(Tara Leaver „A saját művészi stílusod megtalálása: gyakorlati útmutató” című cikkének fordítása –
Sokunk számára nagy nehézséget okoz saját felismerhető művészi stílusunk megtalálása. És ez nem csak a rajzban kezdőkre vonatkozik, hanem a tapasztalt művészekre is.
Talán már azelőtt kételkedni kezdesz, hogy az ecset hozzáérne a vászonhoz, eszedbe jut a tanáraid különböző kritikái, vagy egyszerűen eltévedsz a különböző tanfolyamokon kapott különféle ötletek és inspirációk hatalmas számában. Vagy talán mindkettő egyszerre!
Nem csoda, hogy ha megtalálod a stílusod, csodálatosan fogod érezni magad!
Ma már látom néhány egyszerű módszer saját stílusának megtalálására és fejlesztésére.
Mindenkinek megvan, csak segíteni kell neki, hogy kifejezze magát. Folyamatos gyakorlással, gyakorlatokkal fejlesztjük, de van egy tudattalan része is, az, ami nem a „kezeken keresztül”, hanem a szívből jön.
Tudom, hogy ez az ötlet kézenfekvőnek tűnik, de ez a kombináció teszi lehetővé, hogy elkezdjünk egyéni stílusunk fejlesztésén dolgozni. Ez a kívülről kapott ötlet világosabb képet ad arról, hol kezdje a kreativitás felfedezését és a stílus megtalálását.
Az alábbiakban olvasottak nem célja, hogy átfogó tájékoztatást nyújtsanak erről a témáról. Ezek csak kiindulópontok ahhoz, hogy megtaláld a saját utadat.
Fogja meg legújabb munkáját, helyezze el úgy, hogy kényelmesen nézze meg. Következetesen válaszoljon a kérdésekre, közben jegyezze fel reakcióit és észrevételeit. Ha akarja, írott jegyzeteket készíthet.
Kincsvadászatra indulunk!
A fő kincs a saját kreativitásod.
Gondold át, mit rajzolsz leggyakrabban
- Milyen témák és témák vonzzák leginkább a rajzolásban? Ha nehéznek találja a választ, keresse meg festményeit és alkotásait tartalmazó mappáit.
Személy szerint megpróbálok emlékezni a preferenciáimra a történetekben, hogy milyen gyakran dolgozom egy adott témán. És valahol otthon van egy jegyzetfüzetből egy papír, ahová felírom ezeket az információkat. Tehát, ha nehezen tudok válaszolni egy kérdésre a kedvenc témámról a rajzban, belenézek magamba vagy erre a lapra.
Szóval imádok csónakot rajzolni! És halak, figurák és fák is.
A kedvenc témák listájának ebben a szakaszban nem kell teljesen teljesnek vagy kimerítőnek lennie. Elegendő néhányat kiemelni közülük, hogy legyen kiindulópontunk.
Válogatás kísérletekkel és kreatív felfedezésekkel tarkított művekből a fák témájában. Láthatóak a munkákat összekötő közös jellemzők - kanyargós vonalak és kontúrrajz.
Milyen színeket szeretsz?
- Gondoljon az alapértelmezett színpalettára.
- Mit árul el legújabb munkája az ismételt színválasztásról?
A munkapalettámon mostanában aqua, kék, nepáli sárga, fluoreszkáló rózsaszín és fehér színek szerepelnek, melyekhez Gesso akril alapozót használok. Így a sötétek, a középsők és a kiemelések jó skáláját kapom. Nagyon szeretek játszani ezekkel a színekkel, tökéletesen megfelelnek az igényeimnek és pillanatnyi igényeimnek.
És mi van veled?
A bal oldalon az én fényképem, a jobb oldalon az alapján készült rajz. Az „én” palettám színeit és kísérleti technikákat használtam.
Milyen jellemzői vannak a stílusodnak?
- Mit szeret jobban – a grafikus vonalakat vagy a nagy színterületekkel való munkát?
- Szeretsz szokatlan technikákat alkalmazni, amikor ecsettel dolgozik?
- Vagy talán inkább nem használ fogkefét a permetezéshez?
- Szeretsz úgynevezett mintákat, mintákat alkotni, vagy inkább több fantáziával és terjedelemben dolgozol?
Stílusom sajátosságai a kontúrvonalak, gyakran egyenetlenek és elmosódottak, néha „piszkos” színűek. Engem Egon Schiele munkái inspirálnak. Szeretem az ideges színkontrasztokat és a kifinomult, rugalmas dizájnt is.
Elemezze, mely technikákat kedveli és melyek állnak közel Önhöz, melyek a kreativitásunkkal kapcsolatos elégedettség érzését. Fejlessze ezeket, és tartsa be őket jövőbeni munkája során.
Diószínű tintával készült hal rajza. Kísérletezzen vonalakkal.
Milyen technikát vagy művészeti anyagot szeretsz?
- Lehet több is. Mi tetszik a legjobban?
Nagyon szeretek olajpasztellekkel dolgozni. De leginkább akrillal szeretek dolgozni, és a médiát a munkám során használni. Így szabályozhatom a festékek száradási folyamatát és játszhatok az eredménnyel. Minden gyorsan szárad és ugyanolyan könnyen tisztítható.
Ha van egy kedvenc technikája, ez azt jelenti, hogy felfedezheti annak minden lehetőségét, fejlesztheti készségeit, és így általában a munkáját.
Nem használtam referenciákat ehhez a munkához. Csak két kedvenc anyagom van - az akril és az olajpasztell.
Mi inspirál téged?
Tehát megvizsgáltuk azokat a főbb kérdéseket, amelyekre különös figyelmet kell fordítania, amikor stílusát keresi. Most térjünk ki egy kicsit, nézzük meg más művészek munkáit, és gondoljuk át, mit kölcsönözhetnénk tőlük magunknak.
Ezt az előző négy kérdés megválaszolása után ajánlom. Mielőtt elkezdené mérlegelni és értékelni más művészek munkáját, először meg kell értenie saját kreativitását.
Ha biztos abban, hogy felismerte munkája főbb jellemzőit, akkor könnyebben megtalálhatja a stílusához és a világról alkotott elképzeléséhez hasonló művészek munkáit. Könnyebb lesz értékelni a munkájukat, és megkeresni azokat a vonásokat, amelyeket hozzá szeretne adni a munkájához, stílusához.
Úgy tervezték, hogy vizuális információkat gyűjtsön és osszon meg. Különböző képek, fényképek és képek tengere van. Tegyen fel néhány kulcskérdést, és nézze meg az eredményeket.
Létrehozhatod saját, személyes tábládat, amelyre összegyűjtöd (Pin it!) mindent, ami inspirál és érdekel, legyen az egyik képen érdekes kompozíció, a másikon a színpaletta, a harmadikon a művész stílusa vagy a cselekmény. egy negyediké.
A táblámon nem gyűjtök más művészek festményeit. Nem teszem ezt, mert nem inspirálnak. Csak szabadulni akarok attól, amit más művészek festettek abban a pillanatban, amikor elkezdek alkotni, saját témáimat és megoldásaimat keresni.
Ebben részben segítenek a referenciafotók (fotóforrások a rajzoláshoz). Jó szolgálatot tehetnek, ezért tartsa kéznél, vagy mentse el a Pinterest táblájára olyan fotókat, amelyek inspirálnak.
Ezen túlmenően, ha figyelmesen átnézi az összegyűjtött fényképeket, minden bizonnyal nyomokat fog látni arról, hogy mi az, ami jelenleg érdekes, és mit kell tennie.
Igen, a Pinterest olyan, mint egy nyúllyuk! Ha nem tudsz elszakadni tőle, állíts be egy időzítőt.
A bal oldalon egy fotó a Pinterestről, a jobb oldalon az én munkám, amit ez a fotó ihletett.
Kezdő művészek hibái
A festés stílusai és irányaiA stílusok és trendek száma óriási, ha nem végtelen. A művészet stílusainak nincsenek világos határai, zökkenőmentesen alakulnak át egymásba, folyamatosan fejlődnek, keverednek és ellentétesek. Egy-egy történelmi művészeti stílus keretein belül mindig új jön létre, és az átmegy a következőbe. Sok stílus létezik egyidejűleg, és ezért egyáltalán nincsenek „tiszta stílusok”.
Absztrakcionizmus (latin abstractio - eltávolítás, figyelemelvonás) - művészeti irány a művészetben, amely elhagyta a valósághoz közeli formák ábrázolását.
Avantgarde, avantgarde (a francia avantgarde - élcsapat szóból) - a 20. század művészetében a művészeti mozgalmak általános neve, amelyeket a művészi megjelenítés új formáinak és eszközeinek keresése, a hagyományok alábecsülése vagy teljes megtagadása, valamint a művészet abszolutizálása jellemez. innováció.
Akadémizmus (a francia academisme szóból) - irány a 16-19. századi európai festészetben. A klasszikus művészet külső formáihoz való dogmatikus ragaszkodáson alapult. Követői ezt a stílust az ókori világ és a reneszánsz művészeti formájának tükröződéseként jellemezték. Az akadémizmus kiegészítette az ókori művészet hagyományait, amelyben a természet képét idealizálták, miközben kompenzálta a szépség normáját. Annibale, Agostino és Lodovico Carracci ebben a stílusban írt.
Akcionizmus (az angol action art - the art of action) - happening, performansz, esemény, folyamatművészet, demonstrációs művészet és számos egyéb forma, amely az 1960-as évek avantgárd művészetében jelent meg. Az akcionizmus ideológiájának megfelelően a művésznek eseményeket, folyamatokat kell szerveznie. Az akcionizmus a művészet és a valóság közötti határvonal elmosására törekszik.
