FRANCESCO PETRARCA (1304-1374) - de stichter van de Italiaanse Renaissance, een groot dichter en denker, politicus. Afkomstig uit een popolische familie in Florence, bracht hij vele jaren door in Avignon onder de pauselijke curie, en de rest van zijn leven in Italië. Petrarca reisde veel in Europa, was dicht bij de pausen, vorsten. Zijn politieke doelen: de hervorming van de kerk, het beëindigen van oorlogen, de eenheid van Italië. Petrarca was een kenner van de oude filosofie, hij verdient de verdienste om manuscripten van oude auteurs te verzamelen, hun tekstverwerking.
Petrarca ontwikkelde humanistische ideeën, niet alleen in zijn briljante, innovatieve poëzie, maar ook in Latijnse proza-geschriften - verhandelingen, talloze brieven, waaronder zijn belangrijkste brief "The Book of Everyday Affairs".
Het is gebruikelijk om over Francesco Petrarca te zeggen dat hij sterker is dan wie dan ook - althans in zijn tijd - gericht op zichzelf. Wat niet alleen de eerste 'individualist' van de New Age was, maar veel meer dan dat - een opvallend complete egocentrist.
In de werken van de denker werden de theocentrische systemen van de Middeleeuwen vervangen door het antropocentrisme van het renaissancehumanisme. Petrarca's 'ontdekking van de mens' maakte een diepere kennis van de mens in wetenschap, literatuur en kunst mogelijk.
LEONARDO DA VINCI (1454-1519) - briljante Italiaanse kunstenaar, beeldhouwer, wetenschapper, ingenieur. Geboren in Anchiano, nabij het dorp Vinci; zijn vader was een notaris die in 1469 naar Florence verhuisde. Leonardo's eerste leraar was Andrea Verrocchio.
Leonardo's interesse in mens en natuur spreekt van zijn nauwe band met de humanistische cultuur. Hij beschouwde de creatieve vermogens van de mens als onbegrensd. Leonardo was een van de eersten die het idee van de herkenbaarheid van de wereld door middel van rede en sensaties onderbouwde, dat stevig verankerd was in de ideeën van denkers uit de 16e eeuw. Hij zei zelf over zichzelf: "Ik zou alle geheimen begrijpen, tot op de bodem uitzoeken!"
Leonardo's onderzoek betrof een breed scala aan problemen in de wiskunde, natuurkunde, astronomie, botanie en andere wetenschappen. Zijn talrijke uitvindingen waren gebaseerd op een grondige studie van de natuur, de wetten van haar ontwikkeling. Hij was ook een vernieuwer in de theorie van de schilderkunst. Leonardo zag de hoogste manifestatie van creativiteit in de activiteit van een kunstenaar die de wereld wetenschappelijk begrijpt en reproduceert op canvas. De bijdrage van de denker aan de renaissance-esthetiek kan worden beoordeeld aan de hand van zijn "Boek over schilderkunst". Hij was de belichaming van de 'universele mens' die door de Renaissance werd geschapen.
NICCOLO MACHIAVELLI (1469-1527) - Italiaanse denker, diplomaat, historicus.
Florentijns, afstammeling van een oude maar verarmde patriciërsfamilie. Gedurende 14 jaar was hij secretaris van de Raad van Tien, belast met de militaire en buitenlandse zaken van de Republiek Florence. Na de restauratie in Florence werden de Medici-autoriteiten verwijderd uit staatsactiviteiten. In 1513-1520 was hij in ballingschap. Deze periode omvat de creatie van de belangrijkste werken van Machiavelli - "The Sovereign", "Discourses on the first decade of Titus Livius", "History of Florence", wat hem Europese bekendheid opleverde. Het politieke ideaal van Machiavelli is de Romeinse Republiek, waarin hij de belichaming zag van het idee van een sterke staat, waarvan het volk "de vorsten veel overtreft, zowel in deugd als in glorie". ("Verhandelingen over het eerste decennium van Titus Livius").
De ideeën van N. Machiavelli hadden een zeer grote invloed op de ontwikkeling van politieke doctrines.
THOMAS MOP (1478-1535) - Engelse humanist, schrijver, staatsman.
Geboren in de familie van een Londense advocaat, volgde hij zijn opleiding aan de Universiteit van Oxford, waar hij zich aansloot bij de kring van Oxfordse humanisten. Onder Henry VIII bekleedde hij een aantal hoge regeringsposten. Zeer belangrijk voor de vorming en ontwikkeling van More als humanist was zijn ontmoeting en vriendschap met Erasmus van Rotterdam. Hij werd beschuldigd van hoogverraad en geëxecuteerd op 6 juli 1535.
Het beroemdste werk van Thomas More is "Utopia", dat zowel de passie van de auteur voor oude Griekse literatuur en filosofie weerspiegelde, als de invloed van het christelijke denken, in het bijzonder Augustinus' verhandeling "Over de stad van God", en ook een ideologische connectie vertoont. met Erasmus van Rotterdam, wiens humanistische ideaal dichtbij More lag. Zijn ideeën hadden een sterke invloed op het sociale denken.
ERASMUS VAN ROTTERDAM (1469-1536) - een van de meest prominente vertegenwoordigers van het Europese humanisme en de meest veelzijdige van de toenmalige wetenschappers.
Erasmus, de onwettige zoon van een arme pastoor, bracht zijn jeugd door in een Augustijnenklooster, dat hij in 1493 wist te verlaten. Hij bestudeerde met groot enthousiasme de werken van Italiaanse humanisten en wetenschappelijke literatuur en werd de grootste kenner van Grieks en Latijn.
Erasmus' beroemdste werk is de satire Praise of Stupidity (1509), gemodelleerd naar Lucianus, die in het huis van Thomas More in slechts één week werd geschreven. Erasmus van Rotterdam probeerde de culturele tradities van de oudheid en het vroege christendom samen te voegen. Hij geloofde in de natuurlijke goedheid van de mens, hij wilde dat mensen zich lieten leiden door de eisen van de rede; onder de spirituele waarden van Erasmus - vrijheid van geest, onthouding, opleiding, eenvoud.
THOMAS MUNTZER (circa 1490-1525) - Duitse theoloog en ideoloog van de vroege Reformatie en de boerenoorlog van 1524-1526 in Duitsland.
Als zoon van een ambachtsman volgde Müntzer zijn opleiding aan de universiteiten van Leipzig en Frankfurt an der Oder, waar hij afstudeerde met een bachelordiploma in theologie, en predikant werd. Hij werd beïnvloed door mystici, wederdopers en hussieten. In de beginjaren van de Reformatie was Müntzer een aanhanger en aanhanger van Luther. Vervolgens ontwikkelde hij zijn leer van de populaire Reformatie.
Volgens Müntzer waren de belangrijkste taken van de Reformatie niet het vestigen van een nieuw kerkelijk dogma of een nieuwe vorm van religiositeit, maar het verkondigen van een op handen zijnde sociaal-politieke omwenteling die zou worden uitgevoerd door een massa boeren en de armen in de steden. Thomas Müntzer streefde naar een republiek van gelijke burgers, waarin men ervoor zou zorgen dat recht en recht zegevieren.
Voor Müntzer was de Heilige Schrift onderhevig aan vrije interpretatie in de context van hedendaagse gebeurtenissen, een interpretatie die rechtstreeks gericht was op de spirituele ervaring van de lezer.
Thomas Münzer werd na de nederlaag van de rebellen in een ongelijke strijd op 15 mei 1525 gevangengenomen en na zware martelingen geëxecuteerd.
Conclusie
Op basis van het eerste hoofdstuk kunnen we concluderen dat de belangrijkste kenmerken van de renaissancecultuur zijn:
antropocentrisme,
Humanisme,
Wijziging van de middeleeuwse christelijke traditie,
Een speciale houding ten opzichte van de oudheid is de heropleving van oude monumenten en oude filosofie,
Nieuwe houding ten opzichte van de wereld.
Wat het humanisme betreft, benadrukten de leiders de waarde van de menselijke persoon, de onafhankelijkheid van de waardigheid van het individu van afkomst en vrijgevigheid, het vermogen van een persoon om voortdurend te verbeteren en vertrouwen in zijn grenzeloze mogelijkheden.
De Reformatie speelde een uiterst belangrijke rol in de vorming van de wereldbeschaving en cultuur in het algemeen. Het droeg bij aan het proces van de opkomst van een man uit de burgerlijke samenleving - een autonoom individu met vrijheid van morele keuze, onafhankelijk en verantwoordelijk in zijn overtuigingen en acties, en bereidde zo de basis voor het idee van mensenrechten. De dragers van protestantse ideeën drukten een nieuw, burgerlijk type persoonlijkheid uit met een nieuwe houding ten opzichte van de wereld.
De figuren van de Renaissance hebben ons een uitgebreid creatief erfgoed nagelaten dat filosofie, kunst, politieke wetenschappen, geschiedenis, literatuur, natuurwetenschappen en vele andere gebieden omvat. Ze hebben talloze ontdekkingen gedaan, die een enorme bijdrage leveren aan de ontwikkeling van de wereldcultuur.
De renaissance is dus een fenomeen met een lokale reikwijdte, maar een mondiaal effect, dat een sterke invloed heeft gehad op de ontwikkeling van de moderne westerse beschaving en cultuur met haar verworvenheden: een effectieve markteconomie, een civiele samenleving, een democratische rechtsstaat, een beschaafde manier van leven, hoge spirituele cultuur.
[Francis Bacon's doctrine van "idolen"
Afgoden en valse concepten, die de menselijke geest al hebben geboeid en er diep in geworteld zijn, domineren de geest van mensen zo dat ze het de waarheid moeilijk maken om binnen te komen, maar zelfs als de toegang daartoe wordt toegestaan en verleend, zullen ze opnieuw blokkeer de weg tijdens de vernieuwing van de wetenschappen en zal het belemmeren, tenzij de mensen, gewaarschuwd, zich zoveel mogelijk tegen hen wapenen.
Er zijn vier soorten afgoden die de geest van mensen belegeren. Laten we ze namen geven om ze te bestuderen. Laten we het eerste type de idolen van de clan noemen, het tweede - de idolen van de grot, het derde - de idolen van het plein en het vierde - de idolen van het theater.
De constructie van concepten en axioma's door echte inductie is ongetwijfeld het ware middel om afgoden te onderdrukken en te verdrijven. Maar de aanduiding van idolen is erg handig. De leer van de afgoden is voor de interpretatie van de natuur wat de leer van de weerlegging van drogredenen is voor de algemeen aanvaarde dialectiek.
Idolen van de clan vinden hun basis in de aard van de mens zelf, in de stam of het soort mensen zelf, want het is onjuist te beweren dat de gevoelens van de mens de maat der dingen zijn. Integendeel, alle waarnemingen, zowel van de zintuigen als van de geest, berusten op de analogie van de mens en niet op de analogie van de wereld. De menselijke geest wordt vergeleken met een ongelijke spiegel die, door zijn eigen aard te vermengen met de aard van de dingen, de dingen in een vervormde en misvormde vorm weergeeft.
Grot idolen essentie van de waan van het individu. Naast de fouten die inherent zijn aan het menselijk ras, heeft iedereen immers zijn eigen speciale grot, die het licht van de natuur verzwakt en vervormt. Dit gebeurt ofwel door de speciale aangeboren eigenschappen van elk, of door opvoeding en gesprekken met anderen, of door het lezen van boeken en van autoriteiten voor wie men buigt, of door een verschil in indrukken, afhankelijk van of ze worden ontvangen door bevooroordeelde en gepredisponeerde zielen. , of zielen koel en kalm, of om andere redenen. Dus de menselijke geest, afhankelijk van hoe hij zich in individuele mensen bevindt, is een veranderlijk, onstabiel en als het ware willekeurig iets. Daarom zei Heraclitus terecht dat mensen kennis zoeken in de kleine werelden, en niet in de grote of algemene wereld.
Er zijn ook idolen die als het ware ontstaan door de onderlinge verbondenheid en gemeenschap van mensen. We noemen deze afgoden, verwijzend naar de gemeenschap en gemeenschap van mensen die aanleiding geven tot hen, de idolen van het plein. Mensen worden verenigd door spraak. Woorden worden vastgesteld op basis van het begrip van de menigte. Daarom belegert een slechte en absurde formulering van woorden de geest op een wonderbaarlijke manier. De definities en verklaringen waarmee geleerde mensen gewend zijn zich te bewapenen en zichzelf te beschermen helpen de zaak geenszins. Woorden dwingen de geest direct, verwarren alles en leiden mensen tot lege en talloze geschillen en interpretaties.
Ten slotte zijn er afgoden die wortel hebben geschoten in de zielen van mensen vanuit verschillende dogma's van de filosofie, maar ook vanuit de perverse bewijswetten. Wij noemen ze theater idolen, want we geloven dat er zoveel filosofische systemen worden geaccepteerd of uitgevonden, als er komedies worden opgevoerd en gespeeld, die fictieve en kunstmatige werelden vertegenwoordigen. We zeggen dit niet alleen over de filosofische systemen die nu bestaan of ooit hebben bestaan, aangezien dit soort sprookjes in veelvoud gecombineerd en samengesteld kunnen worden; want over het algemeen hebben zeer verschillende fouten bijna dezelfde oorzaken. We bedoelen hier niet alleen algemene filosofische leringen, maar ook talrijke principes en axioma's van de wetenschappen, die kracht hebben gekregen als gevolg van traditie, geloof en onzorgvuldigheid. Elk van dit soort afgoden moet echter in meer detail en zeker afzonderlijk worden gezegd om de geest van de mens te waarschuwen.
De menselijke geest neemt, vanwege zijn neiging, gemakkelijk meer orde en uniformiteit in de dingen aan dan ze vindt. En hoewel veel in de natuur uniek is en totaal niet op elkaar lijkt, verzint hij parallellen, overeenkomsten en relaties die niet bestaan. Vandaar het gerucht dat alles in de hemel in perfecte cirkels beweegt\...\
De geest van de mens trekt alles aan om te ondersteunen en in te stemmen met wat hij ooit heeft aanvaard, hetzij omdat het een voorwerp van gemeenschappelijk geloof is, hetzij omdat hij het leuk vindt. Wat de sterkte en het aantal van de tegengestelde feiten ook mogen zijn, de geest merkt ze niet op, of negeert ze, of verwerpt en verwerpt ze door middel van onderscheid met een groot en verderfelijk vooroordeel, zodat de betrouwbaarheid van die eerdere conclusies intact blijft. . En daarom antwoordde hij correct wie, toen ze hem de beelden lieten zien van degenen die gered waren van schipbreuk door het afleggen van een gelofte, tentoongesteld in de tempel, en tegelijkertijd een antwoord zochten, of hij nu de macht van de goden erkent, vroeg op zijn beurt: “Waar zijn de beelden van degenen die omkwamen nadat ze een gelofte hadden afgelegd? Dit is de basis" van bijna alle bijgeloof - in astrologie, in dromen, in overtuigingen, in voorspellingen en dergelijke. Mensen die zich overgeven aan dit soort gedoe, merken de gebeurtenis op die is uitgekomen en negeren degene die heeft bedrogen, hoewel dit laatste veel vaker gebeurt. Dit kwaad dringt nog dieper door in de filosofie en de wetenschappen. In hen infecteert en onderwerpt wat eenmaal is herkend de rest, ook al is de laatste veel beter en sterker. Bovendien, zelfs als deze partijdigheid en ijdelheid, die we hebben aangegeven, niet hebben plaatsgevonden, wordt de menselijke geest toch voortdurend misleid dat hij meer vatbaar is voor positieve argumenten dan voor negatieve, terwijl hij beide gelijk zou moeten behandelen; sterker nog, bij de constructie van alle ware axioma's heeft het negatieve argument grote kracht.
De menselijke geest wordt het meest beïnvloed door datgene wat hem onmiddellijk en plotseling kan treffen; dit is wat gewoonlijk opwindt en de verbeelding vult. De rest transformeert hij ongemerkt, terwijl hij zich dat voor zichzelf net zo voorstelt als het kleine beetje dat zijn geest bezit. Om zich te wenden tot verre en heterogene argumenten, waarmee de axioma's worden getest, alsof ze in brand staan, is de geest over het algemeen niet geneigd en niet in staat om totdat strenge wetten en sterke autoriteiten het hem dicteren.
De menselijke geest is hebzuchtig. Hij kan niet stoppen of stil blijven staan, maar rent steeds verder. Maar tevergeefs! Daarom is het denken niet in staat de grens en het einde van de wereld te vatten, maar vertegenwoordigt het altijd, alsof het noodzakelijk is, iets dat nog verder bestaat. \...\ Deze onmacht van de geest leidt tot veel schadelijkere resultaten bij het ontdekken van oorzaken, want hoewel de meest algemene principes in de natuur moeten bestaan zoals ze werden gevonden, en in werkelijkheid geen oorzaken hebben, toch is de menselijke geest, geen rust kennen, en hier op zoek naar beroemder. En dus, strevend naar wat verder is, keert hij terug naar wat hem het meest nabij is, namelijk naar doeloorzaken, die hun oorsprong eerder in de aard van de mens hebben dan in de aard van het universum, en, uitgaande van deze bron, hebben de filosofie op een verbazingwekkende manier vervormd. Maar wie oorzaken voor het universele zoekt, filosofeert lichtvaardig en onwetend, net zoals hij die geen oorzaken zoekt die lager en ondergeschikt zijn.
De menselijke geest is geen droog licht, hij is besprenkeld met wil en passies, en dit geeft in de wetenschap aanleiding tot wat voor iedereen wenselijk is. Een persoon gelooft eerder in de waarheid van wat hij verkiest. Hij verwerpt het moeilijke - omdat er geen geduld is om de studie voort te zetten; nuchter - omdat het hoop wekt; het hoogste in de natuur is te danken aan bijgeloof; het licht van ervaring - vanwege arrogantie en minachting ervoor, zodat niet blijkt dat de geest ondergedompeld is in laaghartig en kwetsbaar; paradoxen - vanwege conventionele wijsheid. Op een oneindig aantal manieren, soms onmerkbaar, bezoedelen en bederven hartstochten de geest.
Maar in de meeste mate komen de verwarring en waanvoorstellingen van de menselijke geest voort uit inertie, inconsistentie en bedrog van de zintuigen, want dat wat de zintuigen prikkelt heeft de voorkeur boven dat wat de zintuigen niet onmiddellijk prikkelt, zelfs als dit laatste beter is. Daarom houdt contemplatie op wanneer het zicht ophoudt, zodat de waarneming van onzichtbare dingen onvoldoende of helemaal afwezig is. Daarom blijft de hele beweging van geesten, ingesloten in tastbare lichamen, verborgen en ontoegankelijk voor mensen. Evenzo blijven subtielere transformaties in de delen van vaste lichamen verborgen - wat gewoonlijk verandering wordt genoemd, terwijl het eigenlijk de beweging van de kleinste deeltjes is. Ondertussen, zonder onderzoek en opheldering van deze twee dingen waarover we hebben gesproken, kan er in de praktijk niets van betekenis worden bereikt. Verder is de aard van lucht en van alle lichamen die subtieler zijn dan lucht (en dat zijn er veel) bijna onbekend. Gevoel op zich is zwak en misleidend, en de instrumenten die ontworpen zijn om de zintuigen te versterken en aan te scherpen zijn van weinig waarde. De meest nauwkeurige interpretatie van de natuur wordt bereikt door observaties in geschikte, doelmatig opgezette experimenten. Hier oordeelt het gevoel alleen over de ervaring, terwijl de ervaring de natuur en de zaak zelf beoordeelt.
De menselijke geest wordt door zijn aard aangetrokken tot het abstracte en denkt dat het fluïde permanent is. Maar het is beter de natuur in delen te ontleden dan te abstraheren. Dit deed de school van Democritus, die dieper dan andere in de natuur doordrong. Men zou meer materie moeten bestuderen, haar interne staat en verandering van staat, zuivere actie en de wet van actie of beweging, want vormen zijn uitvindingen van de menselijke ziel, tenzij deze wetten van actie vormen worden genoemd.
Dit zijn de idolen die we noemen idolen van de familie. Ze komen voort uit de uniformiteit van de substantie van de menselijke geest, of uit zijn vooroordeel, of uit zijn beperkingen, of uit zijn meedogenloze beweging, of uit de suggestie van hartstochten, of uit het onvermogen van de zintuigen, of uit de manier waarop van perceptie.
Grot idolen komen van de inherente kwaliteiten van zowel de ziel als het lichaam, evenals van opvoeding, van gewoonten en ongelukken. Hoewel dit soort afgoden gevarieerd en talrijk is, zullen we toch degenen aanwijzen die de meeste voorzichtigheid vereisen en die het meest in staat zijn om de geest te corrumperen en te vervuilen.
Mensen houden van ofwel die specifieke wetenschappen en theorieën waarvan ze de auteurs en uitvinders zijn, ofwel die waarin ze het meeste werk hebben geïnvesteerd en waaraan ze het meest gewend zijn. Als dit soort mensen zich wijden aan filosofie en algemene theorieën, dan vervormen en corrumperen ze deze onder invloed van hun eerdere ontwerpen. \...\
Het grootste en als het ware fundamentele verschil tussen geesten met betrekking tot filosofie en wetenschappen is het volgende. Sommige geesten zijn sterker en fitter om de verschillen in dingen op te merken, anderen om de overeenkomsten van dingen op te merken. Harde en scherpe geesten kunnen hun reflecties concentreren, treuzelend en stilstaand bij elke subtiliteit van verschil. En verheven en beweeglijke geesten herkennen en vergelijken de meest subtiele overeenkomsten van dingen die overal inherent zijn. Maar beide geesten gaan gemakkelijk te ver in het najagen van óf verdelingen van dingen óf schaduwen.
Overpeinzingen van de natuur en het lichaam verpulveren en ontspannen in hun eenvoud de geest; contemplatie van de natuur en lichamen in hun complexiteit en configuratie verdooft en verlamt de geest. \...\ Daarom moeten deze contemplaties elkaar afwisselen en vervangen, zodat de geest zowel doordringend als ontvankelijk wordt en om de gevaren te vermijden die we hebben aangegeven en de afgoden die daaruit voortvloeien.
Voorzichtigheid bij contemplatie moet zodanig zijn dat de afgoden van de grot worden voorkomen en verbannen, die voornamelijk zijn afgeleid van de dominantie van ervaringen uit het verleden, of van een overdaad aan vergelijking en verdeeldheid, of van een neiging tot het tijdelijke, of van de uitgestrektheid. en onbeduidendheid van objecten. Laat in het algemeen iedereen die nadenkt over de aard der dingen twijfelachtig zijn wat zijn geest bijzonder sterk heeft gevangen en geboeid. Bij een dergelijke voorkeur is grote zorg nodig, zodat de geest evenwichtig en zuiver blijft.
Maar het ergste van allemaal idolen van het plein die samen met woorden en namen de geest binnendringen. Mensen geloven dat hun geest woorden beveelt. Maar het komt ook voor dat woorden hun kracht tegen de rede keren. Dit heeft de wetenschappen en filosofie verfijnd en ineffectief gemaakt. Het grootste deel van de woorden vindt echter zijn oorsprong in de algemene mening en scheidt de dingen binnen de grenzen die voor de geest van de menigte het duidelijkst zijn. Wanneer een scherpere geest en een meer ijverige observatie deze grenzen opnieuw willen definiëren zodat ze meer in overeenstemming zijn met de natuur, worden woorden een belemmering. Hieruit volgt dat de luide en plechtige geschillen van wetenschappers vaak veranderen in geschillen over woorden en namen, en het zou verstandig zijn (volgens de gewoonte en wijsheid van wiskundigen) om daarmee te beginnen om ze per definitie te ordenen. Maar zelfs dergelijke definities van dingen, natuurlijk en materieel, kunnen deze ziekte niet genezen, want de definities zelf bestaan uit woorden, en woorden leiden tot woorden, dus het zou nodig zijn om naar specifieke voorbeelden, hun reeks en volgorde te gaan, zoals ik zal ik binnenkort zeggen, als ik me wend tot de methode en manier om concepten en axioma's vast te stellen.
Theater idolen zijn niet aangeboren en dringen niet heimelijk door in de geest, maar worden openlijk overgedragen en waargenomen vanuit fictieve theorieën en perverse bewijswetten. Een poging om ze te weerleggen zou echter beslist in strijd zijn met wat we hebben gezegd. Want als we het niet eens zijn over de gronden of over de bewijzen, dan is er geen beter argument mogelijk. De eer van de ouden blijft onaangetast, niets wordt hen ontnomen, omdat de vraag alleen het pad betreft. Zoals ze zeggen, de kreupele die op de weg loopt, overtreft degene die rent zonder weg. Het is ook duidelijk dat hoe behendiger en sneller de hardloper op de weg is, hoe meer hij zal afdwalen.
Onze manier om de wetenschappen te ontdekken is zodanig dat het weinig overlaat aan de scherpte en kracht van talenten, maar ze bijna gelijk maakt. Net zoals voor het tekenen van een rechte lijn of het beschrijven van een perfecte cirkel, stevigheid, vaardigheid en testen van de hand veel betekenen, als je alleen je hand gebruikt, betekent het weinig of niets als je een passer en een liniaal gebruikt. Zo is het ook met onze methode. Hoewel afzonderlijke weerleggingen hier niet nodig zijn, moet er iets worden gezegd over de soorten en klassen van dit soort theorie. Dan ook over de uiterlijke tekenen van hun zwakte en ten slotte over de redenen voor zo'n ongelukkige lange en universele overeenstemming in fout, zodat de benadering van de waarheid minder moeilijk zou zijn en zodat de menselijke geest meer bereid zou zijn om te zuiveren zichzelf en afgoden afwijzen.
De idolen van het theater, of theorieën, zijn talrijk, en er kunnen er meer zijn, en ooit zullen er meer zijn. Als de geest van mensen eeuwenlang niet bezig zou zijn geweest met religie en theologie, en als de burgerlijke autoriteiten, vooral de monarchale, zich niet zouden verzetten tegen dergelijke innovaties, zelfs speculatieve, en als ze zich tot deze innovaties zouden wenden, zouden mensen geen gevaar lopen en zouden ze hun voorspoed niet zouden schaden, niet alleen zonder beloningen, maar ook onderhevig aan minachting en kwade wil, dan zouden er ongetwijfeld veel meer filosofische en theoretische scholen zijn ontstaan, zoals die eens in grote verscheidenheid onder de Grieken floreerden. Net zoals er veel veronderstellingen kunnen worden bedacht met betrekking tot de verschijnselen van de hemelether, kunnen op dezelfde manier, en in nog grotere mate, verschillende dogma's worden gevormd en geconstrueerd met betrekking tot de verschijnselen van de filosofie. De ficties van dit theater zijn als de theaters van dichters, waar verhalen die voor het toneel zijn uitgevonden harmonieuzer en mooier zijn en waarschijnlijker de wensen van iedereen bevredigen dan waargebeurde verhalen uit de geschiedenis.
De inhoud van de filosofie daarentegen wordt in het algemeen gevormd door veel af te leiden uit weinig, of weinig uit veel, zodat in beide gevallen de filosofie op een te enge basis van ervaring en natuurlijke historie tot stand komt en beslissingen neemt. van minder dan zou moeten. Zo rukken rationalistische filosofen verschillende en triviale feiten uit de ervaring, zonder ze precies te kennen, maar ze ijverig te hebben bestudeerd en afgewogen. Al het andere berusten op de reflecties en activiteiten van de geest.
