Ez nagyon egyszerű. Mint Velasqueznél mindig, minden nyilvánvaló, csak tudnod kell nézni, és meg kell próbálnod megérteni, mit nézel. A néző éppen azt a pillanatot látja, amikor a város védelme megsemmisül. Az ostrom az ostromlók győzelmével végződött, és a város elesett.
Az oxfordi kollégák olyan anyagokkal és cikkekkel láttak el, amelyek mind ennek a festménynek, mind Breda ostromának szentelték – és mint kiderült, a trójai faló képének tényét Breda ostromával kapcsolatban már tárgyalják, és ez a tény. általában bizonyítottnak tekinthető. Az alátámasztott szövegek azt mutatják, hogy Breda ostromát Velázquez életében a „trójai faló módszer”-nek nevezték. Ezt nem tudtam. De Velazquez tudta. És a tudósok megállapították ezt a tényt. Örülök, hogy egyedül jutottam erre a következtetésre.
Ezt a képet, mint minden más képet, tanulmányozni, vizsgálni és értelmezni kell. A kép tanulmányozása során pedig bíznia kell a szemében és az érzéseiben, feltéve, hogy szemei és érzései nincsenek tele felületes tudással és véletlenszerű információkkal. Ha egy nagyszerű festményt nézel, tételezd fel, hogy a művész nagyon okos ember, próbálj meg figyelmesen hallgatni rá, mint ahogy egy intelligens felnőtt szakértőre hallgatnál, ha mondana neked valamit. Van egy történetet Ehrenburg arról, hogy Fadejev író a moszkvai Picasso-kiállításon azt mondta a művésznek, hogy a festmények képei számára, Fadejev számára érthetetlenek. Picasso megkérdezte tőle:
– gondolta Fadejev, és többé nem nyitotta ki a száját. Kedves polgárok! A világ vizuális kultúrája rendkívül gazdag különböző képekben. Az olvasáshoz meg kell próbálnia felismerni és összehasonlítani őket. Adjon hozzá legalább M-et és A-t. E tudomány nélkül nem fog sikerülni a vizuális képek megértése. Figyelembe véve, hogy a reneszánsz kultúra 70%-ban vizuális kultúra, megkockáztatja, hogy vademberek maradnak. Jaj, pontosan ez a helyzet. A képek nehezen olvashatók. Minden kép négy egymást követő értelmezésnek van kitéve. Dante hosszasan ír erről a Symposium és Thomas Aquinas című értekezésében. Dante és St. Thomas vannak:
1) a kép szó szerinti értelmezése, 2) allegorikus értelmezése, 3) morális és didaktikai értelmezése, 4) metafizikai.
De még ezen intelligens férfiak nélkül is ki kellett volna találnia magának, hogy néhány dolgot szó szerint kell érteni, van, amelyik átvitt értelemben, van, amelyik tanulságként, és van, amelyik általánosításként. A kép mindent összeköt. A kép szerves jelenség. Figyelnünk és tanulnunk kell.
De térjünk vissza Velasquezhez. "Breda átadása" festmény.
1. Tehát az értelmezés első szintje a kép szó szerinti értelmezése. Mi látható pontosan ezen a képen? A „Breda feladása” című festmény azt a pillanatot ábrázolja, amikor a spanyol parancsnok, Spinola megkapja a kulcsokat a holland Breda város helyőrségének parancsnokától. Katonák és tájkép, valamint két ló látható, az egyik ló pedig nagy, az előtérben, a kép negyedét lefedi és hátat fordít a nézőnek.
A lovak körben járnak, egyfajta tükörképet alkotva a kompozícióról. De az előtérben lévő ló éppen azért feltűnő, mert ő a kép hőse. A lónak ez a domináns pozíciója, és általában a ló jelentősége, ebben a kompozícióban egyértelműen eltúlozva, segíti a nézőt az értelmezés második – allegorikus – szintjére való átlépésben.
2. A kép értelmezésének második szintje allegorikus vagy szimbolikus. És ebben az esetben helyénvaló azt feltételezni, hogy Velazquez minden ostrom prototípusára gondolt - Trója ostromára -, és a trójai falót ábrázolta. És hogyan lehet, hogy egy értelmiségi (Velázquez volt az), aki egy hosszú ostromról beszél, nem emlékszik Trójára? És ha egy lovat ábrázolnak az előtérben, akkor (elnézést a nyerskedésért) bolondnak kell lenned, hogy ne gondolj a trójai falóra. A lovat élőben ábrázolják, nem fából. De aki érdeklődik a spanyol festészet iránt, annak El Greco „Laocoon” című festménye emlékezetes, ahol a trójai faló a kép közepén elevenen, pontosan ugyanabban a perspektívában és pontosan ugyanabban a színben van ábrázolva.
A „Laocoon” festmény 20 évvel a „Breda átadása” előtt készült, és most Velazquez festményének elemzése alapján állíthatom, hogy El Greco nemcsak Trójára, hanem a Spanyol Birodalomra is gondolt. gondoljon Breda elfogására – de erről alább. Egyelőre - Elgreek lovának Velazquez festményére gyakorolt hatásáról. Akár azt is mondhatnánk, hogy ez a ló az előtérben egy idézet El Greco festményéből. Ez azonban még nem minden. Mint kiderült, van egy története Breda ostromáról, amelyben a trójai faló motívumot nemcsak észrevették, hanem központi szerepet is kapott. Breda háromszor cserélt gazdát. 1590-ben, amikor Breda még a Habsburgok kezében volt, a holland katonák egy tőzeguszályon megbújva behatoltak a városba és bevették azt, megnyitva ezzel a holland hadsereg kapuit. Ezt a bravúrjukat maguk a hollandok és spanyolok is „trójai falónak” nevezték, és a város közepén egy fából készült bárkát állítottak fel, akárcsak egykor Trójában egy falovat. Ebben a témában dalok, himnuszok és érmek születtek. Breda, akárcsak a holland "trójai faló", ismertté vált a spanyolok körében. Az első dolog, amit Spinola parancsnok tett a város elfoglalása után, az volt, hogy felégett egy fából készült bárkát, amely a trójai győzelem szimbóluma. Mint látjuk, Velazquez festményén KÉT ló van; egyfajta trójai falvak várát ábrázolja, kifejezve azt az egyszerű gondolatot, hogy a katonai boldogság változékony. Velazquez azonban nem is sejtette, mennyire bölcs ebben a jelképben, mert néhány évvel azután, hogy ezt a Breda-képet megfestették, a hollandok újra elvitték a trójai falót - helyreállították fa uszályukat, és visszavitték a térre. A Velazquez által szó szerint és úgy ábrázolt trójai faló története, hogy jól látható, hogyan váltják fel egymást a trójai falók a katonai sikerek körtáncában, a cikkben olvasható, amelynek linkjét alább adom.
3. Az értelmezés harmadik szintje az erkölcsi. Ez az értelmezés nehéz aspektusa, hiszen Velázquez egyszerre szimbolista és realista. Irgalmat ír, de ír háborút, gyanakvást és fáradtságot is. Ez a megbékélésről szól. A Velazquez festményén szereplő pózok értelmezői azonban látták, hogy a művész a beleegyezés ábrázolására egy emblémát vett az olasz Alchato akkori híres emblémakönyvéből, amely az ajándékokat hozó danaánokat ábrázolta. A cikkhez linket is adok. Más szóval, itt megerősítik Trója és a trójai faló bukásának gondolatát, de azt is mondja, hogy a legyőzöttek ajándéka nem biztos, hogy teljesen őszinte, és ez az alázat és egyetértés rövid életű. Ne felejtsük el, hogy a trójai falók körben járnak. Amint az alábbiakból látjuk, Velazquez jósnak bizonyult: Breda városát ismét elfoglalták a hollandok. A trójai faló ismét belépett. Ennek a kompozíciónak az erkölcsi tanulsága, a didaktikai tanulsága: az egyesülés törékenysége, az irgalom törékenysége és sebezhetősége.
4. Az értelmezés negyedik szintje anagógiai, metafizikai. Ez a szint függ és nem is függ az összes korábbitól. A kép olvasásának ez a szintje túlmutat a történelmi konnotációkon, felülmúlja a szó szerinti, sőt allegorikus olvasatot. Ez a kép a szívek áthatolásáról szól, arról, hogy az ember sorsa változékony, hogy nincs se győztes, se vesztes, hanem mindent és mindenhol áthat a szeretet - a háború és a tüzek füstje tetején. Csak így lehet megérteni a képet a maga teljességében. Minden más, vulgáris és szó szerinti értelmezésnek nincs értelme.
Diego Velazquez – Breda átadása.
Létrehozás éve: 1634
La rendición de Breda o Las lanzas
Vászon, olaj.
Eredeti mérete: 307 × 367 cm
Prado Múzeum, Madrid
„Breda megadása” (spanyolul: La rendición de Breda vagy „A lándzsák”, Las lanzas) Diego Velazquez 1634-1635-ben festett képe. Azt a jelenetet ábrázolja, amikor 1625. június 5-én a holland Breda város kulcsait annak kormányzója, Justin Nassau átadta a spanyol csapatok főparancsnokának, Ambrosio Spinolának. A vászon második neve „Spears”, mivel a vászon közel egyharmadát a spanyol hadsereg lándzsáinak képe foglalja el, amelyek a kompozíció fontos részét képezik. A festmény a Pradóban van.
