenguaje fundamentalmente diferente - el lenguaje de los conceptos metafísicos, que para cada siglo, es atemporal.
Un detalle interesante: en la imagen no hay lluvia, pero la gente está bajo impermeables. "Hay lluvia en el alma", escribió Popkov, "la protección del mundo contra algo negativo".
En la exposición, "La abuela Anisya" pasó desapercibida, como dijeron los artistas, "no recibió a la prensa". Esto fue muy doloroso para Popkov. Estaba esperando una conversación sobre el cuadro, para él era importante ser comprendido y escuchado, porque en sus obras siempre intentaba hablar de cosas importantes y reales; Trató de romper intuitivamente el límite de cierta rigidez espiritual de su generación, sobre lo cual Vysotsky escribió en sentido figurado: "hay hielo arriba y abajo". Pero el significado de las obras de Popkov, a pesar de toda su autoridad, no estaba del todo claro para sus contemporáneos.
Murió el 12 de noviembre de 1974. Los recolectores se defendieron y demostraron que se trataba de un ataque. Cuando se hizo evidente que se había producido un asesinato, los amigos artistas que habían estado con Víctor en los últimos momentos de su vida huyeron; todavía estuvo vivo por algún tiempo.
La madre de Viktor Popkov, Stepanida Ivanovna, recuerda: “Los enterraron con campanas repicando. Ella hizo todo ella misma. Vinieron los seminaristas. ¡Y realizaron el funeral así! - Todo el templo temblaba. El funeral duró dos horas. Y el sacerdote pronunció un largo sermón. Y cuando lo trajeron, ella fue y tocó el timbre... Ahora tráelo”.
No puedo evitar recordar nuevamente el cuadro “Madre e Hijo”, el tema de la Luz y el Significado, el tema del amor maternal y la petición orante por un hijo que está destinado a llevar su cruz. Popkov llevó su cruz sin cobardía. “Un hombre que busca conciencia en el arte”, escribió sobre él el crítico de arte Grigory Anisimov. A la conciencia se le suele llamar la voz de Dios en una persona, fue esta voz la que Popkov "buscó" en la vida, la verdad de esta búsqueda se derramó en sus lienzos.
No, no me esforzaré. No, no me quejaré.
Me reiré en silencio. Lloraré en silencio.
Amaré en silencio, sufriré en silencio,
Viviré tranquilo y la muerte también será tranquila.
Si hay felicidad para mí, si existe mi Dios,
No me balancearé, encontraré mi umbral.
Seré amable con la gente, amaré a todos,
Me reiré de tristeza, me reiré de tristeza.
Y no te ofenderé. Puedo tolerar incluso la mezquindad.
Ten piedad al menos una vez en tu vida. ¡Muerte! ¿Vendrás? No diré nada.
Víctor Popkov. Acerca de mí
Viktor Efimovich Popkov es un brillante representante de la generación de los años sesenta. Entró en la historia del arte ruso de forma rápida y brillante. Inmediatamente después de graduarse del Instituto. Surikov Viktor Popkov se ha convertido en un fenómeno notable en las bellas artes del país. Tres de sus obras de la serie de diplomas fueron adquiridas por la Galería Estatal Tretyakov, se escribió sobre él en periódicos y revistas y se filmó en televisión.
A la edad de 33 años, Popkov se convirtió en miembro del comité de concesión de los premios Estatal y Lenin; en 1966 recibió un diploma honorífico de la Bienal en una exposición de obras de artistas jóvenes en París por sus obras "Mediodía", " Dos”, “La familia Bolotov”.
Mi día. 1960
Viktor Efimovich Popkov- heredero de la gran tradición del realismo ruso, pAl igual que Petrov-Vodkin o Korzhev, Popkov trabajó de tal manera que hizo de un detalle cotidiano y de una escena cotidiana un símbolo de la existencia en general.
La paleta de Viktor Efimovich es casi monocromática, a menudo utiliza técnicas iconográficas (huecos en el trabajo con rostros, fondos de colores sólidos), su dibujo es angular y, a veces, apresurado, pero lo principal en sus pinturas de Popkov es que el artista tiene algo que contar. el espectador.
