Wie van ons heeft niet de majestueuze en charmante uitzichten over de stad bewonderd, oneindig divers, die even uiteenlopende gevoelens en emoties oproepen! Fantastische silhouetten van oude stadsmuren en torens, majestueuze massa's paleizen en openbare gebouwen, aantrekkelijke en indrukwekkende reeksen woongebouwen, machtige groepen industriële en andere structuren - het resultaat van creatief denken en creatief werk van generaties van vele eeuwen of het resultaat van heroïsche en ingenieuze transformaties.

Het is niet verwonderlijk dat de foto's van de stad de creatieve gedachte van de kunstenaar inspireerden en blijven inspireren.

De steden van ons thuisland bieden een grenzeloze keuze aan spannende onderwerpen voor kunstenaars.

Stalins vijfjarenplannen voor grootse socialistische opbouw veranderen het gezicht van ons land van jaar tot jaar. (De een na de ander, voor ieders ogen, groeien nieuwe steden, oude worden gereconstrueerd en uitgebreid, waardoor hun uiterlijk onherkenbaar verandert, dat al tientallen jaren onveranderd is gebleven. Nieuwe reuzen van de Sovjet-industrie verschijnen, grandioze structuren worden opgetrokken - waterkrachtcentrales , bruggen, dammen, kanalen en vele, vele andere, een grote verscheidenheid aan namen en doeleinden.

Deze constructie spreekt door zijn uiterlijk, door zijn architectuur, van een nieuw leven, van nieuwe verworvenheden van vrije socialistische arbeid. Het inspireert en trekt aan tot nieuwe heldendaden en overwinningen.

De thema's van ons stedelijk, industrieel en architectonisch landschap zijn ontelbaar en de kunstenaar enorm dankbaar in hun emotionele betekenis en schoonheid.

Daarom moeten jonge kunstenaars niet alleen kennis maken met dit onderdeel van tekenen en schilderen, maar ook creatief aan de slag gaan met de onderwerpen.

Architectuur trekt al lang kunstenaars aan - schilders en grafische kunstenaars - niet alleen een cap-compositie-element van de foto, dat de werkelijke situatie van de actie of de omgeving van het afgebeelde object weerspiegelt, maar ook de schoonheid van architecturale volumes en vormen die perfect worden gecombineerd met de natuur, de menselijke figuur, de beweging van de menigte, de kleuren van decoratie en kostuum. Het beeld van architectuur had echter lange tijd een decoratief karakter en verliet de conventies van de vlakke stijl niet.

Realistisch, getrouw en expressief in termen van volume en ruimte, de overdracht van min of meer complexe architecturale vormen, georganiseerd in ensembles en groepen, werd pas mogelijk nadat de wetten van het perspectief werden verkend en onthuld in de 15e eeuw, tijdens de Italiaanse Renaissance.

De wetenschap van het perspectief heeft zich in de loop van de tijd steeds meer ontwikkeld en is in onze tijd tot zo'n perfectie gebracht dat de regels ervan ons niet alleen in staat stellen objecten af ​​te beelden wanneer we ze naar het leven tekenen, maar ook het uiterlijk reproduceren van objecten die door de creatieve verbeelding zijn gecreëerd van de kunstenaar.

Naast het kennen van de wetten van het perspectief, moet de kunstenaar, om met succes aan het stadslandschap en architecturale motieven te werken, meer vertrouwd raken met de kunst van architectuur en architecturale vormen.

Zoals je weet, schenkt deze oudste van de kunsten, die gebouwen en structuren creëert, ze zulke vormen en uiterlijke tekens die het mogelijk maken om het doel van structuren door uiterlijk te raden, de relatie van het ene deel ervan met het andere en hun onderlinge verbinding te bepalen, onderscheiden de belangrijkste van de secundaire.

Bij het organiseren van de ruimte en het verwerken van de volumes, vlakken en details van de structuur, laat de architect zich leiden door het artistieke beeld en het architectonische idee dat hij creëert.

Met uitgebreide oefening in het tekenen naar het leven, leert het onderzoekende oog van de kunstenaar geleidelijk de kenmerken van constructie en het stilistische karakter van architecturale vormen, zelfs van aanzienlijke complexiteit, te begrijpen. Voor een bewuste houding ten opzichte van de natuur is echter kennis van de geschiedenis noodzakelijk.

Het spreekt voor zich dat onafhankelijk compositiewerk aan complexe architectonische onderwerpen niet succesvol kan zijn zonder voldoende speciale kennis.

De reproducties die hier worden gegeven van tekeningen en schilderijen van de meesters van het stedelijke en architecturale landschap - schilders en architecten - maken het mogelijk om de momenten van de compositorische orde te analyseren en kennis te maken met de uitvoeringstechnieken.