Diego Velazquez „Breda átadása” című festményének leírása
A tizenhetedik századi Spanyolország legtehetségesebb művésze, Diego Velazquez világhírű „Breda megadása” című festményének cselekménye a művész életében történt valós történelmi események alapján íródott. Ott, a Hollandiához közeli Észak-Brabant tartományban található Breda erődben írtak alá egy szenzációs kompromisszumot az akkoriban istenkáromlással vádolt II. Fülöp király vallási üldözéséről való lemondásról.
Ugyanez az erőd volt az 1618-48-as hosszú harmincéves háború során a térségben a hatalmi európai háborúk központja. Az erődítmény ezalatt sokszor került más kézbe, egészen a sokéves véres háború végéig és Negyedik Fülöp király trónra lépéséig. A vászon az ország számára fontos történelmi pillanatot ábrázol - a spanyol főparancsnok átvételét, akinek vezetésével a legtöbb lenyűgöző spanyol hódítás a harmincéves háború elején történt - Ambrosio Spinola - átvette a kulcsokat. a híres Breda erődhöz.
Aztán a harmincéves háború kezdetén az Egyesült Tartományok Köztársaságai ellen harcoló Spanyolország aratott nagy sikereket, aminek köszönhetően a holland területek nagy része Spanyolországhoz került. Ezenkívül ugyanezekben az években Spanyolország sikeresen ellenállt más európai országoknak, köztük Angliának és Portugáliának. Igaz, kicsit később az országot jelentősen meggyengítették a hosszú háborúk, és Spanyolországnak fel kellett adnia az akkori hódítások egy részét, köztük Hollandiát is.
A vásznat a mester 1635-ben készítette el - brutális véres csaták közepette, és az új kastély nagytermében készült, amely az akkori trónon álló Negyedik Fülöp királyé volt - Buen. Retiro.
A legendás 17. századi spanyol művész, Diego Velazquez híres festményét „Breda átadása” címmel ő festette 1635-ben, valós történelmi események alapján, amelyek élete során Európában történtek. Magát a festményt az akkor Spanyolországban uralkodó IV. Fülöp Buen Retiro király új palotájának úgynevezett nagytermébe szánták.
A képről:
A film cselekménye teljes egészében történelmi eseményeken alapult, a benne kibontakozó cselekmények pedig a holland Észak-Brabant tartományban található Breda erőd körüli akkori helyzethez kapcsolódnak. Ebben a városban írták alá a híres kompromisszumot a II. Fülöp király vallási üldöztetése elleni tiltakozásról, akit valójában istenkáromlással vádoltak.
A Breda-erőd volt az, amely az 1618-tól 1648-ig tartó, úgynevezett harmincéves háború során számos európai ország hadseregének a térségben való uralomért vívott küzdelmének központja volt. Ez alatt az idő alatt, amíg IV. Fülöp király nem lépett Spanyolország trónjára, Breda többször cserélt gazdát az ellenségeskedés során.
A harmincéves háború első éveiben a Hollandiai Egyesült Tartományok Köztársaság hadserege ellen harcoló spanyol csapatoknak sikerült egészen komoly sikereket elérniük, aminek eredményeként igen nagy számú holland területek Spanyolországhoz kerültek. Ráadásul ezek után Spanyolország sikeresen ellenállt a többi ellenfelének, köztük a briteknek és a portugáloknak.
A festmény azt a fontos pillanatot ábrázolja, amikor a bredai erőd kulcsait átadták Ambrosio Spinola spanyol főparancsnoknak, aki éppen olyan lenyűgöző sikereket tudott elérni hazája számára. Bár rövid idő elteltével Spanyolország gazdaságilag meggyengült a háború miatt, és számos hódítását fel kellett adnia, köztük Hollandiában.
A kép színei:
A festmény gazdag és intenzív színvilágú, de teljesen a művész szellemében, feltűnő, túl élénk színek használata nélkül. Ez a látványos vászon még mindig lenyűgözi a festészet készségét és a kép szépségét.
A festménynek egy másik neve is van - „Spears”. Velazquez előtt sokan ábrázoltak ilyen fegyvereket, de csak a hosszú lándzsákból álló palánkja tekinthető a háború valódi megszemélyesítésének.
D. Velazquez „Breda átadása” című festményének leírása
Diego Velazquez az igazság és a szépség örökké élő forrása, akinek legnagyobb öröksége egy egész korszakot nyit meg a realista festészetben, egy olyan alkotásban, amely örökké szívünkben és elménkben marad. Művei a humanizmus, a spanyol kultúra demokratikus hagyományaihoz való hűség és a hétköznapi emberek iránti szeretet gondolatait hordozzák. Elődeinél közvetlenebben és bátrabban fordult a valóság felé, kitágítva a festészet témáit, elősegítve benne a különböző műfajok fejlődését.
Különösen érdekel a történelmi harci festmény, a „Breda megadása”, amelyet 1634-1635 körül írt. A festmény egy kortárs és számára fontos történelmi témát ábrázol - a monarchikus Spanyolország és a köztársasági-burzsoá Hollandia közötti háború drámai epizódját, amikor a spanyol hadsereg meghódította Breda végvárát. Jelző, hogy a festő ezt a jelenetet nem az elfogadott ünnepélyességgel, a győztes oldal fenségével közvetítette: a festészetben megszokott csatajelenet szertartásos allegorikus értelmezését feladva a mester az emberség, emberség gondolata felé fordul. ; Velazquez megalapozta a realizmust a történelmi festészetben.
Ezt a munkát csodálva szerettem volna megérteni a művész szándékait, átérezni azt a nehéz korszakot, amelyben mesterként élt és dolgozott. Találja meg a választ a vászon szokatlan, innovatív, igazán merész megoldására. E kérdések megválaszolásához térjünk át arra a történelmi korszakra, amelyben ez a „korszakos és egyben annyira humánus” vászon keletkezett.
Velazquez művészetét korának kontextusában szemlélve azt láttam, hogy tehetsége milyen szervesen, természetesen fejlődött, kapcsolódik az olasz Rinascimento hagyományaihoz és a modern kor irányzataihoz. A madridi élet, amely lehetőséget adott Velazqueznek, hogy alaposan tanulmányozza a legértékesebb királyi gyűjteményeket - Raphael, Leonardo da Vinci, Tizian, Veronese és mások festményeit, közelséget a spanyol kulturális elittel, találkozásokat Rubensszel, aki 1628-ban Spanyolországba látogatott, és első olaszországi útja (1629-1631) hozzájárult művészi látókörének bővítéséhez és képességeinek fejlesztéséhez. De Diego más időben él, kortársai más kérdésekkel és megoldási módokkal néznek szembe. A művészek középpontjában továbbra is az emberek állnak. Megtestesülése specifikusabbá, érzelmileg és pszichológiailag összetettebbé válik. Feltárja a belső világ végtelen sokszínűségét és gazdagságát, a nemzeti vonások fényesebben és határozottabban jelennek meg. Ez az új ember tisztában van a társadalmi környezettől való függésével, sőt Spanyolországban az egyénről kiderült, hogy jobban kapcsolódik a környező társadalomhoz, amely még patriarchálisan monolitikus volt, és nem ismerte az individualizmus szélsőséges formáit, amelyek gyakran a reneszánsz korában nyilvánultak meg. Olaszország. Nem szabad megfeledkeznünk arról a tényről, hogy a spanyol művészet sajátosságát a következő tényezők befolyásolták: alig egy évszázaddal ezelőtt a művész élete előtt a Reconquista (a spanyol nép nemzeti felszabadító harca a mór hódítók ellen), amely az alapjait képezte népi kultúra, véget ért. Az ország az Újvilág felfedezése után virágkorát élte át, a gazdasági és politikai élet meggyengülésének és az abszolutizmus reakciós formájának létrejöttének idejét. A művészek ezért úgy tettek, mintha költői képzelőerejüket a valóságban kémlelték. Szigorú dogmatikai keretek között dolgozva a festők olyan nemzeti karakterjegyeket tudtak közvetíteni, mint az önbecsülés, a büszkeség és a személyes érdemekhez kapcsolódó becsület érzése. Az embert többnyire nemes, szigorú és fenséges aspektusban mutatják be. A mitológiai műfaj mellett önálló helyet foglal el a történelmi és hétköznapi műfaj, a portré, a tájkép és a csendélet Új társadalmi témakör jelenik meg. A rajz és a gravírozás sikeresen fejlődik. A mestereket vonzza az ember tragikus sorsa és a drámai konfliktusok témája. Mindezek a folyamatok hozzájárulnak ahhoz, hogy a 17. századra két irányvonal alakuljon ki a spanyol művészetben: az udvari-arisztokratikus, kifinomultan kifinomult, a „beavatottak” számára fájdalmasan törékeny művészet (manerizmus barokkal) és a nemzeti realista iskola (a hagyományok formálása). a baloldali vonal).
„Breda megadása” című festményén Velazquez elutasítja az események hamis dramatizálását, túlzásait és látványos bemutatását, levágva mindent, ami lényegtelen és szükségtelen, hogy behatoljon az emberi tapasztalatok mélységébe. Velazquezben nem találjuk az események helyét megmagyarázó, vagy a történések jelentőségét hangsúlyozó ősi isteneket, sem a katonai vezetőt koszorúval díszítő győzelem géniuszait; nincsenek allegorikus alakok, amelyek a győzteseket és a legyőzötteket jelképeznék. A művész „magát az Eseményt emeli az esemény rangjára”, a festő mintegy eltávolítja a túlzott ünnepélyesség patináját, és ezáltal feltárja mély emberi értelmét, ő alkotja meg az első „igazán történelmi képet Európa festészetében”. A mű udvari, szánalmas túlzásaitól, a barokk szabályaitól való eltérés valóban a legmagasabb elismerést érdemlő alkotó bravúr volt. A mester valóban megelőlegezte a jövő évszázadok festőit, szervesen ötvözve nemzeti spanyol művészetének hagyományait a realista irányzatokkal. Ehhez még hozzá kell tenni a festő legmagasabb fokú képességét, aki pontosan és őszintén tudta közvetíteni a történelmi eseményt.