Se las arreglaron para olvidarse de Victor Popkov: su memoria estaba oscurecida por interminables acciones de vanguardia, los éxitos en las subastas de los pícaros, los indistinguibles productos abigarrados de la "segunda vanguardia", las artesanías del mercado decorativo de la nueva burguesía. .
Constructores de la central hidroeléctrica de Bratsk. 1960—1961
Popkov es un artista puramente soviético. Esto significa que su ideal en el arte es lo que se proclamó como ideal social durante los años del poder soviético, aunque fue violado y traicionado. Creía que la gente ama la tierra en la que vive, está dispuesta a morir por ella, recuerda a sus padres, honra su memoria, es responsable de la sociedad, es decir, de los ancianos y los niños.
Con ingenuidad y valentía (porque las declaraciones sentimentales en el arte son peligrosas, es más fácil ser cínico) Popkov pintó a ancianas y niños; Este es un caso raro en el que un artista pintó tantos bebés y ancianos indefensos; en ese momento, los artistas de vanguardia a menudo pintaban rayas en las que todos ganan y escribían "Brezhnev es una cabra", pero pocas personas se atrevían a amar. ¿Sabes a quién amaba el grupo "Acciones Colectivas" o "Hongos"? Ellos mismos tampoco lo sabían. Al dibujar a un niño, es fácil hacer algo vulgar, y Popkov a menudo perdía los estribos, pero seguía dibujando; a veces produjo obras maestras.
Recuerdos. Viudas. 1966
Personas verdaderamente educadas e inteligentes se dedicaban al conceptualismo; el dibujo se consideraba obsoleto. Por todas partes, en grupos inteligentes, jóvenes cansados decían que la pintura estaba muerta. En esos años se creía que el verdadero escritor era Prigov, y Pasternak escribió una obra fallida: Doctor Zhivago. A muchas personas seculares les parecía que las opiniones de los curadores de Nueva York y los galeristas de Miami eran críticas sobre qué arte debería existir y qué debería perderse. Gracias a sus esfuerzos, la pintura fue declarada anacrónica. Los animados jóvenes se ocuparon de las instalaciones y Popkov tenía un aspecto divertido con su pincel antiguo.
No solo intentó pintar un cuadro, sino que en estos cuadros pintó a personas que no interesaban a nadie: viudas de aldea, hombres torpes, niños de las afueras, habitantes de la ciudad soviética. Era una creatividad tan descaradamente pasada de moda, vergonzosamente sincera. Bueno, imaginemos a una persona que llega a una casa inteligente donde leen a Kafka y dice que ama su tierra natal y que su padre tomó Berlín. Es una pena, ¿no? Y Popkov hablaba exactamente de esto y no se avergonzaba.
El abrigo del padre. 1972
Algunas de sus obras (Mezen Widows, After Work, Mother and Son, Father's Overcoat) son indudables obras maestras de la pintura: hizo lo que un talento común y corriente no puede hacer, es decir: creó a su héroe. Esto es lo realmente destacable de las artes plásticas: a diferencia de la música o, por ejemplo, la filosofía, las bellas artes tienen la capacidad de crear una persona, de dotar a una imagen de características físicas únicas. Sería difícil reconstruir nuestro mundo a partir de las obras de la vanguardia decorativa, pero a partir de las obras de Popkov es posible. A partir de ahora, hay un héroe de Viktor Popkov en el mundo, así como hay un héroe de Petrov-Vodkin (un intelectual obrero) o un héroe de Korin (un sacerdote con problemas), un héroe de Falk (un intelectual urbano sin hogar ) o un héroe de Filonov (un constructor del mundo proletario).
Dos. 1966
El héroe de Popkov es un residente de las zonas de bloques de las afueras, marido y padre con un pequeño salario, que le basta, pero no necesita nada extra, no sabrá para qué utilizarlo; es pariente de los héroes de Vladimov y Zinoviev; Se trata de un intelectual que ya no cree en nada, sino que trabaja por el bien de los demás y por el deber público, porque "el país necesita pescado", en palabras del héroe de "Tres minutos de silencio".
Este es un destino amargo, un destino incómodo, y las pinturas de Popkov son tristes, no decorativas. Es poco probable que la burguesía moderna aprecie sus pinturas. Popkov era un verdadero artista y su autenticidad se expresaba en el hecho de que era un artista desigual, a veces demasiado sentimental, a veces dulce. En las mejores cosas, un gran realista, en las mejores (hay un lienzo donde una anciana está sentada en un rincón de una choza), un gran pintor.