Empire stílus (a francia birodalomból - birodalom) - az építészet és a dekoratív művészet stílusa, amely a 19. század elején, Bonaparte Napóleon első birodalmának időszakában, Franciaországban keletkezett. Az empire stílus a klasszicizmus fejlődésének fináléja. A fenséget, a kifinomultságot, a luxust, a hatalmat és a katonai erőt megtestesítő empire stílust az ókori művészet vonzereje jellemzi: ókori egyiptomi dekorációs formák (katonai trófeák, szárnyas szfinxek...), etruszk vázák, pompei festészet, görög és római dekoráció , Reneszánsz freskók és dísztárgyak. Ennek a stílusnak a fő képviselője J. L. David volt ("A horatii eskü" (1784), "Brutus" (1789) festmények.
föld alatt (az angol undergroundból – underground, dungeon) – számos művészeti irányzat a kortárs művészetben, amelyek szembeállítják magukat a tömegkultúrával és a mainstreammel. Az underground elutasítja és megsérti a társadalmilag elfogadott politikai, erkölcsi és etikai irányultságokat és viselkedéstípusokat, bevezetve az antiszociális viselkedést a mindennapi életbe. A szovjet időszakban a rendszer szigora miatt szinte minden nem hivatalos, pl. a hatóságok nem ismerték fel, a művészet földalattinak bizonyult.
Szecesszió (a francia szecesszióból, szó szerint - új művészet) számos országban (Belgium, Franciaország, Anglia, USA stb.) elterjedt szecessziós stílus elnevezése. Ennek a festészeti stílusnak a leghíresebb művésze: Alphonse Mucha.
Art Deco (a francia art deco szóból, rövidítve: decoratif) - a művészet iránya a XX. század közepén, amely az avantgárd és a neoklasszicizmus szintézisét jelentette, felváltotta a konstruktivizmust. Ennek az irányzatnak a megkülönböztető jegyei: fáradtság, geometrikus vonalak, luxus, elegáns, drága anyagok (elefántcsont, krokodilbőr). Ennek a mozgalomnak a leghíresebb művésze Tamara de Lempicka (1898-1980).
Barokk (az olasz barocco - furcsa, bizarr vagy a port. perola barroca - szabálytalan alakú gyöngy, más feltételezések is vannak a szó eredetéről) - művészi stílus a késő reneszánsz művészetében. Ennek a stílusnak a megkülönböztető jegyei: túlzó méretek, szaggatott vonalak, dekoratív részletek bősége, súlyosság és kolosszitás.
A reneszánsz, vagy a reneszánsz (francia renaissance, olasz rinascimento) egy olyan korszak az európai kultúra történetében, amely a középkor kultúráját váltotta fel, és megelőzte az újkor kultúráját. A korszak hozzávetőleges kronológiai kerete a XIV-XVI. század. A reneszánsz megkülönböztető vonása a kultúra szekuláris jellege és antropocentrizmusa (vagyis elsősorban az ember és tevékenysége iránti érdeklődés). Megjelenik az érdeklődés az ókori kultúra iránt, megtörténik annak „újjáéledése” – és így jelent meg a kifejezés. A hagyományos vallási témájú képek festése közben a művészek új művészi technikákat kezdtek alkalmazni: háromdimenziós kompozíciót készítettek, a háttérben egy tájat használtak, ami lehetővé tette a képek valósághűbbé és animáltabbá tételét. Ez élesen megkülönböztette munkájukat a korábbi ikonográfiai hagyománytól, amely tele van konvenciókkal a képen. A korszak leghíresebb művészei: Sandro Botticelli (1447-1515), Leonardo da Vinci (1452-1519), Raphael Santi (1483-1520), Michelangelo Buonarroti (1475-1564), Tizian (1477-1576), Antonio Correggio (1489-1534), Hieronymus Bosch (1450-1516), Albrecht Durer (1471-1528).
A Woodland (angolul - erdőföld) egy művészeti stílus, amely az észak-amerikai indiánok sziklafestményeinek, mítoszainak és legendáinak szimbolikájából származik.
A gótika (olasz gotico szóból - szokatlan, barbár) a középkori művészet fejlődésének korszaka, amely a kultúra szinte minden területére kiterjed, és Nyugat-, Közép- és részben Kelet-Európában fejlődött ki a 12-15. A gótika befejezte az európai középkori művészet fejlődését, amely a román kultúra vívmányaira épült, a reneszánsz idején pedig a középkori művészetet „barbárnak” tekintették. A gótikus művészet célját tekintve kultikus, témájában vallásos volt. A legmagasabb isteni erőkkel, az örökkévalósággal és a keresztény világnézettel foglalkozott. A gótika fejlődésében kora gótikára, virágkorra, késő gótikára oszlik.
Az impresszionizmus (a francia impresszió - impresszió szóból) az európai festészetnek a 19. század közepén Franciaországból kiinduló iránya, amelynek fő célja a múló, változékony benyomások közvetítése volt.
A giccs, giccs (német giccsből - rossz ízlés) a tömegkultúra egyik legutálatosabb jelenségét jelölő kifejezés, az álművészet szinonimája, amelyben a fő figyelem a külső megjelenés extravaganciájára, a hangoskodásra irányul. elemei. Lényegében a giccs a posztmodernizmus egyik fajtája. A giccs az elit tömegművészete. A giccshez tartozó alkotást magas művészi színvonalon kell elkészíteni, lenyűgöző cselekmény kell, hogy legyen, de ez nem igazi műalkotás a magas értelemben, hanem ügyes hamisítványa. A giccs mély pszichológiai konfliktusokat tartalmazhat, de nincsenek valódi művészi felfedezések és kinyilatkoztatások.
A klasszicizmus (a latin classicus szóból - példaértékű) a művészet művészi stílusa, amelynek alapja az ókori művészet és a reneszánsz képeihez és formáihoz való vonzódás, mint ideális esztétikai mérce, számos szabály szigorú betartását igénylő. és kánonok.
A kozmizmus (a görögül kosmos - szervezett világ, kosma - dekoráció) egy művészi és filozófiai világkép, amely a Kozmosz ismeretén és az ember világpolgárként való elgondolásán alapul, valamint a makrokozmoszhoz hasonló mikrokozmosz. . A kozmizmus az Univerzum csillagászati ismereteihez kapcsolódik.
A kubizmus (a francia kocka - kocka szóból) a művészet modernista mozgalma, amely a valóság tárgyait egyszerű geometriai formákra bomolva ábrázolta.
A letrizmus (az angol betűből - levél, üzenet) a modernizmus irányzata, amely a betűtípushoz hasonló képek, az olvashatatlan szöveg, valamint a betűkre és szövegre épülő kompozíciók használatán alapul.
A metarealizmus, a metafizikai realizmus (a görög meta - között és gealis - anyagi, valóságos szóból) a művészet iránya, amelynek fő gondolata a tudatfeletti, a dolgok szuperfizikai természetének kifejezése.
A minimalizmus (az angol minimal art - minimal art szóból eredeztethető) egy művészi mozgalom, amely az alkotási folyamat során felhasznált anyagok minimális átalakítására, a formák egyszerűségére és egységességére, a monokrómra és a művész kreatív önmérsékletére épül. A minimalizmust a szubjektivitás, a reprezentáció és az illuzionizmus elutasítása jellemzi. A klasszikus technikákat és a hagyományos művészi anyagokat elutasító minimalisták egyszerű geometriai formájú, semleges színű (fekete, szürke) ipari és természetes anyagokat alkalmaznak, kis mennyiségben, és sorozatos, szállítószalagos ipari gyártási eljárásokat alkalmaznak.
A szecesszió (a francia moderne szóból - legújabb, modern) olyan művészeti stílus, amelyben az aszimmetria és a dekorativitás elvein alapuló művészi technikák segítségével újraértelmezik és stilizálják a különböző korszakok művészetének jellemzőit.
A neoplaszticizmus az absztrakt művészet egyik korai válfaja. 1917-ben hozta létre P. Mondrian holland festő és más művészek, akik a „Style” egyesület tagjai voltak. A neoplaszticizmust alkotói szerint az „univerzális harmónia” vágya jellemzi, amely a nagy téglalap alakú figurák szigorúan kiegyensúlyozott kombinációiban fejeződik ki, amelyeket világosan elválasztanak merőleges fekete vonalak és a fő spektrum helyi színeivel festenek (fehér hozzáadásával). és szürke tónusok).
Primitivizmus, naiv művészet, naiv - olyan festészeti stílus, amelyben a képet szándékosan leegyszerűsítik, formáit primitívvé teszik, mint a népművészet, egy gyermek vagy primitív ember alkotása.
Az op art (az angol optikai művészetből - optikai művészet) a képzőművészet neoavantgárd irányzata, amelyben a térbeli mozgás, a formák összeolvadásának, „lebegésének” hatásait éles szín- és tónuskontrasztok, ritmikus bevezetésével érik el. ismétlések, spirál- és rácskonfigurációk metszéspontja, vonagló vonalak.
Az orientalizmus (a latin oriens - kelet szóból) az európai művészet olyan mozgalma, amely a keleti és indokínai témákat, szimbolikát és motívumokat használja.