Mindez meggyőzően szól Diego Velazquezről, mint egy még nem új stílus, hanem már egy tétel egyik alkotójáról (Caravaggio mellett), és a vásznára nézve bátran kijelenthetjük, hogy a korszak egyik legjobb alkotása. nem baloldali vonal, bár A művész ebben a művében a klasszikus hagyomány, sőt a barokk felé fordul.
Mint ismeretes, Velazquez előtt sokáig az volt az elképzelés, hogy a csatajeleneteket epikai-allegorikus interpretációs alkotásokként ábrázolják. Szigorú szabályok, szimbólumok és allegóriák egész rendszere voltak, amelyeket a művésznek szigorúan be kellett tartania. Így például a győztesek arcát arrogánsnak és diadalmasnak, míg a legyőzöttek arcát és gesztusait megalázottnak és szolgalelkűnek tartották. A festők igyekeztek a lehető legpompásabban és fantasztikusabban dicsőíteni uralkodóikat, közelebb hozva őket a mennyország lakóihoz. Velazquez úgy döntött, hogy alárendeli vásznát a fő gondolatnak: kifejezni a legyőzöttek iránti tiszteletet, és mindenekelőtt egy személyt látni a legyőzöttben - és ez ennek a műnek a fő humanista gondolata. Így nem a katonai művészetnek és a harcászatnak, hanem nagyrészt a győztes parancsnok jellemének nemességének készült emlékmű. A művész tiszteleg az ellenséges hadsereg előtt, egy kis holland nemzet előtt, amely szabadságáért harcol, és van bátorsága szembeszállni egy világhatalommal.
Ez a szerző művének újító bátorsága, és ez megerősíti, hogy egy kritikus, átmeneti időszakban íródott a reneszánsz ideálokról alkotott elképzelései és az újkor rideg valósága között.
Magát a festményt a festő készítette 1634-1635 körül. A bevehetetlen erődnek (Breda) tartott kapituláció emlékét kellett volna megörökítenie, és a spanyol királyi ház dicsőségét és legyőzhetetlenségét szimbolizálja, utalva a tíz évvel ezelőtti eseményekre a spanyol-holland háború történetéből. . Abban az időben a katonai szerencse a spanyol elnyomóknak kedvezett. A bevehetetlen erődítménynek sok hónapos ostrom után 1625-ben történt feladását széles körben a kor legnagyobb stratégiai vívmányaként emlegették. A munka vászonra, olajjal történik. A vászon méretei egyszerűen lenyűgözőek (307 x 367 cm). Ez a művész magas készségéről tanúskodik, hiszen pontos szemmel, hozzáértő rajzkészséggel kell rendelkeznie, és a kompozíció törvényei szerint kell vezérelnie, „a kép terének merészen és magabiztosan, egészben és gyönyörűen történő megszervezéséhez”. Ma nyilvánosan látható a Prado Múzeumban (Madrid).
A művész azt a pillanatot ábrázolta, amikor Justino Nassau kormányzója átadta a város kulcsait Ambrosio Spinola márki spanyol parancsnoknak. Azt is meg kell jegyezni, hogy a városkulcsok bemutatása az ellenséges hadsereg katonáinak egyet jelent: a város megadta magát. Ez a szokás azokban a távoli időkben született, amikor szinte minden európai város nagy vagy nem túl nagy erődítmény volt, amelyeket éjszakánként kulcsokkal zártak.
Diego Velazquez rengeteg portréképet készített, amelyek ereje a pszichológiai elemzés mélységében és a jellemzők pontos finomításában rejlik. A festő a portrékon nem hízelget a modelleknek, hanem mindegyiket egyéni egyediségében, nemzeti és társadalmi karakterében ábrázolja.
Ami a „Breda megadását” illeti, a művész módszerének eredetisége új tetőpontot ért el benne: a katonák egységes egységében igyekszik feltárni minden egyes ember lényeges jellemvonásait, szellemi és mentális felépítését a maguk összetettségében. és az ellentmondások. A mester a főszereplők helyes, pszichológiai jellemzőit adja meg. A festmény több portrét is tartalmaz: magáról a győztes Spinola portréja, esetleg magának a művésznek a portréja, aki nem volt jelen Breda átadásánál: önarcképét (kalapos fiatalember) helyezi el a kép jobb szélén. a kép) a spanyol hadsereg közösségében, és természetesen a harcoló felek második képviselője Justino látható. A művész a legegyszerűbb eszközökkel és technikákkal újrateremti az életet annak teljes igazságában, egyszerűségében és egyben varázsában – ez a rejtély, amely ma is ámulatba ejt bennünket. Mindkét hadsereg katonáiról festett portréit az ábrázolt fiziognómiák hűsége, az egyéni típus közvetítése, a nemzeti büszkeség kifejezése és a méltóság érzése jellemzi. A természet úgy tükröződik bennük, mint a tükörben; még csak árnyéka sincs bennük semmilyen konvenciónak. Így Spinola külső világi visszafogottsága mögött egyszerre érezhető a győzelem büszke tudata és természetének nemessége: udvariasan köszönti a legyőzötteket, tisztelegve a hollandok bátorsága és töretlen szelleme előtt. Nagyot sétálva, csupasz fejjel megy a nassaui győztes elé, úgy tűnik, letérdelni készül, átadja a kulcsokat, Spinola pedig leszállt a lóról, levette a kalapját, és kezét kinyújtva nem engedte a hollandot. térdel. Az igazi lovag eleganciájával jobb kezét a holland vállára teszi, baljában kalapját és marsallbotját tartja. A spanyol barátságosan üdvözli a parancsnokot. Úgy tűnik, a spanyol nem veszi észre, hogy von Nassau átadja neki a kulcsokat. Nyilvánvaló, hogy Spinola minden lehetséges módon aggódik, hogy ellenfelei a legcsekélyebb mértékben sem érzik a helyzet megaláztatását; nem legyőzött ellenségként kezeli von Nassaut, hanem éppen ellenkezőleg, olyan személyként, akitől irigylésre méltó helyzetében nem lehet megtagadni a rokonszenvet. A holland mozdulata egyértelmű átlót alkot, ezáltal kifejezi alárendelt helyzetét, a győztes mozdulatai pedig tele vannak udvariassággal és a legyőzöttek tiszteletével, a spanyol arca hétköznapi emberi érzéseket – az empátia és a tisztelet érzését – fejezi ki. Pózuk és gesztusaik indokoltak és természetesek. A holland izgatott és mélyen aggódik az esemény miatt, kissé védtelennek tűnik a képen, ezt az érzést a spanyol előtti bizonyos görnyedt helyzet és egy részlet közvetíti: a kalap lekerül, de Spinola is fedetlen fejjel áll. a tisztelet jeleként. Milyen más, katonai epizódot ábrázoló, 17. századi történelmi festményen hallani még annyi emberi hangot, amely megérinti a lelket! Ez egyértelműen az ellenség vitézsége iránti emberi tisztelet békés hangja. Két ember vonásait szemlélve világossá válik, hogy a humanista gondolat különbözteti meg „Breda megadását” a korábbi történelmi témájú művektől. Ez új, valami, ami Velazquez előtt nem létezett, ez az a tulajdonsága, amelyről felismeri a munkáját, a kreativitását.
Az is érdekes, hogy a két parancsnok öltözékében milyen mély különbség van: Justin menetelő, aranybarna öltönyben van, mentes a szertartásos fénytől; A Spinola fekete páncélba öltözött, amelyre rózsaszín sál van kötve - ez a kontraszt felfedi a köztük lévő különbségeket, és különleges ízt és valósághűséget ad a munkának. Ez is bizonyítja, hogy ez a mű egy fordulóponthoz, az új és a régi harcának idejéhez tartozik a spanyol társadalomban. Velazquez festményén már nem egy példamutató lovag viselkedését látjuk, hanem egy képletet a New Age embereinek kapcsolataira.
Lehetetlen nem azt mondani, hogy a holland Breda erőd kulcsainak átadása a spanyoloknak a kompozíció szemantikai és központi geometriai csomópontja. A „kép kulcsa” – anyagi értelemben is kulcs – sötét sziluettben, világos sokszögben van kiemelve a jelenetek szerepét játszó főalakjai között (a klasszicizmus művészi eszköze) - a teljes művészi tér. és a vászon integritása ehhez az átadási ceremóniához kötődik. Minden a középen lebegő kulcs körül forog, mintha valami rejtélyt rejtene magában, mintha az események további menete attól függne, mit és hogyan csinálnak vele. A kulcs az idő egyfajta hangvillájává változik. És ez is a New Age jele. A történések fő jelentése ebben a központban összpontosul, és a néző elsősorban erre figyel. És szinte minden szereplő figyelmét leköti a középpontban zajló események, amit a világítás és a légi perspektíva is hangsúlyoz. A figurák kompozíciójának, mozgásának „kulcsa” összeköti a kép bal és jobb oldalát (harcoló seregek), és egyben megteremti a tér mélységét. A koncepció szélességét hangsúlyozza a táj, amelyben a lángok és a tűz füstje tükröződése összeolvad a nyári reggel ezüstös ködével. Az emberek háta mögött feltáruló tájpanorámát nézve pedig észrevehető, ahogy a művész vázlatosan, vastag festékréteg nélkül reprodukál összetett és finom hatásokat, fokozva a kép térbeliségét. Az egész háttér mérhetetlen messzeségbe szorul: csak itt-ott látható egy közelmúltbeli csata nyoma, Breda bástyái könnyed ezüstös ködbe burkolóztak, de Velazquez pontosan közvetíti a környék jeleit – innovatív festő, egy érzi, hogy nem csak az eseményt, hanem a cselekmény helyszínét is őszintén akarja közvetíteni.