En las pinturas de Popkov el motivo del icono es excepcionalmente fuerte: insiste en el parentesco de la pintura realista (algunos dirían: realista socialista) con la pintura de iconos. Sus ideas sobre la mampostería pictórica son tan simples y sencillas como las de un pintor de iconos provincial, y lo que pinta se puede expresar exactamente con las mismas palabras con las que describimos el motivo de la aparición del icono.
El tiempo no nos ayudó a discernir a este artista. No parecía lo suficientemente moderno, a nuestro juguete, al tiempo falso no le gusta todo lo real, pero yo quería algo colorido y atrevido: fue olvidado por los envoltorios de caramelos, al igual que sus contemporáneos europeos, Guttuso o Morandi, fueron olvidados; estos artistas habrá que redescubrirlo. El lenguaje mismo se ha perdido: hoy en día no existe ningún crítico de arte capaz de analizar un cuadro, una capa de pintura o el movimiento de los dedos. El arte ha estado silenciado durante mucho tiempo; se han creado curadores en lugar de críticos de arte.
Ahora tenemos que aprender no sólo a volver a hablar, sino también a volver a mirar.
Maxim Kantor
La brigada está descansando. 1965
La vida —a veces le parecía a Popkov— estaba adquiriendo los rasgos de una farsa absurda. Y si era así, era imposible evitar la búsqueda -ni de la verdad, ni del olvido- en el fondo del vaso. Intento de suicidio. Premonición de muerte inminente. Dos semanas antes de su muerte, llevó discos a sus amigos: “Pon música en mi funeral”.
La muerte también es absurda. Y en este absurdo y azar se puede escuchar el paso inexorable del destino.
No debería haber estado en Moscú ese día. Estaba a punto de irse. Pero él no se fue. A las 23:00 horas del 12 de noviembre de 1974, Viktor Popkov paraba un coche en la calle Gorki. Los taxis no se detuvieron. Confundiendo el "Volga" de transporte de efectivo con un taxi, el artista intentó detenerlo. El coleccionista (como se supo más tarde, estaba borracho) disparó y dejó morir al herido de muerte en la acera. Popkov fue llevado al hospital como un bandido que había cometido un robo en un vehículo de transporte de dinero en efectivo, y sólo más tarde se aclararon las circunstancias del "ataque" gracias a testigos aleatorios.
La abuela Anisya era una buena persona. 1973
Y ya a las 2 de la mañana la Voz de América informó que “el famoso artista ruso Popkov fue asesinado por coroneles de la KGB”. Se esperaban “provocaciones” durante el funeral civil y el funeral. Pero no hubo provocaciones, excepto quizás una cosa: al entrar en el salón de la Casa de Artistas en Kuznetsky Most, donde se estaba celebrando el funeral civil, la gente vio en el escenario el cuadro de Popkov "La abuela Anisya era una buena persona". Hace varios años, cuando el cuadro se exhibió por primera vez en la Casa de Artistas, Popkov quiso colocarlo aquí. Luego no lo dieron. Dalí ahora.
“Tarusa. Día soleado. Estuve en la tumba de Vatagin, Paustovsky, Borisov-Musatov. Santas tumbas. El recuerdo de ellos es brillante. ¿Qué conclusión podría sacar hoy? Estaban ávidos de vida. Querían vivir y entendían perfectamente que habría paz. No eran mojigatos con la vida. Amaban la vida y la vivían plenamente, tanto espiritual como físicamente, dentro de los límites que la naturaleza les daba a cada uno.
Y ahora entiendo que para ser recordado con gratitud después de tu muerte, es necesario tener el coraje de vivir con dolor, sufrir de alegría, amar la alegría, la risa, la salud, todo lo bello, fuerte, vivo y todo lo que se mueve: el cuerpo, el pensamiento, el alma.
Y una cosa más: cada época tiene su propia belleza tanto de cuerpo como de espíritu. Pero el cuerpo más hermoso está en la juventud y el espíritu en la vejez. Y es necesario amar el cuerpo cuando se es joven y pensar siempre en el espíritu, y en la vejez sólo en el espíritu. Menos lloriqueos, Dios, da salud al cuerpo y al espíritu. Enséñanos a regocijarnos mientras vivimos. Olvídese de los pensamientos sobre la violencia contra la vida”.
