მე-17 და მე-18 საუკუნეების ბოლოს. იწყება ახალი მუსიკალური კანონები, რომლებსაც კომპოზიტორები და მუსიკოსები დიდხანს გაჰყვებიან. ამ საუკუნემ მსოფლიო მუსიკას მისცა, რომელმაც ფასდაუდებელი წვლილი შეიტანა მსოფლიოში კულტურული მემკვიდრეობა. მე -18 საუკუნის კომპოზიტორები ცნობილია ისეთი პიროვნებებით, როგორიცაა:

ეს არის ერთ-ერთი უდიდესი გერმანელი კომპოზიტორი, რომლის პიროვნებისა და შემოქმედებისადმი ინტერესი დროთა განმავლობაში არ ქრება, პირიქით, იზრდება. მაგრამ, სამწუხაროდ, მას სიცოცხლეშივე არ მიუღია აღიარება. იოჰანს მუსიკის გარდა სხვა კარიერა არ ჰქონდა, რადგან მისი წინაპრები განთქმულნი იყვნენ მუსიკალურობით.

მომავალი გენიოსი დაიბადა 1685 წელს ქალაქ ეიზენახში. მუსიკაში თავისი პირველი ნაბიჯები მამას ევალება, რომელმაც ვიოლინოზე დაკვრა ასწავლა. ბახს ჰქონდა მშვენიერი ხმა, და მღეროდა ქალაქის სკოლის გუნდში. გარშემომყოფებს ეჭვი არ ეპარებოდათ, რომ ბიჭი შესანიშნავი მუსიკოსი გახდებოდა.

ნაადრევად ობოლი გახდა, 15 წლის ასაკში, იოჰანმა დაიწყო დამოუკიდებელი ცხოვრება. მიუხედავად იმისა, რომ ახალგაზრდა კომპოზიტორი ცხოვრობდა დაძაბულ ვითარებაში და ხშირად მოძრაობდა, ბახის ინტერესი მუსიკისადმი არასოდეს იკლო, ის მუდმივად აფართოებდა თავის ცოდნას მუსიკის შესახებ თვითგანათლებით.

თავისი თანამემამულე კომპოზიტორებისგან განსხვავებით, რომლებიც ყველაფერში ცდილობდნენ უცხოელი მუსიკოსების მიბაძვას, ბახი თავის ნაწარმოებებში აქტიურად იყენებდა გერმანულ ხალხურ სიმღერებსა და ცეკვებს. მაგრამ იოჰანი იყო არა მხოლოდ ნიჭიერი კომპოზიტორი, არამედ შესანიშნავი შემსრულებელი ორღანისა და კლავესინზე. თუ მას კომპოზიტორად არ იცნობდნენ, მაშინ ყველა აღიარებდა მის ოსტატობას ამ ინსტრუმენტებზე დაკვრის.

მაგრამ სასამართლო საზოგადოებას არ მოსწონდა კომპოზიტორის მუსიკა: ის ძალიან კაშკაშა, ემოციური და ადამიანური იყო. მაგრამ მიუხედავად იმისა, რომ საზოგადოებამ არ აღიარა მისი ნამუშევრები, ის არასოდეს მოერგო მათ გემოვნებას. შენი საუკეთესო მუსიკალური ნაწარმოებებიბახი წერდა ლაიფციგში, სადაც ოჯახთან ერთად გადავიდა საცხოვრებლად და სიცოცხლის ბოლომდე დარჩა. იქ მან შექმნა ყველაზეკანტატები, „წმინდა იოანეს ვნებანი“, „მათე ვნებანი“, მესა ბ მინორში.

კომპოზიტორის ყველაზე დიდი სიხარული, თანადგომა და თანადგომა მისი ოჯახი იყო. ვაჟები ასევე გახდნენ ნიჭიერი მუსიკოსები და პოპულარობა ბახის სიცოცხლეშივე მოიპოვეს. მისი მეორე ცოლი და უფროსი ქალიშვილი ძალიან მშვენიერი ხმა. ამიტომ, იოჰანმა განაგრძო მუსიკალური ნაწარმოებების წერა ოჯახისთვის.

IN ბოლო წლებიბახის ცხოვრება დაიწყო სერიოზული პრობლემებიმხედველობით და წარუმატებელი ოპერაციის შემდეგ დაბრმავდა. მაგრამ ამის მიუხედავად, მან არ მიატოვა შემოქმედება და განაგრძო კომპოზიციების შექმნა, კარნახით ჩაწერისთვის. მისი სიკვდილი პრაქტიკულად შეუმჩნეველი დარჩა მუსიკალურ საზოგადოებაში და ის მალევე დავიწყებას მიეცა. მისი მუსიკისადმი ინტერესი მხოლოდ 100 წლის შემდეგ გაჩნდა, როდესაც მენდელსონის ხელმძღვანელობით შესრულდა მისი ერთ-ერთი ულამაზესი ქმნილება "St. Matthew Passion" და ამავე დროს გამოვიდა მისი მუსიკალური კომპოზიციების კრებული.

მუსიკის ეს გენიოსი არ დააფასეს მისმა თანამედროვეებმა, რომლებმაც ვერ გაიგეს მისი ნიჭის სრული ძალა და სიღრმე, არ მოსწონდათ იგი ძლიერი და დამოუკიდებელი ხასიათისთვის, მაგრამ საუკუნეების შემდეგ ისინი დაინტერესდნენ მისი შემოქმედებით და აღფრთოვანებული არიან მისი ნიჭით. ვოლფგანგი დაიბადა 1756 წლის 27 იანვარს. მამამისი სასამართლოს მუსიკოსი იყო და, როდესაც ადრე შეამჩნია მოცარტის დის მუსიკალური შესაძლებლობები, დაიწყო მისი მუსიკის სწავლება.

ამით დაიწყო ვოლფგანგის მოღვაწეობა. ბიჭს აქვს ადრეული ასაკიგამოვლინდა მუსიკის განსაკუთრებული შესაძლებლობები: 5-6 წლის ასაკში მან უკვე შექმნა თავისი პირველი მუსიკალური ნაწარმოებები, ამასთან, გააჩნდა უნიკალური მუსიკის ყური და საოცარი მეხსიერება. მამა, როცა ხედავს, რომ მის შვილს იშვიათი მუსიკალური ნიჭი აქვს, გადაწყვეტს საკონცერტო ტური დაიწყოს, რათა ვოლფგანგმა დიდება მოიპოვოს და სასამართლოს მუსიკოსი არ გახდეს.

მაგრამ იმისდა მიუხედავად, რომ ყველა აღფრთოვანებული იყო ბიჭით და 12 წლის ასაკში მისი ნამუშევრები ცნობილი გახდა, საზოგადოებამ სრულად ვერ დააფასა ახალგაზრდა მუსიკოსის სრული პოტენციალი. ამიტომ, ტურიდან დაბრუნების შემდეგ, ვოლფგანგი სასამართლოს მუსიკოსი გახდა და ძალიან განიცდიდა იმ ვითარებას, რომელშიც ის აღმოჩნდა. მაგრამ არ სურდა შეეგუა უპატივცემულობას და არასათანადო მოპყრობას, მან დატოვა ზალცბურგი ვენაში.

ვენაში ყოფნის დროს მისი ნიჭი აყვავდა. მალე ის დაქორწინდა მშვენიერ გოგონაზე, სახელად კონსტანცე ვებერზე და მშობლების უკმაყოფილებამაც კი ვერ შეუშალა ხელი მათ ბედნიერებას. ვენაში გატარებულ წლებს არ შეიძლება ეწოდოს ადვილი, პირიქით. გაჭირვებაში ყოფნისას მოცარტი ძალიან მძიმედ მუშაობდა, რამაც მის ჯანმრთელობაზე იმოქმედა. მიუხედავად იმისა, რომ მისი ოპერები "ფიგაროს ქორწინება" და "დონ ჯოვანი" წარმატებულია, საზოგადოება მაინც ვერ აცნობიერებს ვოლფგანგის სრულ გენიალურობას.

სიკვდილამდე ცოტა ხნით ადრე მოცარტმა დაწერა თავისი უდიდესი ნამუშევარი- ოპერა "ჯადოსნური ფლეიტა". პარალელურად ქმნის „რეკვიემს“, მაგრამ არ აქვს დრო, რომ დაასრულოს. 1791 წლის 4-5 დეკემბრის ღამეს ბრწყინვალე კომპოზიტორი გარდაიცვალა. მისი გარდაცვალების გარემოებები დღემდე უცნობია, რაც ექსპერტებს შორის ბევრ კამათს იწვევს. მხოლოდ მისი გარდაცვალების შემდეგ მუსიკალური საზოგადოებადა მთელმა მსოფლიომ აღიარა მოცარტის გენიალურობა და მისი ნამუშევრები დღემდე შედევრად ითვლება მუსიკაში.

მისი "სეზონები" რამდენიმე საუკუნის განმავლობაში სხვებთან ერთად იყო ბრწყინვალე ნამუშევრები. ვირტუოზი მევიოლინე, რომელმაც აღიარება სიცოცხლეშივე მიიღო, ბევრი იმოგზაურა, შესანიშნავი მასწავლებელი - ეს ყველაფერი ცნობილ იტალიელ კომპოზიტორ ანტონიო ვივალდისზეა.

ანტონიო დაიბადა 1678 წლის 4 მარტს და გახდა ოჯახში ერთადერთი შვილი, რომელმაც მუსიკალური კარიერა აირჩია. მისი მუსიკალური ნიჭიძალიან ადრე გამოჩნდა და მისი პირველი მასწავლებელი იყო ჯოვანი ბატისტა, რომელმაც იმ დროისთვის ვირტუოზის სახელი მოიპოვა. მისი შესრულების სტილის შესწავლა ვარაუდობს, რომ ბიჭი გაკვეთილებს ატარებდა სხვა ცნობილი მუსიკოსებისგან.

ახალგაზრდა ანტონიო გადაწყვეტს აირჩიოს მღვდლის კარიერა და 1693 წლის 18 დეკემბერს იღებს ყველაზე დაბალ საეკლესიო წოდებას. მოგვიანებით მან მიიღო კიდევ სამი „ქვედა“ და ორი „უმაღლესი“ საეკლესიო წოდება, რომელიც აუცილებელი იყო მღვდლობის მისაღებად. მაგრამ მიუხედავად სულიერი კარიერისა, ვივალდიმ წარმატებით განაგრძო მუსიკის დაკვრა.