Az orphizmus (a francia orphisme szóból, az Orp?ee - Orpheus szóból) a francia festészet egyik irányzata az 1910-es években. A nevet 1912-ben Apollinaire francia költő adta Robert Delaunay művész festményének. Az orfizmus a kubizmushoz, a futurizmushoz és az expresszionizmushoz kapcsolódik. A festészet fő jellemzői ebben a stílusban az esztétizmus, a plaszticitás, a ritmus, a sziluettek és a vonalak kecsessége.
Az orfizmus mesterei: Robert Delaunay, Sonia Turk-Delaunay, Frantisek Kupka, Francis Picabia, Vladimir Baranov-Rossinet, Fernand Léger, Morgan Russell.
A pop art (az angol pop szóból - hirtelen hangzás, könnyű pamut) egy neoavantgárd képzőművészeti irányzat, amelyben a valóság a modern urbanizált élet tipikus tárgyai, a tömegkultúra és az embert körülvevő teljes mesterséges anyagi környezet példái. .
A posztmodern (a francia postmodernisme szóból - a modernizmus után) egy új művészeti stílus, amely a másodlagos valóság szépségéhez való visszatérésben, a narratívában, a cselekményhez való vonzódásban, a dallamban, a másodlagos formák harmóniájában különbözik a modernizmustól. A posztmodernizmus jellemzője a különböző korokból, régiókból és szubkultúrákból kölcsönzött stílusok, figurális motívumok és művészi technikák egy művön belüli ötvözése.
A realizmus (a latin gealis - anyagi, valóságos szóból) a művészet olyan iránya, amelyet a társadalmi, pszichológiai és egyéb, a valósághoz lehető legközelebb álló jelenségek ábrázolása jellemez.
A rokokó (a francia rokokó, rocaille szóból származik) egy művészeti és építészeti stílus, amely a 18. század elején jött létre Franciaországban. Kitűnt kecsessége, könnyedsége, meghitt és kacér karaktere. A súlyos barokk helyébe lépő rokokó fejlődésének logikus eredménye és művészi ellenpólusa volt. A rokokót a barokk stílussal a formateljesség vágya egyesíti, azonban ha a barokk a monumentális ünnepélyesség felé hajlik, akkor a rokokó a kecsességet és a könnyedséget részesíti előnyben.
A szimbolizmus (a francia symbolisme szóból - jel, azonosító jel) a művészet művészeti irányzata, amely egy mű fő gondolatainak megtestesülésén alapul a szimbólumok poliszemantikus és sokrétű asszociatív esztétikáján keresztül.
A szocialista realizmus, a szocialista realizmus egy művészeti mozgalom a művészetben, amely a szocialista társadalom korszaka által meghatározott, szocialista világ- és emberfogalom esztétikai kifejeződése.
Hiperrealizmus, szuperrealizmus, fotorealizmus (az angol hiperrealizmusból - szuperrealizmus) - a művészet iránya, amely a valóság pontos fényképes reprodukcióján alapul.
A szürrealizmus (a francia szürrealizmusból - over + realizmus) a modernizmus egyik iránya, amelynek fő gondolata a tudatalatti kifejezése (az álom és a valóság összekapcsolása).
A transzavantgard (a latin transz - keresztül, át és a francia avantgarde - avantgarde szóból) a posztmodern egyik modern irányzata, amely a konceptualizmus és a pop art reakciójaként jött létre. A transzavantgárd az avantgárdban született stílusok keveredését és átalakulását öleli fel, mint a kubizmus, fauvizmus, futurizmus, expresszionizmus stb.
Az expresszionizmus (a francia kifejezésből származik - expresszivitás) a művészet modernista mozgalma, amely a külső világ képét csak a szerző szubjektív állapotainak kifejezésére szolgáló eszköznek tekinti.
A 17. században bevezették a festészeti műfajok „magas” és „alacsony” felosztását. Az első történelmi, harci és mitológiai műfajokat tartalmazott. A második a hétköznapi életből származó evilági festészeti műfajokat tartalmazta, például hétköznapi műfajt, csendéletet, állatfestést, portrét, aktot, tájképet.
Történelmi műfaj
A történelmi műfaj a festészetben nem egy konkrét tárgyat vagy személyt ábrázol, hanem egy adott pillanatot vagy eseményt, amely az elmúlt korok történetében történt. Ez benne van a főben festészet műfajai a művészetben. A portré, csata, hétköznapi és mitológiai műfajok gyakran szorosan összefonódnak a történelmivel.
"Szibéria meghódítása Ermak által" (1891-1895)
Vaszilij Szurikov
Nicolas Poussin, Tintoretto, Eugene Delacroix, Peter Rubens, Vaszilij Ivanovics Surikov, Borisz Mihajlovics Kustodiev és még sokan mások történelmi műfajban festették festményeiket.
Mitológiai műfaj
Mesék, ősi legendák és mítoszok, folklór - ezeknek a témáknak, hősöknek és eseményeknek az ábrázolása megtalálta a helyét a festészet mitológiai műfajában. Talán bármelyik nép festményein megkülönböztethető, mert az egyes népcsoportok története tele van legendákkal és hagyományokkal. Például a görög mitológia egy olyan cselekményét, mint Ares háború istenének és Aphrodité szépségistennőjének titkos romantikáját, egy Andrea Mantegna nevű olasz művész „Parnasszus” című festménye ábrázolja.
"Parnasszus" (1497)
Andrea Mantegna
A mitológia a festészetben végül a reneszánsz idején alakult ki. Ennek a műfajnak a képviselői Andrea Mantegna mellett Rafael Santi, Giorgione, Lucas Cranach, Sandro Botticelli, Viktor Mikhailovich Vasnetsov és mások.
Battle műfaj
A harci festészet katonai élet jeleneteit írja le. Leggyakrabban különféle katonai hadjáratokat, valamint tengeri és szárazföldi csatákat illusztrálnak. És mivel ezek a csaták gyakran a valós történelemből származnak, a csata és a történelmi műfaj itt találja meg a metszéspontját.
A „Borodinoi csata” (1912) panoráma részlete
Franz Roubaud
A harci festészet az olasz reneszánsz idején öltött testet Michelangelo Buonarroti, Leonardo da Vinci, majd Theodore Gericault, Francisco Goya, Franz Alekseevich Roubaud, Mitrofan Borisovich Grekov és sok más festő alkotásaiban.
Mindennapi műfaj
A hétköznapi emberek hétköznapi, közéleti vagy magánéletének jeleneteit, legyen az városi vagy paraszti élet, a hétköznapi műfajban jelenít meg a festészet. Mint sokan mások festészet műfajai, a mindennapi festmények ritkán találhatók meg saját formájukban, a portré vagy tájkép műfajának részévé válva.
"Hangszer eladó" (1652)
Karel Fabricius
A mindennapi festészet eredete a 10. században keleten, Európába és Oroszországba csak a 17-18. században került át. Jan Vermeer, Karel Fabricius és Gabriel Metsu, Mihail Sibanov és Ivan Alekszejevics Ermenyev a hétköznapi festészet leghíresebb művészei abban az időszakban.
Állati műfaj
Az animalisztikus műfaj fő tárgyai az állatok és madarak, mind a vadon élő, mind a házimadarak, és általában az állatvilág minden képviselője. Kezdetben az állatfestészet a kínai festészet műfajai közé tartozott, mivel először a 8. században jelent meg Kínában. Európában az állatfestészet csak a reneszánsz idején alakult ki - az állatokat akkoriban az emberi bűnök és erények megtestesítőiként ábrázolták.
"Lovak a réten" (1649)
Paulus Potter
Antonio Pisanello, Paulus Potter, Albrecht Durer, Frans Snyders, Albert Cuyp az állatfestészet fő képviselői a képzőművészetben.
Csendélet
A csendélet műfaj olyan tárgyakat ábrázol, amelyek körülvesznek egy embert az életben. Ezek egy csoportba egyesített élettelen tárgyak. Az ilyen tárgyak tartozhatnak ugyanabba a nemzetségbe (például a képen csak gyümölcsök láthatók), de lehetnek eltérőek is (gyümölcsök, edények, hangszerek, virágok stb.).
"Virágok a kosárban, pillangó és szitakötő" (1614)
Idősebb Ambrosius Bosshart
A csendélet, mint önálló műfaj a 17. században formálódott. Különösen megkülönböztetett a flamand és a holland csendélet-iskola. A legkülönfélébb stílusok képviselői ebben a műfajban festették festményeiket, a realizmustól a kubizmusig. A leghíresebb csendéletek közül néhányat idősebb Ambrosius Bosschaert, Albertus Jonah Brandt, Paul Cezanne, Vincent Van Gogh, Pierre Auguste Renoir, Willem Claes Heda festők festették.
portré
A portré a festészet egyik műfaja, amely az egyik legelterjedtebb a képzőművészetben. A festészetben a portré célja egy személy ábrázolása, de nem csak a megjelenése, hanem az ábrázolt személy belső érzéseinek és hangulatának közvetítése is.
A portrék lehetnek egyéni, páros, csoportos, valamint önarcképek, amelyeket néha külön műfajként is megkülönböztetnek. És minden idők leghíresebb portréja talán Leonardo da Vinci „Madame Lisa del Giocondo portréja” című festménye, amelyet mindenki „Mona Lisa” néven ismer.
"Mona Lisa" (1503-1506)
Leonardo da Vinci
Az első portrék több ezer évvel ezelőtt jelentek meg az ókori Egyiptomban - ezek a fáraók képei voltak. Azóta minden idők legtöbb művésze ilyen vagy olyan módon kipróbálta magát ebben a műfajban. A festészet portré és történeti műfaja is átfedheti egymást: egy nagy történelmi személyiség képe a történelmi műfaj alkotásának minősül, bár egyúttal portréként közvetíti ennek a személynek a megjelenését, karakterét.