Het is veel nuttiger om een ​​dergelijk onderzoek te doen naar de originelen, die dit gebied van tekenen en schilderen vertegenwoordigen in onze kunstgalerijen en musea.

Beroemde meesters van het architecturale landschap waren de Venetiaanse schilders Antonio Canaletto (1697-1768), Bernardo Belotto (1720-1789), Francesco Guardi (1712-1793), D. Panni-ni (1695-1768), de Venetiaanse architect en etser Giovanni Battista Piranesi (1720-1778), Franse kunstenaar Hubert Robert (1733-1778).

De werken van Russische meesters zijn uitstekend: An. Velsky (1730-1796), F. Alekseev (1755-1824), Sylvester Shchedrin (1791-1830), Galaktionov (1779-1854), M. Vorobyov (1787-1855).

Briljante voorbeelden van het architecturale landschap en architecturale fantasieën en perspectieven zijn te vinden in de tekeningen van architecten: M. Kazakov (1738-1813), Giacomo Quarenghi (1744-1817), A. Voronikhin (1760-1813), P. Gonzago ( 1751-1831) en anderen

Hier zijn een paar praktische observaties met betrekking tot werken naar de natuur, die nuttig zijn om te overwegen voor beginnende jonge kunstenaars die werken aan het architecturale landschap.

Een goede keuze van het punt van waaruit een schets van een stadsgezicht, architectonisch landschap of architectonisch monument wordt gemaakt, is van groot belang. Dit probleem moet op de meest voordelige manier worden opgelost, zowel wat betreft de algehele compositie als wat betreft het meest expressieve kenmerk van het hoofdthema van een bepaalde tekening of picturale studie. In deze richting moet je je artistieke flair op alle mogelijke manieren ontwikkelen door klassieke compositiepatronen in de beeldende kunst en de eindeloze schoonheid van de natuur te bestuderen. Soms kan het moeilijk zijn om meteen te stoppen bij de keuze van de artistiek meest voordelige randen van het beeld.

De reden hiervoor kan de enorme schaal zijn van het stedelijke uitzicht of het architecturale landschap dat zich voor ons uitstrekt, de talrijke architectonische details die evenzeer de aandacht van de kunstenaar trekken en voor hem even verleidelijk zijn.

Houd er rekening mee dat het voor beginnende kunstenaars handiger is om zich in eerste instantie te beperken tot eenvoudigere en minder specifieke onderwerpen en geleidelijk over te gaan tot het werken aan complexere onderwerpen.

Bij het werken aan architecturale landschappen moet de jonge kunstenaar van het hoofd, van het hoofd naar het bijzonder, naar het secundaire gaan. De tekening moet gebaseerd zijn op de juiste perspectiefconstructie van vormen. De tekening moet allereerst duidelijk de positie van de horizon, het verdwijnpunt, de afwijkingspunten van de lijnen, etc. voorstellen.

Perspectiefconstructies bij het tekenen naar het leven zijn te herleiden tot de eenvoudigste schema's van technieken. Ze zijn zeer elementair en hebben alleen betrekking op de basisconstructies en basisvormen. De nodige technieken, gelijkmatigheid moeten door de natuur zorgvuldig worden bestudeerd en getekend, geleid door de regels van perspectief, in volledige overeenstemming met het belangrijkste perspectiefschema.

Een architectonisch landschapskunstenaar moet vooral veeleisend van zichzelf zijn wanneer hij de structuur van architecturale massa's, volumes en vormen analyseert, hun onderlinge constructieve samenhang bepaalt, relaties en verhoudingen legt, de aard van de beweging en het ritme van architectonische massa's en lijnen opzoekt. De portretgelijkenis van het beeld voor architectonische onderwerpen is van uitzonderlijk belang. Ego volgt uit de voorwaarden van harmonische regelmaat en volledigheid van architectonische vormen.

De plattegronden van stadsgezichten en het architectonisch landschap die tot ver in het beeld doordringen, de ruimtelijkheid en reliëfplasticiteit van architecturale exterieurs en interieurs, de effecten van licht en schaduw, de luchtwaas van afstanden en de transparantie van schaduwen zullen ongetwijfeld aangrijpen de aandacht van de jonge kunstenaar. Hij moet streven naar hun getrouwe, levendige en artistieke overdracht, aangezien een aanzienlijk deel van de charme en overtuigingskracht van zijn tekeningen en studies hiervan afhangt.

ARCHITECTONISCH LANDSCHAP - het concept is ontleend aan het werk van A.I. Kaplun, die daarin een hoge uitdrukking ziet van de eenheid van ARCHITECTUUR met de natuur als het belangrijkste artistieke middel van het architecturale ENSEMBLE (zie Kaplun A.I. "Style and Architecture>>. - M., 1983).