და მისმა ინტენსიურმა სწავლამ შედეგი გამოიღო: ანტონიო დაინიშნა მასწავლებლად ვენეციის ერთ-ერთ საუკეთესო „კონსერვატორიაში“. მისი ვრცელი და მრავალმხრივია მუსიკალური საქმიანობა"კონსერვატორია" ერთ-ერთი ყველაზე გამორჩეული გახდა ქალაქში. თავისი შემოქმედების დასაწყისში კომპოზიტორი ეძღვნება დიდი ყურადღებაინსტრუმენტული მიმართულება, რაც აიხსნება იმით, რომ იტალიის ჩრდილოეთი ნაწილი და ვენეცია ​​საუკეთესო ინსტრუმენტალისტების ცენტრად ითვლებოდა.

ანტონიო ვივალდიმ პოპულარობა მოიპოვა იტალიის ფარგლებს გარეთ, მისი ნამუშევრები წარმატებული იყო და მასთან სწავლა დიდ პატივად ითვლებოდა. მანტუაში კომპოზიტორი ხვდება ანა ჟიროს და მის და პაოლინას. მალე ორივე გოგონა გახდა ვივალდის სახლის მუდმივი მცხოვრები, რამაც გამოიწვია ეკლესიის ხელმძღვანელობის უკმაყოფილება, რომელსაც უკვე არ მოსწონდა ის, რომ ანტონიო ხშირად მოგზაურობდა.

1737 წლის 16 ნოემბერს, კარდინალის სახელით, კომპოზიტორს აეკრძალა ფერარაში შესვლა, რაც იმ დღეებში სირცხვილად ითვლებოდა. ეს იმას ნიშნავდა, რომ ახლა ვივალდის მთელი სულიერი კარიერა განადგურდა და საკმაოდ მნიშვნელოვანი მატერიალური ზიანი მიაყენა. მისი ურთიერთობა "კონსერვატორიის" ხელმძღვანელობასთან უფრო და უფრო უარესდებოდა. და ეს არ იყო მხოლოდ მისი ხშირი მოგზაურობები - ვივალდის მუსიკა უკვე ძველმოდურად ითვლებოდა.

1740 წლის ბოლოს ანტონიო დაშორდა "კონსერვატორიას", რომელიც მას მრავალი წლის დიდების დამსახურებაა. ხანგრძლივი მოგზაურობისთვის ემზადება და ფინანსური სირთულეების წინაშე დგას, ვივალდი აწყობს თავისი კონცერტების გაყიდვას დაბალ ფასად. 62 წლის ასაკში კომპოზიტორი გადაწყვეტს დატოვოს იტალია და იპოვნოს ბედნიერება სხვა ქვეყნებში. მაგრამ, მიუხედავად იმისა, რომ ოდესღაც ყველამ მიიღო და მისი ნამუშევრები აღფრთოვანებული იყო, სიცოცხლის ბოლოს ანტონიო ვივალდი ყველამ დაივიწყა და მიატოვა. ცნობილი იტალიელი ვირტუოზი გარდაიცვალა 1741 წლის 28 ივლისს ვენაში. ის იმდროინდელი კომპოზიტორების ერთ-ერთი გამორჩეული წარმომადგენელია და მის ინსტრუმენტულ კომპოზიციებს ღირსეული ადგილი უჭირავს მსოფლიო მუსიკალურ მემკვიდრეობაში.

მე-18 საუკუნის კომპოზიტორებმა დიდი გავლენა მოახდინეს მუსიკის მომავალ განვითარებაზე, თუმცა მათ სიცოცხლეში ყოველთვის არ მიიღეს აღიარება და პოპულარობა. უბრალოდ, იმ ეპოქის საზოგადოებამ ვერ დააფასა მათი ნიჭის სრული ძალა, მათი სილამაზე და სიღრმე. მათთვის დაწესებული ჩარჩო ძალიან ვიწრო იყო მათთვის, მუსიკა იყო ცხოვრების აზრი. მაგრამ მათმა შთამომავლებმა შეძლეს მათი შრომის დაფასება და დღემდე მათი ბრწყინვალე ნამუშევრების შესრულება გრძელდება ყველა კონცერტზე.

მსოფლიოს ყველა დროის უდიდესი კომპოზიტორები: სიები ქრონოლოგიურად და ანბანური თანმიმდევრობა, საცნობარო წიგნები და ნაშრომები

მსოფლიოს 100 დიდი კომპოზიტორი

კომპოზიტორთა სია ქრონოლოგიური თანმიმდევრობით

1. ჟოსკინ დესპრესი (1450 – 1521 წწ.)
2. ჯოვანი პიერლუიჯი და პალესტრინა (1525 – 1594 წწ.)
3. კლაუდიო მონტევერდი (1567 –1643)
4. ჰაინრიხ შუცი (1585 –1672)
5. ჟან ბატისტ ლული (1632-1687)
6. ჰენრი პერსელი (1658-1695)
7. არკანჯელო კორელი (1653 –1713)
8. ანტონიო ვივალდი (1678-1741)
9. ჟან ფილიპ რამო (1683 – 1764 წწ.)
10. ჯორჯ ჰენდელი (1685 – 1759 წწ.)
11. დომენიკო სკარლატი (1685 – 1757 წწ.)
12. იოჰან სებასტიან ბახი (1685 – 1750 წწ.)
13. კრისტოფ უილიბალდ გლუკი (1713 – 1787 წწ.)
14. ჯოზეფ ჰაიდნი (1732 –1809)
15. ანტონიო სალიერი (1750 –1825)
16. დიმიტრი სტეპანოვიჩ ბორტნიანსკი (1751 –1825)
17. ვოლფგანგ ამადეუს მოცარტი (1756 – 1791 წწ.)
18. ლუდვიგ ვან ბეთჰოვენი (1770 – 1826 წწ.)
19. იოჰან ნეპომუქ ჰუმელი (1778 –1837)
20. ნიკოლო პაგანინი (1782 –1840)
21. ჯაკომო მეიერბერი (1791 – 1864 წწ.)
22. კარლ მარია ფონ ვებერი (1786 –1826 წწ.)
23. ჯოაჩინო როსინი (1792 –1868)
24. ფრანც შუბერტი (1797 –1828 წწ.)
25. გაეტანო დონიცეტი (1797 –1848)
26. ვინჩენცო ბელინი (1801 –1835)
27. ჰექტორ ბერლიოზი (1803 –1869 წწ.)
28. მიხაილ ივანოვიჩ გლინკა (1804 –1857)
29. ფელიქს მენდელსონ-ბართოლდი (1809 –1847 წწ.)
30. ფრიდერიკ შოპენი (1810 –1849)
31. რობერტ შუმანი (1810 –1856)
32. ალექსანდრე სერგეევიჩ დარგომიჟსკი (1813 –1869 წწ.)
33. ფრანც ლისტი (1811 –1886)
34. რიჩარდ ვაგნერი (1813 –1883)
35. ჯუზეპე ვერდი (1813 –1901)
36. ჩარლზ გუნო (1818 –1893)
37. სტანისლავ მონიუშკო (1819 –1872 წწ.)
38. ჟაკ ოფენბახი (1819 –1880)
39. ალექსანდრე ნიკოლაევიჩ სეროვი (1820 –1871 წწ.)
40. სეზარ ფრანკი (1822 –1890 წწ.)
41. Bedřich Smetana (1824 –1884)
42. ანტონ ბრუკნერი (1824 –1896 წწ.)
43. იოჰან შტრაუსი (1825 –1899)
44. ანტონ გრიგორიევიჩ რუბინშტეინი (1829 –1894 წწ.)
45. იოჰანეს ბრამსი (1833 –1897)
46. ​​ალექსანდრე პორფირიევიჩ ბოროდინი (1833-1887)
47. კამილ სენტ-სანს (1835 – 1921 წწ.)
48. ლეო დელიბესი (1836 –1891)
49. მილი ალექსეევიჩ ბალაკირევი (1837 –1910 წწ.)
50. ჟორჟ ბიზე (1838 –1875)
51. მოდესტ პეტროვიჩ მუსორგსკი (1839 –1881)
52. პიოტრ ილიჩ ჩაიკოვსკი (1840 –1893)
53. ანტონინ დვორაკი (1841 –1904)
54. ჟიულ მასნე (1842 –1912)
55. ედვარდ გრიგი (1843 –1907)
56. ნიკოლაი ანდრეევიჩ რიმსკი-კორსაკოვი (1844 –1908 წწ.)
57. გაბრიელ ფორე (1845 –1924)
58. ლეოს იანაჩეკი (1854 –1928)
59. ანატოლი კონსტანტინოვიჩ ლიადოვი (1855 –1914 წწ.)
60. სერგეი ივანოვიჩ ტანეევი (1856 –1915 წწ.)
61. რუჯერო ლეონკავალო (1857 –1919)
62. ჯაკომო პუჩინი (1858 –1924)
63. ჰუგო ვოლფი (1860 -1903)
64. გუსტავ მალერი (1860 –1911)
65. კლოდ დებიუსი (1862 –1918)
66. რიჩარდ შტრაუსი (1864 –1949)
67. ალექსანდრე ტიხონოვიჩ გრეჩანინოვი (1864 –1956 წწ.)
68. ალექსანდრე კონსტანტინოვიჩ გლაზუნოვი (1865 –1936 წწ.)
69. ჟან სიბელიუსი (1865 –1957)
70. ფრანც ლეჰარი (1870 –1945)
71. ალექსანდრე ნიკოლაევიჩ სკრიაბინი (1872 –1915 წწ.)
72. სერგეი ვასილიევიჩ რახმანინოვი (1873 –1943)
73. არნოლდ შენბერგი (1874 –1951)
74. მორის რაველი (1875 –1937)
75. ნიკოლაი კარლოვიჩ მედტნერი (1880 –1951 წწ.)
76. ბელა ბარტოკი (1881 –1945)
77. ნიკოლაი იაკოვლევიჩ მიასკოვსკი (1881 –1950 წწ.)
78. იგორ ფედოროვიჩ სტრავინსკი (1882 –1971)
79. ანტონ ვებერნი (1883 –1945)
80. იმრე კალმანი (1882 –1953)
81. ალბან ბერგი (1885 –1935)
82. სერგეი სერგეევიჩ პროკოფიევი (1891 –1953 წწ.)
83. არტურ ჰონეგერი (1892 –1955)
84. Darius Milhaud (1892 –1974)
85. კარლ ორფი (1895 –1982)
86. პოლ ჰინდემიტი (1895 –1963)
87. ჯორჯ გერშვინი (1898 –1937)
88. ისააკ ოსიპოვიჩ დუნაევსკი (1900 –1955 წწ.)
89. არამ ილიჩ ხაჩატურიანი (1903 –1978 წწ.)
90. დიმიტრი დიმიტრიევიჩ შოსტაკოვიჩი (1906 –1975)
91. ტიხონ ნიკოლაევიჩ ხრენიკოვი (დაიბადა 1913 წ.)
92. ბენჯამინ ბრიტენი (1913 –1976 წწ.)
93. გეორგი ვასილიევიჩ სვირიდოვი (1915 –1998 წწ.)
94. ლეონარდ ბერნშტეინი (1918 –1990)
95. როდიონ კონსტანტინოვიჩ შჩედრინი (დაიბადა 1932 წელს)
96. კრშიშტოფ პენდერეცკი (დაიბადა 1933 წ.)
97. ალფრედ გარიევიჩ შნიტკე (1934 –1998)
98. ბობ დილანი (დ. 1941 წ.)
99. ჯონ ლენონი (1940–1980) და პოლ მაკარტნი (ბ. 1942)
100. სტინგი (დაიბადა 1951 წელს)