Meztelen
Az akt műfaj célja a meztelen emberi test ábrázolása. A reneszánsz időszakot tekintik az ilyen típusú festészet megjelenésének és fejlődésének pillanatának, és a festészet fő tárgya akkor leggyakrabban a női test lett, amely megtestesítette a korszak szépségét.
"Vidéki koncert" (1510)
Tiziano
Tizian, Amedeo Modigliani, Antonio da Correggio, Giorgione, Pablo Picasso a leghíresebb aktfestményeket festő művészek.
Látvány
A táj műfaj fő témája a természet, a környezet - város, vidék vagy vadon. Az első tájak az ókorban jelentek meg, amikor palotákat és templomokat festettek, miniatűröket és ikonokat készítettek. A tájkép a 16. században kezdett önálló műfajként kialakulni, és azóta az egyik legnépszerűbb műfaj. festészet műfajai.
Számos festő munkáiban jelen van, kezdve Peter Rubenstől, Alekszej Kondratyevich Savrasovtól, Edouard Manet-től, folytatva Isaac Iljics Levitan, Piet Mondrian, Pablo Picasso, Georges Braque és a 21. század számos kortárs művészével.
"Arany ősz" (1895)
Isaac Levitan
A tájképek között olyan műfajokat lehet megkülönböztetni, mint a tengeri és városi tájképek.
Veduta
A Veduta egy tájkép, melynek célja egy városi terület megjelenésének ábrázolása, szépségének és ízének közvetítése. Később, az ipar fejlődésével a városi táj ipari tájjá változik.
"Szent Márk tér" (1730)
Canaletto
Canaletto, Pieter Bruegel, Fjodor Jakovlevics Alekszejev, Szilveszter Feodosijevics Scsedrin munkáival ismerkedhet meg a városi tájképekkel.
jachtkikötő
A tengeri táj, vagy kikötő a tenger elem természetét, nagyszerűségét ábrázolja. A világ leghíresebb tengeri festője talán Ivan Konstantinovics Aivazovsky, akinek „A kilencedik hullám” című festményét az orosz festészet remekének nevezhetjük. A kikötő virágkora a táj, mint olyan fejlődésével egy időben következett be.
"Vitorlás viharban" (1886)
James Buttersworth
Katsushika Hokusai, James Edward Buttersworth, Alexey Petrovich Bogolyubov, Lev Felixovich Lagorio és Rafael Monleon Torres is híresek tengeri tájaikról.
Ha még többet szeretne megtudni arról, hogyan keletkeztek és fejlődtek a festészeti műfajok a művészetben, nézze meg a következő videót:
Fogadd el magad és mondd el barátaidnak!
Olvassa el honlapunkon is:
mutass többet
A festészet talán a művészet legősibb formája. Őseink már a primitív korszakban is készítettek emberek és állatok képeit a barlangok falán. Ezek a festészet első példái. Azóta ez a fajta művészet változatlanul kísérője maradt az emberi életnek. A mai festészetre számos és változatos példa van. Igyekszünk minél jobban lefedni ezt a fajta művészetet, beszélni a benne szereplő főbb műfajokról, stílusokról, irányzatokról, technikákról.
Festési technikák
Először nézzük meg az alapvető festési technikákat. Az egyik leggyakoribb az olaj. Ez egy olyan technika, amely olajalapú festékeket használ. Ezeket a festékeket vonással hordják fel. Segítségükkel különféle árnyalatokat hozhat létre, valamint a szükséges képeket maximális valósághűséggel közvetítheti.
Tempera- egy másik népszerű technika. Akkor beszélünk róla, ha emulziós festékeket használunk. Ezekben a festékekben a kötőanyag tojás vagy víz.
Gouache- a grafikában széles körben használt technika. A gouache festék öntapadó alappal készül. Használható karton, papír, csont vagy selyem megmunkálására. A kép tartós, a vonalak élesek. Pasztell- Ez egy száraz ceruzával való rajzolás technikája, és a felületnek érdesnek kell lennie. És persze érdemes megemlíteni az akvarelleket. Ezt a festéket általában vízzel hígítják. Ezzel a technikával puha és vékony festékréteget kapunk. Különösen népszerű Természetesen csak a festészetben leggyakrabban használt főbb technikákat soroltuk fel. Vannak mások is.
Általában mire festenek festményeket? A legnépszerűbb festmény vászonra készült. Keretre van feszítve vagy kartonra ragasztva. Vegye figyelembe, hogy a múltban a fa deszkákat gyakran használták. Ma már nem csak a vászonra festés népszerű;
A festés típusai
2 fő típusa van: festőállvány és monumentális festészet. Ez utóbbi az építészethez kapcsolódik. Ebbe a típusba tartozik az épületek mennyezetének és falának festése, díszítése mozaikból vagy egyéb anyagokból készült képekkel, ólomüveg ablakokkal stb. A festőállvány festése nem egy adott épülethez kapcsolódik. Helyről helyre mozgatható. A festőállványfestésnek sok fajtája létezik (más néven műfajok). Nézzük meg őket részletesebben.
A festészet műfajai
A "műfaj" szó francia eredetű. Ezt „nemzetségnek”, „fajnak” fordítják. Vagyis a műfaj neve alatt van valamiféle tartalom, és a nevének kiejtésével megértjük, miről szól a kép, mit találunk benne: embert, természetet, állatokat, tárgyakat stb.
portré
A festészet legősibb műfaja a portré. Ez egy olyan személy képe, aki csak önmagára hasonlít és senki másra. Más szóval, a portré egy egyéni megjelenés képe a festészetben, hiszen mindannyiunknak egyéni arca van. Ennek a festészeti műfajnak megvannak a maga fajtái. A portré lehet egész alakos, mellig érő, vagy csak egy arc festhető. Vegyük észre, hogy nem minden személyről készült kép portré, hiszen a művész meg tud alkotni például „egy személyt általában” anélkül, hogy bárki mástól lemásolná. Amikor azonban az emberi faj egy konkrét képviselőjét ábrázolja, kifejezetten egy portrén dolgozik. Mondanom sem kell, hogy ebben a műfajban számos példa van a festészetre. De az alábbiakban bemutatott portrét hazánk szinte minden lakosa ismeri. A. S. Puskin képéről beszélünk, amelyet Kiprensky 1827-ben alkotott meg.
Önarcképet is hozzáadhat ehhez a műfajhoz. Ebben az esetben a művész önmagát ábrázolja. Van egy páros portré, amikor a képen az emberek párban láthatók; és egy csoportportré, amikor egy embercsoportot ábrázolnak. Említésre méltó még a szertartásos portré, melynek egyik típusa a lovas, az egyik legünnepélyesebb. Régebben nagyon népszerű volt, de ma már ritkák az ilyen művek. A következő műfaj azonban, amelyről beszélni fogunk, bármikor releváns. Miről beszélünk? Ez sejthető, ha végigjárjuk azokat a műfajokat, amelyeket a festészet jellemzésekor még nem neveztünk meg. Ezek közé tartozik a csendélet. Erről fogunk most beszélni, folytatva a festészet vizsgálatát.
Csendélet
Ez a szó is francia eredetű, jelentése „halott természet”, bár a jelentése pontosabb „élettelen természet”. A csendélet élettelen tárgyak képe. Nagyon változatosak. Vegyük észre, hogy a csendéletek „élő természetet” is ábrázolhatnak: a szirmokon elcsendesedő lepkék, gyönyörű virágok, madarak, és néha a természet ajándékai között is láthatunk embert. Ez azonban továbbra is csendélet lesz, hiszen a művész számára ebben az esetben nem az élőlény képe a legfontosabb.
Látvány
A táj egy másik francia szó, ami azt jelenti, hogy "nézet az országra". Hasonló a német "táj" fogalmához. A táj a természet képe a maga sokszínűségében. Ebbe a műfajba a következő fajták csatlakoznak: az építészeti táj és a nagyon népszerű tengeri táj, amelyet egy szóval „marina”-nak neveznek, a benne dolgozó művészeket pedig tengeri festőknek. A tengeri táj műfajának festészetére számos példa található I. K. Aivazovsky munkáiban. Az egyik az 1873-ból származó "Rainbow".
Ez a festmény olajjal készült, és nehéz kivitelezni. De a tájképek akvarell készítése egyáltalán nem nehéz, ezért az iskolai rajzórákon ezt a feladatot mindannyiunknak megkaptuk.
Állati műfaj
A következő műfaj állatias. Itt minden egyszerű - ez a madarak és állatok képe a természetben, természetes környezetükben.
Mindennapi műfaj
A hétköznapi műfaj életjeleneteket, hétköznapokat, vicces „eseményeket”, otthoni életet és hétköznapi emberek történeteit ábrázolja hétköznapi környezetben. Vagy megteheti történetek nélkül is – csak rögzítse a mindennapi tevékenységeket és ügyeket. Az ilyen festményeket néha műfajfestménynek is nevezik. Példaként vegyük Van Gogh (1885) fenti munkáját.
Történelmi műfaj
A festészet témái változatosak, de külön kiemelkedik a történelmi műfaj. Ez a történelmi hősök és események ábrázolása. A csata műfaja szomszédos vele, háború és csata epizódjait mutatja be.