ARCHITECTURAAL LANDSCHAP - een genrevariatie van landschap, een afbeelding in de schilderkunst en afbeeldingen van echte of denkbeeldige architectuur in een natuurlijke omgeving. In het architecturale landschap speelt lineair en luchtperspectief een belangrijke rol, waardoor natuur en architectuur met elkaar verbonden kunnen worden. In het architectonische landschap van de 18e eeuw is het mogelijk om stedenbouwkundig perspectief te onderscheiden. genaamd veduta (Antonio Canaletto, Francesco Guardini, F.Ya. Alekseev), soorten villa's, landgoederen, parkensembles met gebouwen, landschappen met oude of middeleeuwse ruïnes (Hubert Robert, S.F. Shchedrin, F.M. Matveev), fantastische landschappen met denkbeeldige gebouwen en ruïnes (Giovanni Battista). Het architecturale landschap is vaak een soort perspectiefschilderij.

Publicaties in de sectie Architectuur

Architectuur in de schilderijen van binnenlandse kunstenaars

Panorama's van de straten van de hoofdstad, architecturale monumenten, gebouwen die niet meer bestaan, houten boten die langs de Neva en de rivier de Moskou rennen - dit alles is te zien in de schilderijen van de meesters van het stadslandschap van de late 18e - eerste helft van de 20e eeuw . Ongeveer 10 artiesten van dit genre - in het materiaal van de portal "Culture.RF".

Fedor Aleksejev. Uitzicht op de opstanding en de Nikolsky-poorten en de Neglinny-brug vanaf de Tverskaya-straat in Moskou (detail). 1811. Staat Tretyakov Gallery, Moskou

Fedor Aleksejev. Rode Plein in Moskou (detail). 1801. Staat Tretyakov Gallery, Moskou

Fedor Aleksejev. Uitzicht op de landtong van het Vasilyevsky-eiland vanaf de Peter en Paul-vesting (detail). 1810. Russisch Staatsmuseum, St. Petersburg

Fedor Alekseev begon zijn creatieve carrière met de stadsgezichten van Venetië, waar hij als gepensioneerde van de Academie van Beeldende Kunsten woonde. Toen hij terugkeerde naar Rusland, schilderde hij uitzicht op de Krim, Poltava, Orel, maar hij werd beroemd om zijn schilderijen met Moskou en St. Petersburg. De beroemdste doeken van zijn Moskou-cyclus - "Rode Plein in Moskou" en "Gezicht op de Wederopstanding en Nikolsky-poorten en de Neglinny-brug vanaf de Tverskaya-straat in Moskou" - worden tegenwoordig bewaard in de Tretyakov-galerij. De belangrijkste schilderijen van St. Petersburg van de kunstenaar - "Uitzicht op de Spit van Vasilevsky-eiland vanaf het Peter en Paul-fort" en "Uitzicht op de Engelse kade" zijn te zien in de collectie van het Russisch Museum.

De schilderijen van Alekseev zijn niet alleen interessant vanuit artistiek oogpunt, maar ook vanuit historisch oogpunt: het schilderij uit de jaren 1800 "Gezicht op de kerk van St. Nicolaas het Grote Kruis op Ilyinka" toont bijvoorbeeld een barokke kerk van de late 17e eeuw, die werd gesloopt in 1933. En dankzij het schilderij "Uitzicht op de Kazankathedraal" kun je ontdekken dat er aanvankelijk een houten obelisk voor deze St. Petersburgse tempel stond. Na verloop van tijd raakte het in verval en in de jaren 1820 werd het van het plein verwijderd.

Maxim Vorobjov. Uitzicht op het Kremlin van Moskou (vanaf de Ustyinsky-brug) (detail). 1818. Staat Tretyakov Gallery, Moskou

Maxim Vorobjov. Uitzicht op de Kazankathedraal vanaf de westkant (detail). Eerste helft van de jaren 1810. Russisch Staatsmuseum, St. Petersburg

Maxim Vorobjov. Peter en Paul-vesting (detail). Eind jaren 1820. Russisch Staatsmuseum, St. Petersburg

Hij portretteerde ook andere buitenwijken van Petersburg - Peterhof, Pavlovsk, Gatchina en, in feite, Petersburg zelf. Onder de werken van de kunstenaar zijn "Apollo's Cascade and the Palace", "View of the Kamennoostrovsky Palace", "View of the Big Pond Island in Tsarskoye Selo Gardens", "Rural Yard in Tsarskoye Selo". En hoewel Semyon Shchedrin een meester was in het stadslandschap, schilderde hij architectonische objecten nogal conventioneel. De belangrijkste aandacht van de kunstenaar ging uit naar de natuur - kunsthistorici beschouwen hem als een voorbode van het Russische lyrische landschap.