კლასიკური მუსიკის შედევრები

მსოფლიოში ყველაზე ცნობილი კომპოზიტორები

კომპოზიტორთა სია ანბანური თანმიმდევრობით

სიტყვა ოპერაიტალიურიდან თარგმნილი ნიშნავს "მუშაობას", "კომპოზიციას". თავდაპირველად, მუსიკალურ სპექტაკლს ეწოდა "drama per musica" - "დრამა მუსიკაზე" ან "მუსიკალური დრამა", რომელსაც დაემატა - ოპერა, ანუ მუშაობაასეთი და ასეთი კომპოზიტორი.

პირველი ოპერები გამოჩნდა იტალია, in ფლორენცია XVI საუკუნის მიჯნაზე - XVII სს. მათი ავტორები იყვნენ ხელოვნების მოყვარულთა მცირე წრის წევრები, რომლებიც ხვდებოდნენ ხელოვნების მდიდარ მფარველებს. ჯოვანი ბარდი და ჯაკოპო კორსი. ეს წრე მუსიკის ისტორიაში სახელით შევიდა ფლორენციული კამერა(იტალიური კამერა - წრე).

კამერატას წევრები უძველესი ხელოვნების დიდი თაყვანისმცემლები იყვნენ და აღორძინებაზე ოცნებობდნენ ძველი ბერძნული ტრაგედია. შემორჩენილი აღწერების მიხედვით, მათ იცოდნენ, რომ ესქილეს, სოფოკლეს, ევრიპიდეს ტრაგედიების შესრულებისას მსახიობები არ წარმოთქვამდნენ, მაგრამ მღეროდატექსტი და რომ იგი მოიცავდა სასიმღერო და მოცეკვავე გუნდს. თუმცა, როგორი იყო მუსიკა, წარმოდგენა არ ჰქონდათ, რადგან არ არსებობდა დოკუმენტური მასალამათ არ გააკეთეს (მორჩენილი რამდენიმე ჩანაწერი ჯერ არ არის გაშიფრული). თუმცა, ძველი ფილოსოფოსებისა და პოეტების განცხადებებიდან მათ დაასკვნეს, რომ უძველესი მსახიობების შესრულების მანერა იყო რაღაც სიმღერასა და ჩვეულებრივ მეტყველებას შორის და ცდილობდნენ შეექმნათ იმავე ტიპის მელოდია. მათი ექსპერიმენტების შედეგი იყო შექმნა რეჩიტატივი- მეტყველების მელოდია. ეს იყო ნახევრად საგალობელი, ნახევრად დეკლამაციური ხასიათის ვოკალური მელოდია, რომელიც განკუთვნილი იყო სოლო შესრულებისთვის. ინსტრუმენტული აკომპანიმენტი. თავად წრის წევრები შექმნილ მელოდიის ტიპს ასე ახასიათებდნენ:

"სიმღერის ეს ტიპი, სადაც შეიძლება ჩანდეს ლაპარაკი"(G. Caccini)

"სიმღერა ნახევრად ჩვეულებრივ მეტყველებასა და სუფთა მელოდიას შორის"(ია. პერი).

ფლორენციაში შექმნილი პირველი ოპერა არ შემორჩენილა. დანარჩენი ორი თითქმის ერთდროულად გამოჩნდა და დაიწერა ორფეოსის ცნობილი მითის იმავე ნაკვეთზე. ორივე ოპერას ერთი და იგივე სათაური ჰქონდა - "ევრიდიკე". ერთი მათგანის მუსიკა დაწერა ჯაკოპო პერიმ, ხოლო მეორეს ჯულიო კაჩინიმ. ტექსტის ავტორია პოეტი ოტავიო რინუჩინი.

პირველი ფლორენციული ოპერები ხასიათდებოდა:

• რეჩიტატივის დომინირება,
• არიებისა და ანსამბლების ნაკლებობა,
• სტატიკური მოქმედება.

ახალი ჟანრი ძალიან სწრაფად და სწრაფად განვითარდა. ფლორენციელთა გამოცდილება მიიღეს იტალიის სხვა ქალაქებში და ძალიან მალე პირველი კლასიკური ნამუშევრები. მათი ავტორი იყო კლაუდიო მონტევერდი.

მონტევერდი (1567-1643) - იტალიელი კომპოზიტორი, რომლის სახელიც ჩნდება სახელების გვერდით. უდიდესი მხატვრებიდა რენესანსის პოეტები. თუ მას არ შეიძლება ვუწოდოთ ოპერის და ჰომოფონიურ-ჰარმონიული სტილის „გამომგონებელს“, მაშინ სწორედ მან შექმნა როგორც ახალი ჟანრის, ისე ახალი სტილის ბრწყინვალე მაგალითები.

მონტევერდის წყალობით, ოპერა გადაიქცა ძირითადად მუსიკის ნაწარმოებად: ახლა მუსიკამ დაიწყო არა დაქვემდებარებული, როგორც ადრე, არამედ მთავარი ადგილის დაკავება. პერისა და კაჩინის ერთფეროვანი რეჩიტატივისგან განსხვავებით, მონტევერდიმ შექმნა მკვეთრად დაძაბული, დრამატული რეჩიტატივი - ტემპისა და რიტმის უეცარი ცვლილებებით, ექსპრესიული პაუზებით. ამავდროულად, მონტევერდი არ შემოიფარგლებოდა რეჩიტატივით: თავისი ოპერების კულმინაციაში მან ჩართო არიები, სადაც მელოდია აღარ იყო დეკლამატური, არამედ მელოდიური ხასიათისაა. დიდი მნიშვნელობაშეიძინა გუნდი და ორკესტრი, რომელიც ხაზს უსვამდა დრამის ამა თუ იმ მომენტის მნიშვნელობას. ამ ყველაფერმა მონტევერდის მკაფიოდ გამოვლენის საშუალება მისცა შინაგანი სამყარომათი გმირები.

მონტევერდის პირველი ოპერები "ორფეოსი" და "არიადნე" (რომლისგან მხოლოდ ერთი ფრაგმენტია შემორჩენილი - ” არიადნეს გოდება"მიღებული მსოფლიო პოპულარობა) - გამოჩნდა მანტუაში. მოგვიანებით მონტევერდი გადავიდა ვენეციაში, სადაც ის ბოლო პერიოდიმისი შემოქმედება (30 წელი). აქ იგი მოქმედებდა როგორც ახალი საოპერო სკოლის ხელმძღვანელი, ქმნიდა ისეთ ნამუშევრებს, როგორიცაა "ულისეს დაბრუნება" და "პოპეას კორონაცია". ორფეოსის მსგავსად, ისინი მიეკუთვნებიან ჟანრს "dramma per musica", რომელიც ისტორიულად გახდა ოპერის პირველი ტიპი.

"პოპეას კორონაცია" მონტევერდის გარდაცვალებამდე ერთი წლით ადრე შექმნილი, მისი ყველა შემოქმედების მწვერვალია. ოპერის სიუჟეტი ნასესხებია ძველი რომის უდიდესი ისტორიკოსის, ტაციტუსის „ანალების“ (ანუ მატიანეებიდან). ოპერის ჟანრის არსებობის ნახევარი საუკუნის განმავლობაში პირველად მითოლოგია შეიცვალა ისტორიული ქრონიკა, და ღმერთები და მითიური გმირები ჩაანაცვლეს ისტორიული ფიგურები. ოპერაში კულტურა XVIIსაუკუნეში ჯერ არ ყოფილა ნაწარმოები, რომელიც შექსპირის მატიანეების მსგავსად რეალურს ასახავდა ისტორიული მოვლენა; ამიტომ პოპეას უწოდებენ "პირველ ოპერას, რომელიც დაფუძნებულია ისტორიულ სიუჟეტზე".

სასტიკმა და ექსტრავაგანტმა იმპერატორმა ნერონმა გადაწყვიტა გადაეყენებინა ცოლი ოტავია, რათა ტახტზე აეყვანა თავისი ბედია, მშვენიერი პოპეა. ნერონის დამრიგებელი, ფილოსოფოსი სენეკა, ცდილობს იმპერატორს ხელი შეუშალოს ქორწინების გაუქმებას, რადგან რომის ხალხი თანაუგრძნობს იმპერატრიცას. ამ წინააღმდეგობით განრისხებული ნერონი ფილოსოფოსს სიკვდილით სჯის.