Vallási és mitológiai műfaj
A mitológiai műfajban a festményeket az istenekről és hősökről szóló ősi és ősi mesék témái alapján írják. Megjegyzendő, hogy a kép világi jellegű, és ily módon eltér az ikonon bemutatott istenségek képeitől. A vallásos festészet egyébként nem csak az ikonokról szól. Különféle, vallási témákról írt műveket gyűjt össze.
Műfajok ütközete
Minél gazdagabb egy műfaj tartalma, annál inkább megjelennek a „társai”. A műfajok összeolvadhatnak, így van festészet, amely egyik keretébe sem helyezhető. A művészetben egyaránt van általános (technikák, műfajok, stílusok) és egyéni (egy konkrét alkotás külön-külön). Egy külön kép is tartalmaz valami közöset. Ezért sok művésznek lehet ugyanaz a műfaja, de a benne festett festmények soha nem hasonlítanak egymásra. A festészet kultúrájának vannak ilyen vonásai.
Stílus
A stílus a festmények vizuális észlelésének egyik aspektusa. Egyesítheti egy művész munkáit, vagy egy bizonyos korszak, irányzat, iskola vagy helység művészeinek munkáit.
Akadémiai festészet és realizmus
Az akadémikus festészet sajátos irányzat, melynek kialakulása az európai művészeti akadémiák tevékenységéhez kötődik. A 16. században jelent meg a Bolognai Akadémián, ahonnan az emberek a reneszánsz mestereit igyekeztek utánozni. A 16. századtól a festészet oktatásának módszerei a szabályok és előírások szigorú betartásán, formai minták követésén alapultak. a párizsi művészetet az egyik legbefolyásosabbnak tartották Európában. A 17. században Franciaországban uralkodó klasszicizmus esztétikáját hirdette. Párizsi Akadémia? Hozzájárulva az oktatás rendszerezéséhez, fokozatosan dogmává változtatta a klasszikus irányzat szabályait. Így az akadémikus festészet különleges irányvonal lett. A 19. században az akadémizmus legkiemelkedőbb megnyilvánulásai J. L. Jerome, Alexandre Cabannel és J. Ingres munkái voltak. A klasszikus kánonokat csak a 19. és 20. század fordulóján váltották fel realisták. A realizmus volt az, amely a 20. század elején az akadémiák tanításának alapmódszerévé vált, és dogmatikai rendszerré alakult át.
Barokk
A barokk a művészet stílusa és korszaka, amelyet az arisztokrácia, a kontraszt, a dinamikus képek, a bőség ábrázolásakor egyszerű részletek, a feszültség, a dráma, a luxus, a valóság és az illúzió fúziója jellemez. Ez a stílus 1600-ban jelent meg Olaszországban, és egész Európában elterjedt. Caravaggio és Rubens a legkiemelkedőbb képviselői. A barokkot gyakran hasonlítják az expresszionizmushoz, azonban ez utóbbival ellentétben nincs túlságosan visszataszító hatása. Az ilyen stílusú festményeket manapság a vonalak összetettsége és a díszek bősége jellemzi.
Kubizmus
A kubizmus egy avantgárd művészeti mozgalom, amely a 20. században alakult ki. Alkotója Pablo Picasso. A kubizmus valódi forradalmat okozott Európában a szobrászatban és a festészetben, és hasonló mozgalmakat inspirált az építészetben, az irodalomban és a zenében. Ebben a stílusban a művészeti festészetet az újrakombinált, törött tárgyak jellemzik, amelyek absztrakt formájúak. Ábrázolásuk során sok nézőpontot alkalmaznak.
Expresszionizmus
Az expresszionizmus a modern művészet másik fontos irányzata, amely a 20. század első felében jelent meg Németországban. Eleinte csak a költészetre és a festészetre terjedt ki, majd a művészet más területeire is kiterjedt.
Az expresszionisták szubjektíven ábrázolják a világot, eltorzítják a valóságot, hogy nagyobb érzelmi hatást keltsenek. Céljuk, hogy elgondolkodtassák a nézőt. A kifejezés az expresszionizmusban felülkerekedik a kép felett. Megjegyzendő, hogy sok műre jellemzőek a gyötrelem, fájdalom, szenvedés, sikoltozás motívumai (Edvard Munch fentebb bemutatott művét „A sikolynak” nevezik). Az expresszionista művészeket egyáltalán nem érdekli az anyagi valóság;
Impresszionizmus
Az impresszionizmus egy olyan festészeti stílus, amelynek célja elsősorban a szabadtéri (szabadtéri) munka, nem pedig a műteremben. Nevét Claude Monet „Impresszió, napkelte” című festményének köszönheti, amely az alábbi képen látható.
Az "impresszió" szó angolul impresszió. Az impresszionista festmények elsősorban a művész fényérzékét közvetítik. Az ilyen stílusú festészet főbb jellemzői a következők: alig látható, vékony vonások; a megvilágítás változásai, pontosan közvetítve (a figyelem gyakran az idő múlásának hatására irányul); nyitott kompozíció; egyszerű közös cél; a mozgás, mint az emberi tapasztalat és észlelés kulcseleme. Az impresszionizmushoz hasonló mozgalom legjelentősebb képviselői Edgar Degas, Claude Monet, Pierre Renoir.
Modernizmus
A következő irány a modernizmus, amely a 19. század végén és a 20. század elején a művészet különböző területein irányzatok összességeként jött létre. A párizsi "Elutasítottak Szalonja" 1863-ban nyílt meg. Olyan művészek, akiknek képeit nem engedték be az itt kiállított hivatalos szalonba. Ezt a dátumot tekinthetjük a modernizmus, mint különálló művészeti irányzat megjelenésének időpontjának. Egyébként a modernizmust néha „egy másik művészetnek” nevezik. Célja, hogy másoktól eltérően egyedi festményeket alkosson. A művek fő jellemzője a szerző sajátos világlátása.
A művészek munkájuk során fellázadtak a realizmus értékei ellen. Az öntudat ennek az iránynak a szembetűnő jellemzője. Ez gyakran a formával való kísérletezéshez, valamint az absztrakció iránti hajlamhoz vezet. A modernizmus képviselői kiemelt figyelmet fordítanak a felhasznált anyagokra és a munkafolyamatra. Legkiemelkedőbb képviselőinek tekintik Henry Matisse-t (az 1908-as „Vörös szoba” című művét fentebb mutatjuk be) és Pablo Picassót.
Neoklasszicizmus
A neoklasszicizmus volt a festészet fő iránya Észak-Európában a 18. század közepétől a 19. század végéig. Az ókori reneszánsz, sőt a klasszicizmus vonásaihoz való visszatérés jellemzi. Építészeti, művészeti és kulturális szempontból a neoklasszicizmus a rokokó válaszaként jelent meg, amelyet sekélyes és igényes művészeti stílusként fogtak fel. A neoklasszikus művészek az egyházi törvények jó ismeretének köszönhetően igyekeztek kánonokat bevezetni műveikbe. Kerülték azonban a klasszikus motívumok és témák egyszerű reprodukálását. A neoklasszikus művészek igyekeztek festményeiket a hagyomány keretei között elhelyezni, és ezzel demonstrálni a műfaji mesterségüket. A neoklasszicizmus ebben a tekintetben egyenesen szemben áll a modernizmussal, ahol az improvizáció és az önkifejezés erénynek számít. Leghíresebb képviselői közé tartozik Nicolas Poussin és Raphael.
Pop art
Az utolsó irány, amelyet figyelembe veszünk, a pop art. A múlt század 50-es éveinek közepén jelent meg Nagy-Britanniában, Amerikában pedig az 50-es évek végén. Úgy gondolják, hogy a pop art az akkoriban uralkodó absztrakt expresszionizmus eszméire adott reakcióként jött létre. Ha erről az irányról beszélünk, lehetetlen nem megemlíteni 2009-ben a Nyolc tündét, az egyik festményét 100 millió dollárért adták el.
Ez a cikk röviden ismerteti a 20. század főbb művészeti stílusait. Mind a művészek, mind a tervezők számára hasznos lesz tudni.
Modernizmus (a francia moderne modern szóból)
a művészetben a 19. század második felében a kreativitás új formáiban meghonosodott művészeti irányzatok gyűjtőneve, ahol már nem annyira a természet és a hagyomány szellemének követése, hanem a szabad tekintet érvényesült. mesteré, aki szabadon megváltoztathatja a látható világot saját belátása szerint, személyes benyomásokat, belső elképzeléseket vagy misztikus álmot követve (ezek az irányzatok nagyrészt a romantika vonalát folytatták). Legjelentősebb, gyakran aktívan kölcsönhatásba lépő irányai az impresszionizmus, a szimbolizmus és a modernizmus voltak.
Absztrakcionizmus(a „nulla formák” jegyű művészet, non-objektív művészet) egy művészeti irányzat, amely a 20. század első felének művészetében alakult ki, teljesen felhagyva a valós látható világ formáinak reprodukciójával. Az absztrakt művészet alapítóinak tekinthetők V. Kandinsky, P. Mondrian és K. Malevich. V. Kandinsky megalkotta saját típusú absztrakt festészetét, megszabadítva az impresszionista és „vad” foltokat az objektivitás minden jelétől. Piet Mondrian a természet Cézanne és a kubisták által kezdeményezett geometrikus stilizációján keresztül jutott el nem-objektivitásáig. A 20. századi modernista, az absztrakcionizmusra fókuszáló mozgalmak teljesen elszakadnak a hagyományos elvektől, tagadják a realizmust, ugyanakkor a művészet keretein belül maradnak. A művészettörténet forradalmat élt át az absztrakt művészet megjelenésével. De ez a forradalom nem véletlenül, hanem teljesen természetes módon alakult ki, és Platón megjósolta! Philebus című kései művében a vonalak, felületek és térformák önmagukban való szépségéről írt, függetlenül a látható tárgyak bármilyen utánzatától, minden mimézistől. Ez a fajta geometriai szépség, ellentétben a természetes „szabálytalan” formák szépségével, Platón szerint nem relatív, hanem feltétlen, abszolút.