Stepan Galaktionov. Uitzicht op de Neva vanaf de Peter en Paul-vesting (detail). 1821. All-Russisch Museum van A.S. Poesjkin, St. Petersburg

Stepan Galaktionov. Fontein in het park. (fragment). 1820. Sevastopol Art Museum vernoemd naar P.M. Kroshitsky, Sevastopol

Stepan Galaktionov. Huisje in het park (detail). 1852. Tyumen Museum voor Schone Kunsten, Tyumen

Stepan Galaktionov was niet alleen schilder en aquarellist, maar ook een briljant graveur: hij was een van de eersten in Rusland die de techniek van lithografie - steengravure - onder de knie had. De belangrijkste inspiratiebron voor Galaktionov waren de architectonische monumenten van St. Petersburg. Hij nam deel aan de creatie van een album met litho's "Views of the suburbs and environs of St. Petersburg", dat in 1805 onder toezicht stond van de kunstenaar Semyon Shchedrin. Deze collectie omvat zijn werken: "Gezicht op het Kamenny-eilandpaleis vanuit de datsja van graaf Stroganov" en "Gezicht op het Monplaisir-paleis" in Peterhof, "Gezicht op de tempel van Apollo met de waterval in de tuin van het Pavlovsky-paleis" en "Gezicht op een deel van het paleis vanaf de kant van een groot meer in de stad Gatchina". Vervolgens nam hij ook deel aan het werk aan de collectie "Views of St. Petersburg and its environs", gepubliceerd in 1825 door de Society for the Encouragement of Artists.

Vasili Sadovnikov. Uitzicht op de dijk en het Marmeren Paleis (detail). 1847. Staat Hermitage, St. Petersburg

Vasili Sadovnikov. Uitzicht op de Neva en de Peter en Paul-vesting. 1847. Staat Hermitage, St. Petersburg

Vasili Sadovnikov. Gezicht op de Neva en de Peter en Paul-vesting (detail). 1847. Staat Hermitage, St. Petersburg

De autodidactische kunstenaar Vasily Sadovnikov schilderde de architectuur van St. Petersburg terwijl hij nog een lijfeigene was van prinses Natalya Golitsyna. Nadat hij zijn vrijheid had ontvangen, ging hij naar de Academie van Beeldende Kunsten, waar Maxim Vorobyov zijn leraar werd.

Er zijn talloze gezichten op het Winterpaleis bekend, geschilderd door Sadovnikov in opdracht van de keizers Nicolaas I en Alexander II. Maar het bekendste werk van de kunstenaar is de 16 meter lange aquarel "Panorama of Nevsky Prospekt", waaraan hij 5 jaar werkte - sinds 1830. Daarop wordt de hoofdstraat van Sint-Petersburg in beide richtingen getekend - van het Admiralteiskaya-plein tot de Anichkov-brug. De kunstenaar heeft elk huis aan de Nevsky Prospekt in detail afgebeeld op de foto. Later bracht uitgever Andrei Prevost losse delen van dit panorama uit in de vorm van litho's, de serie bestond uit 30 bladen.

Onder andere grootstedelijke schilderijen van de kunstenaar - "Uitzicht op de dijk en het marmeren paleis", "Rechtsuitgang van de hoofdingang van het Grand Palace in Peterhof", "Field Marshal's Hall". Op het werk "Vertrek van de postkoets vanaf het St. Isaac's Square" is de kathedraal afgebeeld in de bouwfase.

Naast Sint-Petersburg schilderde Sadovnikov stadsgezichten van Moskou, Vilnius en Helsinki. Een van de laatste werken van de kunstenaar was het panorama van St. Petersburg vanaf de Pulkovo-hoogte.

Andrej Martynov. Gezicht op het paleis van Peter I in de Zomertuin (detail). 1809-1810. Staatsmuseum de Hermitage, Sint-Petersburg

Andrej Martynov. Uitzicht op de Golf van Finland vanaf het balkon van het Oranienbaum-paleis (detail). 1821-1822. Staatsmuseum de Hermitage, Sint-Petersburg

Andrej Martynov. Gezicht op Nevsky Prospekt van de Fontanka naar de Admiraliteit (detail). 1809-1810. Staatsmuseum de Hermitage, Sint-Petersburg

Een van de eerste onafhankelijke werken van de meester van de landschapsschilderkunst Andrey Martynov zijn Italiaanse opvattingen. Na zijn afstuderen aan de Academie van Beeldende Kunsten woonde de kunstenaar als gepensioneerde in Rome. Martynov keerde terug van Italië naar zijn vaderland en schilderde gezichten op Sint-Petersburg met behulp van verschillende technieken, waaronder waterverf en gravure. Om gravures af te drukken, opende Martynov zelfs zijn eigen lithografische werkplaats.

Onder de beroemde werken van de kunstenaar zijn "The Bank of the Bolshaya Embankment in St. Petersburg from Liteinaya to the Summer Garden", "Langs de zomertuin naar de gebouwen van het Marble Palace", "From Moshkov Lane langs de gebouwen van de Winter paleis".