Mielőtt rátérnénk mindkét tábor leírására: a spanyol és a holland, megjegyezzük, hogy a középső átmeneti terv teljes hiánya (rés van az első tervek és a távolságok között), és a szereplők közel vannak a kép elülső síkjához, amely jelzi a művész ismeretét a klasszicizmus technikáiban (dombormű),
Mindkét katonacsoportot objektíven jellemzik, azonosítva mindegyikük nemzeti és társadalmi sajátosságaiban mutatkozó különbségeket. Arcuk portrészerű és egyben tipikus, ami felerősíti a történések jelentőségét, és egy kis eseményt valami történelmileg fontos dolog képévé varázsol.
A kép jobb oldalán a spanyolok szorosan, monolitikusan összebújva, győztesen felfelé irányított lándzsákkal, egy hatalmas erő képét hozva létre, amely a spanyol állam erejét hivatott bemutatni. A fegyverek egyetlen falat alkotnak, hátulról levágva a vászon elülső síkját (nem véletlen, hogy a festmény a „Spears” második nevet is viseli). látja a hivatásos spanyol hadsereg szervezettségében és fegyelmezettségében Büszke spanyol nagyságosokat páncélban: harcosokat hasonló ruhában, szinte egyenruhában. A spanyolok hasonló frizurával, bajusszal és kifinomult arckifejezéssel rendelkeznek. Szervezett formációt alkotnak, szorosan egymás mellett, egy összefüggő tömegként állnak. Diego pedig ügyesen gyengíti ezt a feszült helyet a ló farával, megőrizve ezzel a kép harmonikus szerkezetét. A spanyol katonák olyan sűrűn állnak, hogy az emberek akadályozzák egymást, a mögötte lévőket pedig fent állva ábrázolják.
A kép bal oldalán látható hollandok csoportja szabadabban és nyugodtabban helyezkedik el, szervezetlenségüket, spontaneitásukat a ruhák és pózok változatossága közvetíti. A város minden védelmezője egyéni: a pillanat jelentősége (kulcsátadás) ellenére a hollandok nem tartják be a katonai formációt: az egyik háttal áll a nézőnek, a másik oldalt, egy fehér ruhás fiatalember beszélget fegyvertárs, kalapot tesz a muskétájára. Más hollandok pedig önkényesen tartanak fegyvert. A téma értelmezése is újszerű volt: a legyőzött hollandok a kép bal oldalára koncentrálva ugyanolyan méltósággal jelennek meg, mint a győztesek - a spanyolok, sűrűbb tömegbe csoportosulva a kompozíció jobb oldalán, bányasorok hátterében. A helyőrségi milícia arca nem viseli magán a félelem és a csodálat bélyegét – éppen ellenkezőleg, valamiféle belső izgató tevékenység tölti el, az embereket élénken érdekli, mi történik. És bár lándzsáik és zászlóik meghajoltak az ellenség előtt, szabad pózokban és nyitott arcokban a szellem függetlenségének kifejezése dominál. Nem, a hollandok nem győztek le, nem veszítik el a szívüket. Ez észrevehető a pózukon és a mozgásuk természetén. Új harc áll előttünk! És ismét érezhető a spanyolok győzelmének mulandósága - a jövő egy új formáció embereié, akik új értékeket és eszméket vallanak. A festő elgondolkodtatja a nézőt a régi és az új ütközéséről, miközben a belső áramlás nem érzékelhető azonnal a képen, és úgy tűnik, hogy a festő nem foglalja el egyik oldal álláspontját sem. És erre csak egy igazi mester képes.
Velasquez a karakterek lehető legigazabb ábrázolására törekszik, a mester gondosan belenéz ellenfelei arcába, és mindenki iránt érezhető az őszinte érdeklődés. Minden „megvilágított” arc egyedi és egyben hasonlít egymáshoz. A művész a legcsodálatosabb portrékat készíti katonai vezetőkről és hétköznapi katonákról, és megérted, hogy személyiségek nőnek fel előttünk, gondolataikkal, álmaikkal és a legjobb reményeivel, de Diego Velazquez nem utánozza a barokk mestereket, nem törekszik kidobni. érzések tengere a vásznon - a művész csak természetes, valósághű mozgásokat közvetít az emberek lelkének és testének a fő akció ellentétes oldalán. És ismét megjelenik a képen az egyenlőség motívuma, egyesek másokkal szembeni felsőbbrendűségének tagadása. A szembetűnő portréhasonlóságon túl észrevehető egy közös vonás, amely a spanyol hadsereg egyfajta „test egységét” alkotja. Teljesen természetes módon a középpályáról az előtérbe való zökkenőmentes átmenet révén került elő, és betöltötte a történelmi jelenetet. Spinola is tett egy lépést serege felé, kivonult a történelmi rámpa frontvonalából, és ezáltal testi, erkölcsi és lelki egységre tett szert katonáival. Velazquez mesterien alkalmazta az antitézis technikáját a következő kategóriák szintjén: mozgás-pihenés, térfogat-síkság, meleg-hideg színek, valamilyen módon előnyben részesítve Hollandiát, ami a művészben egy látó ajándékát tárja fel, aki látta Hollandia jövőbeli hatalma. A legyőzött Justin de Nassau az, akit akcióban ábrázolnak – erősen és lassan halad előre, míg Spinola áll. A hollandok figurái terjedelmesek és anyagilag tapinthatóak, aktívan haladnak előre a világos és meleg színvilágnak köszönhetően (sárga-arany, fehér és zöld hangsúlyok), és szó szerint a néző valós terébe költöznek (a sárga figura a képen a kép széle). Ezen túlmenően pszichológiailag aktívak, ami mind az egyes személyek eseményekre adott reakcióinak individualizálásában, mind a nézőhöz való közvetlen fellebbezésben (egy zöld muskétával rendelkező férfi megjelenésében) fejeződik ki. Ugyanakkor a spanyol hadsereg sorai mélységben bevetésre kerülnek, a képsíktól elvonulni látszanak, fokozatosan ellaposodva, összeolvadva a lándzsás mintázat és az ég kékjének síkgrafikájával. Ezt a benyomást a kék és gyöngyház rózsaszín sötét és kifinomult hideg tónusainak vizuális „visszavonulása” is elősegíti. Szemünk láttára valóságos emberek fordulnak a freskó múltjába, a másolatok mítosza visszaszorul a feszesre szabott alabárd és a külsőre teljesen hatástalan muskéta valósága előtt, a győzelem vereségbe fordul.
És a csend pillanata a csatajelenetben már nem olyan váratlan: a közelgő változások érezhetők a levegőben (legalább emlékezzünk a belső áramlásra, amelyre fentebb szóltunk): az emberek figyelmesen hallgatják, próbálják megragadni ezeket a változásokat. És ezért olyan fontos Velazquez festményén a hallgatás motívuma - Nassau lapja, a parancsnok mögött fehér ruhás fiatalember, az ünnepélyesen megdermedt spanyol és elcsendesedő holland seregek, maguk az égiek, akik megálltak mozgásukban, közvetlenül erre szólítanak fel. , kifejező mozdulattal.
Diego Velazquez festményén a kompozíció rendkívül tiszta és tapintható. A központban a fő esemény - a kulcsok átadása. Sőt, két kulcsfigura mozgása alkotja, amelyek kontrasztja a körülöttük lévőkkel szemben olyan aktív, hogy a művész (a kompozíció integritásának megsértése érdekében) a művészet ritmusával „megállította” őket. lándzsák és a ló fara a kép jobb oldalán. A központot – a „kulcsot” – kettős jelenet veszi körül: parancsnokok és katonák alakjai segítségével (a klasszicizmus irányzata) hangsúlyt kap ez az epikus esemény. Ennek köszönhetően a kép minden elemének különleges harmóniája érhető el. De kompozíciós szempontból a kép két részre oszlik: a felső szabad, az alsót figurák foglalják el.
A képen szimmetrikus csoportok ritmusa is látható. A bal oldalon a holland hadsereg, a jobb oldalon a spanyol hadsereg, középen üres hely, szünet. Sőt, a bal és jobb oldali szimmetrikus csoportokon belül eltérő a ritmus jellege. A megfelelő csoport - a győztesek serege - olyan ritmussal rendelkezik, amely a szilárdság és az erő benyomását kelti. Ezt a benyomást erősíti a lándzsák természete és a ló fordulása az előtérben. A bal oldali legyőzött sereg ritmusa nagyobb töredezettség benyomását kelti a figurák, amelyek közelebb vannak az előtérhez, mint a jobb oldalon, nem sok figurát ábrázolnak. Ez egy kicsi és gyenge hadsereg benyomását kelti.