Futurizmus- irodalmi és művészeti mozgalom az 1910-es évek művészetében. A jövő művészetének prototípusának szerepét kijelölő futurizmus fő programjaként a kulturális sztereotípiák lerombolásának gondolatát vetette fel, ehelyett bocsánatkérést ajánlott a technológia és az alacsonyrendűség mint a jelen és a jövő fő jelei miatt. . A futurizmus fontos művészi ötlete a mozgás sebességének plasztikus kifejezésének keresése volt, mint a modern élet ütemének fő jele. A futurizmus orosz változatát kubofuturizmusnak nevezték, és a francia kubizmus plasztikus elveinek és a futurizmus európai általános esztétikai installációinak kombinációján alapult. A művészek metszéspontok, eltolódások, ütközések és formabeáramlások segítségével igyekeztek kifejezni a kortárs ember, városlakó benyomásainak töredezett sokaságát.
Kubizmus- „a legteljesebb és legradikálisabb művészeti forradalom a reneszánsz óta” (J. Golding). Művészek: Szereplők: Picasso Pablo, Georges Braque, Fernand Léger, Robert Delaunay, Juan Gris, Gleizes Metzinger. Kubizmus - (francia cubisme, cube-ból - kocka) irány a 20. század első negyedének művészetében. A kubizmus plasztikus nyelve a tárgyak geometriai síkon történő deformálódásán, dekompozícióján, plasztikus formaeltolódáson alapult. Sok orosz művész elbűvölte a kubizmust, gyakran ötvözve annak elveit más modern művészeti irányzatok - futurizmus és primitivizmus - technikáival. A kubizmus orosz földön értelmezésének sajátos változata a kubofuturizmus lett.
Nyelvtisztítás- (francia purisme, latin purus - tiszta) mozgalom az 1910-es-20-as évek végi francia festészetben. A fő képviselők a művész A. Ozanfanés építész S. E. Jeanneret (Le Corbusier). Az 1910-es évek kubizmusának és más avantgárd irányzatainak dekoratív irányzatait és a természet általuk elfogadott deformációját elutasítva a puristák a stabil és lakonikus, a részletektől „megtisztított” tárgyi formák racionalisztikusan rendezett áthelyezésére törekedtek a tárgyak ábrázolásába. „elsődleges” elemek. A puristák munkáit a laposság, a világos sziluettek egyenletes ritmusa és a hasonló tárgyak (kancsók, poharak stb.) kontúrjai jellemzik. A purizmus lényegesen újragondolt művészi alapelvei, anélkül, hogy festőállványos formában fejlődtek volna, részben tükröződtek a modern építészetben, főként Le Corbusier épületeiben.
szerrealizmus- egy kozmopolita mozgalom az irodalomban, festészetben és filmművészetben, amely 1924-ben jött létre Franciaországban, és hivatalosan 1969-ben fejezte be létezését. Jelentősen hozzájárult a modern ember tudatának kialakulásához. A mozgalom fő alakjai a Andre Breton- a mozgalom írója, vezetője és ideológiai inspirálója, Louis Aragon- a szürrealizmus egyik megalapítója, aki később furcsa módon a kommunizmus énekesévé változott, Salvador Dali- művész, teoretikus, költő, forgatókönyvíró, aki a mozgalom lényegét a következő szavakkal határozta meg: „A szürrealizmus én vagyok!”, rendkívül szürreális filmes Luis Buñuel, művész Joan Miro- „a szürrealizmus legszebb tollazata”, ahogy Breton és sok más művész a világ minden tájáról nevezte.
fauvizmus(a francia les fauves - vad (állatok) szóból) Helyi irány a festészetben korán. XX század Az F. nevet gúnyosan egy fiatal párizsi művészcsoporthoz rendelték ( A. Matisse, A. Derain, M. Vlaminck, A. Marche, E.O. Friez, J. Braque, A.Sh. Mangen, K. van Dongen), akik 1905-től 1907-ig számos kiállításon vettek részt közösen, az 1905-ös első kiállításuk után. A nevet maga a csoport vette fel, és szilárdan meghonosodott. A mozgalomnak nem volt világosan megfogalmazott programja, kiáltványa vagy saját elmélete, és nem is tartott sokáig, érezhető nyomot hagyva a művészettörténetben. Résztvevőit ezekben az években egyesítette az a vágy, hogy művészi képeket készítsenek kizárólag rendkívül élénk, nyitott szín segítségével. A posztimpresszionisták művészi teljesítményének fejlesztése ( Cezanne, Gauguin, Van Gogh), a középkori művészet néhány formai technikájára (ólomüveg, román művészet) és a franciaországi művészeti körökben az impresszionisták óta népszerű japán metszetekre támaszkodva a fauvisták a festészet kolorisztikus lehetőségeinek maximalizálására törekedtek.
Expresszionizmus(a francia kifejezésből - expresszivitás) - a nyugat-európai művészet modernista irányzata, elsősorban Németországban, a 20. század első harmadában, amely egy bizonyos történelmi időszakban - az első világháború előestéjén - jött létre. Az expresszionizmus ideológiai alapja a csúnya világ elleni individualista tiltakozás, az ember növekvő elidegenedése a világtól, a hajléktalanság érzése, az összeomlás és azon elvek összeomlása, amelyeken az európai kultúra oly szilárdan támaszkodott. Az expresszionistákat a miszticizmus és a pesszimizmus iránti affinitás jellemzi. Az expresszionizmusra jellemző művészi technikák: az illuzórikus tér elutasítása, a tárgyak lapos értelmezésének vágya, a tárgyak deformációja, az éles színes disszonanciák szeretete, az apokaliptikus drámát tartalmazó különleges színezés. A művészek a kreativitást az érzelmek kifejezésének módjaként érzékelték.
Szuprematizmus(latin supremus - legmagasabb, legmagasabb; első; utolsó, szélsőséges, látszólag a lengyel supremacján keresztül - felsőbbrendűség, felsőbbrendűség) A 20. század első harmadának avantgárd művészetének iránya, melynek alkotója, fő képviselője és teoretikusa orosz művész volt Kazimir Malevics. Maga a kifejezés nem tükrözi a szuprematizmus lényegét. Valójában Malevics felfogása szerint ez egy értékelő jellemző. A szuprematizmus a művészet fejlődésének legmagasabb foka a minden művészeten kívülitől való megszabadulás útján, a nem-objektív végső azonosításának útján, mint minden művészet lényege. Ebben az értelemben Malevics a primitív díszítőművészetet szuprematistának (vagy „felsőbbrendűnek”) tartotta. Ezt a kifejezést először geometriai absztrakciókat ábrázoló festményeinek nagy csoportjára (39 vagy annál több) alkalmazta, köztük a híres „Fekete négyzetre” fehér alapon, „Fekete keresztre” stb., amelyeket a Petrogradi „Zero- Tíz” 1915-ben g. Ezekből és hasonló geometriai absztrakciókból született a szuprematizmus elnevezés, bár Malevics maga is ennek tulajdonította számos 20-as évek alkotását, amelyek külsőleg tartalmaztak bizonyos tárgyakat, különösen emberi alakokat, de megmaradtak. a „szuprematista szellem”. Valójában Malevics későbbi elméleti fejleményei nem adnak okot arra, hogy a szuprematizmust (legalábbis Malevics által) csak geometriai absztrakciókra redukálják, noha természetesen ezek alkotják annak magját, lényegét, sőt (fekete-fehér és fehér) fehér szuprematizmus) a festészetet művészeti formájaként általában létezésének határáig, vagyis a képi nullához hozzák, amelyen túl már nincs maga a festészet. Ezt az utat a század második felében a művészeti tevékenység számos irányzata folytatta, amely elhagyta az ecsetet, festékeket és vászont.
orosz avantgárd Az 1910-es évek meglehetősen összetett képet mutatnak. Jellemzője a stílusok és irányzatok gyors változása, a művészcsoportok és egyesületek bősége, amelyek mindegyike saját kreativitás-koncepcióját hirdette. Valami hasonló történt az európai festészetben a század elején. A stílusok keveredése, az irányzatok és irányok „összezavarása” azonban ismeretlen volt Nyugaton, ahol következetesebb volt az új formák felé való elmozdulás. A fiatalabb generáció számos mestere rendkívüli sebességgel haladt stílusról stílusra, színpadról színpadra, impresszionizmusból a modernizmusba, majd a primitivizmusba, a kubizmusba vagy az expresszionizmusba, sok szakaszon át, ami teljesen atipikus volt a francia vagy a német festészet mesterei számára. . Az orosz festészetben kialakult helyzet nagyrészt az országban uralkodó forradalom előtti légkörnek köszönhető. Ez súlyosbította az európai művészet egészében rejlő számos ellentmondást, mert Az orosz művészek európai modellektől tanultak, és jól ismerték a különféle iskolákat és művészeti irányzatokat. A sajátos orosz „robbanás” a művészeti életben tehát történelmi szerepet játszott. 1913-ra az orosz művészet új határokat és távlatokat ért el. A nem-objektivitás egy teljesen új jelensége jelent meg - egy határ, amelyen túl a francia kubisták nem mertek átlépni. Egymás után lépik át ezt a határt: Kandinsky V.V., Larionov M.F., Malevich K.S., Filonov P.N., Tatlin V.E.