ოტავია უბრძოლველად პოზიციის დათმობას არ აპირებს. იგი უბრძანებს ოტოს, პოპეას ქმარს, მოკლას მისი მეტოქე. ოტო, რომელსაც უყვარს პოპია, ცდილობს აირიდოს ეს ნაბიჯი, მაგრამ ოტავია მას აშანტაჟებს დამორჩილებას. მასზე შეყვარებული ახალგაზრდა გოგონას, დრუსილას კაბაში გამოწყობილი ოტო პოპეას კამერებში შედის, რომ ხანჯლით დაარტყას მას. თუმცა, ბოლო მომენტში, შეთქმულება მჟღავნდება და მისი ყველა მონაწილე გადასახლებაშია გაგზავნილი. ნერონმა დააგვირგვინა პოპეა რომის კონსულებისა და ტრიბუნების წინაშე.

პირველი ოპერების მაყურებელი შემოიფარგლებოდა ძალიან ვიწრო წრით: სასამართლო თავადაზნაურობა, განმანათლებლური მოყვარულები და ხელოვნების მცოდნეები. მაგრამ თანდათან ოპერის ჟანრი გახდა დემოკრატიზაცია, ანუ დაუკავშირდით მეტს ფართო წრეზემსმენელები.

ოპერის დემოკრატიზაციის პროცესი მე-17 საუკუნის 20-იან წლებში დაიწყო. რომი, სად კარდინალი ბარბერინიააშენა პირველი დანიშნულებით აშენებული ოპერის სახლი. კათოლიკური ეკლესია ზოგადად მფარველობდა ახალ ჟანრს, მისდევდა რელიგიურ და პროპაგანდის მიზნებს. რომაული ოპერების საყვარელი თემებია წმინდანთა ცხოვრება და ზნეობრივი ისტორიები მონანიებულ ცოდვილებზე. თუმცა, ზოგან ეს ნაკვეთი მოულოდნელად იყო ჩასმული ყოველდღიური კომიკური სცენებისაშუალო მსმენელის მოსაზიდად. სწორედ ეს გახდა რომაულ ოპერაში ყველაზე ღირებული, რადგან ამ გზით ხალხური ცხოვრების რეალისტური სურათები, ყოველდღიური სიტუაციები, უბრალო გმირებიდა ხალხური მუსიკა. რომაელ კომპოზიტორებს შორის ყველაზე გამორჩეულია სტეფანო ლანდიდა ლორეტო ვიტორი, რომელიც ფლობს ამ სკოლის ერთ-ერთ საუკეთესო ოპერას "გალატეა" .

ოპერა სულ სხვა პირობებში განვითარდა. ვენეცია. მისი აქ მართვა მეწარმე ბიზნესმენებს ჩაუვარდა ხელში. უკან მოკლე დროქალაქში გამოჩნდა რამდენიმე საჯაროდ ხელმისაწვდომი ქალაქის თეატრი (პირველი სან კასიანო), ეჯიბრებიან ერთმანეთს.

ვენეციური თეატრები იყო არა მხოლოდ კულტურის ცენტრები, არამედ კომერციული საწარმოები. მთავარი მიზანირომელთაგან - გადასახადების გაკეთება. ამ მხრივ, ოპერა დამოკიდებული გახდა ფართო საზოგადოების გემოვნებაზე, რომელიც განსხვავდებოდა ფლორენციის განმანათლებლური მცოდნეებისა თუ სასახლის თეატრების არისტოკრატი მნახველებისგან, როგორც „ცა და დედამიწა“. აქ არავინ ფიქრობდა უძველესი ტრაგედიის აღორძინებაზე. ოპერას უნდა მოეპყრო, არ მოეწყინა ზედმეტი სერიოზულობა, სასიცოცხლოდ მნიშვნელოვანი და გასაგები ყოფილიყო ჩვეულებრივი ვენეციელებისთვის. ამ მიზნით მათ პირველად დაიწყეს ოპერების მოკლე რეზიუმეების დაბეჭდვა სპეციალურ პატარა წიგნებში (ასეთი წიგნები ე.წ. ლიბრეტო- ითარგმნა როგორც "პატარა წიგნი"). საოპერო ნაკვეთები სავსეა საინტერესო თავგადასავლებით (უეცარი თავდასხმები, მიწისძვრები, დუელები, დევნა). ისინი მაინც ეყრდნობოდნენ უძველესი მითებიან ისტორიულ მოვლენებზე, თუმცა ორივე ძალიან თავისუფლად იყო განმარტებული და ხშირად მოდერნიზებული იყო. მაგალითად, მონტევერდის ოპერაში "ულისეს დაბრუნება" ლეგენდარული ოდისევსი, რომელიც გაემგზავრა მოგზაურობაში, ექვემდებარებოდა საბაჟო შემოწმებას, ისევე როგორც ყველა ვენეციელი ვაჭარი. ვენეციური ოპერა, ბევრად უფრო ფართო, ვიდრე რომაული, შემოიტანა კომედიური ეპიზოდები უბრალო ხალხის ცხოვრებიდან (მოსამსახურეები, ხელოსნები, ვაჭრები) და მათთან ერთად იტალიურის ინტონაციები. ხალხური სიმღერები. ამრიგად, ვენეციურმა ოპერამ გააძლიერა კავშირი ხალხურ ხელოვნებასთან.

ვენეციური საოპერო სკოლის კომპოზიტორებს შორის უნდა გამოვყოთ მონტევერდის მიმდევრები ფრანჩესკო კოვალიდა ანტონიო საპატიო ბეჭედი(ამ კომპოზიტორის ოპერებს შორის ყველაზე დიდი წარმატება იყო ოქროს ვაშლი, რომელშიც გამოყენებული იყო ეპიზოდი პარიზისა და ელენეს შესახებ ტროას ომის ისტორიიდან).

სხვებზე გვიან - მდე XVII-ის ბოლოსსაუკუნე - ნეაპოლში ჩამოყალიბდა საოპერო სკოლა, რომელიც აჯამებდა იტალიური ოპერის საუკუნოვანი განვითარების ისტორიას. საინტერესოა, რომ ნეაპოლიტანური ოპერა განსაკუთრებით შორს იყო იმ იდეალისაგან, რომლისკენაც მიისწრაფოდა ფლორენციული კამერა. მან მაშინვე გამოაცხადა თავი ნაწარმოებად, რომელშიც წამყვანი ძალაა არა პოეზია, არამედ მუსიკა და სიმღერა. სწორედ ნეაპოლში დამკვიდრდა საოპერო სიმღერის ტიპი, რომელსაც ეწოდა bel canto (ლამაზი სიმღერა). ეს გულისხმობს ფართო სუნთქვის (კანტილენა) მელოდიური მელოდიის შეუფერხებლად და ლამაზად შესრულების უნარს და მუდმივად შეინარჩუნოს ეს სიგლუვე. ბელ კანტოს სტილი მომღერლისგან უმაღლეს უნარს მოითხოვს: სუნთქვის ვირტუოზული კონტროლი, ხმის თანაბარი ხმა ყველა რეგისტრში და ბრწყინვალე ტექნიკა. ამ სიმღერამ მსმენელებში დამსახურებული აღფრთოვანება გამოიწვია.

ბელ კანტოს სტილმა ხელი შეუწყო აყვავებას არიები , რომელმაც აშკარა უპირატესობა მიიღო რეჩიტატივზე. ნეაპოლელებმა გააცნეს ტიპიურიარიები რომ დიდი ხანის განმვლობაშიდომინირებდა ოპერის სცენა. გაჩნდა არიების რამდენიმე კონტრასტული ტიპი, რომლებიც დაკავშირებულია ყველაზე გავრცელებულ სცენურ სიტუაციებთან: lamento (იტალიურად - ტირილი, ჩივილი) - სამწუხარო არიები, პათეტიკური (ვნებიანი) არიები, ყოველდღიური, ლირიკული, ბრავურული (ხმაურიანი, მხიარული), ბუფონური, შურისძიების არიები. .

თითოეული ტიპი ეყრდნობოდა საკუთარ ექსპრესიულ ტექნიკას. ასე, მაგალითად, ლამენტოს ახასიათებს კლებადი წამის ინტონაციაზე დაყრდნობა, კვნესის ან ტირილის გადმოცემა. ამ ტიპის არიის პირველი კლასიკური მაგალითია მონტევერდის არიადნის გოდება. სწორედ მწუხარებისა და სევდის გამოსახულებები, განსახიერებული ლამენტო არიებში, იყო ყველაზე ღრმა და ძლიერი ნეაპოლელებს შორის.

სტანდარტული არიების ფართო პოპულარობის მიზეზი ის იყო, რომ საოპერო გმირები XVIIსაუკუნეებს ჯერ კიდევ არ ჰქონია ინდივიდუალური გარეგნობა და ხასიათი. ისინი გამოხატავდნენ თავიანთ გრძნობებს განზოგადებული ენით, დაკავშირებული არა ხასიათთან, არამედ კონკრეტულ სიტუაციასთან, რომელშიც აღმოჩნდნენ. არავის რცხვენოდა, რომ სასტიკმა დესპოტმა, ბოროტმოქმედმა, შეყვარებულმა, თავისი გრძნობები ღვთაებრივი სილამაზის ამაღლებული, სულიერი მელოდიით გადმოიღვარა და პირიქით, მორცხვმა, მორცხვმა გოგონამ, ეჭვიანობის გრძნობით, დაუწყო აჟიოტაჟი ტირილის შესრულება. . სხვა სიტყვებით რომ ვთქვათ, გამოხატულება იდენტურიგრძნობები (სიყვარული, მწუხარება, სიძულვილი და ა.შ.) იყო მსგავსისრულიად განსხვავებული პერსონაჟები. ფორმით, მე-17 საუკუნის არიები იყო da capo ტიპის, შედგებოდა სამი ნაწილისგან. მესამე ნაწილს, რეპრიზს, როგორც წესი, მომღერლები ამშვენებდნენ ყველანაირი რულეტით.

ნეაპოლიტანელები გაუმჯობესდნენ და რეჩიტატივი , იყოფა ორ ტიპად - თანხლებით (accompagnato) და მშრალი (secco). მთელი secco რეჩიტატი შედის საინფორმაციო მასალარომელიც სჭირდებოდა მსმენელისთვის გადაცემას. თუ არია უცვლელად იწვევდა მოქმედების შეწყვეტას, მაშინ მშრალი რეჩიტატივი, პირიქით, საერთოდ არ აყოვნებდა მას, სწრაფად მიჰყვებოდა ტექსტს. მელოდიური თვალსაზრისით, ის სალაპარაკო ენას უფრო მოგაგონებდათ, ვიდრე სიმღერას: შესრულებული იყო პატერები ძალიან თავისუფლად (ხაზგასმით ცალკეულ სიტყვებზე, ტემპში ცვლილებებით, გამომხატველი პაუზებით) - მომღერალი იქცეოდა დრამატული მსახიობივით. სწორედ ამიტომ, სეკოს რეჩიტატივს ორკესტრი ვერ ახლდა.