Elképesztő, ahogy a művésznek sikerült az egység, az egység pillanatát megteremtenie annak ellenére, hogy a seregek még mindig egészen mások. Az általánosítás pillanatát pontosan a központi részt körülvevő ritmuscsíkok segítségével érik el, és biztosítják a kép minden részének összekapcsolását.
Kompozíciós szempontból pedig ez a mű a New Age művészetének markáns példája, és nyugodtan a nem acél vonalnak tulajdonítható.
A festmény színvilága.
Diego Rodriguez de Silva Velazquez a valerie festészet egyik első mestere. Festményeinek szürke tónusai sok árnyalatban csillognak, a feketék pedig világosak és átlátszóak. A hollandok ruházatának élénk meleg színeit, a spanyolok hideg kékes-zöldét egyenletes ezüstös fény világítja meg, kora reggeli hangulatot teremtve, gazdag fény-levegő környezetet teremtve. A mesteri ecsetvonások változatosak: érdekesek a festék felvitelének módjai – a háttérben húzódó gyengéd, észrevehetetlen ecsetérintésektől az energikus vonásokig és a szabad bravúros vonásokig, amelyek az emberek ruhájának formáját és térfogatát formálják. A szín előnyei Velazquez festészetében a kompozíció tisztaságával és fenséges egyszerűségével, valamint az arányérzékkel ötvöződnek.
Velázquez szemének kifogástalan hűsége és kifinomult kifinomultsága lenyűgöző, hiszen tudja, hogyan élvezheti az előtér élénk színakkordjainak gazdagságát és mélységét. Ugyanakkor észrevesszük a legfinomabb reflexeket, amelyek kölcsönhatásba lépnek a féltónusokkal és a chiaroscuróval, ami fokozza az anyagiság átvitelét.
A festő rátér a levegőkörnyezet kialakításának problémájára: a tompa sötét árnyékok eltűnnek, éles vonalak, ezüstös fény és levegő szó szerint beborítja a figurákat. A kellemes szürke tónusok elnémítják a kép egyes színeinek fényerejét. A mélység soha nem látott érzete jelenik meg, a művész őszintén reprodukálja a holland levegő állapotát, amelyet a közeli tenger nedvessége tölt meg. Minden ékesszólóan beszél Velazquez vágyáról, hogy teljesebben és megbízhatóbban közvetítse a valóságot.
A kolorisztikus megoldás takarékos, de szokatlanul gazdag: néhány tónusra - feketére, sárgára, rózsaszínre és zöldre - épül, amelyet a sötétszürkétől a gyöngyházig változó erősségű, intenzitású és árnyalatú szürke egyesít, és ezek a különféle szürke foltok kötik össze a színeket. a kép egyes elemeit egyetlen kompozíciós egésszé.
Ezen a vászonon a nemes, hideg tónus dominál, amelyből csak elszigetelt sárga, fekete és világos fehér árnyalatok tűnnek fel. A hátteret hatalmas távolságnak érzékelik, amely elveszett a köd és tüzek reggeli ködében, amelyben két tábor emelkedik ki.
Figyeljük meg a tónusfoltok sajátos „játékát”: a tekintet Spinola sötét páncéljáról a ló farkára, majd tovább a holland hadsereg saját árnyékára irányul.
Lehetetlen nem csodálni Diego Velazquez rajzainak pontosságát és gazdagságát. A művész gondosan, ecsettel mintázza meg a képen látható szereplők arcát, kezét, ruháját. A figurák térfogata a színmegoldásoknak és a természetes környezetre jellemző számos természetes reflexnek köszönhetően alakul ki.
A művész aktívan használja a vonalat, melynek segítségével az emberek mozgását közvetíti. Például: a parancsnok mozgása kiemeli öltönyének keresztirányú ráncait, valamint lábainak helyzetét és törzsének irányát a kép jobb síkja felé.
A festő ügyesen megmintázza a kezeket: bennük érezhető a két főszereplő egymás felé irányuló természetes mozgása. Velazquez anatómiailag helyesen ábrázolja a szereplőket, bár testüket a ruha alá rejtik: Spinola kissé az egyik lábára támaszkodva áll a holland felé.
A sorok ritmusának köszönhetően sima, élénk mozgás jön létre, ami azt az érzést kelti, hogy a művésznek sikerült megragadnia egy rövid pillanatot, egy epizódot a hétköznapi életből.
A festő lágy, légies kontúrja nemcsak a tárgyak széleit rajzolja ki, hanem finoman görbülve, simán siklik, és sokszor egyszerűen eltűnik. Ez azt jelenti, hogy a mester „élő vonalat” használ, amely fokozza a további mozgásokat. Például a holland utazóruhája az előtérben.
A mester aktívan használja a chiaroscurot, segítségével a figurák elképesztő „természetességét” éri el, és mélységet ad a képnek. És ez Diego Velazquez kivételes tehetsége, aki képes átadni a valósághű látás lenyűgöző hatásait. Ez ismét megerősíti azt a tényt, hogy Diego művészként sok újítással járult hozzá a New Age művészetéhez. Örömteli látni azt is, hogy a szereplők figurái milyen határozottan és pontosan vannak megrajzolva, bizarr, de harmonikus mintát alkotva.
A „Breda átadása” című festményt megvizsgálva vitatható, hogy Velazquez munkásságában fejeződött ki legteljesebben a modern időkben keletkezett baloldali irányvonal. Ennek alapján Diego Velazquez munkáiban valósághű orientációjú festési technikákat alkalmaz (légi környezet, természetes fényre jellemző chiaroscuro, lágy reggeli megvilágítás harmonikus színmegoldása, kompozíció stb.), és ami a legfontosabb, ez a vászon megtestesíti a az emberek reményei annak ellenére, hogy az új, összetett világ számos problémája ellenére, amelyek az ember útján szembesülnek, a jó természeti kapcsolatok tönkretehetik azokat (érződik a kapcsolat a barokkal) - bátran állíthatjuk, hogy ez a vászon legteljesebben az újkor művészetével azonosult: mindenekelőtt extraacél vonallal, részben barokkal és klasszicizmussal.
Ami a művészi technikákat illeti, Velazquez olyan hozzáértően és pontosan használja őket ("faragó" formák, harmonikus közeli hangok, természetes mozgások és a kompozíció összetettsége), hogy ez a festmény joggal az első példa egy új vászonra - a történelmi realizmus vászonára. Célja, hogy a reneszánsz mesterei által „újra felfedezett” személyiség összetett érzéseit némi felfordulás idején őszintén közvetítse.
Túlzás nélkül elmondható, hogy Diego Velazquez munkája a valóság valósághű ábrázolása, amelyet mesterien testesített meg „Breda megadásában”.
Velazquez Breda adja meg magát festői
Bibliográfia
1. Alpatov M.V. "Hinted Legacy". M.: Oktatás, 1990.
2. „Reneszánsz. Barokk. Klasszicizmus. Stílusproblémák a nyugat-európai művészetben” szerkesztő Willer. M.: Nauka, 1966
3. „A külföldi művészet története”. A gondolatot szerkesztette: M.T. Kuzmina, N.L. Maltseva, M.: 1980.
4. Jose Ortega y Gasset „Bevezetés Velazquezbe” Ford. spanyolból Lysenko E.S. Petrov M.:, 1991.
D. Velazquez „Breda átadása” című festményének leírása
Diego Velazquez az igazság és a szépség örökké élő forrása, akinek legnagyobb öröksége egy egész korszakot nyit meg a realista festészetben, egy olyan alkotásban, amely örökké szívünkben és elménkben marad. Művei a humanizmus, a spanyol kultúra demokratikus hagyományaihoz való hűség és a hétköznapi emberek iránti szeretet gondolatait hordozzák. Elődeinél közvetlenebben és bátrabban fordult a valóság felé, kitágítva a festészet témáit, elősegítve benne a különböző műfajok fejlődését.
Különösen érdekel a történelmi harci festmény, a „Breda megadása”, amelyet 1634-1635 körül írt. A festmény egy kortárs és számára fontos történelmi témát ábrázol - a monarchikus Spanyolország és a köztársasági-burzsoá Hollandia közötti háború drámai epizódját, amikor a spanyol hadsereg meghódította Breda végvárát. Jelző, hogy a festő ezt a jelenetet nem az elfogadott ünnepélyességgel, a győztes oldal fenségével közvetítette: a festészetben megszokott csatajelenet szertartásos allegorikus értelmezését feladva a mester az emberség, emberség gondolata felé fordul. ; Velazquez megalapozta a realizmust a történelmi festészetben.
Ezt a munkát csodálva szerettem volna megérteni a művész szándékait, átérezni azt a nehéz korszakot, amelyben mesterként élt és dolgozott. Találja meg a választ a vászon szokatlan, innovatív, igazán merész megoldására. E kérdések megválaszolásához térjünk át arra a történelmi korszakra, amelyben ez a „korszakos és egyben annyira humánus” vászon keletkezett.