Er zijn een aantal andere filosofen die, na ijverig en zorgvuldig aan een paar experimenten te hebben gewerkt, het hebben gewaagd om hun filosofie uit te vinden en er hun filosofie aan te ontlenen, waarbij ze al het andere in verband daarmee op een verbazingwekkende manier perverteren en interpreteren.
Er is ook een derde klasse filosofen die, onder invloed van geloof en eerbied, theologie en traditie vermengen met filosofie. De ijdelheid van sommigen van hen heeft het punt bereikt waarop ze de wetenschappen afleiden van geesten en genieën. De oorzaak van de fouten van valse filosofie is dus drievoudig: drogredenen, empirisme en bijgeloof.
\...\ Als mensen, aangespoord door onze instructies en afscheid hebben genomen van de sofistische leringen, serieus ervaring opdoen, dan, vanwege de voortijdige en overhaaste ijver van de geest en zijn verlangen om op te stijgen naar het algemene en de principes van dingen, misschien zal er een groot gevaar ontstaan uit dit soort filosofieën . Dit kwaad moeten we nu waarschuwen. We hebben dus al gesproken over bepaalde soorten afgoden en hun manifestaties. Ze moeten allemaal worden verworpen en terzijde worden geschoven door een vastberaden en plechtig besluit, en de geest moet er volledig van worden bevrijd en gereinigd. Laat de toegang tot het koninkrijk van de mens, gebaseerd op de wetenschappen, bijna hetzelfde zijn als de toegang tot het koninkrijk der hemelen, "waar het aan niemand wordt gegeven om binnen te gaan zonder als kinderen te worden."
PLAN
Renaissance.
1. Vroege renaissance.
A Giotto.
B Brunelleschi.
2. Hoge Renaissance
A. Bramante
Titanen van de Renaissance.
1.Leonardo da Vinci.
2. Rafaël Santi.
3. Michelangelo.
4. Titiaan.
3. Late renaissance
RENAISSANCE
Aan het einde van de XIV - begin van de XV eeuw. in Europa, met name in Italië, begon een vroege burgerlijke cultuur vorm te krijgen, genaamd Renaissancecultuur (Renaissance). De term "Renaissance" duidde op de verbinding van de nieuwe cultuur met de oudheid. Op dit moment begint de Italiaanse samenleving actief geïnteresseerd te raken in de cultuur van het oude Griekenland en Rome, er wordt gezocht naar de manuscripten van oude schrijvers, dus de geschriften van Cicero en Titus Livius werden gevonden. De Renaissance werd gekenmerkt door vele zeer significante veranderingen in de mentaliteit van mensen in vergelijking met de periode van de Middeleeuwen. Seculiere motieven groeien in de Europese cultuur, verschillende levenssferen van de samenleving - kunst, filosofie, literatuur, onderwijs, wetenschap - worden steeds onafhankelijker en onafhankelijker van de kerk. De focus van de Renaissance was een man, dus het wereldbeeld van de dragers van deze cultuur wordt aangeduid met de term " humanistisch”(van lat. humanus - mens).
Renaissance-humanisten geloofden dat het in een persoon niet gaat om zijn afkomst of sociale status, maar om persoonlijke kwaliteiten, zoals intelligentie, creatieve energie, ondernemingszin, zelfrespect, wilskracht en opleiding. Een sterke, getalenteerde en volledig ontwikkelde persoonlijkheid, een persoon die de schepper is van zichzelf en zijn lot, werd erkend als een "ideaal persoon". In de Renaissance krijgt de menselijke persoonlijkheid een ongekende waarde, het belangrijkste kenmerk van de humanistische benadering van het leven is individualisme, dat bijdraagt aan de verspreiding van de ideeën van het liberalisme en een algemene toename van het niveau van vrijheid van mensen in de samenleving. Het is geen toeval dat humanisten, die over het algemeen niet tegen religie zijn en de basisvoorzieningen van het christendom niet betwisten, God de rol toekennen van de schepper die de wereld in beweging zet en zich verder niet bemoeit met het leven van mensen.
De ideale persoon is volgens humanisten een 'universele persoon', een persoon die een schepper is, een encyclopedist. De humanisten van de Renaissance geloofden dat de mogelijkheden van menselijke kennis eindeloos zijn, omdat de menselijke geest als de goddelijke geest is, en de man zelf als een sterfelijke god, en uiteindelijk zullen mensen het territorium van de hemellichamen betreden en zich vestigen daar en word als goden. Opgeleide en begaafde mensen werden in deze periode omringd door een sfeer van universele bewondering, aanbidding, ze werden geëerd, zoals in de Middeleeuwen, heiligen. Het genieten van het aardse bestaan- is een onmisbaar onderdeel van de cultuur van de Renaissance.
VROEGE HERLEVING
Renaissance in culturele vooruitgang neemt een speciale plaats in. Het punt is niet alleen dat er in de geschiedenis van de mensheid niet veel tijdperken zijn die worden gekenmerkt door zo'n uitbundige intensiteit van culturele, vooral artistieke creativiteit, zo'n overvloed aan briljante talenten, zo'n rijkdom aan magnifieke prestaties. Iets anders is niet minder opvallend: er zijn vijf eeuwen verstreken, het leven is onherkenbaar veranderd en de creaties van de grote meesters van de renaissancekunst blijven steeds meer generaties mensen boeien.
Wat is het geheim van deze geweldige vitaliteit? Hoe gefascineerd we ook zijn door de perfectie van vorm, het alleen is niet voldoende voor zo'n actieve levensduur. Het geheim zit in de diepste menselijkheid van deze kunst, in het humanisme dat haar doordringt. Na een millennium van de Middeleeuwen was de Renaissance de eerste krachtige poging tot spirituele emancipatie van de mens, de bevrijding en algehele ontwikkeling van de kolossale creatieve mogelijkheden die in hem verborgen zijn. De kunst die uit dit tijdperk is geboren, draagt onsterfelijke ethische waarden. Het voedt op, ontwikkelt menselijke gevoelens, het maakt de mens in de mens wakker.
Het schilderij van Byzantium, van de invloed waarvan Italiaanse kunstenaars zich pas tegen het einde van de dertiende eeuw begonnen te bevrijden, creëerde meesterwerken die onze bewondering opwekten, maar ze vertegenwoordigden niet de echte wereld.
De kunst van de kunstenaars uit de Middeleeuwen geeft de toeschouwer geen gevoel van volume, diepte, wekt niet de indruk van ruimte en streeft hier ook niet naar.
De Byzantijnse meesters gaven slechts een hint van de realiteit en probeerden in de eerste plaats die ideeën, overtuigingen en concepten over te brengen die de spirituele inhoud van hun tijd vormden. Ze creëerden majestueuze en uiterst spirituele afbeeldingen-symbolen, en in hun schilderijen en mozaïeken bleven menselijke figuren als onlichamelijk, voorwaardelijk, evenals het landschap en de hele compositie.
Om een nieuwe, realistische kunst te laten zegevieren over zowel het gotische als het byzantijnse kunstsysteem, was een revolutie in het wereldbeeld van mensen nodig, die een van de grootste progressieve revoluties in de geschiedenis van de mensheid genoemd kan worden.
Wat gewoonlijk de renaissance wordt genoemd, was de bevestiging van de continuïteit van de grote oude cultuur, de bevestiging van de idealen van het humanisme. Dit was het einde van de Middeleeuwen en het begin van een nieuw tijdperk. De dirigenten van de nieuwe cultuur noemden zichzelf humanisten, dit woord ontleend aan het Latijnse humanus - "mens", "mens". Echt humanisme verkondigt het mensenrecht op vrijheid, geluk, erkent het welzijn van de mens als basis van de sociale orde, bevestigt de principes van gelijkheid, rechtvaardigheid en menselijkheid in relaties tussen mensen.
Italiaanse humanisten ontdekten de wereld van de klassieke oudheid, zochten naar de werken van oude auteurs in de vergeten opslagplaatsen en zuiverden ze nauwgezet van de vervormingen die door middeleeuwse monniken waren aangebracht. De zoektocht naar hen werd gekenmerkt door vurig enthousiasme. Anderen groeven fragmenten van zuilen, standbeelden, bas-reliëfs, munten op. "Ik wek de doden op", zei een van de Italiaanse humanisten, die zich aan archeologie wijdde. En in feite werd het oude schoonheidsideaal herrezen onder die hemel en op die aarde, die hem eeuwig dierbaar waren. En dit ideaal, aards, diepmenselijk en tastbaar, wekte bij mensen een grote liefde voor de schoonheid van de wereld en een koppige wil om deze wereld te kennen. Zo'n grandioze omwenteling in de houding van mensen vond plaats op Italiaanse bodem nadat Italië een nieuwe weg was ingeslagen in zijn economische en sociale ontwikkeling. Al in de XI-XII eeuw. in Italië vinden anti-feodale revoluties plaats met de vestiging van een republikeinse regeringsvorm in veel steden.
Historisch gezien was in Italië het belangrijkste kanaal van de snelle creatieve activiteit van de Renaissance niet de mentale activiteit op zich, en zelfs niet de fijne literatuur, maar de beeldende kunst. Het was in artistieke creativiteit dat de nieuwe cultuur zich met de grootste expressiviteit realiseerde, het was in kunst dat het werd belichaamd in schatten waarover de tijd geen macht heeft. Misschien heeft de mensheid noch daarvoor (althans sinds de klassieke oudheid), noch nadat de mensheid een tijdperk heeft meegemaakt waarin schone kunsten zo'n uitzonderlijke rol zouden spelen in het culturele en zelfs in het openbare leven. Het concept van 'renaissancecultuur' wekt in de eerste plaats een grenzeloze, betoverende reeks van zielsopwindende creaties van schilderkunst, beeldhouwkunst, architectuur - de een mooier dan de ander. Dit alles heeft betrekking op de hoogste graad op het hoogste ontwikkelingsstadium van deze cultuur, op haar hoogtepunt, dat niet zonder reden de Hoogrenaissance wordt genoemd. Wat voorheen een poging was, slechts een doorbraak, verschijnt hier in de volheid van gedachten, de perfectie van harmonie, in de kolkende stroom van de strijd van titanische krachten. Een lang en moeilijk klimpad leidde echter naar de top. Zonder dat kan men de climax niet begrijpen.
Harmonie, schoonheid zal een onwrikbare basis vinden in de zogenaamde gulden snede (deze term werd geïntroduceerd door Leonardo da Vinci; later werd een andere gebruikt: "goddelijke proportie"), bekend in de oudheid, maar de belangstelling daarvoor ontstond juist in de 15e eeuw . in verband met de toepassing ervan zowel in de geometrie als in de kunst, vooral in de architectuur. Dit is de harmonische verdeling van het segment, waarbij het grotere deel de gemiddelde verhouding is tussen het hele segment en het kleinere deel, zoals het menselijk lichaam. Dus de menselijke geest - als drijvende kracht achter de kunst van het bouwen. Dat was al het credo van de architecten van het Quattrocento, en honderd jaar later zal Michelangelo nog duidelijker zeggen:
"Architectonische elementen zijn afhankelijk van het menselijk lichaam, en wie geen goede meester was of is van zowel figuur als anatomie, kan dit niet begrijpen."
In zijn structurele en decoratief-figuratieve eenheid transformeerde de Renaissance-architectuur het uiterlijk van de kathedraal - de centrale koepelstructuur verplettert een persoon niet, maar scheurt hem niet van de grond, maar bevestigt met zijn majestueuze opkomst als het ware het primaat van de mens over de hele wereld.
Met elk decennium van de vijftiende eeuw. seculiere bouw krijgt in Italië een steeds grotere omvang. Geen tempel, zelfs geen paleis, maar een openbaar gebouw had de hoge eer de eerstgeborene te zijn van echte renaissancearchitectuur. Dit is het Florentijnse vondelingenhuis, waarvan Brunelleschi in 1419 met de bouw begon.
Pure lichtheid en elegantie uit de renaissance onderscheiden deze creatie van de beroemde architect, die een wijd open booggalerij met dunne kolommen op de gevel bracht en het gebouw als het ware verbond met het plein, architectuur - "een deel van het leven" - met het eigenlijke deel van de stad. Charmante medaillons gemaakt van gebakken klei bedekt met glazuur met afbeeldingen van ingebakerde pasgeborenen sieren kleine tympanums, die de hele architecturale compositie kleurrijk verlevendigen.
Slank ontleed in hun machtige horizontale gevels, zonder torens en gewelfde verhogingen, majestueuze, statige en pittoreske Florentijnse paleizen: Palazzo Pitti, Palazzo Riccardi, Palazzo Rucellai, Palazzo Strozzi en de prachtige centrale koepeltempel van de Madonna delle Carcelli in Prato. Dit zijn allemaal beroemde architectonische monumenten uit de vroege renaissance.
Laten we twee woorden toevoegen over een ander picturaal genre dat in de 15e eeuw in Florence bloeide. Dit zijn elegante kisten of kisten (cassone) waarin lievelingsspullen, vooral jurken, de bruidsschat van meisjes werden opgeborgen. Samen met houtsnijwerk waren ze bedekt met schilderijen, soms heel elegant, die een levendig beeld gaven van de mode van die tijd, soms met scènes ontleend aan de klassieke mythologie.
Aan de oorsprong van de Renaissance Vroeg Renaissance) V Italië geweldig staan Dante Alighieri(1265-1321), auteur van de "Komedie", die de afstammelingen, uiting aan hun bewondering, " goddelijk komedie". Dante nam een complot dat bekend was in de Middeleeuwen en slaagde erin, door de kracht van zijn verbeelding, de lezer door alle cirkels van de hel, het vagevuur en het paradijs te leiden; sommige van zijn eenvoudige tijdgenoten geloofden dat Dante echt de andere wereld bezocht.
"Divine Comedy" bestaat uit drie delen: "Hell", "Purgatory", "Paradise". In de hel, diep onder de grond, worden zondaars gekweld door eeuwige pijn - moordenaars, zelfmoorden, verraders, verkrachters, die eeuwige mentale en fysieke kwelling ervaren. De inwoners van het vagevuur, de berg-eilanden, zijn wijs en evenwichtig. Dit zijn rechtvaardige heidenen die Christus niet kennen, allemaal goede mensen die valse goden aanbidden. Degenen die hier zijn gekomen, wachten op lange en pijnlijke gedachten over God, gerechtigheid en de onvermijdelijkheid van vergelding voor zonden; hier, in het vagevuur, proberen ze de hoogste goedheid van het universum te begrijpen. De beste hoek van het vagevuur is op de top van de berg. Dit is het Aards Paradijs. De zielen van velen zijn in staat zichzelf van zonden te reinigen, ze met berouw te verlossen, op te stijgen naar het aardse paradijs en zelfs naar de hemel te vliegen, naar het echte, hemelse paradijs. In het hemelse paradijs "vloeit de glorie van degene die het hele universum beweegt, doordringend schijnend." Dante beschrijft hoe hij samen met Beatrice het Hemelse Paradijs bezocht en daar met de rechtvaardigen sprak. De maan wordt bewoond door de zielen van nonnen die uit kloosters zijn ontvoerd en onder dwang ten huwelijk zijn gegeven, buiten hun schuld en vrije wil om hun gelofte van maagdelijkheid niet na te komen. Dit zijn de geesten van de maan. Op Mercurius - de tweede hemelse sfeer - leven de zielenlichten van ambitieuze figuren, wier leven rechtvaardig was. De derde hemel - Venus - een toevluchtsoord voor de liefhebbende rechtvaardigen. De zon wordt bewoond door de stralende zielen van theologen, wijzen, filosofen. Op Mars verzamelen de zielen van krijgers zich voor het geloof. Jupiter is de plaats waar de zielen van de rechtvaardigen zweven. De zielen van rechtvaardige contemplatieven streven naar Saturnus. De volgende, de achtste hemelse sfeer, is het "Nest van Leda" in het sterrenbeeld Tweelingen, hier vinden de zielen van de grote rechtvaardigen beschutting. In hetzelfde sterrenbeeld Tweelingen bevindt zich de hoogste, negende sfeer van het paradijs - het Empyrean. Het centrum is een klein en oogverblindend helder punt, waaromheen de andere acht cirkels van het paradijs draaien. Hier komen de zielen van baby's, gelukzalig, van hier komt het allerhoogste en meest oogverblindende Eeuwige Licht, dat helpt om de hoogste kennis en waarheid te verkrijgen. Het is "Liefde die de zonnen en hemellichamen beweegt."
Dante Francesco petrarch(1304-1374) en Giovanni Boccaccio(1313-1375) - beroemde dichters van de Renaissance, waren de makers van de Italiaanse literaire taal. Tijdens hun leven kregen hun werken niet alleen grote bekendheid in Italië, maar ook ver daarbuiten, en belandden ze in de schatkamer van de wereldliteratuur.
Petrarca's sonnetten over het leven en de dood van de Madonna Laura kregen wereldwijde bekendheid. Een voorbeeld hiervan is sonnet nr. 215 uit het Book of Songs.
Met de adel van bloed - deze bescheidenheid,
Een briljante geest - en een hart van eenvoud,
Met externe sluiting - warmte,
En een rijp fruit - van een jonge kleur,
Ja, haar planeet was genereus voor haar,
Integendeel, de koning van de hemellichamen, en de top van haar deugden,
Elke functie
Ze zouden de grote dichter breken.
Daarin combineerde de Heer liefde en eer,
Bijpassende bedel dragen
De schoonheid van de natuur - de ogen van de vreugde.
En er zit iets in haar ogen
Dat om middernacht de dag het zal laten schijnen, schijnen,
Geeft bitterheid aan honing en alsem - zoetheid.
De Renaissance wordt gekenmerkt door de schoonheidscultus, vooral de schoonheid van de mens. Italiaanse schilderkunst, die een tijdlang de leidende kunstvorm wordt, toont mooie, perfecte mensen. De schilderkunst van de vroege renaissance wordt vertegenwoordigd door creativiteit Botticelli(1445-1510), die werken maakte over religieuze en mythologische onderwerpen, waaronder de schilderijen "Lente" en "De geboorte van Venus", evenals Giotto(1266-1337), die de Italiaanse frescoschilderkunst bevrijdde van Byzantijnse invloeden.
GIOTTO
Trecento is nog geen renaissance, het is pre-renaissance of proto-renaissance. Bovendien kan worden gezegd dat proto-renaissancetrends al in de 13e eeuw en soms zelfs in de 12e en 11e eeuw in de Italiaanse cultuur en in het algemene wereldbeeld opdoken. Reeds in de pre-renaissance hief het motto van nabootsing van de natuur op. Daarom prezen de humanisten Giotto vurig. De Florentijnse Giotto is de eerste in de tijd onder de titanen van het grote tijdperk van de Italiaanse kunst. Hij was in de eerste plaats schilder, maar ook beeldhouwer en architect. Er zijn aanwijzingen dat hij lelijk was en beroemd om zijn humor. De indruk die de creaties van Giotto maakten op tijdgenoten was enorm. Petrarca schreef dat je vóór de beelden van Giotto verrukking ervaart, tot een verdoving reikt. En honderd jaar later sprak de beroemde Florentijnse beeldhouwer Ghiberti zo over hem:
“Giotto zag in kunst wat anderen niet konden. Hij bracht natuurlijke kunst mee... Hij was de uitvinder en ontdekker van een grote wetenschap die ongeveer zeshonderd jaar begraven lag.'
"Natuurlijke kunst", omdat het gebaseerd is op het beeld van de wereld om ons heen zoals ons oog die ziet.
Hier begon de scheiding van middeleeuwse, religieuze kunst. Daar zou de universele en bovengevoelige god de hoogste perfectie zijn, en alleen voor hem, als het enige echte ideaal, zou de kunst moeten hebben gestreefd. Al het aardse, natuurlijke werd bedrieglijk, illusoir, bewonderingloos verklaard: het leidde tenslotte af van de contemplatie van het onzichtbare - God. Het is echter onmogelijk om het bovenzinnelijke af te beelden en waar te nemen, en daarom moest men, om God, engelen en heiligen af te beelden, zijn toevlucht nemen tot het afbeelden van mensen, en tot op zekere hoogte elementen van de natuur. Maar deze afbeeldingen zouden geen onafhankelijke esthetische waarde hebben, maar dienen alleen als hints, symbolen van het 'hemelse', goddelijke. Het zichtbare mocht alleen de gedachten van mensen op het onzichtbare richten.
Beginnend met Giotto, werden de natuur en de mens zelf een object van bewondering, ze begonnen schoonheid en spirituele rijkdom in hen te zoeken (en te vinden!) De wereld leek weer open te gaan voor mensen. Aandacht, interesse, liefde voor kunstenaars richtte zich steeds meer op de persoon en alles om hem heen. Dit was de kracht en verdienste van de vroege renaissance, haar grote filosofische en artistieke ontdekking: de impuls voor de mens en de natuur als een sfeer van schoonheid en goedheid betekende de overdracht van het esthetische en ethische zwaartepunt van de hemelse, denkbeeldige, bovennatuurlijke sfeer naar de aardse, reële, menselijke wereld.
Maar er was ook zijn zwakte. Gefascineerd door de wereld die voor hem openging, kon de kunst niet anders dan zich laten meeslepen door zijn 'gevarieerde decoratie' en gemakkelijk afdwalen op het pad van het kleinburgerlijke naturalisme. Veel kunstenaars konden de verleiding niet weerstaan en lieten foto's aan het nageslacht over waar zowel bloemrijke cavalcades als vakkundig afgebeelde vliegen op een geschreven stuk papier zitten, maar waar een persoon klein, niet-indrukwekkend wordt afgebeeld, gaat hij verloren in dit feestelijke of alledaagse klatergoud.
De kunst van de vroege renaissance was echter, ondanks al zijn beperkingen, geenszins ondubbelzinnig naturalistisch, begrijpelijk eenvoudig. Het was complex, tegenstrijdig, en deze interne inconsistentie bracht hem vooruit. Hoe vreemd het op het eerste gezicht ook mag lijken, in de kunst van de vroege renaissance is er, samen met fijne details, vanaf het allereerste begin een andere, samenvattende trend: onlosmakelijk verbonden met het creëren van een algemeen, monumentaal en heroïsch beeld van een perfect persoon .
Een van de beroemdste beeldhouwers van die tijd was Donatello(1386-1466), de auteur van een aantal realistische werken van het portrettype, presenteerde hij voor het eerst na de oudheid weer een naakt lichaam in beeldhouwkunst. De grootste architect van de vroege renaissance - Brunelleschi(1377-1446). Hij probeerde elementen van oude Romeinse en gotische stijlen te combineren, bouwde tempels, paleizen, kapellen.
BRUNELLESCHI
De eigenlijke renaissancekunst begon in de 15e eeuw, toen de Florentijnse gemeente in het eerste jaar van die eeuw een wedstrijd aankondigde om de deuren van de doopkapel van San Giovanni te versieren. Het beste waren de reliëfs gepresenteerd door twee jonge kunstenaars - Filippo Brunelleschi en Lorenzo Ghiberti over hetzelfde thema: het offer van Abraham. Beide reliëfs waren magnifiek, beide waren innovatief gedurfd, zowel in besluit als in beeldtaal. De palm werd aan Ghiberti gegeven, waarschijnlijk omdat op Brunelleschi's reliëf de figuur van Isaak, gekleed voor de slacht door zijn vader, te gehoorzaam leek aan God, dit is een "bevend schepsel", een ellendige, bijna amorfe slaaf die Abraham, als een onbeantwoorde vee, sleept naar het altaar. Niet zo met Ghiberti. Zijn Isaac is vreemd aan de kenmerken van een zielige nietsnut. Dit is een slanke, flexibele jongen op de drempel van jeugdige bloei. De plasticiteit ervan is boeiend. Ja, hij werd met zijn knieën op het altaar gelegd, zijn handen op zijn rug gebonden, maar hij boog zijn hoofd niet onderdanig. Integendeel, hij heeft haar trots opgevoed en we zien hoeveel schoonheid en waardigheid ze heeft. Er is geen schaduw van angst op zijn gezicht, er is een trotse uitdaging voor het wilde onrecht dat klaar staat om op hem te vallen. Dezelfde uitdaging - in de blote borst, onbevreesd gericht op gevaar. Deze onverschrokken jongeman zal niet buigen voor een meedogenloze vader, en waarschijnlijk zelfs niet voor God zelf, die zich niet schaamde om zo'n onmenselijk bevel te geven.
"Isaac" Ghiberti drukte niet alleen met zeldzame overtuigingskracht de vrijheidslievende, opstandige geest van de Florentijnse Republiek uit. Hij was in feite de eerste, op de drempel van het Quattrocento, in een hoge generalisatie, belichaamde het ideale beeld van een trotse en mooie man uit de Renaissance.
Brunelleschi daarentegen had twee geweldige ideeën: het eerste was om goede architectuur terug te brengen naar Gods wereld, het tweede was om, als het hem lukte, een manier te vinden om de koepel van Santa Maria del Fiore in Florence te bouwen.
Feit is dat ze in middeleeuws Europa helemaal niet in staat waren om grote koepels te bouwen, dus keken de Italianen van die tijd met bewondering en afgunst naar het oude Romeinse Pantheon.
En zo evalueert Vasari de koepel van de Florentijnse kathedraal van Santa Maria del Fiore, gebouwd door Brunelleschi:
"Het kan zeker worden beweerd dat de Ouden niet zo'n hoogte bereikten in hun gebouwen en niet zo'n risico durfden te nemen dat ze zouden concurreren met de hemel zelf, zoals de Florentijnse koepel er echt mee lijkt te concurreren, want het is zo hoog dat de bergen die Florence omringen hem gelijk lijken. En inderdaad, je zou kunnen denken dat de hemel zelf jaloers op hem is, omdat hij hem dagenlang constant en vaak met bliksem inslaat.
De trotse kracht van de Renaissance! De Florentijnse koepel was geen herhaling van de koepel van het Pantheon of de koepel van St. Sophia in Constantinopel, die ons niet behaagt met de hoogte, zelfs niet met de majestueuze uitstraling, maar vooral met de ruimtelijkheid die ze creëren in de tempel interieur.
De koepel van Brunelleschi steekt met al zijn slanke omvang de lucht in en betekent voor tijdgenoten niet de genade van de hemel voor de stad, maar de triomf van de menselijke wil, de triomf van de stad, de trotse Florentijnse Republiek. Niet "vanuit de hemel naar de kathedraal afdalend", maar er organisch uit groeiend, werd het opgericht als een teken van overwinning en macht, om (inderdaad, zo lijkt het ons) steden en volkeren onder zijn schaduw te trekken.
Ja, het was iets nieuws, iets ongekends, dat de triomf van een nieuwe kunst markeerde. Zonder deze koepel, gebouwd boven een middeleeuwse kathedraal aan het begin van de Renaissance, zouden die koepels ondenkbaar zijn geweest die, in navolging van die van Michelangelo (boven de Romeinse kathedraal van St. Peter), de kathedralen van bijna heel Europa in de daaropvolgende eeuwen bekroonden.