თანხლებული რეჩიტატივი უფრო მელოდიური იყო და არიას ჰგავდა ორკესტრის თანხლებით. მას ხშირად იყენებდნენ, როგორც არიას შესავალს. ხშირად ასეთი რეჩიტატივი გადმოსცემდა რთულ ფსიქიკურ მდგომარეობას და სხვადასხვა გრძნობების ბრძოლას.

ამრიგად, ნეაპოლიტანური საოპერო სკოლის კომპოზიტორებმა მკაფიოდ განსაზღვრა და გამოიკვეთა ძირითადი საოპერო ფორმების - არიისა და რეჩიტატის მიზანი:არია კონცენტრირებული იყო კონკრეტული გრძნობის გამოხატვაზე, დამოკიდებულების გამოხატვაზე პერსონაჟებირაც ხდებოდა, რეჩიტატივი ავითარებდა მოქმედებას დიალოგში ან თხრობაში მოვლენის შესახებ.

ნეაპოლიტანური სკოლის ფარგლებში, პირველ რიგში შემოქმედებითობაში ალესანდრო სკარლატიგაჩნდა ახალი საოპერო ჟანრი - ოპერა-სერია(იტალიური სერია - სერიოზული). ამ საოპერო ჟანრის ტიპიური მახასიათებლები იყო:

• მითოლოგიური ან ისტორიულ-ლეგენდარული სიუჟეტი დამაბნეველი, ხშირად წარმოუდგენელი ინტრიგებით და სავალდებულო ბედნიერი დასასრულით;
• გმირების კეთილშობილური წარმოშობა (ესენი არიან მეფეები, გენერლები, უძველესი ღმერთები);
• არია, როგორც ცენტრალური საოპერო ფორმა, რომელიც „აჭარბებს“ ყველაფერს. რეჩიტატივი თანდათან უფრო და უფრო კარგავდა აზრს;
• სიმღერის დომინირება და დრამის უკან დახევა (რაც ხდება სცენაზე) უკანა პლანზე, ანუ შინაარსისადმი გულგრილი დამოკიდებულება.

დროთა განმავლობაში ოპერის სერიალში ჩამოყალიბდა ვირტუოზი მომღერლის ნამდვილი კულტი, რომელსაც შეეძლო კომპოზიტორს უკარნახოს თავისი პირობები (ერთმა მომღერალმა მოითხოვა, რომ ნებისმიერ არიას ჰქონდეს ვირტუოზული პასაჟები, რაც მისთვის განსაკუთრებით კარგად მუშაობდა, მეორეს რა თქმა უნდა სურდა შეესრულებინა სამწუხარო ლამენტო არია და ა.შ.) შედეგად, ოპერის სერიამ მიიღო შეურაცხმყოფელი მეტსახელი - კონცერტი კოსტიუმებში,ვინაიდან ძლიერი გრძნობების განმასახიერებელი არიების ჯაჭვი ხშირად მოკლებული იყო ერთმანეთთან ლოგიკურ კავშირს (ყველაფერი, რაც თავად დრამას ეხებოდა, სწრაფად „ითქვა“ საზოგადოების ინტერესის გაღვივების გარეშე).

საოპერო სერიის როლი საოპერო ჟანრის განვითარებაში ძალიან დიდია: სწორედ მისი გარეგნობით დაიწყო ოპერის ჟანრის ნამდვილი აყვავება, როგორც პირველ რიგში მუსიკის ნაწარმოები. ამავე დროს, ეს იყო ურთიერთგამომრიცხავი ფენომენი, რომლის დროსაც კრიზისული ნიშნები სულ უფრო მძაფრდებოდა.

შემდეგი, XVIII საუკუნის 30-იანი წლების საოპერო სერიებისგან განსხვავებით, ქ ნეაპოლიგაჩნდა ოპერა-ბუფა- კომიკური და ის დაიბადა შიგნითსერიოზული ოპერა ე.წ გვერდითი ჩვენება -ის მხიარული კომედიური სცენები, რომლებიც ოპერის სერიალში იყო ჩასმული საზოგადოების გასართობად. ეს ჟანრი დაიწყო პერგოლესის „მოსამსახურე-ბედია“. მასში მხოლოდ სამი როლია, ერთი კი მიმიკური (ვესპონე, უბერტოს მსახური, არ მღერის). სიუჟეტი ძალიან მარტივია: ჭკვიანი ახალგაზრდა მოახლე სერპინა ეშმაკობით დაქორწინდება თავის ბატონზე, ბებერ ბაკალავრ უბერტოზე. ამ სასაცილო ინტერლუდის წარმატება იმდენად სენსაციური იყო, რომ მთლიანად დაჩრდილა სერიოზული ოპერა, რომელშიც ის შესრულდა და შედეგად დაიწყო ცალკე შესრულება, როგორც დამოუკიდებელი ნაწარმოები.

ბუფა ოსტატები იყვნენ გალუპი,პიჩინი,პაისიელო,ციმაროზა.

იტალიიდან ოპერა ძალიან სწრაფად გავრცელდა ევროპის სხვა ქვეყნებში და მე-17 საუკუნის შუა ხანებისთვის გახდა ერთ-ერთი ყველაზე პოპულარული ჟანრი. სხვადასხვა იტალიურმა საოპერო კომპანიებმა წარმატებით გასტროლები მოაწყვეს ავსტრიაში, გერმანიაში, ინგლისში, საფრანგეთში, გააღვიძეს ინტერესი საოპერო ხელოვნებისადმი და გამოღვიძების ინიციატივა. შიდა კომპოზიტორებირომლებიც საკუთარ ძალებს ახალ ჟანრში ცდილობენ. თუმცა, იტალიური ოპერისადმი გატაცება ზოგჯერ გადაიზარდა უარყოფითი მხარე: სადაც მეფეები და კარის წრეები მხოლოდ თაყვანს სცემდნენ იტალიური ხელოვნება, მან შეაფერხა მისი ეროვნული საოპერო სკოლების განვითარება.

წარმოუდგენელი გაჭირვებით აიღო გზა გერმანული ოპერა. მან სრული გულგრილობა გამოიწვია მმართველი წრეები, რომელიც აღიარებდა მხოლოდ უცხოელთა, პირველ რიგში იტალიელების ხელოვნებას. გერმანია ფაქტიურად დატბორა სტუმრად ჩამოსულ არტისტებით - მომღერლებით, დირიჟორებით, კომპოზიტორებით.

პირველი გერმანული ოპერა "დაფნე"გამოჩნდა 1627 წელს. მისი ავტორი იყო ჰაინრიხ შუტცი, ერთ-ერთი ყველაზე გამოჩენილი გერმანელი კომპოზიტორი. დაფნის გარდა სხვა მცდელობები იყო ნაციონალური შექმნისა გერმანული ოპერებითუმცა, ეს პროცესი შეფერხებულია ოცდაათწლიანი ომით. მხოლოდ მე-17 საუკუნის 60-იან წლებში იწყება ახალი ეტაპისაოპერო ხელოვნების განვითარება გერმანიაში. გერმანიის დიდ ქალაქებში - დრეზდენი, ჰამბურგი, ლაიფციგი - ღიაა ოპერის თეატრები, რომელშიც, თუმცა, მტკიცედ არის დამკვიდრებული იტალიური საოპერო დასები, რომლებიც იტალიურ ოპერებს დგამენ. ერთადერთი გამონაკლისი არის ჰამბურგი, სადაც ოპერის თეატრი ახერხებს გარკვეული ხნით წინააღმდეგობის გაწევას იტალიის ბატონობას. მხოლოდ იქ იდგმება საოპერო სპექტაკლები მშობლიურ გერმანულ ენაზე.

ჰამბურგის ოპერის აყვავება დაკავშირებულია უაღრესად ნიჭიერი გერმანელი კომპოზიტორის სახელთან. რაინჰარდ კაიზერი, რომლის ნამუშევრებმა უპრეცედენტო წარმატებით სარგებლობდა. თავის ოპერებში კაიზერი მიმართავდა სხვადასხვა საგანს: მითოლოგიურ, ისტორიულ, კომიკურს. მის საუკეთესო ოპერებს შორისაა "ოქტავია" ,"ნერონი", "ლაიფციგის ბაზრობა" . ბევრი გერმანელი კომპოზიტორი, მათ შორის ბახი და ჰენდელი, განიცადა კაიზერის გავლენა.

თუმცა ჰამბურგის ოპერაში თანდათან კრიზისი მწიფდება და მძაფრდება. მას ეკლესია გააფთრებით დევნის, საზოგადოება ცივდება მის მიმართ, თეატრი ფულს არ შოულობს, სცენა იტალიელებით ივსება და ბოლოს (40-იანი წლების დასაწყისისთვის) ჰამბურგის ოპერამ არსებობა შეწყვიტა. . მთავარი მიზეზიეს სამწუხარო შედეგი იყო ის, რომ ჩამორჩენილ გერმანიაში უბრალოდ არ არსებობდა სოციალური და კულტურული პირობები ეროვნული საოპერო თეატრისთვის. გერმანელ კომპოზიტორებს სხვა გზა არ ჰქონდათ, გარდა ჰენდელის მსგავსად, ეძიათ აღიარება უცხო ქვეყნებში და იქ ოპერების შედგენა. იტალიური სტილი, ან გამოიყენეთ თქვენი ნიჭი საოპერო მუსიკის მიღმა.

განსაკუთრებული ბედი ეწია ოპერას ინგლისი. ბრიტანელები, როგორც წესი, არ ჩქარობდნენ ევროპული ინოვაციების მიღებას. დიდი ხნის განმავლობაში, მთლიანად სიმღერაზე დაფუძნებული მუსიკალური წარმოდგენა არ იწვევდა მათ სიმპათიას. უპირატესობას ანიჭებდნენ შერეულ ფორმებს – დრამატულ სპექტაკლებს, სადაც ბევრი მუსიკა იყო, მაგრამ ძირითადი აქცენტი სიტყვებზე და მსახიობობაზე იყო გაკეთებული. ასევე პოპულარული იყო ნახევრად ოპერა, რომელიც ეფუძნება მუსიკისა და სალაპარაკო დიალოგის კომბინაციას.