Velazquez művészetét korának kontextusában szemlélve azt láttam, hogy tehetsége milyen szervesen, természetesen fejlődött, kapcsolódik az olasz Rinascimento hagyományaihoz és a modern kor irányzataihoz. A madridi élet, amely lehetőséget adott Velazqueznek, hogy alaposan tanulmányozza a legértékesebb királyi gyűjteményeket - Raphael, Leonardo da Vinci, Tizian, Veronese és mások festményeit, közelséget a spanyol kulturális elittel, találkozásokat Rubensszel, aki 1628-ban Spanyolországba látogatott, és első olaszországi útja (1629-1631) hozzájárult művészi látókörének bővítéséhez és képességeinek fejlesztéséhez. De Diego más időben él, kortársai más kérdésekkel és megoldási módokkal néznek szembe. A művészek középpontjában továbbra is az emberek állnak. Megtestesülése specifikusabbá, érzelmileg és pszichológiailag összetettebbé válik. Feltárja a belső világ végtelen sokszínűségét és gazdagságát, a nemzeti vonások fényesebben és határozottabban jelennek meg. Ez az új ember tisztában van a társadalmi környezettől való függésével, sőt Spanyolországban az egyénről kiderült, hogy jobban kapcsolódik a környező társadalomhoz, amely még patriarchálisan monolitikus volt, és nem ismerte az individualizmus szélsőséges formáit, amelyek gyakran a reneszánsz korában nyilvánultak meg. Olaszország. Nem szabad megfeledkeznünk arról a tényről, hogy a spanyol művészet sajátosságát a következő tényezők befolyásolták: alig egy évszázaddal ezelőtt a művész élete előtt a Reconquista (a spanyol nép nemzeti felszabadító harca a mór hódítók ellen), amely az alapjait képezte népi kultúra, véget ért. Az ország az Újvilág felfedezése után virágkorát élte át, a gazdasági és politikai élet meggyengülésének és az abszolutizmus reakciós formájának létrejöttének idejét. A művészek ezért úgy tettek, mintha költői képzelőerejüket a valóságban kémlelték. Szigorú dogmatikai keretek között dolgozva a festők olyan nemzeti karakterjegyeket tudtak közvetíteni, mint az önbecsülés, a büszkeség és a személyes érdemekhez kapcsolódó becsület érzése. Az embert többnyire nemes, szigorú és fenséges aspektusban mutatják be. A mitológiai műfaj mellett önálló helyet foglal el a történelmi és hétköznapi műfaj, a portré, a tájkép és a csendélet Új társadalmi témakör jelenik meg. A rajz és a gravírozás sikeresen fejlődik. A mestereket vonzza az ember tragikus sorsa és a drámai konfliktusok témája. Mindezek a folyamatok hozzájárulnak ahhoz, hogy a 17. századra két irányvonal alakuljon ki a spanyol művészetben: az udvari-arisztokratikus, kifinomultan kifinomult, a „beavatottak” számára fájdalmasan törékeny művészet (manerizmus barokkal) és a nemzeti realista iskola (a hagyományok formálása). a baloldali vonal).
„Breda megadása” című festményén Velazquez elutasítja az események hamis dramatizálását, túlzásait és látványos bemutatását, levágva mindent, ami lényegtelen és szükségtelen, hogy behatoljon az emberi tapasztalatok mélységébe. Velazquezben nem találjuk az események helyét megmagyarázó, vagy a történések jelentőségét hangsúlyozó ősi isteneket, sem a katonai vezetőt koszorúval díszítő győzelem géniuszait; nincsenek allegorikus alakok, amelyek a győzteseket és a legyőzötteket jelképeznék. A művész „magát az Eseményt emeli az esemény rangjára”, a festő mintegy eltávolítja a túlzott ünnepélyesség patináját, és ezáltal feltárja mély emberi értelmét, ő alkotja meg az első „igazán történelmi képet Európa festészetében”. A mű udvari, szánalmas túlzásaitól, a barokk szabályaitól való eltérés valóban a legmagasabb elismerést érdemlő alkotó bravúr volt. A mester valóban megelőlegezte a jövő évszázadok festőit, szervesen ötvözve nemzeti spanyol művészetének hagyományait a realista irányzatokkal. Ehhez még hozzá kell tenni a festő legmagasabb fokú képességét, aki pontosan és őszintén tudta közvetíteni a történelmi eseményt.
Mindez meggyőzően szól Diego Velazquezről, mint egy még nem új stílus, hanem már egy tétel egyik alkotójáról (Caravaggio mellett), és a vásznára nézve bátran kijelenthetjük, hogy a korszak egyik legjobb alkotása. nem baloldali vonal, bár A művész ebben a művében a klasszikus hagyomány, sőt a barokk felé fordul.
Mint ismeretes, Velazquez előtt sokáig az volt az elképzelés, hogy a csatajeleneteket epikai-allegorikus interpretációs alkotásokként ábrázolják. Szigorú szabályok, szimbólumok és allegóriák egész rendszere voltak, amelyeket a művésznek szigorúan be kellett tartania. Így például a győztesek arcát arrogánsnak és diadalmasnak, míg a legyőzöttek arcát és gesztusait megalázottnak és szolgalelkűnek tartották. A festők igyekeztek a lehető legpompásabban és fantasztikusabban dicsőíteni uralkodóikat, közelebb hozva őket a mennyország lakóihoz. Velazquez úgy döntött, hogy alárendeli vásznát a fő gondolatnak: kifejezni a legyőzöttek iránti tiszteletet, és mindenekelőtt egy személyt látni a legyőzöttben - és ez ennek a műnek a fő humanista gondolata. Így nem a katonai művészetnek és a harcászatnak, hanem nagyrészt a győztes parancsnok jellemének nemességének készült emlékmű. A művész tiszteleg az ellenséges hadsereg előtt, egy kis holland nemzet előtt, amely szabadságáért harcol, és van bátorsága szembeszállni egy világhatalommal.
Ez a szerző művének újító bátorsága, és ez megerősíti, hogy egy kritikus, átmeneti időszakban íródott a reneszánsz ideálokról alkotott elképzelései és az újkor rideg valósága között.
Magát a festményt a festő készítette 1634-1635 körül. A bevehetetlen erődnek (Breda) tartott kapituláció emlékét kellett volna megörökítenie, és a spanyol királyi ház dicsőségét és legyőzhetetlenségét szimbolizálja, utalva a tíz évvel ezelőtti eseményekre a spanyol-holland háború történetéből. . Abban az időben a katonai szerencse a spanyol elnyomóknak kedvezett. A bevehetetlen erődítménynek sok hónapos ostrom után 1625-ben történt feladását széles körben a kor legnagyobb stratégiai vívmányaként emlegették. A munka vászonra, olajjal történik. A vászon méretei egyszerűen lenyűgözőek (307 x 367 cm). Ez a művész magas készségéről tanúskodik, hiszen pontos szemmel, hozzáértő rajzkészséggel kell rendelkeznie, és a kompozíció törvényei szerint kell vezérelnie, „a kép terének merészen és magabiztosan, egészben és gyönyörűen történő megszervezéséhez”. Ma nyilvánosan látható a Prado Múzeumban (Madrid).
A művész azt a pillanatot ábrázolta, amikor Justino Nassau kormányzója átadta a város kulcsait Ambrosio Spinola márki spanyol parancsnoknak. Azt is meg kell jegyezni, hogy a városkulcsok bemutatása az ellenséges hadsereg katonáinak egyet jelent: a város megadta magát. Ez a szokás azokban a távoli időkben született, amikor szinte minden európai város nagy vagy nem túl nagy erődítmény volt, amelyeket éjszakánként kulcsokkal zártak.
Diego Velazquez rengeteg portréképet készített, amelyek ereje a pszichológiai elemzés mélységében és a jellemzők pontos finomításában rejlik. A festő a portrékon nem hízelget a modelleknek, hanem mindegyiket egyéni egyediségében, nemzeti és társadalmi karakterében ábrázolja.
Ami a „Breda megadását” illeti, a művész módszerének eredetisége új tetőpontot ért el benne: a katonák egységes egységében igyekszik feltárni minden egyes ember lényeges jellemvonásait, szellemi és mentális felépítését a maguk összetettségében. és az ellentmondások. A mester a főszereplők helyes, pszichológiai jellemzőit adja meg. A festmény több portrét is tartalmaz: magáról a győztes Spinola portréja, esetleg magának a művésznek a portréja, aki nem volt jelen Breda átadásánál: önarcképét (kalapos fiatalember) helyezi el a kép jobb szélén. a kép) a spanyol hadsereg közösségében, és természetesen a harcoló felek második képviselője Justino látható. A művész a legegyszerűbb eszközökkel és technikákkal újrateremti az életet annak teljes igazságában, egyszerűségében és egyben varázsában – ez a rejtély, amely ma is ámulatba ejt bennünket. Mindkét hadsereg katonáiról festett portréit az ábrázolt fiziognómiák hűsége, az egyéni típus közvetítése, a nemzeti büszkeség kifejezése és a méltóság érzése jellemzi. A természet úgy tükröződik bennük, mint a tükörben; még csak árnyéka sincs bennük semmilyen konvenciónak. Így Spinola külső világi visszafogottsága mögött egyszerre érezhető a győzelem büszke tudata és természetének nemessége: udvariasan köszönti a legyőzötteket, tisztelegve a hollandok bátorsága és töretlen szelleme előtt. Nagyot sétálva, csupasz fejjel megy a nassaui győztes elé, úgy tűnik, letérdelni készül, átadja a kulcsokat, Spinola pedig leszállt a lóról, levette a kalapját, és kezét kinyújtva nem engedte a hollandot. térdel. Az igazi lovag eleganciájával jobb kezét a holland vállára teszi, baljában kalapját és marsallbotját tartja. A spanyol barátságosan üdvözli a parancsnokot. Úgy tűnik, a spanyol nem veszi észre, hogy von Nassau átadja neki a kulcsokat. Nyilvánvaló, hogy Spinola minden lehetséges módon aggódik, hogy ellenfelei a legcsekélyebb mértékben sem érzik a helyzet megaláztatását; nem legyőzött ellenségként kezeli von Nassaut, hanem éppen ellenkezőleg, olyan személyként, akitől irigylésre méltó helyzetében nem lehet megtagadni a rokonszenvet. A holland mozdulata egyértelmű átlót alkot, ezáltal kifejezi alárendelt helyzetét, a győztes mozdulatai pedig tele vannak udvariassággal és a legyőzöttek tiszteletével, a spanyol arca hétköznapi emberi érzéseket – az empátia és a tisztelet érzését – fejezi ki. Pózuk és gesztusaik indokoltak és természetesek. A holland izgatott és mélyen aggódik az esemény miatt, kissé védtelennek tűnik a képen, ezt az érzést a spanyol előtti bizonyos görnyedt helyzet és egy részlet közvetíti: a kalap lekerül, de Spinola is fedetlen fejjel áll. a tisztelet jeleként. Milyen más, katonai epizódot ábrázoló, 17. századi történelmi festményen hallani még annyi emberi hangot, amely megérinti a lelket! Ez egyértelműen az ellenség vitézsége iránti emberi tisztelet békés hangja. Két ember vonásait szemlélve világossá válik, hogy a humanista gondolat különbözteti meg „Breda megadását” a korábbi történelmi témájú művektől. Ez új, valami, ami Velazquez előtt nem létezett, ez az a tulajdonsága, amelyről felismeri a munkáját, a kreativitását.