Brunelleschi betrad de wereldcultuur als de grondlegger van het architectonische systeem van de Renaissance en de eerste vurige dirigent, als een transformator van alle Europese architectuur, als een kunstenaar wiens werk wordt gekenmerkt door een heldere persoonlijkheid. Laten we hieraan toevoegen dat hij een van de grondleggers was van de wetenschappelijke theorie van het perspectief, de ontdekker van de basiswetten ervan, die van groot belang waren voor de ontwikkeling van alle hedendaagse schilderkunst.
In het tijdperk van het humanisme leek de wereld de mens mooi en hij wilde schoonheid zien in alles waarmee hij zich in deze wereld omringde. En dus was het de taak van de architectuur om het menselijk leven zo mooi mogelijk in te kaderen. Dus schoonheid werd het ultieme doel van architectuur. De mensen van de Renaissance zagen schoonheid als een exact, objectief gedefinieerd concept, hetzelfde voor iedereen.
Leon Battista Alberti, de grootste kunsttheoreticus van de 15e eeuw, definieerde de wetten van schoonheid als volgt:
"Overeenstemming van alle delen tot een harmonieus geheel, zodat er geen kan worden verwijderd of gewijzigd zonder het geheel te beschadigen."
En terwijl hij een van Brunelleschi's creaties prees, benadrukte hij dat "er geen enkele lijn onafhankelijk in leeft".
De nieuwe kunst was gebaseerd op logica, op de onthullingen van de menselijke geest, bevestigd door wiskundige berekeningen. En de geest eiste duidelijkheid, harmonie, proportie.
Maar het was onmogelijk om de beste tradities van de vroege renaissance rechtstreeks voort te zetten - ze moesten opnieuw geboren worden, in een nieuwe, hogere kwaliteit. Humanistische kunst moest kracht en moed in zichzelf vinden om de verleidingen van modieuze, maar valse, decadente trends te midden van spirituele verwarring te weerstaan, om de crisis te overwinnen, om onbevreesd vooruit te gaan, om haar te leiden naar waar de kunst van de vroege renaissance zich uitstrekte , maar waar het nooit in geslaagd om te stijgen. Alleen de titanen konden dat. En ze verschenen.
HOGE HERLEVING
De gouden eeuw van de Italiaanse kunst is de eeuw van de vrijheid. De schilders van de Hoge Renaissance beheersen alle middelen van weergave - een scherpe en moedige tekening die het skelet van het menselijk lichaam onthult, kleur die al lucht en schaduwen en licht overbrengt. De wetten van het perspectief worden op de een of andere manier onmiddellijk beheerst door kunstenaars, alsof het geen enkele moeite kost. De figuren bewogen en er werd harmonie bereikt in hun volledige emancipatie.
Beweging wordt zelfverzekerder, ervaringen - dieper en gepassioneerder.
Nadat ze de vorm, het clair-obscur, de derde dimensie onder de knie hadden, beheersten de kunstenaars van de hoogrenaissance de zichtbare wereld in al zijn oneindige diversiteit, in al zijn uitgestrektheden en uitsparingen, om haar niet in fractionele termen, maar in een krachtige vorm aan ons te presenteren. generalisatie, in de volle schittering van zijn zonnige schoonheid.
BRAMANTE
Bramante moet worden erkend als een briljante architect van de hoogrenaissance. Het werk van Bramante keurde gedurende vele decennia de algemene richting van de hoogrenaissancistische architectuur goed. Zijn rol in de architectuur was niet minder dan die van Brunelleschi in de vorige eeuw.
De architectuur van de Cinquecento beperkt de vreugdevolle mobiliteit van de vroege renaissance en maakt er een afgemeten trede van. De flikkerende verscheidenheid aan details verdwijnt, de keuze voor enkele grote figuren vergroot de kalme indruk van het geheel. Het beroemde Romeinse Palazzo Cancelleria (waar het pauselijk kantoor was gevestigd), aan de voltooiing van de constructie waarvan Bramante deelnam, markeert de triomf van de muur over de orde: het is de slanke massa van de muur die de majestueuze isolatie van de enorme gevel. En in de zeer kleine koepeltempel van Tempietto (opgericht in Rome in 1502), met nissen binnen en buiten, omgeven door een Romandorische colonnade, gaf Bramante als het ware een voorbeeld van extreme monumentaliteit, onafhankelijk van de grootte van het gebouw, zodat deze tempel door tijdgenoten werd gezien als 'manifest van nieuwe architectuur'.
Als een waar genie was Bramante origineel. Zijn kunst werd echter gevoed door de sappen van een zeer hoge cultuur. Toen hij in Milaan werkte, was daar Leonardo da Vinci, met wie hij samenwerkte bij het opstellen van stedenbouwkundige plannen.
De zeventigjarige Bramante stierf in 1514 tijdens zijn werk aan de wederopbouw van het Vaticaan.
Het tijdperk van de vroege renaissance eindigde tegen het einde van de 15e eeuw, het werd vervangen door de hoge wedergeboorte- de tijd van de hoogste bloei van de humanistische cultuur van Italië. Het was toen dat ideeën over de eer en waardigheid van de mens, zijn hoge bestemming op aarde, met de grootste volheid en kracht werden uitgedrukt. Titan van de hoge renaissance Leonardo Ja Vinci(1456-1519), een van de meest opmerkelijke mensen in de geschiedenis van de mensheid, met veelzijdige capaciteiten en talenten. Leonardo was tegelijkertijd kunstenaar, kunsttheoreticus, beeldhouwer, architect, wiskundige, natuurkundige, astronoom, fysioloog, anatoom - en dit is geen volledige lijst van de belangrijkste gebieden van zijn activiteit; hij verrijkte bijna alle gebieden van de wetenschap met briljante vermoedens. Zijn belangrijkste kunstwerken zijn Het Laatste Avondmaal, een fresco in het Milanese klooster van Santa Maria della Grazie, dat het moment van het avondmaal uitbeeldt na de woorden van Christus: “Een van jullie zal mij verraden”, evenals het wereldberoemde portret van de jonge Florentijnse Mona Lisa, die een andere naam heeft - "La Gioconda", genoemd naar haar echtgenoot Giocondo.
De grote schilder was ook een titaan van de hoge renaissance Rafaël Santi(1483-1520), maker van de "Sixtijnse Madonna", het grootste werk van de wereldschilderkunst.
De laatste grote vertegenwoordiger van de cultuur van de Hoge Renaissance was Michelangelo Buonarotti(1475-1654) - beeldhouwer, schilder, architect en dichter, maker van het beroemde standbeeld van David, sculpturale figuren "Morning", "Avond", "Day", "Night", gemaakt voor de graven in de Medici-kapel. Michelangelo schilderde het plafond en de muren van de Sixtijnse Kapel van het Vaticaanse paleis; een van de meest indrukwekkende fresco's is de scène van het Laatste Oordeel. In het werk van Michelangelo, duidelijker dan in zijn voorgangers - Leonardo da Vinci en Raphael Santi, klinken tragische tonen, veroorzaakt door het besef van de limiet die aan een persoon is gesteld, een begrip van de beperkingen van menselijke capaciteiten, de onmogelijkheid van "de natuur te boven gaan".
De opmerkelijke kunstenaars van deze periode waren Giorgione (1477-1510), die de beroemde doeken "Judith" en "Slapende Venus" maakte, en Titiaan(1477-1576), prees de schoonheid van de omringende wereld en de mens. Hij creëerde ook een galerij met prachtige portretten van machtige en rijke tijdgenoten.
TITANEN VAN DE RENAISSANCE
Vier genieën schitteren in het toenmalige Italië. Vier genieën, die elk een hele wereld zijn, compleet, perfect, die alle kennis hebben geabsorbeerd, alle prestaties van de vorige eeuw en ze hebben verhoogd tot niveaus die nog steeds ontoegankelijk waren voor de mens: Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Titiaan.
LEONARDO DA VINCI
Leonardo da Vinci werd geboren in 1452 in het dorp Anchiano, nabij de stad Vinci, aan de voet van het Alban-gebergte, halverwege tussen Florence en Pisa.
Het landschap is majestueus op die plaatsen waar zijn jeugd stroomde: donkere richels van bergen, weelderig groen van wijngaarden en mistige afstanden. Ver achter de bergen ligt de zee, die vanuit Anchiano niet te zien is. Verloren plek. Maar er zijn open ruimtes en hoogten in de buurt.
Leonardo was de onwettige zoon van de notaris Piero da Vinci, die zelf de kleinzoon en achterkleinzoon van notarissen was. Zijn vader zorgde blijkbaar voor zijn opvoeding.
Het uitzonderlijke talent van de toekomstige grootmeester manifesteerde zich al heel vroeg. Volgens Vasari was hij al in zijn jeugd zo succesvol in rekenen dat hij leraren met zijn vragen in een moeilijke positie bracht. Tegelijkertijd studeerde Leonardo muziek, speelde prachtig de lier en 'zong goddelijk improvisaties'. Maar tekenen en boetseren prikkelden vooral zijn verbeelding. Zijn vader bracht zijn tekeningen naar zijn oude vriend Andrea Verrocchio. Hij was verbaasd en zei dat de jonge Leonardo zich volledig aan het schilderen moest wijden. In 1466 ging Leonardo als leerling naar de Florentijnse werkplaats van Verrocchio.
De beroemde Galleria degli Uffizi in Florence herbergt een schilderij van een Florentijnse meester uit de tweede helft van de 15e eeuw. Andrea Verrocchio "De doop van Christus". Het artistieke erfgoed van Verrocchio - hij was schilder, beeldhouwer, graveur en juwelier - behaagt ons tot op de dag van vandaag. Maar op deze foto van hem selecteren we alleen de figuur van de voorste engel aan de linkerkant.
In vergelijking met haar lijken de rest van de figuren beperkt in hun bewegingen, hoekig. Alleen hij, deze engel, kan zich gemakkelijk omdraaien, vrij ademen, hoewel zijn jeugdige kracht nog timide is, is zijn nieuwe adem zwak.
Het schilderij is geschilderd aan het begin van de jaren zeventig Quattrocento. Over het algemeen is het heel typerend voor deze tijd. Maar zoals al lang is opgemerkt, raakt deze engel ons als de stem van een andere wereld. Het is niet geschreven door Verrocchio, maar door zijn jonge leerling Leonardo da Vinci.
Vasari schrijft dat de engel van Leonardo er veel beter uitkwam dan de figuren van Verrocchio. Natuurlijk had Verrocchio getroffen moeten zijn door de creatie van de student, en niet alleen als bewijs van Leonardo's grotere begaafdheid. Het punt is anders: de door Leonardo geschilderde figuur markeerde als het ware een overgang naar een nieuwe kwaliteit die zijn leraar niet kende, want het is echt het geesteskind van een andere, nieuwe wereld, die voorbestemd was om in volle glorie en kracht te verschijnen. pas na enkele decennia.
Deze engel, zo natuurlijk in zijn perfecte elegantie, zo betoverend in zijn spiritualiteit, zo gracieus, met een stralende en diepe blik, is niet langer een creatie van de vroege, maar van de hoge renaissance, d.w.z. een echt gouden eeuw van Italiaanse kunst. Zijn figuur is van nature gehuld in clair-obscur.
Al in de vroege werken van Leonardo worden kenmerken gevonden die niet in de kunst van het Quattrocento voorkomen. Hier is een kleine foto - "Madonna Benois", maar hoeveel het op zich draagt! Vóór Leonardo werd Maria met het kindje Jezus in haar armen vele malen afgebeeld, en het thema ging een lange weg van humanisering: Maria onder de kunstenaars van de 15e eeuw. zit niet langer op de troon, de kroon verdwijnt van haar hoofd, de halo's worden alleen geraden - de Moeder van God en de God-mens hebben het grootste deel van hun goddelijkheid verloren, veranderd in een menselijke moeder met een kind. De representativiteit bleef echter bijna altijd behouden: Maria toont de zoon van God aan mensen en ze poseert zelf voor hen. Dat zijn de "Madonna's" van de grootste kunstenaars van het Quattrocento, zoals Andrea Mantegna, Pietro Perugino, Giovanni Bellini.
Niet zo met Leonardo. Noch de moeder, noch de baby is naar de kijker gekeerd, ze kijken hem niet aan. Ze zijn bezig met hun werk: voor ons is een levendige scène van het toneelstuk van een jonge moeder, een eenvoudig meisje, bijna een meisje, met haar eerstgeborene. De game heeft beide volledig vastgelegd. De moeder glimlacht opgewekt, lacht zelfs en bewondert haar baby; in de eerste vreugde van dit spel worden haar oprechte ziel, haar innerlijke vrijheid, haar jonge moederliefde onthuld. De heilige betekenis is eigenlijk volledig geëlimineerd.
Nooit eerder heeft een kunstenaar zijn aandacht zo gericht op de moeilijkste kant van de natuur om te portretteren - op het innerlijke leven van een persoon, op zijn spirituele bewegingen. En dit is een van de belangrijkste innovaties die de hoge renaissance in de renaissancekunst heeft gebracht. "De taak van de kunstenaar", schreef Leonardo, "is om weer te geven wat grenst aan het bijna onbereikbare: om de innerlijke, spirituele wereld van een persoon te tonen." Dit is de belangrijkste programmavereiste voor een kwalitatief nieuwe staat van humanistische kunst, een van de bepalende kenmerken van de hoogrenaissance.
Belangrijke gevolgen vloeiden natuurlijk voort uit de fundamentele setting, die de aard van het realisme op het hoogste niveau van de renaissancekunst aanzienlijk veranderde. Als het belangrijkste een persoon is en vooral zijn innerlijke wereld, dan moet al het vreemde, secundaire, optionele uit de foto worden verwijderd. In "Madonna Benois" wordt een hele psychologisch rijke scène voor de kijker ontvouwd. Maar hoe beknopt haar oplossing! De groep is in het interieur geplaatst, maar er is in feite geen interieur: geen enkel detail van de woning en de inrichting ervan, behalve de bank waarop Maria zit, en zelfs dat is nauwelijks omlijnd. Er is alleen een raam met een halfrond gewelf (herhaling van de lijn van de halve cirkel die de hele compositie bovenaan sluit, en de bovenste contouren van de hoofden van de moeder en het kind). Maar snijd niet in de naam van waarheidsgetrouwheid. Dit is de bron van lucht in de foto, anders zou de foto stikken. En - een sierlijk omlijnde lichtvlek, groenblauwachtig, doorboord door de zon, als gouden stof. Het begeleidt licht en zacht het kleurenschema van de groep zelf - de baby, de jonge moeder en haar kleding, dat wil zeggen, het leidt niet af van het belangrijkste, maar dient integendeel tot een nog grotere eenheid van het geheel.
Dus in de opkomende kunst van de hoge renaissance betekende de verwerving van fundamenteel nieuwe kenmerken de verwerping van bepaalde kenmerken van het oude - nu was er geen ruimte voor het onbeduidende naturalisme dat kenmerkend was voor de vroege renaissance. Alleen door de bewondering van externe details af te wijzen, zou men kunnen leren het innerlijke leven van een persoon te begrijpen en te bewonderen. Alleen door het oppervlakkige 'nominalisme' van de dingen af te schaffen, was het mogelijk om in de kunst de hoogste realiteit te onthullen - de rijkdom van de spirituele wereld van de mens.
Welke "Apollonische" perfectie, wat voor oprechte rijkdom en heroïsche verhevenheid van geest door een persoon kan en moet worden bereikt, werd alleen in volle kracht getoond door de kunst van de Hoge Renaissance - zowel in Michelangelo's "David" als in Raphael's "Sixtine Madonna". Wat in de kunst van het Quattrocento alleen in kracht, in toespeling was vervat, ontvouwt zich hier in machtige bloei.
Het zou echter een vergissing zijn te denken dat de kunst van de hoogrenaissance dezelfde kunst is van de vroege renaissance, alleen "in volle pracht van manifestaties". Ook al brak het verlangen om de innerlijke wereld van een persoon te onthullen door in enkele van de beste creaties van het quattrocento, om deze trend echt te realiseren, moest het begrip van een persoon, zijn innerlijke wereld, heel ingrijpend veranderen .
In de rijke erfenis van Leonardo de tekenaar valt een hele galerij van vreemde gezichten met lelijke, vaak weerzinwekkende trekken op. In de literatuur worden ze karikaturen genoemd. Sommige van deze tekeningen, vooral groepstekeningen, zijn inderdaad van uitgesproken satirische aard: wreedheid, domheid, arrogantie, sluwheid, zonder de afschuwelijkheid van hun uiterlijk op te merken. Dit zijn scherpziende en meedogenloze sociaal-psychologische kenmerken van die tijd, gezichten van sociaal kwaad. Onder hen zijn er veel afbeeldingen van arrogante en weerzinwekkende gelaatstrekken van 'respectabele mensen', 'de crème de la crème'.
De algemene oriëntatie van de Karikaturen is echter ruimer; over het algemeen sluit het aan bij de humanistische ideologie, hoewel het er iets geheel nieuws in introduceert. Dit zijn mensen, maar mensen, alsof ze voor het eerst worden gezien, niet in hun schoonheid, kracht en adel; nee, wat we voor ons hebben zijn meestal lelijke gezichten, opgevreten door het leven, verminkt door hebzucht, machtswellust, sluwheid, gulzigheid, afgunst en andere ondeugden. Vóór Leonardo bestonden dergelijke afbeeldingen van mensen in renaissancekunst niet. Natuurlijk waren er genoeg gezichten die misvormd waren door het leven rondom, maar de kunstenaars leken ze niet op te merken, kunst probeerde een persoon niet van deze, schimmige kant te belichten.
Het was een ontdekking. Zonder hem had Leonardo nooit zijn geweldige "Laatste Avondmaal" kunnen maken. Alle verscheidenheid en typische expressiviteit van de gezichten van de apostelen en, natuurlijk, het gezicht van Judas, zou niet kunnen worden gecreëerd door een kunstenaar wiens blik werd beperkt door de iriserende oogkleppen van het vroege humanisme. De weinige schetsen voor dit fresco die ons zijn overgeleverd, getuigen dat Leonardo het heeft voorbereid tijdens een lange en aanhoudende zoektocht in de natuur.
Het Laatste Avondmaal weerspiegelt een nieuwe fase in de volwassenheid van het humanistische bewustzijn van de hoogrenaissance. Het valt op door de verscheidenheid aan typen, karakters, spirituele bewegingen van mensen, het meest expressief overgebracht door de kunstenaar. Ook hier leven velen pokaverkany. Maar dit is niet het belangrijkste op de foto. Het semantische centrum is iets meer - een vreselijke daad van verraad, de triomf van weerzinwekkende schurkenstaten. De "ontdekking" van de tragedie in het leven, de moed om er openlijk over te spreken - de verovering van de Hoge Renaissance, een van de belangrijkste momenten die inherent zijn aan een kwalitatief nieuwe fase in de ontwikkeling van het humanisme en de humanistische kunst van de Renaissance. Hier - een van de wortelpunten van de waterscheiding tussen de vroege en hoge renaissance.
In Het Laatste Avondmaal zijn er mooie, imposante figuren, maar er zijn ook kale, tandeloze en verfrommelde figuren. En nog belangrijker - er is geen overtuiging dat men gelijk heeft, er is geen eenheid. Preciezer gezegd, de eenheid is slechts schijn, ze valt uiteen voor onze ogen. Naast individuele dapper, klaar voor actie - moe, laf, onverschillig, alleen in beslag genomen door zichzelf. Leonardo's fresco is een aanklacht tegen het kwaad dat in de wereld rondsnuffelt - in het licht van verraad, maar niet minder - in het licht van waar al het kwaad zich mee voedt - menselijke onverschilligheid.
Daarom is het "Laatste Avondmaal" een van de belangrijkste mijlpalen die het begin markeren van een nieuwe fase van de renaissancecultuur - de hoogrenaissance. Het leven heeft aangetoond dat een persoon veel gecompliceerder is dan het eenzijdige optimistische schema waarop zowel de ethiek als de esthetiek van de vroege renaissance waren gebaseerd. Leonardo was de eerste die verder durfde te kijken dan dit schema en in zijn kunst liet hij de andere kant van de medaille zien, onthulde alle tegenstrijdige complexiteit van de mens, zonder zijn ogen te sluiten voor zijn meest weerzinwekkende kanten.
De kriticiteit van het uitzicht is wat in de eerste plaats de hoge renaissance scheidt van de vroege. Maar de hoogrenaissance veranderde niet in mensenhaat; het geloof in de mens, dat vanaf het allereerste begin de humanistische kunst voedde, verloor hij niet. Integendeel, alleen de Hoogrenaissance slaagde er met uitputtende diepgang en kracht in om het humanistische ideaal van de mens in de kunst te belichamen. Alleen in het werk van de uitblinkers van de hoogrenaissance leek de ideale persoon complex, dubbelzinnig, maar zo wijs, krachtig en mooi waar de vroege renaissance alleen maar van kon dromen. Zulke diepe, filosofisch complexe beelden als de Mona Lisa gingen de kracht van de Quattrocento-kunst te boven.
Wat ze ook zeggen over de Gioconda, het lijdt geen twijfel dat we een uitzonderlijke vrouw hebben, een mooie vrouw. Nee, niet door schoonheid of pakkende schoonheid (Leonardo gaf er de voorkeur aan dergelijke gezichten niet af te beelden, en als het moest, droeg hij het meeste werk over aan zijn studenten). En noem haar niet jong. Maar hoe goed is het, hoe rijk aan inhoud! Hoeveel waardigheid in de trotse landing van het hoofd, hoeveel zelfbewustzijn straalt dit gezicht uit, hoeveel betoverende charme in het hoge, heldere voorhoofd, in diepe ogen vol rede en begrip, hoeveel innerlijke vrijheid in de blik! De verbazingwekkende integriteit van het beeld, afgesloten door een ring van prachtige handen, creëert een gevoel van opperste perfectie. In alle voorgaande kunst van de Renaissance kan men geen even indringende belichaming vinden van het humanistische ideaal van de mens - mooi, subliem, spiritueel rijk.
De magnetische aantrekkingskracht van de Gioconda is het bewijs van zijn diepte en natuurlijk zijn trouw aan het leven. Dit betekent dat het geheim van dit portret niet vergezocht is, maar een soort vitaal, noodzakelijk voor mensen - historisch en menselijk. Ongetwijfeld in de "La Gioconda" - de hoogste belichaming van het Renaissance-ideaal van een intelligent, trots, perfect persoon. Maar niet alleen. Haar vreemde glimlach, zowel boeiend als bitter, spreekt ook van een andere bedoeling van de kunstenaar, en van een bijzondere psychologische staat van de natuur.
Tussen 1513 en 1516 Leonardo da Vinci maakt het schilderij "Johannes de Doper", dat al lang bekendheid geniet als misschien wel de meest mysterieuze van al zijn creaties.
Natuurlijk zit er veel mysterie in al het werk van Leonardo. Het is bekend dat hij al zijn aantekeningen in spiegelschrift bewaarde en veel van zijn meest gedurfde gedachten in de Aesopische vorm van fabels, gelijkenissen en profetieën hulde. Vincians kunst onderscheidt zich ook door een uitzonderlijke intellectuele rijkdom. De creaties van het penseel van deze grootste kunstenaar-denker zijn gevuld met zo'n diepe, "veelgelaagde" ideologische inhoud dat ze niet kunnen worden ontcijferd met een oppervlakkige benadering. Ze geven aanleiding tot veel verbijsterde vragen en soms direct tegenovergestelde oordelen.
En dat geldt vooral voor “Johannes de Doper”. Misschien is er in de hele kunst van de klassieke renaissance nauwelijks een ander werk dat zulke tegenstrijdige beoordelingen zou veroorzaken als dit schilderij. Sommigen bewonderden haar, anderen vonden haar zo zwak dat ze weigerden het auteurschap van Leonardo te erkennen; sommigen verheerlijkten, anderen waren klaar om te vloeken.
De foto is blijkbaar geschreven in opdracht van de Fransen, hoogstwaarschijnlijk zelfs Lodewijk XII, aan het einde van zijn regering in Milaan. Te oordelen naar de talrijke kopieën en imitaties van kunstenaars, volgens individuele getuigenissen van mensen die het Franse hof in de 16e en 17e eeuw bezochten, verrukte het schilderij tijdgenoten, en de Franse vorsten waren er trots op als een van de parels van hun collectie; trots op haar en de kunstenaar zelf.
In het schilderij "Johannes de Doper" voelt men een schreeuwende onenigheid. Oproepend om na te denken over het hemelse en daar, in de ondoordringbare duisternis, om verlossing te zoeken, blijft de volle prediker van ascetisme zelf ongestoord in deze zondige wereld. En deze onenigheid is volledig in overeenstemming met de dubbelzinnigheid van zijn ironische glimlach. Dit alles paste niet zo goed bij het traditionele idee van Johannes de Doper dat het schilderij al in de 17e eeuw (ondanks het afgebeelde kruis) een tweede naam kreeg: “Bacchus”.
Dit betekent dat het nauwelijks redelijk is de kunstenaar te verwijten dat hij onvoldoende vasthoudt aan de 'historische authenticiteit' van het beeld van het nieuwtestamentische personage. Het zou juister zijn om te concluderen dat achter deze Johannes iets onvergelijkbaar veel meer schuilgaat dan een van de gezichten van het evangelieverhaal, dat achter hem een heel fenomeen schuilgaat en een bepaalde houding van de kunstenaar zelf tegenover hem. In zijn nieuwste creatie hekelde de humanistische kunstenaar de hypocrisie van de ascetische prediking en zei hij over de katholieke kerk wat hij ervan vond.
Met zijn laatste, 'testamentaire' foto, als een scherp akkoord, voltooide Leonardo de strijd van het humanisme tegen de ascese, die Boccaccio, Bruni, Poggio, Valla en in wezen alle renaissancekunst begonnen en onvermoeibaar voerden.
RAFAEL SANTI
Rafael Santi behaalde al vroeg de hoogste onderscheidingen. De paus wilde hem kronen met een ongekende onderscheiding voor een schilder, en alleen een vroegtijdige dood weerhield Raphael ervan kardinaal te worden.
De eerste karakterisering van Rafaël vinden we in een brief van de zus van de hertog van Urbino, die de kunstenaar - hij was toen eenentwintig jaar oud (1504) - 'een bescheiden en lieve jongeman' noemt. De beschrijving van zijn persoonlijkheid volgens Vasari zou bijna volledig moeten worden gegeven.