Devolver. 1972
Han pasado casi 38 años desde la muerte del artista, pero todavía se colocan claveles escarlatas sobre la nieve en su monumento en Tarasovka. Se han escrito muchos libros, artículos sobre Viktor Popkov, se han hecho películas y programas de televisión. Las pinturas se conservan en los principales museos y galerías de arte de Rusia y del extranjero. Los coleccionistas consideran un honor poseer las obras de Popkov. Esta es una prueba de la gracia que Viktor Efimovich puso en sus pinturas durante su vida.
Picadura. 1959
Popkov Viktor Efimovich (1932-1974) - artista, pintor y artista gráfico soviético.
El artista nació el 9 de marzo de 1932 en Moscú en el seno de una familia de clase trabajadora. El padre del artista murió durante la Gran Guerra Patria y la madre del artista, que quedó viuda, crió sola a cuatro hijos.
De 1948 a 1952 Viktor Efimovich estudió en la Escuela Pedagógica de Arte y Gráfico, de 1952 a 1958 en el Instituto Académico Estatal de Arte de Moscú que lleva el nombre de V.I. Surikov.
Durante las décadas de 1950 y 1960, Popkov viajó mucho por todo el país, visitando ciudades de Siberia e importantes proyectos de construcción soviéticos. Popkov pintó cuadros basándose en impresiones de sus viajes; la obra más famosa del artista es "Constructores de la central hidroeléctrica de Bratsk (Constructores de Bratsk)".
A mediados de la década de 1960, el artista cambió casi por completo su estilo artístico, abandonando el tema de la ideología estatal, que entonces prevalecía en el trabajo de los maestros soviéticos; en cambio, Viktor Efimovich se centró en temas filosóficos más complejos.
Viktor Efimovich Popkov recibió póstumamente el Premio Estatal de la URSS. Además, en la Galería Estatal Tretyakov se organizó una exposición póstuma de las obras del artista.
El artista murió el 12 de noviembre de 1974, baleado a quemarropa por un coleccionista. El hecho ocurrido fue tergiversado en todos los sentidos por los interesados: amigos del artista fallecido, la defensa del coleccionista... Además, la radio Voz de América hizo un “relleno” verbal, informando que “Popkov fue asesinado por agentes de la KGB”: por esta razón, en el servicio civil en memoria del artista, los agentes de seguridad temieron posibles provocaciones y, por lo tanto, intentaron prohibir la celebración de un evento público.
Entonces, ¿qué pasó el 12 de noviembre de 1974? Ese día Popkov firmó un acuerdo con. En el territorio de la planta, Popkov conoció a un amigo artista que se ofreció a celebrar la firma del contrato en un café. Durante la celebración, dos conocidos más se unieron a los artistas: toda la compañía permaneció en el café hasta altas horas de la noche. Ya era tarde: Popkov se ofreció a ir a su taller ubicado en la calle Bryanskaya para continuar la celebración en un ambiente creativo.
Los artistas borrachos salieron a la calle y, bajo la dirección de Viktor Efimovich Popkov, se dirigieron inmediatamente al vehículo de recogida, que estaba aparcado en el lado opuesto de la calle. Es difícil decir por qué Popkov decidió pedir un "aventón" a los coleccionistas: es posible que fuera una especie de estupor de borrachera, o tal vez que el artista se consideraba una persona tan importante que los coleccionistas debían obedecerle dócilmente. , sin preocuparse por sus propias responsabilidades.
Como decían los contemporáneos de Popkov, que no estaban agobiados por la necesidad de tener una amistad personal con él, Viktor Efimovich era una persona demasiado pomposa y segura de sí misma; es posible que estos dos rasgos de carácter influyeran en su muerte. Cabe señalar también que el 10 de noviembre de 1974, en Crimea, se cometió un robo en un vehículo de transporte de fondos: dos recolectores murieron en un tramo desierto de la carretera, tras lo cual el servicio de transporte de fondos recibió una orden especial que permite disparar sin previo aviso en una situación peligrosa.