Kubofuturizmus Helyi irányvonal a XX. század eleji orosz avantgárdban (festészetben és költészetben). A képzőművészetben a kubofuturizmus a képi leletek, a kubizmus, a futurizmus és az orosz neoprimitivizmus újragondolása alapján jött létre. A fő művek az 1911-1915 közötti időszakban születtek. A kubofuturizmus legjellegzetesebb festményei K. Malevics ecsetjéről származtak, festette Burliuk, Puni, Goncsarova, Rozanova, Popova, Udalcova, Ekster is. Malevics első kubofuturista alkotásait az 1913-as híres kiállításon állították ki. „Cél”, amelyen Larionov rayizmusa is debütált. A kubo-futurista alkotások megjelenésében Léger F. egy időben keletkezett kompozícióit visszhangozzák, és félig tárgyilagos kompozíciók, amelyek hengeres, kúp, lombik, kagyló alakú üreges volumetrikus színes formákból állnak, gyakran fémes fényűek. Már Malevics első hasonló munkáiban is észrevehető a természetes ritmusról a gépvilág tisztán mechanikus ritmusaira való átmenet tendenciája („Az ács”, 1912, „A daráló”, 1912, „Klyun portréja”, 1913). .
Neoplaszticizmus- az absztrakt művészet egyik korai válfaja. 1917-ben hozta létre P. Mondrian holland festő és más művészek, akik a „Style” egyesület tagjai voltak. A neoplaszticizmust alkotói szerint az „univerzális harmónia” vágya jellemzi, amely a nagy téglalap alakú figurák szigorúan kiegyensúlyozott kombinációiban fejeződik ki, amelyeket világosan elválasztanak merőleges fekete vonalak és a fő spektrum helyi színeivel festenek (fehér hozzáadásával). és szürke tónusok). Neoplaszticizmus (Nouvelle plastique) Ez a kifejezés Hollandiában jelent meg a 20. században. Piet Mondrian meghatározta számukra a rendszerbe állított és a csoport és az 1917-ben Leidenben alapított „Style” („De Stiji”) magazin által védett plasztikus fogalmait. A neoplaszticizmus fő jellemzője a kifejező eszközök szigorú használata volt. A forma felépítéséhez a neoplaszticizmus csak vízszintes és függőleges vonalakat tesz lehetővé. Az első elv a vonalak derékszögű metszéspontja. 1920 körül egy második is került rá, ami az ecsetvonás eltávolításával és a sík kiemelésével a színeket pirosra, kékre és sárgára korlátozza, i.e. három tiszta alapszín, amelyhez csak fehér és fekete adható. E szigor segítségével a neoplaszticizmus túl akart lépni az individualitáson, hogy elérje az univerzalizmust, és ezáltal új világképet alkosson.
Hivatalos "keresztség" orfizmus 1913-ban a Függetlenek Szalonjában történt. Így a kritikus, Roger Allard a Szalonról szóló jelentésében ezt írta: „... jegyezzük meg a leendő történészek számára, hogy 1913-ban az orfizmus új iskolája született...” („La Cote” ” Párizs, 1913. március 19.). Egy másik kritikus, Andre Varnaud is megszólaltatta: „Az 1913-as szalont az orfikus iskola új iskolájának születése jellemezte” („Comoedia”, Párizs, 1913. március 18.). Végül Guillaume Apollinaire megerősítette ezt a kijelentést azzal, hogy büszkeség nélkül felkiáltott: „Ez orfizmus. Ez az általam megjósolt irány most először jelenik meg” („Montjoie!” Paris 1913. március 18-i melléklet). Valóban, ezt a kifejezést találták ki Apollinaire(Az orfizmus mint Orpheusz kultusza), és először a modern festészetről 1912 októberében tartott előadás során hangzott el nyilvánosan. Mire gondolt? Úgy tűnik, ő maga sem tudta. Ráadásul nem tudtam, hogyan határozzam meg ennek az új iránynak a határait. Valójában a mai napig uralkodó zűrzavar annak tudható be, hogy Apollinaire tudtán kívül összekevert két, egymással összefüggő problémát, de mielőtt megpróbálná összekapcsolni őket, hangsúlyoznia kellett volna a különbségeiket. Egyrészt az alkotás Delaunay teljes mértékben a színre épülő képi kifejezőeszközök, másrészt a kubizmus több irányvonal megjelenése miatti terjeszkedése. Miután 1912 nyarának végén szakított Marie Laurencinnel, Apollinaire a Delaunay családnál keresett menedéket, akik barátságos megértéssel fogadták őt a Rue Grand-Augustin-i műhelyükben. Éppen ezen a nyáron Robert Delaunay és felesége mély esztétikai evolúción ment keresztül, amely a festészet „pusztító korszakának” nevezett szakaszához vezetett, amely kizárólag a színkontrasztok konstruktív és tér-időbeli tulajdonságaira épült.
Posztmodern (posztmodern, posztavantgárd) -
(a latin „utána” és a modernizmus szóból), a 60-as években különösen világossá vált művészeti irányzatok gyűjtőneve, amelyet a modernizmus és az avantgárd álláspontjának radikális revíziója jellemez.
Absztrakt expresszionizmus háború utáni (40-es évek vége - XX. század 50-es évei) az absztrakt művészet fejlődési szakasza. Magát a kifejezést még a 20-as években vezette be egy német művészeti kritikus E. von Sydow (E. von Sydow) az expresszionista művészet bizonyos vonatkozásaira utalni. 1929-ben az amerikai Barr ezzel jellemezte Kandinszkij korai műveit, 1947-ben pedig „absztrakt expresszionistának” nevezte a műveket. Willem de KooningÉs Sárga tőkehal. Azóta az absztrakt expresszionizmus fogalma megszilárdult az absztrakt festészet (és később a szobrászat) meglehetősen széles, stilárisan és technikailag tarka területe mögé, amely az 50-es években rohamosan fejlődött. az USA-ban, Európában, majd az egész világon. Az absztrakt expresszionizmus közvetlen ősei koraiak Kandinszkij, expresszionisták, orfisták, részben dadaisták és szürrealisták a mentális automatizmus elvével. Az absztrakt expresszionizmus filozófiai és esztétikai alapja nagyrészt a háború utáni időszakban népszerű egzisztencializmus filozófiája volt.
Készre(angol ready-made - ready) A kifejezést a művész vezette be először a művészettörténeti lexikonba Marcel Duchamp a haszonelvű felhasználás tárgyát képező, normál működési környezetükből kivont és változtatás nélkül képzőművészeti kiállításon kiállított alkotásaikat műalkotásnak jelöljék. A Ready-mades megerősítette a dolgokról és a dolgokról alkotott új szemléletet. Egy tárgy, amely megszűnt ellátni haszonelvű funkcióit, és bekerült a művészet terébe, vagyis a nem haszonelvű szemlélődés tárgyává vált, új, a hagyományos művészet számára ismeretlen jelentéseket és asszociatív mozdulatokat kezdett feltárni. vagy a mindennapi haszonelvű létszférába. Élesen felmerült az esztétika és a haszonelv relativitásának problémája. Az első késztermékek Duchamp 1913-ban New Yorkban állították ki. A leghírhedtebbek a readymade-jei. acél „Kerékpárkerék” (1913), „Palackszárító” (1914), „Szökőkút” (1917) - így nevezték el a közönséges piszoárt.
Pop art. A második világháború után Amerika nagy társadalmi réteget fejlesztett ki, akik elég pénzt kerestek ahhoz, hogy megvásárolják a számukra nem különösebben fontos árukat. Például az áruk fogyasztása: a Coca Cola vagy a Levi's farmer a társadalom fontos attribútuma. Az a személy, aki ezt vagy azt a terméket használja, megmutatja, hogy egy bizonyos társadalmi osztályhoz tartozik. A tömegkultúra most alakult ki. A dolgok szimbólumokká, sztereotípiákká váltak. A pop art szükségszerűen sztereotípiákat és szimbólumokat használ. Pop art(pop art) az új amerikaiak kreatív törekvéseit testesítette meg, akik Duchamp kreatív elvein alapultak. Ez: Jasper Johns, K. Oldenburg, Andy Warhol, és mások. A pop art a tömegkultúra jelentőségét nyeri el, így nem meglepő, hogy Amerikában alakult és vált művészeti mozgalommá. Hasonló gondolkodású embereik: Hamelton R, Tone China hatóságnak választották Kurt Schwieters. A pop artot egy olyan alkotás jellemzi, amely egy játék illúziója, amely megmagyarázza a tárgy lényegét. Példa: pite K. Oldenburg, különféle változatokban ábrázolva. Előfordulhat, hogy a művész nem ábrázol egy pitét, hanem inkább eloszlatja az illúziókat, és megmutatja, mit lát az ember valójában. R. Rauschenberg is eredeti: különféle fényképeket ragasztott a vászonra, körvonalazta, és valamilyen plüssállatot csatolt az alkotáshoz. Egyik híres alkotása a kitömött sündisznó. Festményei, ahol Kenedy fényképeit használta fel, szintén jól ismertek.