'Om te beseffen', schrijft Vasari, 'hoezeer de lucht verkwistend en ondersteunend kan blijken te zijn, door alleen op zijn hoofd die oneindige rijkdom aan schatten en schoonheden te plaatsen, die hij gewoonlijk over een lange tijd over verschillende individuen verdeelt, moet één moet kijken naar dezelfde uitstekende, maar ook mooie, Raphael van Urbinsky. Hij was van nature begiftigd met die bescheidenheid en die vriendelijkheid die men soms kan waarnemen bij mensen die, meer dan anderen, aan de natuurlijke welwillendheid de mooiste versiering van charmante hoffelijkheid kunnen toevoegen, die zich in alles en onder alle omstandigheden even lief en aardig manifesteert. prettig. De natuur schonk dit geschenk aan de wereld toen ze, verslagen door de kunst van Michelangelo Buonarroti, tegelijkertijd wilde worden verslagen door de kunst en hoffelijkheid van Raphael. In Rafael, getuigt Vasari, “schitterden de zeldzaamste spirituele kwaliteiten, waarmee zoveel gratie, ijver, schoonheid, bescheidenheid en goede moraal werden gecombineerd dat ze voldoende waren om alle ondeugden te verontschuldigen, hoe beschamend ze ook waren. Er kan dus worden beweerd dat degenen die zo gelukkig begaafd zijn als Raphael van Urbinsky geen mensen zijn, maar sterfelijke goden, als ik het zo mag zeggen ... Zijn hele leven hield hij niet op het beste voorbeeld te geven van hoe we zouden moeten zijn als gelijken worden behandeld, en met mensen boven en onder ons. Van al zijn zeldzame kwaliteiten verbaast er één me: de hemel heeft hem het vermogen gegeven om zich anders te gedragen dan gebruikelijk is bij onze broederschap van kunstenaars; onder alle kunstenaars die onder leiding van Raphael werkten, was er zo'n overeenstemming dat elke kwade gedachte bij zijn aanblik verdween, en zo'n overeenkomst bestond alleen bij hem. Dit was te danken aan het feit dat ze allemaal de superioriteit van zijn aanhankelijke karakter en talent voelden, maar vooral aan zijn prachtige karakter, altijd zo attent en zo oneindig genereus in genade, dat mensen en dieren genegenheid voor hem voelden ... Hij voortdurend had veel studenten die hij hielp en die hij leidde met puur vaderlijke liefde. Daarom werd hij, toen hij naar de rechtbank ging, altijd omringd door vijftig kunstenaars, allemaal vriendelijke en dappere mensen, die zijn gevolg vormden om hem eer te bewijzen. In wezen leefde hij niet als kunstenaar, maar als prins.”
Natuurlijk kan men zo'n houding van tijdgenoten niet alleen aan het genie van Rafaël toeschrijven. Blijkbaar combineerden de aard van Raphael's werk en tegelijkertijd zijn persoonlijkheid alles wat toen als perfectie werd beschouwd. Daarom was hij voor iedereen dichtbij en begrijpelijk en leek hij de belichaming te zijn van alle menselijke deugden.
Raphael was een leerling van Perugino en in zijn jeugd was hij als kunstenaar als zijn leraar. Maar zelfs in zijn vroegste werken valt een ander handschrift van de kunstenaar op.
In de London National Gallery hangt zijn charmante schilderij "The Knight's Dream", geschreven in 1500, d.w.z. toen Raphael nog maar zeventien jaar oud was. Ridder - een dromerige jongeman wordt afgebeeld tegen de achtergrond van een prachtig landschap. Hij is vol gratie, misschien nog niet mannelijk genoeg, maar al gecombineerd met een soort innerlijke balans, gemoedsrust.
Deze innerlijke balans verlicht de beroemde Hermitage Conestabile die Madonna een jaar of twee later schilderde (zo genoemd naar de voormalige eigenaar). Er is geen beeld dat lyrischer en sterker is in zijn interne structuur. Wat een harmonie in het uiterlijk van de Madonna, de kanteling van haar hoofd en in elke boom van het landschap, in alle details en de compositie als geheel!
De Florentijnse periode van Raphael's werk omvat zijn zelfportret, geschreven in 1506 (Florence, Uffizi) op drieëntwintigjarige leeftijd. Zijn hoofd en schouders steken duidelijk af tegen de gladde achtergrond. De contour is ongewoon dun, licht golvend (in Florence had Raphael zich al aangesloten bij de pittoreske ontdekkingen van Leonardo). De look is attent en dromerig. Rafael lijkt naar de wereld te kijken en is doordrenkt met haar harmonie. Maar de kunstenaar is nog steeds timide, jonge, aanhankelijke zachtmoedigheid wordt over zijn gezicht gegoten. Door zijn onzekerheid en loomheid wordt echter al een ontluikende gemoedsrust gevoeld. De scherp vooruitstekende onderlip, de lijn van de mond, mooi en krachtig gebogen, de ovale kin stralen vastberadenheid en autoriteit uit.
En als je naar zijn zelfportret kijkt, hoe kun je het dan oneens zijn met de Italiaanse schrijver Dolce, zijn jongere tijdgenoot, die zegt dat Rafaël hield van de schoonheid en tederheid van vormen, omdat hij zelf gracieus en beminnelijk was en voor iedereen even aantrekkelijk leek als de door hem afgebeelde figuren.
Rond dezelfde jaren schilderde hij "Madonna in het groen", "Madonna met een distelvink", "Mooie tuinman", gekenmerkt door nieuwe, complexere compositorische zoektochten en hoge vaardigheid, voortkomend uit een duidelijke picturale traditie van de Florentijnse school.
Voorbij Florence - Rome. In Rome bereikte de kunst van Rafaël zijn hoogtepunt.
De meest complete en organische combinatie van de geest van vrijheid en denken wordt echter belichaamd door Raphael in het fresco "The School of Athens" (1508-1511). Op de trappen van het majestueuze oude gebouw, in de schaduw van de beelden van de meest creatieve goden uit de oudheid - Apollo en Minerva, verzamelden zich de beroemde wijzen uit de oudheid - filosofen, wiskundigen, kosmografen. In het midden, schouder aan schouder samenkomend, bevinden zich de hemellichten van de twee hoofdrichtingen van het filosofisch denken - Plato en Aristoteles. De grijsharige Plato steekt zijn hand op en wijst naar de lucht: er is waarheid; de veel jongere Aristoteles daarentegen draaide zijn open handpalm in een energiek gebaar naar de aarde: nee, de waarheid is hier. Rechts en links van deze twee vaders van wijsheid zijn hun discipelen en aanhangers. Sommigen luisteren aandachtig, anderen denken aandachtig, anderen schrijven haastig op, weer anderen verbergen hun twijfels niet, argumenteren vurig, gebaren krachtig, en degenen die haast hebben om niet te laat te komen voor een wetenschappelijk geschil. Afzonderlijke cirkels lijken uit elkaar te staan, maar overal wordt hard gewerkt. Bijzonder expressief is een groep jonge mensen in de rechterhoek van de foto, verzameld rond een eerbiedwaardige wetenschapper (Archimedes? Euclid?), die zich over een soort tekening buigt. Ze zijn atletisch gebouwd, hun houdingen, gebaren zijn vol vurige interesse, hun gezichten gloeien van honger naar kennis: ze proberen een moeilijke taak te begrijpen en actief mee te werken.
En geen dwang. In hun bewegingen, in hun levendige nieuwsgierigheid ademt een natuurlijke (en tegelijkertijd gracieuze) losheid. Het hele plaatje beweegt en leeft met dezelfde vrijheid, elke pose en elke positie - van vurig enthousiasme tot twijfel en ontkenning. De kijker twijfelt er niet aan, welke geschillen deze wijzen ook mogen verdelen, we hebben voor ons een grote gemeenschap van geesten die op zoek zijn naar waarheid.
Om de kracht en diepte van deze creatie te waarderen, moet men rekening houden met de ongelooflijk moeilijke taak van de kunstenaar - om filosofie uit te beelden (dit is de oorspronkelijke naam van het fresco). Rafaël loste dit probleem op briljante wijze op - helemaal in de geest van de hoogrenaissance: misschien is er in de renaissancekunst geen ander werk waar, met zo'n artistieke overtuigingskracht, in zo'n krachtige harmonie, het afzonderlijke en het geheel, het individuele en het algemene versmolten en uitgedrukt.
De 'School van Athene' is misschien wel de meest programmatische artistieke creatie van het renaissancehumanisme, maar bovenal is het een hymne aan de vrijheid en kracht van het menselijk denken, de grenzeloosheid van de vlucht van een vrije, bewuste geest. In Rafaëls fresco wordt denken voorgesteld als de hoogste belichaming van menselijke vrijheid en waardigheid.
Maar de renaissancewil naar vrijheid was niet beperkt tot de vrijheid van kennis, intellectuele activiteit. De humanistische opvatting van de wereld, als een sfeer voor de realisatie van alle menselijke mogelijkheden, omvatte noodzakelijkerwijs de emancipatie van de emotionele sfeer, de vrijheid van menselijke gevoelens. De uitbundige vreugde van directe, sensuele perceptie van de wereld, zou je kunnen zeggen - ermee versmelten, de triomf van gelukkige liefde, mooie naaktheid in de schoot van een grenzeloze, heldere natuur met de grootste kracht werd uitgedrukt door dezelfde Raphael in het fresco "De triomf van Galatea" (1513).
Alles ademt hier vrijheid - zowel de naaktheid zelf als de stormachtige beweging die iedereen omarmt - nereïden, salamanders, cupido's, dolfijnen. Galatea's gezicht, haar grote ogen stralen van geluk en wil. Een tegenwind blaast door haar haren. Hij greep de bovenrand van haar paradeterrein beet en vouwde het al draaiend open als een spandoek. Deze dominante beweging wordt weerspiegeld door het haar van een andere Nereïde rechts op de achtergrond, dat in dezelfde richting fladdert, en de gouden zijden sjaal van de nimf op de voorgrond, gezwollen in een boog, links. Maar de leidende hoofdtoon is nog steeds de in een stormachtige impuls naar achteren geworpen rand van de paarse mantel van Galatea, die over de hoofden van de figuren links spoelt. Dit geeft de hele beweging van de groep het karakter van een bedwelmende vrije vlucht. Adem breidt zich uit. We voelen 'de grenzeloze verrukking van de wereld'.
Meestal wordt opgemerkt dat Raphael in dit fresco als geen ander in staat was om de oude, "heidense" houding, vol sensuele levensvreugde, te begrijpen en uit te drukken. Dit is over het algemeen waar. Maar bijna nergens in de kunst van de oudheid is zoveel dynamiek te vinden - niet de bedwelming van bacchanalen, maar een gezonde dorst naar vrijheid en vreugde. Dit is meer dan wennen aan de geest van de oudheid, het is de belichaming van de uitbundige geest van de Renaissance. Dit beeld is de duidelijkste uitdrukking van de vrije, vreugdevolle, pantheïstische perceptie van de wereld die inherent is aan het humanisme van de Renaissance.
De wereld is mooi, onze aardse wereld! Dat is de slogan van alle renaissancekunst. De mens ontdekte en proefde de schoonheid van de zichtbare wereld, en hij bewondert het als het meest magnifieke schouwspel, gemaakt voor de vreugde van de ogen, voor geestelijk genot. Hij maakt zelf deel uit van deze wereld en daarom bewondert hij daarin en zichzelf. De vreugde van het aanschouwen van aardse schoonheid is een levengevende, vriendelijke vreugde. Het is de taak van de kunstenaar om de harmonie van de wereld steeds vollediger, levendiger naar voren te brengen en daardoor chaos te overwinnen, om een bepaalde hogere orde te bevestigen, waarvan de basis een maat is, een interne noodzaak die schoonheid voortbrengt.
In middeleeuwse kerken lijken schilderkunst, mozaïeken of glas-in-loodramen samen te smelten met architectuur en daarmee het geheel te creëren, dat een plechtige stemming moet oproepen bij de aanbidder. In romaanse of gotische kerken beseften mensen uit de Middeleeuwen soms niet dat voor hen niet alleen symbolen stonden, conventionele afbeeldingen die de idealen van hun geloof verheerlijkten, maar ook kunstwerken. Het schilderen van de tempel leek hen geen onafhankelijke creatie, het was goed om ernaar te kijken onder het gezang van het kerkkoor, dat, net als de gewelven van de tempel met zijn hoge bogen, hun verbeelding in de wereld van dromen bracht , troostende hoop of bijgelovige angsten. En daarom zochten ze in dit schilderij niet naar de illusie van de werkelijkheid.
De renaissanceschilderkunst richt zich tot de toeschouwer. Als wonderlijke visioenen passeren er beelden voor zijn ogen, die een wereld verbeelden waarin harmonie heerst. Mensen, landschappen en objecten erop zijn hetzelfde als hij om zich heen ziet, maar ze zijn helderder, expressiever. De illusie van de werkelijkheid is compleet, maar de werkelijkheid, getransformeerd door de inspiratie van de kunstenaar. En de kijker bewondert haar en bewondert evenzeer het mooie kinderlijke hoofd als het strenge oude hoofd, dat misschien helemaal niet aantrekkelijk is in het leven. Op de muren van paleizen en kathedralen worden fresco's vaak ter hoogte van het menselijk oog geschilderd, en in de compositie "kijkt" een figuur rechtstreeks naar de kijker, zodat hij daardoor met alle anderen kan "communiceren".
Rafaël is het einde. Al zijn kunst is buitengewoon harmonieus, en rede, de hoogste, wordt in hem gecombineerd met filantropie en spirituele zuiverheid. Zijn kunst, vrolijk en gelukkig, drukt een soort morele voldoening uit, acceptatie van het leven in al zijn volheid en zelfs ondergang. In tegenstelling tot Leonardo kwelt Raphael ons niet met zijn geheimen, overweldigt hij ons niet met zijn alwetendheid, maar nodigt hij ons vriendelijk uit om met hem van de aardse schoonheid te genieten. Tijdens zijn korte leven slaagde hij erin om in de schilderkunst waarschijnlijk alles uit te drukken wat hij kon, d.w.z. volledig koninkrijk van harmonie, schoonheid en goedheid.
In Rome bloeide het genie van Raphael volledig op, in Rome, waar in die tijd de droom ontstond om een machtige staat te creëren en waar de ruïnes van het Colosseum, triomfbogen en standbeelden van de Caesars herinnerden aan de grootsheid van het oude rijk. Jeugdige verlegenheid en vrouwelijkheid verdwenen, epischheid zegevierde over teksten, en de moedige kunst van Raphael, ongeëvenaard in zijn perfectie, was geboren.
"Raphael was zich ervan bewust", schrijft Vasari, "dat hij qua anatomie geen superioriteit ten opzichte van Michelangelo kan bereiken. Als een man van grote redelijkheid realiseerde hij zich dat schilderen niet alleen bestaat uit het afbeelden van een naakt lichaam, dat zijn veld breder is ... Omdat hij Michelangelo niet kon inhalen op dit gebied, probeerde Raphael hem in te halen, en hem misschien overtreffen in een andere ”.
Raphael bracht, in tegenstelling tot Leonardo en Michelangelo, zijn tijdgenoten niet in verlegenheid met de vrijmoedigheid van zijn zoektochten: hij streefde naar een hogere synthese, naar de stralende voltooiing van alles wat vóór hem was bereikt, en deze synthese werd door hem gevonden en belichaamd.
De Florentijnse Madonna's van Raphael zijn mooie, mooie, ontroerende en betoverende jonge moeders. Madonna's gemaakt door hem in Rome, d.w.z. in de periode van volledige artistieke volwassenheid andere kenmerken verwerven. Dit zijn al minnaressen, godinnen van goedheid en schoonheid, krachtig in hun vrouwelijkheid, de wereld veredelen, menselijke harten verzachten. "Madonna in een fauteuil", "Madonna met een vis", "Madonna del Foligno" en andere wereldberoemde madonna's (ingeschreven in een cirkel of regerend in glorie over andere figuren in grote altaarcomposities) markeren Raphael's nieuwe zoektochten, zijn pad naar perfectie in de belichaming van het ideaalbeeld van de Moeder Gods.
De gemeenschappelijkheid van de typen van sommige Raphaeliaanse vrouwelijke afbeeldingen uit de Romeinse tijd leidde tot de veronderstelling dat dezelfde vrouw model stond voor de kunstenaar, zijn geliefde, bijgenaamd "Fornarina", wat een bakker betekent. Deze Romeinse vrouw met duidelijke nobele trekken, die geliefd was bij de grote schilder, was de dochter van een bakker. Misschien inspireerde het beeld van haar Raphael, maar hij was blijkbaar niet de enige. Want dit is wat we lezen in Raphael's brief: “Ik zal je vertellen dat om een schoonheid te schrijven, ik veel schoonheden moet zien ... Maar vanwege het gebrek aan zowel goede rechters als mooie vrouwen, gebruik ik een idee dat komt in me op. Ik weet niet of het enige perfectie heeft, maar ik doe heel erg mijn best om het te bereiken."
Laten we eens kijken naar dit idee dat in Raphael opkwam, een idee dat hij duidelijk lange tijd koesterde voordat hij het volledig in de kunst belichaamde.
De Sixtijnse Madonna (zo genoemd naar het klooster waarvoor dit altaarstuk is geschilderd) is Rafaëls beroemdste schilderij en waarschijnlijk het beroemdste schilderij ooit geschilderd.
Maria loopt op de wolken terwijl ze haar kind draagt. Haar glorie wordt nergens door onderstreept. Blote voeten. Maar als minnares ontmoet paus Sixtus, gekleed in brokaat, haar op zijn knieën; De heilige Barbara slaat eerbiedig haar ogen neer en twee engeltjes kijken dromerig en peinzend op.
Ze gaat naar mensen, jong en majestueus, met iets angstigs in haar ziel; de wind blaast door het haar van het kind en zijn ogen kijken naar ons, naar de wereld met zo'n grote kracht en met zo'n verlichting, alsof hij zowel zijn eigen lot als het lot van het hele menselijke ras ziet.
Dit is geen realiteit, maar een spektakel. Geen wonder dat de kunstenaar zelf een zwaar gordijn opende voor het publiek op de foto. Een spektakel dat de werkelijkheid transformeert, in de grootsheid van dingen, wijsheid en schoonheid, een spektakel dat de ziel verheft met zijn absolute harmonie, ons overwint en veredelt, hetzelfde spektakel waar het Italië van de Hoge Renaissance naar verlangde en uiteindelijk vond in de droom van een betere wereld.
En hoeveel mooie en ware woorden zijn er al lang gezegd over de hele wereld, en in het bijzonder in Rusland. Want inderdaad, zoals Russische schrijvers en kunstenaars in de vorige eeuw op bedevaart gingen naar Dresden naar de “Sixtijnse Madonna”. Laten we luisteren naar hun oordeel over een maagd die een baby draagt met een kinderlijke, verbazingwekkende blik, over de kunst van Rafaël en over wat hij in deze beelden wilde uitdrukken.
Zhukovsky: “Er is een canvas voor mijn ogen, er zijn gezichten in geschetst, en alles is krap in een kleine ruimte, en ondanks het feit is alles immens, alles is onbeperkt ... Het gordijn ging open en het mysterie van de hemel werd geopenbaard aan de ogen van een persoon ... In de Moeder van God, wandelend door de hemel, is geen beweging merkbaar; maar hoe meer je ernaar kijkt, hoe meer het dichterbij lijkt te komen.”
Bryullov: "Hoe meer je kijkt, hoe meer je de onbegrijpelijkheid van deze schoonheden voelt: elk kenmerk is doordacht, overspoeld met uitingen van gratie, gecombineerd met de strengste stijl..."
Belinsky: "In haar blik is er iets strengs, ingetogen, er is geen gratie en genade, maar er is geen trots, minachting en in plaats daarvan een soort toegeeflijkheid die zijn grootsheid niet vergeet."
Herzen: “Haar innerlijke wereld is vernietigd, ze kreeg de verzekering dat haar zoon de Zoon van God is, dat zij de Moeder van God is; ze kijkt met een soort nerveus enthousiasme, met moederlijke helderziendheid, ze lijkt te zeggen: "Neem hem, hij is niet van mij." Maar tegelijkertijd knuffelt ze hem tegen zich aan, zodat ze, indien mogelijk, ergens ver weg met hem weg zou rennen en gewoon zou strelen, niet de redder van de wereld borstvoeding zou geven, maar haar zoon.
Dostojevski zag in de "Sixtijnse Madonna" de hoogste graad van menselijke adel, de hoogste manifestatie van moederlijk genie. Een grote halfhoge reproductie ervan hing in zijn kamer, waarin hij stierf.
Zo inspireert de onvergankelijke schoonheid van echt grote kunstwerken de beste talenten en geesten in de volgende eeuwen...
De Sixtijnse Madonna is de belichaming van dat ideaal van schoonheid en goedheid dat vaag het populaire bewustzijn inspireerde in het tijdperk van Raphael en dat Raphael tot het einde uitdrukte toen hij het gordijn opendeed, precies datgene dat het dagelijks leven scheidt van geïnspireerde dromen, en dit liet zien ideaal voor de wereld, voor ons allemaal en voor degenen die na ons komen.
Raphael was niet alleen een onovertroffen meester van perfect geconstrueerde compositie: de kleur van zijn schilderijen, helder en tegelijkertijd transparant en licht, prachtig gecombineerd met een helder patroon.
Deze grote schilder heeft een stempel gedrukt op de beeldhouwkunst. Onder zijn leerlingen bevindt zich de beeldhouwer Lorenzo Lorenzetti. Volgens de schetsen en onder leiding van zijn grote leraar maakte hij verschillende sculpturen, waarvan er maar één tot ons is gekomen - "Dead Boy on a Dolphin". Het belichaamt in marmer het Raphaeliaanse schoonheidsideaal, het ritme en de harmonie ervan: er is geen afschuw van de dood, het lijkt alsof het kind vredig in slaap is gevallen.
Rafaël! Hij stierf in de bloei van zijn leven, op het toppunt van zijn roem - zevenendertig jaar oud.
Michelangelo Buonarroti
Michelangelo werd geboren in 1475 en stierf in 1564, hij overleefde Leonardo en Raphael vier en een half decennium en liet het grote tijdperk van humanisme en vrijheid van geest ver achter zich. Deze verheven idealen waren nog niet eerder gerealiseerd in het sociale leven van Italië, maar ze werden gepredikt door filosofen, dichters en kunstenaars en goedgekeurd door de meest verlichte heersers. Er zijn andere tijden gekomen. In de laatste decennia van zijn leven was Michelangelo er getuige van hoe deze idealen op grove wijze met de voeten werden getreden, kerkelijke en feodale reacties zegevierden.
De nakomeling van een oude maar verarmde adellijke familie, Michelangelo Buonarroti was een patriot en een democraat. In tegenstelling tot Leonardo drong het burgerschap door in zijn houding. Hij nam deel aan de strijd tegen tirannie, had de leiding over alle vestingwerken van zijn geboorteland Florence, belegerd door de troepen van de Duitse keizer en paus, en alleen de roem die hij in de kunst won, redde hem van de represailles van de overwinnaars.
Michelangelo voelde diep zijn verbondenheid met zijn inheemse volk, met zijn geboorteland.
Zijn kostwinner was de vrouw van een steenhouwer. Hij herinnerde zich haar en zei tegen zijn landgenoot Vasari: “Al het goede in mijn talent werd door mij ontvangen uit het milde klimaat van ons geboorteland Arezzo, en uit de melk van mijn verpleegster haalde ik de beitel en de hamer waarmee ik mijn beelden maak. .” De democratie van Michelangelo viel niet bij iedereen in de smaak. In de titanische beelden van Michelangelo zagen ze soms de verheerlijking van brute fysieke kracht. Dus een van de toenmalige kunstcritici verklaarde dat "Raphael nobele mensen schilderde en Michelangelo dragers schilderde."
Het trieste lot van het moederland, de vergetelheid in Italië van de tijd van hoge verwachtingen die al zijn werk inspireerde, verwondde de ziel van Michelangelo diep. Koppig, tot het einde van zijn dagen, vocht hij voor zijn ideaal, voor zijn geloof.
Het genie van Leonardo is de wil om de wereld te kennen en te beheersen in kunst, volledig bewustzijn en bevestiging van de kracht en kracht van de menselijke geest.
Raphael gaf de mensheid de vreugde van serene bewondering van de wereld in al zijn majestueuze en bedwelmende schoonheid, onthuld door het genie van de kunstenaar.
Het genie van Michelangelo drukt een ander begin in de kunst uit.
De basis van het geloof en het ideaal van Michelangelo is dat van alle grote vertegenwoordigers van de Renaissance, hij het meest consequent en onvoorwaardelijk geloofde in de grote mogelijkheden die inherent zijn aan een persoon, in het feit dat een persoon, voortdurend zijn wil inspannend, zijn wil kan smeden eigen beeld, steviger en helderder dan door de natuur gecreëerd. En dit beeld smeedde Michelangelo in de kunst om de natuur te overtreffen. Het is niet alleen nodig om de natuur te imiteren, maar om haar "intenties" te begrijpen om het werk van de natuur in de kunst volledig uit te drukken, te voltooien en er daardoor bovenuit te stijgen.
Leonardo en Raphael streefden naar dit doel, maar niemand vóór Michelangelo toonde in dit streven zulke gedurfde, verbluffende tijdgenoten.
Vasari drukte universele verrukking uit en schreef dat Michelangelo's gigantische standbeeld van David "de glorie van alle beelden heeft weggenomen, modern en oud, Grieks en Romeins". Deze David, een majestueuze en mooie jongeman, vol grenzeloze moed en kracht, klaar om het kwaad te bestrijden, vol vertrouwen in zijn gelijk en in zijn triomf, is een waar monument voor een heldhaftige persoonlijkheid, voor een man zoals hij zou moeten zijn, die de hoogste kroon van de natuur.
Met al zijn kunst wil Michelangelo ons laten zien dat het mooiste in de natuur de menselijke figuur is, bovendien dat schoonheid daarbuiten niet bestaat. En dit komt omdat uiterlijke schoonheid een uitdrukking is van spirituele schoonheid, en de menselijke geest drukt opnieuw de hoogste en mooiste ter wereld uit.
"Geen enkele menselijke passie is mij vreemd gebleven." En: "Er is nog niet zo iemand geboren die, zoals ik, zo geneigd zou zijn om van mensen te houden."
En dus, om de mens in al zijn spirituele en fysieke schoonheid te verheerlijken, plaatste Michelangelo beeldhouwkunst boven andere kunsten.
Over beeldhouwkunst zei Michelangelo dat "dit de eerste van de kunsten is", verwijzend naar de bijbelse legende van God, die de eerste menselijke figuur, Adam, uit de aarde vormde.
"Het leek me altijd," schreef Michelangelo, dat beeldhouwkunst het baken van de schilderkunst is en dat er tussen hen hetzelfde verschil is als tussen de zon en de maan.
Michelangelo merkte ook op: "Ik bedoel met beeldhouwkunst de kunst die wordt uitgevoerd op grond van aftrekken." De kunstenaar heeft de reductie van al het overbodige voor ogen. Hier is een blok marmer: er zit schoonheid in, je hoeft het alleen maar uit de stenen schaal te halen. Michelangelo verwoordde dit idee in prachtige verzen (hij was trouwens een van de eerste dichters van zijn tijd):
En het hoogste genie zal niet toevoegen
Een gedachte aan degenen die marmer zelf
Verbergt in overvloed - en alleen dit voor ons
De hand, gehoorzaam aan de rede, zal onthullen.
Michelangelo geloofde dat net zoals schoonheid in de natuur zit, goedheid in de mens zit. Net als een beeldhouwer moet hij in zichzelf alles verwijderen wat grof, overbodig is, alles wat de manifestatie van goedheid belemmert. Hij spreekt hierover in verzen vol diepe betekenis, opgedragen aan zijn geestelijk leider Vittoria Colonna:
Als een levend standbeeld uit een rots
We extraheren, donna,
Wat des te completer is
Hoe meer steen we tot stof maken, -
Goede daden dus
Ziel, uitgevoerd door angst,
Verbergt ons eigen vlees
Met zijn buitensporige, grove uitbundigheid...
Niet zonder reden, verwijzend naar de modieuze dichters van die tijd, vaak inhoudsloos, ondanks de elegantie van vorm, sprak een van de meest bedachtzame bewonderaars van Michelangelo als volgt over zijn gedichten: "Hij zegt dingen, jij zegt woorden."