Es bastante obvio que los recaudadores, que transportaban una gran suma de dinero, estaban muy alarmados por el reciente asesinato de sus compañeros, y entonces un grupo de borrachos irrumpe por la ventanilla de un coche oficial, exigiendo dejarlos entrar y “ llévalos”…
En 1972-1973, Viktor Efimovich Popkov, junto con su esposa, una artista famosa, trabajaron en Kenozero. Entre otras, a continuación se muestran algunas obras que fueron creadas durante viajes creativos conjuntos con la esposa del artista.
Esta semana, la Academia de Acuarela y Bellas Artes de Sergei Andriyaka inauguró una exposición personal de obras del artista de los años sesenta Viktor Popkov, uno de los líderes del estilo duro.
Academia de Acuarela y Bellas Artes de Sergei Andriyaka
15 de mayo - 7 de julio de 2013
Moscú, st. Académico Vargi, 15 años.
4to piso del edificio administrativo de la Academia
Esta semana se inauguró en la Academia de Acuarela y Bellas Artes de Sergei Andriyaka una exposición personal de las obras de Viktor Popkov “Pintura, gráficos”.
No, no me esforzaré. No, no me quejaré.
Me reiré en silencio. Lloraré en silencio.
Amaré en silencio, sufriré en silencio,
Viviré tranquilo y la muerte también será tranquila.
Si hay felicidad para mí, si existe mi Dios,
No me balancearé, encontraré mi umbral.
Seré amable con la gente, amaré a todos,
Me reiré de tristeza, me reiré de tristeza.
Y no te ofenderé. Puedo tolerar incluso la mezquindad.
Ten piedad al menos una vez en tu vida. ¡Muerte! ¿Vendrás? No diré nada.
Víctor Popkov. Acerca de mí
En noviembre de 1974, el artista Viktor Efimovich Popkov recibió un disparo de un coleccionista cuando se acercó a un automóvil Volga y le pidió al conductor que lo llevara. Posteriormente, el cobrador afirmó que actuó según instrucciones. El artista fue enterrado en el cementerio Cherkizovsky.
Entonces esta terrible, ridícula e inexplicable historia no recibió la debida publicidad. Y el gobierno soviético, tratando de silenciar el escándalo, se apresuró a otorgar al artista, a quien realmente no les gustaba, el Premio Estatal de la URSS (póstumamente). Así, a la edad de 42 años, la vida de uno de los artistas rusos más significativos de la segunda mitad del siglo XX quedó truncada.
Viktor Efimovich Popkov (09/03/1932 - 12/11/1974), ganador del Premio Estatal de la URSS, nació en una familia de clase trabajadora. Estudió en la Escuela Pedagógica de Arte y Gráfico (1948-1952) y en el Instituto de Arte de Moscú que lleva el nombre de V. I. Surikov (1952-1958) con E. A. Kibrik. Vivió en Moscú.
Artista soviético de los años sesenta. Uno de los líderes del estilo duro. Las pinturas de Popkov se distinguen por el dramatismo, el psicologismo de imágenes y situaciones, el deseo de reflexión filosófica sobre la vida, el rigor de las composiciones y la riqueza del color. En el período de 1956 a 1974, Popkov viajó a Baikal, Siberia, la región de Moscú, la región de Vologda y el Norte, donde, a partir de sus impresiones, creó una serie de obras al óleo, gouache y lápiz. En Occidente lo llamaron disidente. Sus obras altamente sociales irritaban a menudo a las autoridades.
De las memorias de Viktor Popkov: “Traté de escribir obras que, al principio, algunos espectadores las percibieron como pesadas, lúgubres, impregnadas de un sentimiento de melancolía y depresión... Y cuando estas obras fueron regañadas y acusadas de ser lúgubre, me molestaba no por mi trabajo, sino por aquellas personas, mujeres-viudas a quienes no querían ver, su dolor..."
Pero la obra más importante de Popkov es su destino. Ningún artista conceptual avanzado tiene algo parecido, y es probable que darían mucho por semejante leyenda. Un niño de una familia de clase trabajadora se gradúa brillantemente en el Instituto Surikov y las autoridades lo favorecen por su primer gran cuadro, "Constructores de la central hidroeléctrica de Bratsk". A la edad de 27 años, muy temprano para esos estándares, se unió a la Unión de Artistas de la URSS y en 1962 fue a Finlandia para el Festival de la Juventud y los Estudiantes. En 1967 recibió un diploma honorífico de la Bienal de Arte Contemporáneo de París. Popkov, de 30 años, incluso se unió al comité de concesión de los premios Estatal y Lenin. Hubo un gran éxito social.