Martynov reisde veel, hij bezocht Peking met de Russische ambassadeur. Later bracht de kunstenaar een lithografisch album uit "Een schilderachtige reis van Moskou naar de Chinese grens." Tijdens reizen deed Martynov ideeën op voor zijn schilderijen, hij legde ook uitzicht op de Krim en de Kaukasus vast. De werken van de kunstenaar zijn te zien in de collecties van de Staat Tretjakovgalerij, het Russisch Staatsmuseum en het Museum voor Schone Kunsten vernoemd naar A.S. Poesjkin.

Carl Beggrov. In de zomertuin (detail). jaren 1820 Russisch Staatsmuseum, St. Petersburg

Carl Beggrov. Boog van het Generale Stafgebouw (detail). 1822. All-Russisch Museum van A.S. Poesjkin, St. Petersburg

Carl Beggrov. Triomfpoorten (detail). jaren 1820 Russisch Staatsmuseum, St. Petersburg

Karl Beggrov schilderde landschappen, maar in tegenstelling tot de zoon van de zeeschilder Alexander Beggrov schilderde hij geen zeegezichten, maar stadsgezichten. Als leerling van Maxim Vorobyov schilderde hij een groot aantal aquarellen en litho's met landschappen van St. Petersburg.

In 1821-1826 creëerde Karl Beggrov een serie litho's, die werden opgenomen in de collectie Gezichten op St. Petersburg en omgeving. Onder hen bijvoorbeeld "Gezicht op de boog van de generale staf". Na de publicatie van dit album werkte Beggrov meer in aquarel, maar schilderde nog steeds voornamelijk St. Petersburg - bijvoorbeeld "In the Summer Garden" en "Triumphal Gates". Tegenwoordig worden de werken van Karl Beggrov bewaard in de Tretyakov-galerij, het Russisch Staatsmuseum, de Hermitage en musea in andere steden.

Alexander Benois. Kas (detail). 1906. Staat Tretyakov Gallery, Moskou

Alexander Benois. Frontispice voor The Bronze Horseman van Alexander Pushkin (detail). 1905. Staatsmuseum voor Schone Kunsten vernoemd naar A.S. Poesjkin, Moskou

Alexander Benois. Oranienbaum (detail). 1901. Russisch Staatsmuseum, St. Petersburg

In 1902 in het tijdschrift "World of Art"

Mstislav Dobuzhinsky. Petersburg (detail). 1914. Staat Tretyakov Gallery, Moskou

Mstislav Dobuzhinsky. Huis in St. Petersburg (detail). 1905. Staat Tretyakov Gallery, Moskou

Mstislav Dobuzhinsky. Hoek van St. Petersburg (detail). 1904. Staat Tretyakov Gallery, Moskou

Mstislav Dobuzhinsky was een veelzijdig kunstenaar - hij ontwierp theaterproducties, geïllustreerde boeken en tijdschriften. Maar de centrale plaats in zijn werk werd ingenomen door het stadslandschap, vooral de kunstenaar beeldde graag Sint-Petersburg af - Dobuzhinsky bracht daar zijn jeugd door.

Onder zijn werken zijn "Hoek van Petersburg", "Petersburg". Petersburgse landschappen zijn ook te zien in het boek "Petersburg in 1921", in illustraties voor Dostojevski's Witte Nachten en Dostojevski's Petersburg door Nikolai Antsiferov. In 1943 creëerde Dobuzhinsky een cyclus van denkbeeldige landschappen van het belegerde Leningrad.

Zoals de kunsthistoricus Erich Hollerbach schreef: “In tegenstelling tot Ostroumova-Lebedeva, die in haar gravures en litho's vooral de architectonische schoonheid van St. Petersburg vastlegde, keek de kunstenaar ook in de laaglanden van het stadsleven, omarmd met zijn liefde niet alleen de monumentale pracht van de St. Petersburgse architectuur, maar ook de ellendige ellende van de vuile buitenwijken. Na het verlaten van het land bleef Dobuzhinsky landschappen schilderen, maar al in Litouwen en de VS.

Anna Ostroumova-Lebedeva. Petersburg, Moika (detail). 1912. Privécollectie

Anna Ostroumova-Lebedeva. Pavlovsk (detail). 1953. Privécollectie

Anna Ostroumova-Lebedeva. Petrograd. Rode kolommen (detail). 1922. Russisch Staatsmuseum, St. Petersburg

Een van de belangrijkste grafici en graveurs van de eerste helft van de 20e eeuw. Op houtsneden - houtsneden, litho's en aquarellen - beeldde ze vooral gezichten op St. Petersburg af. Onder haar werken bevinden zich illustraties voor de boeken van Vladimir Kurbatov "Petersburg" en Nikolai Antsiferov "The Soul of Petersburg", aquarel "Field of Mars", "Autumn in Petrograd", gravures "Petersburg. Zomertuin in de winter”, “Petersburg. Rostraalkolommen en beurs” en anderen.