… Gelegen in een diep bergbekken, was de stad Carrara al in de oudheid beroemd om zijn marmer. Michelangelo at daar bijna niets anders dan brood en bleef meer dan acht maanden om zoveel mogelijk wit Carrara-marmer te breken en naar Rome te brengen. De meest grandioze plannen ontstonden in zijn verbeelding toen hij alleen tussen de rotsen dwaalde. Dus, kijkend naar een berg die volledig van marmer was gemaakt, droomde hij ervan om er een kolossaal beeld uit te houwen, dat van ver zichtbaar zou zijn voor zeelieden en als vuurtoren voor hen zou dienen. In deze berg ontwaarde hij al het reusachtige beeld dat de hamer en beitel uit zijn massa zouden halen.
Michelangelo voerde dit plan niet uit. Wat hij echter heeft bereikt, is ongeëvenaard in de wereldkunst. Michelangelo heeft sculpturen waar de contouren van een stenen blok bewaard zijn gebleven. Er zijn er ook waar delen van de steen niet worden aangeraakt door de beitel, hoewel het beeld in al zijn macht verschijnt. En dit is het loslaten van schoonheid die we zien.
Michelangelo beschouwde zichzelf in de eerste plaats als beeldhouwer, en zelfs alleen als beeldhouwer. Misschien droomde hij in trotse gedachten dat niet alleen het marmeren blok dat hij als werk had uitgekozen, maar ook elke rots, berg, alles vormloos, willekeurig opgestapeld in de wereld zijn beitel nodig had. Het is tenslotte de bestemming van kunst om het werk van de natuur te voltooien, om schoonheid te bevestigen. En dit, meende hij, was slechts een match voor een beeldhouwer.
Michelangelo sprak soms met arrogantie, zelfs irritatie, over schilderen alsof het niet over zijn vak ging.
Net als de sculpturen van Michelangelo verbazen de grandioze beelden die door zijn penseel worden gecreëerd door hun ongeëvenaarde plastische expressiviteit. In zijn werk, en misschien alleen in hem, is beeldhouwkunst echt het "baken van de schilderkunst". Beeldhouwkunst hielp Michelangelo namelijk om alle plastische schoonheid die in de menselijke figuur op de loer ligt, harmonieus te verenigen en te concentreren in één specifiek picturaal beeld.
De aanvankelijke vorming van Michelangelo als kunstenaar verliep onder omstandigheden die hem verwant maakten met Leonardo da Vinci. Net als Leonardo was hij een leerling van de beroemde Florentijnse Quattrocento-meester. Er zijn aanwijzingen dat deze meester, Domenico Ghirlandaio, net als de leraar Leonardo Verrocchio, jaloers was op zijn leerling. Net als Leonardo kon de verfijnde kunst die bloeide aan het hof van Lorenzo de Grote Michelangelo niet tevreden stellen. En een van zijn eerste werken is "Madonna aan de trap", door hem in marmer gebeeldhouwd toen hij amper zestien jaar oud was, geen verwende patriciër en zelfs geen jonge moeder die haar liefde voor een baby ontroerde, maar een strenge en majestueuze maagd die zich bewust is van haar glorie en weet van de tragische test die voor haar is voorbereid.
Slechts één volledig betrouwbaar exemplaar van Michelangelo's ezelschilderij is bewaard gebleven: de beroemde tondo (ronde schilderij) "Madonna Doni". Aangenomen kan worden dat in deze compositie de bijna dertigjarige Michelangelo, die al grote bekendheid genoot, zich voorstelde Leonardo te overtreffen en zijn superioriteit ten opzichte van zijn oudere broer te bevestigen, wiens schilderprestaties in Florence als openbaringen werden gezien.
"Madonna Doni" van Michelangelo en "St. Anna" van Leonardo da Vinci... De parallel ligt voor de hand. En het gemeenschappelijke doel ligt voor de hand: de kracht van beweging maximaal concentreren, energie beteugelen om er een onwrikbare monoliet van te maken.
Bij Leonardo wordt het doel in harmonie bereikt, waarbij alle tegenstellingen worden verzoend, harmonie als het ware uitgevoerd door de natuur zelf.
Michelangelo heeft een geconcentreerde kracht, en alles is een strijd waarin, onder de beitel of zijn of onder de borstel, mooiere, krachtigere en meer gedurfde mensen worden geboren - volkshelden. Gigantische spanning en dynamiek in elke spier, in elke impuls, zowel fysiek als spiritueel.
In tegenstelling tot de kunstenaars van de vorige eeuw, die te midden van het volk werkten, sluiten de Cinquecento-kunstenaars zich aan bij de hogere, patricische kring. De idealen van volksvrijheid worden met voeten getreden door het absolutisme. Seculiere en spirituele heersers hebben kunst nodig die hun daden verheerlijkt: ze trekken de beroemdste schilders, beeldhouwers en architecten tot hun dienst. Paus Julius II ontbood Michelangelo naar Rome om hem een grote taak op te leggen: deze strenge en koppige ambitieuze man, die er soms van droomde een kerkelijk rijk te stichten, machtiger dan het rijk van de Caesars, wenste dat tijdens zijn leven een graf zou worden opgericht, die, met zijn grootte en pracht, alles zou overtreffen dat eerder in de wereld was gemaakt, en besloot dat alleen Michelangelo zo'n taak aankon.
De grandioze pauselijke grafsteen, zoals Michelangelo het bedacht, een mausoleum versierd met veertig beelden, werd niet voltooid. Michelangelo had marmer gekregen, waarvan de hoeveelheid heel Rome verbaasde, en stond op het punt aan het werk te gaan toen hij plotseling hoorde dat de paus de kosten van het marmer niet wilde betalen. Toen hij bij Julius II kwam, lieten ze hem niet binnen, hij kondigde aan dat dit het bevel van de paus zelf was.
Beledigd verliet Michelangelo onmiddellijk Rome. De paus zette hem achterna en eiste zijn terugkeer, maar de kunstenaar gehoorzaamde niet, wat werd erkend als ongehoorde onbeschaamdheid.
Het feit is dat Julius II, op advies van Bramante, de rivaal van Michelangelo, besloot de kathedraal van St. Peter te herbouwen, zodat deze tempel, het bolwerk van de katholieke kerk, de meest grandioze en magnifieke in de hele christelijke wereld zou worden. . De constructie van het graf verdween daardoor naar de achtergrond. Michelangelo schreef deze beslissing toe aan de "jaloerse machinaties" van Bramante en beschouwde zijn relatie met de paus voor altijd als beëindigd. Dit gebeurde echter niet. De verzoening vond plaats en Michelangelo ontving een nieuw bevel van de paus, dat qua omvang niet onderdoen voor de geplande grafsteen.
Julius II gaf Michelangelo de opdracht om het plafond van de Sixtijnse Kapel, de huiskerk van de pausen in het Vaticaan, te beschilderen.
Geen enkele Italiaanse schilder heeft eerder zo'n gigantisch schilderij moeten maken: zo'n zeshonderd vierkante meter! Ja, niet aan de muur, maar aan het plafond.
Michelangelo begon dit werk op 10 mei 1508 en eindigde op 5 september 1512. Meer dan vier jaar arbeid, die een bijna bovenmenselijke geestelijke en fysieke inspanning vergde. Een visuele weergave hiervan wordt gegeven door dergelijke sarcastische verzen van Michelangelo:
Ik kreeg voor mijn werk alleen een struma, een kwaal
(Dit is hoe modderig water katten opblaast
In Lombardije - er zijn vaak problemen!)
Ja, zijn kin klemde zich in de baarmoeder;
Borst als een harpij; schedel om me te pesten
Klom naar de bult; en een baard op het einde;
En uit de borstel op het gezicht stroomt burda,
Rij me in brokaat, als een doodskist;
De heupen zijn netjes in de maag verschoven;
En de achterkant daarentegen zwol op tot een ton;
Voeten komen niet plotseling samen met de grond;
De huid hangt doos naar voren,
En achter de vouw verandert in een lijn,
En ik ben helemaal gebogen als een Syrische boog.
Liggend op de steiger op zijn rug schreef hij alles zelf, bang om zijn studenten toe te vertrouwen. De paus haastte hem, maar Michelangelo liet de geduchte klant tijdens het werk de kapel niet binnen, en toen hij toch de gewelven binnendrong, gooide hij planken van de steiger, zogenaamd per ongeluk, waardoor de boze oude man op de vlucht sloeg.
Bij het schilderen van de Sixtijnse Kapel trainde Michelangelo zijn ogen om omhoog te kijken naar het gewelf, zodat hij later, toen het werk voltooid was en zijn hoofd weer recht begon te houden, nauwelijks iets kon zien; als hij brieven en papieren moest lezen, moest hij ze hoog boven zijn hoofd houden. En pas geleidelijk raakte hij weer gewend aan lezen, terwijl hij voor zich uit keek.
Op het plafond van de Sixtijnse Kapel creëerde Michelangelo beelden waarin we tot op de dag van vandaag de hoogste manifestatie van menselijk genie en menselijke durf zien. In een brief aan zijn broer verklaarde hij terecht: "Ik werk met kracht, meer dan enige man die ooit heeft bestaan."
De titaan, wiens naam Michelangelo is, werd gegeven om het plafond te beschilderen, en hij bedekte het met gigantische afbeeldingen die uit zijn verbeelding voortkwamen, en gaf er weinig om hoe ze van onderaf zouden worden "bekeken", wees daar beneden niet alleen jij en ik, maar ook de geduchte paus Julius II zelf. Hij was echter geschokt door de grootsheid van het geschapene. En iedereen in Rome was toen geschokt, net als wij nu. Geschokt, maar niet blij gefascineerd.
Ja, dit is een heel andere kunst dan die van Raphael, die de wonderbaarlijke balans van de echte wereld bevestigde. Michelangelo creëert als het ware zijn eigen, gigantische wereld, die onze ziel vervult met vreugde, maar tegelijkertijd met verwarring, want zijn doel is om de natuur resoluut te overtreffen, om een titaan uit de mens te creëren. Michelangelo "verstoorde het evenwicht van de wereld van de werkelijkheid en ontnam de Renaissance het serene genot van zichzelf."
Ja, hij nam de sereniteit weg van de kunst van dit tijdperk, schond de vreedzame Raphael-balans, ontnam een persoon de mogelijkheid van vreedzame zelfbewondering. Maar aan de andere kant wilde hij iemand laten zien wat hij zou moeten zijn, wat hij kan worden.
Michelangelo creëerde zo'n beeld van een man die de aarde kan onderwerpen, en wie weet misschien wel meer dan de aarde!
Met behulp van een architectonisch plafond voor zijn ontwerp, creëerde Michelangelo een nieuwe "afgebeelde" architectuur met zijn schilderij, waarbij hij het middelste deel van het plafond verdeelde volgens de raamplafonds en de resulterende rechthoekige velden vulde met plotcomposities. De afmetingen van de scènes zelf zijn niet hetzelfde, ook de schaal van de figuren verandert. Contrasten in schaal en ruimtelijke ordening van individuele scènes en figuren zijn diep doordacht in overeenstemming met een enkel architectonisch en picturaal plan, en als resultaat zijn "de verhoudingen van de schilderijen tot de hele massa van het plafond weergaloos."
Elke compositie bestaat tegelijkertijd zowel op zichzelf als als een integraal onderdeel van het geheel, aangezien ze allemaal onderling consistent zijn. Dit is een geweldige prestatie van de schilderkunst uit de hoge renaissance, hier door Michelangelo tot in de perfectie gebracht. In de kunst van de vorige eeuw stond de onafhankelijkheid van afzonderlijke delen de eenheid van het geheel in de weg, en de Quattrocento vergat het vaak. In de kunst van de volgende eeuw, d.w.z. in de kunst van de barokstijl is het bijzondere volledig ondergeschikt aan het geheel en lijkt het, zijn onafhankelijkheid verliezend, erin op te lossen. Alleen in de gouden eeuw van de Italiaanse kunst, de tijd van Leonardo, Rafaël, Michelangelo en Titiaan, was zo'n harmonie tussen het bijzondere en het geheel mogelijk, hun volledige gelijkwaardigheid - en daarom toont de kunst van deze eeuw ons als het ware de prototype van zo'n ideale orde, waar individualiteit zijn volledige uitdrukking vindt in een harmonieus gecoördineerde groep.
... Bijna vijftien jaar (sinds 1520) werkte Michelangelo aan het graf van de Medici in Florence - in opdracht van paus Clemens VII, die uit de Medici-familie kwam.
Het was een kwestie van de herinnering voort te zetten, niet aan de voormalige beroemde Medici, maar aan die vertegenwoordigers van deze familie die openlijk de monarchale heerschappij in Florence vestigden, twee hertogen die vroeg stierven en onopvallend waren. Het portret was Michelangelo vreemd. Hij schilderde beide hertogen allegorisch af als bevelhebbers in schitterend pantser, de een alsof hij moedig, energiek, maar onverschillig was, in rust, de ander verzonken in diepe gedachten. En aan de zijkanten - de figuren van "Ochtend", "Avond", "Dag" en "Nacht".
Interne spanning en tegelijkertijd pijnlijke twijfel, een voorgevoel van onheil - dat is wat al deze figuren uitdrukken. Verdriet wordt overal in gegoten en gaat van muur tot muur.
Ter ere van de beroemdste figuur - de prachtige "Nacht" - werden de volgende verzen gecomponeerd:
Dit is de nacht die zo vredig slaapt
Voor je is de schepping van een engel.
Ze is gemaakt van steen, maar ze heeft adem:
Word gewoon wakker, ze zal spreken.
Maar Michelangelo was het hier niet mee eens en antwoordde dus namens de “Nacht” zelf:
Het is verheugend om te slapen, het is verheugend om een steen te zijn,
Oh, in deze tijd, crimineel en beschamend,
Niet leven, niet voelen - een benijdenswaardige partij,
Wees alsjeblieft stil, waag het niet om me wakker te maken.
In de jaren dertig van de 16e eeuw gaf paus Paulus III Michelangelo de opdracht om de evangelische scène van het Laatste Oordeel op de altaarmuur van dezelfde Sixtijnse Kapel te schrijven. Zes jaar werkte Michelangelo aan dit fresco van bijna tweehonderd vierkante meter (met enkele onderbrekingen).
V.N. Lazarev schrijft: “Hier kun je geen onderscheid maken tussen engelen en heiligen, zondaars van rechtvaardigen, mannen van vrouwen. Ze worden allemaal meegesleept door één onverbiddelijke stroom van beweging, ze kronkelen en kronkelen allemaal van de angst en afschuw die hen in hun greep hield ... Michelangelo maakt de figuur van Christus tot het middelpunt van de beweging die in een cirkel gaat. En hoe nauwkeuriger je kijkt naar de algehele compositie van het fresco, hoe hardnekkiger het gevoel ontstaat dat je een enorm draaiend rad van fortuin voor je hebt, waarbij steeds meer mensenlevens betrokken zijn in zijn snelle loop, waarvan er niet één kan ontsnappen ondergang. In zo'n interpretatie van de kosmische catastrofe is er geen plaats meer voor de held en heldhaftige daad, ook geen plaats voor genade. Het is niet voor niets dat Maria Christus niet om vergeving vraagt, maar verlegen tegen hem aankruipt, overweldigd door angst voor de razende elementen. Werkend aan het fresco "Het laatste oordeel", wilde Michelangelo de ijdelheid van al het aardse tonen, de vergankelijkheid van het vlees, de hulpeloosheid van de mens tegenover de blinde voorschriften van het lot. Dit was ongetwijfeld zijn belangrijkste idee. En hiervoor moest hij zijn idee van een persoon en de menselijke figuur, die fragiel, licht en onlichamelijk moest worden, radicaal veranderen. Maar dit gebeurde gewoon niet ... Zoals eerder portretteert hij krachtige figuren met moedige gezichten, met brede schouders, met een goed ontwikkelde romp, met gespierde ledematen. Maar deze reuzen zijn niet langer in staat het lot te weerstaan. Daarom zijn hun gezichten vervormd door grimassen, daarom zijn al hun, zelfs de meest energieke, bewegingen, gespannen en krampachtig, zo hopeloos ... De tot de dood gedoemde titanen hebben verloren wat een persoon altijd heeft geholpen in de strijd tegen elementaire krachten. Ze hebben hun wil verloren!"
Al tijdens het leven van Michelangelo lokte zijn 'Laatste Oordeel' felle aanvallen uit van aanhangers van de contrareformatie.
Het latere werk van Michelangelo wordt gekenmerkt door angst, besef van de kwetsbaarheid van het bestaan, verdieping in treurige dromen en gedachten, soms wanhoop.
In zijn fresco's in de Vaticaanse Paolina-kapel verbazen sommige beelden met hun expressiviteit, krachtig en scherp, maar in het algemeen - de fragmentatie van de compositie, het verval van de algemene leidende wil, het triomferende heroïsche principe - getuigen deze scènes van de spirituele ineenstorting van hun schepper. Michelangelo's gedachten gaan steeds meer naar de dood, en, zoals hij zelf zegt in een van zijn gedichten, noch het penseel noch de beitel brengen hem in de vergetelheid.
"Wie zichzelf wil vinden en zichzelf wil vermaken", schrijft hij, "moet geen amusement en plezier zoeken. Hij moet aan de dood denken! Want alleen deze gedachte leidt ons naar zelfkennis, laat ons geloven in onze kracht en beschermt ons tegen familieleden, vrienden en de machtigen van deze wereld zouden ons niet aan stukken scheuren met al onze ondeugden en verlangens die een persoon in zichzelf ervan weerhouden.
De gedachte aan de dood, alsof hij erover nadenkt, is doordrenkt met zijn laatste sculpturen, bijvoorbeeld "Pieta" (Florence), waarin de levensbevestigende kracht van voorgaande jaren is vervangen door pijnlijke mentale pijn. De tragische expressiviteit en gepassioneerde spiritualiteit van de hele groep zijn echt grenzeloos.
Een andere groep, "Pieta Rondanini" (Milaan), legt de nadruk op eenzaamheid en ondergang; met welke inspanning de Moeder van God het langgerekte lichaam van Christus ondersteunt, hoe etherisch, al onwerkelijk in hun pijnlijke expressiviteit, lijken hun treurige figuren tegen elkaar gedrukt. Michelangelo werkte zes dagen voor zijn dood nog aan deze groep.
Michelangelo vond geen vergetelheid in het penseel of in de snijplotter en nam in de laatste twee decennia van zijn leven steeds meer zijn toevlucht tot het potlood. In de grafische studies van deze periode verdwijnt de strakke lijn van de voormalige Michelangelo, in een lichte schaduw van licht schetst hij de figuren nauwelijks en stort hij zijn diepe, stille droefheid of diep door gevoelens getekend lijden uit in een opvallend zachte tekening.
Maar in één kunst blijft Michelangelo trouw aan de idealen van zijn vroegere jaren - dit is de kunst van de architectuur. Hier komt zijn geloof in de grenzeloze creatieve kracht van de kunstenaar weer volledig tot uiting. Het is niet nodig om de zichtbare wereld af te beelden; de grote impuls die koppig zijn ziel vult, laat het zijn uitdrukking niet vinden in de sensuele realiteit - het is te bedrieglijk! - maar in de samenhang, strijd en overwinning van harmonieuze en stabiele krachten, waarvan de namen de kolom, kroonlijst, koepel, fronton zijn. Er is geen verraad aan het ideaal van menselijke schoonheid, dat hij geloofde en aanbad, want Michelangelo claimde de afhankelijkheid van architectonische delen van het menselijk lichaam.
Hoewel Michelangelo zich laat tot de architectuur wendde, verheerlijkte hij zijn naam in deze kunst. Aan hem hebben we het graf van de Medici te danken; het interieur van de Laurenziana-bibliotheek (eveneens in Florence, de eerste openbare bibliotheek van Europa) met de beroemde trap, die volgens V.N. als een onweerstaanbare afwisseling lijkt. Hij was bezig met een grandioze reconstructie van het oude Romeinse Capitoolplein met de installatie in het midden van het oude ruiterstandbeeld van keizer Marcus Aurelius, bekroond met een enorme kroonlijst, een meesterwerk van renaissance-architectuur, het Farnese-paleis in Rome.
De bouw van de nieuwe grandioze kathedraal van St. Peter, waarmee de pauselijke staat zijn macht wilde verheerlijken, werd op zijn beurt uitgevoerd door de beroemdste architecten van die tijd: Bramante, Raphael, Baldassare Peruzzi, Antonio da Sangallo de Jongere. In 1546 ging het beheer van het werk over op Michelangelo.
De koepel van de Sint-Pietersbasiliek is de bekroning van Michelangelo's architecturale creativiteit. Zoals in de meest perfecte creaties van zijn penseel en beitel, wordt de stormachtige dynamiek, de interne strijd van contrasten, alle vullende beweging krachtig en organisch opgenomen in een gesloten geheel van ideale verhoudingen.
Michelangelo stierf op 18 februari 1564, op negenentachtigjarige leeftijd, na een korte ziekte die hem tijdens zijn werk trof.
TITIAAN VECELLIO
De exacte leeftijd van Titiaan is nog niet vastgesteld. Hij stierf in 1576 en werd volgens sommige bronnen eind jaren tachtig geboren, volgens anderen eind jaren zeventig van de vijftiende eeuw of zelfs eerder.
Het kan alleen met zekerheid worden gezegd dat Titiaan niet minder dan tachtig jaar en niet meer dan honderddrie jaar leefde, en hij stierf blijkbaar niet van ouderdom, maar van de pest.
Titiaan was voorbestemd om tijdens zijn lange leven de tragische tegenstelling tussen de verheven idealen van de Renaissance en de werkelijkheid te zien. Hij bleef deze idealen tot het einde trouw, verraadde het humanisme niet.
Titiaan Vecellio werd geboren in een militaire familie in het bergstadje Pieve di Cadore, dat deel uitmaakte van de bezittingen van Venetië. Zijn familie was oud en invloedrijk in dit gebied. Nadat hij al op jonge leeftijd een aantrekkingskracht op de schilderkunst had getoond, werd hij negen jaar lang door zijn vader toegewezen aan de werkplaats van een Venetiaanse mozaïekkunstenaar. Hij bleef daar echter niet lang en studeerde daarna afwisselend bij Gentile Bellini en Giovanni Bellini. Kreeg een hechte band met Giorgione en ervoer op veel manieren zijn invloed. En na zijn vroegtijdige dood werd hij het algemeen erkende hoofd van de Venetiaanse school.
De glorie van Titiaan verspreidde zich snel door heel Italië en vervolgens door heel West-Europa. Paus Paulus III roept Titiaan naar Rome, waar hij, al een volwassen meester, voor het eerst kennis maakt met de werken van Rafaël en Michelangelo. De machtigste van de toenmalige vorsten, de Duitse keizer Karel V, nodigt hem uit in Augsburg, verleent hem de titel van graaf en lijkt, poserend voor Titiaan, zelfs een door de kunstenaar laten vallen penseel op te pakken. De zoon van Karel V, de wrede Spaanse koning Filips II, de Franse koning Frans I en vele Italiaanse vorsten waren ook klanten van Titiaan, die de officiële functie van kunstenaar van de Venetiaanse Republiek bekleedde.
Volgens de Venetiaanse kunsttheoreticus Dolce was Titiaan 'een magnifieke, intelligente gesprekspartner die alles in de wereld wist te beoordelen'.
Een lang, gelukkig leven in een verfijnde, ontwikkelde samenleving, een leven dat volledig gevuld is met het bewonderen van de schoonheid van de wereld en het verheerlijken van deze schoonheid in de grote schilderkunst. Het werk van Titiaan is zeer omvangrijk: qua aantal creaties overtreft het bijna het werk van Leonardo da Vinci, Rafaël en Michelangelo.
Niemand in de schilderkunst voor en na Titiaan zong met zoveel inspiratie als hij de stralende schoonheid van een vrouw, de betoverende schoonheid van de middag, alsof het de vreugde van het zijn verpersoonlijkt, aards geluk.
In een van zijn vroege werken contrasteerde Titiaan stoutmoedig de conformistische, zelfvoldane en ijdele 'hemelse liefde' met de vrije, oogverblindend mooie in haar naaktheid, de aardse liefde, die met een flesje in de hand de mens de grenzeloze wereld lijkt te onthullen. van de vrije natuur. "Aardse liefde en hemelse liefde" is een allegorisch beeld, vol heldere, bedwelmende opgewektheid, en markeert de mogelijkheid van zo'n gelukzalig en genereus geluk. De hedendaagse Flora drukt hetzelfde verheven ideaal uit, dezelfde pure vreugde. Hoe zacht is de warme roze tint van de open schouder van de godin van de bloemen, wat een echt goddelijk "schilderij" is de hand in combinatie met de transparante witheid van het shirt en het lichte fluweel van zware gewaden. "Bacchanalia" en "Feast of Venus" zijn prachtige schakels in dezelfde ketting.
De hoogste bekroning van dit ideaal is het schilderij “Venus voor een spiegel”, door Titiaan al op hoge leeftijd geschreven. Misschien heeft zijn penseel nog niet zo'n pracht bereikt. Voor ons ligt echt vorstelijke vrouwelijkheid in al zijn ongerepte glorie. De godin van de liefde in de gedaante van een goudharige schoonheid toont ons het meest perfecte beeld van liefde en gelukzaligheid. Er is niets kwaadaardigs in dit beeld, net zoals er niets kwaadaardigs is in de volheid van geluk. Hoeveel genegenheid, oneindig zoet en trillend, in de blik van de godin, hoeveel vreugde brengt dit gezicht en al deze unieke schoonheid gecreëerd door schilderen ons!
En hier is nog een vrouwelijk beeld, ook gemaakt door Titiaan op oudere leeftijd - "Meisje met fruit", misschien een portret van zijn dochter Lavinia. De schoonheid van een vrouw en de luxe van de natuur, het goud van de lucht en het goud van brokaat, en wat een majesteit in de draai van het hoofd, in het hele uiterlijk van deze bloeiende Venetiaan! Wat een vreugdevolle en prachtige rust, vol levensvreugde, ademt het hele plaatje!
De grote belofte van geluk, de hoop op geluk en de volledige levensvreugde vormen een van de fundamenten van het werk van Titiaan.
"De Hemelvaart van Maria", de beroemde "Assuntu" - een enorm altaarstuk van Titiaan in de kerk van Santa Maria Gloriosa dei Frari in Venetië. Ja, dit is precies grandioos, en het geïnspireerde gezicht van Maria doet niet onder in zijn innerlijke kracht, in zijn pathos, in zijn gepassioneerde en majestueuze impuls voor de meest majestueuze beelden van de Sixtijnse Kapel.
"Vol van kracht", schrijft Burnson over deze foto, "rijst de Moeder van God boven het universum onderdanig aan haar uit ... Het lijkt erop dat er in de hele wereld geen kracht is die haar vrije opstijging naar de hemel zou kunnen weerstaan. Engelen ondersteunen het niet, maar bezingen de overwinning van het menselijk bestaan op kwetsbaarheid.”