პირველი ინგლისური ეროვნული ოპერა - "დიდო და ენეასი" - ეკუთვნის ჰენრი პერსელი. ამ დიდი კომპოზიტორის საქმიანობა ძირითადად დარგში მიმდინარეობდა თეატრის მუსიკა: მან შექმნა სპექტაკლები შექსპირისა და თანამედროვე ინგლისელი დრამატურგების შეთქმულების მიხედვით. „დიდო და ენეასი“ პერსელის ერთადერთი ოპერაა ამ სიტყვის ზოგადად მიღებული გაგებით. დაიწერა არა პროფესიული სცენისთვის, არამედ სკოლის არდადეგებიდიდგვაროვან ქალწულთა პანსიონში. მოსწავლეების დახმარებით კამერულ, თითქმის შინაურ გარემოში შესრულდა. აქედან გამომდინარეობს ოპერის ძალიან მოკრძალებული მასშტაბი - ის გრძელდება მხოლოდ საათზე მეტს.

„დიდოს“ ნაკვეთი ნასესხებია ვერგილიუსის ენეიდები:

ენეასი, გაქცეული ტროას განადგურებას, მთავრდება კართაგენში, სადაც მეფობს დედოფალი დიდო. იფეთქებს ორმხრივი ვნებიანი სიყვარული, მაგრამ ბოროტი ძალები (ჯადოქრების სახით, ინგლისური ფოლკლორისთვის დამახასიათებელი) ერევა გმირების ბედნიერებაში. ენეასი იძულებულია დატოვოს კართაგენი და დიდო მწუხარებისგან კვდება.

მთელი ოპერის კულმინაციაა ჰეროინის მომაკვდავი მონოლოგიჟანრთან შესაბამისობაში lamento. მისი მუსიკა იშვიათი მელოდიური სილამაზითა და, ამავდროულად, ბრწყინვალე სიმარტივით გამოირჩევა. ოსტინატოს ბასი მეორდება მთელ არიაში, რაც აძლიერებს ფატალური გარდაუვალობის განცდას. მწუხარების მატებასთან ერთად მელოდია კარგავს სიმღერის ხარისხს და გადაიქცევა რეციდირებად.

მე-17 საუკუნის სხვა ოპერების მსგავსად, დიდო აგებულია ცალკეული ნომრების მონაცვლეობაზე - სოლო, ანსამბლი, საგუნდო (ამ სტრუქტურას ე.წ. დანომრილი).ამავდროულად, აშკარაა სურვილი, რომ რიცხვები სცენებად გაერთიანდეს. მაგალითად, ბოლო, მესამე მოქმედების ფინალში რეჩიტატივიდიდო, დაუსრულებლად, შევიდა არია, რომელიც მიედინება საორკესტრო პოსტლუდია, ხოლო პოსტლუდი - ინ საბოლოო გუნდი.ასეთი ბოლო-ბოლო განვითარება დამახასიათებელი იქნება შემდგომი დროის ოპერებისთვის.

დიდოს გამოჩენამ აღნიშნა ეროვნული ინგლისური ოპერის დაბადება. თუმცა, პერსელის სიცოცხლეში ის არასოდეს ყოფილა შესრულებული პროფესიონალურ სცენაზე და კომპოზიტორის გარდაცვალების შემდეგ იგი შევიდა ხანგრძლივი და ერთი შეხედვით მარადიული დავიწყების პერიოდში. მხოლოდ შიგნით გვიანი XIXსაუკუნეში, ოპერა კვლავ შესრულდა, რამაც ინგლისში მთელი რევოლუცია გამოიწვია მუსიკალური კულტურა. მე-17 საუკუნეში პერსელმა ვერც ერთი მიმდევარი ვერ იპოვა და რომენ როლანის სიტყვებით, იგი დასრულდა. წარუმატებელი ინგლისური საოპერო სკოლის დამფუძნებელი.პერსელის გარდაცვალებასთან ერთად ინგლისური ოპერის ცხოვრება 2,5 საუკუნის განმავლობაში შეწყდა.

ერთადერთი ქვეყანა, რომელმაც მოახერხა მე-17 საუკუნეში იტალიური ოპერის გავლენისგან თავის დაცვა იყო საფრანგეთი. მან შეიმუშავა საკუთარი, ძალიან ორიგინალური ეროვნული საოპერო ტრადიცია და ნებისმიერი უცხოელი კომპოზიტორი, რომელსაც სურდა პარიზის დაპყრობა, ვალდებული იყო არა მხოლოდ დაწერა ექსკლუზიურად ფრანგული ტექსტით, არამედ დაიცვას საფრანგეთში დამკვიდრებული რიგი ჩვეულებები.

ფრანგული ოპერის შექმნის პირველი მცდელობა პოეტმა გააკეთა პიერ პერინიდა კომპოზიტორი რობერტ კემბერი. მათი წინადადებით პარიზში გაიხსნა საზოგადოებრივი ოპერის თეატრი გრანდ ოპერა. თუმცა ფრანგული ოპერის ნამდვილ შემქმნელად ითვლება ჟან ბატისტ ლული, რომელმაც შექმნა ფრანგულის სტანდარტი მუსიკალური სტილი.

ჟან ბატისტ ლული

დაბადებით იტალიელი (ბავშვობაში მას ერქვა ჯოვანი ბატისტა ლული), ლული, ბავშვობაში, ბედნიერი შემთხვევის წყალობით, საფრანგეთში დასრულდა, სადაც მისი დის სამსახურში იყო. საფრანგეთის მეფე. მისი იშვიათი მუსიკალური შესაძლებლობების წყალობით, მან სწრაფად გააკეთა ბრწყინვალე კარიერა, გახდა სასამართლო კომპოზიტორი, რომელიც სარგებლობდა ლუი XIV-ის შეუზღუდავი ნდობით.

ლულის ნიჭი გამოირჩეოდა იშვიათი მრავალფეროვნებით: ის იყო შესანიშნავი მევიოლინე, რომელმაც მოაწყო საკუთარი ორკესტრი ("მეფის 16 ვიოლინო"), დირიჟორი, კომპოზიტორი, მოცეკვავე, ქორეოგრაფი, რეჟისორი, სასამართლოს ლიდერი. მუსიკალური თეატრი, რისთვისაც დაწერა 20 მუსიკალური და დრამატული ნაწარმოები. იყო დიდების თანამედროვე ფრანგი დრამატურგები- კორნეი, რასინი, მოლიერი - ლული აქტიურად თანამშრომლობდა მათთან, განსაკუთრებით ბევრს მოლიერთან, წერდა მუსიკას მისი პიესებისთვის, როგორებიცაა "უსურველი ქორწინება", "სიცილიური", "ბურჟუა თავადაზნაურობაში" და ა.შ.

კომპოზიტორმა თავის საოპერო ნაწარმოებებს უწოდა "ლირიკული ტრაგედიები"(სიტყვასიტყვით: ტრაგედია ლირას, ანუ სიმღერა, მუსიკალური). მათი პირველი მსმენელი და თაყვანისმცემელი თავად ლუი XIV იყო, რომლისთვისაც ისინი მისი საყვარელი სანახაობა გახდა.

ლულის ოპერებს შორის ყველაზე ცნობილია "არიადნე" , "ჰატისი" ,"არმიდა" ,"აისი და გალატეა" ,"თეზევსი" . ყველა მათგანი შესანიშნავი პოეტის ტექსტზეა დაწერილი ფილიპა კინო, რომელიც იყო კომპოზიტორის მუდმივი ლიბრეტისტი.

ლულის ოპერა არის ჰარმონიული, მონუმენტური წარმოდგენა 5 აქტისაგან, სავალდებულო პროლოგით (იტალიურ სერიოზულ ოპერას სამი მოქმედება ჰქონდა). იტალიურ საოპერო სერიალებთან საერთო სიუჟეტების (ძირითადად მითოლოგიური) მიუხედავად, ფრანგული ოპერა მისგან ბევრი რამით განსხვავდება:

• მისი საფუძველია დეკლამატორული რეჩიტატივიამაღლებული, პათეტიკურად ამაღლებული მეტყველების მსგავსი და გაცილებით ნაკლებად მოქნილი და მელოდიური ვიდრე იტალიურ ოპერაში. ლული თავის რეჩიტატივებს ასრულებდა, საუკეთესო ფრანგი დრამატული მსახიობების გაზომილი, პათეტიკური დეკლამაციის მიბაძვით.
• არიამ, რომელიც დომინანტურ როლს ასრულებდა იტალიურ ოპერაში, უფრო მოკრძალებული ადგილი დაიკავა Lully-ში, რაც მცირე დასკვნას წარმოადგენდა რეჩიტატიური მონოლოგისთვის. თავისი არიების მუსიკაში კომპოზიტორი ხშირად იყენებდა ყოველდღიური ფრანგული სიმღერების ინტონაციებს.
• იტალიაში ასეთი პოპულარული კომედიური სცენები არ იყო ნებადართული ფრანგულ ლირიკულ ტრაგედიაში. გასართობი მხარე შედგებოდა საბალეტო ნომრების სიმრავლისგან (ბალეტის სიყვარული ეროვნული ფრანგული თვისებაა). მე-5 მოქმედება ზოგადად შედგებოდა ცეკვების ჯაჭვისაგან, რომელშიც, ტრადიციის თანახმად, თავად მეფე და სამეფო თავადაზნაურობა მონაწილეობდნენ.
• ფრანგულ ოპერაში დიდი მნიშვნელობა ჰქონდა მრავალფეროვანი ხასიათის საგუნდო ეპიზოდებს.
• სამეფო კარის თეატრისთვის განკუთვნილი ლირიკული ტრაგედიების სპექტაკლები ხშირად გამოირჩეოდა ზედმეტი ფუფუნებითა და პომპეზურობით.
• კასტრატის მომღერლები, ასე პოპულარული იტალიაში, პრაქტიკულად არ გამოჩნდნენ ფრანგულ სცენაზე. გარდა ამისა, არასოდეს ყოფილა მომღერლების კარნახი.