De kunstenaar verliet haar geboorteland Leningrad niet, zelfs niet tijdens de blokkade: “Ik schreef vaak in de badkamer. Ik leg een tekentafel op de wastafel en zet er een inktpot op. Verderop op de plank staat een rokerij. Hier klinken de slagen meer gedempt, het gefluit van vliegende granaten wordt niet zo vaak gehoord, het is gemakkelijker om verspreide gedachten te verzamelen en ze op het juiste pad te leiden. De werken uit deze periode - "Summer Garden", "Rostral Column" en anderen - werden ook gepubliceerd in de vorm van ansichtkaarten.

Weer een masterclass

Met zachte materialen bedoelen we hier potloden 3B en zachter, geperst hout houtskool, sanguine, saus, sepia, krijt, pastel. Hoe zachter het materiaal, hoe zachter het moet zijn om het papier aan te raken. Mislukte plaatsen aan het begin kunnen het beste worden gewist met een servet of zeur en vervolgens met een gum. Sommige van deze materialen kunnen op nat papier worden gebruikt: saus, sanguine, sepia. Ze kunnen ook tot stof worden gewreven, in elke gewenste verhouding met water worden verdund en met een kwast worden bewerkt. Hieronder volgen voorbeelden van specifieke werkwijzen.
Het is niet ongebruikelijk dat beginners een slecht doordachte houding ten opzichte van materialen hebben, bijvoorbeeld met beperkte tijd op een groot vel, wordt een tekening gemaakt met een hard potlood. Bij gebrek aan ervaring wordt het werkproces moeilijk en wordt het hele resultaat onbereikbaar. Schetsen op grote schaal hebben een positief effect op het ontwikkelen van een gevoel van heelheid, en het is natuurlijk om ze te maken met flexibele, bewegende materialen zoals sanguine, houtskool, sepia, enz. Zulke grote schetsen worden op armlengte gemaakt.

Interieur tekening.

Het beeld van interieurs uit de natuur heeft zijn eigen kenmerken. Ten eerste omvat het interieur ruimtelijke plannen. De tekenaar moet een zodanig punt vinden dat de architectuur in de tekening leesbaar is en met de juiste verhoudingen van het algemeen en de details. Tegelijkertijd is het voor zeer grote ruimtes noodzakelijk om het schijnbare perspectief zodanig te "corrigeren" dat er minder vervorming optreedt. Om dit te doen, is het mogelijk "met het oog" om een ​​groothoekperspectief te bouwen met drie of meer verdwijnpunten aan de horizon, en de verticale lijnen worden strikt parallel getekend. Kamerinterieurs zijn afgebeeld met het gebruikelijke perspectief. De locatie van de horizonlijn is erg belangrijk - ter hoogte van de ogen van een staand of zittend persoon. In zeldzame gevallen wordt nabij de vloer een horizonlijn aangebracht om het object een bijzondere monumentaliteit te geven. Ten tweede heeft het interieur verschillende lichtbronnen en soms meerdere lichtpunten "werk". In ieder geval moet u het luchtperspectief volgen, dat een aanvulling vormt op het lineaire perspectief. De voorgrond wordt het meest contrastrijk naarmate deze verder weg beweegt, het licht donkerder wordt afgebeeld, de schaduwen lichter en alle andere tonale relaties convergeren. Ten derde zijn objecten in het interieur verschillend van kleur (van wit tot zwart) en textuur (hout, marmer, metaal)
Gebruik de lijn voor snelle schetsen. Maar de lijn definieert als zodanig slechts voorwaardelijk de grenzen van het object, zonder een idee te geven van de kleur- en textuurkwaliteiten ervan. Daarom kun je volgens de eerste lineaire schets meteen een lichte toon leggen met blending of suède, nadat je het eerder op het palet hebt geprobeerd. De mogelijkheden van de lijn zijn ook beperkt in de overdracht van echt volume. We kennen de briljante lijntekeningen van interieurs van architecten als Voronikhin, Thomas de Thomon, Cameron, Zholtovsky, Noakovsky.
Het zwart-witpatroon drukt niet alleen het voorwaardelijke karakter van verlichting uit, maar nog veel meer. Voordat u zo'n tekening maakt, moet u nadenken over hoe u verlichting in het interieur effectiever kunt gebruiken, hoe u lichtplannen het meest expressief kunt onthullen. Of het licht nu door ramen valt of diffuus licht is, het licht komt van kroonluchters - in elk geval is een kwalitatief nieuwe ontwerpoplossing vereist. Voor interieurtekeningen is het goed om gekleurd papier te gebruiken, met de verwachting dat je in de laatste fase van het werken met krijt slagen maakt op lichte punten.
Een schitterend voorbeeld van zwart-wit tekeningen van interieurs zijn de tekeningen van Gonzago, Premazzi en Piranesi.