Az is érdekes, hogy a két parancsnok öltözékében milyen mély különbség van: Justin menetelő, aranybarna öltönyben van, mentes a szertartásos fénytől; A Spinola fekete páncélba öltözött, amelyre rózsaszín sál van kötve - ez a kontraszt felfedi a köztük lévő különbségeket, és különleges ízt és valósághűséget ad a munkának. Ez is bizonyítja, hogy ez a mű egy fordulóponthoz, az új és a régi harcának idejéhez tartozik a spanyol társadalomban. Velazquez festményén már nem egy példamutató lovag viselkedését látjuk, hanem egy képletet a New Age embereinek kapcsolataira.
Lehetetlen nem azt mondani, hogy a holland Breda erőd kulcsainak átadása a spanyoloknak a kompozíció szemantikai és központi geometriai csomópontja. A „kép kulcsa” – anyagi értelemben is kulcs – sötét sziluettben, világos sokszögben van kiemelve a jelenetek szerepét játszó főalakjai között (a klasszicizmus művészi eszköze) - a teljes művészi tér. és a vászon integritása ehhez az átadási ceremóniához kötődik. Minden a középen lebegő kulcs körül forog, mintha valami rejtélyt rejtene magában, mintha az események további menete attól függne, mit és hogyan csinálnak vele. A kulcs az idő egyfajta hangvillájává változik. És ez is a New Age jele. A történések fő jelentése ebben a központban összpontosul, és a néző elsősorban erre figyel. És szinte minden szereplő figyelmét leköti a középpontban zajló események, amit a világítás és a légi perspektíva is hangsúlyoz. A figurák kompozíciójának, mozgásának „kulcsa” összeköti a kép bal és jobb oldalát (harcoló seregek), és egyben megteremti a tér mélységét. A koncepció szélességét hangsúlyozza a táj, amelyben a lángok és a tűz füstje tükröződése összeolvad a nyári reggel ezüstös ködével. Az emberek háta mögött feltáruló tájpanorámát nézve pedig észrevehető, ahogy a művész vázlatosan, vastag festékréteg nélkül reprodukál összetett és finom hatásokat, fokozva a kép térbeliségét. Az egész háttér mérhetetlen messzeségbe szorul: csak itt-ott látható egy közelmúltbeli csata nyoma, Breda bástyái könnyed ezüstös ködbe burkolóztak, de Velazquez pontosan közvetíti a környék jeleit – innovatív festő, egy érzi, hogy nem csak az eseményt, hanem a cselekmény helyszínét is őszintén akarja közvetíteni.
Mielőtt rátérnénk mindkét tábor leírására: a spanyol és a holland, megjegyezzük, hogy a középső átmeneti terv teljes hiánya (rés van az első tervek és a távolságok között), és a szereplők közel vannak a kép elülső síkjához, amely jelzi a művész ismeretét a klasszicizmus technikáiban (dombormű),
Mindkét katonacsoportot objektíven jellemzik, azonosítva mindegyikük nemzeti és társadalmi sajátosságaiban mutatkozó különbségeket. Arcuk portrészerű és egyben tipikus, ami felerősíti a történések jelentőségét, és egy kis eseményt valami történelmileg fontos dolog képévé varázsol.
A kép jobb oldalán a spanyolok szorosan, monolitikusan összebújva, győztesen felfelé irányított lándzsákkal, egy hatalmas erő képét hozva létre, amely a spanyol állam erejét hivatott bemutatni. A fegyverek egyetlen falat alkotnak, hátulról levágva a vászon elülső síkját (nem véletlen, hogy a festmény a „Spears” második nevet is viseli). látja a hivatásos spanyol hadsereg szervezettségében és fegyelmezettségében Büszke spanyol nagyságosokat páncélban: harcosokat hasonló ruhában, szinte egyenruhában. A spanyolok hasonló frizurával, bajusszal és kifinomult arckifejezéssel rendelkeznek. Szervezett formációt alkotnak, szorosan egymás mellett, egy összefüggő tömegként állnak. Diego pedig ügyesen gyengíti ezt a feszült helyet a ló farával, megőrizve ezzel a kép harmonikus szerkezetét. A spanyol katonák olyan sűrűn állnak, hogy az emberek akadályozzák egymást, a mögötte lévőket pedig fent állva ábrázolják.
A kép bal oldalán látható hollandok csoportja szabadabban és nyugodtabban helyezkedik el, szervezetlenségüket, spontaneitásukat a ruhák és pózok változatossága közvetíti. A város minden védelmezője egyéni: a pillanat jelentősége (kulcsátadás) ellenére a hollandok nem tartják be a katonai formációt: az egyik háttal áll a nézőnek, a másik oldalt, egy fehér ruhás fiatalember beszélget fegyvertárs, kalapot tesz a muskétájára. Más hollandok pedig önkényesen tartanak fegyvert. A téma értelmezése is újszerű volt: a legyőzött hollandok a kép bal oldalára koncentrálva ugyanolyan méltósággal jelennek meg, mint a győztesek - a spanyolok, sűrűbb tömegbe csoportosulva a kompozíció jobb oldalán, bányasorok hátterében. A helyőrségi milícia arca nem viseli magán a félelem és a csodálat bélyegét – éppen ellenkezőleg, valamiféle belső izgató tevékenység tölti el, az embereket élénken érdekli, mi történik. És bár lándzsáik és zászlóik meghajoltak az ellenség előtt, szabad pózokban és nyitott arcokban a szellem függetlenségének kifejezése dominál. Nem, a hollandok nem győztek le, nem veszítik el a szívüket. Ez észrevehető a pózukon és a mozgásuk természetén. Új harc áll előttünk! És ismét érezhető a spanyolok győzelmének mulandósága - a jövő egy új formáció embereié, akik új értékeket és eszméket vallanak. A festő elgondolkodtatja a nézőt a régi és az új ütközéséről, miközben a belső áramlás nem érzékelhető azonnal a képen, és úgy tűnik, hogy a festő nem foglalja el egyik oldal álláspontját sem. És erre csak egy igazi mester képes.
Velasquez a karakterek lehető legigazabb ábrázolására törekszik, a mester gondosan belenéz ellenfelei arcába, és mindenki iránt érezhető az őszinte érdeklődés. Minden „megvilágított” arc egyedi és egyben hasonlít egymáshoz. A művész a legcsodálatosabb portrékat készíti katonai vezetőkről és hétköznapi katonákról, és megérted, hogy személyiségek nőnek fel előttünk, gondolataikkal, álmaikkal és a legjobb reményeivel, de Diego Velazquez nem utánozza a barokk mestereket, nem törekszik kidobni. érzések tengere a vásznon - a művész csak természetes, valósághű mozgásokat közvetít az emberek lelkének és testének a fő akció ellentétes oldalán. És ismét megjelenik a képen az egyenlőség motívuma, egyesek másokkal szembeni felsőbbrendűségének tagadása. A szembetűnő portréhasonlóságon túl észrevehető egy közös vonás, amely a spanyol hadsereg egyfajta „test egységét” alkotja. Teljesen természetes módon a középpályáról az előtérbe való zökkenőmentes átmenet révén került elő, és betöltötte a történelmi jelenetet. Spinola is tett egy lépést serege felé, kivonult a történelmi rámpa frontvonalából, és ezáltal testi, erkölcsi és lelki egységre tett szert katonáival. Velazquez mesterien alkalmazta az antitézis technikáját a következő kategóriák szintjén: mozgás-pihenés, térfogat-síkság, meleg-hideg színek, valamilyen módon előnyben részesítve Hollandiát, ami a művészben egy látó ajándékát tárja fel, aki látta Hollandia jövőbeli hatalma. A legyőzött Justin de Nassau az, akit akcióban ábrázolnak – erősen és lassan halad előre, míg Spinola áll. A hollandok figurái terjedelmesek és anyagilag tapinthatóak, aktívan haladnak előre a világos és meleg színvilágnak köszönhetően (sárga-arany, fehér és zöld hangsúlyok), és szó szerint a néző valós terébe költöznek (a sárga figura a képen a kép széle). Ezen túlmenően pszichológiailag aktívak, ami mind az egyes személyek eseményekre adott reakcióinak individualizálásában, mind a nézőhöz való közvetlen fellebbezésben (egy zöld muskétával rendelkező férfi megjelenésében) fejeződik ki. Ugyanakkor a spanyol hadsereg sorai mélységben bevetésre kerülnek, a képsíktól elvonulni látszanak, fokozatosan ellaposodva, összeolvadva a lándzsás mintázat és az ég kékjének síkgrafikájával. Ezt a benyomást a kék és gyöngyház rózsaszín sötét és kifinomult hideg tónusainak vizuális „visszavonulása” is elősegíti. Szemünk láttára valóságos emberek fordulnak a freskó múltjába, a másolatok mítosza visszaszorul a feszesre szabott alabárd és a külsőre teljesen hatástalan muskéta valósága előtt, a győzelem vereségbe fordul.