ლულის ოპერებში დამკვიდრდა ტიპი ფრანგული უვერტიურა.ჩვეულებრივ ის შედგებოდა 2 ნაწილისგან: ნელი, დიდებული მარში და სწრაფი, ენერგიული ფუგატო ( იტალიურიმე-18 საუკუნის უვერტიურა ყველაზე ხშირად აგებული იყო 3 ნაწილის კონტრასტზე სწრაფი-ნელი-სწრაფის პრინციპით).

საოპერო სტილის თვალსაზრისით, ლული მჭიდროდ არის დაკავშირებული ეროვნული ტრადიციებიფრანგული კულტურა, პირველ რიგში - ფრანგულთან დრამატული თეატრი. ამავე დროს, მათი დიდი ნაწილი ეწინააღმდეგება კლასიცისტური ტრაგედიის წესებს. ასე, მაგალითად, კინოს ლიბრეტოში, პერსონაჟებს შორის თითქმის ყოველთვის არიან ღმერთები და ფანტასტიკური არსებები, არის სიტუაციები, რომლებიც სრულიად შეუძლებელია კორნელისა და რასინის დრამებში; თითქმის არასდროს შეინიშნება კლასიკური პრინციპიდროის, ადგილისა და მოქმედების ერთიანობა. ეს ყველაფერი მე-17 საუკუნის ფრანგულ ოპერას ბაროკოს თეატრს ჰგავს.

კლასიკური მუსიკის ფორმირება. მე-17 და მე-18 საუკუნეების დიდი კომპოზიტორები

მონტევერდი. დ.ფრესკობალდი`. ა.კორელი. ა.ვივალდი. ა.სკარლატი დ.ბ.პერგოლესი. ვიოლინოს შემქმნელთა დინასტიები.

იტალიის მუსიკა

J.B. Lully. ჯ.ფ რამო. ფ.კუპერინი.

საფრანგეთის მუსიკა

G.Purcell.

ინგლისის მუსიკა

გ.შუტცი. დ.ბუქსტეჰუდე. გ.ფ.ჰენდელი. ჯ.ს.ბახი.

გერმანიის მუსიკა

მ.ს.ბერეზოვსკი. დ.ს. ბორტნიანსკი. E.I.Fomin.

რუსეთის მუსიკა

მე -16-17 საუკუნეების მიჯნაზე, მრავალხმიანობამ, რომელიც დომინირებდა რენესანსის მუსიკაში, დაიწყო ჰომოფონიის დათმობა (ბერძნულიდან "homos" - "ერთი", "იდენტური" და "ტელეფონი" - "ხმა", "ხმა"). მრავალხმიანობისგან განსხვავებით, სადაც ყველა ხმა თანაბარია, ჰომოფონიურ მრავალხმიანობაში გამორჩეულია ერთი, რომელიც ასრულებს მთავარ თემას, დანარჩენი კი აკომპანიმენტის (აკომპანიმენტის) როლს ასრულებს. აკომპანემენტი, როგორც წესი, არის აკორდების (ჰარმონიების) სისტემა. აქედან მომდინარეობს მუსიკის შედგენის ახალი ხერხის სახელწოდება - ჰომოფონიურ-ჰარმონიული.

გამოჩნდა ნაწარმოებები, რომლებიც დაწერილი იყო რელიგიურ ტექსტებზე ან თემებზე, მაგრამ არ იყო განკუთვნილი ეკლესიაში სავალდებულო შესრულებისთვის. (ასეთ თხზულებებს სულიერს უწოდებენ, რადგან სიტყვა „სულიერს“ უფრო ფართო მნიშვნელობა აქვს, ვიდრე „ეკლესიური“.) მე-17-18 საუკუნეების მთავარი სულიერი ჟანრები. - კანტატა და ორატორიო. გაზრდილი მნიშვნელობა საერო მუსიკა: ჟღერდა სასამართლოში, არისტოკრატების სალონებში სახალხო თეატრები(პირველი ასეთი თეატრები მე-17 საუკუნეში გაიხსნა). ჩამოყალიბდა ახალი სახეობამუსიკალური ხელოვნება - ოპერა.

ინსტრუმენტული მუსიკა ასევე გამოირჩევა ახალი ჟანრების გაჩენით, განსაკუთრებით ინსტრუმენტული კონცერტით. ვიოლინო, კლავესინი და ორღანი თანდათან გადაიქცა სოლო ინსტრუმენტებად. მათთვის დაწერილმა მუსიკამ საშუალება მისცა გამოეჩინა არა მხოლოდ კომპოზიტორის, არამედ შემსრულებლის ნიჭიც. უპირველეს ყოვლისა დაფასებული იყო ვირტუოზულობა (ტექნიკური სიძნელეებთან გამკლავების უნარი), რომელიც თანდათან გახდა თვითმიზანი და მხატვრული ღირებულება მრავალი მუსიკოსისთვის.

მე-17-18 საუკუნეების კომპოზიტორები, როგორც წესი, არა მხოლოდ ქმნიდნენ მუსიკას, არამედ ოსტატურად უკრავდნენ ინსტრუმენტებზე და ვარჯიშობდნენ. პედაგოგიური მოღვაწეობა. მხატვრის კეთილდღეობა დიდწილად დამოკიდებულია კონკრეტულ მომხმარებელზე. როგორც წესი, ყველა სერიოზული მუსიკოსი ცდილობდა ადგილის მოპოვებას მონარქის ან მდიდარი არისტოკრატის კარზე (აზნაურობის ბევრ წევრს ჰქონდა საკუთარი ორკესტრი ან ოპერის თეატრები) ან ტაძარში. უფრო მეტიც, კომპოზიტორთა უმეტესობა ადვილად აერთიანებდა საეკლესიო მუსიკას საერო მფარველისთვის სამსახურთან.

XVIII საუკუნის მხატვრული მოძრაობები და მათი დამახასიათებელი ნიშნები

მხატვრული მიმართულება – ფუნდამენტური საერთოობა მხატვრული ფენომენებიდიდი ხანის განმვლობაში.

ბაროკო არის მოძრაობა ევროპულ არქიტექტურასა და ხელოვნებაში მე-16-18 საუკუნეების ბოლოს, რომელიც ხასიათდება:

დიდსულოვნება, პომპეზურობა და დინამიკა;

პათეტიკური აღფრთოვანება;

გრძნობების ინტენსივობა;

სანახაობრივი სანახაობებისადმი დამოკიდებულება;

ილუზორულისა და რეალურის შერწყმა;

მასშტაბისა და რიტმის, მასალებისა და ტექსტურების, სინათლისა და ჩრდილის ძლიერი კონტრასტები.

კლასიციზმი არის მხატვრული მოძრაობა მე-17-19 საუკუნეების ევროპულ ხელოვნებაში. კლასიციზმის მხატვრები:

უძველესი ხელოვნება აღიარებულ იქნა უმაღლეს ნიმუშად;

ისინი ეყრდნობოდნენ მაღალი რენესანსის ტრადიციებს;

ისინი ცდილობდნენ გამოეხატათ საზოგადოების ჰარმონიული სტრუქტურის იდეა, რომელიც დაფუძნებულია მარადიულ „გონების კანონებზე“.

დიდმა კომპოზიტორებმა, რომელთა სახელები ფართოდ არის ცნობილი მთელ მსოფლიოში, შექმნეს უამრავი ღირებული ნაწარმოები. მათი შემოქმედება მართლაც უნიკალურია. თითოეულ მათგანს აქვს ინდივიდუალური და უნიკალური სტილი.

მსოფლიოს დიდი კომპოზიტორები (უცხო). სია

ქვემოთ მოცემულია უცხოელი კომპოზიტორებისხვადასხვა საუკუნეებში, რომელთა სახელები ცნობილია მთელ მსოფლიოში. ეს:

• ა.ვივალდი.
• ჯ.ს.ბახი.
• W.A. მოცარტი.
• ი.ბრამსი.
• ჯ.ჰაიდნი.
• რ.შუმანი.
• ფ.შუბერტი.
• ლ.ბეთჰოვენი.
• ი.შტრაუსი.
• რ.ვაგნერი.
• გ.ვერდი.
• ა.ბერგი.
• ა.შენბერგი.
• ჯ.გერშვინი.
• ო მესიენ.
• C. Ives.
• ბ ბრიტენი.

მსოფლიოს დიდი კომპოზიტორები (რუსი). სია

მან შექმნა დიდი რაოდენობით ოპერეტა, მუშაობდა ფილტვებთან მუსიკალური ფორმებიმოცეკვავე ბუნება, რომელშიც ის ძალიან წარმატებული იყო. შტრაუსის წყალობით, ვალსი ვენაში უკიდურესად პოპულარულ ცეკვად იქცა. სხვათა შორის, ბურთები ისევ იქ იმართება. კომპოზიტორის მემკვიდრეობა მოიცავს პოლკას, ბალეტს და კვადრილებს.

და გ. ვერდი დიდია, რომელმაც შექმნა უამრავი ოპერები, რომლებმაც მოიპოვეს მაყურებლის გულწრფელი სიყვარული.

გერმანელი რიჩარდ ვაგნერი იყო მოდერნიზმის ყველაზე თვალსაჩინო წარმომადგენელი ამ საუკუნის მუსიკაში. მისი საოპერო მემკვიდრეობა მდიდარია. Tannhäuser, Lohengrin, The Flying Dutchman და სხვა ოპერები კვლავ აქტუალური, პოპულარული და სცენაზე შესრულებული ოპერებია.

იტალიელი კომპოზიტორი ჯუზეპე ვერდი საკმაოდ დიდებული ფიგურაა. მან იტალიურ ოპერას ახალი სუნთქვა მისცა, თანაც საოპერო ტრადიციების ერთგული დარჩა.

XIX საუკუნის რუსი კომპოზიტორები

მ.ი.გლინკა, ა.პ.ბოროდინი, მ.პ.მუსორგსკი, პ.ი.ჩაიკოვსკი მე-19 საუკუნის კლასიკური მუსიკის დიდი კომპოზიტორები არიან, რომლებიც ცხოვრობდნენ და ქმნიდნენ თავიანთ ნაწარმოებებს რუსეთში.