Landschapstekening met architectuur.

In de lucht moet je bij verschillende weersomstandigheden en op verschillende tijdstippen tekenen - dan zullen we dezelfde architectuur in verschillende verlichting zien en zal het gemakkelijker zijn om het belangrijkste te vangen. Ook hier is het nodig om een ​​beeld in perspectief op te bouwen, dat de relatie van ruimtelijke plannen met de horizon en het verdwijnpunt en de positie van alle objecten in de ruimte bepaalt. Probeer eerst de vorm van de gebouwen te schetsen, die niet afhankelijk is van verlichting. In de loop van de zon zal het de hele tijd veranderen en je moet de meest gunstige positie op het laken onthouden en snel bepalen, of vanaf het begin ga je uit van diffuus licht van een bewolkte lucht. Werk allereerst grote plannen uit, ondergeschikt en correleer kleinere vormen en details eraan. Het is raadzaam om op verschillende papierformaten te tekenen, zodat de architectuur als het ware op een andere schaal wordt verkregen. Het is gemakkelijker om met stadslandschappen te beginnen op een niet-zonnige dag, wanneer de verlichting stabieler is en de licht- en schaduwverhoudingen weinig veranderen. Voorbeelden van dergelijke werken zijn tekeningen van M. Vorobyov, F. Alekseev, I. Charlemagne en anderen.

Architectuur tekenen in een landschap (uit eigen ervaring).


Ik kies het papierformaat en schets meteen de compositie op het blad in sepia (zonder potlood): hoeveel land, hoeveel architectuur en hoeveel lucht. Gewoonlijk is het gebied van de lucht op het laken groter dan de aarde (het is erg als het er hetzelfde uitkomt). In de eerste fase worden de problemen van verlichting en toonrelaties "in gedachten gehouden" - de vorm zelf van de aarde en architectuur wordt geschetst, door middel van vereenvoudigde vormen zonder details - een vlak, een prisma, een cilinder, enz. Voor de duidelijkheid van de compositie moet de eerste schets helder zijn, maar "licht".
Vervolgens worden de belangrijkste details uitgewerkt en wordt de algehele vorm in toon uitgelegd. U kunt blending of suède gebruiken om ingewreven sepia op te nemen en gemakkelijk, zonder in papier te wrijven, aan te brengen op de plaatsen die nodig zijn voor de compositie. Bij diffuus licht zijn dit in de eerste plaats openingen, bij zonlicht ook de algemene begrenzing van hun eigen schaduwen. De gemiddelde toon van de aarde is meestal donkerder dan de gemiddelde toon van de architectuur. Nadere detaillering en uitwerking in toon vindt plaats volgens het lineaire en luchtperspectief. Tegelijkertijd, bij voorkeur in één keer, wordt de lucht gemaakt: de toestand van de wolken in perspectief en belichting, en de architectuur wordt voltooid tegen de achtergrond van de lucht. Door het hele werk heen blijft architectuur het belangrijkste element van de compositie. Het is altijd wenselijk om in de laatste fase een of twee van de lichtste plaatsen en een of twee van de donkerste te maken, terwijl de contrasten op de voorgrond worden versterkt. Dichter bij de randen van het vel worden de contrasten verzwakt. De entourage (natuur, mensen) in dergelijke tekeningen is middelmatig van toon en min of meer voorwaardelijk, dat wil zeggen 'speelt' mee met de architectuur. Het lineaire podium en de details worden alleen gedaan met een scherpgeslepen sepia-stick. Voor bijna alle onderwerpen kan papier met een ruwe textuur worden genomen. Vervolgens worden verre plannen gemaakt door te mengen en wordt de voorgrond in het klein gemaakt om een ​​ruwe textuur over te brengen (schors van bomen, muren gemaakt van rotsblokken, aarde, enz.). Als u gekleurd papier neemt - geelachtig, grijsachtig, bruinachtig, enz. - vervolgens worden in de laatste fase verschillende accenten aangebracht met krijt of vloeibaar wit met een penseel. Wit wordt op twee manieren gebruikt: als highlight of als lichtvlak. Glare is onbeduidend in oppervlakte, maar helder in intensiteit. Lichte vlakken zijn minder helder, maar groter in oppervlakte. In beide gevallen zijn deze lichtvlekken verschillend in intensiteit en wordt een van hen het helderst. De algehele toon van de lucht is meestal lichter dan al het andere.

Landschapstekening met elementen van architectuur.