Deze grootsheid van houding en deze hoge en vreugdevolle plechtigheid, zoals de donder van een orkest, verlichten ook met hun glans de composities van Titiaan, helemaal niet vrolijk van plot, maar gemaakt door hem in de beste, helderste jaren van zijn leven, toen hij wijdde zich volledig aan de cultus van schoonheid als een absoluut goed, voorbestemd om te zegevieren in de wereld. Dit wordt vooral duidelijk in zo'n meesterwerk als "The Entombment". Dit is ongetwijfeld een van de onovertroffen schilderwerken, want in deze foto is alle perfectie te zien: zowel het contrast van het levenloze, vallende lichaam van Christus met de moedige figuren van de apostelen die kracht ademen, als de tragiek van de hele compositie, in die het verdriet van de toon in de algemene gezegende harmonie en schoonheid van zo'n sonoriteit, zo'n kracht dat, naar het schijnt, er in de natuur geen mooiere tonen zijn en niet kunnen zijn, warm wit, azuurblauw, goudroze, diepbruin, nu vlammend, die nu in duisternis verdwijnen, dan die waarmee Titiaan deze foto schonk.
Uit deze muziek van kleur, uit deze magische harmonie, door hem gecreëerd uit deze speciale "substantie", die een levend lichaam zou kunnen worden genoemd, het belangrijkste materiaal van de schilderkunst, creëert Titiaan zijn beelden, alsof hij ze boetseert uit deze prachtige, dan vloeibare , doorschijnend, dan dik, sappig, tot het uiterste verzadigd, altijd onderdanig aan hem dankbaar materiaal. Dergelijke schilderijen zijn "puur schilderen", en hun individuele schoonheden zijn "schilderijen", omdat alsof er niets anders in zit dan schilderen, schilderen als de elementen van kleur en licht, die wordt beheerst door het genie van de kunstenaar.
Op een ander beroemd schilderij van Titiaan, "Caesar's Denarius", vroeg de farizeeër, volgens de legende van het evangelie, hem of hij belasting moest betalen aan Caesar, d.w.z. om Christus in verlegenheid te brengen. aan de Romeinse keizer, waarop Christus hem antwoordde: "Geef de dingen van God aan God en de dingen van de keizer aan de keizer." Voor ons zijn twee gezichten: het gezicht van Christus, gevormd door het licht, en het gezicht van de farizeeër, tevoorschijn komend uit de duisternis die zijn zegel op hem heeft gedrukt. Met het element kleur en licht brengt Titiaan de spirituele nobelheid van de eerste over, de laagheid en het bedrog van de tweede, de stralende triomf van de eerste over de tweede.
Titiaan schilderde veel portretten, en elk van hen is uniek, omdat het de individuele originaliteit weergeeft die inherent is aan elke persoon. Met zijn penseel legt hij het in zijn geheel vast, concentreert het in verf en licht, en spreidt het dan voor ons uit in een magnifiek “stuk schilderij”.
Hoeveel kracht, wat een energiereserve en wat een potentiële woede in het portret van Pietro Aretino, in deze man met een krachtig voorhoofd, een krachtige neus en een krachtige zwarte baard! En zijn luxueuze ruime kleding benadrukt als het ware de reikwijdte van zijn gepassioneerde en genadeloze karakter.
Een ander meesterwerk van Titiaan "Madonna Pésaro" (1519-1526). Het beeld valt op door zijn integriteit, grootsheid. Twee machtige kolommen rijzen op. Achter hen - een ruime lucht met witte stapelwolken. Aan de rechterkant, op een enorm podium aan de voet van een grote zuil, staan de Madonna en het Kind breed, vrij en tegelijkertijd heel eenvoudig opgesteld. Links, tegen deze groep aan, energiek opgeheven door de hand van een vaandeldrager en schuin op de trappen rustend als teken van het veroverde gebied, wapperde een scharlaken zijden banier met het wapen van het patriciërshuis van Pesaro hoog; de pommel, verheven boven het hoofd van de Moeder Gods, lijkt op de lucht te rusten. Dit lichtpuntje balanceert qua kleur, zo niet opweegt tegen, de groep van de Madonna, wiens kleding ook wordt gedomineerd door scharlakenrode zijde. In dezelfde tonen wordt een mantel gegeven, verfrommeld op de knieën van de apostel Petrus in het midden van de foto, en een luxe outfit waarin een van de leden van een adellijke familie van klanten gekleed is, staande onder de Madonna. Alles is gevuld met grootsheid, opgewektheid.
De lijn van acute verontwaardiging over het heersende kwaad, bitter ongeloof in de triomf van de krachten van het goede sinds het begin van de jaren 1540 is ontwikkeld in het werk van Titiaan: The Louvre Crowning of Christ with Thorns is stormachtig, wreed, tragisch; en "Zie de man" (1543). Er is geen martelscène in de laatste foto, maar het is niet minder schokkend en het sociale geluid is dieper. Gemarteld, met zijn hoofd gebogen, wordt de hulpeloze Christus, na gemarteld te zijn, naar de hoge veranda gebracht. Hij is kapot. Pilatus grijnst zelfvoldaan: zie je, hij is maar een mens. In de bonte, bonte menigte op het plein is de hoofdfiguur op de voorgrond een dikke, rijke patriciër in een felrood gewaad over een luxe brokaatkleding (is het een hint van de hoogste hiërarchen van de katholieke kerk?). Met een zelfvoldane beweging van zijn geschoren hoofd op een dikke nek, met een expressief gebaar van zijn rechterhand, leek hij te zeggen: "Nou, ik twijfelde er natuurlijk niet aan - dit is maar een man." Een beetje verderop kijkt een bescheiden vrouw in een witte jurk (een duidelijke tegenhanger van de voorste figuur), verdrietig haar hoofd buigend en haar zoontje vasthoudend, afkeurend naar de edelman. Een eenzame jongeman in de linkerbenedenhoek van de foto, onder de trap van de veranda, roept iets van afschuw en verontwaardiging, maar niemand luistert naar hem. De menigte op het plein is luidruchtig, nieuwsgierig, spottend. Christus is zwak.
Tussen 1572 en 1575 Titiaan creëert de tweede "Doornenkroon". Uitgeput, met zijn handen gebonden, nauwelijks levend wordt Christus gemarteld, met stokken op het hoofd geslagen; ze slepen meer stokken, en iedereen probeert ze verder en pijnlijker te krijgen. Ze dragen de bijl al. En dit alles vindt plaats in dikke duisternis, die het niet verdrijft, maar alleen maar het onheilspellende, koortsachtige licht van rokende lampen benadrukt (je kunt het vuur horen knetteren). De foto is doordrongen van een hartverscheurende tragedie, waarvoor de vreselijke indruk die de eerste versie van hetzelfde thema maakte, vervaagt. De kunstenaar drukte op deze foto de triomf uit van menselijke bestialiteit en de onmacht van goedheid.
Van de schilderijen van Titiaan zijn er twee bekend bij de hele wereld. Dit zijn "Berouwvolle Maria Magdalena" en "St. Sebastiaan". Hoewel ze tien jaar uit elkaar liggen, zijn ze allebei al op hoge leeftijd door de grote kunstenaar geschreven, toen hij de macht over kleur verwierf en alleen met hen een compositie kon bouwen, even foutloos en plastisch als die van Raphael.
Het pijnlijke verdriet van de berouwvolle zondaar wordt opnieuw begraven in de schoonheid van de schilderkunst, markeert de triomf van het levensbevestigende principe dat inherent is aan al het werk van Titiaan. Het gezicht van de Magdalena is mooi, het vocht van tranen in haar ogen, met zoveel geloof naar de hemel opgeheven, is prachtig. En voor ons op deze foto - een regenboogverrukking: deze bloeiende Venetiaan zelf met een mollige halfopen mond, een tere fluweelzachte huid en heerlijk zijdezachte zware vlechten, en een herfstavondlandschap dat een onafscheidelijk geheel vormt met haar en haar verdriet.
"St. Sebastian" werd kort voor zijn dood door Titiaan geschreven. Het thema is tragisch, maar dit schrikt Titiaan niet af: hij wil het menselijk lijden, de ondergang, de grote angst die zijn eigen ziel op hoge leeftijd heeft gegrepen, overwinnen en ze ons volledig laten zien.
Van dichtbij lijkt het alsof het hele plaatje een chaos van slagen is. Het schilderij van wijlen Titiaan moet je van enige afstand bekijken. En nu is de chaos verdwenen: midden in de duisternis zien we een jonge man sterven onder pijlen, tegen de achtergrond van een laaiend vuur.
Het Titiaan-palet creëert een formidabele symfonie van kleuren, alsof het een kosmische catastrofe aankondigt in al zijn horror en hopeloosheid. Maar ook hier wordt de wanhoopskreet overwonnen. Uit deze symfonie van slagen groeit de heldhaftig mooie figuur van een martelaar. En deze figuur met ideale verhoudingen is ook helemaal uit kleur gevormd.
Een van de studenten van Titiaan liet een gedetailleerde beschrijving na van hoe de meester de afgelopen jaren werkte, waardoor deze symfonie van kleur tot perfectie werd gebracht:
“Titiaan bedekte zijn doeken met een kleurrijke massa, alsof hij diende als bed of fundament voor wat hij in de toekomst wilde uitdrukken. Ik heb zelf zulke krachtig gemaakte onderschilderingen gezien, gevuld met een dicht verzadigde penseel in een zuivere rode toon, die bedoeld was om de halftoon te schetsen, of met wit. Met hetzelfde penseel, eerst in rode, dan in zwarte, dan in gele verf gedoopt, werkte hij het reliëf van de verlichte delen uit. Met dezelfde grote vaardigheid, met behulp van slechts vier kleuren, riep hij uit de vergetelheid de belofte van een mooi figuur ... Vervolgens bedekte hij deze skeletten, die een soort extract vertegenwoordigen van al het meest essentiële, met een levend lichaam, hij voltooide het door een reeks herhaalde slagen tot een zodanige staat dat het hem leek: het enige wat ontbrak was ademen ... Hij maakte de laatste retouches met lichte bewegingen van zijn vingers, waarbij hij de overgangen van de helderste hooglichten naar middentonen verzachtte, en de ene toon in de andere wrijven. Soms bracht hij met dezelfde vinger een dikke schaduw aan op elke hoek om deze plek te versterken, of glazuurde hij in een rode tint, als bloeddruppels, om het pittoreske oppervlak te verlevendigen ... Tegen het einde schreef hij echt meer met zijn vingers dan met een penseel.
De tragische lijn in het werk van Titiaan bereikt zijn hoogtepunt in zijn laatste schilderij - "Bewening van Christus" (1573-1576), dat onvoltooid bleef. De actie vindt plaats in de buurt van een zware nis, daarachter is een blinde muur. Dit hopeloze, wanhopige uiterste suggereert dat de bijna 90-jarige artiest op deze foto om zichzelf rouwde, en er zit duidelijk enige waarheid in deze veronderstelling. Maar wat hij portretteerde gaat veel verder dan het persoonlijke.
Het traditionele thema rouw wordt op een originele en zeer vrije manier behandeld. Vol levendig en tegelijkertijd streng verdriet houdt Maria het lichaam van Christus op haar knieën, en het glijdt uit, begint te vallen. De indruk is dat hij net is overleden, of zelfs - nu sterft hij in haar armen. De uitdrukking op zijn gezicht is alsof hij nog steeds probeert te vechten voor zijn leven, alsof hij iets wil zeggen (ook zijn mond staat half open), maar hij kan niet meer: zijn ogen sluiten, en zijn linkerhand valt machteloos . Deze indruk wordt versterkt door de houding en beweging van Nikodemus, die zojuist is neergeknield (de mantel is abrupt van zijn schouder gegleden) om te helpen: hij raakt de bungelende arm van Christus aan en, zijn hoofd opheffend, in zijn gezicht kijkend, of wil horen zijn laatste woorden. Maar laat stierf Christus, en met afschuw van wat er was gebeurd, sprong Magdalena overeind en schreeuwde wanhopig. Ze huilt niet, ze draaide zich in de tegenovergestelde richting - naar links en stak haar opgeheven hand daar uit: ze schreeuwde dat Christus dood is, ze roept iedereen. Maar er is niemand, niemand heeft haast om de oproep te beantwoorden. In de buurt van de overledene - slechts drie eenzame figuren.
Titiaan nam een ongehoorde vrijheid: hij week op het fundamentele punt af van het evangelieverhaal en presenteerde niet de rouw om het dode lichaam dat van het kruis werd gehaald, maar de dood zelf van Jezus - niet aan het kruis, maar in de armen van Jezus. zijn moeder, op dit moment, voor het publiek. Dit geeft des te meer reden om aan te nemen dat de kunstenaar in dit werk rouwde om zijn eigen naderende dood. De extreme opwinding van de Magdalena, haar vurige impuls gericht aan mensen, en de verontwaardigde aanklachten van het menselijk ras waarmee het stenen beeld van Mozes uitbreekt, getuigen onweerlegbaar van de onvergelijkbaar bredere, publieke, waarschuwende betekenis van Titiaans laatste schepping. Dit is werkelijk zijn geestelijk testament.
En hier hebben we deze kunstenaar zelf, die het element kleur beheerste, eindelijk de dominante rol van contouren overwon en zo een nieuwe pagina in de geschiedenis van de schilderkunst opende. Een kunstenaar die de wereld de meest vreugdevolle, plechtige en feestelijke kunst schonk, een kunstenaar die niet kon worden overschaduwd door het verval van het humanisme of de gedachte aan de dood, zelfs niet in de meest seniele jaren. Majestueus, kalm en streng is hij in het laatste zelfportret. Wijsheid, volledige verfijning en bewustzijn van iemands creatieve kracht ademen dit trotse gezicht in met een arendsneus, een hoog voorhoofd en een blik die spiritueel en doordringend is. De gelaatstrekken van Titiaan zijn gevormd uit vlammende Titiaankleuren, in tegenstelling tot de zwarte kleding verschijnen ze op het doek als een eeuwig monument voor de vaandeldrager van grote kunst, een monument dat door hem is gemaakt ter ere van deze kunst.
LATE OPNIEUW
De volgende fase in de cultuur van de Renaissance - Laat-renaissance, die, zoals algemeen wordt aangenomen, duurde vanaf de jaren 40. XVI eeuw tot het einde van de XVI - de eerste jaren van de XVII eeuw.
Italië, de geboorteplaats van de Renaissance, was ook het eerste land waar de katholieke reactie begon. In de jaren 40. 16e eeuw hier werd de inquisitie gereorganiseerd en versterkt, waarbij ze de leiders van de humanistische beweging vervolgde. In het midden van de zestiende eeuw. Paus Paulus IV stelde de "Index van verboden boeken" samen, die vervolgens vele malen werd aangevuld met nieuwe werken. Deze lijst bevat werken die door gelovigen verboden waren te worden gelezen onder de dreiging van excommunicatie, omdat ze volgens de kerk in tegenspraak waren met de basisbepalingen van de christelijke religie en een nadelig effect hadden op de geest van mensen. De "Index" bevat ook de werken van enkele Italiaanse humanisten, in het bijzonder Giovanni Boccaccio. Verboden boeken werden verbrand, hetzelfde lot zou hun auteurs kunnen overkomen, en alle dissidenten die actief hun mening verdedigen en geen compromis willen sluiten met de katholieke kerk. Veel vooruitstrevende denkers en wetenschappers stierven op de brandstapel. Dus in 1600 werd in Rome, op het Bloemenplein, de grote Giordano Bruno (1540-1600), de auteur van het beroemde werk "On Infinity, the Universe and the Worlds", verbrand.
Veel schilders, dichters, beeldhouwers, architecten verlieten de ideeën van het humanisme en probeerden alleen de 'manier' van de grote figuren uit de Renaissance te leren. De grootste kunstenaars werken in de stijl maniërisme, waren Pontormo (1494-1557), Bronzino (1503-1572), beeldhouwer Cellini (1500-1573). Hun werken onderscheidden zich door hun complexiteit en intensiteit van beelden. Tegelijkertijd blijven sommige kunstenaars de realistische traditie in de schilderkunst ontwikkelen: Veronense (1528-1588), Tintoretto (1518-1594), Caravaggio (1573-1610), de gebroeders Caracci. Het werk van sommigen van hen, zoals Caravaggio, had grote invloed op de ontwikkeling van de schilderkunst, niet alleen in Italië, maar ook in Frankrijk, Spanje, Vlaanderen en Nederland. De vervlechting van culturen werd steeds dieper en vormde zo een pan-Europese cultuur, een pan-Europese beschaving.
De humanistische beweging was een pan-Europees fenomeen: in de 15e eeuw. het humanisme reikt verder dan de grenzen van Italië en verspreidt zich snel over alle West-Europese landen. Elk land had zijn eigen kenmerken in de vorming van de renaissancecultuur, zijn nationale prestaties, zijn leiders.
IN Duitsland de ideeën van het humanisme werden bekend in het midden van de 15e eeuw en oefenden een sterke invloed uit op universitaire kringen en de progressieve intelligentsia.
Een uitstekende vertegenwoordiger van de Duitse humanistische literatuur was Johann Reuchlin (1455-1522), die het goddelijke in de mens zelf wilde laten zien. Hij is de auteur van het beroemde satirische werk "Letters from dark people", waarin een reeks onwetende, donkere mensen wordt getoond - meesters en vrijgezellen, die overigens academische graden hebben.
De heropleving in Duitsland is onlosmakelijk verbonden met het fenomeen van de Reformatie - de beweging voor de hervorming van de katholieke kerk, voor de oprichting van een "goedkope kerk" zonder afpersingen en vergoedingen voor rituelen, voor de zuivering van de christelijke leer van allerlei vormen van onjuiste bepalingen die onvermijdelijk zijn in de eeuwenoude geschiedenis van het christendom. Martin Luther (1483-1546), doctor in de theologie en monnik van een augustijnenklooster, leidde de reformatiebeweging in Duitsland. Hij geloofde dat geloof een interne staat van een persoon is, dat redding rechtstreeks van God aan een persoon wordt gegeven en dat het mogelijk is om tot God te komen zonder tussenkomst van de katholieke geestelijkheid. Luther en zijn aanhangers weigerden terug te keren naar de schoot van de katholieke kerk en protesteerden tegen de eis om afstand te doen van hun opvattingen, wat het begin markeerde van de protestantse trend in het christendom. Maarten Luther was de eerste die de Bijbel in het Duits vertaalde, wat in grote mate heeft bijgedragen aan het succes van de Reformatie.
De overwinning van de Reformatie in het midden van de zestiende eeuw. veroorzaakte een publieke opleving en de groei van de nationale cultuur. Schone kunsten bloeiden opmerkelijk. De beroemde schilder en graveur Albrecht Dürer (1471-1528), kunstenaars Hans Holbein de Jonge (1497-1543), Lucas Cranach de Oude (1472-1553) werkten in dit gebied.
De Duitse literatuur heeft een merkbare opleving bereikt. De grootste Duitse dichters van het Reformatietijdperk waren Hans Sachs (1494-1576), die vele stichtelijke fabels, liederen, dramatische werken schreef, en Johann Fischart (1546-1590), de auteur van geestige satirische werken, de laatste vertegenwoordiger van de Duitse Renaissance.
De grootste vertegenwoordiger van de renaissancecultuur in Nederland was Erasmus van Rotterdam (1496-1536). De waarde van de werken van de grote humanist en opvoeder, waaronder zijn beroemde "Praise of Stupidity", voor de opvoeding van vrijdenken, een kritische houding ten opzichte van scholastiek, bijgeloof is echt van onschatbare waarde. Zijn satirische werken waren algemeen bekend in Duitsland, Frankrijk, Spanje en Engeland. Uitstekend van vorm, diep van inhoud, ze vinden hun lezers al meer dan een eeuw.
Een van de voorlopers en grondleggers van het liberalisme kan worden beschouwd als Dirk Koornhert, de woordvoerder van de ideeën over vrijheid, religieuze tolerantie en kosmopolitisme. De werken van Philipp Aldohonde, de auteur van het volkslied van Nederland, de kunstenaars Pieter Brueghel (1525-1569), Frans Hals (1580-1660) behoren tot dezelfde tijd. Kenmerkend voor het culturele leven in Nederland waren retorische genootschappen, die niet alleen in steden, maar ook in dorpen en zelfs kleine dorpen werden georganiseerd. Leden van deze verenigingen (en iedereen kon zich bij hen aansluiten) streden om het componeren van gedichten, liedjes, toneelstukken en verhalen. Retorische samenlevingen droegen bij aan de verspreiding van het onderwijs in de samenleving, waardoor het culturele niveau werd verhoogd.
IN Engeland Het centrum van humanistische ideeën was de universiteit van Oxford, waar de leidende wetenschappers van die tijd werkten - Grosin, Linacre, Colet. De ontwikkeling van humanistische opvattingen op het gebied van sociale filosofie wordt geassocieerd met de naam van Thomas More (1478-1535), de auteur van "Utopia", die de lezer het ideale, naar zijn mening, menselijke samenleving presenteerde: iedereen is gelijk er zit geen privébezit in en goud is geen waarde. Ze maken er kettingen voor criminelen van. De bekendste auteurs waren Philip Sidney (1554-1586), Edmund Spenser (1552-1599).
De grootste figuur van de Engelse Renaissance was William Shakespeare (1564-1616), de maker van de wereldberoemde tragedies Hamlet, King Lear, Othello, historische toneelstukken Henry VI, Richard III, sonnetten. Shakespeare was een toneelschrijver in het London Globe Theatre, dat erg populair was bij de bevolking. Engelse theaters uit die tijd werden bezocht door mensen van alle klassen - aristocraten, ambtenaren, kooplieden, klerken, boeren, arbeiders, ambachtslieden, matrozen. De opkomst van theatrale kunst, het openbare en democratische karakter ervan, heeft bijgedragen aan de ontwikkeling van democratische structuren in de Engelse samenleving.
Renaissance binnen Spanje was meer controversieel dan in andere Europese landen: veel humanisten waren hier niet tegen het katholicisme en de katholieke kerk. Zowel ridderromans als picareske romans werden veel gebruikt. Fernando de Rojas, de auteur van de bekende tragikomedie Celestina (geschreven ca. 1492-1497), verscheen voor het eerst in dit genre. Deze lijn werd voortgezet en ontwikkeld door de grote Spaanse schrijver Miguel de Cervantes (1547-1616), de auteur van de onsterfelijke "Don Quixote", de satirische schrijver Francisco de Quevedo (1580-1645), die de beroemde roman "The Life Verhaal van een schurk".
De grondlegger van het Spaanse nationale drama is de grote Lope de Vega (1562-1635), de auteur van meer dan 1800 literaire werken, waaronder "Dog in the Manger", "Dance Teacher".
De Spaanse schilderkunst boekte aanzienlijk succes. El Greco (1541-1614) en Diego Velazquez (1599-1660) nemen er een bijzondere plaats in, wier werk een enorme impact had op de ontwikkeling van de schilderkunst, niet alleen in Spanje, maar ook in andere landen.
In Frankrijk De humanistische beweging begint zich pas aan het begin van de 16e eeuw te verspreiden. Een opmerkelijke vertegenwoordiger van het Franse humanisme was François Rabelais (1494-1553), die de satirische roman Gargantua en Pantagruel schreef. In de jaren 40. 16e eeuw in Frankrijk is er een literaire beweging die de geschiedenis is ingegaan onder de naam "Pleiades". De beroemde dichters Pierre de Ronsard (1524-1585) en Joaquin du Bellay (1522-1566) voerden deze trend aan. Andere opmerkelijke dichters van de Franse Renaissance waren Agrippa d'Orbigné (1552-1630) en Louise Labe (1525-1565).
Het belangrijkste thema in de poëzie van de Renaissance was het zingen van de liefde. Indicatief in dit verband zijn de sonnetten van Pierre Ronsard, bijgenaamd de "prins der dichters", die een zeer sterke invloed had op de ontwikkeling van de Franse poëzie als geheel.
De grootste vertegenwoordiger van de cultuur van Frankrijk van de zestiende eeuw. was Michel de Montaigne (1533-1592). Zijn belangrijkste werk - "Experimenten", was een reflectie op filosofische, historische, ethische onderwerpen. Montaigne bewees het belang van experimentele kennis, verheerlijkte de natuur als mentor van de mens. "Experimenten" Montaigne waren gericht tegen scholastiek en dogmatisme, voerden de ideeën van het rationalisme aan; dit werk had een aanzienlijke invloed op de latere ontwikkeling van het West-Europese denken.
Tijdens de renaissance ontstond er belangstelling voor de kunst van het oude Griekenland en Rome, wat Europa aanzette tot verandering, wat het einde van de middeleeuwen en het begin van de nieuwe tijd markeerde. Deze periode was niet alleen een tijd van "heropleving" van het verre verleden, het was een tijd van ontdekkingen en onderzoek, een tijd van nieuwe ideeën. Klassieke voorbeelden inspireerden tot nieuw denken, waarbij de nadruk werd gelegd op de menselijke persoonlijkheid, de ontwikkeling en manifestatie van capaciteiten, en niet op hun beperkingen, wat kenmerkend was voor de middeleeuwen. Onderwijs en wetenschappelijk onderzoek waren niet langer exclusief het werk van de kerk. Er ontstonden nieuwe scholen en universiteiten, natuurwetenschappelijke en medische experimenten werden uitgevoerd. Kunstenaars en beeldhouwers streefden in hun werk naar natuurlijkheid, naar een realistische weergave van de wereld en de mens. Klassieke beelden en de menselijke anatomie werden bestudeerd. Kunstenaars begonnen perspectief te gebruiken en verlieten het vlakke beeld. De kunstobjecten waren het menselijk lichaam, klassieke en moderne onderwerpen, maar ook religieuze thema's. In Italië ontstonden kapitalistische betrekkingen en diplomatie begon als instrument te worden gebruikt in de betrekkingen tussen stadstaten. Wetenschappelijke en technologische ontdekkingen, zoals de uitvinding van de drukpers, droegen bij tot de verspreiding van nieuwe ideeën. Geleidelijk maakten nieuwe ideeën bezit van heel Europa.
RENAISSANCE. TITANEN VAN DE RENAISSANCE.
Bibliografie:
SM Stam. Coryphaeus van de Renaissance. Saratov, 1991
Lev Lyubimov. Kunst van West-Europa. Moskou "Verlichting", 1996
Culturologie. Geschiedenis van de wereldcultuur. Bewerkt door professor AN Markova. Moskou, "Cultuur en sport". Uitgeverij Vereniging "UNITI", 1995
D Chisholm. Wereldgeschiedenis in data. Moskou, Rosmen, 1994
14e, 15e, 16e eeuw sommige worden in de geschiedenis van de Italiaanse kunst aangeduid met de Italiaanse termen "trecento" (dwz 300s), "quattrocento" (dwz 400s) en "cinquecento" (dwz 500s).
Het einde van het Quattrocento markeert de overgang van de vroege renaissance naar de hoogrenaissance.
Glazuur - breng een dunne laag transparante verf aan waar de onderste lagen doorheen schijnen.
Renaissance (Renaissance). Italië. XV-XVI eeuw. vroege kapitalisme. Het land wordt geregeerd door rijke bankiers. Ze zijn geïnteresseerd in kunst en wetenschap.
De rijken en machtigen verzamelen de getalenteerde en wijze mensen om zich heen. Dichters, filosofen, schilders en beeldhouwers voeren dagelijks gesprekken met hun opdrachtgevers. Op een gegeven moment leek het erop dat de mensen werden geregeerd door wijzen, zoals Plato wilde.