Y al mismo tiempo, alcohol, un intento de suicidio (su suegro literalmente lo sacó de la soga), una premonición de muerte. Un par de semanas antes de su muerte, Popkov les llevó discos a sus amigos: "Pon música en mi funeral". En el funeral, junto al ataúd había un cuadro inacabado de Viktor Popkov “Lluvias de otoño (Pushkin)”. Ahora está en la colección de la Galería Tretyakov.
Un rasgo distintivo de la obra de Viktor Popkov es el carácter parábola de sus obras. Utilizando el lenguaje de los símbolos, escribe un cuento, un cuento, una novela con la plasticidad de líneas, manchas, colores, texturas, logrando una técnica virtuosa de ejecución. Siempre hay misterio y atractivo misterioso en sus pinturas. La fuerza de su obra también radica en que, utilizando el lenguaje de la pintura, supo conseguir el resultado óptimo en sus planos. La idea, el color, la composición, el dibujo virtuoso: todo está al más alto nivel profesional.
Viktor Popkov fue un artista profundamente nacional. Sus cosas patrióticas se referían a todos los aspectos de la vida en sociedad y a las personas cercanas a él en espíritu. Como director, se acostumbró al material y sintió simpatía por los personajes de sus cuadros. Al parecer, esta es la razón por la que el contenido emocional de sus lienzos todavía resuena en los corazones de muchos espectadores.
De los recuerdos de Viktor Popkov.
“Popkov es una de las figuras clave del arte ruso de posguerra. En pocos años dio el salto de lo social a lo existencial” (Ian Brook, subdirector de la Galería Estatal Tretyakov para trabajos científicos).
“Cuando miras las pinturas de Viktor Popkov, es imposible librarse de los recuerdos de aquel disparo y muerte temprana, a los 42 años. Popkov nos dejó un eterno enigma: ¿por qué?”
“Algunos decían: el sistema era asfixiante, se acercaba el estancamiento y la falta de libertad creativa. Pero la muerte es un acontecimiento tan grande que no puede medirse ni explicarse por razones políticas. Sea como fuere, la vida claramente le pesaba y buscaba una oportunidad para deshacerse de ella”.
“Este es el destino. Y la pintura de Popkov, en la refracción de este destino, se percibe de otra manera: incluso más significativa y mucho más trágica”.
Lluvia en el alma del artista.
“Algún día se abrirá en Moscú un museo de Víctor Popkov, construido especialmente según un proyecto especial. En las enormes y luminosas salas colgarán sus lienzos, todos ellos: tanto los que recibieron el Premio Estatal como los que aún no han sido apreciados por los críticos y los descendientes”, escribió la famosa periodista y escritora Zhanna Grechukha.
El 9 de marzo de este año se habría cumplido 81 años del artista Viktor Efimovich Popkov. Todavía no hay ningún museo en Moscú, pero en el Museo de Arte Mytishchi existe desde hace mucho tiempo un monumento a Víctor Popkov.
El nombre del artista es significativo en las bellas artes de Rusia. Todavía escriben sobre él, hacen películas y realizan exposiciones personales. La Galería Estatal Tretyakov y el Museo Ruso cuentan con más de 150 obras del maestro. La atención a la personalidad del artista no es casual. Todo lo que concierne a la cultura nacional rusa es de gran interés. Y la creatividad de Popkov es profundamente nacional. Para él, su tierra natal no era un concepto vacío. Todo concierne al artista-tribuna: tanto la alegría como el dolor de la sociedad. Todas las pinturas de su programa tratan sobre esto. "El abrigo del padre", "Las viudas", "La canción del norte", "Los constructores de la central hidroeléctrica de Bratsk", "La brigada descansa" y muchas otras pinturas son modernas ahora y siempre lo serán. Porque los temas planteados por el artista son de tan gran escala que no pueden atribuirse a ninguna época concreta. Por ejemplo, el lienzo “Verano. Julio”, concebido aquí en Mytishchi, donde pasó su infancia y juventud. Su tierra natal sirvió de imagen para muchas de las pinturas de Víctor: "Dos", "Madre e hijo", "Niño enfermo", "Río Klyazma", "Estudiantes en práctica", "Esperando". La casa en la que vivían los Popkov, en la calle Silikatnaya, número 30, ya no está, pero numerosos dibujos, estudios y bocetos quedaron en la historia de la ciudad gracias al pintor. Durante mucho tiempo estuvo en ese lugar un abedul, que Víctor trajo del bosque con un sombrero y plantó. Pero el tiempo tampoco la perdonó.