Primitivizmus (naiv művészet). Ezt a fogalmat több értelemben használják, és valójában azonos a fogalommal "primitív művészet". Különböző nyelveken és különböző tudósok ezeket a fogalmakat leggyakrabban a művészeti kultúra ugyanazon jelenségkörének megjelölésére használják. Az orosz nyelvben (mint néhányban) a „primitív” kifejezés némileg negatív jelentéssel bír. Ezért célszerűbb a koncepciónál elidőzni Naiv művészet. A legtágabb értelemben ez a képzőművészetet jelöli, amelyet a figuratív és kifejező nyelv egyszerűsége (vagy leegyszerűsítése), letisztultsága és formai spontaneitása jellemez, amelynek segítségével egy sajátos, civilizációs konvenciókkal nem terhelt világlátás fejeződik ki. A fogalom az elmúlt évszázadok modern európai kultúrájában jelent meg, ezért tükrözi ennek a magát a fejlődés legmagasabb fokának tartó kultúrának a szakmai álláspontját és elképzeléseit. Ezekből az álláspontokból a naiv művészet magában foglalja az ókori népek (az egyiptomi vagy az ógörög civilizáció előtti) archaikus művészetét is, például a primitív művészetet; a kulturális és civilizációs fejlődésben megkésett népek művészete (Afrika, Óceánia őslakosai, amerikai indiánok); amatőr és nem professzionális művészet széles skálán (például Katalónia híres középkori freskói vagy az első amerikai telepesek nem professzionális művészete Európából); az úgynevezett „nemzetközi gótika” számos alkotása; népművészet; végül a 20. századi tehetséges primitivista művészek művészete, akik nem részesültek professzionális művészeti oktatásban, de átérezték a művészi kreativitás ajándékát, és annak önálló művészeti megvalósítására szentelték magukat. Néhány közülük (francia A. Rousseau, C. Bombois, grúz N. Pirosmanishvili, horvát I. Generalich, Amerikai A.M. Robertson stb.) olyan igazi művészi remekműveket hozott létre, amelyek a világművészet kincstárába tartoznak, a naiv művészet világlátásában és művészi bemutatásának módszereiben közel áll egyrészt a gyermekművészethez, másrészt a naiv művészethez. az elmebetegek kreativitása, másrészt. Lényegében azonban mindkettőtől különbözik. A gyermekművészethez világnézetben legközelebb Óceánia és Afrika archaikus népeinek és őslakosainak naiv művészete áll. Alapvető különbsége a gyermekművészettől mély szakralitásában, tradicionalizmusában és kanonikusságában rejlik.
Net art(Net Art - az angol net - hálózatból, művészet - művészet) A művészet legújabb típusa, modern művészeti gyakorlatok, számítógépes hálózatokban, különösen az interneten fejlődnek. A fejlesztéséhez is hozzájáruló oroszországi kutatói, O. Ljalina, A. Shulgin úgy vélik, hogy a Net art lényege az internetes kommunikációs és kreatív terek létrehozásában rejlik, mindenki számára biztosítva az online lét teljes szabadságát. Ezért a Net art lényege. nem reprezentáció, hanem kommunikáció, egyedi művészeti egysége pedig egy elektronikus üzenet. A 80-as és 90-es években kialakult Net art fejlődésének legalább három szakasza van. XX század Az első az volt, amikor a törekvő internetes művészek képeket készítettek a számítógép billentyűzetén talált betűkből és ikonokból. A második akkor kezdődött, amikor underground művészek és bárki, aki meg akart mutatni valamit kreativitásából, megjelent az interneten.
OP-ART(angol Op-art - optikai művészet rövidített változata - optikai művészet) - a 20. század második felének művészeti irányzata, amely a lapos és térbeli alakzatok észlelésének sajátosságaira épülő különféle vizuális illúziókat alkalmaz. A mozgalom a technicizmus (modernizmus) racionalista vonalát folytatja. Visszatér az úgynevezett „geometrikus” absztrakcionizmushoz, amelynek képviselője volt V. Vasarely(1930-1997 között Franciaországban dolgozott) - az op art megalapítója. Az op art lehetőségei az ipari grafikában, a plakátokban és a designművészetben is alkalmazásra találtak. Az op art (optikai művészet) iránya az 50-es években az absztrakcionizmuson belül alakult ki, bár ezúttal másfajta – geometrikus absztrakció – volt. Mozgalmi elterjedése a 60-as évekre nyúlik vissza. XX század
Falfirkálás(graffiti - a régészetben bármilyen felületre karcolt rajz vagy betű, olasz graffiare-től - karcig) Így jelölik a szubkultúra alkotásait, amelyek elsősorban középületek, építmények, járművek falán nagy formátumú képek, különféle típusú szórópisztolyok, aeroszolos festékszóró flakonok felhasználásával készült. Innen ered a „spray art” egy másik elnevezése – Spray-art. Eredete a graffiti masszív megjelenésével függ össze. a 70-es években a New York-i metrókocsikon, majd a középületek falán és az üzletek redőnyén. A graffiti első szerzői. Többnyire fiatal, etnikai kisebbségekhez tartozó, munkanélküli művészek voltak, elsősorban puerto rico-iak, így az első Graffitik a latin-amerikai népművészet stílusjegyeit mutatták meg, és már az is, hogy nem erre szánt felületeken jelennek meg, szerzőik tiltakoztak jogfosztott helyzetük ellen. A 80-as évek elejére. G. szinte hivatásos mestereinek egész irányzata ismertté vált. CRASH, NOC 167, FUTURA 2000, LEE, SEEN, DAZE). Néhányan technikájukat vászonra vitték át, és New York-i galériákban kezdtek kiállítani, és hamarosan megjelentek a graffitik Európában is.
HIPERREALIZMUS(hiperrealizmus - angol), vagy fotorealizmus (photorealism - angol) - művészi. a festészetben és a szobrászatban a fotózáson és a valóság reprodukcióján alapuló mozgalom. A hiperrealizmus mind gyakorlatában, mind esztétikai orientációjában a naturalizmus és pragmatizmus felé közelít a pop arthoz. Elsősorban a figurativitáshoz való visszatérés egyesíti őket. A konceptualizmus ellentéteként hat, amely nemcsak szakított a reprezentációval, hanem a művészet anyagi megvalósításának elvét is megkérdőjelezte. koncepció
Land art(az angol land art - earthen art szóból), irány az utolsó harmad művészetébenXXc., amelynek alapja a valódi táj, mint fő művészi anyag és tárgy felhasználása. A művészek árkokat ásnak, bizarr kőkupacokat hoznak létre, sziklákat festenek, munkáikhoz általában kihalt helyeket - érintetlen és vad tájakat - választanak, ezáltal mintha a művészetet próbálnák visszaadni a természetbe. Az övének köszönhetően<первобытному>Külsőleg sok ilyen jellegű akció és tárgy közel áll a régészethez, valamint a fotóművészethez, hiszen a közvélemény nagy része csak egy fotósorozatban tudja szemlélni őket. Úgy tűnik, egy újabb barbársággal kell megbékélnünk az orosz nyelvben. Nem tudom, hogy véletlen-e a kifejezés<лэнд-арт>végén jelent meg 60-as évek, akkor, amikor a fejlett társadalmakban a hallgatók lázadó szelleme a bevett értékek megdöntésére irányította erőit.
MINIMALIZMUS(minimal art - angolul: minimal art) - művész. az alkotási folyamat során felhasznált anyagok minimális átalakításából, a formák egyszerűségéből és egységességéből, monokrómból, kreativitásból fakadó áramlás. művész önmérsékletét. A minimalizmust a szubjektivitás, a reprezentáció és az illuzionizmus elutasítása jellemzi. A klasszikus elutasítása a kreativitás és a hagyomány technikái. művész anyagok, a minimalisták egyszerű geometriai formájú ipari és természetes anyagokat használnak. formák és semleges színek (fekete, szürke), kis térfogatú, sorozatos, szállítószalagos ipari gyártási módszereket alkalmaznak. A kreativitás minimalista koncepciójában szereplő műalkotás az előállítási folyamat előre meghatározott eredménye. A festészetben és szobrászatban a legteljesebb kifejlődését követően a tág értelemben vett művészeti gazdaságként értelmezett minimalizmus. eszközöket, más művészeti formákban, elsősorban a színházban és a moziban is alkalmazásra talált.
A minimalizmus az USA-ban keletkezett a transz. padló. 60-as évek Eredete a konstruktivizmusban, a szuprematizmusban, a dadaizmusban, az absztrakt művészetben, a formalista amerben rejlik. festészet az 50-es évekből, pop art. Közvetlenül a minimalizmus előfutára. amerikai művész F. Stella, aki 1959-60-ban bemutatta a „Fekete festmények” sorozatát, ahol a rendezett egyenes vonalak érvényesültek. Az első minimalista művek 1962-63-ban jelentek meg A "minimalizmus" kifejezés. R. Wollheimhez tartozik, aki a kreativitás elemzésével kapcsolatban vezeti be M. Duchampés popművészek, akik minimálisra csökkentik a művész beavatkozását a környezetbe. Szinonimái: „cool art”, „ABC art”, „serial art”, „primary structures”, „art as a process”, „systematic”. festmény". A legreprezentatívabb minimalisták közé tartozik K. Andre, M. Bochner, U. De Ma-ria, D. Flavin. S. Le Witt, R. Mangold, B. Murden, R. Morris, R. Ryman. Egyesíti őket a vágy, hogy a műtárgyat a környezetbe illesszék, játsszanak az anyagok természetes textúrájával. D. Zhad„specifikusként” határozza meg. tárgy”, eltér a klasszikustól. műanyag munkák művészetek A világítás önállóan is szerepet játszik a minimalista művészet létrehozásában. helyzetek, eredeti térbeli megoldások; A művek elkészítéséhez számítógépes módszereket alkalmaznak.