Denk aan de oude Romeinen en Grieken. Ze bouwden ook een samenleving van vrije burgers, waar de belangrijkste waarde een persoon is (slaven niet meegerekend natuurlijk).
De Renaissance kopieert niet alleen de kunst van oude beschavingen. Dit is een mengsel. Mythologie en christendom. Realisme van de natuur en oprechtheid van afbeeldingen. Schoonheid fysiek en spiritueel.
Het was maar een flits. De periode van de Hoogrenaissance is ongeveer 30 jaar! Van 1490 tot 1527 Vanaf het begin van de bloei van Leonardo's creativiteit. Voor de plundering van Rome.
De luchtspiegeling van een ideale wereld vervaagde snel. Italië was te kwetsbaar. Ze werd al snel tot slaaf gemaakt door een andere dictator.
Deze 30 jaar bepaalden echter de belangrijkste kenmerken van de Europese schilderkunst voor de komende 500 jaar! Tot .
Beeld realisme. Antropocentrisme (wanneer het centrum van de wereld de mens is). Lineair perspectief. Olieverf. Portret. Landschap…
Ongelooflijk, in deze 30 jaar werkten verschillende briljante meesters tegelijk. Op andere momenten worden ze eens in de 1000 jaar geboren.
Leonardo, Michelangelo, Raphael en Titiaan zijn de titanen van de Renaissance. Maar het is onmogelijk om hun twee voorgangers niet te noemen: Giotto en Masaccio. Zonder welke er geen Renaissance zou zijn.
1. Giotto (1267-1337)
Paolo Uccello. Giotto de Bondogni. Fragment van het schilderij "Vijf meesters van de Florentijnse Renaissance". Begin 16e eeuw. . XIV eeuw. Proto-renaissance. De hoofdpersoon is Giotto. Dit is een meester die in zijn eentje een revolutie teweegbracht in de kunst. 200 jaar voor de hoogrenaissance. Als hij er niet was geweest, zou het tijdperk waar de mensheid zo trots op is nauwelijks zijn aangebroken.
Vóór Giotto waren er iconen en fresco's. Ze zijn gemaakt volgens de Byzantijnse kanunniken. Gezichten in plaats van gezichten. platte figuren. Proportionele mismatch. In plaats van een landschap - een gouden achtergrond. Zoals bijvoorbeeld op dit icoon.
Guido de Sienna. Aanbidding der Wijzen. 1275-1280 Altenburg, Lindenau Museum, Duitsland. En plotseling verschijnen de fresco's van Giotto. Ze hebben grote figuren. Gezichten van nobele mensen. Jong en oud. Triest. treurig. Verrast. Verschillend.
Fresco's van Giotto in de Scrovegni-kerk in Padua (1302-1305). Links: Bewening van Christus. Midden: Kus van Judas (detail). Rechts: Aankondiging van St. Anna (Maria's moeder), fragment.
De belangrijkste creatie van Giotto is een cyclus van zijn fresco's in de Scrovegni-kapel in Padua. Toen deze kerk openging voor parochianen, stroomden massa's mensen erin. Dit hebben ze nog nooit gezien.
Giotto deed tenslotte iets ongekends. Hij vertaalde de bijbelverhalen in een eenvoudige, begrijpelijke taal. En ze zijn veel toegankelijker geworden voor gewone mensen.
Giotto. Aanbidding der Wijzen. 1303-1305 Fresco in de Scrovegni-kapel in Padua, Italië. Dit is wat kenmerkend zal zijn voor veel meesters uit de Renaissance. Laconisme van beelden. Leef de emoties van de personages. Realisme.
Lees meer over de fresco's van de meester in het artikel.
Giotto werd bewonderd. Maar zijn innovatie werd niet verder ontwikkeld. De mode voor internationale gothic kwam naar Italië.
Pas na 100 jaar verschijnt er een waardige opvolger van Giotto.
2. Masaccio (1401-1428)
Masaccio. Zelfportret (fragment van het fresco "Sint-Pieter op de preekstoel"). 1425-1427 De Brancacci-kapel in Santa Maria del Carmine, Florence, Italië. Begin 15e eeuw. De zogenaamde vroege renaissance. Een andere innovator betreedt het toneel.
Masaccio was de eerste kunstenaar die lineair perspectief gebruikte. Het werd ontworpen door zijn vriend, de architect Brunelleschi. Nu is de afgebeelde wereld vergelijkbaar geworden met de echte. Speelgoedarchitectuur behoort tot het verleden.
Masaccio. Sint Pieter geneest met zijn schaduw. 1425-1427 De Brancacci-kapel in Santa Maria del Carmine, Florence, Italië. Hij nam het realisme van Giotto over. In tegenstelling tot zijn voorganger kende hij de anatomie echter al goed.
In plaats van blokkerige karakters is Giotto prachtig gebouwde mensen. Net als de oude Grieken.
Masaccio. Doop van neofieten. 1426-1427 Brancacci-kapel, kerk van Santa Maria del Carmine in Florence, Italië. 
Masaccio. Verbanning uit het paradijs. 1426-1427 Fresco in de Brancacci-kapel, Santa Maria del Carmine, Florence, Italië. Masaccio leefde een kort leven. Hij stierf, net als zijn vader, onverwachts. Op 27-jarige leeftijd.
Hij had echter veel volgelingen. Meesters van de volgende generaties gingen naar de Brancacci-kapel om van zijn fresco's te leren.
Dus de innovatie van Masaccio werd opgepikt door alle grote kunstenaars van de Hoge Renaissance.
3. Leonardo da Vinci (1452-1519)
Leonardo daVinci. Zelfportret. 1512 Koninklijke Bibliotheek in Turijn, Italië. Leonardo da Vinci is een van de titanen van de Renaissance. Hij heeft grote invloed gehad op de ontwikkeling van de schilderkunst.
Het was da Vinci die zelf de status van de kunstenaar verhoogde. Dankzij hem zijn vertegenwoordigers van dit beroep niet langer alleen ambachtslieden. Dit zijn de scheppers en aristocraten van de geest.
Leonardo brak vooral door in de portretkunst.
Hij was van mening dat niets mocht afleiden van het hoofdbeeld. Het oog mag niet van het ene detail naar het andere dwalen. Zo verschenen zijn beroemde portretten. Beknopt. Harmonisch.
Leonardo daVinci. Dame met een hermelijn. 1489-1490 Chertoryski-museum, Krakau. De belangrijkste innovatie van Leonardo is dat hij een manier heeft gevonden om beelden ... levend te maken.
Voor hem zagen de personages op de portretten eruit als mannequins. De lijnen waren duidelijk. Alle details zijn zorgvuldig getekend. Een geschilderde tekening kan onmogelijk levend zijn.
Leonardo vond de sfumato-methode uit. Hij vervaagde de lijnen. Maakte de overgang van licht naar schaduw heel zacht. Zijn personages lijken in een nauwelijks waarneembare waas te zijn gehuld. De personages kwamen tot leven.
. 1503-1519 Louvre, Parijs. Sfumato zal het actieve vocabulaire van alle grote artiesten van de toekomst betreden.
Vaak is er een mening dat Leonardo natuurlijk een genie was, maar niet wist hoe hij iets tot een einde moest brengen. En vaak maakte hij het schilderen niet af. En veel van zijn projecten bleven op papier (overigens in 24 delen). Over het algemeen werd hij in de geneeskunde gegooid en vervolgens in de muziek. Zelfs de kunst om ooit te dienen was dol op.
Denk echter zelf na. 19 schilderijen - en hij is de grootste kunstenaar aller tijden en volkeren. En iemand is niet eens in de buurt van grootsheid, terwijl hij in zijn leven 6.000 doeken schrijft. Het is duidelijk wie een hogere efficiëntie heeft.
Lees in het artikel over het beroemdste schilderij van de meester.
4. Michelangelo (1475-1564)
Daniëlle de Volterra. Michelangelo (detail). 1544 Metropolitan Museum of Art, New York. Michelangelo beschouwde zichzelf als een beeldhouwer. Maar hij was een universele meester. Net als zijn andere Renaissance-collega's. Daarom is zijn picturale erfgoed niet minder grandioos.
Hij is vooral herkenbaar aan fysiek ontwikkelde karakters. Hij beeldde een perfecte man af in wie fysieke schoonheid spirituele schoonheid betekent.
Daarom zijn al zijn karakters zo gespierd, winterhard. Zelfs vrouwen en oude mensen.
Michelangelo. Fragmenten van het Laatste Oordeel fresco in de Sixtijnse Kapel, Vaticaan.
Vaak schilderde Michelangelo het personage naakt. En toen voegde ik er kleding bovenop. Om het lichaam zo reliëf mogelijk te maken.
Hij schilderde alleen het plafond van de Sixtijnse Kapel. Hoewel dit een paar honderd cijfers is! Hij liet niet eens iemand over de verf wrijven. Ja, hij was ongezellig. Hij had een taaie en twistzieke persoonlijkheid. Maar bovenal was hij ontevreden over ... zichzelf.
Michelangelo. Fragment van het fresco "Schepping van Adam". 1511 Sixtijnse Kapel, Vaticaan. Michelangelo leefde een lang leven. Overleefde het verval van de Renaissance. Voor hem was het een persoonlijke tragedie. Zijn latere werken zijn vol verdriet en verdriet.
Over het algemeen is het creatieve pad van Michelangelo uniek. Zijn vroege werken zijn de lof van de menselijke held. Vrij en moedig. In de beste tradities van het oude Griekenland. Net als zijn David.
In de laatste jaren van het leven - dit zijn tragische beelden. Een opzettelijk ruw uitgehouwen steen. Alsof er voor ons monumenten zijn voor de slachtoffers van het fascisme van de 20e eeuw. Kijk naar zijn "Pieta".
Sculpturen van Michelangelo aan de Academie voor Schone Kunsten in Florence. Links: David. 1504 Rechts: Pieta van Palestrina. 1555
Hoe is dit mogelijk? Eén kunstenaar heeft in één leven alle stadia van de kunst doorlopen, van de renaissance tot de 20e eeuw. Wat gaan de volgende generaties doen? Je eigen weg gaan. Wetende dat de lat heel hoog is gelegd.
5. Rafaël (1483-1520)
. 1506 Galleria degli Uffizi, Florence, Italië. Rafaël is nooit vergeten. Zijn genialiteit werd altijd erkend: zowel tijdens het leven als na de dood.
Zijn personages zijn begiftigd met sensuele, lyrische schoonheid. Hij is het die terecht wordt beschouwd als de mooiste vrouwelijke beelden die ooit zijn gemaakt. Uiterlijke schoonheid weerspiegelt de spirituele schoonheid van de heldinnen. Hun zachtmoedigheid. Hun offer.
Rafaël. . 1513 Old Masters Gallery, Dresden, Duitsland. De beroemde woorden "Schoonheid zal de wereld redden" zei Fjodor Dostojevski precies. Het was zijn favoriete foto.
Sensuele beelden zijn echter niet het enige sterke punt van Raphael. Hij dacht heel goed na over de compositie van zijn schilderijen. Hij was een onovertroffen architect in de schilderkunst. Bovendien vond hij altijd de eenvoudigste en meest harmonieuze oplossing in de organisatie van de ruimte. Het lijkt erop dat het niet anders kan.
Rafaël. Athene school. 1509-1511 Fresco in de kamers van het Apostolisch Paleis, Vaticaan. Rafael leefde slechts 37 jaar. Hij stierf plotseling. Van opgelopen verkoudheid en medische fouten. Maar zijn nalatenschap kan niet worden overschat. Veel kunstenaars verafgoodden deze meester. En ze vermenigvuldigden zijn sensuele beelden in duizenden van hun doeken..
Titiaan was een onovertroffen colorist. Ook experimenteerde hij veel met compositie. Over het algemeen was hij een gedurfde vernieuwer.
Voor zo'n schittering van talent hield iedereen van hem. Genaamd "de koning der schilders en de schilder der koningen."
Over Titiaan gesproken, ik wil een uitroepteken achter elke zin plaatsen. Hij was het immers die dynamiek in de schilderkunst bracht. Pathos. Enthousiasme. Heldere kleur. Glans van kleuren.
Titiaan. Hemelvaart van Maria. 1515-1518 Kerk van Santa Maria Gloriosi dei Frari, Venetië. Tegen het einde van zijn leven ontwikkelde hij een ongebruikelijke schrijftechniek. De slagen zijn snel en dik. De verf werd aangebracht met een kwast of met de vingers. Hieruit - de beelden zijn nog levendiger, ademend. En de plots zijn nog dynamischer en dramatischer.
Titiaan. Tarquinius en Lucretia. 1571 Fitzwilliam Museum, Cambridge, Engeland. Doet dit je nergens aan denken? Het is natuurlijk een techniek. En de techniek van kunstenaars uit de 19e eeuw: Barbizon en. Titiaan zal, net als Michelangelo, in één leven 500 jaar schilderen doormaken. Daarom is hij een genie.
Lees over het beroemde meesterwerk van de meester in het artikel.
Renaissance-kunstenaars zijn de eigenaren van grote kennis. Om zo'n erfenis na te laten, was het nodig om veel te studeren. Op het gebied van geschiedenis, astrologie, natuurkunde enzovoort.
Daarom zet elk van hun afbeeldingen ons aan het denken. Waarom wordt het getoond? Wat is het versleutelde bericht hier?
Ze hebben bijna nooit ongelijk. Omdat ze hun toekomstige werk grondig hebben uitgedacht. Ze gebruikten alle bagage van hun kennis.
Ze waren meer dan kunstenaars. Het waren filosofen. Ze legden ons de wereld uit door middel van schilderen.
Daarom zullen ze altijd zeer interessant voor ons zijn.
In contact met
Waarom is de rol van de Renaissance meer merkbaar dan het belang van enig ander tijdperk? Omdat het concept van de Renaissance behoorlijk levensbevestigend was en het geloof uitstraalde dat een mens tot veel in staat is. En de figuren uit die tijd bewezen de juistheid van dergelijke gedachten met hun werken en ideeën. De renaissance bleef niet in schoolboeken of musea hangen, het inspireerde en inspireert nog steeds veel mensen. Ideeën veranderen, worden aangevuld of heroverwogen, maar het is niet alleen prettig voor een persoon, maar het is ook belangrijk om te bedenken dat zijn activiteit niet nutteloos is.
We kunnen de creaties van de Renaissance niet alleen zien op de albums van beroemde artiesten (bijvoorbeeld Lady Gaga - "Artpop"), maar ook als een afdruk. Botticelli's tedere Venus zie je vaak op T-shirts en de Mona Lisa van Leonardo da Vinci is nog nooit ergens gebruikt. Daarom is de Renaissance dichterbij dan je denkt, en het kennen van de belangrijke principes, hoofdkenmerken en kenmerken van de werken en figuren uit die tijd is gewoon noodzakelijk voor degenen die zichzelf als een ontwikkeld persoon beschouwen. En dit artikel kan je helpen, waar alles kort en gemakkelijk wordt beschreven.
De betekenis van de renaissance voor de Europese cultuur is zo enorm dat het bepalend was voor de verdere ontwikkeling van alle gebieden: van wetenschap tot poëzie. Het werd een overgang tussen de Middeleeuwen en de Verlichting, maar de creaties die in deze periode zijn gemaakt, maken de Renaissance echt bijzonder. Het begon allemaal in Italië, aangezien dergelijke termen ook door de Italianen werden bedacht, waaronder de naam "Renaissance", wat "wedergeboren" betekent. De opkomst van de Renaissance was inderdaad de geboorte van een nieuwe wereld. De groei van de invloed van de landgoederen creëert mensen die vreemd waren aan de religieuze, ascetische cultuur die door de middeleeuwen was gecreëerd. Daarom wordt er een nieuwe cultuur opgebouwd, waarin het individu wordt uitgeroepen tot het centrum van het universum. De esthetiek en ideologie van de oudheid werden als voorbeeld genomen. Dankzij de uitvinding van de boekdrukkunst verspreidde het zich over heel Europa.
De renaissanceperiode duurde van de 14e eeuw tot het einde van de 14e eeuw. De ontwikkelingsstadia zijn:
- Proto-renaissance(Vroege renaissance) - van de 14e eeuw tot het begin van de 15e eeuw;
- Hoge Renaissance(De hoogste bloei van het tijdperk, dat zich in de tijd uitstrekte van de tweede helft van de 15e eeuw tot de eerste helft van de 16e eeuw);
- Late (noordelijke) renaissance- vanaf het einde van de 16e en in sommige landen het begin van de 17e eeuw. Toen het baroktijdperk in Italië al was begonnen, begrepen andere naties alleen de overrijpe vruchten ervan.
De late renaissance wordt echter donkerder. Een ideeëncrisis is onvermijdelijk, want de problemen en veldslagen duren voort, en de naïeve bewering dat de mens het middelpunt van iets is, wordt in twijfel getrokken. Mystiek, een middeleeuws wereldbeeld, keert terug en markeert het baroktijdperk.
Belangrijkste kenmerken
Het algemene kenmerk van de Renaissance is dat de interesse in een persoon wordt verheven tot een cultus van zijn capaciteiten, en op het gebied van esthetiek en filosofie is er een heropleving van de oude cultuur. De oudheid wordt erkend als een klassieker, die actief wordt bestudeerd en herwerkt. Er verschijnt een materieel beeld van de wereld, mensen prijzen de geest van het individu. Individualiteit en eigen verantwoordelijkheid in de Renaissance geven aanleiding om anders te kijken naar de kerkstructuur, religie als geheel. Vrije kritiek vormt een aanval op het religieuze leven, op schriftuurlijke conformiteit. Hierdoor breekt het tijdperk van de Reformatie aan, vindt de reformatie van de katholieke kerk plaats. Het is dankzij dergelijke sentimenten en economische redenen dat de Renaissance in Italië is geboren.
Wat zijn de belangrijkste kenmerken van de Renaissance?
- Zoals we hierboven zeiden, wordt de greep van de kerk losser. Religieuze ascese wordt bekritiseerd, theaters verschijnen, kermissen, feestdagen, genoegens zijn toegestaan;
- De aandacht van God wordt nu omgeleid naar zijn schepping (antropocentrisme);
- De status van de schepper krijgt gezag. Mensen schamen zich niet langer om hun werken te ondertekenen en denken niet dat God hun hand leidt;
- De filosofie van het humanisme verspreidt zich - respect voor een persoon als een grote, sterke, onafhankelijke persoonlijkheid;
- Het idee van de goddelijke gelijkenis van de mens ontstaat.
De wortels van de Europese beschaving gaan terug tot de oudheid, niet tot de middeleeuwen. Vervolgens zullen we alle aspecten van de Renaissance nader bekijken en hoe de prestaties ervan de verdere Europese cultuur precies beïnvloedden.
Filosofie
De filosofie van de Renaissance is een reeks filosofische scholen verenigd door gemeenschappelijke ideeën. De verwerping van het theocentrisme zorgt ervoor dat mensen zich concentreren op hun eigen kunnen en daarmee een humanistisch tijdperk aankondigen.
De ideeën van de Renaissance zijn gericht op de oude cultuur, waaruit denkers niet alleen kennis onder de knie hebben, maar deze ook verwerken. Hieruit werden de volgende principes en waarden van het tijdperk gevormd:
- Antropocentrisme;
- Het mensenrecht op creatieve zelfexpressie en vrijheid wordt erkend. Schepper mens;
- Alles wat in de wereld bestaat, wordt door de mens begrepen;
- Esthetiek is belangrijker dan wetenschap en moraliteit, de cultus van het lichaam.
Laten we enkele filosofische richtingen en ideeën van de Renaissance in meer detail bekijken.
Humanisme
Op Europese breedtegraden verspreidde het humanisme zich in de XIV - midden XV eeuw. Deze filosofische richting had een antiklerikale oriëntatie. Vanaf nu bewijzen denkers dat de verdiensten van een persoon niet door God uit genade worden gegeven, maar het resultaat worden van de eigen inspanningen van mensen. Een persoon heeft recht op actieve, creatieve activiteit, de realisatie van individualiteit en vrijheid.
De filosofie van het humanisme breekt door in de literatuur, dus namen de beroemde humanisten van de renaissance de pen ter hand. Zelfs de grote Dante Alighieri in "" is al ironisch over de fanatieke fouten van het christendom en zijn semi-geletterde tolken. Dante gelooft in de deugd van de mensheid, niet als Gods wil, maar als een bewuste beslissing van het individu. De Italiaanse dichter wordt echter beschouwd als de eerste humanist. In zijn gedichten predikte hij de idealen van liefde en aardse vreugde, die we kunnen bereiken zonder Gods wil. Hij twijfelt aan de beloningen voor vroomheid in het hiernamaals, maar hij weet een manier om echte onsterfelijkheid van de ziel te bereiken. Hoe je dat doet? Er zal geen andere kans zijn om betrokken te zijn bij creatieve, energieke activiteiten, omdat zijn alleen hier en nu gebeurt.
De denkers van de Renaissance (Petrarch, Boccaccio, Lorenzo Valla en anderen) beleden een hartstochtelijk geloof in het mentale en fysieke potentieel van de mens, dat nog niet is onthuld. Daarom heeft de filosofie van het humanisme een levensbevestigend karakter. Het was tijdens de Renaissance dat het humanisme een integraal systeem van opvattingen verwierf, wat een echte revolutie veroorzaakte in de cultuur en het wereldbeeld van nieuwe mensen.
antropocentrisme
Het antropocentrisme is als filosofische gedachte een karakteristiek kenmerk van het humanisme geworden. Het komt van de Griekse woorden "άνθροπος" - man en "centrum" - centrum, al door de etymologie van het woord kan men de betekenis ervan raden. Letterlijk is dit de plaatsing van een persoon in het centrum van het universum, de volledige concentratie van aandacht op hem. Hij wordt niet langer gezien als een zondig, onvolmaakt wezen, als de drager van een bepaalde sociale groep. Hij is een individuele, unieke, unieke persoonlijkheid. De nadruk wordt gelegd op de goddelijke gelijkenis van een persoon, wat tot uiting komt in zijn vermogen om te creëren, te creëren.
Vanuit de oude cultuur wordt esthetische aandacht voor alles wat lichamelijk en natuurlijk is overgenomen. Ze bewonderen niet alleen de geest, maar ook het menselijk lichaam, verheffen de eenheid van deze principes.
De Italiaanse filosoof Tommaso Campanella schreef in zijn verhandelingen dat lichamelijke schoonheid een geschenk van God is en dat lichamelijke onvolmaaktheid een waarschuwing is voor anderen dat ze te maken hebben met een slecht persoon. De persoonlijkheid van de Renaissance plaatste het esthetische principe boven ethische overwegingen.
De mens, als centrum van het universum, is mooi en gemaakt om van de wereld te genieten. Maar hij moet zijn leven niet doorbrengen met ijdel plezier, maar met creatieve activiteit. Zo vernietigt antropocentrisme de middeleeuwse ethiek van ascetisme, passiviteit en onmacht van mensen voor het almachtige lot.
Natuurlijke filosofie
Renaissance-denkers wenden zich opnieuw tot de studie van de natuur en herzien haar middeleeuwse begrip als een niet-onafhankelijke sfeer.
De meest opvallende kenmerken van filosofie zijn:
- Natuurfilosofen benaderden de studie van de natuur niet door ervaring, maar door reflectie;
- De wens om filosofie van theologie te scheiden;
- De wereld kan worden gekend door rede en gevoelens, en niet door goddelijke openbaring;
- De kennis van de natuur wordt gecombineerd met mystiek.
Vertegenwoordigers van de natuurfilosofie ontwikkelden verschillende concepten. Zo ontwikkelde de filosoof Francesco Patrici de leer van de wereld als een bezielde oneindigheid. En de mysticus Yakbo Boehme ontwikkelde een complex kosmogonisch systeem, waarbij de natuur de mentor van de mens is.
De legendarische Duitse arts Paracelsus, een voortreffelijk onderzoeker van de natuurlijke wereld, sloot zich aan bij de natuurfilosofen.
Paracelsus beschouwde de mens als een kleine wereld, die de hele natuur omvat. Volgens hem zijn er geen verboden voor menselijke kennis, we kunnen niet alleen alle entiteiten en de natuur bestuderen, maar ook wat buiten de wereld is. De ongebruikelijkheid van kennis mag niet verwarren, een persoon stoppen in het onderzoeksproces.
Mens en natuur zijn nog in harmonie. Maar de uitbreiding van de menselijke mogelijkheden brengt de studie en onderwerping van de natuur met zich mee.
Pantheïsme
De filosofische leer van het pantheïsme identificeert de goddelijke krachten met wat ze naar verluidt hebben gecreëerd. De Schepper in het pantheïsme heeft geen week tevergeefs verspild, hij heeft onze wereld niet geschapen, want hij maakt er zelf deel van uit, gelijk aan alle levende wezens. De pantheïsten wenden zich tot het oude erfgoed en de natuurfilosofie en besteedden aandacht aan de natuurwetenschappen, waarbij ze de bezieling van de wereld en de kosmos erkenden. Er zijn twee totaal verschillende richtingen in deze leer:
idealistisch (de natuur is een manifestatie van goddelijke kracht)
naturalistisch (God is slechts een verzameling natuurwetten).
Dat wil zeggen, als in de eerste richting het Universum in God is, dan is God in de tweede richting in het Universum.
De filosoof Nicolaas van Cusa geloofde dat God de wereld uit zichzelf openbaart en niet uit het niets schept. En Giordano Bruno geloofde dat God in alle dingen is, maar in de vorm van verwante patronen.
Galileo Galilei ging door met het bestuderen van de natuur (hij studeerde oude filosofie, wat hem leidde tot het idee van de eenheid van de wereld), Nikolai Copernicus (hoewel hij mensen de eerste posities gaf in de rangorde van alle levende wezens, maar nog steeds in een wereldwijd gezien is hun plaats perifeer, aangezien de aarde geen leider is in het open zonnestelsel).
Pantheïsme was kenmerkend voor veel filosofische theorieën van de Renaissance, en hij was het die de verbindende schakel werd tussen natuurfilosofie en theologie.
Cultuur en kunst
De overgang van het middeleeuwse, duistere denken naar de vrijheid van de renaissance was niet geforceerd. Het primaat van de kerk bleef in de hoofden van de mensen bewaard, en niet meteen schilderen en poëzie, de creativiteit zelf verwierf een goede reputatie. Bovendien heerste er analfabetisme onder de bevolking. Maar de richtingen van de Renaissance legden geleidelijk de basis voor een nieuwe cultuur, waar onderwijs ertoe deed, waar creatieve individuen probeerden om universele erkenning te krijgen met intelligentie en talent.
Zo geloofde de Italiaanse schrijver Boccaccio dat een echte dichter uitgebreide kennis moest hebben: grammatica, geschiedenis, aardrijkskunde, kunst, zelfs archeologie.
Blijkbaar probeerden de makers zelf de idealen die ze koesterden te imiteren. Deze kenmerken van de Renaissance gaven aanleiding tot het beeld van een goddelijke man, creërend, universeel, belichaamd in beeldhouwkunst en schilderijen, kreeg een stem in boeken. In de kunst kwam de geest van de renaissance het beste tot uiting.