Je kunt vooral landschapstekeningen overwegen, waarbij de architectuur in de compositie slechts de rol speelt van een accent dat de schoonheid van het landschap benadrukt. In dergelijke tekeningen is vooral de schaal van het element architectuur en landschap belangrijk. Hier is het de taak om te laten zien hoe mooi architectuur in de natuur past en er tegelijkertijd van verschilt. De textuur van de natuur is oneindig divers: de lucht, gebladerte, bomen, aarde, stenen, enz. in tegenstelling tot min of meer dezelfde textuur in de architectuur. Bouwkundige details spelen hier een bijzondere rol. Dergelijke tekeningen worden in de regel in een diepe toon gemaakt - van wit tot de donkerste, maar het is raadzaam om nergens zo'n mate van duisternis te bereiken dat het materiaal al stopt met "werken".

Stedelijk landschap

landschapstypes

Afhankelijk van de aard van het landschapsmotief kan men landelijke, stedelijke (inclusief stedenbouwkundige en veduta) en industriële landschappen onderscheiden. Een bijzonder gebied is het beeld van het zee-element - de jachthaven.

Landelijk landschap ook wel "dorp" genoemd

Deze richting van het landschapsgenre is altijd populair geweest, ongeacht de mode. De relatie tussen de natuur en de resultaten van de bewuste activiteit van de mensheid is altijd behoorlijk complex geweest, zelfs tegenstrijdig; in de beeldende kunst komt dit vooral tot uiting. Landschapsschetsen met architectuur, een hek of een rokende fabrieksschoorsteen creëren geen vredige sfeer: tegen zo'n achtergrond is al het moois van de natuur verloren, weg.

Er is echter een omgeving waar menselijke activiteit en natuur in harmonie zijn of, integendeel, de natuur een dominante rol speelt - dit is het platteland, waar architecturale structuren als het ware de dorpsmotieven aanvullen.

Kunstenaars in het landelijke landschap worden aangetrokken door rust, een soort poëzie van het landelijke leven, harmonie met de natuur. Het huis aan de rivier, de rotsen, het groen van de weilanden, de landweg gaven een impuls aan de inspiratie van kunstenaars van alle tijden en landen.

Dit landschapstype was het resultaat van een eeuwenlange ontwikkeling in de landschapsschilderkunst. In de 15e eeuw raakten architecturale landschappen wijdverspreid, die uitzicht op de stad vanuit vogelperspectief afbeeldden. Oudheid en moderniteit versmolten vaak op deze interessante doeken, elementen van fantasie waren aanwezig.

Een soort landschap, een van de soorten perspectiefschilderingen, een afbeelding van echte of denkbeeldige architectuur in een natuurlijke omgeving. Een grote rol in het architecturale landschap wordt gespeeld door een lineair en luchtperspectief, dat natuur en architectuur met elkaar verbindt.

In het architectonische landschap worden stedelijke perspectiefgezichten onderscheiden, die in de 18e eeuw werden genoemd. vedutami (A. Canaletto, B. Bellotto, F. Guardi in Venetië), soorten landgoederen, parkensembles met gebouwen, landschappen met oude of middeleeuwse ruïnes (J. Robert; KD Friedrich Abbey in een eikenbos, 1809-1810, Berlijn , Staatsmuseum; S.F. Shchedrin), landschappen met denkbeeldige gebouwen en ruïnes (D.B. Piranesi, D. Pannini).

Veduta(it. veduta, lit. - gezien) - een landschap dat nauwkeurig een gedocumenteerd beeld geeft van het gebied, de stad, een van de oorsprong van panoramakunst. Het laat-Venetiaanse landschap, nauw verbonden met de namen van Carpaccio en Bellini, die een evenwicht wisten te vinden tussen de documentaire accuratesse van het weergeven van de stedelijke realiteit en de romantische interpretatie ervan. De term verscheen in de 18e eeuw, toen een camera obscura werd gebruikt om beelden te reproduceren. De belangrijkste kunstenaar die in dit genre werkte, was A. Canaletto: Piazza San Marco (1727-1728, Washington, National Gallery).

Jachthaven (it. marina, van lat. marinus - zee) - een van de soorten landschap waarvan het object de zee is.

Marina kreeg in het begin van de 17e eeuw vorm als een zelfstandig genre in Holland: J. Porcellis, S. de Vlieger, V. van de Velle, J. Vernet, W. Turner "Funeral at Sea" (1842, Londen, Tate Gallery), K. Monet "Impression, Sunrise" (1873, Parijs, Marmottan Museum), S.F. Shchedrin "Small Harbor in Sorrento" (1826, Moskou, Tretyakov Gallery).

Aivazovsky slaagde er als geen ander in om een ​​levend, met licht gevuld, altijd bewegend waterelement weer te geven. Door de te scherpe contrasten van de klassieke compositie weg te werken, bereikt Aivazovsky uiteindelijk echte picturale vrijheid. Bravura - catastrofaal "The Ninth Wave" (1850, Russisch Museum, St. Petersburg) is een van de meest herkenbare schilderijen van dit genre.