El artista pintó a personas comunes y corrientes en circunstancias de la vida ordinaria, y las pinturas obligaron al espectador a involucrarse en los problemas sociales de la sociedad, que eran visibles en la plasticidad pictórica. Él siempre decía: “Cuando el alma duele o se alegra, entonces sale una verdadera obra”. Muchos artistas se preguntan: "¿Qué pintaría Popkov ahora?" La creatividad del maestro era sincera y respondía a impresiones que tocaban el corazón, de las que no podía pasar sin dejar huella. Creo que en nuestros tiempos difíciles recurriría a la historia de Rusia, al arte original nacional ruso, porque ahora este es el punto delicado del país. En una carta a la artista Nadya Leger escribió: “Por supuesto, el artista de nuestro tiempo está llamado a escribir sobre los grandes fenómenos de la vida. Y creo que necesitamos crear grandes lienzos temáticos o series sobre ellos”.
Un día, después de trabajar en un boceto, decidió nadar en Klyazma, no lejos de la Iglesia de la Intercesión en Tarasovka. Cuando salí del agua vi una mala palabra garabateada en mi paisaje. Dos adolescentes estaban cerca y se reían. El artista les dio una palmada en la nuca con ira y ellos trajeron a sus padres, listos para abalanzarse sobre Víctor. Intentó averiguar cómo criaban a sus hijos, pero fue inútil.
El crítico de arte G. Anisimov me mostró una vez un álbum que le regaló Víctor. El álbum contenía dibujos y bocetos de R. Gamzatov, E. Yevtushenko, D. Shostakovich, el conjunto completo de canciones de Alexandrov y otros, realizados durante su trabajo en el Comité para la concesión de los premios Lenin y estatales, del que era miembro en el principios de los 60. x años. La impresión más vívida del trabajo en el Comité fue una conversación seria con un miembro del Comité Central, el escultor E. Vuchetich, después de votar sobre la concesión del premio a A. Solzhenitsyn. E. Vuchetich recomendó al joven artista que no se enterrara y no mostrara obstinación en la votación (Popkov votó por el premio). Víctor intentó discutir, pero se topó con amenazas tan serias que estuvo toda una semana con su madre en Mytishchi, temiendo que lo mataran. Fue una época de deshielo, cuando muchas personalidades creativas jóvenes creían en la libertad de creatividad y esperaban que siempre fuera así. Después de todo, a ellos, jóvenes actores, escritores y artistas, se les confió el trabajo en el comité de premios. Engañados en sus expectativas, no depusieron las armas y continuaron luchando contra la ideología comunista que dominaba la creatividad. V. Popkov, hablando apasionadamente en reuniones y congresos, a veces sólo más tarde se dio cuenta del peligro de sus acciones. En el cuadro “Domingo” se representa alegóricamente a sí mismo, envuelto en el gris y soñando con la libertad. Los instructores del partido que organizaban exposiciones a menudo no colgaban los lienzos de V. Popkov por razones políticas, y él ideó un sistema simbólico de imágenes, donde a través de una parábola podía hablar sobre lo que no podía dejar de escribir. Se representó a sí mismo desnudo en un tejado sobre la ciudad con una botella de vino y mirando palomas en vuelo libre. Me explicó el significado de su plan de esta manera. Desnudo porque está abierto a todos y sincero en su creatividad. Se identifica con la iglesia blanca, rodeada por los tejados grises de la ciudad, y envidia la libertad de las palomas.
Todos los que tuvieron que escribir sobre Popkov coincidieron en que a lo largo de su obra uno llama la atención por la pureza y la escrupulosidad de su alma, su excitada entonación personal y su autorretrato directo o indirecto. Sin esto no hay artista Popkov.