Schilderen
Het nieuwe wereldbeeld zet kunst op de eerste plaats in Italië, aangezien het de enige creatieve uitdrukking van jezelf was. Schilderkunst, beeldhouwkunst, architectuur zijn grote meesters en creaties die elke geschoolde persoon kent. De kunst van de Renaissance is verdeeld in verschillende fasen en elk heeft zijn eigen interessante kenmerken.
De proto-renaissance (XIV - begin XV eeuw) werd bijvoorbeeld een overgangsperiode vanaf de middeleeuwen. De grote schilders Giotto, Mosaccio wenden zich tot religieuze thema's, maar de nadruk ligt op emoties, op de levenservaring van mensen. De helden worden gehumaniseerd en de halo's van de heiligen worden transparanter, minder opvallend in de schilderijen, zoals gebeurt op de foto van Botticelli's "Aankondiging" of Raphael's "Sixtijnse Madonna".
Kunstenaars uit deze tijd streefden naar een materieel beeld van de wereld. Het waren rationele schilders, renaissanceschilderijen onderscheiden zich door het gebruik van geometrie, de gulden snede. Er werd een perspectief afgebeeld, waardoor de meesters het scala aan afgebeelde dingen en verschijnselen konden uitbreiden. De schilderkunst werd bijvoorbeeld monumentaal, zoals de schildering van de Sixtijnse Kapel door Michelangelo, gemaakt tijdens de hoogrenaissance (tweede helft 15e - eerste helft 16e eeuw). Het is volumineus en reikt verder dan dat 
fresco frame, dat is een cyclus, en gemaakt in drie jaar. Onder de plots kan men het beeld zien van de schepping van Adam, belangrijk voor de Renaissance, waar God op het punt staat de mens aan te raken en een ziel in zijn lichaam te brengen. Een andere belangrijke creatie van Michelangelo is het beeld van David, dat 
verkondigt de cultus van de mens, het lichaam. Trots, zelfverzekerd, fysiek ontwikkeld - een duidelijke knipoog naar oude beeldhouwkunst. De essentie van een persoon werd door de meesters gevat in een pose, gebaar, houding. Portretten uit dit tijdperk werden ook onderscheiden door een speciaal soort gezicht - trots, sterk, begripvol voor hun capaciteiten.
Kunst ontwikkelde zich lange tijd op basis van de principes van de kunstenaars van de Renaissance. Tegenwoordig heeft de kunst van de Renaissance zijn aantrekkingskracht niet verloren, veel afbeeldingen die in dit tijdperk zijn gemaakt, zijn overal te vinden. Zo wijdde cosmeticabedrijf Lime Crime oogschaduwpaletten aan Botticelli's Birth of Venus. De makers van cosmetica hebben aan elke kleur thematische namen toegekend, bijvoorbeeld "schelp", "muze". Natuurlijk spreekt de populariteit van dergelijke producten over de onsterfelijkheid van de meesterwerken die in de Renaissance zijn gemaakt.
Literatuur
Het humanistische wereldbeeld van de Renaissance had ook invloed op de literatuur. Op de voorgrond een man die is bevrijd van de invloed van de Middeleeuwen. Een belangrijke rol in de ontwikkeling van literatuur in Italië werd gespeeld door het behoud van het erfgoed van de oude cultuur. Van daaruit is het concept van het ideaal van de mens genomen, een voorbeeld van hoge menselijkheid. Renaissancewerken hebben karakteristieke kenmerken, het hoofdonderwerp van het beeld is bijvoorbeeld een sterke persoonlijkheid, haar leven en tegenstellingen. De houding ten opzichte van de natuur is ook veranderd - ze begonnen haar te bewonderen.
De gemakkelijkste manier om de literatuur van de Renaissance te laten zien, is naar het voorbeeld van Giovanni Boccaccio's verhalenbundel "De Decameron". Het eerste korte verhaal van de bundel is het belangrijkste verbindende verhaal. 7 meisjes en 3 jongens verstoppen zich voor de pest in het kasteel. Ze zingen, dansen en vertellen elkaar verschillende verhalen. Deze levende, jonge mensen zijn de personificatie van de nieuwe mens van de Renaissance, en de pest is de boeien van de Middeleeuwen. De hoofdthema's van de verhalen zijn verschillend: liefde, anti-kerk, avontuur, leerzaam. Voor het eerst kan de lezer de helden van het volk zien, namelijk studenten, bruidegoms, timmerlieden en anderen. Maar tegelijkertijd veroordeelt de auteur de helden die lelijk zijn, lacht hij om de tekortkomingen van het lichaam, wat helemaal binnen het kader van het tijdperk valt met zijn cultus van een fysiek ontwikkeld organisme. Boccaccio laat het leven zien zoals het is, met enige lichtzinnigheid. Daarom hadden predikanten een hekel aan dit boek en verbrandden ze het zelfs in het openbaar op het plein. Maar zelfs dergelijke vervolgingen konden de populariteit van Boccaccio's collectie niet doden, omdat het wereldbeeld van mensen veranderde en hun voorkeuren volgden.
Dichters
"Door het woord wordt het menselijk gezicht mooi", schrijft de renaissancedichter Francesco Petrarca.
Hij was het die de grondlegger werd van de nieuwe Europese teksten, die in sonnetten een harmonieuze combinatie van puurheid en liefde, loomheid, passie en puurheid creëerde. Poesjkin identificeerde de "taal van Petrarca" en de taal van de liefde zelf, aangezien de dichter van de Renaissance meesterlijk, geïnspireerd en levendig schreef over gevoelens tussen een man en een vrouw. We schreven meer over zijn werk.
Meer getalenteerde dichters verschijnen in Italië, namelijk Ludovico Ariosto (auteur van het gedicht "Furious Roland"), Torquato Tasso, Jacopo Sannadzor. In Frankrijk was de grote dichter van die tijd Pierre de Ronsard, hier. Toen werd hij beschouwd als de "prins der dichters", aangezien hij in de poëzie een verscheidenheid aan poëtische meters introduceerde, de harmonie van rijm en lettergreep. In Engeland waren Geoffrey Chaucer en Edmund Spenser de belangrijkste vertegenwoordigers van de poëzie. Toegegeven, Geoffrey Chaucer anticipeerde op de Renaissance, hij werd de 'vader van de Engelse poëzie'. En Edmund Spenser gaf melodie aan Engelse verzen, was 'de aartsdichter van Engeland'. Renaissance-dichters werden vereerd, beschouwd als grote meesters van het woord, en ze behouden deze titel tot op de dag van vandaag.
Componisten
In Italië ontstonden invloedrijke componistenscholen: Romeins (Giovanni Palestrina) en Venetiaans (Andrea Gabrieli). Palestrina creëerde een voorbeeld van katholieke heilige muziek, terwijl Gabrieli het koor combineerde met het geluid van andere instrumenten, waarbij hij seculiere muziek benaderde.
Componisten John Dubsteil en William Bird werkten in verschillende eeuwen in Engeland. De meesters gaven de voorkeur aan sacrale muziek. William Byrd wordt wel de "vader van de muziek" genoemd.
De getalenteerde componist Orlando Lasso toonde van kinds af aan muzikale vaardigheden. Zijn seculiere muziek droeg ertoe bij dat München het muzikale centrum van Europa werd, waar andere getalenteerde musici kwamen studeren, namelijk Johann Eckard, Leonard Lechner en Gabrieli.
Natuurlijk ontwikkelden renaissancecomponisten niet alleen traditionele stijlen, maar ook instrumentale muziek, waardoor het scala aan gebruikte muziekinstrumenten (strijkinstrumenten, klavier, enzovoort) werd uitgebreid. De activiteiten van de muzikanten van de Renaissance creëerden de mogelijkheid van het verschijnen van opera in de toekomst, waardoor de kunst van geluiden en melodieën een systematische en productieve ontwikkeling kreeg.
Architecten
Filippo Brunelleschi wordt wel de "vader van de architectuur" van de Renaissance genoemd. Hij creëerde vele kunstwerken, waaronder de kerk van San Lorenzo. Een andere vertegenwoordiger van de vroege renaissance, de architect Alberti, bouwde het Rucellai-paleis in Florence. In tegenstelling tot Brunelleschi gebruikte hij geen lancet en gebruikte hij individuele bestellingen voor verschillende verdiepingen. Tijdens de hoogrenaissance was Donato Angelo Bramante de belangrijkste architect. Hij was de eerste architect van de Sint-Pietersbasiliek in Rome en maakte zijn plan.
Maar wat opmerkelijk is aan de meesters van de Renaissance, is dat velen elkaars projecten afmaakten. Dus werd de bouw van de Sint-Pietersbasiliek voortgezet door Michelangelo en na zijn dood nam een andere architect het project over. Het bleek dat maar liefst 12 architecten op verschillende tijdstippen betrokken waren bij de bouw van de katholieke hoofdkerk.
Of een ander voorbeeld, de interieurdecoratie van de kerk van San Lorenzo, die Brunelleschi bouwde, is gemaakt door Michelangelo. In andere landen verspreidt de Italiaanse renaissancestijl zich, maar met de introductie van lokale architecturale tradities. Verder leiden experimenten in de architectuur tot stijlen als barok en rococo.
Conclusie
We hopen dat dit artikel je heeft geholpen om kennis te maken met de Renaissance of je heeft aangemoedigd om dit of dat cultuurgebied in meer detail te bestuderen. Het was inderdaad dankzij het sterke verlangen van de genieën van de Renaissance naar kennis dat er grote ontdekkingen werden gedaan en het rigide raamwerk van vooroordelen werd vernietigd.
Interessant? Bewaar het op je muur!"Renaissance"
Invoering
Wat gewoonlijk de renaissance wordt genoemd, was de bevestiging van de continuïteit van de grote oude cultuur, de bevestiging van nieuwe idealen. Tijdens de Renaissance ontstond de experimentele natuurwetenschap, werden de monumenten van de oude cultuur ontdekt en bestudeerd, ontwikkelden de kunsten en het seculiere wereldbeeld zich, waardoor het spirituele dictaat van de kerk verzwakte, verscheen er literatuur in nieuwe moderne talen en verscheen er een professioneel theater.
Veranderingen beïnvloedden alle aspecten van het spirituele leven. Deze verschijnselen leken een heropleving van wetenschap, filosofie, literatuur en kunst die in de antieke wereld bestonden, vooral onder de Grieken. De term "Renaissance" is ontstaan vanuit de overtuiging dat men alleen door de heropleving van de oude cultuur na de moeilijke Middeleeuwen tot een ware kennis en beeld van de natuur zelf kan komen.
Kunst wordt een integraal onderdeel van het sociale leven. In de Middeleeuwen werd de kunstenaar beschouwd als een ambachtsman, zijn plaats bevond zich op de lagere niveaus van de sociale hiërarchie en de persoonlijkheid werd verduisterd in het bijzijn van de klant. Tijdens de Renaissance, toen de menselijke persoonlijkheid zeer verheven was in het algemene bewustzijn, begon de creatieve individualiteit van de kunstenaar de aandacht te trekken van iedereen die geïnteresseerd was in zijn werk.
De cultuur van de Renaissance kwam vooral tot uiting in de werken van Italiaanse schilders, beeldhouwers en dichters. Maar in tegenstelling tot de idealen van de antieke wereld, waar een persoon wordt gepresenteerd als een speeltje van het lot, verheffen ze een persoon, beschouwen hem als de meester van zijn lot, brengen hulde aan zijn (persoonlijke) kwaliteiten en wil. Dit is de belangrijkste grootheid van de Renaissance, die een revolutie teweegbracht in de hoofden van mensen.
Cultuur van de Italiaanse Renaissance van de XIV-XV eeuw.
Bewustwording van de spirituele waarde van de aardse mens leidde tot een heldere bloei van de kunst, bevrucht door een nieuwe kijk op de wereld. Deze beweging op het gebied van cultuur, die verder wilde gaan dan de Middeleeuwen en de Proto-Renaissance werd genoemd, maakte in veel opzichten de weg vrij voor een heropleving en verrijkte de wereldkunst met fenomenen als het beeldhouwwerk van Niccolo Pisano, het schilderij van Giotto, en de poëzie van Dante.
Latijn was de belangrijkste literaire taal van de Middeleeuwen. Aan het begin van de XIII-XIV eeuw. het begon geleidelijk te worden vervangen door de moderne volkstaal. Het beroemde werk van de Bolognese advocaat Guido Guinicelli "Liefdesnesten in een nobel hart" is geschreven in het Toscaanse dialect. Guido's poëtische vaardigheid werd verder ontwikkeld in Florence. Deze richting werd 'zoete nieuwe stijl' genoemd. Hij werd vergezeld door Guido Cavalcanti, Chino de Pistoia en Dante Alighieri.
Het werk van Dante is van groot belang voor de gehele verdere ontwikkeling van de literatuur. Dante's werken zijn in het Italiaans geschreven. Zijn vroege cyclus van gedichten, New Life, bezingt zijn liefde voor Beatrice. Hier wordt voor het eerst in de literatuur rekening gehouden met het gevoel van liefde in ontwikkeling. Het is niet langer een vast kenmerk van het 'edele hart', zoals bij Dante's voorgangers.
In zijn onvoltooide werk The Feast probeert Dante al het geleerde van zijn tijd te presenteren in de vorm van 14 canzones en een prozacommentaar erop. In de inleiding gaat hij in op de noodzaak om de Italiaanse taal in zijn werk te gebruiken.
In het werk “On Folk Speech” wijst Dante op 3 nieuwe literaire talen: Oudfrans, Provençaals en Italiaans. In het laatste onderscheidt hij veel dialecten en bewijst hij dat het Toscaanse dialect het grootste potentieel heeft om een algemene literaire taal in Italië te worden.
Het grootste werk van Dante is "Comedy", waar de auteur zich tot een breder taalmateriaal wendde dan in het werk "On Folk Speech". Hij gebruikte niet alleen de taal van de "zoete nieuwe stijl" dichters, maar ook poëzie die dicht bij de spreektaal lag.
In de Komedie kreeg de Italiaanse taal zo'n rijkdom, zo'n volledigheid en stabiliteit die geen enkele West-Europese taal van die tijd kende. Dante wordt beschouwd als de maker van de Italiaanse literaire taal.
Proto-renaissancetrends verschenen al in de 13e eeuw in de Italiaanse cultuur en in de algemene houding. In 1316 werden in Bologna lezingen over de menselijke anatomie gegeven - de eerste in de middeleeuwen over een onderwerp waarvan men zich volgens de kerkelijke leer moest afkeren.
In Pisa, waar al in de Romaanse periode een beroemd architectonisch ensemble ontstond, dat uitdrukking gaf aan de bijzondere, iriserende aspiraties van het Italiaanse artistieke genie, de beeldhouwer Niccolò Pisano. In de reliëfs die de preekstoel sierden, creëerde hij niet zozeer afbeeldingen van evangeliescènes als wel van puur wereldlijke gebeurtenissen. N. Pisano wordt beschouwd als de initiator van de Proto-Renaissance in Italiaans plastic. Zijn zoon Zhdovani moet ook worden erkend als een van de beeldhouwers van de Proto-Renaissance. Zijn werk zit vol pathos en dynamiek.
De initiatiefnemer van de proto-renaissance in de schilderkunst is Cavellini. Hij probeerde zijn figuren nieuw leven in te blazen met clair-obscur, om er geen abstract idee in over te brengen, maar een visuele indruk. Een voorbeeld is het fresco "Het laatste oordeel", waar het beeld van Christus geen symbool meer is, geen gezicht, maar een waardige, mooie man met een open gezicht.
Giotto de schilder. Hij vermoedde de hoogste eenvoud: niets overbodigs, geen patronen, geen detaillering. Alle aandacht van de kunstenaar is gericht op het belangrijkste en er wordt een synthese gegeven, een grandioze generalisatie. Hij verliet het vlakke karakter van Byzantijnse iconenschilderijen, hun voorwaardelijke achtergronden en probeerde de diepte van de ruimte over te brengen. Het beeld van een persoon was zijn hoofdtaak. Alle personages in Giotto's schilderijen worden deelnemers aan één dramatische gebeurtenis, ze dragen allemaal bij aan de onthulling van één enkel plan. Dit is duidelijk te zien in de scène "Kus van Judas", in de fresco's in de Chapel del Arena in Padua.
Een beslissende stap in de opbouw van een seculiere cultuur werd gezet door de humanisten, de ideologen van de Renaissance. Humanisten benadrukten de waarde van de menselijke persoon op zich. Daarom brachten ze een interesse naar voren in menselijke aangelegenheden - een menselijk, en niet een religieus standpunt over alle fenomenen van het leven en in het bijzonder de bescherming van de menselijke persoon.
Francesco Petrarco was een van die humanisten. In de verzen waarin hij zijn geliefde zong tijdens zijn leven en na haar dood, beschrijft de dichter zijn ervaringen met een ongekende subtiliteit. In tegenstelling tot Beatrice in Dante's Goddelijke Komedie is Laura een aardse vrouw, geen symbool.
Het begin van een nieuwe wetenschap - epigrafie werd gegeven door de handelsbankier Jonazo Manetti, die tijdens zijn reizen naar het Oosten begon met het verzamelen van bewaarde oude inscripties. Hij erkende ook de noodzaak om de derde oude taal te bestuderen - Hebreeuws, noodzakelijk om de boeken van het Oude Testament te begrijpen. Zo beroofde hij de kerk van haar eeuwenoude voorrecht: de studie van de 'heilige schrift' kwam in handen van seculiere geleerden-filosofen.
Italiaanse kunst uit de 15e eeuw.
Kunstenaars uit de 15e eeuw waren op professionele basis lid van verenigingen - schilders, beeldhouwers, juweliers, architecten, en waren in de vorm van onafhankelijke corporaties in een van de officieel erkende werkplaatsen. In de meeste gevallen bouwden kunstenaars, versierden ze met beelden en beschilderde kerken en openbare instellingen onder een overeenkomst met klanten.
Een van de grootste Italiaanse architecten van de vijftiende eeuw. was Filippo Brunelleschi, die een nieuw type gebouw creëerde met wereldlijke betekenis (het weeshuis). Verhoudingen, ritme, articulatie, verwerking van details dienden om ontwerpkenmerken te onthullen, en met hun harmonie en eenvoud werden ze geleid door een persoon, waardoor zijn waarde werd verhoogd.
Bruneleschi's kunst was gebaseerd op logica, bevestigd door wiskundige berekeningen. Hij was de eerste renaissancekunstenaar die begreep hoe wiskunde kunst kan helpen. Hij was een van de grondleggers van de wetenschappelijke theorie van het perspectief, de ontdekker van de basiswetten ervan, die van groot belang waren voor de ontwikkeling van alle hedendaagse schilderkunst.
De heropleving van de oude architectuur bracht architecten een nieuw systeem in handen, fundamenteel anders dan de gotiek.
Donatelio is de eerste die in reliëf een echte ruimte-impressie weet te realiseren. Door de negen wetten van het perspectief in acht te nemen, brengt hij de beeldende kunst uit de vroege renaissance dichter bij de schilderkunst en verlaat hij uiteindelijk de principes en vormen van de gotiek.
Een grote sprong voorwaarts in de geschiedenis van de Europese schilderkunst markeert het werk van een vriend van Brunelleschi en Donatelio, de schilder Masaccio. Hij werd beschouwd als de eerste kunstenaar na Giotto. Hij begreep de essentie van zijn werk en ontwikkelde het.
Zijn fresco "Trinity" lijkt de muren van de tempel uit elkaar te duwen, waardoor de illusie ontstaat van een verzonken ruimte in overeenstemming met wetenschappelijk onderbouwde wetten van perspectief. De hele compositie is kalm en plechtig. In het vermogen om licht en schaduw te verdelen, in het creëren van een heldere ruimtelijke compositie, in de kracht waarmee hij volume overbrengt, is Masaccio verre superieur aan Giotto.
Bovendien is hij de eerste in de schilderkunst die een naakt lichaam afbeeldt en een persoon heroïsche trekken geeft die de menselijke waardigheid verheerlijken. Hij was de eerste die portretfoto's van klanten introduceerde in religieuze composities, zoals bijvoorbeeld in Trinity.
A. Mantegna beweerde actief renaissancetendensen in de Noord-Italiaanse kunst. Opgegroeid in humanistische kringen, introduceerde hij in zijn hardvochtige schilderkunst een ware passie voor de Romeinse oudheid, waardoor hij zijn veralgemeende heldenbeeld van een persoon creëerde, zoals bijvoorbeeld in de Ovetari-kapel van de Eremetani-kerk in Padua.
Het werk van Montechieu had een deels directe, deels indirecte invloed op de hele Noord-Italiaanse schilderkunst van de tweede helft van de 15e eeuw, en droeg bij tot de vorming van renaissanceprincipes in de kunst van Lombardije, Ligurië en Venetië. Venetiaanse kunstenaars besteedden speciale aandacht aan het probleem van kleur, dat een van de belangrijkste uitdrukkingsmiddelen in hun schilderkunst werd. Bij de decoratie van gebouwen werden gekleurd gips en verschillende tinten baksteen gecombineerd met gekleurde marmeren voering, het fijnste houtsnijwerk en inlegwerk. De bouwers behandelden met liefde de meest bescheiden architecturale elementen van de stad, te beginnen met de verschillende kommen van de putten en eindigend met de pieren.
Cultuur van de hoge en late renaissance.
Eind 15e eeuw en de eerste 30 jaar van de zestiende eeuw. - De cultuur van de hoogrenaissance is een van de meest opvallende fenomenen in de geschiedenis van de Europese cultuur. De 16e eeuw is de gouden eeuw van de Italiaanse literatuur, schone kunsten, natuurfilosofie en grote ontdekkingen op het gebied van natuurwetenschappen. Op dat moment werden de fundamenten gelegd voor een nieuw wereldbeeld, waarin de natuur en de mens centraal stonden.
In de periode van de jaren '30 tot het einde van de 16e eeuw werd de kunst van de late revival gevormd, wat een complex beeld is van de strijd van verschillende stromingen. De militante katholieke kerk begreep hoe belangrijk kunst was in de ogen van de samenleving en probeerde het daarom voor haar eigen doeleinden te gebruiken. De decreten van het Concilie van Trente wezen rechtstreeks op de wens van de kerk om zich de controle over kunstwerken toe te eigenen. Daarom bleken die kunstenaars die hun werk in verband brachten met het dienen van de behoeften van de kerk of die in hun werk stemmingen van depressie en interne instorting weerspiegelden, in de publieke belangstelling te staan. Deze kunstenaars werden "manieristen" genoemd omdat ze niet probeerden de natuur en haar wetten te bestuderen, maar uiterlijk de manier van de grote meesters assimileerden: Leonard, Raphael en vooral Michelangelo. Velen van hen waren goede tekenaars, waaronder veel grote portretschilders (Pontormo, Bronzio), aangezien het portret nauwer verbonden is met de natuur dan andere picturale genres, maar hun schilderijen, ongeacht de plot, zijn vergezocht, kunstmatig , vals in ontwerp en uitvoering (Vasari, ? ???). Deze kunstenaars stopten niet bij de vervorming van het menselijk lichaam, met als resultaat dat er schilderijen verschenen zoals de Madonna met een lange nek (Parmegianico). Michelangelo zei ooit, toen hij zag hoe kunstenaars zijn "Laatste Oordeel" kopiëren: "Mijn kunst zal veel dwazen maken."
De ontwikkeling van de artistieke cultuur van de Hoge Renaissance werd sterk beïnvloed door Leonardo da Vinci, een schilder en beeldhouwer.
Een van de eerste onafhankelijke werken die hij maakte na het verlaten van Verroco's atelier is "Madonna van Benz". De kunstenaar verliet de traditionele interpretatie van het beeld van de Madonna - majestueus, verdrietig, creëerde een beeld van vreugde, vol puur aardse charmes. Hij onderzocht de wetten van de optica en gebruikte clair-obscur voor het eerst als een middel om de personages in zijn schilderijen te 'revitaliseren'. Leonardo plaatste een gelijkteken tussen het uiterlijk en het uiterlijk van een persoon. "Als de ziel wanordelijk en chaotisch is," betoogde Leonardo, "dan is het lichaam zelf waarin deze ziel leeft wanordelijk en chaotisch." Leonardo was ook een uitvinder. Onder zijn uitvindingen waren verbeterde gereedschappen.
De artistieke en wetenschappelijke activiteiten van Leonardo maakten hem tot de grondlegger van een nieuw type in de ontwikkeling van de Italiaanse kunst - de Hoge Renaissance.
Een grote meester van de late renaissance was Benvento Cellini - realistische kunst. "We hebben geen andere boeken om ons over kunst te leren, behalve het boek van de natuur", verklaart Cellini. Zijn grote bronzen beeld van Perseus toont een prachtig menselijk lichaam, gebeeldhouwd met een grondige kennis van de anatomie. Cellini's gewelddadige passies, zijn bijgeloof, openhartig verlangen naar roem, naïeve opschepperij, onverwoestbare levenslust en liefde voor kunst maken hem tot een van de meest typische vertegenwoordigers van deze turbulente en controversiële tijd.
De opkomst van het professionele theater.
In Italië waren carnavalsmaskers wijdverspreid, waar iedereen zoveel mogelijk plezier had, maar ook professionele "entertainers" traden daar op. Zulke entertainers, op de een of andere manier parodieerden beroemde mensen, vogels, dieren - werden professionals. Ze verhuisden van stad naar stad, omdat Op verschillende plaatsen werden kermissen gehouden. In de jaren 60 van de 15e eeuw. ze begonnen zich te organiseren in groepen, in acterende groepen. Dit is hoe "professionele komedie" werd geboren. Dit theater had zijn eigen bijzondere kenmerken: elke acteur 'voerde één masker uit'. Deze volkskomedie had geen geschreven tekst, geen eigen dramaturgie. De acteurs hadden alleen een script, dat de in- en uitgang van het podium en de algemene gang van zaken schetste. Ten derde, om meer komedie te geven, gebruikte deze komedie dialecten - Venetiaans, Padua. Stunts waren een verplicht onderdeel van de voorstelling - acrobatische nummers, mise-en-scène.
Conclusie
De creativiteit van de renaissanceperiode onderscheidt zich door pathos en dynamiek. De kunstenaar bracht in zijn fantasieën gevoelens samen (dit geldt niet alleen voor kunstenaars, maar ook voor schrijvers, beeldhouwers en andere vertegenwoordigers van kunst). Petrarco bijvoorbeeld, hij is niet gedwongen, hij houdt zijn gevoelens en emoties niet voor zichzelf, hij deelt ze, beschrijft ze. De emotionele wereld van een persoon is belangrijk voor de Renaissance. Die renaissanceperiode kenmerkt zich door vrijheid: een vertrek uit het kerkelijk kader naar het seculiere leven, waar ruimte is, vrijheid, waar het individu (de mens) en belangen domineren. Ze bouwen grote, ruime, volumineuze kleurrijke gebouwen - alles voor een persoon, om zijn behoeften te bevredigen, om zijn betekenis te verhogen.
De kunst van de renaissanceperiode is precies berekend. De berekeningen zijn gedaan met behulp van wiskunde, daarom was het ook praktisch, aangezien de berekeningen weer voor het gemak van die persoon zijn gedaan.
Literatuur
1. LM Batkin. Italiaanse Renaissance op zoek naar individualiteit. M., 1989.
2. Wereldgeschiedenis: renaissance en reformatie. red. Alyabieva et al. M., 1996. V.9-10