Diego Velazquez festményén a kompozíció rendkívül tiszta és tapintható. A központban a fő esemény - a kulcsok átadása. Sőt, két kulcsfigura mozgása alkotja, amelyek kontrasztja a körülöttük lévőkkel szemben olyan aktív, hogy a művész (a kompozíció integritásának megsértése érdekében) a művészet ritmusával „megállította” őket. lándzsák és a ló fara a kép jobb oldalán. A központot – a „kulcsot” – kettős jelenet veszi körül: parancsnokok és katonák alakjai segítségével (a klasszicizmus irányzata) hangsúlyt kap ez az epikus esemény. Ennek köszönhetően a kép minden elemének különleges harmóniája érhető el. De kompozíciós szempontból a kép két részre oszlik: a felső szabad, az alsót figurák foglalják el.
A képen szimmetrikus csoportok ritmusa is látható. A bal oldalon a holland hadsereg, a jobb oldalon a spanyol hadsereg, középen üres hely, szünet. Sőt, a bal és jobb oldali szimmetrikus csoportokon belül eltérő a ritmus jellege. A megfelelő csoport - a győztesek serege - olyan ritmussal rendelkezik, amely a szilárdság és az erő benyomását kelti. Ezt a benyomást erősíti a lándzsák természete és a ló fordulása az előtérben. A bal oldali legyőzött sereg ritmusa nagyobb töredezettség benyomását kelti a figurák, amelyek közelebb vannak az előtérhez, mint a jobb oldalon, nem sok figurát ábrázolnak. Ez egy kicsi és gyenge hadsereg benyomását kelti.
Elképesztő, ahogy a művésznek sikerült az egység, az egység pillanatát megteremtenie annak ellenére, hogy a seregek még mindig egészen mások. Az általánosítás pillanatát pontosan a központi részt körülvevő ritmuscsíkok segítségével érik el, és biztosítják a kép minden részének összekapcsolását.
Kompozíciós szempontból pedig ez a mű a New Age művészetének markáns példája, és nyugodtan a nem acél vonalnak tulajdonítható.
A festmény színvilága.
Diego Rodriguez de Silva Velazquez a valerie festészet egyik első mestere. Festményeinek szürke tónusai sok árnyalatban csillognak, a feketék pedig világosak és átlátszóak. A hollandok ruházatának élénk meleg színeit, a spanyolok hideg kékes-zöldét egyenletes ezüstös fény világítja meg, kora reggeli hangulatot teremtve, gazdag fény-levegő környezetet teremtve. A mesteri ecsetvonások változatosak: érdekesek a festék felvitelének módjai – a háttérben húzódó gyengéd, észrevehetetlen ecsetérintésektől az energikus vonásokig és a szabad bravúros vonásokig, amelyek az emberek ruhájának formáját és térfogatát formálják. A szín előnyei Velazquez festészetében a kompozíció tisztaságával és fenséges egyszerűségével, valamint az arányérzékkel ötvöződnek.
Velázquez szemének kifogástalan hűsége és kifinomult kifinomultsága lenyűgöző, hiszen tudja, hogyan élvezheti az előtér élénk színakkordjainak gazdagságát és mélységét. Ugyanakkor észrevesszük a legfinomabb reflexeket, amelyek kölcsönhatásba lépnek a féltónusokkal és a chiaroscuróval, ami fokozza az anyagiság átvitelét.
A festő rátér a levegőkörnyezet kialakításának problémájára: a tompa sötét árnyékok eltűnnek, éles vonalak, ezüstös fény és levegő szó szerint beborítja a figurákat. A kellemes szürke tónusok elnémítják a kép egyes színeinek fényerejét. A mélység soha nem látott érzete jelenik meg, a művész őszintén reprodukálja a holland levegő állapotát, amelyet a közeli tenger nedvessége tölt meg. Minden ékesszólóan beszél Velazquez vágyáról, hogy teljesebben és megbízhatóbban közvetítse a valóságot.
A kolorisztikus megoldás takarékos, de szokatlanul gazdag: néhány tónusra - feketére, sárgára, rózsaszínre és zöldre - épül, amelyet a sötétszürkétől a gyöngyházig változó erősségű, intenzitású és árnyalatú szürke egyesít, és ezek a különféle szürke foltok kötik össze a színeket. a kép egyes elemeit egyetlen kompozíciós egésszé.
Ezen a vászonon a nemes, hideg tónus dominál, amelyből csak elszigetelt sárga, fekete és világos fehér árnyalatok tűnnek fel. A hátteret hatalmas távolságnak érzékelik, amely elveszett a köd és tüzek reggeli ködében, amelyben két tábor emelkedik ki.
Figyeljük meg a tónusfoltok sajátos „játékát”: a tekintet Spinola sötét páncéljáról a ló farkára, majd tovább a holland hadsereg saját árnyékára irányul.
Lehetetlen nem csodálni Diego Velazquez rajzainak pontosságát és gazdagságát. A művész gondosan, ecsettel mintázza meg a képen látható szereplők arcát, kezét, ruháját. A figurák térfogata a színmegoldásoknak és a természetes környezetre jellemző számos természetes reflexnek köszönhetően alakul ki.
A művész aktívan használja a vonalat, melynek segítségével az emberek mozgását közvetíti. Például: a parancsnok mozgása kiemeli öltönyének keresztirányú ráncait, valamint lábainak helyzetét és törzsének irányát a kép jobb síkja felé.
A festő ügyesen megmintázza a kezeket: bennük érezhető a két főszereplő egymás felé irányuló természetes mozgása. Velazquez anatómiailag helyesen ábrázolja a szereplőket, bár testüket a ruha alá rejtik: Spinola kissé az egyik lábára támaszkodva áll a holland felé.
A sorok ritmusának köszönhetően sima, élénk mozgás jön létre, ami azt az érzést kelti, hogy a művésznek sikerült megragadnia egy rövid pillanatot, egy epizódot a hétköznapi életből.
A festő lágy, légies kontúrja nemcsak a tárgyak széleit rajzolja ki, hanem finoman görbülve, simán siklik, és sokszor egyszerűen eltűnik. Ez azt jelenti, hogy a mester „élő vonalat” használ, amely fokozza a további mozgásokat. Például a holland utazóruhája az előtérben.
A mester aktívan használja a chiaroscurot, segítségével a figurák elképesztő „természetességét” éri el, és mélységet ad a képnek. És ez Diego Velazquez kivételes tehetsége, aki képes átadni a valósághű látás lenyűgöző hatásait. Ez ismét megerősíti azt a tényt, hogy Diego művészként sok újítással járult hozzá a New Age művészetéhez. Örömteli látni azt is, hogy a szereplők figurái milyen határozottan és pontosan vannak megrajzolva, bizarr, de harmonikus mintát alkotva.
A „Breda átadása” című festményt megvizsgálva vitatható, hogy Velazquez munkásságában fejeződött ki legteljesebben a modern időkben keletkezett baloldali irányvonal. Ennek alapján Diego Velazquez munkáiban valósághű orientációjú festési technikákat alkalmaz (légi környezet, természetes fényre jellemző chiaroscuro, lágy reggeli megvilágítás harmonikus színmegoldása, kompozíció stb.), és ami a legfontosabb, ez a vászon megtestesíti a az emberek reményei annak ellenére, hogy az új, összetett világ számos problémája ellenére, amelyek az ember útján szembesülnek, a jó természeti kapcsolatok tönkretehetik azokat (érződik a kapcsolat a barokkal) - bátran állíthatjuk, hogy ez a vászon legteljesebben az újkor művészetével azonosult: mindenekelőtt extraacél vonallal, részben barokkal és klasszicizmussal.
Ami a művészi technikákat illeti, Velazquez olyan hozzáértően és pontosan használja őket ("faragó" formák, harmonikus közeli hangok, természetes mozgások és a kompozíció összetettsége), hogy ez a festmény joggal az első példa egy új vászonra - a történelmi realizmus vászonára. Célja, hogy a reneszánsz mesterei által „újra felfedezett” személyiség összetett érzéseit némi felfordulás idején őszintén közvetítse.
Túlzás nélkül elmondható, hogy Diego Velazquez munkája a valóság valósághű ábrázolása, amelyet mesterien testesített meg „Breda megadásában”.
Bibliográfia
1.Alpatov M.V. "Hinted Legacy". M.: Oktatás, 1990. ."Reneszánsz. Barokk. Klasszicizmus. Stílusproblémák a nyugat-európai művészetben” szerkesztő Willer. M.: Nauka, 1966 3."A külföldi művészet története". A gondolatot szerkesztette: M.T. Kuzmina, N.L. Maltseva, M.: 1980. .Jose Ortega y Gasset "Bevezetés Velazquezbe" Ford. spanyolból Lysenko E.S. Petrov M.:, 1991.