Con su naturaleza justa, no podía aceptar el hecho de que una persona pueda ser calumniada, calumniada públicamente, marcada con vergüenza cuando no hay razón para ello. Mentir simplemente no era aceptable para su naturaleza.
Cuando todavía era un adolescente en el pueblo, decidió chocar con un toro local y le golpeó en el puente de la nariz con su cuerno. Apenas sobrevivió. De hecho, se enfrentó al poder toda su vida. Y ella no lo perdonó. Orgánicamente no aceptó mentiras ni injusticias. En sus pinturas podía transmitir sus ideas y pensamientos al espectador. En cualquier imagen, él mismo está presente de forma invisible como personaje. Parece que todo lo que estaba pasando estaba sucediendo justo frente a él, de lo cual fue testigo. El cuadro “Mi día” es prueba de ello. Se representó a sí mismo en un paisaje invernal detrás de un cuaderno de bocetos. A la izquierda hay una anciana, a la derecha una niña. Vio a la niña salir corriendo de la casa, después de haber discutido con su madre, y arrojar la llave a la nieve. El propio artista hizo de este acontecimiento una parábola sobre la juventud y la vejez, sobre la soledad, sobre el tiempo. Él mismo no sabía qué línea elegir: tenía varias. Una simple escena cotidiana se ha visto cubierta de leyendas y especulaciones de los críticos. A la pregunta de los críticos respondió que la asociación que usted tenga sobre la imagen será correcta. Cuando escribí “El abrigo del padre”, lloré. Me acordé de mi padre, que murió en el frente. Su maestro E. Kibrik le preguntó una vez: “Víctor, en tu película “La abuela Anisya era una buena persona”, la gente está cubierta con un impermeable, pero no llueve. ¿Por qué?" "Llueve en el alma", respondió Popkov. Una de las pinturas más emblemáticas del pintor es “Lluvias de otoño”. Pushkin." Hubo muchas variantes de los bocetos después del viaje a Mikhailovskoye: Pushkin apuntaba con una pistola a su imagen en el espejo, lo representaban cayendo, acostado. La mejor opción ocurrió cuando Víctor se sintió en el lugar de Alexander Sergeevich antes del duelo. Pushkin está pálido, apoyado en una columna, de espaldas al espectador, pero de cara a la eternidad. Escaleras abajo, hojas de otoño volando, charcos de lluvia. La pintura fue la última en el caballete del artista y, quizás, la más conmovedora en su naturaleza autobiográfica.
“Tarusa. Día soleado. Estuve en la tumba de Vatagin, Paustovsky, Borisov-Musatov. Santas tumbas. El recuerdo de ellos es brillante. ¿Qué conclusión podría sacar hoy? Estaban ávidos de vida. Querían vivir y entendían perfectamente que habría paz. No eran mojigatos con la vida. Amaban la vida y la vivían plenamente, tanto espiritual como físicamente, dentro de los límites que la naturaleza les daba a cada uno.
Y ahora entiendo que para ser recordado con gratitud después de tu muerte, es necesario tener el coraje de vivir con dolor, sufrir de alegría, amar la alegría, la risa, la salud, todo lo bello, fuerte, vivo y todo lo que se mueve: el cuerpo, el pensamiento, el alma.
Y una cosa más: cada época tiene su propia belleza tanto de cuerpo como de espíritu. Pero el cuerpo más hermoso está en la juventud y el espíritu en la vejez. Y es necesario amar el cuerpo cuando se es joven y pensar siempre en el espíritu, y en la vejez sólo en el espíritu. Menos lloriqueos, Dios, da salud al cuerpo y al espíritu. Enséñanos a regocijarnos mientras vivimos. Olvídese de los pensamientos sobre la violencia contra la vida”.
Han pasado casi 38 años desde la muerte del artista, pero todavía se colocan claveles escarlatas sobre la nieve en su monumento en Tarasovka. Se han escrito muchos libros, artículos sobre Viktor Popkov, se han hecho películas y programas de televisión. Las pinturas se conservan en los principales museos y galerías de arte de Rusia y del extranjero. Los coleccionistas consideran un honor poseer las obras de Popkov. Esta es una prueba de la gracia que el artista puso en sus pinturas durante su vida. Y el significado de esta gracia se vuelve cada año más significativo, porque el amor por la obra del artista se multiplica en sus obras.
Yuri Popkov, artista
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