მიხაილ ივანოვიჩ გლინკას შემოქმედებამ განსაზღვრა ეროვნული და გლობალური მნიშვნელობარუსული მუსიკის ისტორიაში. მისი შემოქმედება, რომელიც გაიზარდა რუსულ ხალხურ სიმღერებზე, ღრმად ეროვნულია. იგი სამართლიანად ითვლება ნოვატორად, რუსული მუსიკალური კლასიკის ფუძემდებლად. გლინკამ ნაყოფიერად იმუშავა თავის ყველა ოპერაში "ივან სუსანინი" ("ცხოვრება ცარისთვის") და "რუსლან და ლუდმილა" გზა გაუხსნა ორი წამყვანი მიმართულების. მისი სიმფონიური ნაწარმოებები: "კამარინსკაია", "ვალსი-ფანტაზია" და მრავალი სხვა.

ალექსანდრე პორფირიევიჩ ბოროდინი დიდი რუსი კომპოზიტორია. მისი ნამუშევარი მოცულობით მცირეა, მაგრამ შინაარსით მნიშვნელოვანი. ცენტრალური ადგილი უკავია გმირობას ისტორიული სურათები. ის მჭიდროდ ერწყმის ღრმა ლირიკას ეპიკურ სიგანესთან. ოპერა "პრინცი იგორი" აერთიანებს ხალხური მუსიკალური დრამისა და ეპიკური ოპერის თავისებურებებს. მისი პირველი და მეორე სიმფონიები აღნიშნავს ახალ მიმართულებას რუსულ სიმფონიაში - გმირულ-ეპიკური. კამერული ვოკალური ლირიკის სფეროში ის ნამდვილი ნოვატორი გახდა. მისი რომანები: "ზღვა", "შორეული სამშობლოს ნაპირებისთვის", "ბნელი ტყის სიმღერა" და მრავალი სხვა. ბოროდინმა მნიშვნელოვანი გავლენა მოახდინა მის მიმდევრებზე.

მოდესტ პეტროვიჩ მუსორგსკი მე-19 საუკუნის კიდევ ერთი დიდი რუსი კომპოზიტორია. ის იყო ბალაკირევის წრის წევრი, რომელსაც "ძლევამოსილი მუჭა" ეძახდნენ. ნაყოფიერად მუშაობდა სხვადასხვა ჟანრში. მშვენიერია მისი ოპერები: "ხოვანშჩინა", "ბორის გოდუნოვი", " სოროჩინსკაიას ბაზრობა" მისმა ნამუშევრებმა გამოავლინა შემოქმედებითი ინდივიდუალურობის თვისებები. მას ეკუთვნის არაერთი რომანი: "კალიტრატი", "სემინარისტი", "იავნანა ერემუშკას", "ობოლი", "სვეტიკ სავიშნა". ისინი იპყრობენ უნიკალურ ეროვნულ პერსონაჟებს.

პიოტრ ილიჩ ჩაიკოვსკი - კომპოზიტორი, დირიჟორი, მასწავლებელი.

ოპერა და სიმფონიური ჟანრები. მისი მუსიკის შინაარსი უნივერსალურია. მისი ოპერები "ყვავი დედოფალი" და "ევგენი ონეგინი" რუსული კლასიკური მუსიკის შედევრებია. სიმფონიას ასევე ცენტრალური ადგილი უჭირავს მის შემოქმედებაში. მისი ნამუშევრები ცნობილი გახდა მთელ მსოფლიოში მის სიცოცხლეში.

ახალი ვენის სკოლის წარმომადგენლები

A. Berg, A. Webern, A. Schoenberg არიან დიდი კომპოზიტორები, რომლებიც ცხოვრობდნენ და ქმნიდნენ თავიანთ ნაწარმოებებს მე-20 საუკუნის განმავლობაში.

ალბან ბერგი მსოფლიოში ცნობილი გახდა მისი საოცარი ოპერის Wozzeck-ის წყალობით, რომელმაც ძლიერი შთაბეჭდილება მოახდინა მსმენელზე. ის რამდენიმე წლის განმავლობაში წერდა. მისი პრემიერა შედგა 1925 წლის 14 დეკემბერს. IN ამჟამად"ვოცეკი" არის კლასიკური მაგალითიმე-20 საუკუნის ოპერები.

ანტონ ვებერნი - ავსტრიელი კომპოზიტორი, ახლის ერთ-ერთი ყველაზე ნათელი წარმომადგენელი ვენის სკოლა. თავის ნამუშევრებში იყენებდა სერიულ და დოდეკაფონურ ტექნიკას. მას ახასიათებს აზრის ლაკონურობა და ლაკონურობა, მუსიკალური და გამომხატველი საშუალებების კონცენტრაცია. მისმა შემოქმედებამ დიდი გავლენა მოახდინა სტრავინსკის, ბულეზზე, გუბაიდულინასა და ბევრ სხვა რუს და უცხოელ კომპოზიტორზე.

არნოლდ შენბერგი - ნათელი წარმომადგენელიისეთი მუსიკალური სტილი, როგორიცაა ექსპრესიონიზმი. სერიული და დოდეკაფონიური ტექნიკის ავტორი. მისი კომპოზიციები: მეორე სიმებიანი კვარტეტი (ფ-მკვეთრი მინორი), "დრამა მუსიკით გუნდისა და ორკესტრისთვის", ოპერა "მოსე და აარონი" და მრავალი სხვა.

J. Gershwin, O. Messiaen, C. Ives

ესენი არიან მე-20 საუკუნის უდიდესი კომპოზიტორები, რომლებიც ცნობილია მთელ მსოფლიოში.

ჯორჯ გერშვინი - ამერიკელი კომპოზიტორი, პიანისტი. ის უკიდურესად პოპულარული გახდა მისი ფართომასშტაბიანი ნამუშევრის პორგისა და ბესის წყალობით. ეს არის "ფოლკლორული" ოპერა. იგი ეფუძნება დუბოზ ჰეივორდის რომანს. არანაკლებ ცნობილია მისი ინსტრუმენტული ნაწარმოებები: "რაფსოდია ლურჯში ფორტეპიანოსა და ორკესტრისთვის", "ამერიკელი პარიზში", "მეორე რაფსოდია" და მრავალი სხვა.

ოლივიე მესიენი არის ფრანგი კომპოზიტორი, ორღანისტი, მასწავლებელი და მუსიკის თეორეტიკოსი. თავის ღირსშესანიშნავ თეორიულ ნაშრომებში გამოკვეთა მუსიკალური კომპოზიციის ახალი და საკმაოდ რთული პრინციპები. მის შემოქმედებაში აისახა თეოლოგიური იდეები. ის ძალიან მოხიბლული იყო ჩიტების ხმებით. ასე რომ, მან შექმნა "ჩიტების კატალოგი" ფორტეპიანოსათვის.

ჩარლზ აივსი ამერიკელი კომპოზიტორია. მის შემოქმედებაზე გავლენა იქონია ხალხურმა მუსიკამ. ამიტომ, მისი სტილი ძალიან უნიკალურია. მან შექმნა ხუთი სიმფონია, ხუთი ვიოლინოს სონატა, ორი საფორტეპიანო სონატა, კანტატა „ზეციური ქვეყანა“ და მრავალი სხვა ნაწარმოები.

XX საუკუნის რუსი კომპოზიტორები

ს.ს. პროკოფიევი, ი.ფ.სტრავინსკი, დ.დ.შოსტაკოვიჩი მე-20 საუკუნის უდიდესი კომპოზიტორები არიან.

სერგეი სერგეევიჩ პროკოფიევი - კომპოზიტორი, დირიჟორი, პიანისტი.

მისი მუსიკა მრავალფეროვანია შინაარსით. იგი შეიცავს ლირიკას და ეპიკას, იუმორს და დრამას, ფსიქოლოგიზმსა და დახასიათებას. საოპერო და საბალეტო შემოქმედებამ ჩამოაყალიბა ახალი პრინციპები და ტექნიკა მუსიკალური დრამატურგია. მისი ოპერებია "აფერისტი", "სიყვარული სამი ფორთოხლისადმი", "ომი და მშვიდობა". პროკოფიევი მუშაობდა კინომუსიკის ჟანრში. საყოველთაოდ ცნობილია მისი კანტატა „ალექსანდრე ნევსკი“, შექმნილი რეჟისორ ს.ეიზენშტეინთან თანამშრომლობით.

იგორ ფედოროვიჩ სტრავინსკი - ემიგრანტი კომპოზიტორი, დირიჟორი.

მისი შემოქმედება იყოფა რუსულ და უცხოურ პერიოდებად. მისი ყველაზე ნათელი ბალეტი: "პეტრუშკა", "გაზაფხულის რიტუალი", "ცეცხლოვანი ფრინველი". სტრავინსკიმ დიდი წვლილი შეიტანა სიმფონიურ ჟანრშიც.

დიმიტრი დიმიტრიევიჩ შოსტაკოვიჩი - კომპოზიტორი, მასწავლებელი, პიანისტი. მისი შემოქმედება მრავალმხრივია ჟანრებში და ფიგურალური შინაარსი. განსაკუთრებით მნიშვნელოვანია მისი, როგორც კომპოზიტორ-სიმფონისტის მნიშვნელობა. მისი თხუთმეტი სიმფონია ასახავს რთული სამყაროადამიანის გრძნობები გამოცდილებით, ბრძოლებით, ტრაგიკული კონფლიქტები. მისი ოპერა "კატერინა იზმაილოვა" - მშვენიერი ესეამ ჟანრის.

დასკვნა

დიდი კომპოზიტორების მუსიკა დაწერილია სხვადასხვა ჟანრში, შეიცავს მრავალმხრივ სიუჟეტებს, მუდმივად განახლებულ ტექნიკას, რომელიც შეესაბამება კონკრეტულ ეპოქას. ზოგიერთმა კომპოზიტორმა მიაღწია ბრწყინვალებას რამდენიმე ჟანრში, ზოგმა კი წარმატებით მოიცვა თითქმის ყველა სფერო. დიდი კომპოზიტორების მთელი გალაქტიკიდან ძნელია გამოყო საუკეთესო. ყველა მათგანმა მნიშვნელოვანი წვლილი შეიტანა მსოფლიო მუსიკალური კულტურის ისტორიაში.